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• Royer Augusto Manayay De la Cruz

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Arquitectura renacentista

INTRODUCCIÓN En el presente informe detallaremos los aspectos en que la Arquitectura se vió influenciada durante la época del Renacimiento, movimiento cultural que surge en Europa el siglo XIV, y que se muestra como característica esencial su admiración por la antigüedad grecorromana. Este entusiasmo, que considera las culturas clásicas como la realización suprema de un ideal de perfección, se propone la limitación en todos los órdenes, lo que explica el calificativo de Renacimiento, pues en verdad, se trataba de un renacer, de un volver a dar vida a los ideales que habían inspirado aquellos pueblos. El Renacimiento, desde luego no fue una simple exhumación de las artes antiguas.

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ARQUITECTURA EN EL RENACIMIENTO Renacimiento: Es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió después por toda Europa. El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. Surgió así una visión del mundo más antropocéntrica, desligada de la religión y el teocentrismo medieval, en la que el hombre y los avances científicos supondrán la nueva forma de valorar el mundo: el humanismo, un término inicialmente aplicado a los especialistas en disciplinas grecolatinas (derecho, retórica, teología y arte), que se haría extensivo a filósofos, artistas, científicos y cualquier estudioso de las diversas ramas del conocimiento que comenzaron entonces a aglutinarse en un concepto de cultura general.

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Características De forma genérica se pueden establecer las características del Renacimiento en: 

La «vuelta a la antigüedad»: resurgieron tanto las antiguas formas arquitectónicas como el orden clásico y la utilización de motivos formales y plásticos antiguos. Asimismo, se tomaron como motivos temáticos la mitología clásica y la historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos, así como la recuperación de tratados clásicos como los de Vitruvio, esenciales en la renovación de la arquitectura.

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Surgimiento de una nueva «relación con la naturaleza», que iba unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza.

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El Renacimiento hace al «hombre» medida de todas las cosas. Presupone en el artista una formación científica, que le hace liberarse de las actitudes gremiales y mecanicistas más propias del medievo y elevarse en la escala social. Esto supone revestir al artista de una nueva consideración, la de «creador».

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El «mecenazgo»: las clases altas patrocinaban y encargaban obras constantemente, ya que el arte era visto como un instrumento de prestigio y refinamiento, lo que condujo a un momento de gran brillantez en todas las disciplinas artísticas. Los principales centros de mecenazgo fueron la Florencia de los Médicis en el Quattrocento y la Roma papal en el Cinquecento.

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INTRODUCCION A LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes. Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los arquitectos, que pasaron del anonimato del artesano a una nueva concepción de la profesionalidad, marcando en cada obra su estilo personal: se consideraban a sí mismos, y acabaron por conseguir esa consideración social, como artistas interdisciplinares y humanistas, como correspondía a la concepción integral del humanismo renacentista. Conocemos poco de los maestros de obras románicos y de los atrevidos arquitectos de las grandes catedrales góticas; mientras que no sólo las grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso meros proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del estudio de tratadistas contemporáneos. CARACTERISTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO 

Búsqueda del ideal clásico: A través del clasicismo, los hombres del Renacimiento miraban hacia el mundo greco-romano como modelo para su sociedad contemporánea, buscando aplicar en la realidad material cotidiana aquello que consideraban que pertenecía a un mundo más idílico que real. En este sentido, la Arquitectura, en especial, intentó concretar conceptos clásicos como la belleza, surgiendo así la teorización y ordenación del movimiento, fundamentado en la Arquitectura clásica griega y romana.

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Visión profana sobre temas religiosos: Los valores clásicos, desde el punto de vista del Cristianismo, de enorme influencia en este período (teniendo en cuenta que el Renacimiento surge en Italia, donde la presencia de la Iglesia Católica fue decisiva para el Arte), eran considerados paganos y de carácter pecaminoso.

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Influencia de la naturaleza: La naturaleza era vista como la creación suprema de la obra de Dios y el elemento más próximo a la perfección (otro de los ideales que había que buscar a través de la estética clásica). Así, se pasa de la búsqueda de la inspiración en la naturaleza, a la inspiración en las formas de la propia naturaleza, tal

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como proponen los clásicos, convirtiéndose esto en un valor autónomo. Antropocentrismo y humanismo: Además de la naturaleza como creación perfecta, se vuelve la mirada al ser humano: se deja atrás el teocentrismo medieval para entrar en el antropocentrismo. El hombre se analiza, en vez de como ser creado a imagen y semejanza de Dios, como medida y referencia del Universo. Así, será el objeto central de la manifestación artística, con una importancia aún mayor que durante la Antigüedad clásica.

HISTORIA DE LA ARQUTECTURA DEL RENACIMIENTO La Arquitectura renacentista se desarrolla a partir del siglo XV principalmente en Italia. Es común atribuir el lugar de génesis a la ciudad italiana de Florencia, ciudad donde el gótico apenas había penetrado, en el momento de la construcción de la cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore proyectada por Filippo Brunelleschi. Tal episodio no sólo es un mero cambio en el perfil estilístico que predominaba en el escenario arquitectónico florentino, sino la demostración clara de la ruptura que vendría posteriormente en la propia forma de producir la arquitectura, abriendo camino para, no sólo redescubrir el clasicismo, sino también para la promoción de la tratadística y para una teorización inédita sobre el tema. Son muchos los estudiosos que afirman que Brunelleschi construyó, de hecho, no sólo una cúpula, sino el concepto de un nuevo tipo de arquitecto: altera las reglas de la construcción civil iniciando un proceso que, gradualmente, separará al proyectista del constructor. Un hecho a destacar en la producción de Brunelleschi es que se manifiesta más importancia en el campo de la construcción que en el del estilo. Se asimila esto cuando se observa la obra en su conjunto, percibiéndose que, a pesar de querer seguir la canonización clásica, se produce un edificio que no es completamente comprometido con dichas reglas clásicas. Esto es causado por la carencia del arquitecto de conocimiento profundo de las normas clásicas, al que accedía más por la observación de las ruinas romanas existentes que por el estudio de los tratados. Asimismo, Brunelleschi inicia una tradición que se separa al arquitecto de los antiguos gremios medievales y cuya profesionalización es cada vez más patente en la época, afirmándose como intelectuales alejados de la construcción propiamente dicha. Muchos críticos que analizan el fenómeno desde una óptica marxista identifican aquí el momento en el que la incipiente burguesía toma de las clases populares el dominio de los medios de producción (dejando éstas de poder construir y pasarán a poder diseñar), posibilitando así

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un proceso de explotación del proletariado por el Capital, que se recrudecerá durante la Revolución industrial. INICIO La catedral de Santa María del Fiore, Florencia, fue inicialmente ejecutada en estilo tardo-románico, pero su construcción duró varias generaciones (fue iniciada en 1296 y a la muerte de Brunelleschi, en 1446, aún no se había concluido). No fue un edificio proyectado: su diseño y su construcción se armaron de forma paralela. Aunque existía un plano general para su forma y distribución interna, los detalles constructivos, según era corriente en la práctica edificativa medieval, iban siendo resueltos a medida que avanzaba la construcción, en la propia obra. Por tanto, a pesar de que la necesidad de construir una gran cúpula sobre un determinado punto de la iglesia preexistía, la forma de la misma no había sido decidida de antemano. Cuando llegó el momento de erigirla, los artesanos florentinos se encontraron con un vano de 40 metros, imposible de cubrir con las técnicas constructivas tradicionales.

La solución encontrada en 1418, cuando la República de Florencia ya mostraba claras intenciones de manifestar su poder económico en la arquitectura de la ciudad —con lo que la catedral se convirtió, por tanto, casi en una tarjeta de visita, fue promover una especie de concurso de ideas para la conclusión del templo, que conllevaba, claro está, la solución al problema de la cúpula. Filippo Brunelleschi, que era, en la época, un artesano relativamente reconocido, aceptó el desafío. Decidió, para ello, viajar a Roma en busca de inspiración. Roma, en ese período, era el lugar del mundo en el que las ruinas de la Antigüedad clásica eran más visibles, casi integradas en el paisaje. La principal fuente de inspiración para Brunelleschi fue el Panteón de Agripa: una estructura con un diámetro similar al de Santa María dei Fiori, rematado con una cúpula en arco pleno. Brunelleschi no sólo observó la solución constructiva utilizada en el Panteón, sino que comenzó a estudiar las relaciones estilísticas, proporcionales y formales entre los diferentes elementos que componían ese espacio. Y fue efectivamente esta actitud la que hizo que se gestara el espíritu del Renacimiento: un individuo observa una determinada realidad a través del deseo y de la intención con la que interfiere en aquella realidad antigua para buscar soluciones útiles aplicables a la realidad moderna. Brunelleschi no tenía plena conciencia de la teoría clásica, pero reconoció un modelo estilístico que usaría para construir e idear su propia arquitectura.

A su vuelta a Florencia, lleno de esa experiencia con el mundo clásico, Brunelleschi propuso una solución para la catedral florentina: una gran ARQUITECTURA APLICADA

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cúpula de 42 metros rematada por una linterna, basándose en sus pesquisas en Roma. Pero no se limitó a reproducir el modelo romano, sino que propuso una forma totalmente innovadora: su cúpula sería la primera con tambor octogonal de la historia de la arquitectura. Esta cúpula posee una función estética (bella pero austera, sin dar sensación de pesadez), pero también una función ideológica: representa la unidad cristiana. Para su construcción, Brunelleschi utilizó un juego de doble cúpula, una interna y otra externa, formadas por dos capas construidas con dos roscas de ladrillo separados por una rosca de ladrillo a perpiaño, que avanzan en forma de espiral que hace más rígido el conjunto a la vez que configura un espacio como cámara de aire que da ligereza a la cúpula, dibujando a la vez hilos directores y rematada con linterna.

Cúpula del Duomo de Santa María del Fiore

Esta construcción marcó el inicio de la Arquitectura Renacentista

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OTRAS OBRAS DE BRUNELLESCHI Basílica de San Lorenzo de Florencia Inspirada en las basílicas paleocristianas que Brunelleschi estudió, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, planteada bajo un esquema 2-1, es decir con la nave central más alta y ancha.

Palacio Pitti La importancia del Palacio Pitti de Filippo Brunelleschi es que en él el autor establece el modelo renacentista de palacio que fue ampliamente seguido por sus discípulos, como ocurre en el caso del Palacio Médici- Ricardi, obra de Michelozzo di Bartolomeo. El aspecto externo es casi de una fortaleza. Tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen en torno a un patio. Muestra una tendencia a la horizontalidad mediante una superposición de tres pisos o cuerpos.

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Capilla Pazzi La Capilla Pazzi es ua obra de plena concepción renacentista. Es de planta cuadrada cubierta con cúpula, donde se da la interacción del espacio cuadrado con cubierta circular. La fachada se articula mediante un pórtico con columnas por el que se accede a la construcción, que combina el arco central con superficies adinteladas. En esta superficie hay un entablamento que "rompe" en el centro en arco de medio punto. En todo el edificio se aprecia la búsqueda de la armonía frente a la monumentalidad.

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La arquitectura del Quattrocento: a) Características generales: 1.- Mientras que el gótico es la consecuencia de la evolución del románico, el Renacimiento rompe con el estilo precedente tomando como modelo el de la antigua Roma. El Renacimiento vuelve a emplear los elementos constructivos y decorativos clásicos (arcos de medio punto, frontones, columnas y pilastras, órdenes clásicos, bóvedas de cañón, cúpulas semiesféricas, etc.) aunque con total libertad. 2.- Se utilizan elementos decorativos de tipo fantástico en los que el artista funde caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando seres monstruosos. Esta decoración recibe el nombre de grutescos por haberse difundido su uso a raíz del descubrimiento de las pinturas murales de este tipo del palacio imperial de Nerón. Flores, frutos, trofeos y objetos diversos pendientes de cintas, coronas y medallones son también temas frecuentes en la decoración renacentista. 3.- En la estructura y en las plantas se buscan efectos de calculada y matemática perfección. Se busca la unidad espacial. 4.- El muro recupera su función tectónica (sustentante) que había desaparecido en la arquitectura gótica, aunque siempre aparece revestido por una vistosa decoración (mármol de color, aparejos rústicos, etc.). 5.- Se prioriza la utilización de formas simples (como la cubierta de madera que ahorra soportes, los tirantes metálicos que integrados en las bóvedas, eliminan empujes) 6.- Se recuperan los cincos órdenes clásicos. 7.- En las iglesias, se fusionan la planta centralizada (acorde con la imagen clásica del universo) y la planta basilical que responde más a las necesidades de la liturgia. Para alcanzar la síntesis, se fusionan ambas formas y así al cuerpo longitudinal se le añade una cabecera de planta centralizada presidida por una cúpula

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8.- Se construyen también palacios urbanos( Palacio Pitti, Palacio Rucellai), villas o mansiones campestres (Villa Capra de Palladio), y fortalezas9.- Los principales arquitectos del Quattrocento son Filippo Brunelleschi y León Batista Alberti. b) Filippo Brunelleschi (1377-1446) El artista que sienta las bases del nuevo estilo es el florentino Brunelleschi, cuya actividad llena el segundo cuarto del siglo XV. Brunelleschi tenía una formación m atemática y tenía una formación no sólo arquitectónica sino también como orfebre y como inventor de máquinas y de técnicas constructivas. Fue, ante todo un innovador al que se le encargó acabar la construcción de la catedral de Florencia (obra gótica de Andrea del Cambio) Sus principales obras son: 1. Cúpula de la catedral de Florencia (Iglesia de Santa María de las Flores) (Selectividad). Identificación: Nombre: Cúpula de Santa María del Fiore (Catedral de Florencia). Arquitecto: Brunelleschi, Filippo (1377-1446). Cronología: 1418-1446 Localización : Florencia Estilo: Renacimiento (Quattrocento) Materiales: Ladrillo, piedra, mármol. Dimensiones: 114 ms –altura- y 41 msdiámetroTipo de edificio: Arquitectura religiosa

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Análisis: Está considerada como la primera gran obra arquitectónica del Renacimiento .Construida sobre el cimborrio de la catedral gótica, debía de cubrir un diámetro similar al del Panteón de Roma (42 metros). Se construyó entre 1418 y 1446 utilizando como materiales la piedra, el ladrillo y el mármol. Exterior: Presenta un aspecto singularmente esbelto gracias a su perfil ojival (apuntado) que Brunelleschi consigue gracias a la curvatura de los ocho nervios de mármol blanco de 4 metros de espesor que ascienden hasta la cúspide donde se unen dando paso a una estilizada linterna. La cúpula, de 8 caras recubiertas con tejas rojas, se eleva sobre un tambor octogonal de piedra revestida con mármol (blanco, verde y rosado) con una gran ventana circular en cada uno de los ocho lados. Interior: (sistema constructivo): Se construyó sin utilizar cimbras (armazones de madera) ni andamios desde el suelo. Para hacerla más ligera (y evitar su hundimiento) la concibió como una doble cúpula (una interior semiesférica y otra exterior, apuntada) con un espacio vacío entre las dos. 2. Basílica de San Lorenzo (Selectividad). Identificación: Nombre:). Iglesia de San Lorenzo Arquitecto: Brunelleschi, Filippo (1377-1446). Cronología: 1421-1470 Localización : Florencia Estilo: Renacimiento (Quattrocento) Materiales: Ladrillo, piedra, mármol. Tipo de edificio: Arquitectura religiosa

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Análisis: Fue un encargo de Cosme de Medicis y es un ejemplo del mecenazgo que se encuentra en el origen de gran parte de las obras renacentistas. En ella desaparecen ya las formas medievales y tanto los elementos constructivos como los decorativos están tomados del arte clásico Brunelleschi, tomando como modelo las basílicas cristianas, la traza de tres naves. El espacio se ordena en base a una planta longitudinal, donde los distintos elementos arquitectónicos y la luminosidad logran una visión de perspectiva La concibió como un conjunto de bloques independientes, en el que los mayores son múltiplos de los más pequeños. La cubierta de la nave central es adintelada y se decora con grandes casetones al gusto romano, mientras que las naves laterales son abovedadas. Las arquerías de medio punto que dividen la planta en tres naves, están realzadas por la colocación de un trozo de entablamento sobre el ábaco de los capiteles. Se utilizan columnas rematadas por capiteles compuestos, pilastras, arcos de medio punto, y casetones en la techumbre de la nave central. Tiene amplios ventanales en la parte alta de la nave central y óculos en las laterales. 3. Capilla Pazzi:

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Identificación y Análisis: En ella vuelve Brunelleschi a la cúpula que será una de las obsesiones de los arquitectos renacentistas. Esta pequeña Capilla se encuentra en el claustro del convento franciscano de la Santa Croce en Florencia. Fue construida entre 1430 y 1444. Su estructura muy sencilla; el edificio se articula en tres ámbitos: un pórtico rectangular y un ábside cuadrado al fondo. Tiene planta rectangular con cúpula nervada sobre pechinas y rematada en linterna. Es típico el esquema de la fachada: las dos partes laterales del pórtico tienen entablamento, la parte central remata en un arco. Este esquema se utilizó muy frecuentemente en el siglo XVI. El interior es muy sobrio y está decorado con medallones de Lucca Della Robbia en blanco y azul, junto con molduras y pilastras acanaladas de mármol.

4. Logia del Hospital de los Santos Inocentes: Fue donado por Cosme de Médicis a la ciudad, siendo el primer hospital público destinado a niños abandonados. El autor muestra una gran preocupación por relacionar el entorno (la plaza) con la estructura del edificio. Supone la recuperación del concepto de orden arquitectónico(recordad: relación de todos los ARQUITECTURA APLICADA

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elementos). Los amplios arcos de medio punto, la simplicidad de la concepción general y el papel subordinado de la escultura limitada a zonas muy precisas son algunas de las características de esta obra. Como arquitecto comienza con la Logia en 1419.Utiliza pilastras en los cuerpos de las esquinas. Consta de 9 arcos de medio punto, sobre columnas corintias, que surgen de una grada escalonada. Los medallones entre los arcos son de Andrea Della Robbia y representan niños en pañales haciendo alusión a la función de casa de recogida de niños abandonados del edificio. Por primera vez emplea la arquería de medio punto sobre columnas, colocando un frontón triangular sobre las ventanas del primer piso. El pórtico interesa, además, por ser un elemento determinante del urbanismo de la plaza. Los muros blancos contrastan con la piedra gris, con lo que se acentúan los elementos arquitectónicos. 5. Palacio Pitti Es obra del 1440 aunque fue ampliado considerablemente en el siglo XVI. El Palacio Pitti se convirtió en el prototipo o modelo de palacio renacentista al integrar el palacio en la arquitectura urbana. Prescinde de la torre defensiva de las casas florentinas medievales lo que le da un mayor carácter urbano, sin embargo toma de la arquitectura romana el fuerte paramento almohadillado con el que recubre toda la fachada. Esta fachada con cierto aspecto de fortaleza, tuvo gran influencia posterior.

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c) León Batista Alberti (1404-1472) En la generación siguiente, el otro gran arquitecto florentino es León Batista Alberti. Erudito y estudioso de la antigüedad (Vitrubio) escribe el tratado De re aedificatoria donde trata las proporciones que debe de tener un edificio. En 1434 viajó a Florencia y ase enamoró de sus obras. Para él, la arquitectura debe estar sometida a la razón. Entre sus obras más importantes se encuentran:

1. San Francisco o Templo Malatestiano (1450): Fue ésta su primera obra realizada por encargo de Segismundo Malatesta, tirano de Rímini, para reformar la Iglesia de San Francisco: Debía ser un edificio con doble función: iglesia para el culto y edificio conmemorativo destinado a la memoria de su amante Isotta y de los artistas y poetas que a los que protegía siendo un testimonio elocuente del paganismo renacentista. Alberti realizó una fachada incompleta y a imitación de los arcos de triunfo utilizando para ello elementos del arte romano (arcos de medio punto, frontones triangulares, columnas adosadas, hornacinas, etc.)

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2. Fachada de Santa María Novella.

Utilizó en ella como módulo el cuadrado. La fachada (todo el conjunto) puede ser inscrito en un cuadrado. El cuerpo principal se compone de otros dos cuadrados, cuyo lado es la mitad del general. En otro cuadrado como éstos puede ser encerrado el cuerpo superior. El sistema de unir los dos pisos mediante dos grandes volutas en S pasó a ser después el modelo diferenciador y definitorio de la fachada barroca, que empleará volutas y aletas para ligar el frontón central con las naves laterales, y unir la parte inferior, más ancha con la superior más estrecha. Como elemento decorativo utiliza el mármol de dos colores (verde y blanco) muy común en la arquitectura florentina En esta fachada lleva a la práctica sus teorías recogidas en su obra “De re aedificatori

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3. Palacio Rucellai (Selectividad) Identificación: Nombre: Palacio Rucellai. Arquitecto:Alberti, Leon Battista (1404-1472) Cronología: 1446-1451. Localización: Florencia (Italia) Materiales: Piedra y mármol. Tipo de edificio: arquitectura civil Análisis Exterior (Fachada): Se adapta a un solar rodeado por otras construcciones y por tanto “confinado”. Lo que hace Alberti es darle un “bello rostro” mediante la utilización de elementos clásicos. Se inicia con un pequeño zócalo recorrido por un banco que hace las veces de “sala de espera” en un contexto en que el palacio hacía las veces de despacho. La planta baja con pilastras de orden dórico y con aperturas cuadradas semejantes a las del Palacio Medici y con puertas y ventanas con dinteles horizontales En el primer y segundo piso, pilastras de orden jónico y corintio y ventanas con parteluz enmarcadas por arcos de medio punto. Cada piso esta separado del otro por un entablamento clásico. La cornisa superior, muy saliente y sostenida por ménsulas, se convirtió en un modelo muy imitado en toda Europa. Por último señalar que la utilización de silares lisos pero de tamaño diferente, la gradación de los relieves de piastras, frisos, ventanas y puertas evita la sensación de monotonía.

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ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO

Catedral de San Pedro

Tras la muerte de Lorenzo el magnifico, la capital del arte renacentista se mueve de Florencia a Roma, debido a la gran influencia de los papas Julio II y León X. Los estados pontificios inician una expansión militar y los papas se convierten en los mecenas de los artistas. La basílica de San Pedro será el edificio que marque la pauta durante todo el siglo. Es la época de arquitectos como Miguel Angel, Rafael Sanzio, Bramante o Palladio, que darán lugar al Manierismo.

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Características generales . Se mantiene la influencia clásica que se evidencia en el empleo de los órdenes y elementos constructivos. . En esta etapa los edificios tienden a la monumentalidad y grandiosidad. . En los templos se busca un nuevo planteamiento con el desarrollo de las plantas centrales. La construcción por excelencia de este periodo es la iglesia de San Pedro en Roma. . En este periodo aparece la construcción de las villas, entre las cuales podemos destacar aquellas de Andrea Palladio. . Miguel Angel introduce el “orden gigante” para su proyecto y rompe con el concepto de arquitectura hecha a la medida del hombre. . Predomina en este momento la idea de riqueza y lujo que va a ser el origen del Barroco. . El Manierismo, típico de finales del siglo XVI, introduce en la arquitectura edificios cada vez mas suntuosos, con decoraciones rebuscadas y elementos que pretenden captar la atención del espectador. Donato dÀngelo Bramante (1444-1514)

. Tuvo una formación quattrocentista, pero su plenitud artística la alcanza en el siglo XVI. Su arquitectura se caracteriza por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula. . En 1503 es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos grandes proyectos: El Palacio de los Papas y la nueva basílica de San Pedro, que no llegó a comenzar.

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Obras: . San Pietro in Montorio. Roma Fue un encargo de los reyes católicos, quienes para conmemorar la Toma de Granada deciden levantar un templete en honor a San Pedro, en el lugar donde se cree que fue martirizado. Es una rotonda de 16 columnas dóricas que se convierte en símbolo de la vuelta al espíritu romano. Esta considerado uno de los edificios más armoniosos del Renacimiento. A pesar de su tamaño, cumple con las proporciones y simetría de las construcciones Renacentistas. . Basílica de San Pedro, Roma. Fue comisionado por el Papa Julio II para realizar el proyecto. Su proyecto tenía una planta con forma de cruz griega inscrita en un cuadrado del que sobresalían cuatro ábsides, con cúpulas en el crucero y las capillas laterales. Bramante murió cuando apenas se habían realizado los pilares maestros. Miguel Angel Buonarroti (Caprese 1475-1564)

Cúpula basílica de San Pedro

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Interior de la cúpula de San Pedro Arquitecto, escultor y pintor, considerado uno de los más grandes artistas de la historia. Desarrolló su obra entre Florencia y Roma. Obras: . Cúpula de la Catedral de San Pedro. Cuando vuelve al proyecto, retoma el diseño de Bramante, con algunas modificaciones en cuanto a la utilización de la luz. Su gran aporte es la cúpula, que modifico dándole un perfil mas elevado. Se encuentra encima del altar mayor y la tumba de San Pedro. Tiene un tamaño colosal, es una estructura nervada de 42 mt de diámetro y más de 130 mts de altura. Su estilo es plenamente renacentista y cuenta con una serie de ventanas que dejan pasar la luz. Está construida sobre pechinas con un tambor y decorada con mosaicos.

Escalera Laurenciana

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. La Sacristía Nueva. Encargada por el Papa León X, para que sirviera como capilla funeraria a algunos miembros de la familia Medici. . Escalera de la Biblioteca Laurenciana. La biblioteca consta de sala de lectura y un vestíbulo, en el que modifica las columnas para disimularlas y emplea las escaleras como elemento unificador. Andrea Palladio (1508- 1580)

Villa Rotonda El estudio detallado de los edificios de la antigüedad fue la base para formar su estilo absolutamente clasicista, pero innovador con respecto a lo que se hacía en su época. Adaptó las formas de la antigüedad a las necesidades modernas. Sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo. Obras: . La villa Capra o “La Rotonda” en Vicenza. Es un palacio campestre de planta central. Empleo en el diseño todo un juego de formas geométricas elementales como el cilindro, la esfera y el cubo.

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Tanto la planta como la conformación exterior son totalmente simétricas y proporcionadas. La longitud, la altura y la geometría, están determinadas por un sistema de proporciones racionales, derivado de Vitruvio y Alberti.

TRATADISTAS DEL CLASICISMO A mediados del XVI ya se ha alcanzado la madurez del estilo, fueron contemporáneos de los manieristas, no aportan nada conceptual ni estructural nuevo, pero sí más cantidad de elementos arquitectónicos con fin decorativo. PRINCIPALES AUTORES Y OBRAS:

JACOPO VIGNOLA

PRINCIPALES OBRAS:

I.



IGLESIA DEL GESÚ EN ROMA: Concepto:

Crea el tipo de iglesia jesuítica y del espíritu de la Contrarreforma, siguiendo las ideas de Alberti, de concepto distinto que el de los anteriores templos renacentistas: planta de cruz latina con nave central muy ancha con tribuna y capillas laterales bajas y oscuras    

Inicio de construcción: 1568 Terminada: 1584 Estilo Arquitectónico: Arquitectura del Renacimiento Lugar: Monte del Capiloto, Roma, Italia

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II.

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Análisis Arquitectónico

 Ubicación:

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 Forma: La iglesia se inspira en San Andrés de Mantua de Alberti. Tiene planta de cruz latina con transepto que no sobresale con una amplia nave central. Esta nave está flanqueada por capillas laterales entre los contrafuertes con altares e imágenes de santos cuyo culto promocionó la Contrarreforma como intercesores. En el crucero la gran cúpula sobre pechinas que actúa como gran distribuidora de luz crea un efecto de espacio luminoso entre dos espacios de luz más suave: el altar y la nave central.

 Fachada: Tiene un cuerpo bajo de forma rectangular que corresponde a la anchura de la nave central y las capillas laterales, con pilastras dobles de orden corintio que la dividen en cinco calles: en la central se encuentra la puerta con frontón curvo y en las dos laterales pequeñas puertas con frontón triangular y hornacinas con santos con frontón curvo. Corona este cuerpo un gran frontón curvo que engloba a otro triangular, aspecto que rompe con el clasicismo, empleo elementos clásicos a su manera. El cuerpo superior más pequeño, se corresponde con la anchura de la nave central, repite en parte el esquema anterior: dobles pilastras de orden jónico y tres calles con ventanas con frontón triangular. Se corona este cuerpo con un gran frontón triangular cuyo vértice hace de eje de simetría de la fachada que se continúa con el vértice del frontón del segundo y primer nivel.

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 Nave Central: En el interior, por detrás de la fachada, puede observarse un gran fresco que representa a “Heliodoro expulsado del Templo de Jerusalén” La capilla mayor y crucero con mucha luz y profusamente decorados; estos juegos de luces y sombras y la abundante decoración acercan esta arquitectura al Barroco.

ANDREA PALLADIO

PRINCIPALES OBRAS:

 I.

LA IGLESIA DE SAN JORGE DE VENECIA Concepto:

Utiliza las formas de la Antigüedad, pero de modo distinto: crea el "orden gigante", columnas en dos escalas distintas; mezcla el estatismo griego con el dinamismo romano.     II.

Inicio de construcción: 1568 Terminada: 1576 Estilo Arquitectónico: Arquitectura del Renacimiento Lugar: Venecia, Italia Análisis Arquitectónico

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 Ubicación:

 Forma y Fachada: En la parte interna, como externa de la iglesia se pueden apreciar detalles muy interesantes, tales como la fachada, la cual posee un acceso único con orden gigante de cuatro columnas compuesto de alta zócalos rematado por entablamento apoyar un clásico frontón. Su fachada blanca es rápidamente reconocible, mirando de la Plaza de San Marcos, y nos recuerda que esta iglesia ha sido un gran ambiente de época, no sólo espiritual, también un centro cultural y artístico.

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Destaca en la fachada las columnas corintias, las cuales poseen una subdivisión que refleja los tres cubos superados por la bóveda grande en la travesía de las hachas del plan cruzado latino. El emblema más reconocido de esta isla junto a la iglesia es su torre de la Campana, la cual posee como medida unos 75 metros de altura, ésta fue construida en el año 1467, y fue reconstruida en estilo neo-clásico en 1791.  Estructura y Materiales

El clasicismo de Palladio también se aprecia, aunque con algún toque manierista en las iglesias que construyó en Venecia: San Giorgio Maggiore (1565), "de tres naves y profundo coro tras la capilla mayor, situada en la isla de su nombre, cuenta "con cúpulas y hastiales y columnas gigantes soportando nítidos frontones clásicos. Con una fachada de mármol de dos niveles y columnas altas y simétricas. En el interior, la luz entra por las ventanas para iluminar los arcos altos y la distribución sencilla de mosaicos de color blanco y terracota.

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Las ventanas están inspiradas en aquellas que se encuentran en varios baños públicos romanos. Aquí puedes admirar las pinturas que adornan las paredes de la iglesia y sus varias capillas. El techo es una simple bóveda donde se abren las ventanas de cañón. Y serán las columnas apoyadas sobre pedestales las encargadas de delimitar el espacio.

ARQUITECTURA MANIERISTA La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura europea que se desarrolló entre 1530 y 1610, es decir, entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la barroca.1 Los historiadores consideran al manierismo como la última fase del Renacimiento, precedida por las del humanismo florentino y por el clasicismo romano; sin embargo, si las primeras dos fases son distinguibles temporalmente, no resulta tan claro con el clasicismo y el manierismo que coexistieron desde inicios del siglo XVI.2

Fachada de la Iglesia de del Gesú, Roma

El término «maniera», usado ya en el siglo XV para indicar el estilo de cada artista, fue empleado por Giorgio Vasari en el siglo posterior para describir uno de los cuatro requisitos de las artes (orden, medida, diseño y maniera), con particular referencia a las obras de Miguel Ángel; luego lo utiliza Jacob Burckhardt para definir de manera peyorativa el arte italiano entre el Renacimiento y el Barroco. No obstante a inicios de siglo XX, a la luz de las nacientes culturas surrealistas y expresionistas, la crítica revaloró la cultura manierista. El manierismo se desarrolló en Italia e influyó la arquitectura de buena parte de Europa. Por eso ayuda conocer el contexto histórico del continente. A fines del siglo XV se desarrollaron las grandes monarquías, en España, Francia y en Inglaterra; en 1493 Maximiliano I de Habsburgo llegó a ser Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, mientras que Rusia encontró la unidad política bajo Iván III. Además, con el ascenso al trono francés de Francisco I y la coronación de Carlos V, el escenario europeo un cambio radical, con la anexión a España de Alemania y de otros territorios, como Milán, Nápoles y el Mezzogiorno. En Italia, en 1527 se produjo el Saco de Roma por obra de los lansquenetes; este evento marca el comienzo del manierismo. Muchos artistas tuvieron que

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dejar Roma, trasladándose a Florencia y Venecia. En Florencia, los eventos de 1527 favorecieron la persecución de los Médicis; sólo se dominó la rebelión después de un largo asedio, entre 1529 y 1530, que restableció a la familia en el gobierno de la ciudad. En cambio, Venecia era el más importante arsenal de Italia y un centro cultural de primer orden, gracias a la gran difusión de la actividad editorial. El Papa Paulo III instauró de nuevo, en 1542, el tribunal de la Inquisición, que precedió pocos años a la convocación del Concilio de Trento. El clima controrreformista llevó a la fundación de la Compañía de Jesús, que ejerció notable influencia también en el campo artístico dirigiendo la arquitectura religiosa hacia el estilo barroco. CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA MANIERISTA: El manierismo rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose más bien en el contraste entre norma y transgresión, naturaleza y artificio, signo y subsigno. De esta manera, la carga pierde su peso, mientras que el sostén no sostiene nada; el punto de fuga no se concluye en un punto focal, como en la arquitectura barroca, sino que termina en nada; las estructuras verticales asumen dimensiones excesivas y confieren al conjunto un inquietante equilibrio «oscilante». Si en la arquitectura del Renacimiento la fábrica de los edificios a menudo denuncia su propia conformación interna también hacia el exterior (mediante, por ejemplo, la presencia de cornisa intermedia, extradós e intradós), las obras manieristas generalmente se alejan de esta tendencia, escondiendo su propia estructura de base.4 Desde el punto de vista decorativo, asume particular importancia el fenómeno de lo grotesco, un tema pictórico de tiempos del imperio romano, redescubierto a fines del siglo XV, durante algunas excavaciones arqueológicas. Estas pinturas, centradas en representaciones fantásticas e irracionales, están de moda durante el manierismo (por ejemplo en las decoraciones del Palacio del Té) y aunque de manera esporádica, influencian la misma arquitectura; esto es evidente en las bizarras aperturas en el frente del Palacio Zuccari de Roma y en el Jardín Orsini (conocido como Parque de los monstruos) en Bomarzo. Otras influencias, sobre todo ligadas a temas zoomórficos, antropomórficos y fitomórficos, se encuentran en los adornos de edificios como la Casina de Pío IV en la Ciudad del Vaticano, realizado por Pirro Ligorio, el Palacio Marino y la iglesia de Santa María presso San Celso de Galeazzo Alessi en Milán.

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Palazzo te Mantua, Giulio Romano (1526 d.c) AUTORES Y OBRAS IMPORTANTES: La tarea asignada a la personalidad individual es menos determinada, pero distinta y más modesta que la que se exigía en la primera parte del Renacimiento. Debiendo referirse a un sistema de reglas absolutamente obligatorias, el empeño del artista no tenía graduación: él tenía el deber, en cierto modo, de ser siempre un genio, para ponerse a la altura de su ideal. Si en el Renacimiento nace la figura del “Genio”, ahora se perfila la del profesional tal como hoy la entendemos, el cual no de ser indispensablemente un individuo excepcional. Sin embargo, se destacan verdaderos maestros en este periodo, cuyas obras han influido hasta la actualidad.  MIGUEL ANGEL BUONARROTI : Es uno de los artistas más prolíferos de este periodo y su campo de acción comprende la escultura, la pintura, la arquitectura, las construcciones militares y el urbanismo, expresándose creativamente con soluciones innovadoras en todos los niveles de la creación artística. En cada área realizo obras que han trascendido hasta nuestros días y ejercieron fuerte influencia en las generaciones posteriores, sin embargo en el rubro de la arquitectura sus obras fueron:  CÚPULA DE SAN PEDRO DEL VATICANO (1547): Pablo III, en 1547 le dio a Miguel Ángel la dirección de todas las obras de San Pedro. Miguel retoma de Bramante la forma de la Cúpula pero abandona las dos torres de los extremos. A la muerte de Miguel Angel,

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en 1564, se había logrado terminar el cuerpo cilíndrico, que sirve de base a la cúpula. Miguel Ángel retoma la planta de cruz griega, pero simplifica las capillas de las esquinas. Y con ello el muro exterior se transforma en envolvente continuo, creado en función de soportar la colosal cíupula. Para realizarla, Bounarroti se dedicó a estudiar la construida por Brunelleschi en Florencia y decide aplicar los mismos principios. La Cúpula es construida por Giacomo della Porta entre 1588 y 1591.

 CAPILLA NUEVA DE SAN LORENZO (1521). Encargada por Leon X para albergar las tumbas de los últimos herederos masculinos de la familia Médicis. Miguel Ángel se plantea solucionar unitariamente los elementos arquitectónicos y las tumbas, para lo que del proyecto de Brunelleschi conserva el espacio unitario y la cúpula central, pero alterando la percepción del espacio. La Capilla está dividida en dos niveles, en altura: el espacio que define y enmarca los elementos escultóricos y la parte superior, vinculada a la espacialidad de la cúpula.

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Para dinamizar el espacio y cambiar la percepción del mismo al acentuar la fuga en altura, eleva la cúpula a la mayor altura posible y crea efecto prospectico a través del casetonado en fuga hacia el óculo. Este efecto se acentúa con la forma de las ventanas ciegas de las paredes.

 BIBLIOTECA LAURENZIANA (1524 – 1559) Está Ubicada junto a la iglesia San Lorenzo y fue edificada sobre el dormitorio de los monjes para albergar la colección de libros de la familia Médicis. El diseño comprendía tres espacios sucesivos: El Ricetto, espacio cuadrado en un nivel inferior a modo de vestíbulo, el cual cuenta con una fuerte volumetría de los muros y está

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caracterizado por la presencia de una escalera escultórica triple, que parece rechazar al visitante. En el tratamiento de los muros, las columnas y pilastras pierden valor tectónico y son tratados como simples elementos decorativos.

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 GIULIO ROMANO: Es uno de los primeros y mejores representantes de lo que es la arquitectura manierista. En su Palacio del Té de Mantua, realiza un edificio carente de unidad. Usa escasos elementos decorativos, pero los combina de manera extraña y caprichosa (fustes rugosos, triglifos descolgados actuando como ménsulas, motivo serliano, etc.). Este edificio puede ser el primero en el que el juego y la transgresión de toda norma es su razón de ser.

Palazzo te Mantua  BARTOLOMEO AMMANNATI: Amplía el Palacio Pitti de Florencia con un patio posterior donde juega con el almohadillado, creando un escenario mucho más movido que la fachada de Brunelleschi. El patio abierto con alas en escuadra, la vegetación y las fuentes tendrán mucha difusión en Francia, en concreto en el palacio de Luxemburgo de París.

Fachada Trasera del Palacio Pitti ARQUITECTURA APLICADA

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DIFUSIÓN DE LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN EUROPA: El lenguaje arquitectónico propio del Renacimiento italiano no desplazó a las formas tardogóticas predominantes en el resto de Europa hasta bien entrado el siglo XVI. Los contactos internacionales en las esferas económica, política y militar intensificados a partir de los ya abundantes desde la Baja Edad Media, los viajes de artistas, demandados por las diversas cortes, así como la decisiva difusión de documentos e imágenes gracias a la imprenta y el grabado permitían un intercambio de información decisivo. Paradójicamente, la asimilación de las ideas anticlásicas forjadas en el Manierismo (que más que la fase final del Renacimiento puede considerase un estilo nuevo y opuesto) fue lo que causó el definitivo triunfo del gusto italiano. La tratadística clásica estaba ya plenamente desarrollada, de forma que los arquitectos de fuera de Italia dominaban en general las reglas compositivas clásicas y su teoría, lo que ya les permitía tomarse ciertas licencias creativas. De esta forma, la introducción del Renacimiento en Europa fue en gran medida un eclecticismo entre las pervivencias medievales y rasgos post-renacentistas; además de diferir en cada país, según la distinta forma en que la influencia italiana dotó de elementos nuevos a su contexto propio de base medieval. 1. ESPAÑA: La arquitectura del Renacimiento español puede dividirse en tres fases: a la primera se le llama plateresco, a la segunda clasicismo romano y a la tercera herreriano. Desde Italia, el Renacimiento se extiende a los diferentes países de Europa, que, si en un principio acogen al nuevo estilo sin dejar las nuevas estructuras góticas, pronto caen de lleno en el nuevo estilo, que en cada país presenta sus variantes. En España el Renacimiento cuatrocentista se difunde cuando en Italia toca a su término, es decir, cuando allí se inicia la reacción del segundo Renacimiento, reacción que no tiene lugar en España hasta mediados del siglo XVI. El estilo correspondiente al cuatrocentismo italiano, aunque con las naturales diferencias, es el plateresco, llamado así por su semejanza entre la ornamentación de los edificios y los trabajos de los orfebres en la plata y además porque estos artistas proyectaron la decoración en sus custodias y vasos sagrados. Este estilo llena los dos tercios del siglo y corresponde al reinado de los Reyes Católicos. Durante el plateresco las estructuras del último gótico no varían, la pervivencia del gótico continúa, y solamente se deja vislumbrar el nuevo estilo en la ornamentación, que es la que la da carácter al periodo. 1era etapa El plateresco caracteriza por los siguientes motivos: a) candeleros o columnas abalaustradas con adornos de flores, frutas y guirnaldas; b) capiteles clásicos, altamente ornamentados;

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c) medallones con motivos guerreros que suelen adornar las enjutas de los arcos, los motivos bélicos de mazas, hachas y yelmos, así como animales fantásticos como caballos alados y amorcillos que se entremezclan en combinaciones de imaginación fantástica d) empleo del grutesco (decoración en bajorrelieve con temática animal vegetal o antropomorfas); e) fachada retablo, que imita por su composición a los retablos del interior de iglesias y catedrales. El Palacio de Santa Cruz (1486-1491) de Valladolid Fue el primer edificio renacentista construido en España.

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I.

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INTRODUCCIÓN: El Colegio tiene planta cuadrada y está labrado enteramente en piedra caliza de sillería, abriéndose en su centro el único patio de que dispuso el inmueble. La fachada principal está apoyada en contrafuertes en los que es visible el cambio de estilo que se operó en la construcción apenas iniciada; sus tracerías góticas se sustituyeron por pilastras renacentistas. La portada, en arco de medio punto, se decoró con finos grutescos, observándose también grifos, delfines y temas botánicos. La Cruz de Jerusalén, emblema del Colegio, figura en las enjutas, mientras que sobre el entablamento se colocó un relieve, aún gótico, en el que aparece arrodillado el cardenal Mendoza ante la presencia de Santa Elena de Constantinopla, descubridora de la Santa Cruz. El fondo de todo el paño que ocupa la portada se encuentra tapizado por almohadillado de superficie retallada. El ímpetu ascendente de los contrafuertes se contuvo mediante una gran cornisa, decorada con motivos clásicos y rematada con balaustrada y pináculos, que confiere al edificio un carácter civil y una horizontalidad netamente renacentista. El zaguán de la entrada se cubre con bóveda sencilla de crucería decorada con ángeles tenantes de escudos similares a los conservados en el Aula Triste y en los rincones de la parte superior del primer cuerpo del patio, corresponden al escultor Alejo de Vahía. La escalera principal y algunas embocaduras de puertas fueron reformadas en el siglo XVIII al igual que la capilla que se abre al zaguán y en la que puede admirarse el Cristo de la Luz, depósito del Museo Nacional Colegio de San Gregorio, realizado por Gregorio Fernández en 1621 para una capilla del Monasterio de San Benito el Real. El edificio alberga la librería que perteneció al Colegio del cardenal, acrecentada con fondos de la desamortización de Mendizábal a la que se accede a través de una puerta plateresca en la que se encuentran labrados relieves de Santos Doctores, originales también de Alejo de Vahía. La estantería salomónica de su interior fue ejecutada en 1705 por el ensamblador Alonso Manzano y está presidida por el retrato ecuestre del cardenal fundador, obra del vallisoletano Manuel Peti. El contenido de la biblioteca es de gran riqueza, destacando el ejemplar mozárabe del Beato de Valcavado, realizado por Oveco en el año 970. La Hospedería del colegio tiene planta cuadrada y su patio, en el centro, posee severo diseño en sus dos cuerpos de galerías organizadas por pilares cuadrados y arcos de medio punto.

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II.

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ANALISIS ARQUITECTÓNICO: a) UBICACIÓN: Se ubica en Valladolid, Provincia de Valladolid, Castilla y león, España; en la actualidad, el palacio es la sede del rectorado de la Universidad de Valladolid, del Museo de la Universidad de Valladolid (MUVa) y del Museo de Arte Africano Arellano Alonso, cuyas colecciones de arte africano fueron donadas también a la Universidad de Valladolid.

b) CARACTERISTICAS: El edificio del colegio tiene planta rectangular con un carácter geométrico ya plenamente renacentista, se distribuye en sótano, tres pisos y un desván situado sobre la crujía de la biblioteca .

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LA FACHADA PRINCIPAL: tiene mayor altura que las laterales, está dividida en cinco tramos mediante seis contrafuertes, de los cuales los dos centrales a la altura del primer cuerpo presentan decoraciones ciegas de estilo gótico hispano flamenco, a partir del segundo aparece la decoración renacentista consistente en pilastras pareadas acanaladas, sobre estas, se aprecian los escudos del Cardenal Mendoza. Está rematada con una gran cornisa decorada con motivos renacentistas, y sobre esta una balaustrada con seis pináculos decorados con bolas. La portada se desplaza ligeramente hacia la izquierda y en sus lienzos se abren ventanas rectangulares y grandes balcones afrontonados. Las fachadas laterales son más sobrias, tienen ventanales en el piso bajo y una doble fila de balcones neoclásicos en los dos pisos superiores.

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LA PORTADA PRINCIPAL es una de las obras arquitectónicas más

trascendentales del renacimiento español, su puerta se abre en un arco de medio punto que se apoya en una pilastra, y en un cuarto de columna con labores renacentistas a candelieri, el entablamento está decorado con leones alados entre vegetales y sobre él, un frontispicio de medio punto decorado con delfines afrontados, palmeras, y pebeteros de pie. En el tímpano interior se representa al Cardenal Mendoza arrodillado ante Santa Elena, descubridora de la Santa Cruz.

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El balcón central es similar al resto de los balcones de la fachada principal, si bien más decorado, sobre su frontón triangular hay un clípeo vacío y sobre este el escudo de los Reyes Católicos, en el que se aprecia la falta de la granada, a la izquierda de este, el escudo del linaje de Mendoza, y a la derecha el de armas de los Figueroa. Todo el paño que ocupa la portada se encuentra tapizado por un almohadillado, influencia de la escuela italiana. Se accede al interior a través de un zaguán cubierto con una bóveda de crucería sencilla apoyada sobre ménsulas situadas en los ángulos con decoraciones góticas de ángeles porta blasones que exhiben las armas del fundador. Por su lado derecho se accede a la capilla y la sacristía, a través de un arco apuntado con una puerta de madera decorada con tracerías flamígeras. En la capilla, preside el altar un crucifijo de madera, obra maestra de Gregorio Fernández, conocido como “El Cristo de la Luz” (163136).

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Claustro del Palacio de Santa Cruz Desde el zaguán también se llega al claustro, patio modélico en sus proporciones, consta de tres pisos de arquerías con siete arcadas de medio punto peraltados sobre pilares octogonales. El claustro, aunque todavía

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conserva cierto carácter gótico, da una sensación de espaciosidad y de proporción propio del espíritu del renacimiento, los antepechos del segundo piso muestran decoración gótica, y los del último cuerpo presentan balaustres de formas arriñonadas, debido a una reforma del siglo XVIII. Las enjutas de los arcos están decoradas con Cruces de Jerusalén y escudos de la familia del fundador. Una escalera de ida y vuelta situada en un ángulo del claustro comunica las distintas plantas, es de estilo neoclásico y se accede a ella por una portada de muy bello trazado dórico, cubierta con una bóveda con lunetos.

2da ETAPA: PURISMO Con el paso de las décadas, la influencia del Gótico fue decreciendo, llegándose a alcanzar un estilo más depurado y ortodoxo desde el punto de vista de las formas clásicas. El purismo se caracteriza por una mayor austeridad decorativa, que se limita a algunos elementos concretos, generalmente de inspiración grecorromana. Hay un cierto cansancio de la exuberancia decorativa italianizante a mitad del siglo XVI y se imponen los edificios de aspecto más sereno, armónico y equilibrado. Algunos arquitectos consiguen reciclar su producción tardo-gótica para iniciarse en este nuevo estilo: tal es el caso, por ejemplo, de Alonso de Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón y Pedro de Ibarra. Además de la Meseta, donde desarrollan su obra éstos, un extraordinario centro de la producción renacentista se localizó en Andalucía, donde destacan las figuras de Diego de Siloé(fachada de la Catedral de Granada y Sacra Capilla del Salvador de Úbeda), Pedro Machuca (el más decididamente clásico, con su atrevida intervención en la Alhambra de Granada: el Palacio de Carlos ARQUITECTURA APLICADA

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V), Andrés de Vandelvira (catedrales de Jaén y de Baeza) y Diego de Riaño(Ayuntamiento de Sevilla). La influencia de la tratadística italiana, especialmente de Sebastiano Serlio, ha permitido denominar esta época como fase serliana. Es muy notable que España fuera el primer país en desarrollar una literatura arquitectónica propia dentro de los cánones renacentitas, con Diego de Sagredo (Las Medidas del Romano, 1526). PALACIO DE CARLOS V: I.

ANALISIS ARQUITECTONICO:

A) UBICACIÓN: El palacio de Carlos V de Granada, comunidad autónoma de Andalucía, España, es una construcción renacentista situada en la colina de la Alhambra. Desde 1958, es sede del Museo de Bellas Artes de Granada y, desde 1994, también es sede del Museo de la Alhambra.

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B) CARACTERÍSTICAS: La planta del palacio la conforma un cuadrado de 63 metros de lado con un patio circular inscrito en su interior. Esta disposición, principal rasgo manierista del palacio, no tiene precedentes en la arquitectura del Renacimiento, y sitúa la construcción en lo que se considera la vanguardia artística del momento. El edificio consta de dos niveles: el bajo es de orden toscano completamente almohadillado, en cuyas pilastras se insertan grandes anillas de bronce decoradas. El piso superior es de orden jónico y sus pilastras alternadas con vanos adintelados provistos de frontón. Las dos fachadas principales ostentan sendas portadas de piedra de Sierra Elvira. El patio circular también muestra dos pisos. El inferior está presidido por una columnata dórica de piedra pudinga con un entablamento muy ortodoxo, formado por triglifos y metopas con motivos de guirnaldas y bucráneos. El piso superior lo forma una columnata jónica, más ligera, con entablamento liso. Esta estructura general del patio muestra un claro conocimiento de la arquitectura imperial romana, y se encuadraría en el más puro Renacimiento de no ser por su disposición curva, que provoca en el espectador desconcierto cuando se penetra por sus fachadas principales, y supedita los espacios interiores y escaleras a la idea generatriz. Más tarde, Miguel Ángel y Palladioconstruirán edificios con soluciones análogas, bajo la etiqueta de manierismo.

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DIBUJO EN SECCION DEL PALACIO DE CARLOS V. GRANADA

PLANO DE PLANTA:

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El palacio es cuadrado, con una fachada principal de 63 metros de ancho por 17 metros de alto. Destaca su patio circular en el centro, único en su estilo y la obra más destacada del renacimiento en España. Sólo están decoradas las fachadas sur y oeste en su totalidad. La norte y este sólo en parte, debido a que el edificio está unido al Alcázar de la Alhambra. 3era ETAPA: HERRERIANO: A mitad del siglo XVI, la iniciación del Monasterio de San Lorenzo del Escorial como símbolo del poder de Felipe II de España por Juan Bautista de Toledo (fallecido en 1567) y Juan de Herrera supuso la aparición de un nuevo estilo, que se caracteriza por el predominio de los elementos constructivos, la ausencia decorativa, las líneas rectas y los volúmenes cúbicos. Significa además el definitivo triunfo de los postulados manieristas provenientes de Italia, con el aporte de sobriedad castellana. Este estilo bautizado posteriormente como "herreriano" en honor de Juan de Herrera, dominó la arquitectura española durante casi un siglo, y entre sus seguidores se encuentran figuras tan relevantes como Francisco de Mora, Juan Gómez de Mora o Juan Gómez de Trasmonte. Los conceptos arquitectónicos y urbanísticos del renacimiento español fueron llevados a las colonias españolas de América dónde encontraron campo fértil para su difusión dada la urbanización extensiva que se dio a lo largo de tres siglos y que también recibió el impacto de estilos posteriores como el Barroco y el Neoclásico.

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Basílica de El Escorial: I.

Ubicación:

La basílica de El Escorial es un templo de culto católico que forma parte del conjunto del Monasterio de El Escorial, en la localidad de San Lorenzo de El Escorial, Madrid, España.

II.

ESQUEMA DE DISTRUBICION:

La iglesia ocupa la parte central del complejo monástico, teniendo su acceso a través del Patio de los Reyes. Tras ascender por una escalinata que abarca toda la fachada, se llega a un atrio flanqueado por dos torres. A continuación se sitúa lo que José de Sigüenza, cronista de la obra, denominaba «el templo pequeño», un espacio cuadrado bajo el coro que se utilizaba como iglesia para los fieles ajenos al monasterio. Desde aquí, a través de una zona que hace las veces de un segundo atrio interior, se penetra en el templo propiamente dicho, al fondo del cual se encuentra la capilla mayor que alberga el altar. Como elemento anejo existe una sacristía. El templo es una basílica en sentido litúrgico, esto es, debido al privilegio papal que le permite ostentar dicho título; no obstante, no lo es en sentido arquitectónico, pues no posee planta basilical. Se trata de un cuadrado perfecto de 50 metros de lado con cuatro pilares dispuestos en posición central que dan lugar a la formación de tres naves en cualquiera de las direcciones. Esta planta centralizada respondía a la concepción que de la armonía universal existía desde el siglo XV y a su reflejo en los lugares sagrados. Sin embargo, la construcción del monasterio se inició en 1563, el mismo año en que finalizaba el Concilio de Trento en el que se había acordado que todas las iglesias tuvieran planta de cruz latina. Para solventar este desacuerdo la cubierta del templo se prolongó por el este cobijando la capilla mayor, y por el oeste techando el coro y el atrio; de esta forma se da la apariencia exterior de una gran nave. Del mismo modo,

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la nave central perpendicular a ese eje se realzó con un cubrimiento de igual altura que el de la anterior, formando el conjunto una perfecta cruz latina que, en realidad, no se corresponde con la planta del templo. En su interior, además de la capilla mayor, se abren dos grandes capillas al fondo de las naves laterales y un gran número de capillas menores y hornacinas en las que se disponen otros tantos altares. En el plano de Juan de Herrera (ver imagen) los numera el autor del 1 al 36, diciendo a cerca de ellos en el «Sumario»: «Todos son altares que sirven dentro del Templo, y sin ellos ay el altar mayor, y los dos colaterales de las Reliquias señalados L.M. Y en los Oratorios DD.EE ay otros dos altares, y en el Sotachoro ay otros dos altares donde se dize Missa». En total hay 44 altares.

III.

ASPECTOS COSTRUCTIVOS:

Las naves del templo se cubren mediante bóvedas de cañón soportadas por arcos perpiaños. Todo ello gravita sobre los muros perimetrales y sobre cuatro gruesos pilares dóricoscentrales, de 8 metros de lado, distantes entre sí 15,50 metros. El espacio que definen, a modo de crucero, se cierra mediante un tambor circular sostenido por cuatro pechinas; en él se abren ocho ventanales que proporcionan luz natural. Se cubre con una cúpula de 17 metros de diámetro rematada por un cupulín y, en su extremo, por una bola metálica de 2 metros de diámetro sobre la que se levanta una cruz. La altura total del punto más elevado de la cruz tomada con respecto al pavimento de la iglesia es de 95 metros. El «templo pequeño» o sotacoro reproduce a escala reducida la forma del templo principal. De planta cuadrada, posee cuatro pilares centrados que

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soportan una bóveda circular sostenida por pechinas (cúpula plana: circular, con pechinas y con sus dovelas y clave). Dado que este espacio queda debajo del coro y que, por tanto, su altura es escasa, los arcos torales no son de medio punto sino carpaneles, y la bóveda es tan rebajada que aparenta ser casi plana. Toda la obra está realizada con sillería de granito. El pavimento es de mármol blanco y gris.

FACHADA:

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2. FRANCIA: Francia fue el único de los grandes países europeos, aparte de Italia, donde se construyeron edificios con formas renacentistas antes del siglo XVI. Pero incluso allí no se vieron obras hasta finales del siglo XV. Los edificios de la primera mitad del siglo XVI eran eminentemente góticos en su estructura y sólo tenían detalle clásico. Esta ornamentación se aplicaba sin una comprensión adecuada de las formas clásicas; los edificios eran manieristas. El Renacimiento en Francia adquirió todo sus carácter genuino y arquitectónico bajo Francisco I, de 1515 a 1547, para continuar luego en una segunda etapa de aspecto puramente clásico, sobre todo durante el reinado de Enrique II. El primer Renacimiento en Francia, conserva la estructura de la arquitectura medieval. Las fachadas se dividieron en tramos altos y verticales por pilastras que encuadraban las ventanas y que se superponían hasta los pináculos de remate y las cresterías de encaje que coronaban las lumbreras. Los elementos más empleados de la arquitectura italiana fueron los tramos rítmicos de Bramante, la ornamentación en bajorrelieve de arabescos y medallones. Pero la composición general fue completamente diferente. El palacio italiano presenta fachadas planas sin cuerpos salientes, techos invisibles, terrazas y grandes cornisas. En Francia es todo lo contrario, impuesto por la tradición y el clima: las fachadas son movidas, con salientes y entrantes, torres, torrecillas y buhardas, los techos son altísimos, erizados de chimeneas y cresterías, la decoración es el nuevo ropaje que se da a sistemas de estructuras ya resueltos. Las construcciones renacentistas francesas suelen ser más académicas, menos cálidas, menos monumentales, menos plásticas. El Renacimiento surge como un brote primaveral. Flores menudas, adornos vegetales, arabescos, grotescos, emblemas o símbolos personales, cartelas y medallones en bajo y alto relieve bordaron las pilastras, los capiteles y entablamentos. Aparecieron columnillas en forma de candelabros, columnas en balaustre torneadas como si fueran de madera, las ventanas cuadradas se partieron en amplias cruces de piedra, las buhardas o mansardas (construcción saliente de una cubierta inclinada, protegida por un tejadillo y que da lugar a una ventana vertical) constituyeron un elemento único donde relució el gótico en sus últimas y pequeñas llamaradas. Dos grupos de célebres castillos constituyen los principales ejemplos de la arquitectura de la época de FranciscoI, considerada la primera etapa del Renacimiento en Francia: Los castillos de Loira y los de la Isla de Francia. Los castillos de Loira conservan, por lo general una silueta medieval debida a la presencia de todas sus galas defensivas como torreones, torres, almenas, buhardas y fosas, que, por tradición se conservaron a título heráldico y decorativo. En los muchos chateaux construidos en la primera etapa del Renacimiento en Francia se aprecian diversas proporciones de elementos medievales. ARQUITECTURA APLICADA

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Algunos son completamente medievales en su trazado y en su estructura, pero contienen detalles y ornamentación clásica. Las bóvedas son a base de artesonados en forma de casetones o hechos de lozas esculpidas, los puntos de intersección se encontraban adornados con rosetas o claves de bóveda. Utilizaban entablamentos de estilo corintio con cornisas adornadas cuyo fondo es una concha Siguen estando fortificados, rodeados en muchos casos de un foso o un lago y conservan el pintoresco estilo francés de los tejados, las ventanas en buhardillas y los hastiales (techo de dos aguas que forma un remate triangular. Sinónimo piñón o faldón). Se puede contemplar una mezcla de estilos góticos y renacentistas. CASTILLO DE LOIRA: La denominación castillos del Loira (en francés: Châteaux de la Loire) agrupa a un conjunto de castillos situados en el curso medio y bajo del río Loira, en la Francia central. En su mayor parte fueron edificados, o reconstruidos, en la época del Renacimiento francés (siglos XV–XVI), en un momento en que el poder real descansaba en las riberas del río Loira, o en algunos de sus afluentes (Indre, Cher, Vienne, Maine y Loir), o en sus proximidades.

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El segundo periodo de la arquitectura renacentista determina el clasicismo en Francia. La arquitectura se hizo teórica y sabia. Los órdenes se inspiraron, directamente en la antigüedad clásica, las fachadas fueron sobrias, las buhardas se coronaron con frontones, las líneas fueron simples y exactas y los “ojos de buey” característicos. Se perdió toda la ornamentación fresca y menuda. El ejemplo más célebre de este estilo es el patio central y la nueva ala occidental del Louvre obra de Pierre Lescot. Es una obra de arte mesurada y elegante con belleza de propor-ciones, fineza de perfiles y armonía absoluta entre la escultura y los elementos constructivos. Lógica y claridad son sus características. Existen tres pisos, tratados como una única fachada, interrumpida únicamente por frontispicios salientes. El trazado es italiano pero el tratamiento es francés. La fachada de Lescot es correctamente clásica en sus proporciones y en su ejecución; no es italianizante, como puede apreciarse por el uso de los órdenes compuesto y corintio, en lugar del dórico y jónico y por el uso de pilastras en todo el alzado, reservando únicamente las columnas para los pabellones del frontispicio. Luego el remate, la coronación del edificio, es un ejemplo de gracia e ingenio, es la solución de la cornisa mediterránea con techo nórdico. Son especialmente interesantes las figuras exteriores del piso bajo y los relieves de los áticos; también en el exterior, sus figuras de cariátides en las galerías. Los castillos no conservaron ya nada tradicional. Los pabellones fueron cuadrados en vez de formar torrescirculares, las pilastras se tornaron en columnas salientes y superpuestas, las cadenas de piedra reforzaron esquinas y jambas de ventanas y el aspecto de palacio de la habitación suntuosa y campestre se acentuó con mayor unidad. Philibert Delorme, considerado como el más grande arquitecto del Renacimiento en Francia, construyó, entre otras obras, las Tullerías, el castillo de Anet y parte del castillo de Chenonceaux. Delorme inventó lo que se llama el orden francés, o sea las columnas cuyo fuste seforra con gruesos anillos almohadillados. La arquitectura del segundo periodo fue una sabia atenuación de la escuela de Fontainebleau en cuanto a profusión decorativa; surgieron cornisas y marcos clásicos y la madera se esculpió con gran riqueza de relieve.

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El Louvre, París

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3. INGLATERRA: El Renacimiento llegó a Inglaterra más tarde que a Francia, y llegó lentamente; el desarrollo de la construcción renacentista en Inglaterra fue totalmente distinto a Italia, sólo a mediados del siglo XVI, en la época isabelina, aparecieron los nuevos y definidos caracteres arquitectónicos refrescando el gótico, pero no el de los templos o el de los monumentos, sino el de las casas de campo. Enrique VIII, deseando dar a su corte un brillo superior a las demás cortes europeas, inició el movimiento renacentista, sin embargo, la ruptura de Enrique con Roma retrasó el posible cambio de estilo. Fue la época de las pintorescas y encantadoras construcciones de madera. Las mansiones y los castillos presentaron acentuadas modalidades, tales como los halls íntegramente cubiertos por pequeños paneles de madera, las escaleras de roble preciosamente talladas que dan a galerías altas y visibles, la iluminación de estos espacios suntuosos gracias a un inmenso vitral y los cielos rasos de yeso con dibujos finos y secos. El juego de entrantes y salientes que anima las grandes fachadas cubiertas por los vidrios emplomados de las ventanas demuestra la inquietud de una renovación fundamental.

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Hardwick Hall, Derbyshire

Casa de la Reina. Greenwich.

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Casa de la Reina. Greenwich.

Longleat House, Wiltshire

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