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Taller de Fotografía Municipalidad de la Ciudad de Mendoza D.I. Anahí Gómez

ÍNDICE Introducción. Qué es la fotografía. Tipos de cámaras............................................................2 Componentes de una cámara................................................................................................4 Controles habituales de una cámara......................................................................................8 El ABC de la fotografía. EL triángulo de la luz.......................................................................13 Ley de reciprocidad................................................................................................................17 Composición. Principios y reglas de composición fotográfica...............................................21 Pesos visuales.......................................................................................................................27 Fotografía Macro....................................................................................................................36 Color.......................................................................................................................................38 Sombras Como Parte de la Composición..............................................................................44 Iluminación.............................................................................................................................48 Clave Alta/Clave Baja.............................................................................................................52 Venciendo la oscuridad..........................................................................................................54 Pasos para un buen retrato....................................................................................................61 Cómo iluminar tus retratos.....................................................................................................62 Los 7 Tipos de Plano Clave en el Retrato..............................................................................65 Movimientos artísticos Neoclasicismo....................................................................................................................68 Romanticismo....................................................................................................................70 Realismo............................................................................................................................75 Impresionismo....................................................................................................................78 Expresionismo....................................................................................................................81 Futurismo...........................................................................................................................82 Neoplasticismo...................................................................................................................85 Surrealismo........................................................................................................................88 Pop Art................................................................................................................................91 .

Taller de Fotografía D.I. Anahí Gómez Juventudes - Municipalidad de la Ciudad de Mendoza

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INTRODUCCIÓN ¿Qué es la fotografía? “Fotografiar es pintar con la luz” Una cámara fotográfica o cámara de fotos es un dispositivo utilizado para capturar imágenes o fotografías. Es un mecanismo antiguo para proyectar imágenes, en el que una habitación entera desempeñaba las mismas funciones que una cámara fotográfica actual por dentro, con la diferencia que en aquella época no había posibilidad de guardar la imagen a menos que ésta se trazara manualmente. Las cámaras actuales pueden ser sensibles al espectro visible o a otras porciones del espectro electromagnético y su uso principal es capturar la imagen que se encuentra en el campo visual. Las cámaras fotográficas constan de una cámara oscura cerrada, con una abertura en uno de los extremos para que pueda entrar la luz, y una superficie plana de formación de la imagen o de visualización para capturar la luz en el otro extremo. La mayoría de las cámaras fotográficas tienen un objetivo formado de lentes, ubicado delante de la abertura de la cámara fotográfica para controlar la luz entrante y para enfocar la imagen, o parte de la imagen. El diámetro de esta abertura (conocido como apertura) suele modificarse con un diafragma, aunque algunos objetivos tienen apertura fija. Mientras que la apertura y el brillo de la escena controlan la cantidad de luz que entra por unidad de tiempo, en la cámara durante el proceso fotográfico, el obturador controla el lapso en que la luz incide en la superficie de grabación. Por ejemplo, en situaciones con poca luz, la velocidad de obturación será menor (mayor tiempo abierto) para permitir que la película reciba la cantidad de luz necesaria para asegurar una exposición correcta.

Tipos de cámaras Existen multitud de tipos distintos de cámaras fotográficas, y los posibles criterios de clasificación son también innumerables teniendo en cuenta la complejidad y especialización que ha alcanzado la tecnología en este campo. Cámaras compactas de 35mm Sin duda las cámaras compactas de 35mm son las más extendidas mundialmente, son de gran sencillez de uso y requiere conocimientos y práctica fotográfica mínima. Las características principales son: -Menor costo -Visor óptico directo -Objetivo no intercambiable Cámaras APS Si bien estas cámaras tuvieron una corta vida, y en la actualidad no se utilizan, es interesante considerar que fueron el resultado de la primera unificación entre el sistema analógico y el digital, ya que el registro de la imagen se realizaba sobre película, pudiendo agregarse a la misma información digital. Las cámaras APS (Advanced Photo System) son el resultado del acuerdo adoptado por varios fabricantes mundiales (entre otros Canon, Agfa, Polaroid, Kodak, Fuji y Nikon) para conseguir simplificar el funcionamiento de las cámaras fotográficas para los usuarios inexpertos y además introducir mejoras sustanciales frente a las comunes cámaras compactas de 35mm.

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Cámaras réflex SLR Una cámara réflex SLR (Single Lens Reflex) es una cámara fotográfica en la cual la imagen que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará capturada. Eso se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o sistema de espejos. Al igual que las cámaras compactas, pueden ser cámaras tradicionales de película fotográfica o digitales (DSLR). Éstas suelen ser las cámaras preferidas por los fotógrafos aficionados y profesionales, ya que permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros y disponen de multitud de accesorios intercambiables para distintos propósitos. En general poseen las siguientes características: - Visor réflex o de pentaprisma, que permite ver exactamente lo que se ve a través del objetivo. - Objetivos intercambiables. - Fotómetro o exposímetro incorporado. - Zapata de conexión para flash externo. - Control (anillo) de enfoque manual. - Obturadores muy rápidos.

Cámaras digitales Una cámara digital es un dispositivo electrónico usado para capturar y almacenar fotografías electrónicamente en lugar de usar películas fotográficas como las cámaras convencionales.

Otros tipos menos habituales:

Cámara TLR (Twin Lens Reflex): es una cámara réflex de objetivos gemelos (uno encima de otro) que intenta solventar el principal problema del visor réflex, el que no se pueda ver la imagen durante el disparo (ya que el espejo que la conduce se abate para dejar pasar la luz hacia la película fotográfica o el sensor de imagen). Para ello monta dos objetivos: uno para tomar la foto y otro para conducir la imagen hacia el visor. Debido a esta configuración, adolecen del error de paralaje y de inversión lateral de la imagen en el visor, por lo que hay que acostumbrarse a usarlas sobre todo para realizar fotografías de objetos en movimiento. Son cámaras en desuso y muy pocas tienen objetivos intercambiables. Además habría que comprar dos objetivos para cada distancia focal.

Cámara panorámica: que proporcionan un ángulo de visión superior sin deformaciones.

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Cámaras esteroescópicas: Son cámaras que realizan simultáneamente 2 fotografías desde dos puntos separados 63 mm., que es la distancia normal de separación entre las dos pupilas. Aunque tuvieron su época dorada, hoy en día se fabrican muy pocas.

Cámara subacuática: específicamente diseñadas para trabajar bajo el agua a gran profundidad.

Cámara estenopeica: es una cámara fotográfica sin lente, que consiste en unacaja con sólo un pequeño agujero por donde entra la luz, y un material fotosensible.

Cámara GoPro: es una cámara normalmente usada para fotografía en acción extrema. Son conocidas por ser compactas, livianas, montables en lugares inusuales como aviones, autos, botes, bicicletas, motocicletas, etc. Estas cámaras capturan fotos y/o video en HD a través de un amplio lente y puede ser configurada para trabajar de manera automática con muy poca intervención y/o de manera remota.

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COMPONENTES BÁSICOS DE UNA CÁMARA

Elemento fotosensible Toda cámara fotográfica necesita un elemento sensible a la luz que registre de algún modo la imagen que procede del objetivo. Este soporte será normalmente uno de los siguientes: - Una película fotográfica, que es un soporte compuesto fundamentalmente por una emulsión de gelatina y cristales de haluros de plata (generalmente cloruro, yoduro o bromuro de plata) que se descomponen al recibir cierta dosis de radiación electromagnética, de baja longitud de onda, formando un germen de plata metálica apenas visible. Este es el soporte más habitual en fotografía química. - Papel fotográfico auto-revelable, que no deja de ser una variante de película fotográfica positiva utilizada para la fotografía con cámara instantánea. - Un sensor de imagen electrónico, que es un chip formado por millones de componentes sensibles a la luz (fototransistor) y por algún mecanismo para percibir los distintos componentes de color (distintas longitudes de onda de la luz). Este es el soporte utilizado en las cámaras digitales en fotografía digital.

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Visor El visor es el sistema óptico que permite encuadrar el campo visual que se pretende que abarque la fotografía. Es decir, el visor es la ventanilla, pantalla o marco incorporado a la cámara o sujeto a ella de que se sirve el fotógrafo para previsualizar, exacta o aproximadamente, la relación motivo/entorno que abarca el objetivo. El visor es una de las partes más importantes de cualquier cámara, puesto que es el modo que tiene el fotógrafo de encuadrar y componer cada fotografía. Objetivo Se denomina objetivo al conjunto de lentes convergentes y divergentes que forman parte de la óptica de una cámara. Su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto. Esta imagen se lanzará contra el soporte sensible: Sensor de imagen en el caso de una cámara digital, y película sensible en la fotografía química. Distancia Focal: es el alcance del objetivo. Cuanto mayor sea el valor, el objetivo tendrá más “zoom” por decirlo de alguna manera. Mayor la distancia focal, mayor “zoom” tendrá el objetivo. Menor distancia focal, más “lejos” se verán las cosas, digamos, pero el encuadre o ángulo de visión será mucho más amplio en cambio. La distancia se mide en milímetros. una distancia focal de 70mm significa que el objetivo es capaz de hacer zoom y acercarnos al sujeto fotografiado mucho más que un objetivo con distancia focal de 18mm. Y uno de 200mm tendrá todavía mayor capacidad de zoom. Los objetivos que abarcan amplios rangos de distancia focal (por ejemplo un 18-300mm) pierden especialización, ya que tienen que dar un buen resultado disparemos a 18mm, a 120mm ó a 300mm, así que no lo pueden hacer de manera EXCELENTE, sino que consiguen resultados medianamente “aceptables”. En cambio, un objetivo de distancia focal fija, por ejemplo 35mm, 50 u 80mm es un objetivo fabricado especialmente para rendir bien en esa distancia focal en concreto, luego es su dominio de especialización y por lo tanto nos ofrecerá la mejor calidad óptica posible.

Diafragma El diafragma es el método que regula la apertura de un sistema óptico. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de apertura del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de apertura efectivo.

Obturador El obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el cual llega la luz al elemento sensible (película o sensor de imagen). Consiste normalmente en una cortinilla situada en el cuerpo de la cámara, justo delante de este elemento fotosensible y obviamente detrás del objetivo; la cortinilla se abre y cierra el tiempo que esté configurado en la cámara para dejar pasar la luz hacia el elemento fotosensible.

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Otros elementos habituales Exposímetro: El exposímetro o fotómetro se trata de un dispositivo que da la medida de la exposición que tendrá el elemento fotosensible con la configuración de apertura y velocidad de obturación configuradas. Aunque hoy día la gran mayoría de las cámaras llevan un exposímetro incorporado,los exposímetros manuales son una accesorio de gran utilidad, especialmente en situaciones de iluminación difícil. Flash incorporado: El flash es un dispositivo que actúa como fuente de luz artificial para iluminar escenas de forma sincronizada con el disparo de la cámara. Se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la instantánea con una exposición determinada aunque también tiene otros usos. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable. Normalmente los flash incorporados en las cámaras son luces equilibradas a 5500 K, al igual que la luz de un día soleado. Hoy en día la gran mayoría de las cámaras vienen con un flash incorporado y, muchas cámaras, disponen de zapatas estándar de conexión de flash externo.

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CONTROLES HABITUALES DE UNA CÁMARA Dependiendo del tipo, marca y modelo de cámara, ésta dispondrá de más o menos controles para permitir al fotógrafo configurar la cámara a su gusto. Las cámaras habitualmente más versátiles en este sentido son las cámara réflex SLR si bien en cualquier cámara de gama semi-profesional o profesional se encuentran todos los controles citados a continuación. En las cámaras digitales y en las compactas algunos de estos controles pueden ser automáticos o electrónicos. - Anillo de enfoque: El anillo de enfoque es un control que permite enfocar las lentes del objetivo para percibir nítidamente el motivo de la fotografía. Las cámaras compactas suelen carecer de este control bien por tratarse de objetivos enfocados a infinito (de modo que prácticamente cualquier objeto a partir de una cierta distancia se verá nítido), bien por disponer de un sistema automático de autofoco. En las cámaras que disponen de la posibilidad de enfoque manual este control está situado en el objetivo (no en el cuerpo de la cámara) y presentará normalmente una escala en metros. Ajustando suavemente este control se puede comprobar cómo la imagen percibida en el visor se enfocará o desenfocará. Algunos objetivos presentan algún mecanismo de ayuda al enfoque, siendo el más habitual la lente partida de Fresnel, consistente en un pequeño círculo que se puede ver a través del visor en el que, cuando la imagen no esté perfectamente enfocada, se percibirá la imagen invertida dentro del círculo y cuando el objeto que se visualiza dentro del círculo esté enfocado ya se verá perfectamente alineada con el resto de la imagen del visor. Este mecanismo facilita enormemente el enfoque ya que permite apuntar hacia el motivo que se desea que se vea nítido y, jugando suavemente con el anillo de enfoque, llevarlo hasta la posición en que las lentes se alinean y la imagen se ve completa (no invertida en el círculo central). En los objetivos que permiten tanto enfoque manual (MF) como automático (AF) es importante no intentar forzar manualmente el anillo de enfoque cuando esté en posición automático (AF) ya que se puede dañar el mecanismo del objetivo. Es por esto que cuando se guarden estos objetivos se deben poner en la posición de enfoque manual (MF) para evitar posibles equivocaciones.

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- Selector de modo de operación: La mayor parte de las cámaras digitales y algunas cámaras tradicionales disponen de una ruleta en la que se selecciona el modo de operación de la cámara. Cada cámara puede tener un conjunto de modos distintos, si bien seguramente estarán algunos de los siguientes: CANON NIKON

Modo reproducción: para visualizar, revisar y/o borrar las fotografías tomadas (sólo en cámaras digitales). Modo automático (auto): todos los parámetros serán elegidos automáticamente por la cámara.

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Modo programado (P): la cámara escoge los parámetros de apertura y tiempo exposición; el fotógrafo puede escoger los demás parámetros que permita la cámara. Modo prioridad de apertura (Av): el fotógrafo escoge un parámetro para la apertura y la cámara selecciona el valor de tiempo de exposición más apropiado para exponer correctamente la fotografía según la medición del exposímetro incorporado en la cámara. Modo prioridad de exposición (Tv): el fotógrafo escoge un parámetro para el tiempo de exposición y la cámara selecciona el valor de apertura más apropiado para exponer correctamente la fotografía según la medición del exposímetro incorporado en la cámara. Modo manual (M): el fotógrafo escoge todos los parámetros manualmente. Otros modos preconfigurados: modos preconfigurados en la cámara para fotografía de paisajes, retratos, fotos panorámicas, vídeo, etc. Modo Escena: los cuatro típicos íconos son Montaña (paisajes), persona (retrato), flor (macro) y atleta (acción).Cada modo tiene su propios ajustes en la cámara con el objetivo de producir la mejor combinación para fotografiar estos temas.

-Anillo de diafragmas: Este control permite escoger la apertura del diafragma del objetivo y, en consecuencia, regular el máximo paso de luz hacia el obturador y la película fotográfica o el sensor de imagen. Con ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la exposición de las fotografías. Nótese que también se puede regular el paso de luz con la ruleta de velocidades y que es equivalente (a efectos de equilibrar la exposición de la foto) introducir luz abriendo el diafragma o dando más tiempo de exposición con la ruleta de velocidades. En términos prácticos se distinguen: Diafragmas abiertos: aquellos por debajo de f4 (véase número f o apertura), el disco del diafragma está más abierto y deja pasar más luz hacia el interior. Además, se consigue una menor profundidad de campo y nitidez (al dejar dispersar más la luz) ayudando notablemente para hacer enfoque selectivo.

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Diafragmas cerrados: aquellos por encima de f4, el disco del diafragma está más cerrado y deja pasar menos luz. Además, así se consigue mayor profundidad de campo y nitidez en la fotografía resultante. - Ruleta de velocidades: Este control permite escoger al fotógrafo la velocidad del obturador o lo que es lo mismo, el tiempo de exposición del elemento fotosensible (película fotográfica o sensor de imagen). Con ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la exposición de las fotografías. Como ya se comentó en el punto anterior, también se puede conseguir este mismo efecto con el anillo de diafragmas. En términos prácticos se distinguen: Velocidades rápidas: superiores a 1/60 segundos; el obturador permanece abierto muy poco tiempo dejando pasar menos luz hacia el elemento fotosensible. Con ellas se consigue congelar el movimiento y resaltar el dinamismo de los objetos en movimiento. Velocidad lentas: inferiores a 1/60 segundos; el obturador permanece abierto más tiempo dejando pasar más luz. Con ellas se consiguen imágenes movidas, desplazadas, otorgando mayor sensación de desplazamiento. -Anillo de sensibilidades: Este control permite al fotógrafo ajustar en la cámara la sensibilidad de la película fotográfica montada en la cámara (caso de cámara tradicional) o el sensor de imagen (caso de cámara digital). La sensibilidad en este contexto indica la intensidad de luz necesaria para que el elemento fotosensible perciba la imagen. En las cámaras tradicionales este factor depende directamente de la emulsión de la película fotográfica. Algunas cámaras disponen de un mecanismo automático de contactos metálicos situados en el tambor donde se carga el carrete fotográfico para leer el código DX que viene impreso también con contactos metálicos sobre la mayor parte de los carretes modernos de un modo semejante al de un código de barras. En estas cámaras ya no es necesario indicar la sensibilidad de la película pues ya la cámara la detecta automáticamente al cargar el carrete. En las cámaras digitales este factor puede configurarse para que el sensor de imagen sea más o menos sensible. Existen varias escalas de sensibilidad fotográfica, siendo la más habitual la escala ASA. En general, con menores sensibilidades se consigue una mayor nitidez de imagen, si bien es necesario que entre mayor cantidad de luz en el objetivo; por otro lado, con sensibilidades altas se facilita al fotógrafo la posibilidad de realizar fotografías con menos luz, si bien la nitidez de la imagen se verá probablemente perjudicada en cierto grado. -Balance de blancos: La luz blanca pura no es habitual en nuestro entorno: la luz del sol tiene un cierto tono dorado y la luz de una bombilla de filamento de tungsteno suele tener un tono más amarillo. Al fotografiar objetos con una luz que no es blanca pura éstos adquieren un cierto tono del color de la luz que incide sobre ellos (esto se llama dominante). Muchas veces el fotógrafo se aprovecha precisamente de estas dominantes para conferir ciertos efectos a las fotografías pero en otras ocasiones es preferible corregir este desequilibrio de color; esto es lo que se conoce como balance de blancos.

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El balance de blancos consiste en indicarle a la cámara el tipo de luz dominante que hay para que la corrija. Para hacer esto hay distintos métodos: - En muchas cámaras digitales es posible apuntar con la cámara a un objeto blanco para que ésta entienda que eso es lo que queremos que se considere blanco y que a partir de ese valor se hagan las correcciones oportunas. - La mayoría de las cámaras digitales disponen, en todo caso, de una serie de valores prefijados para distintos tipos de luz habituales con distintas temperaturas de color. - Finalmente, es posible colocar un filtro fotográfico corrector de temperatura de color para corregir la dominante por ese color. Anillo de zoom: Las cámaras que dispongan de objetivos de distancia focal variable (objetivo zoom) deberán disponer de algún mecanismo (electrónico o manual) para que el fotógrafo pueda ajustar la distancia focal entre el rango de valores admitidos por dicho objetivo. Al actuar sobre este control se consigue: - Abrir o cerrar el encuadre. - Ampliar o reducir el ángulo de visión. - Alejar o acercar los objetos encuadrados.

Accesorios Trípode: un trípode es un aparato de tres partes que permite la estabilización de una cámara en su parte superior. Se usa para poder evitar el movimiento propio de la mano al tomar una foto. Filtros y adaptador de filtros: los filtros fotográficos son filtros ópticos que se acopla en la parte frontal del objetivo por medio de una rosca de un adaptador para producir distintos efectos sobre la luz que entra en el objetivo.

Flash externo: es aquel que no viene adherido a la cámara.

Protector para objetivo: el protector para objetivo es una pequeña lente ubicada en el cristal diagfragmal.

Correa: la correa de sujeción de la cámara, aunque no parezca tener importancia en el conjunto de accesorios de una cámara por su sencillez o su precio, es un elemento importante para todo fotógrafo ya que constituye en última instancia el cinturón de seguridad de la cámara.

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La correa debe llevarse en todo momento puesta en la cámara y sujeta de algún modo al cuerpo o al brazo del fotógrafo; de este modo se evita que por cualquier tropiezo la cámara caiga directamente al suelo al resbalarse de la mano. Además, otra razón para enrollarse la correa al brazo cuando se toma una fotografía es que así no habrá cordón suelto que pueda situarse delante del objetivo y estropear la foto.

Parasol para luz difusa: éste es un accesorio plástico con forma de paraguas o de pétalos de flor que se coloca en el extremo del objetivo para eliminar la luz parásita o dispersa que resta contraste a las imágenes. La geometría del parasol depende de la distancia focal y será más corto y abierto cuanto menor sea la distancia focal y más grande y estrecho cuanto mayor sea la distancia focal. Una elección errónea del parasol puede producir viñetado en la fotografía. En el caso de usar zoom, habrá que usar el parasol adecuado a la menor distancia focal de éste.

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EL ABC DE LA FOTOGRAFÍA LOS 3 ELEMENTOS DE LA FOTOGRAFÍA: La fotografía es luz. Cada vez que presionas el disparador hay una serie de acciones que tienen lugar dentro de tu cámara, y que dan como resultado una imagen. Nada de eso sería posible si no hubiera luz. Vamos a hacer introducción del triángulo de la luz. Es un concepto muy importante y los más influyentes en cómo va a ser la fotografía final. Los tres elementos que componen el famoso triángulo de la luz son el ISO, la apertura, y la velocidad de obturación. ·

ISO: es la sensibilidad del sensor a la luz, cuanto más elevado sea el valor ISO que escojamos, más sensible se volverá el sensor de nuestra cámara a la luz y por lo tanto captará más luz.

·

Apertura: Es el tamaño del diafragma, esto es, el agujero que hay dentro del objetivo o lente, y que permite que entre luz. Cuanto mayor sea la apertura, más luz entrará y será registrada en la cámara.

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Velocidad de obturación (o velocidad de disparo): Es el tiempo durante el cuál la cámara se mantiene abierta registrando la luz o foto. Generalmente son fracciones de segundo, lo que dura un disparo, pero puede ser más extenso. De hecho, a velocidades de disparo más lentas, entra más luz a la cámara.

La mezcla, en mayor o menor grado, de estos 3 factores es lo que nos da la foto final. Y lo que es más importante: cada cambio en cualquiera de estos 3 factores impactará los otros 2, lo que quiere decir que, en modo manual, no puedes modificar un factor de estos 3 sin tener en cuenta los otros 2. Esto, por fortuna, ya lo hace la cámara por nosotros en el modo automático e incluso en los modos semimanuales, pero en el modo manual somos nosotros los que lo controlamos todo.

ISO

APERTURA

VELOCIDAD

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Captar una fotografía es en realidad captar la cantidad justa de la luz procedente de aquello que queremos fotografiar. Imagínate a tí mismo en una habitación con una ventana cerrada. No hay ninguna fuente de luz más que esa ventana que en principio está cerrada. Además, y para hacerlo más divertido, imagínate que llevas lentes de sol. Si quisiéramos iluminar esa habitación abriríamos esa ventana, pero si quisiéramos tener la habitación mucho más iluminada, podríamos agrandar esa ventana ¿cierto? Es cierto que una ventana de mayores dimensiones nos daría mayor cantidad de luz. A esto se le llama la apertura.

Ahora imagínate que no queremos o no podemos agrandar la ventana, pero que seguimos queriendo que entre luz. Bueno, empezaríamos abriendo la ventana, pero cuanto más tiempo la dejemos abierta, más cantidad de luz entraría (con la pequeña diferencia de que en la habitación la luz se pierde, no se acumula, pero en la cámara fotográfica la luz se acumula y se guarda). Pues esto es lo más parecido a la velocidad de obturación. Si en una cámara réflex en el modo “M” escogemos una velocidad de obturación de 2 segundos, entrará el doble de luz que si la velocidad es de sólo 1 segundo. Recuerda que sigues llevando lentes de sol desde que hemos empezado el ejemplo. Esos lentes de sol simbolizan el valor ISO, que si en una cámara lo tenemos bajo, entrará sólo la cantidad de luz suficiente. ¿Qué pasaría si, con la ventana abierta, te quitaras los lentes de sol? Simplemente tus ojos recibirían mayor cantidad de luz. Lo mismo pasa cuando subimos el ISO a valores elevados (con la pequeña diferencia de que, en las cámaras réflex, el ISO conlleva a veces un poco de ruido y granos en la fotografía).

Dominar el Triángulo de la Luz: Dominando cada uno de estos 3 factores por separado aprenderás a controlarlos en su conjunto. Si quieres un pequeño truco que siempre recomiendo para quien esté dando sus primeros pasos en el modo manual: utiliza los modos semimanuales de tu cámara y aprende de la observación. La cámara es sabia, en el modo de Prioridad de Apertura (Modo “A” en

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Nikon, “Av” en Canon) lo que tú puedes controlar es el tamaño de la apertura. Intenta modificar ese valor y observa cómo la cámara automáticamente cambia el otro factor, el de la velocidad de obturación. Si pones una apertura pequeña, f/16 por ejemplo, la cámara eligirá una velocidad de disparo más bien lenta, si escoges una apertura enorme, tipo f/2.8, verás que la velocidad de disparo será más rápida, y así. También puedes hacer la prueba con el modo Prioridad de Disparo (“S” en Nikon y “Tv” en Canon), sólo que al revés. Efectos Secundarios: Conviene señalar que cada uno de los 3 factores arriba descritos conlleva efectos secundarios (a veces eso es lo que buscamos). La apertura tiene un impacto directo sobre la profundidad de campo, el ISO influye en la cantidad de granos/ruidos que aparecerán en la foto, y la velocidad de disparo influye en cómo capturamos la acción o el movimiento.

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LEY DE RECIPROCIDAD La Ley de Reciprocidad, o Ley de Bunsen-Roscoe, indica que el nivel de exposición de una fotografía es proporcional a la cantidad de luz que incide sobre el sensor, cantidad que se obtiene a partir del producto de intensidad por el tiempo. Algo que podríamos especificar como: E (Exposición) = I (Intensidad) x T (Tiempo) Quizás así no te diga nada, pero, ¿y si que digo que esta I (Intensidad) viene regulada a través de la apertura de diafragma seleccionada en cada toma?, no te descubro nada nuevo, ¿verdad? La exposición, por tanto, dependerá, dejando al margen el nivel de sensibilidad, del tiempo de exposición del sensor (T) y de lo abierto o cerrado que tengamos el diafragma de nuestro objetivo (I). Esto lo explicábamos muy bien con el símil del grifo y el vaso de agua.

La Relación Entre Tiempo de Exposición y Apertura de Diafragma Parece algo obvio que el nivel de exposición dependa de la intensidad y del tiempo de exposición. Sin embargo, la ley aporta algo más y es aquello por lo que recibe su nombre: la reciprocidad en el comportamiento a la hora de variar estos parámetros para lograr una exposición idéntica. Supongamos que hacemos uso del modo manual de nuestra cámara y ésta nos permite modificar tiempo de exposición y apertura de diafragma entre los siguientes valores: Apertura: f/1, f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22, f/32 Tiempo Exposición: 1/500, 1/250, 1/125, 1/60, 1/30, 1/15, 1/8, 1/4, 1/2, 1 seg. Por ejemplo, se obtiene la misma exposición con f/4 y 1 s. que con f/2.8 y 1/2 s. o bien con f/2 y 1/4 s., etc.

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Es decir, que dadas unas condiciones de toma, la exposición lograda se mantendría constante si reducimos a la mitad la intensidad (apertura), pero duplicamos el tiempo de exposición. O, al contrario, es decir, si duplicamos la intensidad (apertura), pero reduciendo a la mitad del tiempo de exposición. Manteniendo el ejemplo, lograríamos una exposición idéntica con los valores de f/2.8 y 1/125 seg.

¿Por Qué Los Valores de Apertura y Exposición No Crecen Del Mismo Modo? El Curioso Número f No hace falta ser muy observador para darse cuenta de que, si bien los valores del tiempo de exposición aumentan o disminuyen multiplicándose o dividiéndose por 2, en el caso de la apertura esto no sucede así. El factor de multiplicación en el caso de la apertura es 1.4, que curiosamente es la raíz cuadrada de 2. ¿Por qué esta particularidad de la apertura frente al tiempo de exposición? La respuesta está en el significado del número f y lo que representa. Simplificando, el número f está relacionado con el diámetro del diafragma, y como la relación entre el diámetro y el área de un círculo es cuadrática, para reducir a la mitad o duplicar el área de un círculo deberemos aumentar o disminuir el diámetro del mismo aplicando un factor de multiplicación de raíz cuadrada de 2, en lugar de 2, ya que esto conllevará multiplicar o dividir el área por 4.

Los Pasos: ¿Qué Es Eso de Subir O Bajar Un Paso? Precisamente, a esta variación de los parámetros de apertura y tiempo de exposición, se le denomina pasos. Así, cuando pasamos de una configuración de f/4 y 1/60 seg., a otra de f/2.8 y 1/60 seg., se dice que hemos subido un paso, ya que lo estamos haciendo es duplicar el nivel de exposición a través de la duplicación de la intensidad lumínica. También habríamos subido un paso si en lugar de aumentar la apertura, hubiésemos aumentado el tiempo de exposición. Es decir, si hubiésemos pasado a la configuración f/4 y 1/30 seg. Del mismo modo, si de la configuración de f/4 y 1/60 seg., nos movemos a una configuración de f/4 y 1/125 seg., lo que habremos hecho será bajar un paso. Ya que hemos reducido a la mitad el tiempo de exposición, y con esta reducción, también hemos hecho lo propio con la cantidad de luz que llega al sensor y, por tanto, con la exposición.

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Al igual que indicábamos anteriormente, no sólo es posible bajar un paso reduciendo el tiempo de exposición, también es posible hacerlo reduciendo la apertura. Una configuración de f/5.6 y 1/60 seg. también habría supuesto la reducción de un paso en la exposición de la toma.

1/2 Pasos y 1/3 Pasos: Para Un Mayor Control Si observas las opciones que te ofrece tu cámara a la hora de variar el tiempo de exposición y la apertura de diafragma es muy probable que existan valores intermedios, es lo que se conoce como medios pasos y tercios de paso. Es decir, valores que en lugar de permitirte duplicar o reducir a la mitad la exposición, te ofrecerán una progresión más gradual. Así, por ejemplo, entre los valores f/2.8 y f/4, la Nikon D7000 ofrece valores intermedios los siguientes valores intermedios: f/3.2 y f/3.5. Valores que corresponden con reducciones de 1/3 paso. Del mismo modo sucede entre los valores 1/60 y 1/125 seg., esta cámara ofrece la posibilidad de reducir la exposición a razón de 1/3 de paso a partir de los valores 1/80 y 1/100 seg. Desde luego, estos pasos intermedios proporcionan un mayor control al fotógrafo, si bien, en ocasiones pueden verse como un retraso, por lo que muchos modelos de cámaras ofrecen la posibilidad, a través de su menú de configuración, de indicar si se desea trabajar con pasos completos, 1/2 paso ó 1/3 paso.

¿Y Lo De La Sensibilidad ISO? Hasta ahora habíamos querido dejar al margen un parámetro que, como bien hemos comentado en muchos artículos es parte fundamental del triángulo de exposición (apertura de diafragma, tiempo de exposición y sensibilidad), exacto se trata de la sensibilidad ISO. Este parámetro permite especificar cómo de sensible será el sensor de nuestra cámara ante la cantidad de luz que recibe. Su crecimiento es lineal, así, ante una misma cantidad de luz (intensidad x tiempo), una configuración de ISO 200 recibirá el doble de exposición que una configuración de ISO 100. Valores habituales de ISO son: 100, 200, 400, 800, 1.600, 3.200, 6.400, 12.800, 25.600… No obstante, al igual que sucedía con el tiempo de exposición y la apertura de diafragma, es posible que tu cámara te ofrezca la posibilidad de emplear 1/2 y 1/3 pasos. Disponiendo de valores como ISO 133 ó ISO 166, por ejemplo. Por tanto, el valor de sensibilidad ISO es otro parámetro que podrá servir para modificar la exposición de nuestra fotografía de forma sencilla, si bien, no hay que olvidar que el incremento del valor de sensibilidad conllevará un efecto no deseado y ése es el de la introducción de ruido, especialmente a medida que vayamos incrementando el valor de la sensibilidad.

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¿Cómo Sé Qué Combinación De Parámetros Emplear En Cada Toma? Simplificando mucho lo dicho hasta ahora, la Ley de Reciprocidad nos viene a indicar que dada una configuración de parámetros en nuestra cámara para fotografiar una escena concreta, es posible lograr la misma exposición mediante la variación de sus parámetros, haciendo que unos compensen a otros. Es decir, que la exposición lograda para una determinada escena haciendo uso de las siguientes configuraciones en nuestra cámara sería la misma, puesto que lo que hacemos en cada configuración es compensar los incrementos o decrementos a través de los tres parámetros: ·

ISO 100, f/4, 1/60 seg. (configuración inicial)

·

ISO 200, f/5.6, 1/60 seg. (sensiblidad x 2 y apertura/2)

·

ISO 200, f/4, 1/125 seg. (sensiblidad x 2 y tiempo de exposición/2)

·

ISO 100, f/2.8, 1/125 seg. (apertura x 2 y tiempo de exposición/2)

·

ISO 400, f/5.6, 1/125 seg. (sensiblidad x 4, apertura/2 y tiempo de exposición/2)

·

…

Entonces, si todas las configuraciones ofrecen un mismo resultado a nivel de exposición, ¿cómo sé qué configuración debo usar en cada toma concreta? Muy sencillo, conociendo cómo afectan, al margen de su participación en la exposición, los distintos parámetros. A continuación, te indico una breve explicación sobre cada uno de los parámetros ·

- El

tiempo de exposición te permitirá congelar el movimiento. Deberás optar por un

valor que evite la trepidación y, también, que el sujeto fotografiado, si es que está en movimiento, no aparezca suficientemente nítido (aunque a lo mejor pretendes justo lo contrario). ·

- La

apertura de diafragma controlará la profundidad de campo. La elección de una

mayor o menor apertura de diafragma afectará, respectivamente a una menor o mayor profundidad de campo en la toma, permitiendo centrar en mayor o menor medida la atención sobre el plano enfocado. ·

- El

valor de sensibilidad ISO como comodín. la recomendación sobre la sensibilidad

es utilizar el menor valor posible para evitar la introducción de ruido en la fotografía. Si bien, el valor de sensibilidad siempre estará ahí para tratar de compensar valores de apertura o tiempo de exposición que pudiesen originar una subexposición en la toma. Por tanto, a partir de una configuración que ofrezca una exposición adecuada de la escena, será el momento para valorar el resultado que buscas, pensar en el tiempo de exposición y apertura que necesitarías para lograrlo y, a partir de ahí, compensar estos valores (junto con la sensibilidad ISO), teniendo en cuenta la Ley de Reciprocidad, para obtener la configuración ideal para la toma.

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COMPOSICIÓN Reglas básicas de composición fotográfica Las reglas de composición fotográfica son las mismas que se aplican a la pintura puesto que son actividades similares. Su observancia genera imágenes más fáciles de comprender por nuestra mente. Sin embargo, rompiéndolas también podemos crear imágenes atractivas. Veamos algunas reglas y principios de composición con ejemplos de su cumplimiento y de su no cumplimiento.

Principios: Centro de interés, direccionalidad, ley de la mirada, contraste, simetría, ley del horizonte.

Reglas: Regla de los tercios, regla de los impares, simplificación, limitación de enfoque.

Es evidente que cumplir estas reglas no garantiza una foto perfecta, pero sí que conseguiremos que cumpla ciertos cánones reconocidos como de valor estético. Veamos algunos ejemplos que sí cumplen alguna regla y cómo saltársela creativamente.

Manual para transgredir 10 reglas de fotografía (con arte) PRINCIPIOS

1) Centro de interés: Toda imagen debe de tener un punto fuerte, un centro de interés, un lugar o área dominante que acabe por centrar nuestra mirada. Por contra las fotos de texturas repetitivas o caóticas puede ser muy sugerente sin necesidad de tener un centro de interés definido.

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2) Direccionalidad: Es la cualidad de la imagen de dirigir la mirada del espectador por toda la imagen siguiendo las líneas que están en ella. Hay imágenes que no necesitan tener direccionalidad para ser atractivas al observador.

3) Ley de la mirada: Se ha de dejar espacio libre delante de la mirada o dirección de la escena. En algunas ocasiones mandar al espectador en dirección contraria puede dar más fuerza a la escena.

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4) El contraste: Diferencias de luminosidad y oscuridad dentro de la fotografía y su diferente tonalidad y color. Estas diferencias crean masas que se atraen y repelen y que fuerzan al espectador a recorrer la imagen. En otras ocasiones la ausencia total de tonos o contrastes puede ser igualmente interesante.

5) Evitar la simetría: La ausencia de simetría exacta es más sugerente a nuestra mente por lo general puesto que es algo que no suele encontrarse de modo habitual en la naturaleza. Forzar la simetría puede ser cautivador si se hace con acierto.

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6) Ley del horizonte: Como norma general el horizonte nunca se ha de poner justo en el centro del encuadre. Eso no quiere decir que en algunas ocasiones el centro no sea un buen sitio para el horizonte

REGLAS

7) Regla de los tercios: Si hacemos dos líneas verticales y dos horizontales creando 9 cuadros de idéntico tamaño, se generan unas intersecciones llamadas puntos de interés. Si colocamos sobre estas líneas e intersecciones nuestros elementos compositivos, la imagen cobrará más fuerza. La regla no es perfecta para todos los aspectos de la fotografía pero es un gran comienzo para producir buenas imágenes.

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8) Regla de los impares: Según esta regla es más armónico un paisaje con 3 o 5 árboles que con 4 por ejemplo. En nuestra mente las estructuras impares, visualmente parece tener más fuerza. Pero hay casos en los que esto no se cumple necesariamente, por ejemplo cuando logramos una imagen con simetría que tenga impacto. La simetría, por lógica sólo puede ser par: a cada elemento le corresponde un reflejo por lo que siempre se verán parejas de elementos.

9) Simplificación: Se dice que “menos es más”. En la composición de imágenes también sucede lo mismo. Una imagen simple, sencilla, con pocos elementos bien colocados, suele ser muy cautivadora. En otros casos, la complejidad extrema de una imagen de tipo fractal puede hipnotizarnos todavía más si cabe.

10) Limitación de enfoque: o enfoque selectivo. Tal y como se ve en la foto anterior del romanesco, consiste en enfocar sólo a una pequeña porción de la imagen, que coincide con el centro de interés, dejando el resto muy o totalmente desenfocado. De este modo se separa el motivo principal del resto de la imagen dándole más importancia y concentrando la mirada sobre él. En otras ocasiones no es necesario hacer esto o incluso es interesante dejar totalmente enfocada toda la imagen. En la fotografía de paisaje es frecuente encontrarse con imágenes que incumplen varios de los principios enumerados hasta ahora como esta foto de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.

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Tiene simetría, no tiene centro de interés concreto, el horizonte está en el centro y está totalmente enfocada y la foto mantiene toda su fuerza. Además de lo visto, hay algunas otras reglas no escritas que también resulta interesante experimentar. Por regla general las fotos no deben estar movidas, pero el movimiento realizado adrede, experimentando con él, en ciertas circunstancias, puede producir imágenes muy interesantes.

El horizonte ha de ser, eso, horizontal, pero al mismo tiempo que hacemos encuadres no habituales como picados o contrapicados, deberíamos experimentar inclinando la cámara, buscando direccionalidad, intención, movimiento, desequilibrio. El resultado de esta práctica seguro que da buenos resultados. Otro elemento que se supone que debe estar presente en las imágenes es una porción enfocada pero ¿qué pasaría si toda la imagen estuviera desenfocada? Se puede jugar a desenfocar toda la imagen para evocar recuerdos pasados o un futuro por llegar, una persona que se aleja o una que se acerca.

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EL PESO VISUAL Empecemos por definir esto de “peso visual”. El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de una composición de atraer la mirada de aquel que mira la imagen. Cuanto más peso visual tenga algo, más atraerá la atención del ojo. ¿Qué hace que algo tenga más peso visual que otro elemento? ·El

tamaño. Un elemento grande tiene más peso visual que un elemento pequeño.

·La

posición. Un elemento en una posición baja, tiene más peso que uno en una posición

alta. Además, un elemento situado a la derecha, tiene más peso que uno situado a la izquierda.

.La distribución. Un elemento tendrá más peso visual si se encuentra aislado que dentro de un grupo.

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·La

textura. Un elemento con textura tendrá más peso que uno que no la tenga (osea de

textura lisa).

·La

forma. Las formas cerradas, geométricas, regulares y/o reconocibles tendrán más peso

visual que el resto de formas.

·El

color. Los colores cálidos tienen más peso visual que los colores fríos. Los colores

saturados pesan más que los desaturados. Y los colores oscuros pesarán más que los colores claros.

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El contraste. Un elemento que genere contraste respecto al resto de elementos, tendrá más peso visual.

¿Cómo Gestionar el Peso Visual para Conseguir Imágenes Atractivas? Una imagen atractiva visualmente suele ser aquella que tiene sus pesos visuales bien distribuidos, esto es, que está equilibrada. Se trata, por norma general, de percepciones bastante subjetivas y que necesitan de un ojo bastante entrenado en este aspecto. Sin embargo, es tan sencillo como convertir una imagen a simples figuras geométricas:

Ahora tendremos que colocar (metafóricamente) nuestra imagen simplificada en una balanza y ver qué lado pesa más. En nuestro ejemplo, como el sujeto principal está situado en un extremo de la imagen, lo lógico sería pensar que esta foto está desequilibrada, pues si la pusiéramos en una balanza, se caería hacia la derecha. Sin embargo, la sombra del fondo tiene también su peso visual, es un elemento muy grande (uno de los factores que hace que tenga más peso visual que la lámpara) pero, a la vez, es más claro que este (debería pesar menos). Además, el gran peso de la figura se encuentra en el lado opuesto que la lámpara con lo cual, por todo esto, la imagen queda bastante equilibrada. Entonces, ¿sólo se trata de mantener los pesos visuales equilibrados? ¡En absoluto! Una fotografía puede estar perfectamente equilibrada y, sin embargo, no ser atractiva (o, al menos, ser menos atractiva que otra imagen igual de equilibrada). Tomando como referencia el ejemplo anterior:

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Ambas imágenes están, más o menos, equilibradas. Pero la imagen de la izquierda es más atractiva visualmente que la de la derecha. Primero porque el sujeto principal de la imagen de la izquierda está situado en uno de los puntos fuertes de la regla de los tercios y esto será atractivo para el ojo humano. Además, la fotografía de la derecha es demasiado estática, con un solo golpe de vista el ojo ve todos los motivos perfectamente. Por el contrario, en la foto original, el ojo puede hacer un recorrido natural para leer toda la fotografía:

Como el ojo occidental está acostumbrado a empezar a leer los textos por arriba a la izquierda, a la hora de leer las fotografías, ocurrirá lo mismo. Así que, para la imagen de la izquierda, ese es el recorrido que hará el ojo para leerla: empezará por la esquina superior izquierda y terminará en el centro de atención, la lámpara, sin dejar de recibir información en ningún momento. En la imagen de la derecha, al encontrarse todos los elementos centrados, con un simple golpe de ojo al centro de la fotografía, quedará leída completamente y no habrá más información que el ojo pueda leer aún moviéndose por la imagen. En conclusión, suele pasa que una imagen que provoque cierto movimiento del ojo será más atractiva visualmente. El centro no llama la atención y las imágenes estáticas, por norma general, aburren al ojo. Teniendo todo esto en cuenta, podemos aprovecharnos del peso visual para expresar aquello que más nos interese, por ejemplo:

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- El movimiento por hacer. Si quieres intentar transmitir movimiento pero sin que éste todavía se haya consumado, o no del todo, quizás la mejor opción sería situar tu sujeto principal en el punto situado abajo a la izquierda de tu encuadre. El hecho de colocarlo a la izquierda y no a la derecha es por la dirección de lectura del mundo occidental. Como ya hemos visto, el ojo verá, en un primer momento, el sujeto y luego seguirá leyendo la composición, dándose cuenta de que queda mucho espacio para ser recorrido.

· El

movimiento ya hecho o muy rápido. De la misma manera que en el caso anterior, el

modo de lectura occidental nos ayudará a colocar el sujeto para que éste transmita ese movimiento. Si colocas el centro de atención en el punto situado abajo a la derecha, el ojo pasará por todo el cuadro antes de llegar al sujeto, lo que dará sensación de camino recorrido. Como en el caso anterior, si, además, existen líneas diagonales que recorran la imagen desde la esquina superior izquierda a la inferior derecha, la sensación de movimiento será mucho más acusado y cuanto más cercano al borde esté el sujeto, más veloz parecerá.

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·- Es

libre. Por el contrario, si le dejamos mucho aire alrededor, nos dará la sensación de que

es libre.

¿Sólo se Pueden Conseguir Imágenes Atractivas Siguiendo Estas Directrices? En absoluto. Mientras seas consciente de lo que estás haciendo y de por qué lo estás haciendo, podrás conseguir las imágenes atractivas que quieras. A veces, incluso puede interesarte realizar alguna fotografía muy estática si eso te ayuda a transmitir lo que quieres (estabilidad, tranquilidad o aburrimiento) o incluso desequilibrar los pesos de una imagen (como en alguno de los ejemplos anteriores) para llamar la atención del espectador, que se dará cuenta de que hay algo “raro” en esa imagen. Lo importante es que conocer el mundo de los pesos visuales puede ayudarte a componer tus imágenes. Una vez empieces a mirar las fotografías en esta clave, no pararás de buscar pesos visuales y, una vez domines su disposición, la composición de tus fotografías mejorarán sensiblemente.

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- Flota. Si queremos representar la sensación de que el objeto está flotando, es decir: que se mantiene en el aire pero no va a caer; es bastante útil colocarlo por encima de la línea central. El centro, como hemos dicho, es demasiado estable, así que nos dará esa sensación de “mantenerse”. A la vez, situarlo un poco por encima, nos dará la sensación de estar por encima del suelo (en este caso, el margen inferior de la fotografía).

· No

se mueve, es estable. Si situamos nuestro elemento en la parte inferior de nuestro

encuadre, nos dará la sensación de que se encuentra colocado sobre el suelo, así que está en una posición estable. Si, además, lo colocamos en el centro, todavía será más estable.

-

Está atrapado o protegido. Si rellenamos el encuadre con un elemento de un gran peso

visual, nos dará la sensación de que está atrapado o protegido.

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Observar Bien Para Saber Qué Dejar Fuera del Encuadre A veces, el hecho de hacer una fotografía en la que se vea todo lo que queremos enseñar es la opción más fácil y puede ser tentador. El hecho de plantearnos qué podríamos dejar fuera del encuadre puede ser un buen ejercicio fotográfico con el que entrenar un poco nuestro ojo. Nos obligará a observar bien nuestro motivo, a analizar las posibilidades fotográficas que nos ofrece para decidir, en última instancia, qué es lo que quizás sea más atractivo a la hora de hacer una fotografía espectacular. Además, observar tu sujeto de esta manera puede incluso descubrirte detalles que, de otra manera, te habrían pasado desapercibidos, especialmente si hablamos de monumentos o grandes edificios. La cuestión es que pararte a observar y a pensar cómo podrías conseguir una mejor fotografía hará que termines realizando una imagen más “reflexionada”, más trabajada y esto también es aprender fotografía.

La Mejor Composición, a veces, No Es la que Más Enseña Esto va relacionado con el punto anterior y es que el hecho de observar bien el sujeto que vamos a fotografiar no es sólo para descubrir aquellos detalles que, de otra forma, no habríamos visto. También lo podemos hacer para encontrar la mejor manera de fotografiarlo. Y es que, a veces, la mejor composición no es aquella que enseña el sujeto completamente. Los detalles y las formas geométricas que pueden darnos una composición más atractiva visualmente pueden esconderse en planos más generales, de manera que pasen desapercibidos. Utilizar una focal más larga, acercarnos al sujeto o, simplemente, dejar parte de éste fuera del encuadre para dejar entrar en la fotografía otros elementos que también pueden ser interesantes puede ayudarnos a conseguir mejores fotografías. Por supuesto esto no significa que aquellas fotografías en las que aparezca todo el sujeto al completo tengan una composición menos atractiva o más pobre. Si una fotografía con un plano más general se hace bien, puede ser tanto o más atractiva que una en la que se ha buscado el detalle. Sin embargo, el hecho de buscar detalles y formas geométricas nos puede dar más libertad a la hora de crear planos de información y maneras de conducir la mirada del espectador por la fotografía porque no estaremos determinados por el entorno en el que se sitúa nuestro sujeto sino que nos centraremos en las posibilidades que nos ofrece el sujeto en sí.

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Deja Espacio a la Imaginación La mente humana se aburre con mucha facilidad. Si se encuentra con una imagen demasiado evidente, que no presenta secretos o que es demasiado evidente, es probable que nuestro cerebro no se sienta atraído por ella. Por esto, el hecho de no enseñar todo lo que podrías puede llevarte a hacer fotografías que llamen más la atención porque conseguirás que las personas que vean esas imágenes tenganque invertir un poco de su tiempo para entender qué representa la imagen que tiene delante. Es como un rompecabezas, como un reto fotográfico que deberás resolver para que la fotografía que tienes delante de los ojos se llene de significado. Puedes plantearlo como un juego con tus “espectadores” o, simplemente, quedarte con los detalles que más te interesen o buscar la fotografía abstracta. Sea como sea, el hecho de dejar parte del sujeto fuera del encuadre puede darte una imagen más atractiva y original.

Busca Tu Propio Ángulo de Visión En el fondo, cuando hacemos fotografía, todos intentamos buscar nuestra propia manera de ver las cosas. Si todos usáramos el mismo ángulo de visión en nuestras fotografías, todas las imágenes serían iguales y, por lo tanto, enseñarían lo mismo. Optar por ver el sujeto que tenemos delante de una manera diferente no es otra cosa que decidir qué vamos a potenciar y qué vamos a tratar de esconder. Así que, como ya hemos dicho en otras de las razones del artículo: observa bien el sujeto que vas a fotografiar para descubrir qué es lo que más te interesa enseñar de él y cómo hacerlo.

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FOTOGRAFÍA MACRO

¿A quién de nosotros no le fascina la fotografía Macro? Esas fotos llenas de color y de detalle, retratando objetos diarios que rara vez hemos observado tan de cerca. ¿No te provoca admiración contemplar la gigante cabeza de una mosca, la textura de los pétalos de una rosa, o los detalles de las alas de una mariposa? Reconozco que es una de mis debilidades. Me puedo tirar horas y horas observando fotos Macro de elementos de la naturaleza. Es un deleite que no tiene precio.

Primero.. ¿qué es la fotografía Macro exactamente? “Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más grande. Por ejemplo si el tamaño de una hormiga en la foto es igual o más grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro.

¿Para qué se utiliza la fotografía Macro? El primer uso es puede ser el de contemplar la belleza de las cosas “pequeñas” (en un sentido relativo, sólo son pequeñas en nuestros ojos)) que nos rodean. Ahí es donde surge la utilidad de la Macrofotografía, que es capaz de enseñarnos la belleza del sujeto (sea objeto, animal o planta) en cuestión. Otros usos más objetivos son el de la investigación biológica, que es un campo que le debe mucho a la fotografía Macro, pues ésta ha permitido documentar muchos estudios relacionados con muchas especies animales y vegetales. También gracias a la Macrofotografía es posible contemplar y disfrutar de algunas joyas u objetos valiosos cuyo tamaño muy reducido normalmente impide que sean apreciados en todo su detalle.

¿Qué necesito para empezar a hacer fotos Macro? Aunque muchas cámaras digitales compactas ofrecen un modo “Macro” (normalmente lleva el simbolito de una flor), en realidad no se trata de un modo “Macro” real, sino simplemente de una fotografía de muy de cerca, en la que el sujeto parece grande pero realmente no se alcanza el nivel de “agrandamiento” necesario para poder hablar de una foto Macro.

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La función Macro no es una característica de la propia cámara, sino más bien del objetivo empleado. Realmente la cámara sólo hace la foto, el que enfoca es el objetivo y por lo tanto no te tienes que preocupar por el tema Macro a la hora de comprar la cámara. Es un detalle a tener en cuenta más a la hora de mirar objetivos. Una vez conseguida la cámara tenemos dos opciones: o hacernos con un lente conversor, o hacernos con un objetivo específico para fotografía Macro que es la opción que más recomendable.

Lente conversor Macro Es la opción de quien no puede costearse un objetivo Macro auténtico. Consiste en emplear la cámara con cualquier objetivo que tengamos a mano, incluso el del kit original, y engancharle a este objetivo un pequeño lente conversor que, como su propio nombre indica, convierte el objetivo normal en un Macro. Es una opción muy barata la verdad, ya que los lentes conversores suelen tener un precio muy asequible. Pero cuidado, la calidad óptica que ofrecen estos lentes conversores está años luz lejos de la calidad que un objetivo Macro real te puede ofrecer.

Objetivos Macro Si has intentado enfocar con tu objetivo normal a una distancia muy pequeña habrás comprobado que éste tiene una distancia de enfoque mínima, debajo de la cual ya no enfoca. Pues bien, los objetivos Macro son objetivos que gozan de la habilidad de poder enfocar a distancia muy reducidas. Son objetivos que siguen pudiendo enfocar incluso estando casi pegados al objeto o sujeto que estamos fotografiando. Es fácil encontrar este tipo de objetivos ya que en su caja, nombre o descripción suele aparecer la palabra “Macro”, y suelen tener una distancia focal comprendida normalmente entre los 50 y los 200mm (aunque los hay incluso de 500mm).

Ejemplo de fotografía Macro Son detalles que podemos encontrar en nuestra vida cotidiana. Elementos que nos rodean todos los días y que se esconden insospechablemente en una maceta, en un estuche o un monedero.

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COLOR Es probable que hayas escuchado alguna vez la expresión “temperatura de color” en relación con la fotografía. Si es así, puede que también te suene “balance de blancos“. Podríamos definir temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del espectro lumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho espectro. Se mide en Kelvin, según una norma que sitúa en 5.500 K la luz del día teóricamente perfecta. Para días nublados, la temperatura del color sube (se produce una dominancia del azul) hasta los 12.000 K, mientras que en el interior de una casa con iluminación artificial esa temperatura baja a unos 2.500 K, con una dominancia del rojo.

De hecho, la temperatura de color de la luz durante el día varía según el momento del día en que nos encontremos y las condiciones atmosféricas. Suele ser de color rosa por la mañana, amarillenta a primera hora de la tarde, anaranjada en la puesta de sol, y azulada al caer la noche. Normalmente, las cámaras digitales tienen una opción de configuración que permite indicar distintos modos de balance de blancos, que varian la manera por la cual se percibe la temperatura del color, ajustando los niveles de los colores básicos (RGB – Red, Green, Blue), en función de distintas situaciones como pueden ser fotografías a la luz del día con días soleados, días nublados, iluminación artificial por bombillas incandescentes (tulgsteno), o luz fluorescente. Salvo por espectadores familiarizados con el concepto, no se suele apreciar a simple vista la temperatura del color en una foto más que por comparación directa entre fotografías.

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Hace años, una de las ventajas de utilizar el formato RAW era que los programas de postprocesado como Camera RAW o RawShooter permitían ajustar la temperatura del color de una manera directa, cambiando el valor de Kelvin de una foto. En la actualidad, programas como Lightroom cuentan con esta misma funcionalidad para poder trabajar con imágenes en formato comprimido como JPG.

Balance de Blancos: Qué Es y Cómo se Usa El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo de los colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede ser automático o manual.

Por Qué Necesitamos el Balance de Blancos Los colores registrados por la cámara digital dependen de la iluminación. La luz que entra por el diafragma y registra el CCD no es siempre la misma. Puede ser natural o artificial, existiendo subtipos que dependientes de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribución espectral de la energía. En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las tres componentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una de las componentes de color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación basada en bombillas incandescentes (tungsteno) el color rojo es predominante. Una cámara no tiene la capacidad de procesar la luz como lo hace nuestro cerebro, ya que está calibrada de forma que el sensor identifica como luz blanca una luz con la temperatura del color de la luz del sol. Para compensar los efectos de la iluminación en la foto debemos ajustar en la cámara la ganancia de cada una de las componentes de color.

El Balance de Blancos en las Cámaras Digitales La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancos automático.

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Los Modos del Balance de Blancos Algunas cámaras digitales disponen de configuraciones del balance de blancos con valores por defecto que se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de blancos suelen ser las siguientes: ·- Interiores

o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un

espacio iluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena. ·- Soleado:

Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o

nublado de gran luminosidad. ·- Nublado:

Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombra o

de cielo muy cubierto. ·- Fluorescente:

Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz

fluorescente. Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En estos casos es muy util disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.

Ajuste Manual del Balance de Blancos El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante sencillo. Basta con enfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón de calibración de blancos. De este modo la ganancia de las tres componentes de color se ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los reales de la escena fotografiada. Algunos métodos para ajustar el balance de blancos son el uso de herramientas como el Expodisc o la cartulina de grises, y los métodos caseros del balance de blancos mediante el uso de un filtro de café o una tapa de Pringles.

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PSICOLOGÍA DEL COLOR La elección de los colores apropiados para pintar un ambiente no sólo debería estar relacionado con el gusto particular por ciertas tonalidades, sino que además es interesante considerar las sensaciones y reacciones que esos colores producen sobre las personas que se interrelacionen con los ambientes pintados. Ya en el siglo XVIII se comenzaron a evaluar los efectos del color sobre la psique humana. Con el correr de los años se realizaron diversos estudios, tests y pruebas en los que se comprobaron las reacciones psicológicas y fisiológicas que los colores producen. Estos estudios han avanzado al punto que en la actualidad existe un método curativo denominado cromoterapia, a través del cual se ayuda a curar ciertas enfermedades a través de la utilización de colores. Los efectos psicológicos que se han podido comprobar son básicamente de dos tipos, los que se definen como directos, los cuales hacen que un ambiente parezca alegre o sombrío, frío o cálido, etc. y los indirectos, relacionados con los afectos y con asociaciones subjetivas u objetivas de los individuos frente a los colores. Esta característica subjetiva de la apreciación de los colores, hace que los efectos secundarios sean los más discutidos, ya que pueden varias de acuerdo con los diferentes individuos. Otro componente que juega un papel importante en la apreciación de los colores, es la iluminación del ambiente, ya que ésta no sólo puede modificar el color de acuerdo con la forma en que incide sobre la superficie pintada, sino que además puede "crear un ambiente" por sí misma. ROJO Es el color del fuego y de la sangre, produce calor. Es el más caliente de los colores cálidos, se relaciona con la pasión, los impulsos y el peligro. El rojo aumenta la tensión muscular, el deseo y la excitación. Activa la circulación y por ende acelera las palpitaciones, eleva la presión arterial y acelera la respiración. También actúa mejorando las funciones hepáticas Es el color de la vitalidad y la acción, ejerce una influencia poderosa sobre el humor de los seres humanos. Si ocupa grandes espacios en una habitación puede resultar agobiante, en cambio si se utiliza en pequeños detalles brinda calidez. Es una buena contraposición a los colores neutros ya que el rojo les da vida. Su aspecto negativo es que puede generar actitudes agresivas, incluso despertar la cólera. Vigoroso, impulsivo, activo, simpático. NARANJA Tiene alguno de los efectos del rojo pero en menor grado. Es un color incandescente, ardiente y brillante. Estimula el esparcimiento, la vitalidad, la diversión y el movimiento. Disminuye la fatiga , estimula el sistema respiratorio y ayuda a la fijación del calcio. Favorece la buena relación entre cuerpo y espíritu aumentando el optimismo. Se relaciona con la comunicación, el equilibrio, la seguridad y la confianza. Por el hecho de ser reconfortante y estimulante puede tanto calmar como irritar. Es propicio para trabajar en equipo, ayuda a la interrelación y la unión. Es ideal para utilizar en lugares dónde la familia se reúne para conversar y disfrutar de la compañía. Debido a su efecto estimulante también se utiliza en los lugares de comidas rápidas, ya que abre el apetito y además generar una rápida circulación de público. Recurra a este color si desea quebrar barreras, despertar el entusiasmo interior y divertirse más en la vida. Sociable, impetuoso, amable.

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AMARILLO Es el color de la luz del sol. Genera calor, provoca el buen humor y la alegría. Es el más sutil de los colores cálidos, actúa como un energizante positivo que no llega a ser agresivo, dando fuerza al sistema digestivo y a los músculos. Estimula la vista y actúa sobre el sistema nervioso. Está vinculado con la actividad mental y la inspiración creativa ya que despierta el intelecto y actúa como antifatiga. Los tonos amarillos calientes pueden calmar ciertos estados de excitación nerviosa, por eso se emplea este color en el tratamiento de la psiconeurosis. El amarillo es muy utilizado en áreas de acceso, salones sociales y cuartos de estudio. Por su característica de "generar calor" es recomendable en climas fríos. Los colores basados en la gama de los amarillos son en su mayor parte neutros y fáciles de utilizar. El uso excesivo del amarillo crea una sensación de informalidad. Es el color más difícil de visualizar para el ojo humano. VERDE Es un color sedante, hipnótico, anodino. Resulta eficaz en los casos de excitabilidad nerviosa, insomnio y fatiga. Disminuye la presión sanguínea, bajando el ritmo cardíaco. Dilata los capilares aliviando neuralgias y jaquecas. El verde es un color sedativo, ayuda al reposo y fortifica la vista. Trae paz, seguridad y esperanza. Simboliza la fecundidad, es curativo y renovador. Es fresco y húmedo, induce a los hombres a tener un poco de paciencia. El verde natural es el pigmento de la clorofila, que ayuda a las plantas a absorber la energía solar para elaborar su alimento. Por eso es esencial para la vida vegetal, siendo un ejemplo de relación natural entre el color y la luz. Se utiliza para neutralizar los colores cálidos. Indicado para cualquier ambiente, es aconsejable tener en el baño toallas o detalles en este color, ya que purifica y da energía al cuerpo. Es el color más fácil de visualizar por el ojo humano. AZUL Es el color que con su efecto tónico, eleva la presión de la sangre por contracción de las arterias. Actúa como antiséptico, antifebril y astringente. También demuestra su eficacia en los estados reumáticos. Para un individuo emotivo el azul es más calmante que el verde. Abre la mente, brindando paz y tranquilidad. El azul es el más sobrio de los colores fríos, transmite seriedad, confianza y tranquilidad. Se el atribuye el poder para desintegrar las energías negativas. Favorece la paciencia amabilidad y serenidad, aunque la sobreexposición al mismo produce fatiga o depresión. Es uno de los colores preferidos, pero resulta difícil de utilizar en la decoración de los ambientes. Es ideal para el cuarto de los niños ya que ayuda a apaciguar su energía. También se aconseja para balancear el uso de los colores cálidos.

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PURPURA Actúa sobre el corazón, los pulmones y los vasos sanguíneos. Aumenta la resistencia de los músculos y tejidos. Expande el poder creativo desde cualquier ángulo. Tiene buen efecto sobre los problemas de ciática. Disminuye la angustia, las fobias y el miedo. Una luz color violeta aúna el efecto estimulante del rojo y el tónico del azul. Representa el misterio, se asocia con la intuición y la espiritualidad, influenciando emociones y humores. También es un color algo melancólico. Antaño a causa de su elevado precio se convirtió en el color de la realeza y por ello, aún en nuestros días, parece impresionante pomposo y magnífico. Es un tono muy complejo para utilizar en decoración ya que resulta ambiguo e incierto. No es aconsejable pintar el ambiente entero en este color, en cambio una sola pared, puede dar un cambio sorprendente a un ambiente cargado de colores cálidos. En un tono más azulado es ideal para sitios de meditación. BLANCO Su significado es asociado a la paz, pureza, fe. Alegría y pulcritud. Es la fusión de todos los colores y la absoluta presencia de la luz. Para los orientales es el color que simboliza el más allá o el cambio de una vida a la otra. Es un color purificador, brinda sensación de limpieza y claridad. Ayuda a alejarse de lo sombrío y triste. Representa el amor divino, estimula la humildad y la imaginación creativa. Se puede utilizar en la decoración de un ambiente en grandes cantidades sin sobrecargar el ambiente. Luce moderno y fresco, pero hay que recordar que refleja el 80% de la luz, por eso es aconsejable usar menos luz que con el resto de los colores o bien entonarlo levemente. El blanco es óptimo para que los ambientes luzcan amplios e iluminados. NEGRO Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, desespero, dolor, formalidad y solemnidad. Es la ausencia del color y de toda impresión luminosa, es lo opuesto a la luz ya que concentra todo el sí mismo. Es el color de la tristeza y puede determinar todo lo que está escondido y velado. Es un color que también denota poder y en la era moderna comenzó a denotar el misterio y el estilo. El negro se debe utilizar en cantidades pequeñas como accesorios, detalles y espacios dónde no se permanezca por mucho tiempo. Si se usa en grandes cantidades puede resultar agobiante y dado que absorbe la luz se debe contemplar la instalación de luz adicional. GRIS Iguala todas las cosas y no influye en los otros colores. Puede expresar elegancia, respeto, desconsuelo, aburrimiento, vejez. Es un color neutro y en cierta forma sombrío. Ayuda a enfatizar los valores espirituales e intelectuales. Si se utiliza en exceso en un ambiente, lo hará parecer monótono y aburrido.

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SOMBRAS COMO PARTE DE LA COMPOSICIÓN Las sombras nos pueden ayudar en la composición de nuestras fotografías pues no se trata de algo negativo sino de algo que, si se usa bien, también puede tener su propia fuerza visual. Así pues, hay principalmente tres maneras de usar las sombras para mejorar las composiciones de tus fotografías:

- Llenar espacios en blanco. Las sombras en sí mismas rellenan espacio que, de otra forma, quedaría vacío. Así pues, pueden ser perfectas para, por ejemplo, conseguir un fondo más interesante o con más personalidad o expresividad, ya sea proyectando en él la sombra del sujeto principal de la imagen o mostrando la textura de su superficie. Cuando quieras llenar un espacio vacío, proyecta una sombra en él. - Guiar la mirada del que vea la foto. Las sombras pueden terminar generando líneas o patrones que guíen la mirada del observador hacia algún punto concreto de la fotografía. Esto será especialmente evidente en la fotografía urbana o en la de arquitectura, donde elementos como por ejemplo las barandillas pueden ayudarte a conseguir estos efectos. - Equilibrar pesos visuales. Como ya vimos cuando hablamos de los pesos visuales, las sombras también nos pueden ayudar en este aspecto pues, colocadas estratégicamente, pueden terminar de equilibrar la composición de una fotografía.

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Puedes Usar Sombras Como Elemento Principal de la Imagen Las sombras no son algo que, simplemente, aparece como consecuencia de la iluminación. También pueden llegar a convertirse en el elemento principal de nuestra fotografía si somos capaces de encontrar una sombra interesante y expresiva y además, sabemos sacarle provecho. ¿Quieres conseguir que una sombra sea la protagonista indiscutible de tu imagen? Cuatro ideas para conseguirlo: · - Las sombras misteriosas. Aquellas que no sabes a qué objeto pertenecen. Pueden ayudarte a llamar la atención de las personas que vean tus fotos pues adivinar qué es lo que proyecta esa sombra se convertirá en una especie de juego visual. · - Las sombras curiosas. Aquellas sombras que, por su distribución, su forma o su estructura puedan parecer curiosas fotográficamente. Seguro que tienes un montón de estas alrededor, sólo debes aprender a mirar “el lado oscuro” de las cosas. · - Las sombras abstractas. Y es que si lo que buscas es hacer fotografía abstracta, las sombras pueden ayudarte un montón. Sólo necesitarás saber colocarlas y encuadrarlas de manera que te sirvan para tus propósitos (en este caso, descontextualizar la foto. Es decir, que no se entienda lo que es el sujeto principal). · - Los contraluces. Son otro tipo de sombra y de hecho, creo que es el tipo que más se presta a ser el elemento principal de una fotografía pues las siluetas suelen dar mucho juego. Si buscas siluetas, deberás cuidar mucho la iluminación que utilices, en este artículo te damos cuatro posibles esquemas de luces para hacerlo. Por supuesto, hay infinidad de opciones para conseguir que una simple sombra se convierta en el punto más importante de una fotografía. No te centres sólo en las opciones dadas en este artículo y sal a descubrir las sombras más fotogénicas.

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Puedes Usar Sombras Como Ayuda a la Expresión Una sombra nos puede ayudar a terminar de darle expresividad a nuestras fotografías, pues hay sombras que son muy descriptivas. Por ejemplo, una buena sombra bien colocada nos puede aportar mucha profundidad en nuestra fotografía pues nos ayudará a separar el sujeto principal de nuestra imagen del fondo de la misma. Las sombras también pueden ser unas muy buenas aliadas para explicar cómo es algo, como podría ser, por ejemplo, el caso de las texturas, que cuando se iluminan de manera adecuada, son descritas, precisamente, por sus sombras. Si no fuera por éstas, no tendríamos manera de conocer si la superficie de algo que aparezca en nuestra fotografía es liso o rugoso y muchas veces, esas texturas son, precisamente, las que hacen que una imagen se convierta en una buena fotografía. Existe otra manera de servirnos de las sombras para ayudarnos a la hora de conseguir imágenes más expresivas y es el hecho de conocer cómo son las sombras en determinadas circunstancias para, así, poder simularlas. Por ejemplo, si sabemos cómo son las sombras en un día nublado (muy difusas), podemos aprovechar ese conocimiento para aplicarlo en nuestras imágenes y conseguir, por ejemplo, imágenes más melancólicas.

Puedes Usar Sombras que Son Consecuencia de la Iluminación Sí, es cierto, todas las sombras del mundo siempre son la consecuencia de una iluminación, voy a concretar un poco más este punto. Hay iluminaciones que, por su naturaleza (su dureza, su posición respecto el sujeto a iluminar o, simplemente, porque tienen algún filtro que las modifica antes de llegar a iluminar aquello que nos interesa) provocan ciertas sombras más o menos atractivas.

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Podríamos decir que la gracia de ciertas iluminaciones es, precisamente, las sombras que provocan. Estas sombras, además de ayudarnos a conocer sólo viendo la fotografía cómo era esa fuente de luz de la que disponíamos, pueden llegar a convertirse en una parte importante de la composición o, incluso, a llegar a robarle protagonismo a nuestro sujeto principal. En nuestras manos está el decidir si nos interesa hacerlo o no, el caso es que saber reconocer cuándo estas sombras nos pueden aportar un extra a nuestra fotografía y el saber sacarles el máximo provecho puede sernos muy útil a la hora de crear según qué imágenes.

La Mejor Manera de Conseguir Sombras… Evidentemente, la mejor manera de conseguir sombras es aprendiendo a encontrarlas mediante la iluminación y según la luz de la que dispongamos, podremos conseguirlas de una manera o de otra: - Si dispones de una iluminación natural, deberás estar muy atento pues, seguramente, tus opciones para conseguir exactamente la luz que quieras estarán muy limitadas. Antes de tomar la fotografía, observa bien cómo incide la iluminación que tienes en el sujeto que vas a fotografiar. Busca sombras cambiando de ángulo de visión o, si puedes, moviendo el sujeto en tu interés. Y, sobre todo, analiza tu situación lumínica para saber qué te espera (si hay nubes que puedan darte unas sombras más difusas, si se va a poner el sol o va a quedar tapado por algún otro elemento…). - Si, por el contrario, vas a realizar tus fotografías con iluminación artificial, lo tienes más fácil pues tendrás más libertad de modificar la situación lumínica para adaptarla completamente a tus necesidades. ¿Quieres sombras? Huye de los difusores: la luz suave genera sombras, sí, pero pueden llegar a ser tan suaves que no puedas ni apreciarlas. Las luces duras y laterales son las mejores amigas de las sombras, ¡eres tú quien debe decidir si eso es lo que te interesa para tus imágenes o no!

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ILUMINACIÓN Hay veces en la vida tienes que tomar decisiones. La tecnología no es capaz de funcionar de manera autónoma al 100%. Necesita que la guiemos, que le demos alguna pista. La medición de luz en cámaras de fotos réflex es uno de esos ajustes que tienes que decidir por ti mismo. Tu cámara, por muy eficiente que sea en el modo automático, no puede adivinar el modo de medición de luz más adecuado. Existen algunas pitas que pueden ayudar a entender el significado de la medición de luz de manera simple, dándote algunas pistas sobre cuándo utilizar cada modo.

¿Qué son los modos de medición de luz en fotografía digital? Para no producir fotos sobreexpuestas (con demasiada luz) ni subexpuestas (demasiado oscuras) la cámara de fotos intenta “dosificar” la cantidad de luz que entra. Si ve que el paisaje, persona u objeto retratado está oscuro la cámara intenta compensarlo dejando que entere un poco más de luz. Si por el contrario se percata de que es un día muy soleado, o que hay demasiada luz en la escena, ahí intenta restringir la cantidad de luz que pasa a su interior garantizando así unos niveles de iluminación correctos. La medición de luz es una indicación que le damos a la cámara para que ésta distinga qué parte del encuadre se debe tomar como referencia para regular la exposición (la captura de luz). Si algunas partes del encuadre estuvieran demasiado iluminadas y otras demasiado oscuras, la cámara se volvería loca.

Tipos de medición de luz Principalmente hay 3 tipos.

1) Medición Puntual: Aquí la cámara mide la luz de un punto específico del encuadre (normalmente el centro, si bien en algunas cámaras se lo puedes indicar tú) y regula la cantidad de luz que necesita captar en función de esa medición. Que el resto del encuadre salga más oscuro o más iluminado a la cámara se la trae sin cuidado. Lo que interesa exponer correctamente es una zona concreta y “puntual”. De ahí el nombre. Ejemplo: Si tienes una escena en la que la mayor parte del encuadre está oscura y sólo una parte muy mínima está iluminada conviene que utilices el modo de medición Puntual y le indiques a la cámara dónde está ese personaje que te interesa iluminar bien.

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2) Medición Ponderada al Centro: Casi similar a la medición puntual, excepto por el hecho de que toma como referencia el punto indicado, dándole mucha importancia en el cálculo, pero también tiene en cuenta la zona alrededor de ese punto, eso sí, dándole una importancia mucho menor.

Ejemplo: En este ejemplo se utilizó la medición ponderada al centro. Lo que había que tener correctamente expuesto eran las velas junto con los dos personajes principales. Sin embargo, se consiguió que se vieran más personajes así como el resto de la escena gracias a que la cámara tuvo en cuenta también el resto del encuadre.

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3) Medición Matricial: Éste es el modo más fácil de usar, y generalmente el que se usa más frecuentemente. Aquí simplemente le dices a la cámara: “Mira, calcula los distintos niveles de luz de todo el encuadre, saca una media, y sácame la foto con esa media de luz”. Aquí normalmente la mayoría de los elementos del encuadre suelen salir bien expuestos puesto que la cámara no se va a ninguno de los dos extremos, sino que aplica una exposición “media”. ¿Para qué situaciones es mejor usar la medición matricial? Toda foto en la que no haya ningún elemento excesivamente iluminado ni demasiado oscuro. Ejemplo: Cualquier foto en la que nos interese equilibrar la luz entre zonas oscuras y otras iluminadas sería ideal para el modo de medición de luz matricial.

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CLAVE ALTA/CLAVE BAJA La mejor fotografía no es el resultado de una buena técnica. No es el encuadre, ni el revelado digital que le aplicamos lo que le da valor a una foto. Tampoco es la distancia focal del objetivo, ni el tamaño del sensor de la cámara con que la hayamos tomado. Lo que hace de una instantánea una gran foto es la reacción que esa fotografía produce en quien la ve, las emociones que libera en él. Los sentimientos que induce. Algo así como lo que hace la poesía o la música. Si tu foto cautiva al espectador y causa en él una impresión, has triunfado. Para provocar algo en el espectador tienes que hacer uso de ciertas herramientas. Una de esas herramientas que suelen funcionar muy bien a la hora de “generar” un sentimiento en quien ve la foto es la técnica conocida como Clave Alta/Clave Baja.

Las fotos hechas en Clave Alta o Clave Baja suelen llevar una enorme carga emocional. No puedes ver una foto en Clave Alta y no sentirte invadido por sentimientos positivos, de paz, de felicidad y de ternura. Tampoco te escapas de los sentimientos de intriga y misterio que suele generar una foto en Clave Baja. Son las típicas fotos que ves, te quedas impresionado como espectador, y no se te ocurre ni por asomo intentar hacerlas por lo complicadas que son, crees. No podrías estar más equivocado. Hoy toca aprender a hacer fotos en Clave Alta y Clave Baja. Verás que es extremadamente fácil conseguir unas fotografías cautivadoras y llenas de sentimientos.

Pasos para fotografiar en Clave Alta 1. Vas a necesitar luz, mucha luz. Lo ideal sería apoyarse en uno o dos focos de iluminación (luz continua) que inunden el encuadre de luz. Si vas a jugar muchas veces con la Clave Alta te interesa pillarte unos focos de luz continua o softbox.

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2. Prepara un fondo blanco. Imprescindible. 3. Ajusta la cámara, en modo manual como de costumbre, a una apertura relativamente grande (f/5.6 sería suficiente, aunque si quieres bajar a f/3.5 pues no iría mal tampoco). Asegúrate de tener ISO mínimo (100), una velocidad de obturación entre 1/5 y 1/10 segundos. Sube la exposición a +2 EV. 4. Ya que vas a utilizar una velocidad de obturación no excesivamente rápida, vas a necesitar un trípode, un disparador remoto (para eliminar toda posible vibración a la hora de disparar) y pedirle al sujeto que no se mueva. 5. Ahora dispara la foto.

Lo que te acabo de dar son orientaciones que quiero que uses como punto de partida para ir experimentando, disparando, viendo el resultado y volviendo a disparar, y así hasta dar con la configuración más adecuada para la situación. Fotografías ideales para la Clave Alta Como ya vimos, en este tipo de fotografía predominan los blancos y se caracteriza por un reducido contraste de la imagen y la ausencia de sombras duras en la misma. La Clave Alta tiene una serie de sentimientos y emociones “típicos” que van asociados a ella. Por ello, hay situaciones y fotografías más “idóneas” para emplear esta técnica. Se enlistan algunas ideas para ejercicios de clave alta: fotografía Macro, margaritas, niños, bebés, parejas y bodas, desnudos, retratos femeninos.

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Pasos para fotografiar en Clave Baja 1. Fondo negro como te podrás imaginar . Tiene que ser plano, sin relieves ni brillos. La idea es que no refleje ninguna luz. 2. Luz: Clave Baja no significa ausencia de luz, sino escasez de la misma. En la Clave Baja el fotógrafo utiliza una cantidad mínima de luz distribuida de forma estratégica, dirigiéndola sólo a las partes que interesan del sujeto u objeto retratado. En este caso con un Flash remoto bastaría. Si el flash te permite controlar su potencia, ajústalo en una potencia baja. 3. Ajustes de la cámara: Aquí no hay valores de los que puedas partir por defecto. La única regla a tener en cuenta es que tienes que jugar con los ajustes para que entre cuanta menos luz a la cámara mejor. No digo que salga toda la foto oscura y ni siquiera se pueda distinguir al sujeto. Tampoco hay que irse a ese extremo pero sí conservar una luz sutil que desvele sólo parte del cuerpo o cara de nuestro personaje. 4. Ahora dispara la foto. De nuevo, ve disparando y revisando los resultados. Fotografías ideales para la Clave Baja Las fotografías en clave baja reciben este nombre porque se trata de fotografías con un importante predominio de negros y sombras De la misma manera, aquí tienes otros ejemplos de temas que podrás retratar en Clave Baja: desnudos (de nuevo), retratos, retratos de perfil, retratos masculinos.

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VENCIENDO LA OSCURIDAD

Una buena parte de las dificultades a las que nos enfrentamos como fotógrafos a la hora de hacer una foto están relacionadas con la falta de luz. La oscuridad es el enemigo número uno de todos los fotógrafos. La escasez de luz es lo que hace que tengamos que recurrir al uso del flash, con el consiguiente inconveniente del exceso de luz que el flash supone. La falta de luz es lo que hace que, en el modo automático de la cámara, obtengamos fotos borrosas.

El concepto clave La fotografía es luz. Para que nuestros ojos puedan ver las cosas que nos rodean necesitamos que haya luz que las ilumine. Habiendo luz hay fotografía. La manera en que una cámara de fotos réflex funciona está inspirada en la propia naturaleza, en el ojo humano concretamente. Nuestros ojos también necesitan luz para poder ver las cosas: las pupilas equivaldrían al objetivo de una cámara réflex, la retina sería algo así como el sensor sobre el cual se proyecta la imagen, y el cerebro, de alguna manera, la tarjeta de memoria. Como decía, la luz es el componente principal que hace que la fotografía sea posible. La luz (procedente de la ventana o de cualquier otra fuente) rebota en los objetos para posteriormente dirigirse a la cámara, penetrar en ella a través del objetivo, y terminar proyectándose en el sensor.

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Se trata de un viaje como ves, el viaje de la luz que rebota en las cosas y emprende un recorrido (a unas velocidades fulminantes) hasta encontrar su camino al interior de nuestra cámara.

Situaciones habituales de riesgo Ahora que conoces el concepto básico pasemos a ver aquellas situaciones en las que la oscuridad se empeña en fastidiarnos las fotos, y cómo salir airoso de ellas. A continuación te expongo un listado con unas cuántas situaciones que harán que tus fotos salgan mal. Todas estas situaciones tienen su origen en la oscuridad:

1) La noche Nada que explicar aquí. La noche significa la ausencia de la luz natural del sol, lo cual convierte la fotografía en todo un reto. Afortunadamente existe un pequeño invento llamado “Flash”, el cual soluciona un poco esta situación de oscuridad, pero muchas veces el flash deja un efecto aceitoso en la piel del sujeto, crea demasiada luz, y además tiene limitaciones muy importantes ya que sólo es capaz de iluminar a una cierta distancia.

2) El amanecer y el atardecer Amanecer y atardecer: dos momentos magníficos desde un punto de vista de estética fotográfica, sin embargo la poca cantidad de luz disponible durante el amanecer y el atardecer hace que la cámara sufra un poco. El resultado más frecuente suele ser una foto movida.

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3) Objetivos de largas distancias focales En igualdad de condiciones un objetivo de distancia focal de 300mm será mucho más oscuro que uno de 35mm. Trabajar con distancias focales elevadas hace que la cantidad de luz que alcanza la cámara disminuya y por lo tanto que la foto resulte oscura o movida.

4) Habitaciones y cuartos oscuros Como es lógico, una habitación sin ventanas, o con ventanas que no dan al exterior (sino a un patio interior del edificio por ejemplo) presenta un problema serio para el fotógrafo. Este tipo de habitaciones no suele tener los niveles de luz necesarios para que la cámara capture la foto correctamente. El que tú puedas ver con cierta facilidad dentro de la habitación no significa necesariamente que la cámara lo pueda hacer con la misma facilidad que tú.

5) Bosques y lugares naturales cerrados Naturalmente (y nunca mejor dicho) la naturaleza “cerrada” o frondosa inhibe la entrada de los rayos de sol. Si andas con tu cámara en medio de un denso bosque en busca de pequeños animales o plantas que retratar te tendrás que enfrentar al problema de la falta de luz.

6) Accesorios que obstruyen el paso de la luz lLos que resultan más “engorrosos” para la luz son los filtros (polarizadores, de densidad neutra, …) así como los tubos de extensión, así que utilízalos siempre con cuidado, y ante la duda, mejor quítalos.

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7) Ajustes de exposición A veces los propios ajustes de exposición de tu cámara te pueden hacer la vida más complicada. Las cámaras de fotos permiten aumentar los niveles de exposición o reducirlos, según nos convenga, pero es frecuente que dejemos el nivel de exposición bajo por olvido y nos estemos rompiendo la cabeza no sabiendo por qué las fotos salen oscuras.

Cómo tomar buenas fotos en situaciones de oscuridad A) La velocidad de obturación Lo creas o no el tiempo es un arma efectiva contra la oscuridad. Consiste simplemente en alargar el tiempo durante el cual se obtura o graba la foto. Si al principio decíamos que la foto se consigue mediante la penetración de la luz a la cámara a través del objetivo, ¿qué pasaría si dejáramos a esta luz entrar durante un extenso período de tiempo? Pues que entraría seguramente más luz. Esto se consigue utilizando el modo manual de la cámara (modo “M” en la mayoría de las cámaras réflex) o por lo menos el modo semimanual de Velocidad de Obturación (modo “S” en las Nikon, “Tv” en las Canon y otras marcas) y escogiendo una velocidad de obturación relativamente larga. Por ejemplo si para una escena con la cantidad de luz necesaria necesitamos una velocidad de obturación de 1/100s, si tuviéramos que disparar la misma foto pero con la escena más oscura, el doble de oscura por ejemplo, tendríamos que ralentizar la velocidad de obturación bajándola a 1/50s por ejemplo, ó más lenta aun, hasta encontrar la velocidad adecuada. Recuerda, cuanto más lenta sea la obturación, más cantidad de luz acaba entrando y acumulándose. Es como dejar un vaso debajo de un grifo de agua, el vaso se llenará el doble de agua si dejamos el grifo abierto 2 segundos que si lo dejamos abierto sólo uno.

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B) Objetivo 35-50mm f/1.4 Este objetivo de distancia focal fija de 35mm y 50mm y cuya apertura de diafragma es de f/1.4. Este tipo de objetivos tiene la virtud de permitir la entrada de una ingente cantidad de luz, simplemente porque su apertura es mayor. Volviendo al ejemplo anterior del agua y el vaso, el vaso se llenaría el doble de agua estando debajo de un grifo de gran caudal que estando debajo de uno de caudal reducido. Cuanto más ancho el caudal sea, más cantidad de agua se consigue. Pues en las cámaras réflex pasa igual, a mayor apertura de objetivo, mayor cantidad de luz entra. ¿Y por qué 50mm concretamente? porque se ha demostrado que ése es el campo de visión que nuestros ojos abarcan normalmente en la vida real. Una foto hecha a 50mm tiene el aspecto y las proporciones que nuestros ojos ven y nuestro cerebro procesa en la vida real. Por otro lado, una distancia focal ultrapequeña (10mm por ejemplo) u más larga (600mm) produce pequeñas distorsiones ópticas.

La auténtica belleza de este lente reside en la extraordinariamente generosa apertura de su diafragma. La apertura o diafragma es lo que permite que el objetivo capte más luz. Piensa en alguna situación en que hayas tenido que hacer fotos con poca iluminación y sin flash. Habrás sufrido mucho, porque o te sale la foto movida, o sale con mucho ruido procedente del ISO, y cosas así.

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Con el f/1.4 podrás resaltar muchísimo los sujetos y objetos que estés fotografiando. Esto tiene que ver la profundidad de campo reducida, y que consiste en tener al sujeto hiperenfocado y el fondo detrás muy desenfocado, lo que resalta sin duda a la persona, animal u objeto retratado.

Si no te puedes permitir uno, no pasa nada, en teoría esta regla se le puede aplicar a cualquier objetivo, aunque de manera menos efectiva: simplemente ajusta la cámara a una apertura de objetivo lo más amplia posible (valor f/.. pequeño). A lo mejor en tu caso es f/3.5, ó f/4. No importa, lo principal es conseguir que ese valor sea pequeño. C) El trípode Vencer a la oscuridad es casi imposible si no disponemos de un buen trípode. Como dije antes, una de las maneras de obtener mayor cantidad de luz consiste en utilizar velocidades de obturación lentas, y puse como ejemplo dejar el vaso debajo de un grifo durante un tiempo prolongado, lo cual nos permitiría obtener mayor cantidad de agua, o luz si hablamos de cámaras de fotos. Pero, ¿de qué serviría dejar el grifo abierto durante mucho tiempo si sujetamos el vaso con una mano temblorosa? Se nos movería el vaso todo el tiempo y no se llenaría de agua, o no se llenaría bien. En fotografía ocurre algo parecido: si para capturar una mayor cantidad de luz seleccionamos una velocidad de obturación relativamente lenta, tenemos que asegurarnos de que la cámara no se mueva lo más mínimo durante ese lapso de tiempo. Sí, es un tiempo muy pequeño, fracciones de segundo, pero aun así se producen ciertos movimientos, muy pequeños, que hacen que la luz “capturada” se disperse dentro de la cámara y proyecte una imagen confusa, borrosa. La solución pasa por estabilizar la cámara encima de un buen trípode el cual nos permitirá recoger toda esa luz de manera estable consiguiendo así una imagen ultra nítida.

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D) ISO El valor ISO en las cámaras réflex digitales hace referencia a cómo de sensible es el sensor de la cámara a la luz. Se puede modificar. Seleccionando un valor ISO elevado hacemos que la cámara sea más sensible a la luz. En otras palabras, con la misma cantidad de luz la cámara podrá capturar el doble o triple o la cantidad que sea de luz en función del valor ISO que le hayamos subido. Esto es muy útil es situaciones de escasez luz. Si habiendo agotado todos los recursos de este kit de supervivencia seguimos encontrando la foto demasiado oscura, subir el valor ISO puede solucionarnos el problema. En una cámara réflex digital normal el valor ISO normal suele estar en los 100. Si es preciso puedes subirlo a 200, 400, y así gradualmente hasta que encuentres el valor adecuado. Sin embargo ten en cuenta que a mayor sensibilidad ISO, mayor ruido obtendrás en la foto, así que súbelo sólo cuando sea necesario y no tengas más remedio.

Mi fórmula definitiva Cada uno de los recursos anteriormente mencionados te ayudará a combatir la falta de luz en tus fotos, pero imagínate la combinación de todos ellos a la vez. Hay que procurar combinar lo siguiente:

Trabajar con todos estos “útiles” a la vez me da mucha flexibilidad y permite incluso elegir la cantidad de luz que necesites. Además, como ves en el gráfico, al objetivo de gran apertura f/1.4 se le da una importancia un poco mayor porque realmente en más de una ocasión puede salvarte de un disgusto..

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PASOS PARA UN BUEN RETRATO

1- Prioridad de Apertura. Para controlar el modo Prioridad de Apertura: simplemente en el dial de modos de tu cámara escoge el modo siguiente: - Si tienes Nikon escoge el modo “A” - Si tienes Canon escoge el modo “Av” - Para Sony sería el modo “A” - Las cámaras Pentax lo tienen como “Av” 2- Dispara utilizando aperturas de diafragma lo más grandes posible (valor f/ bajo).

Canon

Nikon

Pentax

Sony

Esto permitirá primero que entre mucha luz y segundo que el sujeto salga bien definido y enfocado, con un fondo totalmente desenfocado. 3- Ahora sube la distancia focal de tu objetivo al máximo. Si tienes un objetivo 18-55mm ponlo en 55, si es de 55-200mm elige 200. 4- No hay ninguna regla que te obligue a disparar retratos siempre de frente. ¿Por qué no probar perfiles inusuales como por ejemplo retratar al sujeto de espaldas, o de perfil..? No estás obligado a disparar estando de pie, desde la misma altura que el sujeto o sujetando la cámara a la altura de la cabeza. Existen otras perspectivas que te ofrecerán fotos poco corriente y muy originales, experiméntalas. 5- Haz que tu sujeto se sienta cómodo. 6- Este paso es el más importante: APLICA ESTE TUTORIAL. Sí, así es, no sirve de nada que hayas leído hasta aquí si al final no lo aplicas. Ya has visto lo fácil que es, así que por favor, no lo dejes enfriar. Practica ahora mismo.Recuerda que sólo cuando practicamos algo es cuando se nos queda bien grabado.

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CÓMO ILUMINAR TUS RETRATOS La luz es básica en la fotografía. A esa luz tenemos que proporcionarla nosotros con accesorios como los flashes, convirtiéndose en un aspecto fundamental a la hora de conseguir buenos o malos resultados en tus fotografías. Podemos nombrar 5 modos, probablemente los más conocidos, de iluminar tus retratos de estudio. No creas que cuando uno se dispone a hacer un retrato e iluminarlo adecuadamente es cuestión de azar el conseguir un buen resultado. Todo lo contrario, hay un amplio abanico de posibilidades, que deberás manejar. ANTE TODO, EVITA LA LUZ FRONTAL Recuerda que, cuando te hablamos de los muchísimos beneficios que te ofrece un flash externo, uno de los más importantes que destacamos fue el de poder dispararlo desde una posición distinta a la de la cámara. Esta características es fundamental y, en la medida de lo posible, trata de hacer uso de ella siempre que puedas. Los resultados que ofrece una toma con iluminación de flash frontal y disparado desde la misma posición en que se encuentra la cámara no son nada buenos. Por supuesto, hay veces que no te queda más remedio. Pero, si puedes, separa el flash de la cámara. Evitarás reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales y, en definitiva, un resultado nada natural.

Tipos de iluminación:

Rembrandt Light Este modo de iluminación busca conseguir un resultado similar al que caracteriza a los retratos del genial pintor. Pero, ¿qué tienen de particular sus retratos? Pues, muy sencillo, presentan una parte del rostro claramente iluminada y otra más en penumbra (apareciendo un pequeño triángulo de claridad bajo el ojo de esta parte menos iluminada). El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que situar la fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la cámara, se podrá situar un reflector.

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Split Light Si llevamos al extremo el modo de iluminación anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la cámara y, por tanto, completamente en el perfil del sujeto a fotografiar, conseguimos el modo split light. Este modo recibe este nombre porque la palabra split en inglés significa partir / dividir y eso es, precisamente, lo que se consigue con esta iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad de la cara completamente clara y la otra mitad en penumbra. Se trata de una iluminación muy dramática, que puede ser útil si lo que buscas es, precisamente, transmitir esta sensación.

Broad Light El tercer modo de iluminar retratos es a través de la denominada broad light, que es una mezcla entre los dos modos anteriores. En este caso, la luz se sitúa a 45º de la cámara, como en el modo Rembrandt, pero la cara del sujeto a retratar se gira 45º en sentido opuesto. De este modo, se expone claramente un perfil de la cara, y el otro queda oculto, confiriendo a la toma una mezcla de belleza e intriga. Butterfly Light: El curioso nombre de este modo de iluminación viene de la sombra que se genera bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de mariposa (butterfly). Para conseguirlo, basta con situar la fuente de luz enfrente del sujeto, pero en lugar de hacerlo a la misma altura que la cámara, el flash ha de elevarse, de modo que se consiga una iluminación superior. Se trata de una posición formando un ángulo de 45º con respecto a la cámara, pero, en este caso, en el plano vertical, no en el plano horizontal como en el caso de Rembrandt light.

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Loop Light Es un modo intermedio entre Rembrandt y butterfly. El resultado es similar al del modo butterfly, aunque con las sombras ligeramente curvadas y desplazadas hacia el lado opuesto al de la fuente de luz. Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el plano vertical, como en el plano horizontal.

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LOS 7 TIPOS DE PLANO CLAVE EN EL RETRATO

Plano General En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto. En el caso de la foto que hemos utilizado para el ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo de la modelo completo, sin ningún tipo de recorte. Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.

Plano Americano/Tres Cuartos Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del género Western o, como las llamaba yo de pequeño, de indios y vaqueros. En estas películas era importante que las ármas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte. Algunos lo llaman también plano tres cuartos. El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.

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Plano Medio El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda. También es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

Plano Medio Corto El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.

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Primer Plano El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje.

Primerísimo Primer Plano El Primerísimo primer plano capta el rostro desde la base del mentón hasta la punta de su cabeza. Con este tipo de encuadre, el primerísimo primer plano consigue también dotar de gran significado a la imagen.

Plano detalle El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.

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MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Antiguamente, la única manera de guardar una imagen era trazarla manualmente La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos. Citaremos algunas corrientes y vanguardias artísticas que sirven de inspiración para la fotografía moderna, con técnicas y temáticas fácilmente aplicables que nos darán un abanico de posibilidades para lograr fotos más atractivas.

NEOCLASICISMO El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el Neoclasicismo fue abandonado. La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las principales características formales de la pintura neoclásica. Estilo severo disciplinado, honesto, directo y anti-ilusionista, capaz de afirmaciones rotundas y sin compromisos, de una claridad sobria y pureza arcaica; de contornos firmes e inequívocos, caja de perspectiva simple, colores nítidos y contornos puros.

GERARD / CUPIDO Y PSIQUE

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DAVID / EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS

JOSEPH VIEN / VENDEDORA DE CUPIDOS

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DAVID / RETRATO DE NAPOLEÓN

DAVID / MARAT

ROMANTICISMO El romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes. Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania hasta llegar a otros países. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Posromanticismo, del cual derivó el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo. Ideas generales: imposición del sentimiento sobre la razón. Íntimo y sentimental, poético, exaltado, soñador, extravagancia, locura, irrealidad, añoranza, fantasía, utopía, difuminación de límites, tenebroso, estremecedor, rechazo de la sociedad industrializada, se abandona el orden racional de la perspectiva, la naturaleza como expresión de sentimientos, “género de ventana” (tensión entre paisaje e interior =infinitud), gusto por el negro (en contra de los ilustrados, “la luz del conocimiento”).

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Delacroix / Mujeres de Argel

Delacroix / La libertad guiando al pueblo

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Delacroix / Dante y Virgilio

Friedrich / Paisaje de la isla Rugen

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Friedrich / Viajero frente al mar

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Otto Runge / Retrato de familia

Turner / Lluvia, vapor, velocidad

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Turner / Tormenta de nieve

Turner / Barco de esclavos

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Millais / Ofelia REALISMO Realismo es un término que, además de utilizarse para denominar ciertos movimientos artísticos reactivos contra el romanticismo en literatura (literatura del realismo) o pintura (pintura del realismo) -ambos originados en la Francia de mediados del siglo XIX y continuados en el naturalismo literario y pictórico posterior-; tiene una dimensión genérica que permite identificar un realismo artístico como una postura estética o de teoría del arte que identifica arte y realidad. Esta postura se plasma en diversas formas de representar la realidad o naturaleza de una manera imitativa (mimesis), por lo que también se la denomina naturalismo (de forma equívoca con otros usos de naturalismo en el arte). El arte realista puede definirse, en cuanto a su contenido, como el que representa los temas "de acuerdo con reglas seculares y empíricas" de modo que tales temas sean "explicables en términos de causas naturales, sin recurso a intervención sobrenatural o divina"; considerando la existencia de una realidad objetiva en tercera persona, sin embellecimiento o interpretación (como hacen los enfoques idealistas del arte: el idealismo artístico, concepto con el que se contrapone). El realismo en las artes tiende a representar personajes, situaciones y objetos de la vida cotidiana de forma verosímil. Tiende a descartar los temas heroicos (tan caros al clasicismo, que los representa con una perspectiva idealista) en favor de temas más neutros, pegados a la tierra. Burda simplificación. Percepción pura, sin estar condicionada por el tiempo o el lugar, reflejar la realidad cotidiana.

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Corot / Catedral de Chartres

Corot / Gitana con pandereta

Millet / Las espigadoras Constant Troyon / Regreso al atardecer

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Jean Baptiste Camille Corot / Sant`Angelo

Courbet / Entierro en Ornans

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MPRESIONISMO Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquella que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet “Impresión: sol naciente”. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias. El Impresionismo se ve influenciada por la fotografía, introduce la espontaneidad. Es la culminación del realismo. Se aleja de cualquier subjetividad, busca aplicar conocimientos científicos a la pintura. Aunque toma temáticas del realismo para aplicar sus conocimientos de qué es la luz, y la incidencia de ésta sobre los objetos. Se encuentran con una dualidad, la física del color les dice que la materia no tiene color, y lo que se capto son las longitudes de onda reflejadas por la materia y si se sumo las longitudes de onda se obtiene da blanco, que es la luz en contraposición. Temática: la luz y la atmósfera (le permitía trabajar la incidencia de la luz).

MONET, Impresion: sol naciente

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MONET, Nenúfares

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RENOIR Taller de Fotografía D.I. Anahí Gómez Juventudes - Municipalidad de la Ciudad de Mendoza

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EXPRESIONISMO Principios de s XX. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. En su afán casi utópico de regenerar el país tras los desastres de la guerra, recurrió a una técnica relativamente nueva como la fotografía para romper con la tradición burguesa y construir un nuevo modelo social basado en la colaboración entre clases sociales. La fotografía se convirtió en un medio privilegiado de captar la realidad sin ambages, sin manipulación, conjugando la estética con la precisión documental. Los fotógrafos alemanes crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como medio expresivo, modelando las formas y destacando las texturas. Antibelicista, contexto Republica de Weimar.

FAUVISMO/ Maurice Vlaminck/ Retrato de Derain

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FAUVISMO/Henri Matisse/ Mujer con sombrero

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Henri Matisse. La danza

FUTURISMO Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la paz del mundo. El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano. El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tommaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo. Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómic y los dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.

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NEOPLASTICISMO Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo). Proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista. Artistas y arquitectos agrupados alrededor de la revista Stijl defendieron el orden claro y geométrico del movimiento aplicando sus principios también en la construcción de edificios. La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta. Sus principales características son: Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal. Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente). Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales formando ángulos rectos. Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres. Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.

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Piet Mondrian FOTOGRAFÍA NEOPLASTICISTA. Cecilia Montalto.

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SURREALISMO Movimiento que se da en Francia (década de los años 1920) en reacción contra el impresionismo. Es una reacción porque es llevado a cabo por jóvenes que son reaccionarios, los jóvenes son muy críticos cuestionan, formulan el futuro. No tiene que responder a parámetros establecidos (si no se producen estos saltos no habría cambios). A partir de la revolución industrial los movimientos no perduran mucho tiempo. En las historias anteriores un movimiento podía durar siglos pero con la mecanización, el hombre no puedo estar cómodo durante mucho tiempo con un mismo parámetro. Es bueno si el cambio incorpora algo valioso. Una vez que se afirma el impresionismo en 1890 se convierte en académico, quiere decir que como ya se sabe el repertorio, se puedo repetir y reproducir, y ya no satisface a los jóvenes. Emerge un Grupo de pont-Aven, grupo de jóvenes que iban a las exposiciones afirmando que eran obras vacías en contenido, porque el tema era la luz, no había mayor aporte que la técnica propiamente dicho. Estos grupos critican la pintura impresionista por carecer de tema. Tenían una postura posromántica que era volver a la fuente literaria, ya que vienen de un postura finisecular (perteneciente a un fin de siglo determinado). Toman las consecuencias de la revolución industrial: hacinamiento, contaminación, superpoblación, desocupación. Trabajan con postulados. Ej.: Postulados de Bargner: individualidad, que a través de la intuición podemos conocer. Nieztche: superhombre, potencialidades. Ya no les satisface la mitología, la historia y toman la temática del antiguo testamento pero no como una cuestión dogmática sino por las narraciones extraordinarias. Como todo grupo finisecular era recurrente en ellos lo obsesivo, macabro, tortuoso, la obsesión por los temas, liberación de la fantasía través de la lectura

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FOTOGRAFÍA SURREALISTA Silvia Grav

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POP ART El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto, que dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos los artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social. Los artistas Pop se aproximaron con ironía al ambiente de la vida cotidiana. El Pop Art se caracteriza por ser figurativo y realista cuyos temas eran: - revistas de comics y de fotografías, - anuncios publicitarios de toda especie, - el mundo del espectáculo popular, incluyendo: películas de Hollywood, música pop, locales de diversiones, radio, televisión. - artículos durables de consumo, en especial neveras y automóviles, autopistas y estaciones de servicio, alimentos y en especial hot dogs, helados y pasteles y también dinero. - el mundo del espacio y ambientes futuristas.

Richard Hamilton

Peter Blake

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Kitaj

Robert Rauschenberg

Andy Warhol

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Jasper Johns

Allen Jones

FOTOGRAFÍA POP ART. Fabiana Ocampo.

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