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1. Puntos de partida para la estructura y disposición de la canción.

Frase binaria El fraseo binario es una técnica que permite melodía permite distinción melódica o rítmica. Su eficiencia radica en el hecho de que separa claramente dos partes de la idea melódica o rítmica. En la música electrónica, una frase binaria corresponde la mayor parte del tiempo a 2 ritmos o melodías de duración similar que tienen diferencias de tono o rítmicas en la segunda parte en comparación con la primera (es decir: un piano de una sola frase opuesto a un bajo de frase binaria) . Dentro de los elementos rítmicos esto puede ocurrir con bucles de batería o timbres moduladores. Por lo general, un bucle de batería con frase binaria se modulará con un filtro. Esto modificará las frecuencias en los charles, haciendo que el bucle sea menos repetitivo. Con una trampa, el productor utilizará cambio de tono o modulación de frecuencia (ambos se pueden combinar). Cuando la repetición es clave en la mayoría de las pistas electrónicas, este tipo de microtuning producirá un resultado muy efectivo (método que se usa mucho en tech house, house o minimal). En los últimos géneros de música electrónica, la modulación de timbre y tono de un drone bajo puede hacer que la escucha sea más agradable, ofreciendo un bucle menos monótono. Llama y responde Muy similar a la primera técnica, este método se centra en un instrumento diferente que se reproduce durante la segunda frase. Originario de la música africana subsahariana, aquí un instrumento hace la llamada y un segundo responde. Con frecuencia, el instrumento secundario tiene un timbre diferente. En techno y tech-house, esta técnica se usa con trampas que tienen un patrón particular en la primera barra (llamada), y con el mismo instrumento de percusión que

responde con un patrón algo diferente en la segunda barra (respuesta). En Dubstep, la llamada y la respuesta se usan con dos instrumentos diferentes. Aquí, un bajo produce la llamada y un sonido principal más agudo produce la respuesta, o viceversa. Es importante tener en cuenta que tanto la fraseología binaria como la llamada y la respuesta deben ubicarse en el contexto del enlace. Si estos puntos fundamentales no son claramente visibles en ningún arreglo, no habrá resolución en la música. Porque, al igual que con las grandes películas, libros o juegos de computadora, la música también necesita una resolución que llega al final de un ciclo de tensión que impulsa el interés del lector, el oyente y el espectador. Esta estructura dramática de la canción sigue una cadena de eventos muy predecible pero no tan fácilmente aplicable. En literatura y cine, a menudo se encuentra la siguiente estructura. La estructura dramática (una fórmula ganadora en cine y literatura) Exposición: Introducción del personaje principal y construcción de los cimientos de la historia. Incidente: un paso crucial donde surge un conflicto que conducirá el resto de la historia hasta el final. Acción creciente: Corresponde a una intensificación de eventos y problemas. Aquí el personaje principal se enfrenta a una situación más compleja / difícil que aumenta la tensión de la historia. Climax: se produce un importante punto de inflexión. A menudo, el protagonista se enfrentará a obstáculos aparentemente insuperables. Este es también el momento donde el suspenso alcanza su punto máximo. Resolución: este es el momento en que triunfa el protagonista. Para el lector o espectador, este momento corresponde a la culminación de sus expectativas. Este "desenlace" a menudo se ajusta a un final feliz.

La forma sonata (alternativa musical a la estructura dramática) 1. Exposición En música, este paso se logra mediante la introducción del tema musical principal al oyente. Más específicamente, para EDM (Electronic Dance Music) que se reproduce en la radio o iPod, esto implica la melodía principal sin las secciones de batería y bajo. 2. Desarrollo Después de la exposición, es hora de que se desarrolle el gancho inicial o la melodía. En música electrónica, el productor a menudo se concentra en el desarrollo tímbrico, el movimiento textural y cualquier otra forma de ética de producción que pueda ser útil en este contexto. El uso de EQ y filtros para diluir el plomo, o jugar solo una parte del plomo son algunas técnicas. Otros implican cambiar el timbre de la pista o incluso enfocarse en otra parte de la pista que es el ritmo (batería y percusión). 3. Recapitulación Este es el momento para que el productor revele por completo la barra de 16-32 de la pista, que fue su idea inicial. La mayoría de las veces esto es lo que sucede. No obstante, los elementos con los que comienza una pista pueden diferir. A veces, puede ser un elemento de percusión que inicia la pista. En general, sin embargo, la exposición se considera la introducción de la ranura. En consecuencia, el desarrollo se basa en ese surco y la recapitulación debe relacionarse con la revelación final del gancho. Este último es también el objetivo general de la música electrónica. Al igual que con la estructura dramática, esta serie de eventos debería producir un edificio y liberar la tensión antes de tocar la "mejor" parte de la pista, el gancho completo. ¿Con qué problemas luchan los principiantes? Casi todos los principiantes luchan con el desarrollo de la estructura de la canción. No es fácil desarrollar un tema en un secuenciador, con nada más que múltiples "eventos" y "regiones". Esta representación virtual del sonido en bloques gráficos en la página de arreglos hace que

sea fácil para el productor considerarlos como ideas musicales fijas que pueden repetirse indefinidamente. Como la anticipación es un elemento indispensable en la música electrónica, el enfoque antes mencionado no puede producir un arreglo interesante. Si el productor solo se basa en la introducción de nuevos instrumentos en la estructura de su canción, no logrará desarrollar una idea coherente. Es precisamente al liberarse de este enfoque basado en bloques que el productor puede pensar horizontalmente, en términos de tiempo. Para esto, el productor debe hacer un buen uso de la energía alrededor de la cual gira la música. 2. Energía en la música electrónica. Existen numerosas formas de transmitir y alterar la energía en la música electrónica para mantener las cosas interesantes. Una es hacer un uso original del tono y la frecuencia. La modificación de estos parámetros se puede hacer aumentando el tono de una melodía o modificando el contenido de frecuencia de una pista de timbre. Si se usa adecuadamente, la estratificación de elementos puede aumentar el contenido de frecuencia de una pista. Esta es una estrategia particularmente útil a la vista del final (para entregar un mensaje significativo). Los filtros también se pueden usar (paso alto o bajo) para eliminar el contenido de frecuencia antes de provocar al oyente con una apertura lenta. Esto también acumula energía y anticipación. Todos los procesos utilizados para ajustar y modificar los diferentes niveles de una pista se denominan contornos. Las estructuras más exitosas hacen uso de un contorno cuidadosamente pensado. "Burlarse" del oyente y los tiempos débiles estructurales En consecuencia, la energía depende en gran medida de provocar al oyente antes de entregar la parte principal de la canción. Un acuerdo

cuidadoso con técnicas tales como filtros, comportamiento canónico, negación de expectativa, síncopa proporciona la base para esto. Por lo tanto, un gancho debe jugarse lo menos posible para permanecer "pegadizo". Por lo tanto, las otras partes de la pista deberían centrarse en preparar al oyente para el gancho. Además, el productor utilizará los tiempos débiles estructurales para introducir nuevos instrumentos o cambios de textura en ciclos métricos precisos en una pista. El nombre se refiere al primer bajón de una barra donde se introduce un nuevo desarrollo de instrumentos / texturas. En la música electrónica, la mayoría de las veces, esto ocurre en el 8º, 16º, 32º o 64º tiempo del compás. Desarrollo de la idea inicial. Una vez que haya determinado el punto en el cual introducir un nuevo instrumento, se puede lograr de varias maneras. Las técnicas para introducir diferentes instrumentos varían (y son infinitas), pero comúnmente el productor empleará una mezcla de choques de platillos inversos, reverberación inversa, filtrado lento de un instrumento, velocidad, síncopa, variaciones melódicas y cañones musicales. Efecto de reverberación inversa Aquí, una sola nota de audio de un instrumento se invierte en el editor de muestras de estaciones de trabajo. Si no desea que se revierta todo el audio de su proyecto, primero debe duplicar el evento. Cuando se invierte, el evento se coloca en un nuevo canal de audio. Luego, el productor inserta un pre-retraso corto y una cola muy larga (3 segundos). Después de este paso, el audio se devuelve a un archivo de audio, se vuelve a importar a un nuevo canal en la estación de trabajo y se invierte nuevamente. Filtrado e introducción de nuevos instrumentos. Como se mencionó anteriormente, los filtros (paso alto o bajo) que se automatizan gradualmente pueden introducir instrumentos en varias barras. No hay duda sobre el hecho de que la introducción de elementos es la forma más eficiente de generar energía en un arreglo.

Sin embargo, si se emplea con demasiada frecuencia, la música se quedará sin elementos para ofrecer al oyente. Alterando la velocidad y la síncopa La velocidad se puede modificar a través de MIDI o si está trabajando con un archivo de audio, a través del editor de muestras. La alteración de la velocidad generalmente debe ocurrir cada 4 u 8 barras. La velocidad, subestimada, a través de sus modificaciones sutiles es una herramienta eficaz para mantener al oyente interesado durante un largo período de tiempo. Esta técnica se usa regularmente en techhouse. En el último género, la velocidad del bajo pulsante se sincopa a través de la velocidad. Variaciones rítmicas y melódicas. Para mantener el interés, los productores también pueden reducir la melodía del evento pero mantener su ritmo. El género que ha hecho un gran uso de esta técnica a lo largo de los años es el trance. Cuando un sonido bajo o solista es considerablemente melódico, se reduce a un solo tono. Este tono único retiene el ritmo de la melodía original, pero se basa en la anticipación del oyente antes de introducir gradualmente la melodía completa. Al igual que con todos los efectos mencionados anteriormente, este debe aplicarse con precaución sin negar la expectativa del oyente durante demasiado tiempo. El canon musical Fácilmente comparable a un efecto de "eco" o "retraso", el dron canónico se basa en el mismo principio. Aquí, "canónico" se deriva del canon musical tradicional, donde se reproduce una línea melódica y sigue exactamente la misma línea de la melodía. Muy frecuente con los instrumentos musicales, esto también puede suceder con el vocalista, que reproduce la misma voz o sonido melódico. El video a continuación explica el concepto de "Canon". Volviendo a la teoría, lo que esto significa en términos melódicos es que si el bajo está en C en la primera barra, E en la segunda barra, G en la tercera barra y B en la cuarta barra, sin tener en cuenta el tono del

resto de En las notas de todas las barras, el canónico tocaría C para una barra, E en la siguiente, seguido de G y luego B. Este efecto se puede aumentar con la síncopa del canónico. Lo que esto significa es que mientras C, E, G y B tocan en cuatro compases, el bajo de su melodía podría repetirse en ocho compases. Creando el sentido de anticipación La creación de un sentido de anticipación puede suceder con el procesamiento y el desarrollo del efecto de un timbre. El desarrollo textural se usa mucho en la música electrónica. Esto puede corresponder a un cambio de modulación lenta en el filtro, la distorsión y otros efectos que modifican el timbre inicial. Como ejemplo, un plomo puede reproducir la melodía completa, pero el plomo podría procesarse a través de un filtro de paso alto que gradualmente permite frecuencias más bajas en varias barras. La reverberación y la demora se pueden usar para eliminar un sonido. Este efecto puede reducirse gradualmente a través de la automatización para hacer que el instrumento parezca más distinto. El último efecto también se puede usar al revés. Con los años, la casa progresiva ha hecho buen uso de este efecto. Sin embargo, aunque las técnicas mencionadas anteriormente funcionan, irónicamente también se puede crear negando una expectativa. En este caso, la expectativa debería ser predecible y la creciente tensión debería conducir a una liberación posterior más poderosa después de que se hayan negado las expectativas del oyente. Refiriéndose a la frase binaria, esta última se puede utilizar en estas circunstancias al proporcionar al riff principal pocos instrumentos de acompañamiento, empleando una voz alternativa y plomo muy filtrado. Dado que se proporciona la melodía principal, pero faltan ciertos elementos musicales, este podría ser el sentido de anticipación más efectivo que se puede crear. El productor también puede introducir

lentamente el timbre completo, volviendo a la línea más simple cuando revela demasiada melodía completa. Las acumulaciones en la música se construyen de esa manera. Los efectos y filtros aplicados en los cables o instrumentos de bajo crean una sensación de tensión. El último proceso también puede ir acompañado de un aumento gradual del corte del filtro y luego reintroducir la frase binaria completa nuevamente. De esta manera, el oyente esperará que la música regrese en su forma completa. Es importante recordar que la aplicación cuidadosa es la regla aquí ya que el oyente puede perder interés fácilmente. 3. Arreglo musical: las partes completas de una pista Al combinar todas estas técnicas, el productor entregará un arreglo que tiene un desarrollo lógico con un tema que conduce a un desglose y final. Antes del final, a menudo habrá una caída con la idea inicial del productor y la reproducción simultánea de casi todos los instrumentos y sonidos principales. La caída se llama así porque es en este punto que toda la instrumentación cae en una pista. Para preparar al oyente para esta parte de la pista, el productor a menudo aprovechará los snare rolls, los snare breaks, los risers sintéticos, los filtros y el aumento de los efectos. Se puede construir fácilmente una acumulación con rollos de caja en el editor de piano roll de cada secuenciador. Comenzando en cada latido de una barra o dos, el golpe se vuelve cada vez más frecuente (de 1/8 a 1/16, 1/32, etc.). Simultáneamente, un filtro de paso bajo puede automatizarse para abrirse progresivamente o el volumen inicial de una trampa puede aumentarse gradualmente a través de la velocidad. A menudo, en la casa progresiva se aplica un filtro en el cable principal, permitiendo lentamente que pasen más frecuencias mientras se aumentan los tiempos de reverberación y retraso. El resultado final es un poderoso efecto de construcción. En EDM, esta técnica se usa con un elevador. De esa manera, cuando el elevador se detiene, puede escuchar el retraso y el eco de reverberación en toda la mezcla.

Después de la acumulación, la música llega a la caída. En este punto, se aplica un filtro de paso bajo, ya que proporciona la mayor cantidad de energía a la mezcla. Sin embargo, con la expansión interminable de los géneros de música electrónica, la forma de manejar la caída puede diferir mucho de un género a otro. Sin embargo, la mayoría de las veces esta parte de la estructura de la canción solo presentará algunos o todos los instrumentos que se filtran. En este caso, el filtro se automatizará para abrirse lentamente. A veces, un rollo ascendente y de caja puede respaldar esta evolución. Este proceso continúa hasta que la estructura de la canción alcanza su culminación. En este punto aparece el gancho y se ofrece una resolución al oyente.

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Una de las partes más difíciles de ser productor es tomar una canción de principio a fin. Es posible que haya creado un gran bucle con un ritmo infeccioso y una línea de bajo de primera clase. Escuchas este ciclo una y otra vez, perfeccionando cada detalle hasta que sea perfecto. Y luego te golpea. Su idea es tan buena que no sabe cómo hacer un seguimiento creando una pista a su alrededor. Todos hemos estado allí. Convertir una idea aproximada en una canción completa no es tarea fácil, y muchos de los grandes bucles nunca se convierten en algo más debido a esto. ¡Pero no hay razón para desperdiciar las buenas ideas! En este artículo, describimos algunas técnicas e información crítica que puede utilizar para optimizar su flujo de trabajo y convertir sus ideas en pistas completas. Al desarrollar un marco de cómo se debe armar una canción completa, se vuelve mucho más fácil convertir tus bucles simples en producciones completas. Pero antes de que podamos convertir su bucle en una canción, es una buena idea tener una idea clara de lo que incluye una canción de EDM para obtener una imagen completa.

Estructura de canción EDM Un nuevo oyente notará que muchas pistas de EDM usan estructuras de canciones que difieren ligeramente de lo que tradicionalmente estamos acostumbrados a escuchar en la radio. De hecho, en los últimos años se ha visto que la música pop influye en la estructura de la canción EDM a medida que la música dance se vuelve más convencional. Canciones como "Lean On" de Major Lazer y "Scared To Be Lonely" de Martin Garrix son excelentes ejemplos de esto. Si bien la estructura de las canciones de estribillo en verso de la música pop ha permanecido dominante durante las últimas décadas, EDM la cambia. Esto se debe a que mucha música electrónica de baile no cuenta con voces y no funcionaría dentro de la estructura pop. La mayoría de las pistas de EDM se pueden dividir en cuatro elementos estructurales principales: Introducción Descompostura Construir soltar

Al comprender cómo estos cuatro elementos se unen para formar una canción EDM, podrás descubrir dónde encajará tu bucle en la estructura general de la canción.

Si sabe que su ciclo será la caída, entonces podrá comenzar a conectar los puntos de cómo expandir su primera idea con secciones adicionales como la introducción o la acumulación. Repasemos brevemente cada elemento. La introducción de una canción se explica por sí misma. Es común que el comienzo de una pista presente un ritmo reducido para establecer el ritmo, lo que facilita a los DJ la transición a sus sets. La introducción es seguida por un desglose, donde la batería se retira para crear una sensación de anticipación para el oyente. El desglose conduce a la acumulación, que aumenta la energía para preparar al oyente para la caída. Las técnicas comunes en las construcciones incluyen sintetizadores de tono ascendente y patrones de percusión apresurados. El último elemento, la caída, es posiblemente el más importante. Este es el gancho principal de la canción y la sección donde tus habilidades de producción tienen que brillar realmente. La caída es el punto culminante enérgico de la canción y la parte que debe hacer que el oyente quiera moverse. La forma en que usará estos elementos variará según los géneros, y hay mucha variedad cuando se trata de la estructura de la canción. Pero una vez que se da cuenta de que casi cualquier pista de EDM puede desglosarse en estos elementos básicos, se hace más fácil visualizar la estructura de su canción.

Estructuras comunes de canciones

Ahora que estamos familiarizados con los elementos de una canción EDM, podemos sumergirnos en cómo se usan en algunas estructuras de canciones comunes. No siempre es necesario utilizar las mismas estructuras que escucha en sus pistas favoritas, pero puede ser una excelente manera de diseñar una hoja de ruta para su proyecto. Ya sabes qué elementos irán en tu canción, así que ahora tienes la tarea de organizarlos en una estructura que los haga brillar. La estructura de la canción EDM está diseñada para mantener la energía fluyendo de forma dinámica, con picos altos y valles profundos. Esto da como resultado la acumulación de energía, luego la vuelve a bajar, solo para repetir el proceso nuevamente. En este sentido, las canciones EDM son un poco como una montaña rusa. Al analizar la estructura de la canción, es común usar letras del alfabeto para representar cada nueva sección de una canción. Una de las estructuras de canciones más conocidas es la forma ABABCB, que es el formato más utilizado en la música pop. La estructura de la canción ABABCB se descompone así: A - Sección repetida utilizada para los versos B - El coro C - El puente, una tercera sección que agrega variedad

Una de las estructuras de canciones más comunes en la música electrónica de baile sería la forma ABAB. En este formato, la canción alterna entre dos secciones principales. La sección A presentaría la introducción, el desglose y la acumulación, mientras que la sección B sería la caída. La canción recorre estas dos secciones dos veces, posiblemente con alguna variación adicional en el segundo recorrido. Una alternativa común a ABAB es ABCB. Los dos formatos son similares, pero ABCB presenta una tercera sección que difiere de la introducción. Puede ser una variación extendida de un desglose anterior en la canción, o puede ser un segundo completamente nuevo.

Estructuras de canciones y género Cuando se trata de convertir un bucle en una canción completa, es útil comprender los elementos que forman parte de uno y cómo encajan en la estructura de una canción. Pero debes tener en cuenta que la estructura de la canción varía de un género a otro. Hay muchos formatos diferentes que se utilizan en todo el espectro EDM, pero diferentes subgéneros tienden a desarrollar diferentes tendencias con respecto a la estructura de la canción. En dubstep y trap, es común que la caída comience alrededor de la marca de 55 segundos, ya que ahí es donde la barra 32 se encuentra en 140 lpm. Esto dejaría espacio para un ingreso de 16 bares, un desglose de 8 bares y una acumulación de 8 bares.

Tenga en cuenta que los cuatro elementos se usan de manera diferente según el género. Por ejemplo, las acumulaciones son a menudo más largas y más prominentes en géneros como house y techno que en dubstep. El tiempo en general puede variar mucho de un género a otro. Muchas canciones house progresivas pueden encontrarse en el rango de 8-10 minutos, mientras que las futuras canciones de bajo y trap tienden a estar más cerca del rango de 4 minutos. La duración de tu canción y la repetitividad de la estructura dependerá en gran medida del género en el que estés trabajando. Convierte tu lazo en una canción Ahora que entendemos los elementos básicos que forman parte de la estructura de una canción, podemos trabajar para convertir su bucle en una canción completa. Cuando comiences con una idea nueva, tendrás que descubrir cómo ese bucle se ajustará al contexto de tu canción. Ya sea la caída o una acumulación, identifique dónde ocurrirá su ciclo en la estructura general de su canción. Una vez que sepa con qué parte de la canción está trabajando, tiene la primera pieza del rompecabezas y puede comenzar a armar la estructura completa de la canción. Una vez que haya identificado qué parte de la canción será su ciclo, dedique un tiempo a pensar qué estructura de la canción se puede usar para presentar mejor esa idea. Escucha otras canciones del mismo género para tener una idea de cómo los productores establecidos están

creando sus pistas. Esto te ayudará a desarrollar una idea de cómo debe estructurarse tu canción en general. Una vez que tenga un marco básico de la estructura de su canción y sepa cómo encaja su ciclo en ese marco, terminar su proyecto se vuelve tan simple como llenar los vacíos. Para ayudarlo a tener una mejor idea de cómo usar esta técnica, veamos algunos escenarios comunes. Comience con la gota Supongamos que está comenzando con un bucle de 8 compases con un ritmo energético y un impresionante parche de suero que ha diseñado. Está claro para usted que esta sección será el gancho de toda su pista, por lo que sabe que está trabajando con la caída. Puede expandir su ciclo de caída dividiéndolo en dos secciones, o creando una segunda caída que sea una variación de la primera. Esto mantendrá a la audiencia alerta y asegurará que la estructura no se vuelva demasiado repetitiva. Una vez que haya marcado la caída, es hora de comenzar a completar otros elementos cruciales, como la introducción y la acumulación. Los tambores de su caída se pueden simplificar y reutilizar para servir como introducción. También puede agregar una idea melódica aquí para establecer el tono de la canción. Después de una introducción de 16 bares, puede trabajar en un desglose de 8 bares seguido de una acumulación de 8 bares. Esto te llevará a la primera caída. Si vas con una estructura ABAB, ¡básicamente ya tienes una canción completa creada!

La clave es asegurarse de que la introducción de su canción refuerce su caída y la haga lo más fuerte posible. La acumulación también es muy importante, ya que crea tensión y contraste que ayudarán a que su caída tenga el mayor impacto. Desea que la canción tenga una vibra constante, así que asegúrese de que todas las diferentes piezas funcionen juntas. Esto se puede lograr mediante la reutilización de elementos a lo largo de la canción, como repetir una frase melódica en la última barra de su caída o incorporar el bajo en su desglose. Otra táctica de uso común es tomar un elemento de la caída, como una melodía principal o una parte de bajo, y usarlo durante la construcción. Esto prepara al oyente para lo que está por venir y ayuda a que la transición del desglose a la caída sea más fluida. Comience con la introducción Si comienzas con la introducción de una canción, tu flujo de trabajo será diferente. Supongamos que tiene un bucle de 16 compases que suena bien, pero no es lo suficientemente fuerte como para llevar la canción por sí solo. Los bucles que se reducen y solo presentan algunos elementos simples generalmente funcionan mejor como introducción. Si su ciclo está más enfocado en la melodía, puede encajar bien dentro del desglose. La introducción establece el ambiente para el resto de la pista, así que intenta imaginar una caída que complemente esta sección a medida que avanzas. Después de todo, tienes que estar construyendo algo.

Es posible que desee comenzar con un loop de batería y agregar gradualmente nuevos sonidos con el tiempo para completar los ritmos. Esta puede ser una excelente manera de comenzar y comenzar a generar impulso. Después de completar la acumulación, probablemente tenga alguna idea de en qué dirección desea tomar la caída. Canciones de ingeniería inversa que conoces Si todavía estás luchando por visualizar la estructura de tu canción, una excelente manera de inspirarte es mediante la ingeniería inversa de otras pistas que te gusten. Al escuchar críticamente los arreglos de otras producciones, puede comenzar a elegir las diferentes secciones y cómo encajan entre sí. Su nueva producción se puede modelar a partir de estas fórmulas probadas y verdaderas. Esto se puede hacer lanzando una de sus pistas favoritas en su DAW para descomponerla y analizarla más a fondo. Después de importar una canción, deberás averiguar su tempo. La mayoría de los DAW son capaces de analizar la forma de onda de una canción para determinar su tempo, o generalmente puede buscar una canción en Beatport.com para encontrarla. Una vez que haya encontrado esta información, puede configurar su proyecto al mismo ritmo. Ahora repase la canción e identifique dónde comienza cada sección de la canción. Dependiendo de su DAW, puede insertar marcadores para indicar dónde comienza cada sección, o cortar el archivo de audio y mover cada sección a su propia pista.

Ahora tiene un mapa de cómo se ve una pista terminada. Al contar exactamente cuántas barras se usan en cada sección, podrá tener una mejor idea de cómo está organizada la canción. Esto se puede usar como un mapa para desarrollar sus propios bucles, completando las secciones en blanco de acuerdo con la forma en que se combina la pista de referencia.

Conclusión La lucha por terminar una idea es un problema que puede afectar a cualquier productor musical. Hace que sea imposible terminar tus canciones, dejándote con un montón de proyectos sin terminar en tu disco duro. Al comprender cómo funcionan las estructuras de canciones EDM, se vuelve mucho más fácil expandir tus bucles y convertir pequeñas ideas en composiciones completas. Puede ser fácil llegar a más ideas de las que sabe cómo terminar, pero su productividad aumentará si puede encontrar formas creativas de llevar sus proyectos hasta el final. Con un poco de disciplina, no hay ninguna razón por la que no pueda usar estos métodos para convertir sus ideas a medio terminar en canciones completas. ¿Con qué partes de la estructura de la canción luchas más? ¿Hay algún consejo que use para terminar sus pistas que olvidamos incluir?

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