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2011

Belleza, moral y voluptuosidad en la Inglaterra de Oscar Wilde

En busca de una nueva belleza, 1860–1870 A mitades del siglo XIX, en Reino Unido, una cacofonía de estilos y de teorías trastorna el mundo del arte y de las artes aplicadas. De esta confusión emerge, sin embargo, un ideal claro y revolucionario: la búsqueda de una nueva belleza. Los artistas asociados a lo que se llamará el Aesthetic Movement pretenden nada menos que la creación de una forma de arte liberada de los preceptos de la Royal Academy, emancipada de las convenciones sociales. Se promulga el arte por el arte; un arte sin más vocación que la belleza. Thomas Armstrong Los cuadros pintados por los "estetas" El campo de heno no son ni narrativos, ni morales; sus © V&A Images esculturas ofrecen simplemente una delicia visual y táctil, evocadora de los placeres sensuales; su poesía pretende ser "pura". El mismo espíritu se extiende al grabado, a la encuadernación, la moda o la fotografía y afecta, en particular, todas las formas de las artes decorativas. El objetivo consiste en transformar el mobiliario banal y pretencioso de los interiores de clase media victoriana, introduciendo muebles dignos de la apelación "muebles de arte"; producir cerámicas, tejidos, papeles pintados y demás objetos bastante delicados para merecer su espacio en el seno de la vivienda de los "estetas". Edward William Godwin

Los primeros círculos "estetas"

Aparador © V&A Images

En su origen, el Movimiento estuvo formado por dos grupos pequeños, bastante homogéneos, que mantuvieron entre ellos estrechas y complejas relaciones. El grupo de Holland Park, en primer lugar, tiene como centro el Little Holland House, la

residencia de la familia Prinsep, que constituye uno de los polos de atracción de la vida artística, literaria e intelectual del Londres victoriano. Alrededor de dos figuras de mayor relevancia del grupo, Frederic Leighton y George Frederic Watts, podemos cruzarnos con otras personalidades reconocidas como Tennyson o Julia Margaret Cameron. El segundo grupo reúne, por lo menos durante un tiempo, bohemios románticos como Dante Gabriel Rossetti y sus discípulos prerrafaelitas, incluidos William Morris y Edward Burne­Jones; figuras rebeldes como James McNeill Whistler, recién llegado de París y nutrido por las ideas francesas sobre la pintura moderna juzgadas como peligrosas; los "olímpicos", pintores de gigantescos temas clásicos, vinculados con el círculo de Leighton y Watts.

Frederic Leighton Pavonia

Eligiendo modelos que se desmarcan del gusto victoriano en favor de una feminidad discreta, como Lizzie Siddal, musa pelirroja de Rossetti y de los prerrafaelitas, o la orgullosa italiana Nanna Risi, elegida por Leighton, los pintores "estetas" proponen una nueva visión de la belleza femenina, de una sensualidad asumida.

© Christie's Images

Por fin, escritores y críticos gravitan también en torno a este círculo, como el hermano de Rossetti, William Michael, y el joven Algernon Swinburne. Ambos se esforzarán en describir los principios literarios y artísticos del esteticismo, e intentarán mostrar los vínculos que unen obras aparentemente heteróclitas.    

A partir de los años 1870, El arte por el arte Bajo el impulso de Swinburne, los primeros artistas del Aesthetic Movement doptan la teoría parnasiana del Arte por el arte. La fórmula fue difundida por Théophile Gautier, en 1835, en el prefacio de su novela Mademoiselle de Maupin. Según esta doctrina, el arte ha de liberarse de cualquier preocupación de orden moral, utilitario o religioso, y no debe tener otro fin que él mismo. Este ideal teórico del arte por el arte se refleja favorablemente en Oscar Wilde y en James McNeill Whistler, antes de incorporar un amplio auditorio a la causa del Aesthetic Movement.  La tranquila revolución iniciada diez años antes crece entonces en torno a la renovación de las artes decorativas. Se abre así un camino que conducirá a la noción actual de diseño, con unos cuantos creadores relevantes como Godwin, Dresser, Morris y Whistler. Su inspiración procede de la historia y de la geografía lejanas: Oriente, Grecia, Egipto antiguo o también el Sinfonía en blanco n.° 2: La niña Japón de las estampas. En efecto, Japón abre blanca oficialmente sus fronteras a Occidente, en 1854, con la © Tate, London, 2011 firma del tratado de Kanagawa. Los objetos japoneses que llegan en masa al mercado a partir de 1862 entusiasman Europa y Estados Unidos, y servirán de referencia para toda una serie de creaciones originales que hoy parecen todavía revolucionarias. Estas fuentes se transmiten mediante un extenso conocimiento de los estilos antiguos, pero también por el de las culturas islámicas y asiáticas que se enmarcan en los ideales enciclopédicos del South Kensington Museum, de reciente creación, convertido posteriormente en el Victoria & Albert Museum. James McNeill Whistler

En pintura, Whistler, Leighton, Watts, Moore o Burne­Jones se orientan hacia un estilo

innovador que privilegia la armonía de los colores en detrimento del tema. De este periodo datan las obras de Whistler tituladas Nocturno, Sinfonía, que desconciertan entonces a un determinado público confrontado a la ausencia de acabado pictórico. La primera exposición organizada en la Grosvenor Gallery estará marcada por algunas violentas peleas que oponen Whistler a Ruskin, éste último defendiendo un arte basado en la fidelidad a la naturaleza, alentando el trabajo minucioso del detalle y afirmando que la belleza no se puede desprender de consideraciones morales y religiosas. 

Christopher Dresser Tetera Diamante © V&A Images

La Grovesnor Gallery A comienzos de la década de 1870, una amplia parte del público percibe todavía el Aesthetic Movement como elitista, egocéntrico, véase inmoral. Fue solamente más tarde durante la década, gracias al apoyo creciente de mecenas ilustrados y de críticos, que el Movimiento comienza a progresar de un modo más positivo.  La inauguración en 1877, por Sir Coutts Lindsay de la Grosvenor Gallery, para exponer el trabajo de sus amigos "estetas" en un entorno Sir Edward Burne­Jones grandioso y favorable, sigue siendo no Laus Veneris obstante un atrevimiento. Desde el © Tyne & Wear Archives & Museums principio, la Grosvenor Gallery fue diseñada para servir de alternativa a las superpobladas Summer Exhibitions de la Royal Academy. Modeladas en el estilo de las grandes galerías de pintura de las residencias privadas, sus salas lujosamente decoradas se convierten de inmediato para los artistas en el lugar más destacado para realizar cualquier exposición.. Para su primera edición, se tienden los muros de seda carmesí. Al año siguiente, ésta fue substituida costosamente, a solicitud de los artistas, por un verde "artístico" bien distinto. Esto inspirará a Gilbert y Sullivan la famosa expresión: "greenery­yallery, Grosvenor Gallery". No obstante, la violente diatriba de John Ruskin con respecto a las pinturas de Whistler pone en tela de juicio el propio principio del arte por el arte. La década finaliza sobre esta controversia cuya sombra ronda al Movimiento. Sir William Blake Richmond Mrs Luke Ionides © V&A Images

   

Bellas personas y residencias de estetas. 1870­1890 El inmenso éxito de la Grosvenor Gallery anuncia la llegada de una nueva élite artística cuyo prestigio social representa un desafío, sin parangón, para la Royal Academy. Las pinturas del Aesthetic Movement generan el entusiasmo de un círculo de intelectuales y de ricos admiradores.. Además de encargar pinturas y retratos, a sus adeptos les gusta redecorar su interior a la manera del Movimiento, yendo hasta vestirse de la misma manera.

Paulatinamente, la mayoría acaba por sumarse al Movimiento. El esteticismo, objeto de entusiasmo reservado a unos escasos iniciados, se convierte en una forma artística y en una opción de vida más extendida. El papel de la mujer cobra importancia con la introducción del arte en la casa, pero también con el cambio de los canones de la belleza femenina que rechazan el corsé y privilegian los drapeados fluidos en tejidos lisos, la indumentaria mostrando más sofisticación que lujo. 

Edward William Godwin ; Editado por William Watt Armonía en amarillo y oro, el aparador

Durante este periodo, las joyas también pretenden más expresar las cualidades artísticas, en lugar del valor intrínseco. Edward Burne­Jones diseña, por ejemplo, varias variantes del broche Pájaro.

Broche

© V&A Images Continúa, sin embargo, el University of Glasgow 2011 debate sobre los valores artísticos y estéticos de este nuevo arte. Whistler, como siempre, se siente en la obligación de defender los ideales del arte por el arte, a la vez en sus escritos y en la presentación de sus propias exposiciones. De un modo general, no obstante, el sentimiento que prevalece es el de una batalla ganada. "Mariposa"

© The Hunterian Museum & Art gallery,

Un ejemplo importante: The Peacock Room / "La estancia de los pavos reales" The Peacock Room encarna la más famosa decoración de interior del Aesthetic Movement. La estancia empieza por servir de comedor en el 49 Princes Gate, residencia londinense del armador Frederick Leyland. De los más hábiles coleccionistas de la época, Leyland posee numerosas y notables pinturas de los "estetas" y de los grandes maestros, incluida The Syracusan Bride [La Novia de Siracusa] de Leighton.

Arthur Silver Tejido para mobiliario Plumas de pavo real [Peacock furnishing fabric] © V&A Images

En su origen, la estancia se encuentra tapizada en piel antigua dorada y gofrada que sirve de decorado para las porcelanas blancas y azules que volvían locos a los "estetas". Leyland cuelga encima de la chimenea la pintura de Whistler, recientemente adquirida, La Princesa del país de la porcelana. Su autor pregunta si puede difuminar algunos colores intensos de la piel para armonizarla con la obra. Leyland acepta y deja a

Whistler solo en la casa.  Durante el verano de 1876, éste transforma por completo la estancia, pintando pavos reales dorados, antes de mantener las puertas abiertas y hacer famoso el lugar durante la ausencia de su mecenas. En 1908, la decoración se vende a un admirador americano de Whistler, Charles Freer. Desde 1923, la Freer Gallery de Washington muestra este símbolo del Aesthetic Movement que resume tanto el atrevimiento artístico de los estetas, como sus gustos y sus universos. 

   

Desarrollo tardío. 1880­1900 En la década de 1880, el Reino Unido es el centro de una locura estética "greenery­yallery", de la que se burlan sutilmente Gilbert y Sullivan en su opereta Patience y las caricaturas de George Du Maurier en Punch. Hacia el final de la década de 1880, incluso posteriormente en los años 1890, numerosas figuras relevantes siguen activas. Morris sigue trabajando con una energía feroz hasta su muerte en 1896. Burne­ Jones, Leighton, Moore y Watts siguen todos pintando sus visiones, cada vez más oníricas, en grandes composiciones hieráticas. Además, estos hombres, ahora famosos, utilizan su posición para alentar a una joven generación que intenta que perduren numerosos ideales del Movimiento. La fotografía reivindica, de ahora en adelante, su completo lugar como disciplina artística, mientras que la escultura observa una nueva recuperación de vitalidad bajo el impulso de Alfred Gilbert, cuyas sensuales obras originaron la "nueva escultura" inglesa. Cualquiera que sea el medio elegido, los artistas del esteticismo se distinguen por sus efectos sutiles y elegantes. Edward Burne­Jones La rueda de la Fortuna © RMN­Grand Palais (Musée d'Orsay) / Gérard Blot

Sátira y popularidad. Oscar Wilde, el Aesthetic Movement y la sátira Al aparecer la figura del "esteta" en los años 1870, con su sensibilidad y su relación apasionada con las artes, fue asociada con ideas "malsanas" y extranjeras, potencialmente peligrosas. Algunos escritos habían sido denunciados por sus temas, marcados por la influencia de Baudelaire, que mezclan el amor sensual, la lujuria y la crueldad. La ausencia reivindicada de "fibra moral", por su parte, se oponía a los valores de la sociedad victoriana. Sin embargo, en los años 1880, los "estetas" de cabello largo, vestidos de terciopelo, se convierten en el objeto de una sátira más afectuosa. Con una precisión extraordinaria, se les ridiculiza por lo que Gilbert y Sullivan llaman sus poses Angular and Flat (angulosas y sosas) como las vidrieras, su discurso ultra afectado y su entusiasmo por los "lilas malvas", los girasoles, las plumas de pavo real, la porcelana blanca y azul, y los abanicos japoneses. Napoléon Sarony

Proclamándose primer gurú del estilo, Oscar Wilde Retrato de Oscar Wilde (1854­1900) adopta hábilmente la postura del "esteta" y © National Portrait Gallery, accede a la fama mediante conferencias sobre los London ideales del Aesthetic Movement. Su nombre y su presencia se convierten, hasta tal punto, en sinónimos del movimiento que su caída en 1895 – fue condenado a dos años de cárcel por homosexualidad, tras un proceso muy sonado – desacredita el Aesthetic Movement para toda una generación.    

El crepúsculo del Aesthetic Movement Algunas teorías sugieren que las exageraciones y las afectaciones de sus adeptos, que retumban en la sátira y en la parodia, debilitan la fuerza creadora del Movimiento: pintura y poesía pierden su impulso, los muebles "artísticos" se reciclan en los arrabales... la belleza se marchita. Además, en su fase tardía, el esteticismo está asociado con la idea de decadencia. Se establecen paralelismos entre el esteticismo, la homosexualidad y el catolicismo, todavía percibido como una amenaza para la Inglaterra protestante, lo que desacredita el Movimiento.

Pero, aunque la muerte de Rossetti, en 1882, y de Faustine Godwin, en 1886, prive al © RMN­Grand Palais (Musée movimiento de dos de sus d'Orsay) / Hervé Lewandowski © figuras más influyentes, en The Estate of Maxwell Armfield / Londres, en los años 1890, Bridgeman Art Library asistimos a la emergencia de una generación que comparte numerosos valores de las primeras fases del Aesthetic Movement.  Maxwell Armfield

Durante la última década del reinado de la Reina Victoria, se da un nuevo enfoque a las ideas clave del Movimiento dotándolas de una sensibilidad más exacerbada, motivo por el que el personaje del "esteta" da paso al del Aubrey Beardsley "decadente". No se trata, sin embargo, de la expresión El Clímax : Ilustración para delicuescente de teorías artísticas en vías de extinción, ni Salomé de Oscar Wilde (The de un pueril deseo de transgredir los códigos y las Climax) convenciones. Se ha de ver, en este último periodo, la © V&A Images encarnación de un remate de refinamiento, la eclosión final de la postura artística e intelectual del Aesthetic Movement.     Volver a la presentación general de la exposición Volver a la lista de las exposiciones