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• Gilmar Berzosa

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DEPARTAMENTO DE CIENCIAS HUMANAS CARRERA INGENIERÍA PETROQUÍMICA

APRECIACIÓN MUSICAL

ACTIVIDAD ENTREGABLE 2

NRC: 2422 ESTUDIANTE: Alex Garzón

2018

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.2

2.1.1 BARROCO MUSICAL CARACTERISTICAS

ETAPAS -BARROCO -BARROCO TEMPRANO (1580-1630). TEMPRANO (1580-1630).  Se  Se da da un un mayor mayor predominio predominio de de la la música música vocal vocal sobre sobre la la instrumental. instrumental. Se Se produce produce un un rechazo rechazo al al contrapunto contrapunto renacentista. renacentista. Las Las obras obras son, son, todavía, todavía, de de poca poca extensión. extensión. Comienza Comienza la la diferenciación diferenciación entre música vocal e instrumental. Los compositores más destacados destacados son: en son: en Italia Italia C. C. Monteverdi, Monteverdi, J. J. Peri, Peri, G. G. Frescobaldi, Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius

LA LA MONODÍA: MONODÍA: Los Los compositores compositores del del Barroco Barroco consideraron consideraron excesiva excesiva la la complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista, ya que que así así no no se se podía podía expresar expresar ningún ningún tipo tipo de de sentimientos. sentimientos. Por Por ello, ello, una una de de las las innovaciones innovaciones que que van van aa crear crear es es el el uso uso de de la la monodía monodía acompañada acompañada (una (una sola sola melodía melodía con con acompañamiento acompañamiento instrumental). instrumental). Esta Esta técnica técnica les les permite permite comprender comprender el el texto texto yy transmitir transmitir una una mayor mayor expresividad expresividad EL EL BAJO BAJO CONTINUO: CONTINUO: Es Es una una línea línea de de notas notas graves graves que que se se interpreta interpreta de de manera manera ininterrumpida ininterrumpida desde desde el el inicio inicio hasta hasta el el final final de de la la composición. composición. La  melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo, pero pero el el intérprete intérprete puede puede improvisar improvisar sobre sobre las las mismas, mismas, creando creando un un relleno relleno armónico armónico que que va va cambiando cambiando durante durante toda toda la la obra. obra. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán serán instrumentos instrumentos polifónicos polifónicos como como el el órgano, órgano, el el clave clave o o el el arpa. arpa. El El bajo continuo se va a aplicar a todo tipo de música excepto a la escrita para un instrumento solista. Es la característica que define y distingue para un instrumento solista. Es la característica que define y distingue a la música barroca

-BARROCO -BARROCO MEDIO(1630-1680). MEDIO(1630-1680). Es Es la la época época de de la la ópera ópera yy la la cantata, cantata, yy con con ella, ella, la la distinción distinción entre aria, entre aria, arioso arioso yy recitativo. La música instrumental va ganando terreno y se pone pone aa la la altura altura de de la la vocal. vocal. Se Se produce produce una una vuelta vuelta hacia hacia el el contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época son: H. Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia. TEXTURA: la textura que caracteriza a este período musical  se llama monodía llama monodía acompañada. acompañada. -BARROCO -BARROCO TARDÍO TARDÍO (1680-1750). (1680-1750).  Se  Se da da un un predominio predominio de de la la música instrumental sobre la vocal. Las formas adquieren unas ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se dimensiones dimensiones más más largas, largas, aparece aparece el estilo el estilo concertado, concertado, ya ya bien bien establece establece el el concepto concepto de de tonalidad tonalidad tal tal yy como como lo lo conocemos conocemos hoy. hoy. Se Se constituido, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. La formulan formulan tratados tratados de de armonía armonía en en los los que que se se establecen establecen unas unas estrictas estrictas tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más normas sobre las tonalidades y la formación de acordes. Además, a lo representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman. compases. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre. NACIMIENTO NACIMIENTO DEL DEL ESTILO ESTILO CONCERTATO: CONCERTATO: Es Es una una técnica técnica que que nacerá nacerá sobretodo sobretodo para para la la música música orquestal, orquestal, aunque aunque también también aplicable aplicable aa la la música música vocal. vocal. Se Se basa basa en en contraponer contraponer distintos distintos planos planos sonoros sonoros yy timbres timbres de de un un grupo grupo de de instrumentos instrumentos (tutti, (tutti, concertino, concertino, soli,…). soli,…). Es Es un un recurso recurso para para dar dar mayor mayor expresividad expresividad aa la la música. música. El El barroco barroco busca busca el el contraste contraste EL POLICORALISMO. Es uno de los inventos que hacen evolucionar de manera manera sustancial sustancial al al canto. canto. Se Se trata trata de de relacionar relacionar no no cuatro cuatro o o cinco cinco voces, voces, sino sino hasta hasta doce doce o o más.  más.  Con Con ello, ello, la la sonoridad sonoridad llega llega aa unas unas novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos; se forman novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos; se forman diferentes diferentes coros coros yy se se responden responden unos unos aa otros. otros. Se Se intensifica intensifica la la fuerza fuerza emocional emocional de de las las palabras palabras dentro dentro de de la la música música vocal. vocal. Creando Creando tres tres maneras maneras de de cantar cantar el el texto: recitativo, texto: recitativo, arioso y aria.

2.1.2 AUDICIÓN MUSICAL

Realice la audición musical y observación del video de las obras: “La flauta mágica” “Aria de la reina de la noche” de Wolfgang Amadeus Mozart, determine el periodo y país al que pertenecen las mismas, indique los instrumentos musicales que usted logra apreciar en la audición, resalte breves datos biográficos del compositor y exprese un comentario de lo apreciado sustentándose en su juicio estético. “Música Acuática” Suite No 2 de George F. Haendel Contexto histórico George Friederic Haëndel, creó enero 1715 esta pieza llamada “Música acuática” formada por tres suites que se supone que fueron compuestas para una fiesta que el rey Jorge I celebraría sobre el río Támesis (que como todos sabéis es que pasa por Londres), en 1717 y posiblemente destinadas al viaje río abajo, la cena y el viaje de vuelta. La primera Suite en Fa mayor para oboe, fagot, trompas, cuerda y bajo continuo, comienza con una típica obertura barroca al estilo francés. Una introducción lenta es seguida por un allegro en fuga. Para mantener la tradición del concerto grosso, este movimiento da forma a un pequeño concertino de dos violines y oboe que se alterna con la orquesta completa. La segunda Suite en Re contiene la música más festiva, majestuosa y salpicada de detalles líricos con el protagonismo de las trompetas. La tercera Suite en Sol es la más íntima, destinada a acompañar la cena, e incluye bellos movimientos en modo menor, mientras las barcazas quedan ancladas. También incluye Haëndel en esta obra tres tipos de danzas de la época: una chirimía, que aparece en dos de las suites, es una danza popular inglesa de la época. El rigodón es una danza francesa originaria de Provenza. La bourrée es también francesa, como lo son la giga y la sarabanda. Esta obra pertenece al subgénero música clásica-barroco, donde intervinieron 50 músicos con todo tipo de instrumentos: trompetas, oboes, fagots, flautas alemanas y francesas, violines y violonchelos. En el video se puede observar que en la suit N°2 se utiliza las trompetas y los violines.

Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel (1685-1759), nació en el seno de una familia sin tradición musical, el 24 de febrero de 1685 en Halle, Alemania, aunque después se nacionalizó británico. Su primer trabajo, a los 17 años, fue como organista de iglesia en Halle, sus gustos musicales no correspondían con ese cargo. En 1703 se trasladó a Hamburgo, donde conoció el mundo de la ópera, por ser el centro operístico de Alemania por aquel entonces. Fue allí donde, en 1704, compuso su primera ópera, Almira, que obtuvo gran éxito al año siguiente. Händel abandonó Italia en 1710 y comenzó a trabajar como compositor y director de orquesta de la corte del príncipe elector Georg Ludwig de Hannover, Alemania. En el otoño de ese mismo año viajó a Londres donde compuso y estrenó su ópera Rinaldo. En 1727 Händel obtuvo la nacionalidad británica. El año 1728 la Royal Academy se derrumbó; no obstante, al año siguiente fundó una nueva compañía. En 1734 se vio forzado a trasladarse a un nuevo teatro por las presiones de la Opera of the Nobility, compañía rival, y continuó componiendo ópera. En 1737, un ataque de parálisis le obligó a permanecer una temporada inactivo y se retiró a Aquisgrán. Murió en Londres el 14 de abril de 1759; la última representación musical que escuchó fue El Mesías, el 6 de abril de ese mismo año. A su muerte, Händel fue enterrado en presencia de unos 3 mil dolientes en la abadía de Westminster, en Londres. COMENTARIO Mi criterio es que es una obra demasiado brillante, se puede apreciar los instrumentos sonando simultáneamente, nada desafinados. Escuchar este tipo de música nos enseña que las mejores obras se crearon en el pasado algo que en la actualidad ha ido desapareciendo.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.2

1.- Realice un organizador gráfico en el que se destaquen las características principales de las siguientes formas musicales: La música programada, nocturnos, corales, obras para piano y Lied, pertenecientes a los periodos Romántico y Nacionalismo: poema sinfónico, variaciones sinfónicas y danzas. 2.2.1 MÚSICA CLÁSICA El Clasicismo reflejó al hombre como un ser armónico y a la humanidad como una sociedad ideal y sin problemas. El Clasicismo musical fue un movimiento que ocupó relativamente poco tiempo en la historia del arte occidental. Los musicólogos (persona que estudia la historia y la teoría de la música) suelen tomar el año 1750 para indicar su comienzo y hacen coincidir su término con el 1800. La primera fecha se consideró como inicio debido a que ese año murió Johann Sebastian Bach, cuya obra es considerada como la cumbre del Barroco. La segunda, en cambio, fue mucho más arbitraria, por cuanto el Clasicismo no experimentó una ruptura, sino más bien se fundió con la corriente que lo sucedió, llamada Romanticismo. De hecho, algunos autores participan de ambos períodos e incluso se dice que Beethoven es el último de los clásicos y el primero de los románticos. Los tres nombres que podemos recordar como máximos representantes del ideal clásico son los de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Habitualmente se denominan como los tres grandes maestros vieneses o la Primera Escuela de Viena. Las formas musicales durante el Período Clásico Lo esencial en el período clásico es el respeto a las formas y a las leyes musicales. Es así como en esta etapa adquiere una enorme importancia la interpretación de las formas conocidas como sonata y sinfonía. La sonata La sonata (del italiano suonare = sonar) es una composición musical creada para uno o más instrumentos, que consta de varios tiempos. En la sonata cada tiempo se compone de tres secciones conocidas como exposición, desarrollo y recapitulación. El término sonata se aplica en distintos sentidos. Uno de ellos se refiere a la estructura musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los géneros relacionados con ella en los siglos XVIII y XIX. Pero también desde mediados del siglo XVIII, la sonata se ha utilizado para denominar las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista), o con la sonata para violín

(para violín con un instrumento de teclado). Se suelen usar términos distintos al de sonata en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama “sinfonía”, la sonata con un instrumento solista se llama “concierto”, y la sonata para un cuarteto de cuerdas se denomina “cuarteto de cuerdas”. La sinfonía La sinfonía (del griego syn = juntos; y phone = sonido) es una composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios (composición breve que sirve como introducción o intermedio) instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la “Sinfonía pastoral del oratorio El Mesías” (1742), de Georg Friedrich Haendel. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de la sonata. Aun cuando las principales formas musicales del período clásico-romántico musical están determinadas por la sonata y la sinfonía, también se desarrollaron otras de gran trascendencia, como la cantata, la ópera. La cantata es una composición vocal con acompañamiento instrumental. Tuvo su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces. Compuesta especialmente para las iglesias, esta forma se conocía como cantata da chiesa (cantata de iglesia). Sus máximos exponentes italianos fueron Giacomo Carissimi, verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti. En Alemania, durante este período, la cantata da chiesa se encuentra representada por Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude y Johann Sebastian Bach entre otros compositores. La ópera es un drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. Existen varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la ópera, como el musical y la opereta.

Wolfgang Amadeus Mozart

Su nombre completo era Johannes Crysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, fue un compositor austriaco, el gran maestro del Clasicismo y está considerado 

La obra de Mozart alcanza más de seiscientas creaciones, la mayoría son consideradas obras maestras de la música. Ya a los cinco años, Mozart tenía todos los conocimientos necesarios de solfeo para componer obras musicales y sus interpretaciones instrumentales encantaban a la aristocracia y la realeza de toda Europa. Con diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo. Siguió componiendo hasta el día de su muerte, a una edad temprana y en extrañas circunstancias, lo que le ha convertido casi en un mito.uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. Su padre Leopold fue su maestro. Leopold hacía giras por toda Europa mostrando a sus hijos Wolfgang Amadeos y Nannerl (la hermana de Mozart) como niños prodigio. Sus viajes le pusieron a tocar delante de príncipes y grandes músicos de la época. Podemos considerar a Mozart un gran genio de la música. La música casi nacía de él. Actualmente se conservan innumerables borradores de partituras que no gustaron a sus compositores, pero no de Mozart. Se dice que cada cosa que él escribía simplemente era una obra maestra, sin tachones ni cambios. Fue un amante de la vida social y de sus amigos, por eso tenemos entre sus composiciones varios brindis y demás canciones que cantaban a viva voz en sus fiestas y reuniones. 

Ludwig van Beethoven Compositor, director de orquesta y pianista alemán. Sus últimas obras son del romanticismo musical. Otro de los grandes compositores de la historia de la música. 

El padre de Beethoven estaba muy impresionado con Mozart y el hecho de que diera conciertos con 7 años, así que intento que su hijo siguiera sus pasos. Comenzó a enseñarle piano, órgano y clarinete desde muy temprana edad, pero este estudio musical obligado hizo que el pequeño Ludwig apenas se relacionara con otros niños. Es considerado el último representante del clasicismo y con su muerte se da por terminado este período en la historia de la música. Además, Beethoven sufrió una creciente sordera que le convirtió, junto a sus problemas en la infancia, en un hombre irascible y malhumorado. Esto no impidió que tuviera un gripo íntimo grupo de amigos que le ayudaban. Una anécdota nos cuenta que Beethoven, ya sordo, podía afinar un piano utilizando una vara de ébano (un tipo de madera) que sujetaba con la boca. Sus años de práctica, sus conocimientos y el hecho de que era un gran superdotado para la música, le habían ayudado a memorizar las vibraciones que cada nota producía en la vara de su boca y así podía afinar no sólo un piano, sino cualquier instrumento. Pese a todos estos problemas Beethoven es uno de los grandes compositores de la historia. Componía en una amplia variedad de géneros y una amplia gama de instrumentos. Componía desde enormes sinfonías para toda una orquesta (en la 9ª añade el coro a su combinación) hasta obras para piano. Una de estas obras para piano, de las muchísimas que tiene, es Para Elisa (Fur Elyse). Es sin duda una de sus obras más conocidas.

Instrumentos Utilizados En El Clasismo Musical Instrumentos de viento metal Trompa: Instrumento de viento metal, con boquilla cónica, un largo tubo también cónico, estrecho y enrollado sobre sí mismo en forma circular y que acaba en un ancho pabellón. Trombón: Instrumento musical de viento, de gran flexibilidad sonora. Hay 2 tipos de trombones: trombón de pistones, aquel en que la variación de notas se obtiene por el juegocombinación de tres pistones; trombón de varas, aquel en que la variación de notas se obtiene gracias al movimiento de un tubo movible que puede modificar la longitud del instrumento. Instrumentos de viento madera Oboe: Instrumento musical de viento, formado por un tubo cónico de madera, con agujeros y llaves, dividido en tres piezas, se toca con una embocadura de caña, y es de timbre áspero en las notas graves y muy tenues y delicadas en las agudas Clarinete: Instrumento musical de viento, compuesto de un tubo cilíndrico con agujeros que se tapan con los dedos o con llaves, boquilla en la que se aplica una lengüeta de caña, y pabellón en forma de campana. Fagot: Instrumento musical de viento, formado por un tubo de madera, que se toca con una boquilla de caña puesta en un tudel encorvado. Su sonoridad característica se combina con excelente efecto al de otros instrumentos. Instrumentos de cuerda Violín: Instrumento musical de cuerda y arco, el más pequeño y agudo de los de su clase. Por su sonoridad y perfeccionada técnica constituye el instrumento más importante de la orquesta. Instrumentos de teclado Clave: Instrumento musical de cuerda parecido al clavicordio, cuyas cuerdas están tañidas con puntas de plumas, o con láminas de cobre por medio de un teclado. La sequedad de su sonoridad no admitía matices dinámicos.

Piano: Instrumento musical de cuerda, sucesor del clave, cuyo inventor fue Cristofori quien le dio el nombre de “gravicembalo col piano e forte”. Sus cuerdas están golpeadas por pequeños martillos por medio de un teclado que consta, generalmente, de 88 teclas (50 de: hueso, marfil, material plástico; blancas y 38 de: ébano u otra madera oscura). Al contrario que su antecesor este puede generar matices dinámicos. Celesta: La celesta es un instrumento musical de composición similar al piano, pero cuyos martillos activados por teclas percuten placas de metal en lugar de cuerdas tensas. Estas placas al ser percutidas provocan una resonancia sobre una caja de madera destinada a este fin, produciendo un sonido muy dulce y bello. 2.2.2 AUDICIÓN MUSICAL 2.- Realice la audición musical y observación del video de las obras: “La flauta mágica” “Aria de la reina de la noche” de Wolfgang Amadeus Mozart, determine el periodo y país al que pertenecen las mismas, indique los instrumentos musicales que usted logra apreciar en la audición, resalte breves datos biográficos del compositor y exprese un comentario de lo apreciado sustentándose en su juicio estético. “La flauta mágica” “Aria de la reina de la noche” de Wolfgang Amadeus Mozart Contexto histórico La ópera del clasicismo llegaría a su máxima expresión con Mozart que, reuniendo lo mejor de la ópera francesa, italiana y alemana, cultivaría tanto ópera seria, buffa, como el Singspiel, un tipo de ópera escrita en alemán, cuyo argumento exaltan las virtudes del pueblo llano, muy popular en Alemania y Austria en los siglos XVIII y XIX. Si cabe algún tipo de paralelismo y salvando las distancias, sería algo parecido a nuestra popular Zarzuela. La Flauta Mágica es un singspiel en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto del empresario teatral Emanuel Schikaneder, su cuñado. Está considerada la primera gran ópera alemana, donde destacan los elementos de la naturaleza, los personajes misteriosos y los argumentos fantásticos que se desarrollaran en el siglo XIX por compositores como von Weber o Wagner. Con 35 años y a dos meses de su muerte, sería la última ópera que Mozart estrenaría en vida, siendo en la actualidad, probablemente, la ópera que más se representa en todo el mundo. Sin embargo, a pesar de su naturaleza llana, su argumento es tan complicado como la vida del propio Mozart; allí donde algunos ven un simple cuento de hadas, otros la ven llena de simbología masónica, donde el culto al idealismo, al amor fraternal, a la pureza de corazón y a la amistad construyen la felicidad del ser humano. Lo cierto es que la lucha entre la luz

y el humanismo representados por Papageno y la oscuridad y perversidad de La Reina de la Noche –¡Hört, Hört!, ¡Escuchad, Escuchad!– son, aún hoy, motivos moralizantes, recurrentes en la historia de la música. Aunque tanta oscuridad argumental contradice los principios vitales de compositor y libretista, es perfectamente lógico que la influencia masónica estuviera oculta a propósito entre los vericuetos de la trama, habida cuenta de que la masonería estaba implacablemente perseguida por las autoridades austrohúngaras en el momento de escribirla. Esta obra pertenece al clasismo musical y fue realizada en Alemania. Instrumentos: Este Aria está interpretada por una voz de soprano de coloratura acompañada por una orquesta, formada por: 2 timbales, 2 flautas, 2 oboes, 2 fagots, 2 trompas, violines I, violines II, violas, Chelos y contrabajos. COMENTARIO Esta obra es la mejor interpretación de este papel icónico, una obra musical y teatral muy representativa del clasismo, los instrumentos sincronizados y el canto impecable; la increíble actuación de Diana Damrau pintan a la reina en su verdadera forma: el mal.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.3

1.- Realice un organizador gráfico en el que se destaquen las características principales de las siguientes formas musicales: La música programada, nocturnos, corales, obras para piano y Lied, pertenecientes a los periodos Romántico y Nacionalismo: poema sinfónico, variaciones sinfónicas y danzas.

2.3.1 ROMANTICISMO Y NACIONALISMO MUSICAL es la música que tiene por objetivo evocar ideas e imágenes en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de ánimo. Al contrario, se entiende por música absoluta aquella que se aprecia por ella misma, sin ninguna referencia particular al mundo exterior a la propia música. El término se aplica exclusivamente en la tradición de la MUSICA PROGRAMATICA música clásica europea, particularmente en la música del periodo romántico del siglo XIX

NOCTURNO

MUSICA CORAL

OBRAS PARA PIANO Y LIED

POEMA SINFONICO

Pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado. Algunas veces llevaba consigo el equivalente italiano, notturno, con trabajos como el Notturno en D para cuatro orchestras, K.286, y la Serenata Notturna, K. 239, de Mozart. En aquella época, estas piezas no eran necesariamente inspiradas o evocadoras de la noche, sino que habían sido escritas para que se tocaran de noche, como sucede con las serenatas.

Al igual que un oratorio o una ópera, una sinfonía coral es una obra musical para orquesta, coro y, a menudo, voces solistas, aunque se han compuesto algunas para voces sin acompañamiento.1​ Berlioz, que en 1858 acuñó el término para describir a su Roméo et Juliette.

El Lied. Es una forma para cantante y piano creada a partir de la elaboración musical de un poema. La forma mas generalizada de Lied es ABA, donde la primera y última estrofa tienen la misma melodía. Tomemos como ejemplo el lied de Schubert llamado la trucha. 

La finalidad del Poema Sinfónico es describir con música la trama de una historia que cuenta con un programa. En muchos Poemas sinfónicos los personajes son representados cada uno por un instrumento que es ejecutado cuando se hace referencia al personaje en cuestión. Esta forma musical está escrita en un sólo movimiento y para ser ejecutada por una orquesta.    El poema sinfónico también es conocido como: Cuento sinfónico, Leyenda sinfónica, cuadro sinfónico, etc.

Danzas Lachianas para orquesta, son el primer resultado de las investigaciones folclóricas de Janacek y se inscriben en la tradición de las danzas eslavas de Dvorak. DANZA

2.3.2 AUDICIÓN MUSICAL 2.- Efectúe una audición de las obras: “Concierto para violín y orquesta en mi (E) menor OP. 64” de Félix Mendelssohn y “Sueño de amor” de Franz Liszt, compositores del periodo romántico. Determine las características particulares de cada una de las obras y emita un cometario personal, basado en su juicio estético. “Concierto para violín y orquesta en mi (E) menor OP. 64” de Félix Mendelssohn Características Felix Mendelssohn logra en su Concierto para violín en Mi menor conquistar una aspiración estética que se fue haciendo realidad bajo el asesoramiento de un gran instrumentista. Esta partitura testimonia la madurez de quien resumiría un Romanticismo fértil, perfilando ideas y técnicas en favor de una orquestación formidable; música donde los intérpretes actuales siguen encontrando el norte. Una característica de este concierto es la manera en cómo se unen los tres movimientos evitando las interrupciones musicales que tanto disgustaban a Mendelssohn. La escritura del concierto es densa y presenta fragmentos líricos que alternan con otros pasajes de tipo dramático. Otra particularidad de este concierto es que por primera vez la cadenza del solista alcanza un total desarrollo por escrito y no se deja a la libre improvisación. La obra, extraordinaria desde el punto de vista compositivo, pronto se convirtió en una de sus creaciones más conocidas e interpretadas. Ferdinand David, a quien le está dedicada la obra, ayudó al compositor a resolver las dificultades técnicas de la parte solista. Es uno de los conciertos más significativos del género, con dos elegantes movimientos extremos y uno lento de gran delicadeza sentimental. Con esta obra, que requiere una interpretación llena de sobriedad, el autor pareció recobrar los magistrales impulsos creativos de su mejor época de adolescencia. COMENTARIO Esta obra ha sido el repertorio para grandes violinistas, gracias a sus pasajes de virtuosismo, la melodía y su tonalidad. Una gran afinación en el violín hace que esta obra sea agradable para los espectadores. “Sueño de amor” de Franz Liszt

Características Un conjunto de tres nocturnos, que subtituló "Sueños de amor". De ese conjunto, la pieza que ha sobrevivido en el tiempo es el Nocturno N° 3, popularmente conocido como el Sueño de amor de Liszt, relegando los otros dos al olvido. La pieza, ideal para acompañar el temprano dolor de Carolyne y Franz, tiene tres secciones, separadas por breves fragmentos de alto nivel técnico. La sección media es la más agitada y donde el nivel de tensión es más elevado y exigente. La última sección, más tranquila, es un perfecto reflejo del piano romántico de mediados del siglo XIX. COMENTARIO Bueno esta sin duda es una gran pieza del romanticismo en música, donde los sonidos son tan armoniosos entre sí y que te permite sentirte bien contigo mismo. Franz Liszt fue una de las personalidades más importantes de su época, incluso llegó a emocionar y cautivar a Beethoven.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.4 1. Realice un cuadro explicativo con los movimientos nacionalistas de la música contemporánea del siglo XX: impresionismo y expresionismo, considere cuatro características principales sobre la base de su cronología, obras, compositores y países donde desarrollo esta manifestación cultural.

MOVIMIENTOS NACIONALISTAS DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA DEL SIGLO XX INTRODUCCION: Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del último Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto modo continuistas, como el Impresionismo o el Expresionismo.

CONTEXTO HISTORICO El siglo XX es un periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las comunicaciones y de las tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este periodo. Como la Primera y Segunda Guerra Mundial, La revolución rusa e Industrial. El auge de la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en el mundo entero. CONTEXTO CULTURAL El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las novedades en el mundo del arte se van a dar con gran velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto proliferar tal cantidad de escuelas, movimientos y novedades como ahora. Los cambios y las tendencias se suceden de forma acelerada. Estamos ante una época de replanteamiento estético y formal del arte. Todos los movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo de ruptura con el pasado. CONTEXTO MUSICAL El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. Gran cantidad de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar a las composiciones más variopintas. La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados arrebatará a la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e interpretar la música. Los medios electrónicos e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno musical. CARACTERÍSTICAS MUSICALES Aunque es complicado establecer unas características generales al abordar la multitud de corrientes que se van a dar en este siglo, cada una de ellas con sus propios fundamentos, vamos a destacar algunas ideas generales: La pérdida de unidad estilística y técnica se hace evidente ya que no hay un lenguaje y un tipo de expresión únicos, sino una pluralidad de movimientos. Cada compositor busca su propio lenguaje musical para expresarse. La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo abandono del lenguaje tonal, que parece haber llegado a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo. Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay que experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser capaz de producir música. El compositor no busca la belleza de melodías, sino llamar la atención del oyente, por lo tanto, nos encontraremos ante piezas extrañas que no tienen nada que ver con la música que se había realizado hasta entonces. En algunas corrientes, sobre todo en la 2º mitad de siglo, el compositor acompaña su obra con textos explicativos propios para que la obra se pueda interpretar y entender, ya que a menudo se usan sistemas de notación no convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los avances electrónicos e informáticos

2.- La música contemporánea del siglo XX también tuvo corrientes compositivas populares como el: blues, jazz, rock and roll y tango. Exprese dos características por cada género citado, base su formación considerando compositores, artistas, obras e instrumentos musicales utilizados en dichos géneros.

El blues (‘melancolía’ o ‘tristeza’, en idioma inglés) es un género musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. El blues se originó a principios del siglo XX en las comunidades de afroestadounidenses esclavizados en el sur de los Estados Unidos (especialmente al delta del río Misisipi). Orígenes culturales Originario de las comunidades afroamericanas del sur en los Estados Unidos a principios del siglo XX; para los años sesenta este género se convierte en una de las influencias más importantes para el desarrollo de la música popular estadounidense y occidental, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y pop. Características principales Todas las canciones del blues presentan un momento de guitarra, ya sea largo o corto; el canto es opcional. Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno. Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical». Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un solo intérprete con contenido emocional».

El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra. Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como «How Long Blues», «Trouble in Mind», y «Key to the Highway» del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles «Sweet 16 Bars» y en el de Herbie Hancock «Watermelon Man». También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf «Sitting on Top of the World». El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).

Jazz Características del Jazz Interprete de Jazz. La armonía y los ritmos del jazz son muy especiales. Los músicos de jazz supieron, desde un principio, dar a sus creaciones un carácter personal que las diferenciara de otros estilos musicales. Es un estilo que da gran libertad a los intérpretes, pero, a la vez, exige un profundo conocimiento de la música y mucha originalidad para desarrollarla. Desde sus comienzos, el jazz ha tenido muchas ramas distintas, como el Blues, que desciende directamente de los cánticos de los esclavos negros que fueron llevados a Estados Unidos, el boogie-woogie o el ragtime, entre otras. Instrumentos musicales del Jazz Los instrumentos típicos del jazz son el Piano, el Contrabajo, la Batería y los instrumentos de viento: especialmente el Clarinete, la Trompeta, el Saxofón y el Trombón de varas. También la Guitarra, sobre todo la eléctrica y la acústica, ha desempeñado un papel importante, y con el paso del tiempo, otros instrumentos se han unido a este estilo, como el violín o algunos instrumentos electrónicos. La voz es otro elemento importantísimo del jazz, de forma que los cantantes han sido algunas de las grandes figuras históricas de este arte. Solo hay que pensar en Ella Fitzgerald, Billie Holliday o el cantante, pero también gran trompetista, Louis Armstrong.

Grandes músicos del Jazz A lo largo de los siglos XX y XXI, han surgido grandes intérpretes de jazz en cada una de sus variantes y épocas. Entre los grandes cantantes de este estilo podemos destacar a Bessie Smith, Louis Armstrong, Billie Holliday, Ella Fitzgerald o Betty Carter. Grandes pianistas de jazz han sido (o son) Earl Fatha Hines, Art Tatum, Duke Ellington, Count Basie, Thelonious Monk, Herbie Hancock, Chick Corea, Keith Jarrett o el español Tete Montoliú.

Rock and roll Es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense, y popularizado desde la década de 1950. Su cantante más influyente fue Elvis Presley; su guitarrista más influyente, Chuck Berry, y sus bandas más representativas, Eddie Cochran, Little Richard y Bill Haley and The Comets, entre otros. La expresión rock and roll ya venía utilizándose en las letras del rhythm and blues desde finales de la década de 1930, pero fue el disc jockey estadounidense Alan Freed quien comenzó a utilizarla para describir el estilo. 1. Historia: a) Origen del Término: El disc jockey estadounidense Alan Freed comenzó a transmitir por radio rhythm and blues y música country para una audiencia de diversos orígenes étnicos. A Freed se le ha atribuido ser el primero en utilizar la expresión rock and roll para describir la música que difundía. La expresión a su vez, fue tomada por Freed de la propia música negra que difundía, que solía contenerla en las letras de las canciones. Tres diferentes canciones con el título Rock and roll fueron grabadas a fines de la década de 1940. Para entonces la expresión era de uso común en las letras del R&B. b) Primeros Cantantes y Orígenes: En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos. Por primera vez, una música se dirigía directamente a ellos: el rock and roll. En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll.

Tango Origen de la música

Pareja bailando Tango La música del tango tiene un origen no muy claro. Según estudios que no cuentan con numerosa documentación, desciende de la habanera y se interpretaba en los prostíbulos de Buenos Aires y Montevideo, en las dos últimas décadas del siglo XIX, con violín, flauta y guitarra. El escritor y polemista argentino Jorge Luis Borges afirmó que por sus características el tango sólo pudo haber nacido en Montevideo o Buenos Aires. El bandoneón, que actualmente caracteriza el tango, llegó hasta la región del Río de la Plata hacia 1900, en las valijas de inmigrantes alemanes. No existen muchas partituras de la época, porque los músicos de tango no sabían escribir la música y probablemente interpretaban sobre la base de melodías existentes, tanto de habaneras como de polkas. Características La musica del tango Los más antiguos compositores e interprétes de tango que se conocen aparecieron en las dos primeras décadas del siglo XX. En el Museo de la Partitura Histórica (de Rosario) se encuentra el primer tango registrado como tal, La Canguela, de 1889. El primer tango con autor conocido es El entrerriano, de Rosendo Mendizábal, publicado en 1898. Ángel Villoldo, Roberto Firpo y Francisco Canaro fueron famosos y populares autores e intérpretes de tango. En aquellos años, en los que los hijos de familias ricas llevan a París el tango que habían aprendido en su frecuentación de los lupanares, comienza una nueva era para el género, con el aporte de músicos mejor preparados y la incorporación de letras evocativas del paisaje del suburbio, de la infancia y de amores contrariados.

Carlos Gardel Ástor Piazzolla Carlos Gardel es el mejor y el más recordado cantante de tango de los años veinte y treinta. Muchos de los temas que interpretaba los compuso él mismo y encargó sus letras a su inseparable compañero Alfredo Le Pera. Gardel, que comenzó su carrera en comités políticos de los suburbios fabriles de Buenos Aires, cantó en París y en Nueva York, filmó varias películas en los Estados Unidos y murió en un accidente de aviación en Medellín, Colombia. Entonces se convirtió en un mito para los argentinos. Otra figura muy notable es Ástor Piazzolla: influido por músicos como Igor Stravinski y Béla Bártok, Piazzolla, introduce armonías disonantes y bases rítmicas intensas y nerviosas en un género cuyos cultores tradicionales se abroquelaron para criticar esas

innovaciones, finalmente aceptadas. Muchos de los músicos de tango posteriores siguen la senda piazzolliana, sin olvidar a grandes músicos anteriores, principalmente Troilo y Pugliese, y a un virtuoso incomparable, Salgán.

Sobre sus instrumentos se conforma la orquesta típica de tango, inventada originalmente por Julio de Caro en los años veinte y consolidada principalmente en forma de sexteto con la siguiente integración: piano, dos bandoneones, dos violines y contrabajo. La orquesta de tango, propiamente dicha, sigue el mismo esquema, ampliando el grupo de bandoneones, y agregando violas y violonchelos al grupo de las cuerdas.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.5 1. Redacte con sus palabras las características de la música ecuatoriana, considerando la música indígena, mestiza, afroecuatoriana (Esmeraldas-Valle del Chota) y música académica; incluya instrumentos musicales, compositores, obras, géneros y el aspecto social. Música indígena Escala defectiva: son las trifónicas, de tres notas; tetrafónica, de cuatro notas; pentafónica, de cinco notas. Melodía: basada en las escalas mencionadas; por tanto, ofrecen poca variedad en las combinaciones de los sonidos. Su melodía es monótona. Armonía: ellos no la conocían; su música es monódica (a una sola voz), pero como es cantada por varias personas a un mismo tono, se dice que es al unísono. Ritmo: repetido, cansador; a pesar de esto, tiene un encanto especial. INSTRUMENTOS MUSICALES Melódicos: existen de diversos tamaños; algunos de ellos son ejecutados en forma horizontal, y otros, en forma vertical. Rítmicos:   

tambores: hechos con troncos ahuecados. maracas: hechas de porongo con objetos en su interior. sonajas: hechas de pezuñas de animales.

DANZAS

Ellos no bailaban por simple placer; las danzas eran de carácter ritual, realizadas en distintos acontecimientos religiosos, guerreros y festivos Compositores

Salvador Bustamante Celi

Nicasio Safadi

Segundo Cueva Cel

Angel Leonidas Araujo

Blanco-mestiza  

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Fueron introducidas por los colonizadores y los esclavos africanos, desde las primeras épocas de la conquista. En tiempos republicanos, la música de España, Inglaterra, Alemania, Francia e Italia estuvo representada en el repertorio de salón y popular urbano de nuestro país por cuadrillas, valses, contradanzas, minués, lanceros, polcas, mazurcas, etc.; y dentro del ámbito americano, fue la habanera la que alcanzó gran difusión. Han sido la guitarra, el arpa y el piano los principales instrumentos de este grupo cultural, sin olvidarnos eso sí de la banda militar y popular, como agrupación que por antonomasia representó a la música popular de nuestro país en el siglo XIX hasta la segunda mitad de este siglo.

Música afroecuatoriana de Esmeraldas y Valle del Chota

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La marimba es el instrumento característico de los costeños y la bomba (instrumento y género musical) lo es de los negros de la sierra andina, elementos en base a los cuales se construye una sonoridad muy particular para cada uno de estos asentamientos. En las últimas décadas del siglo XX, la música negra recién se inserta, en escala reducida, dentro del circuito de consumo masivo di las grandes urbes del país, compartiendo el espacio con la producciones blanco mestizas Las expresiones musicales de la población negra del valle del Chota conservan una serie de elementos tradicionales y un fuerte contenido étnico; son además, exclusivas de este grupo. Se trata de música hecha por los negros del Valle. La música bomba, la expresión musical más tradicional y característica de los afrochoteños, es interpretada normalmente por un trío o un cuarteto: una bomba, dos guitarras y, en ocasiones, maracas. 5. Escuche el pasillo “Reír llorando” de Carlos Amable Ortiz, seguidamente, describa la melodía, armonía y ritmo de la pieza escuchada, además, realice un breve análisis estético de la misma, considerando categorías y valores estéticos. El pasillo es uno de los géneros musicales más controversiales del Ecuador, pero sin duda, uno de los más trascendentes dentro de lo que se denomina la música ecuatoriana: “El pasillo (…) más que ningún otro género, marcó la dinámica de la música popular del siglo XX; el pasillo recibió los más importantes aportes en lo 136 musical y en lo literario y llegó a ser considerado como la expresión más destacable de la canción e identidad musical ecuatoriana.”93 El pasillo es un género musical urbano que llega a territorios ecuatorianos con las guerras independentistas en el siglo XIX. Después de atravesar todo un proceso de adaptación y reconstrucción, el pasillo se caracteriza por el acompañamiento de guitarras y requinto, y también existen versiones para piano, bandas militares, orquestas, grupos de cámara, las cuales son instrumentales. Según Ketty Wong “el pasillo tradicional es en esencia un poema de amor musicalizado cuyos textos están influenciados por la poesía modernista, una corriente literaria que tuvo su apogeo en Ecuador con los poetas de la "Generación Decapitada" en la década de 1910.”94, El pasillo se origina en el siglo XIX, como una innovación del vals europeo, traído por los españoles para animar sus fiestas aristocráticas. El vals fue un ritmo que causó mucho furor en las épocas pre republicanas por el peculiar baile que lo acompañaba, una danza de pareja entrelazada, donde el hombre le tomaba la mano y la cintura a la mujer, algo nunca antes visto en la Real Audiencia de Quito, que generó impresiones positivas para los criollos y mestizos, que necesitaban una nueva propuesta ética y estética, como lo afirma Mario Godoy, para enfrentar toda esa dura etapa de la Independencia hispanoamericana Este hermoso pasillo aporta sigificativamnte la consolidación del pasilo ecuatoriano, pues la música veracula se inicia con este gran autor Carlos Amable