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MICHAEL NYMAN

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ÍNDICE 1. BIOGRAFIA……………………………………………………………… ………….pág. 2 2. MINIMALISMO………………………………………………………… …………pág. 3 3. MÚSICA DE CINE…………………………………………………………………pág. 4 3.1 EL PIANO 3.2 GATTACA

4. MÚSICA DE CONCIERTO………………………………………………………pág. 7 4.2 MÚSICA INSTRUMENTAL 4.1 MÚSICA VOCAL 4.3 ÓPERA

5. WEBGRAFIA.............................................................. ...........pág. 10

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1. BIOGRAFIA Michael Nyman uno de los grandes compositores de este siglo demuestra con sus pocos trabajos a lo largo de su carrera que no son música de películas que es un excelente autor. Nació el 23 de marzo de 1944 en Londres, en el seno de una familia con antepasados polacos. Cursó estudios en la Real Academia de Música y en el King's College. En sus inicios no componía, se limitaba a ser un teórico de la música clásica que escribía artículos para periódicos, como The Spectator. Escribió Música Experimental: John Cage y sus seguidores, 1974. De la decisión de poner música a páginas de Goldoni surge "Il campiollo", una obra que interpreta en directo con una formación heterodoxa, que a la larga se convertirá en la cambiante Michael Nyman Band. En 1982, colabora con el director de cine Peter Greenaway, para quien compuso la banda sonora de El contrato del dibujante. Con Greenaway musicó sus cortometrajes: “Five postcards form capital cities”, “1-100, one to hundred”, “A walks through H”, “Vertical features remake” (todos ellos de 1.978), “The Falls” (1.980), “Act of God” (1.981), “Making a splash” (1.984), “26 bathrooms” (1.985), y el mediometraje “Death in the Seine” (1.988). De estos cortos muchas piezas están introducidas en algunos discos de Nyman que no son exclusivamente BSOs. Para largos, 5: “El contrato del dibujante” (1.982), “ZOO” (1.986), “Drowning by numbers” (1.988), “El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante” (1.989), y “Prospero´s books” (1.991). Nyman no soportó que Greenaway introdujera sonidos electrónicos en lo que era una partitura vocal de tres voces, así que en 1991 rompió su relación con Greenaway. Realiza una composición para el desfile de moda Yamamoto Perpetuo para Página 2

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el diseñador Yohji Yamamamoto, 1993. La banda sonora para el videojuego Enemy Zero, 1996. La partitura para la obra de teatro El hombre que confundió a su mujer con un sombrero, 1986. Trabajó para coreógrafos como Siobhan Davies, Shobana Jeyasingh, Lucinda Childs, Karine Saporta y Stephen Petronio. Escribe bandas sonoras para películas como “El Piano” de Jane Campion, 1992, El Ogro de Wolker Schlöndorf, 1996, o Wonderland de Michael Winterbottom, 1999 y además compone obras para la Michael Nyman Band. En el 2008 edita la banda sonora de la película Man on Wire del director James Marsh, inspirada en su álbum de 2006, The Composer's Cut Series Vol. II: Nyman/Greenaway Revisited. Casado con Aet Nyman, tiene dos hijas, Molly y Martha.

2. MINIMALISMO La música minimalista es una corriente de música contemporánea aparecida en Estados Unidos, específicamente neoyorquina, en los años 1960. Denomina también música repetitiva. Inicialmente, el minimalismo es una corriente pictórica o plástica en general que utiliza elementos mínimos o básicos que pueden ir desde los colores puros a las formas geométricas simples. Como el arquitecto Mies van der Rohe decía en su famosa frase “menos es más”. Se ha utilizado en perfiles como en la pintura, escultura, arquitectura, cine, montaje teatral etc. La primera vez que fue utilizada la palabra ''Minimalismo'' fue por el pensador y crítico Richard Wolheim en 1965 para referirse al la pintura de Ad Reinhardt conocido por sus pinturas negras. Exagerando un poco se ha hablado de Minimalismo en el arte rupestre del paso de realismo de Altamira al esquematismo de Alpera. A pesar de la estrechas relaciones entre los músicos y artistas plásticos minimalistas no fue hasta 1972 cuando se utilizó la palabra minimalista para la música. La música minimalista tiene diversas características pero no es imprescindible que las reúnan todas, de ahí que se pueda hablar de diferentes minimalismos. • Utilizar frases musicales muy características y cortas que se van repitiendo, propio del Minimalismo repetitivo con autores como Steve Reich; Terry Riley; Philip Glass. • Utilizar movimientos lentos para crear un ambiente de éxtasis sonoro,más propio de un Minimalismo místico de autores como Gorecki, maxwell Davies, Macmillan. • Recuperación de un fuerte estilo tonal y a veces modal más propio de los minimalistas repetitives aunque se puede dar mínimalismo plenamente atonal.

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• Austeridad y economía de medios. Reducción de elementos que tendían a una pureza de expresión. Una reacción contra la exuberancia de expresionismo abstracto. En conclusión las experiencias minimalistas americanas acabaron por ser engullidas por las técnicas repetitivas. Donde utilizaban el principio del reduccionismo acompañado de un principio básico de repetición de modelos que van cambiando. Estos modelos están basados en elementos melódicos y armónicos simples y claramente tonales, volviendo al uso de ritmos constantes. A veces estos ritmos pueden proceder de otras culturas o de la tosca música industrial. Los 4 principales compositores representantes de la música minimalista son La Monte Young (1935), Terry Riley (1935), Steve Reich (1936) y Philip Glass (1937). La obra considerada como fundadora del minimalismo fue In C de Terry Riley, compuesta en 1964. Muchos teóricos y compositores como Steve Reich consideran inadecuado el término minimalista ya que ese adjetivo engloba un conjunto de obras relativamente amplias. De hecho es posible encontrar cualquiera de estas cualidades en obras de arte ajenas a la corriente minimal. Desde los períodos de armonía prácticamente estática de los órganos de la escuela de Notre-Dame (en los que los pequeños elementos melódicos, de ámbitos muy reducidos, se repetían sobre una larga nota pedal), hasta la repetitiva melodía y ritmo del tambor en el Bolero de Maurice Ravel.

3. MÚSICA DE CINE Su trabajo más conocido para el cine es la banda sonora de “El Piano”, de Jane Campion. Una de sus mejores bandas sonoras es la de “Gattaca”, de Andrew Niccol. Como ocurría en el caso de “El Piano”, la música del genio inglés supera en belleza a las imágenes que acompaña, si bien ambas películas rayan a gran altura. Temas como “The Arrival” o “The Departure” desprenden una melancolía tal que son capaces de ponerte un nudo en la garganta con la emoción que te hacen sentir. The Arrival: https://www.youtube.com/watch?v=M33oxfw7aS0 Es el tipo de música que te invita a sumirte en reflexiones. Otras piezas destacadas de la película son “Gattaca Opening Theme” y “The Other Side”. Una curiosidad es el “Impromptu for 12 fingers”, en el que se permite hacer un homenaje a Schubert. Impromptu for 12 fingers: https://www.youtube.com/watch?v=iMv-yEkiE-s “El contrato del dibujante” es su colaboración más conocida y notable con el director de cine Peter Greenaway. La pieza “Chasing sheep is best left to Shepherds” se hizo muy popular al aparecer en un spot publicitario, pero la más compleja y valiosa es “The garden is becoming a Robe Room”. Página 4

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The garden is becoming a Robe Room: https://www.youtube.com/watch? v=ZBHxXSugcss Otra banda sonora es la de “El fin del romance”, de Neil Jordan. Aquí se combina como en pocas el violín y el piano, creando un ambiente romántico y sensible en extremo. “Love doesn´t end” es magistral, al igual que “Diary of hate” o “I know your Voice”. Love doesn´t end: https://www.youtube.com/watch?v=mOM_bCsh7Gw También cabe citar la banda sonora de “El Perdón”, de Michael Winterbottom, gran amigo del compositor. En esta ocasión, el compositor recurre a una voz femenina para acentuar el sentimiento dramático. “The Exchange” o “The snowy death” son una buena muestra de la calidad de esta banda sonora. The Exchange: https://www.youtube.com/watch?v=7eMKByi8tLA Para finalizar, una obra memorable de Michel Nyman que no se puede pasar por alto es la banda sonora de “Wonderland”, que contiene dos temas para piano dotados de una sensiblidad extraordinaria: “Nadia” y “Debbie”, que el realizador inglés usó años más tarde para acompañar otra de sus películas: “9 songs”, donde incluso podía verse a Nyman en pleno concierto. Nadia: https://www.youtube.com/watch?v=nJHnOzYu_lk

3.1 EL PIANO Es una película dirigida por Jane Campion y protagonizada por Holly Hunter, Anna Paquin, Sam Neill y Harvey Keitel. Ambientada en el año 1851, el relato comienza con la voz en of de una niña. Sin embargo, esa voz que oímos sólo existe en la mente de Ada, una viuda de mediana edad que quedó muda a los seis años. Se ha valido de la música, de su forma de tocar su piano como principal medio de expresión. Para comunicarse con los que la rodean cuenta con su pequeña hija Flora y un cuadernillo para escribir que cuelga de su cuello. Un matrimonio concertado la obliga a abandonar su Escocia natal para viajar hacia Nueva Zelanda, donde la espera un marido granjero, un colono bien educado y piadoso, Stewart el cual no teme a la discapacidad de Ada, pero carece de la sensibilidad necesaria para apreciar su música y lo que para ella representa. Su sufrimiento comienza en el mismo momento del desembarco en el nuevo Página 5

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continente, cuando su abundante equipaje no puede ser trasladado desde la playa hasta la granja por ningún medio de transporte y son los propios aborígenes los encargados de dicha tarea. Stewart obliga a Ada a abandonar el piano en la misma playa por ser una carga demasiado difícil y pesada. El vecino y amigo de su marido George será el único que intente ayudar a Ada para que pueda volver junto a su piano, iniciándose entre ambos una relación especialmente intensa e inesperada. La banda sonora la compuso Michael Nyman. “La banda sonora de El piano tiene una parte negativa que es que algunos creen que sólo he hecho eso” Michael Nyman. El compositor pronunció estas palabras durante una entrevista, y es comprensible su enfado ya que, ha intervenido en más de 100 proyectos. Algo que caracteriza a este compositor es que es capaz de encontrar la infalible melodía que se repetirá en casi todas las canciones que componen la música de sus films. Una melodía que se convierte en elemento clave para el acompañamiento del metraje y que se sabe transmitir no solo la esencia de cada escena en la que puede escucharse, sino que entona un himno global que hace reconocible la película, por muchos años que hayan pasado desde su estreno. Tráiler de la película: https://www.youtube.com/watch?v=0VRK1PQGwK0 “The heart asks pleasure first”: https://www.youtube.com/watch? v=NsQBKr_x-P4&list=PLfNWhmfPrftMW0iqBnvsQXJH-47XU6NZd

3.2 GATTACA Es una película dirigida por Andrew Nicol y protagonizada por Jude Law, Uma Thurman y Ethan Hawke. Ambientada en una sociedad futura, en la que la mayor parte de los niños son concebidos in vitro y con técnicas de selección genética. Vincent, uno de los últimos niños concebidos de modo natural, nace con una deficiencia cardíaca y no le auguran más de treinta años de vida. Se le considera un inválido y, como tal, está condenado a realizar los trabajos más desagradables. Su hermano Anton, en cambio, ha recibido una espléndida Página 6

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herencia genética que le garantiza múltiples oportunidades. Desde niño, Vincent sueña con viajar al espacio, pero sabe muy bien que nunca será seleccionado. Durante años ejerce toda clase de trabajos hasta que un día conoce a un hombre que le proporciona la clave para formar parte de la élite: suplantar a Jerome, un deportista que se quedó paralítico por culpa de un accidente. De este modo, Vincent ingresa en la Corporación Gattaca, una industria aeroespacial, que lo selecciona para realizar una misión en Titán. Todo irá bien, gracias a la ayuda de Jerome, hasta que el director del proyecto es asesinado y la consiguiente investigación pone en peligro los planes de Vincent. En resumen, Gattaca es una película que se sirve de la Ciencia Ficción para sumergirse en una historia de superación, de búsqueda de sueños, de reflexión sobre la propia identidad y aderezada, además, de notas de suspense, lo que la convierten en un cinta distinta. Sobria en su forma, intenta alejarse de los efectos visuales propios de la Sci-Fi para ahondar en sus personajes y plantear, a la par, un supuesto científico de plena vigencia en un futuro no muy lejano. La banda sonora compuesta por Michael Nyman, quizás uno de sus mejores trabajos (junto a la bso de El piano) se encarga de subrayar con sutileza ese mundo deshumanizado, esa pulcritud ambiental y esa atmósfera futurista que vemos en el film. A la vez, sabe romper ese tono monocorde (estético, que no musical) subrayando los momentos de suspense de manera altamente apropiada, pleno de pasión e intensidad. Tráiler de la película: https://www.youtube.com/watch?v=BpzVFdDeWyo

4. MÚSICA DE CONCIERTO Además de la música para el cine, Nyman tiene una serie de obras dirigidas para ser representades en concierto.Podemos destacar: 4.1 MÚSICA VOCAL

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The Michael Nyman Songbook El Cancionero Michael Nyman es una colección de canciones de Michael Nyman basada en textos de Paul Celan, Mozart, William Shakespeare y Arthur Rimbaud. Están escritos para soprano y conjunto instrumental. Se registró como un álbum con Ute Lemper en 1991. Six Celan Songs (Paul Celan) Ariel Songs (Shakespeare) I am an unusual thing (Mozart) L'Orgie Parisienne (Rimbaud) https://www.youtube.com/watch?v=ioB2XjCC10w 4.2 MÚSICA INSTRUMENTAL Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para su propio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976 para una producción de Carlo Goldoni titulada Il Campiello. La orquesta estaba compuesta por una formación heterodoxa; originalmente por instrumentos antiguos como el rebec y la chirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón, pero pasó a usar mas adelante un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxofones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sido modificada para algunos trabajos. https://www.youtube.com/watch?v=nKLFlEBXt0I En 1974 Nyman escribió sobre música experimental, Experimental Music: Cage and Beyond (Cage y sus seguidores), que exploraba la influencia de John Cage en los compositores de música clásica europea. Ha grabado también música pop, con los Flying Lizards. https://www.youtube.com/watch?v=jWDy34L75xY 4.3 ÓPERA Facing Goya (2000) es una ópera en cuatro actos con libreto de Victoria Hardie. Es una expansión de su ópera en un acto llamado de Vital Statistics de 1987. El argumento gira en torno a la búsqueda de la calavera de Francisco Goya, enterrado en Burdeos (Francia) en 1828, y a cuyo cadaver, según una leyenda, le faltaba la cabeza por expreso deseo del pintor. El estudio de grabación incluye cinco violines, dos violas, cello, dos contrabajos, dos de cada uno de soprano y saxo alto (duplicado), saxo barítono, flauta, flauta alto, flautín, la trompeta y el fliscorno (duplicado), trompa, trombón bajo ( duplicado), tuba (duplicado), bombardino (duplicado), y la guitarra eléctrica. Michael Nyman descubrió a Goya para su ópera cuando leyó en el Financial Times un artículo sobre la tumba del pintor, que contiene el cuerpo sin cabeza. "Muchas cosas me han pasado por accidente, y por esta lectura Página 8

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pude insertar la cabeza de Goya en el cuerpo de la ópera", declaró Nyman. El compositor parte de las teorías de craneometría del siglo XIX, que demuestran la superioridad del cerebro del varón blanco europeo frente al de los judíos, africanos, esquimales, mujeres y criminales, para extender los mitos racistas y el arte degenerativo a la Alemania nazi, a un laboratorio biotecnológico genético de 1982 y el fallo de los premios Nobel en Estocolmo en 2001, que son las cuatro partes de la ópera. Esta ópera habla de las teorías y prácticas del “racismo científico” decimonónico, de la reconstrucción de rostros humanos a partir de los cráneos, de las controversias científicas acerca de la raza, la clase, la criminalidad, la eugenesia (disciplina encargada de medir, clasificar y seleccionar individuos), de la clonación y del proyecto Genoma Humano. Asimismo de la idea de que el aspecto externo revela el mundo interior, o que el tamaño del cerebro, el ángulo facial o la forma de las orejas son indicadores del carácter, de la personalidad y del talento de un individuo; Ésta no es una ópera convencional tal como se entendía en los siglos XVIII y XIX aunque està dotada de linealidad (la búsqueda del cerebro de Goya) y aunque posee los elementos básicos del género operístico (música, imagen y drama). Nyman utiliza en su ópera citas de cartas de Goya, títulos de sus Caprichos y opiniones sobre políticos corruptos y prostitutas. "Me interesa dar sentido musical a las ideas intelectuales, abstractas, y conseguir un sentido emotivo”. https://www.youtube.com/watch?v=zlAlg71b5pc https://www.youtube.com/watch?v=DYrsY6vGXh8 The man who mistook his wife for a hat El hombre que confundió a su mujer con un sombrero es una ópera de Michael Nyman con libreto de Christopher Rawlence basado en el estudio de un caso real llevado a cabo por el Dr. En neurología Oliver Sacks. Es una adaptación de Michael Morris, Michael Nyman y Christopher Rawlence. La ópera narra el caso de un páciente que sufre una curiosa patología: confunde objetos de la cotidianidad y sólo puede reconstruir su sentido a través de la música. El tratamiento irónico y humorístico que plantea el libro fue lo que más atrajo a Nyman. "Este paciente utiliza la música para poder seguir en la primavera de su vida; sin ella està mutilado, cortado de la realidad. Fue la filosofía que lleva envuelto todo esto lo que más me enganchó y no el caso específico, sino cómo se plantea”. Nyman hace uso de su característico estilo minimalista. Hace uso en su estilo minimalista de música de R. Schumann, e particular de “Ich grolle night” de Dichterliebe , en el cual el doctor. S acompaña al Dr. P cantando la Ossias como contrapunto. Esta ópera explora el mundo de una persona, el Dr. P –nombrado así para guardar su identidad- atendido por una “ceguera mental” debida a una lesión de las partes del cerebro que se ocupan de la función visual. Los pacientes que sufren de esta enfermedad “ven sin ver”; ven los colores, las líneas, los contornos, las formas simples, los Página 9

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movimientos, pero no pueden reconocer qué es lo que ven ni son capaces de encontrarle sentido. No pueden reconocer a la gente o los lugares habituales ni entienden lo que sucede a su alrededor. Su mundo visual pierde toda significación y familiaridad y su realidad se vuelve caótica, abstracta y desconcertante. Para el libreto Christopher primero profundizó en el carácter de la Sra. P para darle una presencia tangible. El Dr. P murió en 1983 y tanto Nyman como Rawlence pidieron autorización a su viuda para crear la ópera a partir de la historia de su esposo pero la señora se rehusó pues la idea no le gustaba debido a lo mucho que había sufrido al ser el apoyo afectivo y el soporte gracias al cual su marido había podido vèncer la enfermedad por algún tiempo hasta que se le reveló alzheimer y después un proceso de degeneración que finalmente lo llevó a la muerte. Entonces ellos decidieron ir a New York para persuadirla y asegurarle que el caso se manejaría correctamente y que ella y su marido conservarían su anonimato. La reunión duró 4 horas y finalmente la Sra. P aceptó. Lo que inicialmente interesó fue saber cómo y cuándo una persona se da cuenta de la enfermedad que sufre porque ésta mina poco a poco su conciencia y cuál es el punto en el que esa persona es capaz, neurológicamente, de reconocer que tiene problemas. En el caso del Dr. P, un talentoso músico, sus extraordinarias dotes musicales le permitieron dar un nuevo sentido al mundo que lo rodeaba musicalizándolo. La Sra. P dijo que su marido había elaborado un repertorio de canciones que le servían para cada una de sus actividades diarias: comer, bañarse, rasurarse, vestirse, orientarse etc. y que era sobre todo la música de Schumann la preferida de su marido. Por eso en esta ópera el Dr. P y su esposa representan los elementos heroicos de la obra, pero sobre todo, muestra la fuerza de la música y su gran poder de organización e integración así como su capacidad de dar sentido a un mundo en ruinas. En el Dr. P existía una fuerza musical interior jubilosa; de ahí que su universo fuera musicalizado ya que sin la música éste se disociaba y la vida se detenía. Esta ópera es verdadera y fiel a la experiencia del Dr. P. por lo que El hombre que confundió a su mujer con un sombrero es una ópera “neurológica”, la primera en su género, tanto en el mundo de la neurología como en el de la ópera. https://www.youtube.com/watch?v=c5W3qGUa9XU(original “ich grolle night) https://www.youtube.com/watch?v=1a6Tgd0MHgM (“Ich grolle night” opera Nyman) https://www.youtube.com/watch?v=g9cZcCtMEL4 (final opera) Página 10

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OTRAS OPERAS • Noises, Sounds & Sweet Airs (1987) para un soprano, un alto, un tenor, dos saxofones y orquesta, basada en la banda sonora, también de Nyman, La Princesse de Milan. • Man and Boy: Dada (2003) • Love Counts (2005)

5. WEBGRAFIA

Bartolomé, Ó. (2016). Bandas sonoras | Michael Nyman Gabriel Yared Angelo Badalamenti Hans Zimmer Clint Mansell. [online] El-parnasillo.com. Disponible en: http://www.el-parnasillo.com/bandassonoras.htm#nyman [23 Sep. 2016].

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