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• Esteban Duré

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SOMBRERO DEL MÚSICO

por

Chick Corea

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Capítulo 1

Introducción

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INTRODUCCIÓN A LA INTRODUCCIÓN

Pensé que debería añadir algunos comentarios para explicar cómo evolucionó la idea para este libro. Básicamente, cuando otros me piden consejos sobre esto o aquello sobre la música y mi vida como músicos, Como para responder con algo que podría ser útil. Durante mucho tiempo, me abstuve de Este tipo de consejos, ya que creía que todos debían encontrar su propio camino y Decisiones. Tan cierto como es, he observado algunos casos en los que algunos de mis consejos baratos ( "todos los consejos son Barato "­ tema para otro ensayo) se puso a un uso beneficioso. O al menos, lo que aconsejé llevó El consejero en la acción en un problema él fue pegado adentro antes de recibir mi consejo. Entonces me di cuenta de que en mi propia vida y la búsqueda de La Musa, a menudo he mirado atentamente a la Vidas de otros que estaban logrando cosas que yo mucho admiré y aprendí de ellas en De una manera u otra. Continúo haciendo mi parte de observación y estudio de las formas y medios de otros cuyos Los resultados me atraen. Esto podría ser visto como una forma de "consejo". Y en una mirada amplia, cualquier información que elija Mirar es un consejo potencial. A mi elección el principio operativo. Mi deseo de responder a estas preguntas con algo que podría ayudar me llevó a escribir cómo Yo opero como músico.

Lo que les presento aquí son las notas que he acumulado desde que comencé a escribir estas Pensamientos a mediados de los años 80. El título original para estas notas era Sombrero del músico ­ un "sombrero" ser una profesión, cargo o empleo, o Una descripción de lo que se hace, especialmente los medios exitosos que uno usa para lograr la Deberes de un puesto o trabajo. Esto entonces se convirtió en la idea de un trabajo en progreso, porque considero que el aprendizaje de nuevas maneras de hacer Cosas y reformar viejos caminos, ser una actividad constante con el simple objetivo de continuar mejora. Después de revisar estos capítulos y cambiar el nombre de la primera publicación Un trabajo en progreso ... En Al ser un músico, me di cuenta de que esto se seguirá trabajando en y debe ser añadido a ­ especialmente Ya que hay tanto que he dejado fuera que me gustaría añadir. Estos capítulos han consolidado lo que he resumido de todas las preguntas principales que tengo Sido preguntado a través de los años.

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Mi siguiente enfoque será contestar preguntas específicas que parecen ser áreas de interés Común a muchos músicos. Si hay un área de música que le gustaría ver comentada por mí, escriba a la

Sitio web ­ ChickCoreaMusicWorkshops.com. Mientras tanto, aquí está la primera parte de un trabajo en progreso ... Por ser un músico. espero que puedas Utilizar parte de ella para su beneficio y éxito en la toma de música y ser un músico. Chick Corea ­ 6 de julio 02 (ligeramente revisado el 10 de mayo 13)

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INTRODUCCIÓN

Estos pequeños "write­ups" se hicieron hace 10 años (poco revisado este año) como un intento de Resumir qué cosas he estado haciendo a lo largo de los años para hacer la música de la mejor manera que yo poder. Siempre he sentido que la música y el arte nunca deben ser enseñados como sujetos "autoritarios". Nunca he encontrado una ley en ninguna parte que defina "la manera correcta en que se debe hacer el arte". Pero yo Han encontrado que los artistas profesionales y no profesionales parecen estar de acuerdo en que el Éxito de cualquier obra de arte dependen básicamente de la opinión de cada gusto. La libertad de pensar y actuar sobre los propios gustos en el arte y la estética en general es una "regla" Que parece funcionar para todos. Así que mi lema se ha convertido en: Regla No. 1: "Piensa por ti mismo". La libertad de pensar por sí mismo es el derecho básico y nativo de cada individuo y debe ejercerse Todo el tiempo, no sólo en el arte, sino en toda la vida.

Este principio es tan importante que, de hecho, nunca se logra nada en el intento de Adquirir habilidades y habilidades sin la propia intención, la comprensión y los propios deseos como Una base. Cualquier intento que se haya hecho para imponer ideas a otros sólo ha dado como resultado Mecánicas y de robot. Esto podría "funcionar" para mecánicos y robots Pero ciertamente nunca funciona en la creación de arte y buena música. Debido a estas cosas, He luchado con el tema de "enseñar" música o "educación musical". Lo último que querría es que otro simplemente acepte como ley la forma en que yo o cualquier otra persona pienso Sobre o hace música sin usar su propia imaginación y juicio. Sin embargo, me gusta ayudar y animar a cualquiera que quiera aprender a hacer música. Así que he Escribí estos capítulos como una respuesta general a las preguntas que me hicieron: "¿Cómo haces esto? Y eso? "" ¿Cómo piensas sobre esto y aquello? " Un "sombrero" es una clase de descripción del trabajo. El nombre de la posición es "músico." Ése es mi "trabajo" Cuando estoy haciendo música, y estas son las cosas que normalmente he hecho para obtener buenos resultados. estoy No sugiere que otros deben hacer estas cosas para obtener buenos resultados porque cada uno tiene su Propio sueño musical para cumplir y sin duda tendrá que desarrollar su propia filosofía, las técnicas Y los enfoques de las cosas. Ser un músico es lo que he estado en el más largo y es el "sombrero" que siempre he amado como no otro. Así que presento aquí una breve descripción de mi manera de pensar, organizar y hacer mi trabajo Como músico. Espero que pueda ser de alguna ayuda o interés para usted. Chick Corea 15 de agosto 93 (revisado en marzo de 1998) (revisado en julio de 2000) (algunas palabras cambiaron el 10 de mayo 13) página 4

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Capitulo 2

Políticas personales

como un

Músico

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POLÍTICAS PERSONALES COMO MÚSICO

Estos son los principios y las políticas que intento vivir como músico. Enumero estos particulares Porque he observado que cuando los aplico, las cosas van bien, y cuando no las cosas no van muy bien. 1.

Paso tanto tiempo y esfuerzo como sea necesario para que el producto musical sea Imaginado, sin importar las barreras o las molestias. No me detendré hasta que tenga eso.

2.

Aunque pueda interesarme por los puntos de vista y opiniones de otros Mi música, siempre confío en mi propio punto de vista, gustos y juicio para determinar cómo Debe presentarse, lo que debo crear y cómo debo comunicar.

3.

Nunca comprometo con la música que he decidido que quiero hacer o la comunicación que Realmente quiere entregar.

4. Considero que las opiniones de otros de mi música como una especie de encuesta y utilizar esto como "secundaria" Información para ayudarme a entender mejor a mi audiencia ya sus respuestas. 5. Nunca culpo a la audiencia o los hago mal por su respuesta a mi música y mi actuación. Les concedo el derecho de ser como quieren ser y responder cómo Quieren responder como público. 6. Al mismo tiempo, nunca comprometo con el mensaje que quiero entregar a un Audiencia y siempre me concedo el derecho de entregarlo de la manera que yo lo veo. Trato de resolver Cómo puedo llegar mejor al público sin alterar mi intención musical básica. 7. He observado que lo que es una música agradable para una persona puede no ser una música agradable a otro. Yo uso este entendimiento para hacer frente a la infinita variedad de la gente artística Opiniones y gustos. 8. Me aseguro de que los aplausos y elogios de la audiencia de una actuación no invita Me para aflojar la preparación o la entrega de la próxima actuación. 9.

Evalúo todo el rendimiento musical basado primero en la calidad de su efecto en el oyente (Yo y otros) y secundariamente, y mucho menos importante, sobre las técnicas usado.

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10. Siempre uso el más alto nivel de ética y honestidad al tratar con las personas con A quien trabajo en el negocio de la música y la gestión de la música, Las actuaciones musicales simplemente no ocurren sin ser organizadas y gestionadas en Existencia con la competencia y sinceridad de estos buenos gerentes. 11. Trato de hacer acuerdos (ya sea con otros músicos o con la industria de la música Administradores y gerentes) que resultan en mí mismo y la otra persona feliz con Lo que acordamos. 12. Trato de aplicar el nivel de calidad y cuidado que doy a mi música a todos los demás aspectos de mi vida. 13. Si hay alguna duda acerca de cómo tratar con otros músicos o empresarios, paro y Considerar cómo me gustaría ser tratado si estuviera en su posición, y tratar con ellos de esa manera. 14. Cuando juego con otros músicos, intento hacer siempre cosas que complementan y Mejorar su juego. 15. Cuando trabajo con otros músicos, siempre trato de encontrar y hacer buen uso de su Musical y rendimiento.

16. Trato de mantener en buen estado mis instrumentos, equipo de grabación y otras herramientas musicales Y en buen orden. Hago un lugar para cada cosa y pongo las cosas en su lugar después de Estoy a través de usarlos o terminado con ese proyecto en particular. 17. En el cumplimiento de un compromiso, ya sea un concierto, una composición o un Entrevista con la prensa, trato de dar aún más de lo que se esperaba. 18. Nunca olvido los que me ayudaron en el camino ­ musicalmente y de otra manera ­ porque Siento que ningún éxito que he tenido nunca se logró sin trabajo en equipo, ayuda y Apoyo de otros. 19. Trato de cuidar bien de mi salud física ­ obtener una buena nutrición y dormir lo suficiente Para que yo pueda estar en mi mejor momento. Chick Corea 6 de junio 88 (revisado el 2 de agosto 93) (de nuevo el 8 de marzo 98) (y de nuevo el 10 de mayo 13, añadiendo 19) a la lista)

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Capítulo 3

Tocando el piano

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TOCANDO EL PIANO

Permítanme preámbulo esto diciendo que los métodos específicos que he utilizado para aprender a tocar el piano Son los que he usado y que trabajaron para mí de varias maneras y se describen aquí para su Información e interés. De ninguna manera quiero decir que estos métodos y percepciones deberían ser usados   o serían Útil para otros pianistas. Se presentan como posible información útil. Me alegro de que alguno de Estas ideas se pueden poner a su uso positivo. He encontrado que convertirse en un buen estudiante de música, aprender cualquier tema, o adquirir cualquier La habilidad tiene algunos fundamentos simples en actitudes y métodos. Estos son: • La intención, la elección y el interés del estudiante deben estar presentes para aprender cualquier cosa. • Una comprensión completa de todas las palabras y símbolos usando diccionarios apropiados.

• El uso de gradientes en el estudio y la práctica: romper la pieza y practicarla Lo suficientemente lentamente para agarrar cada bit con confianza. • Aprendizaje por aprendizaje. Lo que quiero decir con "aprendizaje" es trabajar con otros Músicos que son más expertos ­ y por lo tanto el aprendizaje de las habilidades que han desarrollado Que más le interesan por compartir la vida y hacer música con ellos. Los métodos de práctica específicos cubiertos aquí son personales para mí y son las cosas que hice para Mejorar mi piano, componer y arreglar habilidades.

Lo esencial

Pasé algún tiempo aprendiendo a tocar básculas básicas y menores. Entonces aprendí Las escalas disminuidas y las escalas de tono entero y finalmente calculó que cualquier escala (serie de Notas hacia arriba o hacia abajo que sonaba bien) podría ser utilizado ­ así que comencé a inventar y usar escalas Que yo me idearía. También me familiaricé con la idea de arpegios. Yo tomaría cualquier Tres o cuatro notas de acordes y arpeggiate arriba y abajo del teclado con la mano derecha, entonces La izquierda, y luego ambas manos una octava o dos separadas. Me pareció que esto era necesario para mí para conseguir mis manos y dedos tonificados y utilizados para la ejecución Las ideas que tengo para ellos. Hacer esto es un poco como ejercicios básicos de tonificación para el cuerpo para mantener Los músculos y las articulaciones flojas y fluidas. También es una gran manera de familiarizarse con los diferentes Formas que las manos hacen en el teclado en las diferentes teclas. Jugar balanzas también me ayudó a conseguir mis manos y dedos para crear una uniformidad de frase y ritmo.

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He encontrado "ejercicios de imagen especular" también para ser muy útil. Aquí es donde una mano juega en una Imagen exacta del espejo a la otra. Ayuda a reforzar el movimiento deseado por la mano original. (Encontrará el punto central de la "imagen espejo" del teclado como las notas D o Ab.)

En Ej. 1> 5 Anoté algunas variaciones de los ejercicios de los dedos en la imagen de espejo usando un fijo Frase de 5 notas. Por supuesto, usted puede inventar ejercicios sin fin del espejo dependiendo de qué dedos Y el movimiento del dedo que le gustaría a limber o fortalecer. En cada caso, la mano izquierda debe Imitar la digitación de la mano derecha y viceversa. Ex. 6 muestra cómo se puede tomar cualquier melodía Y hecho en un espejo para la mano izquierda ­ consolidando así el asimiento de esa frase para el mano derecha. Y, por supuesto, funciona igual que la otra forma ­ con la mano derecha reflejando la izquierda Para fortalecer la izquierda.

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Hubo algunos de estos ejercicios de imagen especular en un viejo libro de ejercicios italiano de Rossomandi que mi profesor de piano, Salvatore Sullo me enseñó cuando tenía unos 10 años. Musical y estilísticamente, encontré una gran base y muchas claves para el conocimiento contenido En la historia del piano tocando escuchando ya veces tratando de emular pianistas Cuyo juego me atrajo. (Una lista corta está al final de este libro.) Aprendí y me acordé de varias cosas por tantos pianistas diferentes. Yo tomaría el Cualidad particular (técnica, frase, motivo rítmico, tacto, actitud, etc.) que me atrajo por

Un cierto pianista y hacer varias cosas para emular esa calidad hasta que comprendí la esencia De lo suficiente para convertirlo a mi propio uso. Esto conduciría a comprender cómo podría Crear una cualidad similar a mi manera; O, finalmente, crear cualquier otra calidad que podría imaginar. Me pareció que esta era una capacidad de duplicar que podría aumentar y aumentar hasta que, a veces, Sólo un vistazo a la forma en que alguien hace algo puede llegar a ser mío si quiero hacerlo. Creo que el resultado final del estudio por emulación debe ser la capacidad de originar completamente la propia Propia música. La forma en que otros lo hacen debe ser un camino guía que conduce a la libertad de pensar Por sí mismo y por lo tanto ser lo que uno quiere ser y comunicarse de la manera que uno elige.

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Métodos de emulación

Cuando aislé algo que quería emular de otro pianista, haría varias acciones Para obtener la caída de la misma: 1. La transcripción de las grabaciones de las notas reales realizadas es siempre un gran ejercicio En el entrenamiento del oído así como una manera de analizar y de entender una técnica particular o enfoque. Este fue mi enfoque más utilizado al estudiar a otros pianistas. Esto se puede hacer simplemente entendiendo y emulando la dirección general o Concepto de lo que estoy escuchando. También puede hacerse con mayor detalle duplicando de hecho Las notas específicas que se reproducen fuera de la grabación ­ escribirlos o no. 2. Ver pianistas jugar, especialmente vivir en un club, de cerca, siempre ha sido el más Forma fructífera de aprender. No hay nada, incluyendo grabaciones, que puedan Completitud, inmediatez y detalle emocional de participar directamente en el live Momento de la creación. Estos fueron y son todavía algunos de mis momentos más memorables de Escuchando, disfrutando y aprendiendo a jugar. 3. El estudio de las notas transcritas por otros de las improvisaciones de los pianistas nunca resultó ser Muy útil para mí, ya que este método toma el poder de la observación directa de mi propia

Manos y pone en su lugar los puntos de vista y opiniones del transcriptor y del editor ­ y A menudo mal­copia. Estudiar la composición original de un compositor siempre es muy útil, especialmente En la música clásica donde las partituras que encuentro son más probables ser las notas originales del compositor. En esencia, he encontrado que las interpretaciones y ediciones de las puntuaciones originales y Transcripciones de improvisaciones me quitan que un paso lejos del originador Suficiente para disminuir su impacto y valor. Siempre ha sido más valioso para mí Transcribo de una actuación grabada yo mismo. Si por ninguna otra razón, es genial Entrenamiento "(el reconocimiento fonético de los lanzamientos y su relación entre ellos). 4. Por último y menos importante ha sido la navegación a través de biografías, autobiografías, Documentales, reseñas y artículos de o sobre el pianista en el que me interesa. Siempre resultó ser una colección de opiniones que a veces podría ser interesante, Pero nunca tan gratificante como estudiar a la persona real y sus notas y música. En realidad, cualquier declaración hecha directamente por el mismo pianista siempre resulta ser más valiosa ­ es decir, entrevistas grabadas, ensayos o autobiografías, etc. Pero incluso estos son (como lo que estoy Escribiendo aquí) sólo las opiniones del pianista acerca de lo que hace. El aprendizaje más valioso Las experiencias de lejos son las actuaciones en vivo del pianista ­ aún más que las grabaciones. página 12

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Convertirse en amigos con el piano que está tocando

Perdí mucho tiempo y malgasté horas preciosas luchando con pianos malos. Yo solía obtener "pegado" Sobre las debilidades de los pianos y empezar a quejarse de todas las formas en que no funcionaba o Sonando bien Todo un montón de energía desperdiciada. Mi mejor funcionamiento es, cuando estoy allí en un concierto con el piano debo jugar para esa noche, hago Es un punto de tener una actitud amistosa hacia él y tratar de utilizar sus mejores cualidades. Por ejemplo, Algunos viejos pianos que no se han mantenido muy bien mantenidos podrían sonar terriblemente "aburridos", con No "vida", como si el piano hubiera sido sumergido en el río y todavía estaba "empapado", etc., etc. Caso noto que el mejor sonido del piano fue cuando lo tocaba muy suavemente y sobre todo, Digamos, en el registro medio. Así, jugar suavemente y sobre todo en el registro medio fue un éxito Enfoque para el piano empapado y así sucesivamente. De esta manera pude extraer la calidad que quedaba allí en el instrumento; De alguna manera pasar por el noche; Y más tarde hacer un balance de cómo podría mejorar la situación ya sea para ese concierto o para Conciertos futuros.

El piano: un instrumento de percusión

Hice muchos progresos técnicos y musicales con mi piano tocando cuando me di cuenta de que yo Podría acercarse al piano como un magnífico instrumento de percusión. 88 tambores sintonizados! Mis dedos como diez palos de tambor! VER EL DIAGRAMA # 2 Ex. 1 ­ Una escala simple de C mayor usando dos manos. Trate de hacer que suene tan suave como si una mano Estaba jugando. Ex. 2 ­ La misma escala de C mayor que va dos octavas con las manos cruzando. Es sólo una forma de dedo

Usando dos manos. Una vez más, trate de hacer que el sonido de ejecución suave ­ cada nota dado el mismo valor Y atacar. Ex. 3 ­ Una forma de reproducir un arpegio conectado arriba y abajo del teclado con dos manos. Ex. 4 ­ Este es un patrón que utiliza dos dedos alternando en cada mano ­ como un par de baquetas. página 13

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El piano: un instrumento

También hice un gran progreso musicalmente cuando más y más, apliqué la idea de que el piano Era en realidad un instrumento; un medio para un fin. El piano es una herramienta. Es una herramienta concebida y Construido para hacer ciertas cosas y alcanzar ciertos objetivos; Principalmente entregar el sonido físico Que comunica la emoción musical y el mensaje del jugador. Mi ingenio y destreza en el uso de este instrumento, así como un dispositivo de comunicación se convierte entonces en Todo el juego. Esta realización hizo que las cosas se pusieran en la secuencia correcta y en los niveles correctos de importancia. Esta idea hace que la comunicación de la intención musical y el contenido emocional Siempre el principio rector. El piano como instrumento se convierte simplemente en un instrumento mecánico Medios de alcanzar ese propósito de comunicación y siempre servidora de él.

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Teoría y práctica

¿Qué piensas cuando juegas? ¿Qué notas van con qué escalas? ¿Es eso aumentado? Nota parte del acorde o simplemente un tono de paso? ¿Cómo sé qué acorde es correcto? Cómo Leer los símbolos de acordes? ¿Cuál es la manera correcta de poner sus manos en el piano? Estas son algunas De los tipos de preguntas que a menudo se me ocurren. Bueno, me parece que la música es una expresión y comunicación de una intención y una emoción. La música tiene un mensaje y utiliza sonidos físicos para comunicar emociones. Tú Tiene algo que quiere "decir" o "mostrar" ­ una emoción que quiere que su oyente "sienta". Acto de crear y comunicar estos "mensajes" es el acto de hacer música y es el "Práctica" de la música. La fabricación de música es una forma de comunicación. Sucede. Es una acción. Una vez que empiezo a inspeccionar, estudiar y analizar los bits y piezas que componen la mecánica De la música ­ las notas, los timbres, las duraciones, los ritmos, las armonías, las melodías, Las formas ­ tan pronto como trato de averiguar si hay algunos patrones recurrentes o si hay algunos Cosas técnicas que pueden describir lo que hace que la música suene de esa manera ­ ahora estoy en la tierra De la teoría, y siempre reconocemos que estos análisis tienen un propósito diferente que el simple Acto de hacer música. Cómo pienso técnicamente y describo lo que se está jugando es un Diferente del acto de jugar. Y su único uso es ayudarme a comprender mejor Cómo hacer mejor lo que quiero hacer. Cómo jugar mejor; Desempeñar mejor; Comunicarse mejor; ser Un mejor músico. La teoría de la música es una declaración o descripción de cómo funciona la música ­ o por qué funciona de esa manera. Sus Un intento de explicar en palabras por qué las notas van juntas como lo hacen; O para mostrar cómo Notas podrían ir juntos de varias maneras. Me parece que a veces una idea (teoría) sobre una escala O una armonía o algún otro bit técnico puede conducir a alguna experimentación gratificante y descubrimiento.

Pero el punto principal que uso y recomiendo a otros sobre la "teoría de la música" es que sólo las ideas Y las teorías que uno crea o entiende libremente y acepta por su propio juicio son las Los que tienen valor para él y por lo tanto se puede poner en buen uso. Uno siempre puede cambiar En cualquier forma que desee las ideas sobre la música que tiene. Y aún más básico es que La música y las teorías del arte, las leyes, las ideas y los principios no se basan en fenómenos físicos como la gravedad Y las tolerancias de peso de la madera y los metales y por lo tanto no necesita permanecer exacto o estático ­ En cambio el arte y la música existen en el ámbito más espiritual de la conciencia, la comunicación, la emoción Y gustos personales. Estas no son cosas físicas y por lo tanto son mucho más individuales y mucho más mas flexible. Esto es creatividad y la imaginación creativa de uno en el trabajo.

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Por lo tanto, trato de crear y jugar con teorías y patrones de pensamiento sobre la música Sólo para fines de estudio y aprendizaje; O a veces intentar explicar a alguien cómo lo hago alguna cosa. Pero estos significados todos se ponen a un lado cuando estoy realmente jugando y haciendo música. Jugando La música combina la intención y la acción en una cosa con absolutamente ningún "pensamiento" en absoluto. Todas El análisis es para la sala de práctica y el ensayo.

La teoría y la práctica parecen tener una relación íntima. Trato de equilibrarlos. Comprender cómo hacer muchas cosas abre posibilidades de muchas cosas más ­ y así sucesivamente. La falta de comprensión de cómo funciona algo puede impedirme hacerlo. Ciertamente, tratar de analizar y pensar en lo que estoy haciendo sólo obtiene resultados en una sala de práctica. Jugar en la actuación tiene que ser un acto "puro".

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Los pianistas que he estudiado y me han inspirado

Aquí está una lista de los pianistas que he escuchado, me han inspirado, aprendido de una manera o Otro, algunas de cuyas notas he transcritas, cuyas composiciones he tocado y estudiado en Ningún orden particular de importancia. Mi relación con cada uno es una historia única en sí misma. Estoy seguro de que esta lista es de alguna manera incompleta. ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Martha Argerich Béla Bartók Ludwig van Beethoven Paul Bley Dave Brubeck Billy Childs Federico Chopin Gayle Moran Corea Claude Debussy Duke Ellington Victor Feldman Don Friedman

­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Sachi Domenico Scarlatti Carl Schroeder Alexander Scriabin salvatore sullo Cecil Taylor Lennie Tristano Cedar Walton James Williams Krystian Zimerman JS Bach Conde Basie

­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Wynton Kelly Andy LaVerne Les McCann Monje Thelonious Paul Neves Danilo Pérez Michel Petrucciani Ivo Pogorelić Sergei Prokofiev Arturo Rubinstein Erik Satie Peter Schickele

­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Glenn Gould Friedrich Gulda Herbie Hancock Andrew Hill Vladimir Horowitz Keith Jarrett Cyprien Katsaris Steve Kuhn Ramsey Lewis Mulgrew Miller WA Mozart Makoto Ozone Samuel Pérez Oscar Peterson Bud Powell Gonzalo Rubalcaba

­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Alban Berg Victor Borge Jaki Byard Herman Chittison Nat Cole Liana Corea Nicolas Economou Bill Evans Tommy Flanagan guirnalda roja Dave Grusin Jan Hammer Barry Harris Earl Hines Ahmad Jamal Hank Jones

­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Robert Schumann Horace Silver Art Tatum Bobby Timmons McCoy Tyner Alexis Weissenberg Alfredo Rodríguez Beka Gochiashvili Gadi Lehavi John Novello Hiromi Peter Serkin Evgeny Kissen Stevie Wonder Joe Zawinul

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Como un pensamiento añadido, ya que los bateristas y los tambores han jugado un papel tan importante en mi El crecimiento musical, me gustaría incluir una lista similar de bateristas cuyo juego ha sido inspirador a mi. Esta lista también está incompleta. ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Rashied Ali Barry Altschul Arte Blakey Tom Brechtlein Dennis Chambers Kenny Clarke Vinnie Colaiuta Al Foster Roy Haynes Philly Joe Jones Airto Moreira Gary Novak

­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Vinnie Ruggerio bill stewart Patato Valdés Dave Weckl Tony Williams Don Alias Jeff Ballard Willie Bobo Roy Brooks Joe Chambers Jimmy Cobb John Dentz

­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­ ­

Brian Blade Marcus Gilmore Steve Gadd Elvin Jones Pete La Roca Lenny Nelson Max Roach Mongo Santamaría Art Taylor Bobby Ward Lenny White Shadow Wilson

Chick Corea Agosto 88 (revisado el 3 de agosto 93) (nuevamente el 8 de marzo 98) (y de nuevo febrero de 2001) (y ligeramente De nuevo 7 Feb 2014)

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Capítulo 4

compactación

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COMPARACIÓN

(Improvisando un Acompañamiento) Todos los Comps Make Melodies Cuando estoy haciendo un acompañamiento al piano para un solista, mi primer principio es siempre Crear melodías con el acompañamiento. Trato de hacer que el acompañamiento exista como una pieza de música por sí solo. Un acompañamiento debe ser capaz de soportar por sí solo y sonido musical por sí mismo ­ y en el Al mismo tiempo proporcionan un telón de fondo ya veces un diálogo con la parte solista o solo. Piensa como una orquesta Me parece útil pensar en imágenes orquestales cuando se utiliza el piano para acompañamiento. Jugar el piano como una flauta, o como timbales, o como una sección de latón, o como una sección de cuerdas, etc., Me ayuda a crear la ilusión de una colección muy diversa de sonidos y una variedad de colores y enfoques. Utilice el espacio y la gota en pequeñas cosas Un buen contraste con los sonidos continuos procedentes de la composición del piano son tramos de espacio Donde el piano no juega en absoluto, y donde la próxima entrada del piano comp se coloca Intencionalmente para que genere una sorpresa y un cambio agradable. Ahmad Jamal, por ejemplo, es

Un maestro en esto. También lo es Herbie Hancock. Este cambio sorpresivo y agradable también se puede conseguir eligiendo el lugar adecuado para abandonar El piano comp. Tanto el final de una corriente de toma como el comienzo de una nueva pueden Crear efectos agradables: disposición instantánea y orquestación. Uso de frases repetitivas Otro contraste agradable para el comping es contrastar una sección de frases repetitivas con una sección De ilustraciones que no es repetitivo. Frases repetitivas ­ vamps o riffs ­ también funcionan bien cuando la melodía o solista está tocando Frases que son particularmente flojas y fluidas. Un contraste. Tome una frase del solista De vez en cuando tomar un motivo del solista y tejer un comp de él puede hacer muy bueno Sentido musical y unir de manera armónica diversas partes de la orquestación. página 20

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3 Tipos de Comps Aquí hay tres tipos diferentes de comps nombrados en el sentido de diferentes tipos de comunicaciones: 1.

Un comp como un reconocimiento sería uno que tipo de acabados de un solista

Declaración, o pone un "período" en ella o la contesta. 2. Un comp como una respuesta dirá algo detrás de un pedacito que el solista apenas "dijo," Haciendo sonar como la respuesta a la pregunta del solista. 3.

Un comp puede ser cualquier tipo de respuesta a la declaración del solista como: a Desacuerdo, un estímulo, una pregunta, una sorpresa, una reprobación juguetona, una validación, Etc, etc. Cualquier tipo de juego de comunicación que tengamos en la comunicación verbal Pueden traducirse a términos de música ­ y muchos más que nunca se utilizan en términos verbales conversacion.

4. Una comp puede ser una declaración originada o un nuevo tema como un contraste o paralelo melodía. Un juego de Dixieland es así. Hacer que el sonido del solista sea bueno Una buena intención básica para el archivo es hacer que el sonido del solista sea bueno y realzar sus líneas Y la expresión, para "orquestar" sus melodías, y para hacer la orquestación "armoniosa". Una manera de mostrar "respeto" por el solista es dejar grandes espacios cuando él está haciendo su Frases expresivas; Para acompañar de una manera que no se interponga en el camino de sus líneas, pero sólo Los mejora. A veces el solista responderá a una comp ocupada donde el acompañamiento comienza a "Diálogo" con el solista en un grado u otro. Funcionará si el solista le gusta y no lo hará si Él no lo hace. Importancia del Acompañamiento Si el comp se hace mecánica o tímidamente, o se piensa como una parte "menor", entonces no sonará tan bueno. Creo que es mejor pensar en cualquier "acompañamiento" como parte importante e integral de la música Siendo hecho y puesto tanto pensamiento y energía en él como en el resto de las partes.

Chick Corea 15 de agosto 88 (revisado 3 de agosto 93) (nuevamente Mar. 98) (y de nuevo febrero de 2001)

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Capítulo 5

Haciendo tiempo

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HACIENDO TIEMPO

He encontrado un buen control del ritmo para ser el elemento más importante para hacer buen música. Una de las maneras más útiles que he encontrado de hacer mejoras en mi control del ritmo Ha estado escuchando grabaciones de mi juego de cerca y sinceramente notar donde me gustaría Involuntariamente acelerar o disminuir el ritmo o el movimiento de las frases. Entonces, iría a la Piano y reproducir esas secciones o frases una y otra vez, prestando toda la atención al control de la Tempo y fraseo hasta que podría ejecutar esa sección o frase, ahora, con el control del tempo Y la frase que quiero. No existe una manera sencilla y mecánica de explicar "hacer tiempo", excepto que debe hacerse Causativa y cómoda sin esfuerzo ni fuerza. Jugar solo, solo, es una clase de tiempo ­ Jugar con otro o con otros es otro tipo de tiempo. Cuando estoy jugando solo, no necesito Estar de acuerdo con otro jugador por el tiempo o la sensación de ritmo y groove. Por supuesto Entonces, jugar con los demás requiere un cierto acuerdo sobre qué hora es ­ cuál es la sensación ­ y Simplemente cómo golpear los latidos juntos que están destinados a ser golpeados juntos. Sólo un comentario sobre cómo hacer música con metrónomos: Siento que pueden ser útiles al notar La velocidad general de una pieza de música como indicar la marca del número de metrónomo en una Escrito. Pero para mis gustos personales, los mejores grooves y sentimientos en la música nunca pueden Ser alcanzado usando un metrónomo o un clic mecánico para guiar el ritmo y el tempo de la música. Me parece que el ritmo y el tempo en la música respira de forma natural (se ralentiza; acelera) como cualquier la expresión humana y esto hace la respiración natural se inhibe cuando se juega a un "clic" o una metrónomo. Esto no quiere decir que el uso de un "clic" no puede ser útil en determinadas situaciones ­ pero para "Una sección de ritmo creativo," Nunca utilice un clic. Es un gusto y una preferencia. También me resulta muy útil para notar cuando una uniformidad maquinal no es musical y donde se hace necesarias para acelerar o disminuir la velocidad de una frase o alterar la colocación de un solo en cuenta para obtener el efecto musical deseado. Básicamente, cuando la creación de tiempo se realiza de forma causativa, y es la intención del jugador, a continuación, no más se puede pedir en ese punto.

Aprender a crear ritmos y grooves básicos simples y estables está en la base de controlar fraseos melódicos correctamente. Y la base de la creación de un "ritmo constante" es la creación de un flujo ininterrumpido. Esto, me parece, puede ser trabajado en un grado con sólo repetir la frase, mientras que calma en conseguir un buen control sobre agitar para las torceduras que a su vez hacia arriba y seguir la intención del flujo ideal.

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Pulso y tiempo de flujo

Me resulta natural para imaginar un pulso al tiempo que sienta las frases "sobre" el pulso. Me parece que la creación de tiempo (tempo) se logra mejor con sólo poner allí ­ o la creación intencionalmente. Es muy inestable sólo seguir y confiar en el ritmo de otros músicos, una director de orquesta, o un clic. La música fluye sólo cuando cada músico tocando crea en el acuerdo de "Tiempo" de la música.

Jugar ligeramente en tempos rápidos

Me parece que el truco de jugar tempos rápidos o corrientes rápidas de notas con buen tiempo es jugar muy ligeramente con un toque de plumas en el piano (o cualquier instrumento). También es útil para eliminar todo (extra) movimientos "frenéticos" de que el cuerpo ya que estos disminuyen la circulación. Por supuesto, todo esto es muy personal. Cuanto más rápido el ritmo de juego o una frase, más fácil y ligera que tratan de ejecutar. Chick Corea 14 de de agosto 88 (3 revisada de agosto 93) (de nuevo marzo 98) (y de nuevo de febrero 2001)

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Capítulo 6

Composición

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COMPOSICIÓN

Pienso en la composición de música como el acto de la creación de un juego musical para jugar. Y me parece que la obtención de la composición musical habilidad es como ganar cualquier otra habilidad. La manera más eficaz de mejorar es

sólo para hacer que sea mucho. Ahora, dicho esto como una verdad y una sencillez: Para crear un juego primero debo concebir una. Y la forma más recta encuentro de hacerlo es a decido lo que estoy tratando de hacer con él (el juego ­ la composición). No puedo pensar en tiempos cuando se trata de componer algo fue un gran esfuerzo. En estos momentos, me ahora se dan cuenta de que yo no tenía una idea bastante clara sobre el juego que quería crear ­ o la ocasión me quería poner esta nueva composición en. ¿Qué banda? ¿Qué ensayo? ¿Qué concierto? Qué ocasión? Y los tiempos cuando las ideas fluyeron uno tras otro fueron siempre momentos en los que tenía un buen comprensión de lo que el resultado final iba a ser: una fecha segura de ensayar, para llevar a cabo, para grabar. Por supuesto que siempre se puede decidir que estoy practicando. Puedo recordar que algunos de mis primeros períodos productivos de la composición fueron durante veces que tuve conjuntos de trabajo para ensayar y realizar con. Con un poco de trío que tuve mientras en la escuela secundaria, Me escribió y arregló un montón de música. Ensayamos más de lo que realmente lleva a cabo, pero el la anticipación de jugar en los ensayos fue suficiente para alentar a mí en. Cada banda trabajé en me dio la posibilidad de jugar música que me gustaría escribir. Al mudarse a la ciudad de Nueva York después de la secundaria, casi todas las bandas que trabajé con escribí y / o dispuestas una cierta música para. En primer lugar para el grupo de Mongo Santamaría; luego de Cal Tjader; entonces para la banda de Willie Bobo; a continuación, para Sonny Stitt, Mitchell azul, Sarah Vaughan (algunos arreglos), Stan Getz, Miles Davis y luego mis propias bandas después de eso. Componer música parece más natural hace cuando es la primera parte de una de dos definida secuencia de una parte, la segunda parte de la cual debe ser para darse cuenta de la composición en un musical la comunicación dentro de una banda o, más completamente, en el rendimiento a una audiencia. Composición música sin darse cuenta entonces su rendimiento a los oyentes parece un desperdicio y una solitaria experiencia ­ a menos que, de nuevo, uno está practicando o haciendo ejercicios. Así que la parte componer es la parte donde me imagino que el juego sea jugado ­ y, a menudo la

los jugadores que van a jugar conmigo. A continuación, escribir las notas.

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El estiramiento de la definición

Me gustaría extender también la idea de componer a las zonas más anchas y puntos de vista de la vida. Por ejemplo, puedo empezar con una idea más o menos grandes. Para escribir una melodía que algún día podría ser acabado y encajar en una canción completada es el extremo más pequeño del espectro. Mientras la concepción de una creación a largo plazo sería luego extender la idea de "componer" decir la realización de un programa de 1 hora de música que se registra y realiza muchas veces. O incluso la creación de una banda que crearía más de una serie de grabaciones y giras. Este podría ser el punto de un juego musical, una creación de partida, y podría, estirando el concepto, se considerará una especie de "composición". (Una definición de "componer" en el American Heritage Dictionary es: "para hacer poniendo partes entre sí de los elementos "). Puedo estirar la definición de componer aún más amplia y topar a la derecha en el misterioso (a más) acto de improvisación en la música. Si utilizo la definición anterior simple, funciona.

Pero voy a hablar de "improvisación" en una sección separada. Ahora a asuntos más prácticos:

Resultados del piano

A veces cuando comienzo a una composición, me resulta muy útil para escribir la primera idea musical que encuentro. Yo uso las almohadillas de 8 ½ "x 11" papel de dibujo o cualquier otra cosa que es muy práctico y hago una simple o doble sistema de bastón (­ clave y el bajo en la parte inferior ­ clave de sol en la parte superior de una "partitura para piano") en función de Lo que se necesita. Acabo de apuntar rápidamente la idea sin intentar llenarlo de más lejos. A continuación, puedo usar esta forma partitura de piano 2­duela hasta el final de la pieza. Me puse los trámites de formato de notación y la página adecuada a un lado y simplemente trabajar con rapidez para obtener toda la las ideas pertinentes en un papel, a sabiendas de que puedo volver atrás y editar en una forma final como más tarde paso. Sólo trato de captar las ideas por escrito, ya que vienen lo más rápido posible.

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Alrededor de la pesca

Hay un período de vez en cuando después de decidir para componer una pieza y antes de un concepto final o dirección se ha decidido. Yo podría tratar diversas "direcciones": diferentes tempos, claves, progresiones, se siente, emociones, etc. ­ hasta que uno parece que me gusta. Entonces es sólo: Ir. A menudo tomo las primeras ideas que yo invento. Encuentro que ponderar demasiado tiempo con opciones entre este motivo y que por lo general va a ninguna parte y también me hace mareado y cansado ­ por lo que tomar una de las primeros que vienen a lo largo y ­ sólo tiene que ir con él. Debo decir sin embargo que este enfoque es, sin duda inferior a la firmeza de haber decidido sobre el conjunto como resultado y el juego por primera vez. La mejor condición es cuando todos estos factores son una sola acción: componer.

Escribir un bosquejo rápido

Después de una idea formas suficientes para que sea "un poco de tono" con alguna forma reconocible ­ escribo una bosquejo rápido por lo que la idea no se evapora. Hay un equilibrio importante, me parece, entre ir demasiado tiempo antes de escribirlo y la escritura hacia abajo demasiado rápido antes de que se formó algo que parece bastante sustancial. Mientras estoy escribiendo un boceto, si encuentro una frase que me gusta mucho, no importa cuán pequeño, siempre encuentro un poco de espacio en blanco después en el papel de puntuación y escribirlo. En algún momento estos pequeños trozos rinden fruto tardío ya veces no ­ pero me resulta una buena práctica para escribirlas cuando aparecen.

El "truco" parece ser la captura de los primeros pensamientos ­ como tratar de capturar una improvisación y anótelo. Lo cual, en realidad puede ser otra forma fructífera de componer ­ acaba de improvisar en una grabadora o un secuenciador y escribir que a medida que la composición. He encontrado el éxito con ese enfoque. Conozco muchos amigos, incluyendo a Joe Zawinul, que también han utilizado ese enfoque.

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Ponerlo en Anotar Papel

Cuando la idea, o una canción, o sección es relativamente completa en forma ­ con un principio, un medio y final ­ Me puse entonces a punto de conseguir el papel. En el pasado, debido a la falta de tiempo o la pereza, solía no luego escribir una partitura, pero el uso mi bosquejo y otros bits escritos para escribir partes de. Esto, más que no, por lo general dio lugar a Algunos añadieron confusión más adelante. Dado que no había partitura original, se hizo difícil de comprobar donde se señala eran correctas o lo que era la secuencia correcta de las secciones que había llegado con, etc. Además, la pieza se hizo difícil publicar ya existía ninguna puntuación original y la completa

pieza no fue escrito en cualquier lugar en su totalidad. En una fecha posterior, la puntuación tendría que ser compilado a partir de la chatarra de bits del boceto (s) escrito. Luego se convirtió en la opinión de muchos otros dónde estaba "correcto." El tiempo extra que se necesita para establecer el boceto para anotar desde el principio al fin completa la proceso de composición y proporciona una referencia original estable.

Escribiendo la puntuación

Yo uso la partitura escrita como la guía básica para la forma y la forma de la composición. Incluso si hay partes y los detalles aún no se añadan posteriormente, dibujando a lápiz en lo que ya tengo y extendiéndola a tiempo en la puntuación de principio a fin establece el marco básico. La pieza a continuación se puede ver gráficamente en el tiempo como una pieza entera ­ y los agujeros y espacios a continuación, puede fácilmente ser rellenado.

Permitiendo de Interpretación Rendimiento

Al configurar las melodías hasta que los jugadores van a leer y reproducir, trato de escribir el Frases como simple posible ­ y sólo añadir notas y ligaduras de gracia y marcas de expresión en la que deben ser tener esa melodía sea lo que yo quiero. Me parece que cuanto más simple el fraseo anotada, más se invita a los jugadores a desarrollar su propia interpretación y poseer la música. Para mí, esto es siempre una parte deseada del resultado musical, especialmente cuando el arte del jugador es grande.

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El uso de los símbolos de acordes

Utilizo símbolos de acordes como una invitación directa al jugador para improvisar y agregar notas y adornos. Yo uso el símbolo de acorde para indicar la escala que está destinada a acompañar la melodía notated Notas. Las notas que forman un acorde se pueden escribir nota por nota o pueden improvisarse por el Jugador ­ como cuando la hoja de la música tiene un símbolo de acorde y melodía nota solamente. Me resulta confuso para tratar de "escribir" una estructura acorde con sólo añadir números adicionales y signos al símbolo de acorde y sin notating las notas reales sobre el papel. símbolos de acordes que indican las cuatro primeras notas de un acorde (de abajo a arriba) suelen ser suficientes para dar toda la información que el jugador necesita de forma rápida y en un vistazo (por ejemplo: CΔ = raíz C, E tercera, quinta G, B séptima mayor (Δ = séptima mayor); G7 G = raíz, B tercera, quinta D, F dominante séptima). notas alteradas (notas que suben o bajan de su posición clave) que se encuentran en los escritos melodía que casi nunca se incluyen también en el símbolo de acorde (es decir, si hay un C # anotada como el melodía y es un acorde G7, nunca se agrego "b5" o "­5" al símbolo como ya se ha indicado por la anotada C #).

Cuando hay notas "importantes" que deben sonar, escribo las notas en la partitura y parte en lugar de tratar de agregarlos como otros números al símbolo de acorde. La mayoría de los "alterados" notas son "notas de paso" de todos modos (una nota transición; un tono no en reposo, que conduce a otro tono que está en reposo) ­ y si se toma un poco de tiempo para escribirlas en el El marcador ­ a menudo una melodía agradable contador comienza a desarrollarse. Utilizo símbolos de acordes para una evaluación rápida de la armonía y la escala de la parte que se aplica. Invitan a la improvisación.

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Cada voz hace que una melodía

Pensando "melódica" sobre todas las voces y partes, incluyendo partes de percusión y sin tono sonidos, es una clave comunicativa a componer para mí. Una melodía es algo que uno "canta" ­ ya sea cantada por una voz o cualquier otro instrumento ­ incluyendo percusión. Es por eso que cada línea se mueve en una estructura musical se llama una "voz". "El arte es una palabra que resume la calidad de la comunicación" (cita de L. Ronald Hubbard Del libro, Arte ) es una definición de arte que me parece muy verdadero y útil. 1 Si cada parte y la voz de una composición que tiene su propia comunicación y es su propia melodía o voz, la composición como un todo es más fuerte, ya que está "cantando" y que comunica con todas sus partes. Cada parte o la voz deben "hablar" como si estuviera siendo prestado por cada músico acaba la creación de esa voz. Cuando escribo una "parte armonía" con la melodía ­ por debajo o por encima de ella en el terreno de juego ­ No me limito yo al ritmo o la forma de la melodía ­ Creo que en términos de escribir una segunda melodía que puede o no puede ir en movimiento paralelo a la voz de la melodía superior. El término "escritura de línea" a veces se ha utilizado para describir esta independencia de las voces y partes.

Lápiz y borrador

Yo siempre uso el lápiz y goma de borrar de mis bocetos y puntuaciones. De esta manera siempre se puede borrar rápidamente algo, cambiarlo, y por lo tanto mantener las cosas en busca relativamente ordenada. Después de marcar un boceto y se llevan a cabo, los tengo fotocopiado de inmediato, en caso de que el original El marcador está manchada con lápiz o se pierde.

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Notación

La notación de la música es como plano de un arquitecto. Muestra las mediciones exactas en tiempo (Ritmo y duración) y el espacio (donde se toca una nota en un instrumento ­ su tono). Trato de hacer mi notación despejada ­ de modo que todos los detalles se pueden ver fácilmente. También creo que es una buenas prácticas para representar gráficamente la cantidad de tiempo que pasa. Por ejemplo, cuatro decimosexta notas tomarían aproximadamente el mismo espacio horizontal como una negra o dos corcheas. El truco de buena notación, escrito con claridad está dividiendo la medida en latidos que tienen igual las asignaciones de espacio durante el mismo tiempo ­ por ejemplo:

podría ser más fácil de leer que parece:

Pienso en el papel de gráfico ­ donde cada línea es una unidad del valor de nota más pequeño, es decir,

También cada vez que varias notas son golpeados al mismo tiempo ­ que deben estar alineados verticalmente en la puntuación, es decir,

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Siempre que no estoy seguro de lo que sería la notación "estándar" para algo, mi referencia es Lee Gardner de la notación de música, que he encontrado para tener toda la información sobre el tema que Yo nunca he necesitado. Yo sólo uso una firma clave si las melodías permanecen principalmente en que la clave para toda la pieza o para una muy larga sección ­ de lo contrario, me parece que es más fácil de usar sin armadura y sólo tiene que utilizar las alteraciones cuando sea necesario. Esto funciona especialmente cuando los centros tonales cambian con frecuencia. Mi fórmula es: la menor cantidad de alteraciones por número de notas es el mejor camino a seguir. La elección de las firmas de tiempo es, básicamente, si desea utilizar un valor de nota más pequeña o más grande (es decir, semicorchea, corchea o es la opción común). La regla que uso es: puedo comprobar la naturalidad cuento "1, 2, 3, 4," y luego hacer esas unidades en notas negras. Ver la versión de diagrama # 4 es más fácil de leer ­ la versión de corchea o la decimosexta tenga en cuenta la versión.

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Escribir parte

Trato de poner lo que la información sobre la puntuación que ayuda al jugador a conocer y tocar la pieza del más fácil. Por ejemplo, puedo incluir: • Los símbolos de acordes para invitar a la improvisación • Las melodías de otras partes para que pueda caber en su parte mejor

• Breves explicaciones por escrito de lo que está sucediendo durante las secciones de "descanso" en esa parte. Muy a menudo, en las partes de batería, sólo tiene que utilizar la cuenta del piano­conductor para el batería cuando quiero el batería para inventar sus propios ritmos. A veces hago una parte "piano­conductor" que puedo usar para ensayar que incluye toda la principales partes ­ cued (escritas generalmente en un tamaño más pequeño como una cuadrícula ­ pero no destinados a ser jugados) de tal manera que la pieza puede ser completamente escrito en un sistema de doble pentagrama (con la excepción ocasional de la necesidad de añadir una tercera personal para el sistema). Esto hace que sea más práctico para usar que la partitura, que tiene más pentagramas por sistema y más páginas a girar. Les dejo el espacio en el papel manuscrito de una parte de añadir cosas como en los cambios y aditivos generalmente suceder. Por ejemplo, si hay varios bares con ninguna nota, pero predigo que las notas podría añadirse más tarde, les dejo las barras en blanco en lugar de poner signos de descanso en ellos de modo que la el espacio puede ser utilizado para poner nuevas notas escritas a mano en. Yo estaba a cabo cada línea escrita con el fin de no apretar notas y bares en un espacio demasiado pequeño ­ pero dejar más espacio que se necesita y dejar líneas adicionales si es posible. Yo sólo uso de tinta para la copia definitiva de una parte. De lo contrario, lápiz funciona mejor en todas las situaciones. Todos los esfuerzos están dirigidos a una lectura fácil ­ y por lo tanto un alto nivel de comunicación de el compositor al jugador. 2 Chick Corea 1988 (2 revisada de agosto 93) (de nuevo marzo 98) (y de nuevo de febrero 2001)

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GLOSARIO

­ Alteraciones objetos punzantes, pisos, o signos naturales utilizados para elevar, bajar o devolver una nota a su intención tono. Acompañamiento ­ parte de soporte. Notas alterados ­ Notas cuyos emplazamientos se levanta o baja de la escala original. Arpegio ­ las notas de un acorde interpretado en la serie (de arpa); una cuerda rota. Aumentada ­ en referencia a un intervalo, aumentará en la mitad de un paso importante o perfecta intervalo. Bar ­ una medida; el espacio entre dos líneas de compás. Línea Bar ­ una línea trazada desde la parte superior a la parte inferior de un personal para denotar la división del medidor en una pieza de música. Clave de Fa ­ una clave de Fa en la cuarta línea de la plantilla, que se utiliza para las voces de bajo y barítono, la izquierda de la mano del piano e inferior a dos aguas­instrumentos. Beats ­ las medidas básicas de pulso de la música. Acorde ­ el sonido de dos o más notas a la vez. Bocetos ­ proporcionar acompañamiento para un solista; un arreglo improvisado que respalda una solista.

Grados ­ los tonos (o notas) de una escala. Disminución ­ en referencia a un intervalo, hecho más pequeño por un medio paso. Séptimo dominante ­ en una escala mayor, si usted juega acordes de cuatro notas construidas en tercios, el acorde a partir del grado quinto escala se llama el acorde de séptima dominante. Duración ­ la longitud de una nota o silencio. Adorno ­ Además improvisado. Expresión Marcos ­ una palabra, frase o señal que indica la forma de una composición se va a realizar. En quinto lugar ­ el intervalo de cinco grados de la escala diatónica. Piso ­ el símbolo (b) colocado delante de la cabeza de una nota que baja la altura del tono de la mitad. Concierto ­ un trabajo para un músico. Notas Grace ­ una nota o notas de corta duración, que se deslizan o viaje a la siguiente nota importante; un tipo de adorno.

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Gran personal ­ un pentagrama doble utilizados para escribir teclado con una clave de sol ya que el personal superior y un bajo clef ya que el personal inferior.

Armadura ­ los sostenidos o bemoles escritos sobre el personal al comienzo de una pieza para indicar la clave. Mayor acorde de séptima ­ una tríada mayor con una séptima mayor adicional. Medida ­ el espacio entre dos líneas de compás. Medio C ­ La "C", cerca del centro del teclado. Motif ­ un patrón melódico corto o idea musical que se repite. Notación ­ un medio para representar los sonidos musicales; escrito música indicando tono, la duración y el ritmo. Nota ­ un símbolo que se utiliza para expresar el tono y la duración de los tonos musicales. Orquestación ­ la organización de la música para instrumentos y voces. Parte ­ la música para una voz o instrumento individual. una nota que es una transición entre dos notas más importantes ­ nota de paso. Enunciado ­ la agrupación y la articulación o la expresión de un grupo de notas. Pitch ­ la palabra que se usa para indicar la altura relativa o bajeza de un tono o su frecuencia. Registrarse ­ un área específica de la gama o el compás de una voz, instrumento o composición. Resto ­ un símbolo que se utiliza para indicar los periodos relativos de silencio. Ritmo ­ el movimiento de la música. Raíz ­ la nota fundamental de un acorde o escala. Puntuación ­ un manuscrito o representación impresa de una obra musical que muestra todas las partes de una ensemble dispuesta verticalmente con el tiempo se mueve horizontalmente. Sharp ­ la notación (#) colocado delante de la cabeza de una nota que levanta la altura del tono de la mitad. El personal (duela) ­ un conjunto de líneas que sirven como guía para escribir notas e indicando su relativa posición. Sistema ­ dos o más varas de música unidas entre sí por una línea o un aparato ortopédico en una partitura para demostrar que las notas escritas sobre las varas unidas se mueven juntos.

En tercer lugar ­ un intervalo de tres grados de la escala diatónica. Timbre ­ el color o la calidad tonal de un sonido.

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Transcripción ­ la notación escrita tomada de una grabación. Clave de sol ­ la clave de sol que cae sobre la segunda línea de la plantilla, que se utiliza para la parte de la mano derecha de instrumentos de teclado, la parte de soprano vocal y los instrumentos melódicos mayores. Voz ­ una de las partes en la música que tiene más de una parte. Expresando ­ la disposición de voces notas 'en una estructura vertical o acorde. Escala Tonal ­ una escala compuesta de pasos de tono enteros.

1 El libro Arte por L. Ronald Hubbard ha sido una gran referencia para mí en la acción de arte como una

la comunicación en sus múltiples aspectos.

2 En los últimos 10 años he comenzado a utilizar la notación de secuenciación equipo también. La lógica tiene mucho desde entonces ha sido mi herramienta para grabar rápidamente sus ideas y hacer demostraciones de composiciones en curso, y Sibelius se ha convertido en mi herramienta para la creación de una puntuación final ­ cuando tengo tiempo para hacer eso mí mismo.

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