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Flauta dulce Lección número 1 Posición de los dedos - Respiración Versión para imprimir

1) La posición correcta dels dedos

Observa la siguiente imagen: Se deben tener en cuenta los siguientes detalles para la colocación de los dedos: 1. 2. 3. 4. 5. 6.

La flauta dulce tiene 8 orificios, 7 delante y 1 detrás. La mano izquierda: el pulgar tapa el orificio de detrás, el índice, medio y anular tapan los tres orificios superiores de la parte frontal. La mano derecha: el índice, medio, anular i meñique tapan los orificios restantes La posición de los dedos es invariable. Las manos y los dedos deben estar relajados y hay que evitar esfuerzos inútiles Los orificios deben estar completamente tapados, por lo tanto es necesario colocar los dedos más bién planos que perpendiculares (obseva la imagen).

2) La respiración La flauta dulce es un instrumento de viento. Por lo tanto tiene muchos puntos en común con el canto. El control de la respiración es fundamental. Ejercicio de respiración: 1. 2. 3. 4.

Inspirad ampliamente sin forzar los pulmones. Retened un breve instante el aire. Colocad los labios en posición de silbar e id expirando el aire poco a poco. El flujo de aire ha de ser continuo. Se puede dirigir hacia la palma de la mano para observar como sale. Procurad aguantar el máximo posible sin forzar los pulmones

Nota.- La práctica incorrecta de este ejercicio puede ser perjudicial. El autor del web declina cualquier responsabilidad per este hecho. En caso de problemas respiratorios o de corazón consultad a un médico. Ejercicio con la flauta: En primer lugar es necesario disponer de un instrumento adecuado. Este manual está pensado para una flauta dulce soprano de digitación alemana. Preferentmente ha de ser desmontable en tres partes: el pico, el cuerpo, y la parte final del tubo. Desarrollo del ejercicio: 1. 2. 3.

Tapad todos los orificios del instrumento asegurandose que están bién cubiertos (nota DO). Inspirad ámpliamente sin forzar. Bufad suavemente hasta que se acabe el aire sin llegar a forzar los pulmones. El flujo de aire ha de ser continuo. Se debe producir un sonido claro y continuo. El labios han de cubrir la embocadura para que no se escape aire por los lados

Lección número 2 Las notas en la flauta dulce Versión para imprimir

La digitación de la flauta dulce soprano Entendemos por digitación, la posición correcta de los dedos para producir cada nota. Al lado tenéis las posiciones de las notas diatónicas, es decir sin sostenidos ni bemoles.

Leyenda

El círculo que está fuera del dibujo, representa el orificio trasero.

Lección 3 La articulación Versión para imprimir Entendemos por articulación la definición correcta de los sonidos y su fraseo. Para conseguir este objectivo articularemos los sonidos con la lengua pronunciando una "d" sorda, es decir sin que intervengan las cuerdas vocales. Toca lentamente el seguiente ejercicio "pronunciando" una "d" por cada nota de la manera que hemos explicado. La (') indica respiración:

Lección 4 El registro grave de la flauta dulce Versión para imprimir Cuando hablamos del registro grave nos referimos a las notas más bajas de la flauta: DO - RE - MI. Aunque parezca lo contrario son notas difíciles de tocar. A continuación toca el siguiente ejercicio siguiendo estas recomendaciones: 1. 2. 3.

La articulación (d) debe ser suave. Se debe soplar con poca fuerza, pero el flujo de aire ha de ser continuo. Si bufamos con fuerza sonará el armónico ( el DO agudo) o un silbido desagradable. Es una buena práctica para preparar el instrumento antes de tocar.

Lección 5 Introducción a las escalas: la escala de DO Versión para imprimir Una escala musical son las 7 notas de una tonalidad ordenadas por grados conjuntos (notas sucesivas). Las escalas son una de las prácticas más convenientes para adquirir destreza con el instrumento. Empezaremos practicando la escala de DO mayor que está formada por las 7 notas de esta tonalidad. Observa la imagen:

Lección 5 Introducción a las escalas: la escala de DO Versión para imprimir Una escala musical son las 7 notas de una tonalidad ordenadas por grados conjuntos (notas sucesivas). Las escalas son una de las prácticas más convenientes para adquirir destreza con el instrumento. Empezaremos practicando la escala de DO mayor que está formada por las 7 notas de esta tonalidad. Observa la imagen:

Lección 6 Introducción al arpegio: los arpegios de DO y de FA Versión para imprimir Los arpegios son las notas de un acorde musical (DO-MI-SOL por ejemplo) interpretadas sucesivament. También es una buena práctica para adquirir destreza con el instrumento. Aquí tenéis dos ejercicios de arpegio como ejemplo. El de DO mayor y el de FA mayor:

Lección número 7 El registro agudo: iniciación Versión para imprimir En esta lección trabajaremos el registro agudo. Antes de mostrar un ejemplo daremos algunas indicaciones:    

Para que las notas no sean estridentes es necesario soplar con más presión que en el registro grave, pero con control. Para obtener este control se debe expirar el aire despacio y pressionando en el diagragma. La boca y la mandíbula debem estar más cerradas que cuando hacemos las notas graves, pero sin que se pongan rígidas. A partir de la nota MI aguda, el orificio trasero ha de estar medio tapado. Es necesario encontrar el punto de obertura para que las notas suenen limpias.

El registro agudo

Flauta dulce De Wikipedia, la enciclopedia libre Saltar a navegación, búsqueda

Detalle de la pintura Drei Wandermusikanten (Museo del Prado) del artista alemán Jacob Jordaens en la que se aprecia a uno de los personajes tocando una flauta.

La flauta dulce o flauta de pico es un instrumento de viento muy antiguo. Popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco, fue quedando relegado su uso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del siglo XX retorna de los museos, en principio por el interés de interpretar la música renacentista y barroca con sus instrumentos originales, pero su difusión mundial se basa en las posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical.

Contenido [ocultar]  

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1 Familia de flautas dulces 2 Técnica del instrumento o 2.1 Emisión del sonido o 2.2 Articulación del sonido o 2.3 Digitación 3 Historia o 3.1 Renacimiento moderno 4 Enlaces externos

[editar] Familia de flautas dulces

Familia de flautas dulces en una ilustración del Syntagma Musicum (1614-19) de Michael Praetorius.

Flautas dulces barrocas: Tenor, Alto, Soprano y Sopranino.

A partir del Renacimiento la flauta dulce se construye utilizando y formando familias que asemejan la distribución tonal de la voz humana, mediante conjuntos (consorts, en inglés),también comunes en los instrumentos de cuerda (violín; viola; violonchelo y contrabajo). Por este motivo existen Flautas dulces de menos de 15 centímetros de longitud, hasta modelos de más de 2 metros y medio. Las más difundidas y conocidas -sin embargoson la flauta dulce soprano, instrumento común en las escuelas para iniciación musical, y la flauta dulce alto o también llamadas a veces por flauta dulce contralto. Todas tienen una tesitura de dos octavas y media, y -en general- son instrumentos basados en clave de DO o FA: 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.

Piccolino - fa’’’ Exilent - do’’’ Sopranino - fa’’ Soprano - do’’ Alto - fa’ Tenor - do’ Bajo - fa Gran Bajo - do

9. Contrabajo - FA 10. subcontrabajo-do

Otros miembros de la familia son las llamadas  

Voice Flute, tenor en re, con la misma tonalidad básica que el traverso. Fourth Flute y Sixth Flute, las utilizadas p. ej. en los conciertos de John Baston.

[editar] Técnica del instrumento La flauta dulce se sostiene en posición vertical, con la mano izquierda más cercana a la embocadura. Una técnica correcta implica atender a la emisión del sonido, su articulación, y la digitación que permite generar las distintas notas.

[editar] Emisión del sonido

La emisión es de carácter "natural", evitando la idea de "soplar". La embocadura, del instrumento es un "bloque" (A) dentro del cual un canal de viento (B) dirige el aire directamente contra un borde afilado o lengüeta (C), que transmite su vibración de aire hacia la columna de aire dentro de la flauta. Por este motivo es relativamente sencillo producir sonidos, aunque la posición de la boca produce variaciones notables en la calidad y timbre del instrumento.

[editar] Articulación del sonido La articulación es fundamental para la separación entre notas, permitiendo la expresión de la interpretación. La técnica de articulación es común a prácticamente todos los instrumentos de viento, y consiste en el llamado "toque de lengua" , cuyas variantes producen distintos modos. El toque de lengua se logra articulando fonemas simples (sin poner en vibración las cuerdas vocales del intérprete), logrando por ejemplo:     

estilo normal: tu-tu-tu articulación legato: du-du-du articulación staccato: t-t-t articulación non legato: dad-dad-dad articulación doble staccato: tu-ku-tu-ku

El manejo de esta técnica permite limpieza en los pasajes rápidos, y posibilidades expresivas importantes.

Opera Intitolata Fontegara... de Silvestro Ganassi dal Fontego.

Tratados como "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, editado en Venecia en 1535 mencionan un tipo adicional de articulación con el nombre de "Lingua riversa" en el sentido invertida o "al revés". Gannassi propone las sílabas le-re con variantes en todas la vocales. Un tipo de articulación similar es citado en algunos tratados posteriores, por ejemplo Joachim Quantz con la silaba did'll. El efecto que se busca es el de crear una suerte de superposición de las notas independientemente de la dureza del ataque inicial. La flexibilidad de esta técnica con la cual se pueden crear notas que van desde un casi legato a un suave stacatto, la llevó a ser considerada uno de los tipos principales si no el principal para articular pasajes rápidos con elegancia (Dalla Casa). En las escuelas de flauta dulce modernas, en su mayoría de vertiente anglosajona, esta técnica es estudiada partiendo del tratado de Quantz (did'll). Un criterio unívoco sobre como abordar esta articulación partiendo del le-re de Gannassi no existe. Sin embargo, observando la tendencia a la guturalidad que existe aún hoy en la pronunciación de la r en el norte de Italia, se podría pensar que una r entendida como una g suave unida a una compresión de los fonemas, consecuencia natural de la velocidad de los pasajes, podría conducir a una especie de legl- legl en forma natural, creándose en este modo un efecto prácticamente igual al did'll ya citado.

[editar] Digitación Tabla de digitación barroca - Instrumentos en DO Do T 1 izquierda 2 3 4 derecha 5

Re

Mi Fa

Sol

La Si Si Do Do Re Mi Mi

Fa Sol

La

6 7

[editar] Historia En el Siglo XVII se produjeron varios cambios en la construcción del instrumento, resultando en lo que se conoce como "flauta dulce" . Las innovaciones permitieron esta marca en una tesitura de dos octavas y media cromáticas, y la obtención de un timbre más "dulce" que los modelos anteriores. Durante el Siglo XVII, en forma algo confusa, el instrumento es a menudo referenciado simplemente como "Flauta" (Flauto en italiano), mientras que la flauta travesera es llamada "Traverso". Para esta flauta dulce fue que Bach escribió su 4º Concierto brandenburgués en Sol mayor, a pesar de que Thurston Dart sugirió erróneamente que fue escrito para flageolets.

El compositor Johann Sebastian Bach empleó flautas dulces en la instrumentación de diversos conciertos y cantatas.

Realmente, Bach escribió esta obra para dos "flauti d'echo", o flautas de eco, un ejemplo de las cuales sobrevive hasta hoy en Leipzig. Consiste en dos flautas dulces en fa, conectadas por pestañas de cuero, de forma que una de ellas se usa para tocar "forte" , la otra "piano". Antonio Vivaldi escribió tres conciertos para "flautino", un instrumento que se pensaba correspondía al píccolo. Actualmente se acepta que realmente, se trataba de la flauta dulce sopranino. Sin embargo en uno de los manuscritos de estos conciertos se puede leer la indicación "strumenti alla quarta bassa" , hecho que ha llevado a formular la hipotesis que en realidad el instrumento pensado por Vivaldi para estos conciertos era la flauta dulce soprano.Esta hipótesis está avalada por la muy escasa presencia de la flauta dulce sopranino en el barroco tardío y varias referencias al "flauto piccolo" o "flautino" indicando la flauta soprano en re o en do.

[editar] Renacimiento moderno La flauta dulce renació a principios del Siglo XX, gracias al interés de los intérpretes de música renacentista y barroca en utilizar los instrumentos originales de aquellas épocas. Uno de los principales impulsores de su uso fue Arnold Dolmetsch en el Reino Unido, quien junto a otros estudiosos e intérpretes en Alemania ayudó a difundir el instrumento. A mediados del Siglo XX, varios fabricantes fueron capaces de construir flautas dulces en bakelita y derivados plásticos, produciendo un instrumento barato y accesible. A causa de esto, a las facilidades que da el plástico en la cabeza de la flauta, para tocar soportando gran caudal de aire para principiantes, y a la creación de la digitación alemana siendo más fáciles de tocar, la fusión de flautas enterizas de plástico y digitación alemana, este tipo de flautas dulces comenzaron a ser muy populares a nivel escolar por ser más fáciles de tocar y tener un bajo costo, considerando además su relativamente sencilla técnica inicial, y el hecho de no ser instrumentos tan estridentes en manos musicalmente no experimentadas. Parte del éxito de la flauta dulce es su pobre reputación de "instrumento para niños". Esto se debe a la facilidad de generar sonidos, aunque dicho esto, muy pocos principiantes logran sonidos agradables, aun así siendo la cabeza de plástico y digitación alemana, teniendo este instrumento la misma dificutad que cualquier otro. Otra característica por la cual se subestima la flauta de pico es la creación de las flautas de digitación alemana ya citadas, que es más fácil que la digitación barroca, la digitación barroca de material madera es la que se debe aprender para tocar a nivel profesional y estudiar este instrumento en un conservatorio. Sin embargo, es incorrecto suponer que la maestría es fácil, pues no es fácil como en ningún instrumento; como cualquier instrumento este requiere de mucho estudio y talento para tocar en un nivel avanzado. Una figura influyente en el renacimiento de la flauta dulce como instrumento serio de concierto fue David Munrow, cuyo doble álbum "El Arte de la Flauta dulce" (1975) , permanece como una importante antología de la música para el instrumento a través de las diferentes épocas. Sin embargo, en modo casi unánime se indica a Frans Brüggen como el personaje más influyente en el renacimiento de la flauta dulce en los escenarios musicales alrededor del mundo. Sus numerosos discos y su actividad pedagógica en Ámsterdam contribuyeron en modo indeleble a formar la así llamada "escuela holandesa" de la flauta, de la cual hoy en día prácticamente todas las escuelas profesionales de flauta dulce descienden directa o indirectamente. Compositores modernos de gran estatura han escrito obras para la flauta dulce, incluyendo a Paul Hindemith, Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen, John Tavener, Michael Tippett, Benjamin Britten, Leonard Bernstein, Robin Milford y Gordon Jacob. También es ocasionalmente utilizada en música popular, incluyendo grupos como los Beatles, los Rolling Stones, Led Zeppelin, Jimi Hendrix

Consejos para tocar “La Flauta Dulce” Posted on 18/10/2008 by musicameruelo| 10 comentarios

Hola Chicos, como ya os dije voy a dejar información sobre la flauta dulce.. en especial para aquellos alumnos que al principio de curso están un poco perdidos. Ya tenéis “las posiciones de la flauta”, ahora os propongo que leáis atentamente estos consejos sobre el cuidado y manejo de la flauta dulce.Espero que os ayuden. CUIDADO DE LA FLAUTA

ALGUNOS CONSEJOS PARA FLAUTISTAS…

Flauta De Wikipedia, la enciclopedia libre Saltar a navegación, búsqueda

Pintura de Edouard Manet, en la que se representa a un muchacho tocando un flautín Para otros usos de este término, véase Flauta (desambiguación).

Se puede denominar flauta a un tipo de instrumento musical de viento. Por la sencillez de su construcción, puede que sea uno de los instrumentos más antiguos, pues con diversas formas se encuentra en todas las culturas. Consta de un tubo (largo,o pequeño), generalmente de madera o metal (pero también de hueso, marfil, cristal, porcelana, plásticos o resinas, etc.) con una serie de orificios y una boquilla, en el borde del cual (bisel) se produce el sonido: el aire puede llegar directamente de los labios del ejecutante (como en la flauta traversa o travesera, el bansuri de la India o el shakuhachi japonés), o introduciéndose antes en un canal enfocado al bisel (como en la flauta dulce). En algunas culturas también existen flautas que se tocan a través de la nariz Abriendo o cerrando los orificios del cuerpo (tubo) del instrumento se cambia la longitud del aire vibrante dentro del tubo, definiendo así la altura del sonido. Los orificios se tapan en algunos casos directamente con la yema de los dedos, en otras con llaves. En su sentido más elemental, para producir una escala ascendente se descubren secuencialmente los agujeros del instrumento, desde el más alejado de la boquilla (o elemento productor del sonido) hasta el más cercano; para obtener sonidos de octavas superiores pueden utilizarse armónicos, en algunos casos con la ayuda de digitaciones

cruzadas (en éstas la organización de los dedos de tapar/destapar agujeros puede parecer estar dispuesta de manera arbitraria). Existe un tipo de flauta especial, cuyo cuerpo no está constituido por un tubo, sino por una forma rechoncha, la llamada flauta globular. A este género pertenecen las ocarinas. A pesar de que puede estar construida en madera o metal, la flauta se cataloga dentro de la familia de viento de madera, ya que el esquema de producción de sonido se mantiene inalterado; en los instrumentos de viento de madera, se produce el sonido mediante la vibración de una o varias cañas o secciones del instrumentos (en el caso de la flauta, el bisel de la embocadura, o en la "boca" de las flautas dulces), mientras que en los instrumentos de viento de metal, son los labios los que vibran para producir sonidos, tipo trompeta. Para tocarla hay dos maneras de embocarla: de frente, en casi la mayoría de las flautas, y de lado, soplando por un orificio situado en el lateral, en la flauta travesera. El sonido de la flauta traversa es asimilado con dioses. Una nota de ésta es capaz de calmar al mundo, fue una de las frases más escuchadas durante la Edad Media.

[editar] Historia

Flauta de Pan

La flauta parece ser el instrumento músical más antiguo y más generalizado. Le dieron los romanos los nombres de tibia, fístula y cálamus porque solía hacerse del hueso llamado tibia o de una caña vegetal o metálica. Se han hallado en antiguas ruinas no pocas de estas flautas griegas y romanas de hueso y de bronce como son de ver en las colecciones de los Museos Británico de Londres y Nacional de Nápoles. Se encuentran a menudo en las excavaciones de ciudades romanas unos cilindritos huecos de sección de tibia con un orificio lateral a manera de flauta reducida que parece debieron servir de silbatos. Más antiguas que todas ellas son, sin duda, las flautas egipcias de caña y de hueso y de sencillas formas que guarda el mencionado museo de Londres entre otros.

La flauta del dios Pan o syrinx que consta de una serie de tubitos yuxtapuestos y de magnitud decreciente se halla dibujada en antiguos relieves griegos y en pinturas romanas con idéntica forma a la que hoy tiene.

[editar] Tipos de Flautas  

flauta de pan (varios tubos paralelos; de origen mitológico griego. En algunas partes de Sudamérica se conoce como zampoña o sicu) barroca (europea, utilizada para la denominada "interpretación histórica")

Flauta travesera.            

flauta contalto flauta traversa celta (Irlanda) flauta dulce gaita (Colombia). No tiene relación con las gaitas irlandesas, asturianas o gallegas; con éstas sólo comparte el nombre. ney (de Persia y Egipto, quizás la flauta más antigua que aún posee ejecutantes). ocarina (en varias partes del mundo) píccolo o flautín (en italiano ‘pequeño’, flauta minúscula de metal o de plástico) quena (en la cultura incaica de Perú) tin y low whistle (Irlanda) shakuhachi (Japón) suling (Indonesia/Filipinas) venu (sur de la India)

Flautas dulces. Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Flauta" Categoría: Instrumentos de viento

Flautas.

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La evolución de la flauta a lo largo de la historia (I) Por Pablo Ransanz Martínez. Estudiante de la Univ. Autónoma de Madrid.

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Las flautas primitivas y de la antigüedad Las flautas dulces existen desde hace milenios. Es difícil determinar cuándo apareció el antecesor de nuestra flauta travesera moderna, pero es seguro que los dos tipos han existido desde siempre en todos los pueblos. Por tanto, podemos afirmar que es un instrumento universal. La flauta - sea dulce o travesera -, es un instrumento de viento por excelencia como lo indica su nombre, el cual proviene etimológicamente del latín “flatus” (aliento, viento, soplar). Al igual que en el resto de los instrumentos aerófonos, el sonido se produce al poner en vibración una columna de aire. Según el volumen de aire que vibre, la flauta producirá un sonido más agudo o más grave. El mecanismo mediante el cual se regula la longitud de la columna de aire en vibración puede ser de llaves o manual. En este instrumento, el intérprete se halla más inmediatamente ligado al mismo que otros músicos, pues produce los sonidos con su propio aliento, elemento vital primario. El ser humano se extingue con su “último aliento”, y sus expresiones más inmediatas aparecen derivadas de la transformación del aliento en sonidos: risa, alegría, suspiros… En los pueblos primitivos, el material más utilizado para la fabricación de las flautas era el hueso y la caña. Se utilizaron también cuernos de animales como cuerpo de las flautas. En las flautas de cuerno, el orificio se encuentra siempre en el extremo más ancho del mismo. Como el otro extremo está cerrado, al tapar todos los agujeros obtenemos un sonido una octava más baja que la que corresponde al volumen entero del cuerpo, parecido a lo que sucede con los tubos cerrados de un órgano. De ahí que el sonido sea más calmado, más dulce, más “cerrado”.

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La música de la antigua civilización egipcia sigue siendo un misterio en la actualidad. Su desarrollo más intenso tuvo lugar en los templos y en su actividad ceremonial, como lo atestiguan textos encontrados para ritos de culto a Isis y Neftis. Al carecer de escritura musical, desconocemos cómo era la música en el antiguo Egipto. La transmisión oral de estos conocimientos ha dificultado mucho la investigación actual. Mediante el estudio de la escritura gráficojeroglífica, textos y bajorrelieves, sabemos que los egipcios utilizaban flautas rectas y chirimías dobles (de caña), que consistían en dos tubos paralelos provistos de lengüeta que sonaban al unísono. Hacia el siglo XVI a.C., el contacto de los egipcios con Mesopotamia contribuyó al desarrollo y asimilación de un nuevo estilo de música oriental de carácter fundamentalmente profano. En la cultura oriental también se utilizaron instrumentos de viento con diferentes finalidades. Fueron los chinos los que formaron la escala musical denominada “cromática” en la actualidad, descubierta por el maestro de música de Hoan-Ti (antiguo Emperador). En China se construyeron las flautas de Pau (“si-siao”); las flautas de bambú con orificios (“siau” o “yo”), y las flautas traveseras (“ti” o “chou”). En Japón se alcanzó un refinamiento musical superior al chino, predominando la utilización de instrumentos de cuerda punteada y de percusión. En los casos de acompañamiento instrumental, la voz humana y el instrumento no sonaban simultáneamente, sino alternándose. El carácter de la música de la India está más cercano a la música occidental, siendo sus rasgos más característicos la división cromática de la escala, el predominio del compás ternario y su origen mitológico. En la actualidad se siguen utilizando flautas rectas y traveseras en la música popular. En Israel también se utilizaron instrumentos de viento pertenecientes a la familia de las flautas. Entre ellos, cabe destacar el “ougob” (citado en el libro del Génesis), la flauta simple (“ugabo tedil”) y el cuerno de carnero (“schofar”). La influencia de la cultura egipcia en la Grecia antigua fue enorme. Pitágoras de Samos (c.560-470), que según la tradición se habría iniciado en la ciencia de los egipcios tras sus largos viajes por oriente, fundó una escuela en Crotona, donde él y sus discípulos estudiaron los fenómenos acústicos y musicales. Se puede considerar a Roma como imitadora de los modelos griegos, puesto que los romanos dedicaron gran parte de sus esfuerzos en el desarrollo y expansión de sus ideales políticos. De hecho, el estudio de la música fue condenado por algunos gobernantes como Tulio Cicerón, considerando que el ejercicio de la misma debía realizarse

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con moderación. Entre los instrumentos de viento predilectos figuraba la fídula (flauta recta de dos tubos). Las flautas en la época medieval En la actualidad, se tiene la certeza de que la flauta dulce ya existía en la época medieval, utilizándose principalmente en el contexto profano. Se tiene constancia de que este tipo de flauta poseía un repertorio propio, dado que los compositores de esta época empezaban ya a especificar la instrumentación concreta que querían. Debido a la escasa información que se posee, aún en nuestros días sigue siendo complicado hablar sobre la instrumentación en la música medieval. Según el musicólogo y flautista inglés Edgar Hunt, la flauta dulce no habría aparecido en Europa hasta finales del siglo XIV. Gustav Reese, gran estudioso de la música medieval, afirma que durante los siglos XII y XIII se construyeron flautas dulces de 6 agujeros. Recomendamos a nuestros lectores observar los instrumentos musicales que aparecen esculpidos en diferentes pórticos medievales de Galicia. En el “Pórtico de la Gloria” de la Catedral de Santiago de Compostela no hay ni rastro de la existencia de instrumentos de viento. En los pórticos de Puerto Marín y de la Catedral de Orense, López Calo ha querido ver dos ancianos tocando flautas dobles, aunque es difícil determinar si realmente se trata de flautas o de otro tipo de instrumentos de viento. El musicólogo, compositor y flautista virtuoso austriaco René Clemencic (Viena, 27/02/1928), sostiene que las dobles flautas se utilizaban en la música culta europea (y aún hoy en el folklore eslavo) hasta la época del renacimiento, como última reminiscencia del bordón medieval e incluso de tiempos aún más antiguos. A veces se confeccionaban especialmente estas dobles flautas; otras veces, el músico tocaba simultáneamente dos flautas. Sirva como ejemplo para nuestros lectores el ángel que puede observarse en la entrada sur de la Catedral de Toledo (siglo XV) tocando una doble flauta dulce. Es necesario apuntar que, según autoridades en la materia, como el ya citado Dr. René Clemencic, el número de agujeros de una flauta durante el medievo no está determinado. De la misma manera, algunas flautas tienen un agujero dorsal para el pulgar y otras, no. En la Edad Media, el material utilizado para la fabricación de estos instrumentos era muy diverso: hueso, madera, caña, cerámica, metal… Un elemento común de estas flautas es que están hechas de una sola pieza, en forma de tubo cilíndrico o ligeramente cónico. Su sonido puede ser dulce y encantador, pero también agudo, agresivo y cortante.

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Con el desarrollo de movimientos musicales tan ricos e interesantes durante el medievo como el de los juglares y los trovadores, los nobles y reyes de Europa no se sienten infravalorados por trovar – componer y cantar – en letra y música. Sirva como ejemplo en España el rey Alfonso X el Sabio de Castilla y León (Toledo, 1.230 – Sevilla, 1.284). Por su madre conocía el repertorio de los cantores alemanes, y en su corte se reunieron trovadores provenzales (actual Francia) y gallegos, juglares castellanos, músicos judíos y musulmanes. Alfonso X, que proporcionó un impulso extraordinario a las artes y las ciencias, compuso junto a sus colaboradores cortesanos las cuatrocientas Cantigas de Santa María. Estas Cantigas están escritas en gallego, idioma entonces de la poesía lírica. Esta bella música se interpretaba vocalmente a solo y con acompañamiento de instrumentos muy variados, entre los que destacan las flautas (dulces y traveseras). Las primeras representaciones iconográficas que existen de flautas dulces se encuentran en Cataluña. Concretamente, se trata de una Virgen con el Niño (retablo de la Iglesia de Santa Clara, Barcelona) y de seis ángeles músicos (retablo del Monasterio de Sant Cugat del Vallés), pintados hacia el año 1.390. Ambas obras se atribuyen al taller del barcelonés Pere Serra. Actualmente, se conservan dos ejemplares de flauta dulce de valor organográfico incalculable: son las flautas medievales de “Dordrecht” y “Würzburg”. La “flauta de Dordrecht” se encontró en la localidad holandesa del mismo nombre en el año 1.940, y se conserva actualmente en el “Gemeentemuseum” de La Haya. Se trata de una flauta soprano afinada en do3, con un diapasón extraordinariamente alto (la3 = 460 Hz aprox.), casi un semitono por encima del actual (la3 = 440.44 Hz), más propio de muchos países europeos durante el renacimiento. La prueba del Carbono 14 determinó que, en efecto, se trataba de una flauta medieval. El organólogo inglés Holles Philspatrich aventuró con mayor precisión que dicha flauta pudo ser construida hacia mediados del siglo XIII. Su estado de conservación es bueno, teniendo en cuenta que dicha flauta había estado enterrada en el fango de la fosa de un castillo habitado entre los años 1.335 y 1.418. La “flauta de Dordrecht” tiene una longitud de 29 centímetros, está construida probablemente en madera de olmo, y su tubo es extraordinariamente estrecho. Posee ocho agujeros en la parte delantera y uno doble en la parte trasera para el dedo pulgar, lo cual era usual en esta época. Esta peculiaridad del agujero dorsal permite invertir la posición de las manos. Exceptuando algunos sonidos graves, la flauta original no suena. Se han realizado copias fieles que

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nos permiten constatar que la sonoridad de la “flauta de Dordrecht” era fuerte y áspera, con una extensión que supera las dos octavas que se conseguían con posiciones de los dedos similares a las que describía Sebastian Virdung en 1.511. Morfológicamente, es interesante señalar que esta flauta poseía un pabellón y una embocadura de un material diferente al del resto del instrumento. La “flauta de Würzburg” fue encontrada a finales de la segunda Guerra Mundial en la localidad alemana de Würzburg, y sólo se conserva parcialmente. El fragmento hallado corresponde al tercio inferior del instrumento (una tercera parte), y lo más sorprendente son las grandes analogías entre esta flauta y la de Dordrecht, observadas a raíz de los intentos de reconstrucción de ambos instrumentos que se han realizado. Existe la posibilidad de que se trate de un instrumento parcialmente cerrado en el extremo inferior, al igual que ocurre con otros instrumentos folklóricos de Marruecos y oriente próximo, lo que determina un tipo de sonoridad bastante diferente al de las flautas uniformemente cilíndricas. En el siglo XV, la flauta de cuerno se denominaba trompa de gamuza y, como las otras flautas dulces, se agrupaba por familias (soprano, tenor, alta y bajo). El “galoubet” es una flauta dulce cilíndrica que se encuentra en numerosos países europeos desde la Edad Media, aunque el término data de 1723. El modelo más utilizado en Provenza (Francia) es el afinado en Si natural, llamado “tono de San Bernabé”. Esta flauta con boquilla provista de tres agujeros (dos superiores y uno inferior) permite la ejecución sólo con la mano izquierda, mientras que con la mano derecha se puede tocar el tamborín. A pesar de la poca cantidad de agujeros, el “galoubet” puede tener una extensión de una octava y media. Haciendo variar la intensidad del soplo, se pueden obtener varias notas con una sola posición de los dedos. Los sonidos que faltan se obtienen soplando por debajo, lo cual confiere al instrumento un timbre extraño y aéreo. El largo total de un “galoubet” en el “tono de San Bernabé” es de aproximadamente 36 cm. Las maderas más utilizadas para su fabricación son ébano, boj, palisandro y olivo. Las flautas en el renacimiento La época renacentista marca un punto de inflexión en la concepción de la interpretación musical con flauta, puesto que es el periodo en el que los constructores, siguiendo los avances en física acústica que se iban produciendo, comienzan a fabricar flautas dulces y traveseras agrupadas por familias cada vez más ricas y variadas. De manera general, pueden distinguirse las siguientes tesituras, de la más aguda a la más grave: exilent, sopranino, soprano, contralto,

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tenor, bajo, contrabajo y subbajo (poco usual). Las medidas tienden a ser cada vez más homogéneas en este periodo, aunque siempre pueden existir variaciones entre constructores. Un buen ejemplo de ello lo encontramos en la gran flauta contrabajo del Museo de Verona (2,85 m de longitud), en contraposición a la pequeña flauta sopranino en fa del “Kunsthistorisches Museum” (Museo Histórico de Arte) de Viena. Para obtener la nota más grave producida por una flauta y conocer así su afinación, es necesario tapar todos los agujeros de la misma. Además, las flautas se encuentran afinadas una octava más aguda que la tesitura humana correspondiente. De esta manera, la nota más grave que emite una flauta exilent es el do4. La nota más grave emitida por una flauta sopranino es un fa3, mientras que la flauta soprano emite un do3. Si alternamos sucesivamente en orden descendente las notas “fa” y “do” según las octavas, obtendremos que la nota más grave emitida por una flauta contralto es un fa2, por una flauta tenor es un do2, por una flauta bajo es un fa1 y por una flauta subbajo es un do1. Del período comprendido entre 1.530 y 1.650, se conservan aproximadamente 150 ejemplares de diferentes flautas dulces. Ello nos da una idea de la popularidad que adquirió este instrumento durante la época del renacimiento. En los Museos de París, Frankfurt, Verona, Nüremberg, Viena y Bruselas pueden encontrarse magníficas colecciones de flautas. La flauta dulce del renacimiento es generalmente de una pieza y recta, en forma de bastón. Sólo la boquilla y el pabellón están ligeramente marcados. Sus paredes son espesas, casi cilíndricas y muy vaciadas. La boquilla suele ser bastante larga con un orificio estrecho. El sonido es pobre en agudos, graso y redondo. En el renacimiento, las flautas dulces se encontraban muy extendidas por toda Europa, existiendo colecciones en las principales casas reales del continente, así como en la alta aristocracia. En Inglaterra, la corte de Eduardo VI contaba con cinco flautistas. En 1.603, año del fallecimiento de Isabel I, se sabe que en sus funerales iban a tocar siete instrumentistas de flauta dulce y otros siete de flauta travesera. Enrique VIII, durante su juventud, tocaba el virginal, la flauta dulce y la flauta travesera, además de practicar el canto y de bailar. La corte inglesa disponía a la muerte de este monarca de una colección de 72 flautas traveseras y 76 flautas dulces. El conde Fugger, aristócrata y banquero alemán, poseía una colección de 227 instrumentos de viento en el siglo XVI, de entre los cuales 111 eran flautas dulces. La corte de Stuttgart poseía 507

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instrumentos de viento en el año 1.589; colección en la que se incluían 299 flautas dulces. En España, Isabel la Católica ordenó realizar un inventario al Alcázar de Segovia en el año 1.503. Así se sabe que su corte disponía de tres chirimías (flauta de seis agujeros análoga al clarinete) y de una flauta de boj con guarniciones de latón dentro de una funda de cuero, además de otras dos flautas de boj. Según el inventario de Felipe II, en su corte existían siete flautas de madera de Alemania, grandes y pequeñas: una flauta bajo muy grande de madera de boj con guarniciones metálicas, una flauta contrabajo y otra bajo de madera de boj con guarniciones de latón y tudel del mismo metal, además de seis pífanos (los cuatro más pequeños, con embocadura de plata dorada, pertenecían a la reina María) En el renacimiento, las flautas se utilizaban básicamente en grupo, así como en conjuntos instrumentales (“Consort”) Las flautas dulces pensadas para tocar polifónicamente tenían una extensión de una octava y una sexta, aunque durante la época renacentista existieron flautas con una extensión que superaba las dos octavas y media, una tesitura superior inclusive a las de las flautas barrocas. Generalmente, la música compuesta para estos conjuntos instrumentales renacentistas no especificaba qué instrumentos deberían ser utilizados. Existen excepciones, como la del francés Pierre Attaingnant (1.494 – 1.551/2), que en el año 1.533 indicaba qué canciones a cuatro voces podían ser interpretadas con flautas dulces y cuáles no. Tielman Susato (c.1.500 – 1.561/4) en 1.551 y Anthony Holborne (c. 1.584 – 1.602) en 1.599 escribieron una serie de danzas para instrumentos de cuerda. El italiano Dario Castello fue un genial compositor para flauta dulce renacentista, como lo acredita su “Sonata prima a Soprano solo”, que además puede ser interpretada por cualquier otro instrumento en tonalidad de soprano. Se trata de una obra llena de inquietud, de manierismo tardío, y a la vez audaz y apasionada. Puede ser tocada con el acompañamiento de un órgano o de un clave: (“per sonar nel Organo ovvero Clavicembalo”) Hacia finales del siglo XVI y comienzos del siglo XVII, la flauta dulce ya aparece especificada en las partituras. Un buen ejemplo de ello son los “consort lessons” de Thomas Morley (1.557 – 1.602) fechados en 1.599, además de una “sonata para tres flautas y órgano” (c.1.620). Se ha de destacar la composición de una “sonatella a 5 flauti et organo” del italiano Antonio Bertali (1.605–1.669) y una “sonata a 7 flauti” de J. Schmelzer (1.623 – 1.680) Heinrich Ignaz Franz von Biber (1644-1704), virtuoso violinista bohemio que actuó en la corte episcopal de Olmutz y en la arzobispal

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de Salzburgo, así como en la del rey de Baviera, escribió una “sonata pro tabula a 10” para cinco flautas dulces y cinco instrumentos de cuerda con bajo continuo. En Holanda sobresale la figura del hábil organista y flautista ciego Jacob van Eyck (c. 1.590 – 1.657), quien publica en 1.646 “Der Fluyten Lust-hof”, obra que contiene alrededor de ciento cincuenta piezas – la mayoría de ellas con variaciones -. Algunas de ellas son para dos flautas, añadiendo una parte didáctica donde se muestra una flauta dulce en do y una travesera en sol. El gran cambio en la construcción tanto interna como externa de la flauta dulce no se va a producir hasta finales de la segunda mitad del siglo XVII. La familia Hotteterre, integrada por músicos, compositores y constructores de instrumentos – particularmente de viento -, comienzan a perfeccionar el oboe, la flauta dulce y la flauta travesera, incrementando el número de partes de la flauta dulce de dos a tres. Se utilizan fragmentos de madera más pequeños y de mejor calidad. Asistimos a la transición que nos conduce a la época barroca, donde la flauta dulce es la gran protagonista.

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