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Tunes Aprendizaje Publicado por Eric En 21 de abril 2010 @ 22:05 En Tunes | No Comments

Parece que los músicos de jazz siempre está pensando en canciones; sabiendo canciones, melodías de aprendizaje, ¿cómo que uno vaya de nuevo? Realización de diferentes situaciones que se espera que saber ciertas melodías que otros músicos llamar o incluso personas en la audiencia se soliciten. Esto puede parecer una tarea de enormes proporciones en un primer momento y realmente parece que siempre hay más canciones para aprender, sino aprendiendo y practicando canciones de una manera estructurada que puede empezar a construir un repertorio duradero.

Aprender de oído Aunque en un principio el aprendizaje de una melodía y los cambios a una norma de esta manera puede parecer más difícil que la simple lectura de la música de un libro real, los beneficios de averiguar melodías de oído es mucho mayor ... en realidad no es ni siquiera en comparación cercano a la lectura desde una página. Al intentar memorizar una melodía de un libro real, usted está tomando sus oídos completamente fuera de la ecuación. Visualmente se puede ver todo y mentalmente entenderlo, pero a menos que su memoria es fotográfica usted no será capaz de recordar la melodía de una hora a partir de ahora y mucho menos al día siguiente. El uso de los oídos y de instrumentos de averiguar melodías y progresiones de acordes que se conecta físicamente a la música y esto junto con la repetición es la clave para la memorización. Tomemos, por ejemplo, todo el software de aprendizaje de idiomas por ahí hoy en día que se basa en este concepto. En estos programas se escucha una frase en el idioma que está tratando de aprender, dado el significado y luego se le pide que repita la frase una y otra vez. De esta manera usted está inculcar la información en su memoria a través del acto físico de decir la frase o palabra en varias ocasiones. El mismo concepto se aplica al aprendizaje de una melodía de oído, sólo que esta vez en lugar de su voz que tiene su instrumento. Así que en resumen, dejando que sus oídos guían usted no sólo ayudará a memorizar la melodía más rápido, pero que fortalecerá la conexión física entre el oído y el instrumento.

Realmente "saber" la melodía Una cosa para recordar es que la construcción de un repertorio de melodías duradera requiere tiempo y no se puede hacer en una semana o dos. Lo que suele ocurrir en nuestra ambición de aprender todas las canciones que no conocemos aún, es que tratamos de aprender todo a la vez en un corto período de tiempo y terminan reteniendo muy poco de él. La solución es aprender un menor número de canciones en un período de tiempo, pero para realmente

aprender de ellos por lo que estarán arraigados. Es muy fácil sentirse abrumado por la gran cantidad de canciones que se espera saber para comenzar con sólo unos pocos. Trate de 2-3 canciones a la semana y sólo se centran exclusivamente en estas pocas canciones durante su tiempo de práctica. Todos los días revise la melodía y los cambios y resuelve las complejidades de cada melodías como usted practica solos sobre él, y después de algún tiempo ha pasado, revise la melodía para asegurarse de que todavía tiene. Acercarse a su práctica de este modo se creará una conexión duradera con la melodía que usted será capaz de recordar, incluso después de haber pasado meses.

Donde empezar Un buen lugar para comenzar es hacer una lista de canciones que usted debe saber o quieren aprender. Si usted está recién empezando recoger unas cuantas normas o azules cabezas o si está más avanzado, tal vez necesites repasar algunas canciones Monje o aprender esas canciones Wayne Shorter que todo el mundo sigue llamando. Crear un horario que es alcanzable y le da tiempo para dominar realmente cada melodía y luego realmente dedicarse a pasar por esa lista. Si usted está en una jam session y alguien llama a una melodía que no has aprendido aún, anótelo y agregarlo a su lista. Esta es una gran manera de averiguar qué melodías que usted debe saber o que se espera que sepa. Por último, recuerda que nadie sabe cada melodía, incluso los maestros y con un poco de disciplina y tiempo se puede construir una sólida base de melodías que le servirán bien en cualquier situación.

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¿Por Jazz Educación no se ajusta al moho Publicado por Eric En 18 de mayo 2011 @ 08:50 am En Perspectiva | No Comments

Una cosa que todos estamos acostumbrados en este día y edad es resultados con una cantidad limitada de trabajo. De las tareas diarias a objetivos de vida más grandes, esta mentalidad se ha arraigado en nuestra mentalidad colectiva. Poner en una cantidad de tiempo y esfuerzo y llegará a su meta, conseguir los resultados exactos que has imaginado. Esta actitud es especialmente cierto para nuestro sistema educativo. Usted pasa cuatro años en la escuela secundaria y con una cantidad mínima de trabajo, se obtiene un diploma. Ahora eres un graduado de escuela secundaria. El siguiente paso, la universidad. Escoja una de las principales, completar cada curso, pasar sus finales, y ahora usted está listo para el mercado laboral. Este es el modelo típico de la mayoría de los puestos de trabajo, en cada paso del camino hay requisitos y objetivos que cumplir mínimos. Una vez que ha saltado a través de estos aros, que ha logrado su objetivo. Sin embargo, como los músicos de jazz, que no encajan exactamente en este sistema.

Educación Jazz Este modelo no es propicio para la creación de innovadores músicos de jazz, pero así es como el sistema de educación del jazz se establezca. Mientras que casi todos los demás disciplina ha adoptado un sistema de titulaciones colegiata de adquirir los conocimientos y las habilidades necesarias para una profesión en un campo, esto no tiene el mismo éxito para los músicos de

jazz. La realidad del asunto es que las habilidades necesarias para desarrollarse como improvisador madura no pueden ser adquiridos en un solo curso o incluso durante los años que se tarda en completar un programa de música - que necesita para pasar toda su vida tratando de mejorar. Cuatro años de estudio no pueden producir un músico completo, pero esta no es la forma en que muchas personas lo ven. Aquí está la forma en que muchos programas musicales prevén que: con un curso de entrenamiento del oído que ha perfeccionado sus oídos, con cuatro semestres de un curso de improvisación que domine todas las habilidades que necesita para elaborar un gran solo, con un curso de la historia del jazz que ' he aprendido todo lo que necesita saber acerca de los orígenes y el desarrollo de la música. Esto no quiere decir que las escuelas de música no tienen ningún beneficio. Programas de música de la universidad son un gran lugar para conectar con un mentor, conocer y colaborar con otros músicos, y empezar en el camino del estudio musical serio. Sin embargo, su aprendizaje no debe comenzar y terminar dentro de los muros de la escuela de música. El verdadero aprendizaje comienza como usted se empuja para dominar esta música.

¿Cómo los maestros aprendieron A lo largo de la historia de esta música, echar un vistazo a cómo los maestros aprendieron a jugar. Ellos no tenían programas de música especializadas o libros de guía para mostrarles el camino. Ellos simplemente se sumergieron en los registros, aplican su propia creatividad, y dedicaron su vida a la música. Al pasar horas estudiando todos los aspectos de la música para el lapso de su carrera, estos músicos crearon algo realmente innovador. El proceso es el mismo, incluso hoy en día. Los mejores músicos que asistieron a las escuelas de música son jugadores que estudiaron en la universidad y se intensificaron su aprendizaje cuando salían de la escuela, sin dejar de adquirir la técnica y el lenguaje a medida que crecían. En lugar de sentirse satisfecho con la competencia o saciado con éxito, estos maestros contemporáneos se esfuerzan por mejorar cada día. Si quieres sonar como sus héroes, es lógico que siga su ejemplo. Buscando secretos o atajos para salir de pasar horas en la sala de la práctica sólo se va a dejar que poco ha cambiado. Lo que se pone en esta música es directamente proporcional a lo que va a salir de ella. Los maestros de esta música fueron y siguen siendo algunas de las personas más dedicadas en este planeta.

Sepa qué esperar desde el principio Es fácil hacer suposiciones equivocadas acerca de tocar jazz. Ya se trate de confiar en el conocimiento teórico de dominar el lenguaje de jazz o de pensar que se puede gastar una cantidad limitada de tiempo y esfuerzo para convertirse en un gran improvisador, adquiriendo una visión realista de lo que se necesita para lograr las habilidades que desea es un paso

difícil pero necesario en la mejora. En lugar de adoptar la mentalidad de que usted puede dominar bebop con sólo unos lame clave o que con pocos años de estudio concentrado que no tendrá que trabajar mucho más, aceptar el hecho de que convertirse en un improvisador dominio es una larga persecución vida. Aprende a apreciar las alegrías que vienen con el aprendizaje de algo nuevo y mejorar un poco cada día. Tome orgullo en el hecho de que la improvisación y no es algo que se logra fácilmente y sólo es fructífera para los más dedicados.

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¿Por Jazz Theory es más fácil de lo que piensa ... Publicado por Eric En 29 de octubre 2015 @ 11:40 am En Acordes, Jazz Educación | Comentarios discapacitados

Déjame adivinar… Eres inteligente. Usted sabe sus cosas. Y usted tiene un brillo en sus ojos cuando hablas de música. Usted toma lecciones y se juega en una banda, y cuando encuentre un par de minutos gratis que estés practicando su instrumento. Pero cuando se improvisa no suena como si nada. No importa cuánto te esfuerces, siempre está atascado en el punto de pensar acerca de las notas correctas para jugar. Copia lame y escalas de inserción en sus líneas - pero ahora suena tu solo cojo. Intenta otro nuevo concepto melódico. Eso es aún peor. El problema no es tu esfuerzo o incluso su talento ... Se remonta a la misma cosa que lo impide a muchos jugadores excelentes de conseguir la

música que hay dentro de sus mentes de sus instrumentos. Estoy hablando de la trampa de la teoría de la música.

¿Qué es exactamente la teoría de la música? Teoría de la música significa muchas cosas para muchas personas diferentes ... Para algunos es un lío confuso de nombres de las letras y las escalas. Cada solitario es una lucha para dar sentido a F # 's y AB7 de, escalas menores melódicas, modos dorian, círculos de 4as y 5as ... Para otros es una clase que a regañadientes toman llenos de libros de texto secos y las normas sobre todos los aspectos de una línea musical. Y para algunos es un sistema de notas y acordes que se aferran a por su vida para que puedan jugar las "notas correctas" en un solo. Pero si das un paso atrás por un momento verás que la teoría de la música es mucho más simple que nada de eso ... Teoría de la música es simplemente una manera de hablar sobre el sonido de la música. Es una manera de conceptualizar la construcción de los sonidos que usted escucha todos los días. Una manera de decir: "Esa nota es una 'A', Ese sonido es un séptimo acorde menor, y esa canción es un blues de 12 compases ..." Cada concepto de teoría que se aprende está conectado al sonido real. Y esto es cuando la teoría de la música se convierte en el más útil - cuando está directamente relacionado con los sonidos que usted juega todos los días. Pero para llegar a ese punto no siempre es fácil ...

Detener la sobrecarga de información!

Recuerdo que en el séptimo grado mi director de la banda de jazz se desmayó un programa de escala para prepararnos para la improvisación. Fue una larga y confusa lista de símbolos de acordes y nombres de escala y las letras ... Y cada vez que trataba de improvisar con esta información el cerebro de repente se congeló. Antes de que pudiera tocar una nota de un solitario me he quedado atrapado pensando frenéticamente sobre qué nota debería empezar o qué escala que debo usar. Esto es exactamente lo que ocurre con muchos jugadores que practican la improvisación - que se paralizan con la enorme cantidad de información de la teoría musical. Estoy seguro de que has tenido la misma experiencia la primera vez que resquebrajó un libro de teoría musical o mirabas ejercicios de improvisación de jazz ... Teoría Jazz sobrecarga! Como resultado, muchos buenos jugadores se distraen y pegado preocuparse escalas alteradas, sustituciones y otros conceptos esotéricos antes de que tengan los elementos concretos básicos de la música dominado. Y esto va a dificultar su creatividad cuando más lo necesitas.

Así que vamos a hacer las cosas más simples por un momento ... En lugar de tratar de hacer frente a esa montaña de información o elegir entre cientos de escalas cada vez que intente improvisar, mirar los elementos musicales que aparecen una y otra vez en la mayoría de estándares de jazz. Pregúntese: "¿Qué estoy realmente va a encontrar en las melodías que juego como improvisador?"

Los 3 pilares para Entender Teoría Jazz ¿Cuál es la base de los temas que está tratando de aprender y jugar solos de nuevo? No es escalas o sustituciones de acordes pentatónica. Y no es un concepto cromático lydian o de agudos-11 de 9-plana y ...

Mantenga cavar más profundo! A continuación todos los acordes y escalas complejo todo el mundo habla son 3 elementos básicos que conforman la base de la teoría del jazz. Ellos son:

¡Eso es! Mira a través de cientos de estándares de jazz y encontrarás las mismas tres cosas una y otra vez ... 12 teclas 4 tipos principales de acordes Y un par de progresiones de acordes comunes Este es el fundamento de teoría musical que usted necesita para comenzar con el fin de tener éxito como solista. Además de esto usted puede conseguir tan avanzado como usted desea. Puede agregar tonos alterados de acordes, escalas de lujo y sustituciones tritono al contenido de su corazón ... Pero al final del día, todavía estás improvisando sobre estas 3 estructuras básicas. Cuanto antes se les arraigar más fácil será para navegar cualquier situación musical. Echemos un vistazo más de cerca ...

I) dominar el 12 Teclas

Lo bueno de la teoría de la música es que es simétrico - t él gobierna son los mismos en

todos los tonos. Y por suerte para ti sólo hay 12 llaves. Una vez que aprendas a escala, un acorde o una progresión de acordes en una clave, la relación es exactamente la misma en todos los demás clave. Así que empieza con uno! Vamos a echar la llave de B Major. Su objetivo es dominar esta clave de la escala mayor hasta el final a los acordes diatónicos. Por ejemplo, comience con la escala mayor:

Luego practicar esa escala en diferentes intervalos:

Comience con 3as y continuar todo el camino a través 4ths, 5as, 6ths y 7ths. Recuerde que debe desempeñar cada uno en todas las cuatro direcciones. Siguiente jugar el séptimo arpegios en cada grado de la escala:

(Echa un vistazo a este artículo para algunos ejercicios más grandes a escala!) Finalmente memorizar los acordes diatónicos de cada tecla y reproducirlos en el piano:

Esa es una de las claves. Ahora dominarlo y pasar a la siguiente. Haga esto en todos los tonos. Recuerde que sólo hay 12!

II) Aprenda los 4 Tipos de Acordes

Después de haber inculcado todas las 12 teclas, es el momento de centrarse en los acordes ... En la mayoría de los estándares de jazz te vas a encontrar 4 tipos de acordes: Mayor menor Dominante (V7) y medio-disminuida Comience por la comprensión de la estructura de cada tipo de acorde. Un buen ejercicio es jugar cada calidad acorde en una de las claves en el piano:

Luego en su instrumento arpegiar cada acorde desde la raíz hasta la séptima posición y volver

a bajar. Por ejemplo en un acorde de 7 B Major se vería así:

Continuar a través de cada tipo de clave y acordes de la manera mostrada anteriormente:

Para leer un poco más sobre el desarrollo del lenguaje en estos acordes consultar los siguientes artículos: Cómo adquirir lenguaje útil 10 opciones fáciles para ampliar su vocabulario séptima dominante Cómo no Suck al Acordes disminuidos Half-

III) Common Chord Progresiones

Ahora que tiene el saber las 4 estructuras básicas de acordes abajo, usted necesitará saber cómo estos acordes encajan. Y si alguna vez has tratado de construir su repertorio usted sabe que puede parecer que hay cientos de progresiones de acordes que usted necesita memorizar ...

Sin embargo, hay en realidad un puñado de progresiones de acordes comunes que se utilizan una y otra vez. Comience simple y conseguir progresivamente más compleja. Comience por el aprendizaje de la dominante en Tonic (V7 - I) la relación en todos los tonos:

Cuando se trata de memorizar progresiones de acordes el mejor ejercicio que puedes hacer es visualizar la información en su mente. Prueba esto con la progresión V7-I en los 12 llaves. Siguiente movimiento en el ii-V7-I progresión de acordes. Comience con una llave y pasar gradualmente a los otros 11 teclas:

Después de que hayas hecho esto, echa un vistazo a este artículo para algunos más progresiones de acordes comunes para aprender. Estudie cada uno de ellos y aprender en todas las 12 teclas.

Vamos a criticar… Antes de llegar frustrado o confundido con la cantidad de la teoría del jazz de aprender, hacer más simple, centrándose en los elementos musicales que te encuentres en las canciones que se tocan. Recuerde que hay 3 pilares principales en la base de la teoría del jazz: 12 Claves

4 Acordes Y algunas progresiones comunes Tomar una sección a la vez y dominar cada uno de ellos. Comience con las 12 teclas y avanzar gradualmente a los acordes y progresiones. Se puede tomar un par de semanas o unos pocos meses para conseguir estos conceptos arraigados en función de su nivel de habilidad y experiencia. Pero una vez que usted ha arraigado esta información de todo, desde las canciones que estás aprendiendo a los solos que estés transcribir, a los solos que está tomando empezará a hacer mucho más sentido. Recuerde, no deje algo como teoría de la música en el camino de la verdadera razón por la que estás jugando la música!

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¿Por qué debería ser el peor jugador en la habitación Publicado por Eric En 06 de octubre 2014 @ 11:12 am En Consejos para todos, inspiración, Jazz Educación, Perspectiva, Consejos | No Comments

Si usted está leyendo esto supongo que quiere ser el mejor. ¿Quieres entrar en una habitación con su instrumento y aplastar por completo la competencia. Para hacer frente a todos los progresión de acordes, cada melodía, y cada pasaje técnica desafiante con maestría sin esfuerzo. Tener caída de la mandíbula de cualquier otro jugador como se ven en en completo asombro. ... Por desgracia esto no es siempre el caso. Usted ve, la realidad es que a veces se le intenta lo mejor posible y al final en la mitad de la tabla y en otras ocasiones, que va a terminar en ese lugar terrible en la parte inferior - usted es el peor jugador en la sala de . Sucede. Cuando usted se encuentra en estas situaciones que de repente se siente como la música ya no es divertido. Usted se desanime, puede que incluso quieren dejar de fumar, y no puede esperar para volver corriendo a la seguridad de su zona de confort. Pero espere un segundo! Al ser el peor jugador en un grupo de músicos no es necesariamente una mala cosa ... es realmente una buena cosa. Es posible que no se den cuenta, pero usted está en el lugar perfecto para mejorar.

Uf, yo soy el peor de los casos ... Dime si esto suena familiar:

Usted ha caminado en una jam session y no sabe ninguna de las melodías. Usted está en una clase con un gran maestro y de repente se da cuenta de sus puntos débiles musicales. O tal vez te hayas registrado para una nueva clase o arriesgamos y una audición para un nuevo grupo. Si lo hace, entonces estoy apostando que usted sabe lo que se siente al ser el peor. Usted ha estado en situaciones en las que se siente como todo el mundo sabe lo que están haciendo, excepto usted. Usted ha tropezado en un lugar donde usted es el recién llegado. Usted está en la presencia de grandes jugadores y de repente sientes muy pequeña, un principiante confundido de nuevo. Como músicos nos encontramos con una serie de estas situaciones en nuestros esfuerzos por mejorar. Es lo mismo para los mejores jugadores que hay, ya que es para principiantes. Cuando Pájaro jugaría una melodía, yo sólo juego justo debajo de él y le dejé llevar la nota ... Yo solía salir todas las noches cuando yo estaba jugando con ese tipo. Yo diría, "¿Qué me necesitas?" ~ Miles Davis En mi propio viaje musical me he sentado con bandas profesionales como estudiante y apenas podía mantener el ritmo. He caminado en sesiones de improvisación donde yo deseaba que me había dejado mi instrumento en casa. He tomado audiciones y completamente bombardeado. Me he tomado lecciones de algunos de mis héroes musicales y he dejado conciertos pensando "Wow, realmente no sé nada!" Estas situaciones eran inspiradora y desafiante, ya veces eran estresante y dolorosa, pero todos fueron cruciales para mi mejora como jugador. Para seguir adelante tuve que ponerme en una situación en la que yo estaba luchando para mantenerse al día. Y este es uno de los principales factores que impide que muchas personas se conviertan en mejores músicos - que simplemente tienen miedo de ser el peor jugador en la habitación.

3 razones que tienen que ser el peor Al ser el peor jugador en cualquier situación musical no es divertido, sin embargo, es un rito de paso necesario si quieres empezar a lograr sus metas musicales. Mejora significa salir de su zona de confort y poner tus habilidades a prueba. Significa encontrar músicos que son mejores que tú y frente a sus puntos débiles musicales. Significa ser un principiante y dando lo mejor de ti. Si realmente quieres convertirte en un mejor músico, en algún momento u otro tienes que ser el peor jugador de la habitación.

Aquí hay 3 razones que usted debe ser el peor jugador en la habitación.

# 1) Levantar la barra musical

En este momento, ¿qué significa "bueno" improvisar significa para usted? Vamos pensar mucho en ello ... Esta es una pregunta difícil de ponderar porque la respuesta es relativa. Es en relación a lo que ha escuchado y experimentado, y esto es siempre cambiante. Es bueno improvisando lo mismo para usted como lo es para los jugadores que usted busca hasta? Probablemente no. El primer beneficio tangible que se obtiene cuando se introduce una situación musical que está encima de la cabeza es que su perspectiva se altera inmediatamente. Lo que era aceptable o incluso bueno antes ya no va a cortar. El bar se ha planteado y hay un nuevo conjunto de expectativas que debe cumplir. Podría ser las expectativas técnicas sobre su instrumento, el nivel de improvisación, o el repertorio musical que se espera que usted sabe. Un nuevo estándar se ha establecido y que podría no ser capaz de mantener el ritmo. Recuerde, esto es una cosa positiva - esto significa que usted se está moviendo hacia adelante. Sus ojos y oídos se han abierto a nuevas posibilidades musicales. Cuando esto sucede, es posible que note una sensación extraña. Usted ha regresado a esa forma de pensar del descubrimiento, emoción, posibilidad, el crecimiento, y la incertidumbre. Te has convertido en un principiante otra vez. "En la mente del principiante hay muchas posibilidades, en la mente del experto hay pocas." ~ Shunryu Suzuki Uno de los aspectos mágicos de la música es que siempre hay espacio para el descubrimiento y la posibilidad. Cada vez que se levanta la barra se encuentra con un nuevo mundo de posibilidades.

# 2) rodearse de mejores músicos Usted tiene un horario de práctica constante, que estás escuchando todo el tiempo y usted tiene un algunos conciertos. Pero ¿a quién te comparas con como músico? ¿Tus amigos? Los otros músicos de su banda? Los músicos en su escuela? ¿Qué pasa con los músicos en su sesión de improvisación local? Los mejores jugadores de Nueva York? ¿O qué tal los maestros que se escuchan en su colección de discos? La verdad es que siempre hay jugadores por ahí que son mejores que tú - siempre. En cada nivel hay diferentes expectativas y diferentes definiciones de "bueno" de juego. Hay una expectativa musical entre sus compañeros, uno con sus maestros, y otro con los jugadores que se escuchan en los conciertos y en grabaciones. Su trabajo es mantener a propulsar a sí mismo al siguiente nivel. ¿Cómo haces esto? Tienes que buscar a los mejores jugadores de todo y las situaciones musicales que desafían: Ir a jam sessions Tome una lección de un gran jugador Ver los mejores intérpretes de música en vivo y de clase mundial en su área Realice tanto como puedas Y rodearse de músicos que son serios acerca de la música En estas situaciones es posible que sea un principiante, usted podría ser impugnada y luchando, y que podría ser el peor jugador en la habitación. Pero una cosa que usted puede estar seguro es de que estás rodeado de los músicos que saben las respuestas que está buscando.

# 3) Usted es perezoso!

Soy perezoso. Todos somos perezosos ... Es la naturaleza humana. Queremos permanecer en nuestra zona de confort, donde podemos estar seguro de sí mismo y confiado en todo momento. El único problema es que esta zona de confort es una trampa. Pensar en ello. Sin algún tipo de empuje, que va a ser el mismo jugador que son hoy en día, semanas, meses o incluso años. La buena noticia es que no hay nada más incómodo que es el peor jugador de la habitación. En estas situaciones difíciles a obtener beneficios como un nuevo punto de vista musical y la compañía de músicos de alto calibre, pero usted también gana uno de los beneficios más importantes - la motivación. "Usted nunca debe ser cómodo, hombre. Estar cómodo en elevado de foul a una gran cantidad de músicos. "~ Miles Davis Cuando eres el peor jugador en la habitación tienes que tomar una decisión: puede dejar de fumar o empujarse sin descanso para mejorar. Esas situaciones en las que fallan o se esfuerzan por mantenerse al día son los que motivan a la mayoría. Nada se moverá a alcanzar su potencial como músico de ser el peor jugador en la habitación.

Ahora depende de ti Piensa en ello de esta manera. Usted no está apuntando a ser terrible, y no simplemente está poniendo en una situación musicales donde cada jugador es mejor que tú. Usted está en la compañía de personas que han llegado al siguiente nivel musical, músicos que saben las respuestas que está buscando. En este momento es posible evitar jam sessions, porque usted no sabe muchas canciones. Es

posible que mantenerse a distancia de pedirle a un gran jugador para una lección porque piensa que todavía no eres lo suficientemente buena y es posible evitar nuevas situaciones musicales porque tienes miedo de fracasar. Pero es precisamente por estas razones que usted necesita para salir y darle un tiro. Está bien ser el peor. Estás haciendo algunas muy importantes pasos musicales a seguir: Usted está elevando el listón de sus expectativas musicales, rodearse de grandes músicos, y la creación de una fuente duradera de la motivación. Beneficios musicales que no vas a conseguir si se juega a lo seguro y ocultar en su zona de confort. Cuando eres el peor jugador de la sala en la que está comenzando la próxima etapa de su desarrollo musical. Abraza la oportunidad de ponerse a prueba y ser el peor. A decir verdad, yo estaría más preocupado si usted es el mejor jugador de la habitación.

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¿Debo ir a la Escuela de Música? Publicado Por Forrest En 07 de julio 2011 @ 23:56 En Jazz Educación, Perspectiva | 1 comentario

Averiguar qué universidad ir y lo que su importante será es toda una tarea. Recientemente recibimos una pregunta preguntando específicamente sobre cómo elegir una escuela de música que sea adecuado para usted: ¿Me podría decir sobre el proceso de búsqueda de una escuela de música? ¿Podría dar algunos consejos sobre la audición? Creo que podría ser algo realmente útil para los músicos de la escuela secundaria, como yo. Porque ir a la universidad es un evento tan importante en la vida de uno, este es un asunto bastante importante, y debe tratarse como tal. Cuando elegí las escuelas a las que asistí, era principalmente coincidencia que terminó siendo una buena opción para mí; las escuelas tipo de cayó en mi regazo por así decirlo, en un camino de menor resistencia a la manera tipo. Por suerte para mí, estas situaciones académicas resultaron bien, sin embargo, hay muchas cosas que me habría pensado antes de ir a la escuela de música, si yo hubiera sabido de ellos. Voy a abordar esta cuestión en dos artículos. Este primer artículo se ocupará de la simple pregunta, "¿Debo ir a la escuela de música?" Y el segundo artículo elaborará en que, respondiendo a la pregunta: "¿Qué escuela de música es el adecuado para mí y cómo puedo aumentar mis posibilidades de ser aceptado ? " Por lo tanto, la gran pregunta que nos ocupa, debo ir a la escuela de música? -arranques Con alguna reflexión profunda sobre lo que realmente quieren pasar su tiempo haciendo. Y voy a

empezar por decir un número de razones por las que no debería ir a la escuela de música. Sí, me dijo que por qué no debería hacerlo. La razón de esto es simple: si usted lee a través de estas palabras de advertencia y no te molesta o sorprendido, que lo más probable es que sea una gran experiencia para usted.

Un músico profesional Recuerdo claramente el día de orientación en William Paterson. Mulgrew Miller se paró frente a nosotros y preguntó con curiosidad: "¿Cuántos de ustedes quieren ser músicos profesionales?" Se podía escuchar cierta moderación en su voz, como si quisiera que pensemos realmente sobre esta cuestión y sus implicaciones. Casi todo el mundo casualmente levantaron la mano como si no fuera gran cosa. Pero la pregunta de Mulgrew es un gran problema y es algo en que pensar antes de siquiera pensar en ir a la escuela de música. ¿Quieres ser un músico profesional? Si o no. Si la respuesta es no, entonces usted debe ni siquiera considerar con especialización en música. Si la respuesta es sí o una parcial que sí, entonces tomar la escuela de música en consideración. ¿Cuánto te gusta tocar el instrumento? ¿Cuánto te gusta jugar en grupos? ¿Le gusta componer? ¿Sería un sueño para que usted pueda viajar por el mundo de la música que juega? Todas estas son preguntas para reflexionar. ¿Cuánto reproducción de música significa sinceramente a usted? Si no es como la respiración para usted en el sentido de que hay que hacerlo, probablemente debería evitar la especialización en música.

La utilidad de una medida de la música Incluso si te gusta jugar, el significado de un grado de la música no es mucho, a menos que quiera enseñar. En términos de encontrar un trabajo cuando se gradúe con un título de música, vas a estar en un lugar similar a cuando entró en la universidad. Esa es una declaración triste, pero la realidad es, simplemente no hay muchos puestos de trabajo para los músicos, especialmente para las personas que quieren realizar el jazz y no enseñar. Dicho esto, cuando sus amigos de la secundaria se gradúan de la universidad y aceptar empleos de sueldos que comienzan en 60k, tendrás suerte si consigues algunos conciertos a la semana que pagan un par de cientos de dólares. La rapidez con que se va a pagar el 100 k en préstamos estudiantiles que sacó a ir a la escuela de música? A ese ritmo, usted podría estar en deuda el resto de su vida. Por otra parte, para ser músico profesional, simplemente tienes que jugar bien, trabajar bien con otros, y entender cómo llegar a su trabajo en grupo. Nadie va a ver sus credenciales antes de su concierto, o importa si usted tiene un título de música para reproducir en su

banda. Usted no tiene que asistir a la escuela de música para perseguir en serio la música. Muchos músicos de jazz profesional hoy en día no tienen una licenciatura en música. Como siempre y cuando continúe para avanzar en su desarrollo como músico, siempre se puede tener la música es una parte importante de su vida.

otros intereses ¿Tiene otros intereses que prefiere obtener un título universitario en? Tal vez usted es muy bueno para las matemáticas o el amor escrito. ¿Se sentiría usted lamentará si dejaron de continuar tus estudios en una de sus otros intereses? En serio contemplar qué otras vías es posible que desee estudiar aparte de la música. Después de graduarse en la parte superior de su clase de secundaria, Joshua Redman se graduó de Harvard summa cum laude con una licenciatura en ciencias sociales y luego declinó su aceptación a la facultad de Derecho de Yale, a favor de proseguir su carrera musical. Si usted tiene otras pasiones que usted piensa que podría ser digno de su estudio en la universidad, les dan igual consideración. Elija lo que estudias en la universidad sobre la base de sus verdaderos intereses. Incluso si usted decide especializarse en algo distinto a la música, a menudo se puede tomar clases o participar en sesiones de improvisación con sólo hacerse amigo de la gente en el departamento.

Beneficios de la escuela de música ¿He fondo usted convencido de que usted no debe ir a la escuela de música? No estoy tratando de asustar apagado, pero la razón por la que estoy las cosas sobre la mesa de esta manera, es porque es importante saber lo que te estás metiendo y qué esperar. A pesar de todos los musicales de la escuela advertencias Acabo detallados a lo largo del artículo, me siento que gané una enorme cantidad de conocimiento invaluable, tanto musical como interpersonal, por ir a la escuela de música. Lo principal que se benefician de y salir de la escuela de música con es relaciones. Las relaciones con la facultad y las relaciones con otros estudiantes. En términos de la facultad, en las dos escuelas a las que asistí, me llevaron bajo su ala. Ellos están allí para usted 100%. En mi experiencia, que imparten sus conocimientos musicales en ti y te guían lo mejor que pueden. Usted todavía tiene que hacer el trabajo, pero su mentor buque ayuda mucho en el proceso. Ese es un punto importante a recordar: simplemente asistiendo a la escuela de música, no se convertirá de forma natural un gran jugador. Usted tiene que tomar lo que se aprende y practica sin cesar. Y 4 años se acaba de empezar. Jazz Aprender es una búsqueda de toda la

vida y cuando se gradúe, usted todavía va a estar trabajando para mejorar, tratando de llegar al siguiente nivel. Grabación de sus lecciones y llevar un diario durante su escolarización se asegurará de que usted tiene un montón de practicar durante años. No sólo se aprende un montón de conocimientos de los maestros que serán de utilidad para su futuro, te encuentras con muchos otros grandes jugadores que se pueden aprender y jugar así. De hecho, muchos grupos famosos forman a partir de la reunión en la universidad. Escuche lo que Kurt Rosenwinkel dice acerca de asistir a Berklee y las relaciones que desarrolló:

Incluso después de que se gradúe, la red a cultivar durante la escuela seguirá ayudarle. Después de graduarme, mis maestros me empezaron a dar conciertos y contratarme en sus propios conciertos. Y los amigos que se reúnen en la escuela, usted contratan para sus conciertos. Esta red de amigos y maestros es muy valiosa. Por supuesto que hay muchas otras cosas que usted gana de ir a la escuela de música: el conocimiento de la armonía, teoría, habilidades de composición, entrenamiento del oído ... pero la mayoría de ellos podrían ser aprendidas por su cuenta si estás motivado. Lo que no se puede aprender por su cuenta es la experiencia que tendrás en la escuela como Kurt Rosenwinkel describía en el video anterior. Por ejemplo, escuchar la forma en Rich Perry articula, justo al lado de él, durante unos años, o de pie sobre Harold Mabern como él se vuelve más sonido de piano de lo que nunca ha oído hablar. Incluso la forma en que los maestros dicen cosas, por ejemplo, cómo Mulgrew Miller preguntó acerca de ser un músico profesional o la forma de arte Bouton me decían una y otra vez que tener un gran sonido y jugando en sintonía es la mitad de la batalla por un saxofonista; hay tanta sutileza y sentido a lo que estas personas tienen que ofrecer que sólo puede ser brillaba en persona.

Empezar a ver qué tipo de grandes cosas puede venir de ir a la escuela de música? Tienes que estar vivo, al lado de estos músicos fabulosos (y personas extraordinarias) para absorber cada onza de su conocimiento. No es algo que se puede leer sobre o estudio. Asistir a la escuela de música es una manera fácil de acceder a estas personas increíbles y adquirir la experiencia así lo desea.

Así que debo ir a la escuela de música? Bueno, si usted sabe: ¿Quieres ser un músico profesional durante al menos parte de su vida ¿Estás de acuerdo que la hoja de papel se obtiene cuando se gradúe no le garantizará un ingreso No tiene otros intereses que prefiere importante en Usted está dispuesto a poner en el trabajo y entiende que sólo el acto de ir a la escuela de música no le hará un gran músico Entonces, usted debe considerar altamente encontrar una escuela de música que sea adecuado para usted, que se tratarán en profundidad en la secuela de este artículo. Escuela de música no es para todos, pero en mi experiencia personal y, para muchos, puede ser una experiencia muy valiosa e increíble que usted puede seguir extrayendo valor de largo de toda su vida.

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¿Tienes lo que se necesita para ser un músico? (Responder a esta pregunta para averiguar ...) Publicado por Eric En 18 de septiembre 2015 @ 10:48 am En Consejos para Todo el mundo | Comentarios discapacitados

Digamos que este: Usted es un 25 años de edad, jugador de la guitarra, serio y apasionado de lo que haces. Cada día después del trabajo llegas a casa y la cabeza en la sala de ensayo, canciones aprendiendo, practicando su técnica, y soñando con llegar al escenario. Pero a pesar de todo este esfuerzo no estás aún viendo el progreso que usted desea. O tal vez esto: Usted es un abogado de éxito, con una esposa e hijos y una apretada agenda de trabajo. Pero debajo de todo eso que su verdadera pasión es la música. Usted ha tomado algunas clases de piano e incluso tiene bastante buena, pero hace años que has jugado. Ahora que instrumento está allí sentado, acumulando polvo y mirando a usted. ¿O qué tal esto: Los fines de semana que tocar en una banda para la diversión y de vez en cuando usted tiene

un concierto, pero en el fondo sabes que puedes hacer más con la música. Tal vez escribir sus propias composiciones o incluso algún día comenzar su propia banda. Usted ha comprado algunos libros de teoría y comenzó a tomar algunas lecciones, pero sigues preguntando lo mismo ... He conocido a todos estos jugadores y muchos más como ellos, y en cada caso la cuestión candente es la misma: ¿Tengo lo que se necesita para ser un músico? ¿Estoy estudiando el método correcto? Son las cosas que estoy practicando realmente va a pagar? Puedo - a mi edad, con mi horario y mi nivel de habilidad - realmente hacerlo? Si eres como yo estas preguntas han surgido en su cabeza una y otra vez .... Y su mente probablemente gravitó hacia los sospechosos de siempre: el talento, la técnica y teoría de la música. Porque aquí es donde la mayoría de los jugadores se ven cuando piensan en las necesidades de un músico de éxito. Pero la respuesta es mucho más simple que nada de eso. Dejame explicar…

Así que usted quiere escuchar música, ¿eh? Hay muchas razones para jugar música. Para algunas personas es la emoción de estar en el escenario. Para otros es la prisa de conseguir conciertos y comprar el mejor y más nuevo equipo. Y para algunos es el encanto del estilo de vida del músico. Sin embargo, tan convincente como estas razones puede ser, ellos no llegan a sus metas musicales. La verdadera pregunta que usted debe preguntarse es lo siguiente: "Si usted coloca su instrumento hoy y nunca música que se reproduce de nuevo, ¿sería capaz de dormir por la noche?" Si se llevó todos los 'beneficios' y motivos externos para reproducir música, ¿todavía siente un gut-perforación necesita para jugar? Si la respuesta es "sí", entonces usted tiene la única cosa necesaria para dedicarse a la música. Es este sentimiento persistente, este llamado a la música que realmente te impulsa a convertirse en un músico. Lo amas. Tienes que desee reproducir música. Usted simplemente no puede vivir sin él.

Más allá de todos los aspectos de nivel de la superficie de la maestría musical, es este llamado interior que te permitirá seguir adelante cuando las cosas se ponen difíciles. Es lo que hace que el jugador que no es una, tal vez incluso lo natural peor músico en un grupo, seguir adelante y seguir mejorando - finalmente superando los jugadores con talento natural. Y esta es la fuerza que empujará a conseguir al siguiente nivel de su propio juego.

Pero ¿qué pasa con la escuela de música? La verdad es que no es necesario ir a la escuela de música para ser un músico. Escuela tiene sus beneficios, pero muchos de los más grandes improvisadores nunca fue a una escuela de música formal y muchos grandes músicos aprendió por su cuenta. Todo se reduce a su nivel de dedicación. ¿Estás dispuesto a pasar tiempo cada día practicando? Incluso aquellas veces que no se sienten como él? ¿Está dispuesto a llegar a establecer metas y llegar a ser un estudiante de nuevo, para mirar honestamente a su conjunto de habilidades y descubrir lo que hay que hacer para mejorar? ¿Eres lo suficientemente inspirado pasar tiempo a investigar, escuchar y estudiar las grabaciones? Para sentarse con una melodía y aprender la melodía y la armonía y solos? ¿Se puede practicar todo esto con el objetivo de encontrar su propia voz? Esta es la verdadera educación de un músico.

Recuerde, aprender a improvisar no es fácil ... En su viaje como músico obtendrá frustrado. Usted obtendrá aburrido y usted incluso se desanime. Vas a fallas en frente de otras personas y que necesita para seguir mejorando y aprendiendo a pesar de sus logros. A veces vas a tener que sudar tinta a través de los días de mierda para llegar a su meta. Usted tomará lecciones con grandes jugadores y se da cuenta de que no sabes nada, ya veces te sentirás como todos los de su práctica no va a ninguna parte. Pero tienes que seguir adelante! "El problema con todos los estudiantes es que, inevitablemente, se detienen en algún Oyen una idea y se aferran a ella hasta que se convierte en muerta.; quieren halagar a sí mismos de que ellos saben la verdad. Pero el verdadero Zen nunca se detiene, nunca se congela en tales verdades. Es por eso que todo el mundo debe ser empujado al abismo, empezar de nuevo y sentir su inutilidad absoluta como estudiante. Sin sufrimiento y las dudas, la mente se detendrá en clichés y permanecer allí hasta que el espíritu muere también. Ni siquiera la iluminación es suficiente. Debe iniciar continuamente una y desafiarse a sí mismo. "~ Shoju

Ahora depende de ti Ser músico no significa que usted tiene que hacer su vida a través de la música. Y esto no significa que usted tiene pasar cada hora de cada día practicando. Esto significa que la música es una parte esencial de su vida y que está dispuesto a poner en el trabajo para alcanzar sus metas musicales. Cualquiera puede decir practicar su técnica, aprender la teoría, y encontrar un maestro ... Pero convertirse en un músico implica mucho más que de las notas que se tocan, el método

que se practica, o el equipo de comprar. Se inicia dentro de ti. Una habilidad que siempre está trabajando en la mejora, una meta que se puede lograr si se pone en el trabajo ... Así que pregúntate a ti mismo una vez más: ¿Tienes lo que se necesita para ser un músico?

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La elección de una escuela de música que es adecuado para usted Publicado Por Forrest En 14 de julio 2011 @ 12:02a.m. En Jazz Educación, Consejos | No Comments

Si usted ha leído a través debo ir a la escuela de música, y después de una reflexión seria he llegado a la noción de que desea ir a la escuela de música, el siguiente paso es encontrar uno que sea adecuado para usted. Dependiendo de su nivel de compromiso, el nivel actual de la maestría musical, otras áreas de interés, metas personales, y el presupuesto, hay un gran número de opciones para elegir.

Colegio frente a la escuela de música exclusiva La decisión principal que tomar es si desea asistir a un programa que es parte de una universidad más grande, o si prefiere un programa que está en una escuela dedicada exclusivamente a la música. Ambos tienen sus ventajas y visitar un programa en tanto le dará una mejor idea de lo que te gusta. Una gran parte de asistir a la universidad es crecer y madurar como persona. Se oye la gente ambigua llaman a esto la "experiencia de la universidad." Cuando yo estaba buscando en los lugares de mi licenciatura, quería asistir a un lugar que me podría ofrecer una experiencia así. No quiere decir que usted no podría potencialmente tener esta experiencia en una pequeña escuela de música exclusiva, sin embargo, un programa que es parte de una universidad en general le ofrece mucho más en términos de actividades extra curriculares, promoviendo así una mayor variedad de experiencia. Hay a menudo eventos en el campus semanales, docenas

de clubes y organizaciones se involucren en, y diversas personas de todo el mundo para interactuar. Por otra parte, una universidad en general le proporcionará muchas oportunidades para perseguir otros intereses en tándem con la música. Tendrás la oportunidad de tomar cursos fuera de la escuela de música y ampliar su punto de vista, si así lo desea. Aunque es difícil en la mayoría de las escuelas, se puede tomar esto como lo que a hacer frente a una doble licenciatura, o minoring en algo fuera de la música. Por otro lado, algunas personas pueden preferir una escuela de música exclusiva sobre una universidad en general. Estás rodeado de gente que está haciendo lo que estás haciendo, (la reproducción de música) todo el tiempo. Tal vez lo único que quieres hacer es la música y que había saltar alegremente a cabo en cualquiera de los cursos que tienen que ver con cualquier otra cosa. Es probable que todavía tiene que tomar lo básico, pero la mayoría de sus clases sería muy probablemente la música enfocado. La única manera de determinar qué formato funciona para usted es visitar. Y es difícil generalizar demasiado. Cada escuela, si se trata de un programa que es parte de una universidad o una escuela de música exclusiva, es su propia entidad.

Facultad que más importa El número uno lo que importa es la facultad que se le gasto tiempo con. En mi experiencia, los más miembros de la facultad hace clic con, el mejor de su experiencia será. Algunas preguntas que debe hacerse acerca de la facultad: ¿Quién voy a estar estudiando en privado con? ¿Me gusta su / su juego? ¿Tengo clic con ellos a nivel personal? ¿Cuánto tiempo puedo obtener con ellos? ¿Cuánta gente diferente puedo estudiar con? Si no estoy estudiando con alguien, voy a tener la oportunidad de aprender de ellos todavía? ¿Quién usted está estudiando en privado con hace toda la diferencia. Si usted no está en su forma de tocar, o no se llevan bien con ellos así, será un largo de cuatro años. Encontrar a alguien que puede ser un mentor para usted, alguien que puede contar continuamente para ayudar a guiarlo es vital. Preguntar por adelantado la cantidad de tiempo que se obtiene con los profesores es muy importante. Muchas escuelas ahora tienen los profesores famosos que ayudan a dibujar la admisión a sus escuelas. Pero el problema es que son constantemente de gira, o peor aún, algunas escuelas sólo ofrecen algunas lecciones con un profesor particular. Si lo que desea es una lección con alguien, que no es necesario ir a la escuela de música; sólo hay que preguntar y por lo general, por un poco de dinero, van a gusto te dan un poco de tiempo. Asistir a la escuela de música debe ser de mucho más que unas cuantas lecciones.

Usted quiere cultivar relaciones con estas personas que siguen teniendo a lo largo de toda su vida.

Plan de estudios Sabiendo lo que su trabajo del curso consistirá en antes de asistir a un programa de música le dará una mejor idea sobre si es adecuado para usted. Piense en estas preguntas: ¿Qué tipo de teoría, entrenamiento del oído, y componer clases ofrecen? ¿Qué tipo de jazz clases específicas se ofrecen y quiénes son enseñados por? Lo que los conjuntos no tienen y que están entrenados por? ¿Cuánto tiempo pasan los entrenadores de conjunto con usted y qué tan activo son? ¿Qué clases se requieren y son útiles? Son mayores de jazz mezclados con otros comandantes de la música para la mayoría de los cursos? A través de estas preguntas, trate de obtener una buena idea sobre el paisaje del entorno de aprendizaje.

Alumnado Usted tendrá que pasar la mayor parte de su tiempo en la escuela con los otros estudiantes. Tener una idea de cómo los estudiantes interactúan entre sí y lo que el nivel general de la maestría musical es. Si no está a la altura de su capacidad, sólo estarás frustrado, y si es muy por encima de ti, te sientes desanimado. ¿Cómo se tratan los estudiantes? ¿Hay una actitud competitiva, o es más de colaboración y de apoyo? Los otros estudiantes en su escuela no sólo se convierten en amigos para toda la vida, pero compañeros de banda también. Encuentra una escuela con un alumnado que coincida con su capacidad y las perspectivas para garantizar la aparición de este tipo de relaciones.

Asisten a la escuela Asisten a la escuela es la cosa más importante que hacer antes de decidir ir allí. Usted puede leer acerca de todo lo que quieras, o hablar con las personas que fueron allí, pero hasta que ir a ver por ti mismo, no sé si es para usted. Llame o forma de correo electrónico con antelación para concertar citas para satisfacer todos los gustos: Obtener una lección con el profesor que va a estudiar con (consulte la sección "Facultad") Obtener un recorrido por los campus, dormitorios e instalaciones Quédate con los estudiantes actuales en los dormitorios mientras estás allí Siéntese en en una clase académica (consulte 'Curriculum' sección) Ver un ensayo y tenga en cuenta la interacción entre los estudiantes y profesores (consulte 'Alumnado' sección) Conoce a los profesores de otros departamentos si se trata de un programa en una

universidad Durante su visita, piensa en todo lo que se establece en cada sección acerca de la facultad, currículo, y el cuerpo estudiantil. Pensar críticamente acerca de esta información mientras estás allí y observar en detalle. Tome notas mentales o escritas sobre todo, constantemente preguntando, "¿Es realmente veo aquí?" Es su educación. Todo depende de usted para sacar el máximo provecho de ella y por pensar en todas estas cosas antes de comprometerse a ir, podrás configurar usted mismo para tener una gran experiencia.

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3 errores fáciles de arreglar eso está haciendo su Solos Suffer Publicado por Eric En 29 de marzo 2014 @ 13:34 En Consejos para todos, Conceptos, Tiempo, Consejos | No Comments

"Uggh ... ouch ..." ¿Alguna vez ha hecho que estos sonidos cuando usted ha escuchado a un solista? Ya sabes, uno de esos solos de donde se escucha un par de frases desagradables y eso es todo ... no más! Por el amor de Dios, por favor haz que pare! Si usted escucha a una buena cantidad de música, voy a apostar que usted tiene. Pero lo que era exactamente sobre este solo particular que apaga tanto? Las escalas del solista estaba utilizando? El tipo de instrumento que estaban jugando? ¿No? Bueno, tiene que haber ... Usted puede ser sorprendido, pero mucho de lo que hace un mal solo sonido no tiene nada que ver con las notas o escalas.

Visión de túnel Armónica

Cuando empiece a aprender a improvisar es todo acerca de las notas. Todo sobre las notas ... Escalas mayores, menores escalas, modos, arpegios, tonos de acordes, escalas de blues, escalas bebop, de y 7º de la 3ª, 7ª acordes dominantes, Major 9 acordes, ii-V7-I, y así sucesivamente. Hay tanta teoría para pensar que se llega a una visión de túnel armónico.

Todo lo que puedes ver son acordes y escalas, escalas y acordes - todos los demás aspectos de la música se vuelve invisible. Quiere desesperadamente de reproducir la nota correcta en el momento adecuado para que el embrague en teoría de la música como un nadador cadena colgando de un salvavidas. Como resultado, te olvidas de algunas partes muy importantes de la expresión musical ... Recuerde, la improvisación no es sólo acerca de qué notas que toca, se trata de la forma de jugar ellos. Y esto es exactamente lo que muchos de los improvisadores olvidar tan pronto como empiezan un solo. No dejes que esto te sea. Aquí hay tres errores comunes que se pueden evitar con facilidad en sus solos:

1) Jugar con mal tiempo

Hora.

R Claridad hythmic. Swinging. Estas son las primeras cosas que van por la ventana cuando muchos improvisadores comienzan un solo. Tienes que pensar en todas esas notas y acordes a la derecha? Sí lo hace, pero eso no significa que usted puede olvidar por completo sobre el tiempo. El tiempo y rítmicas ideas que usted juega son tan importantes como los elementos armónicos de tu solo. Una frase oscilante que está encerrado con los jugadores que te rodean puede elevar esas "notas normales" en tu solo a un nivel completamente nuevo. Sin embargo, el logro de gran tiempo requiere un estudio enfocado. Tal como lo haría pensar en qué escala o nota de jugar sobre un acorde, debe prestar atención a cómo se está poniendo cada nota en el ritmo, cómo se está acentuando, y cómo se está balanceando (o no swinging) la línea. Estos son los detalles que cada oyente, desde el aficionado al profesional, de forma innata recoge. El tiempo es físico. Nos movemos al ritmo, toque en nuestros dedos de los pies, y la danza. Si la ranura está sucediendo a la audiencia lo sabrá de inmediato. Escuche a cualquier maestro de la música en cualquier género y se escucha muy bien. Lo mismo debe decirse de su juego. Cada vez que usted practica o realizar, se centran en el tiempo.

2) El sonido Ignorando y Entonación No hay excusa para jugar con un mal sonido o para jugar fuera de tono. Período. ¿Por qué? Debido a que su sonido es la voz de su musicalidad. Se trata de cómo se entrega el mensaje musical para el oyente. Su sonido y la entonación son las primeras cosas que un oyente escucha. Antes de siquiera pensar en las notas, se dan cuenta de su sonido. "A menudo nos negamos a aceptar una idea simplemente porque el tono de voz en el que se ha expresado es indiferente para nosotros." ~ Friedrich Nietzsche Puede estar jugando las notas más de moda en el mundo, pero si no está en sintonía o jugar con un buen sonido no importará lo más mínimo. Nadie querrá escucharlo. Escuche en solitario de Freddie Hubbard en esta melodía:

No está mal, ¿no? Ahora imagine esas mismas notas exactas fuera de tono o jugado con un sonido abrasivo. Un mal sonido o mala entonación, se cancelará de inmediato todo lo grande que está pasando en su solitario.

3) Jugar sin fraseo ¿Alguna vez has escuchado a un orador que sólo se ejecuta una y otra vez sin pausa? Palabra tras palabra y frase tras frase que acaba de fusionar en un solo bloque de incoherente de sonido. Después de un tiempo que no puede dejar de dejar de escuchar o prestar atención. Estos altavoces de largo aliento son como el improvisador carrera en que interpreta las líneas y líneas de corcheas y sin pausa. Sin principio ni final, sólo un lavado de notas. Esto puede ser agotador, incluso para los oyentes más fieles o simpatizantes. Es importante tener en cuenta que musical fraseo es esencial para hacer llegar su mensaje a una audiencia. Al igual que un gran orador o escritor, sus ideas deben presentarse con claridad y confianza. Cada idea musical que usted juega debe ser una declaración hecha con la confianza y la intención. Para un ejemplo de buen fraseo, escuchar a Miles jugar en Blues de cinco:

Claro, Miles podría jugar cientos de notas en este solo, sin embargo, él juega hermosas frases musicales, y es por eso que suena tan bien!

Todo está conectado Los tres de estas áreas de su maestría musical están conectados. Para un gran sonido como solista, que necesitas para jugar frases musicales en el tiempo con un gran sonido. Bastante simple, ¿verdad? Claro que suena simple, pero se necesita un poco de práctica seria. Al final del día, todo se reduce a la conciencia. Si usted no piensa conscientemente en estos tres aspectos de la musicalidad en la sala de la práctica y en el escenario, que vas a perder. Un buen ejercicio es grabarte improvisando sobre una melodía. La grabación es imparcial y no esconder nada - créeme! Al escuchar de nuevo a ti mismo, hacer estas preguntas: ¿Estoy jugando con buen tiempo? ¿Estoy en sintonía y jugando con buena calidad de sonido? ¿Estoy haciendo declaraciones musicales? Si no es así, usted sabrá rápidamente exactamente lo que necesita para trabajar en la sala de la práctica. No puedo enfatizar lo suficiente, cada vez que se toque el instrumento que debe estar pensando en el tiempo, su sonido, y jugar en declaraciones musicales coherentes. Cuando domines estos tres aspectos de la musicalidad, las notas realmente no importa - es todo sobre el mensaje musical que está sucediendo en el momento. Usted va a conectar con el oyente y los músicos que le rodean. Esto es lo que hace un gran solitario.

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3 razones por las que usted debe cantar todos los días Publicado por Eric En 18 de enero 2011 @ 5:51 am En Oído, Transcripción | No Comments

¿Te has preguntado por qué los grandes pianistas, guitarristas, bajistas, bateristas y suelen cantar a medida que improvisan? Alguna vez has notado cómo muchos de los mejores trompetistas también resultan ser grandes cantantes? Grandes músicos de todo, parecen haber desarrollado la habilidad de cantar algún lugar del camino, ya que han tenido entrenamiento formal o no. Para todos nosotros, desde el innovador musical a la amante de la música de fin de semana, el canto es una parte natural del desarrollo musical y la expresión artística. La voz es de hecho nuestro primer instrumento y que todo el mundo puede jugar. Para los músicos serios, sin embargo, la voz es una parte crucial de nuestra técnica y que siempre se puede mejorar. Un concepto que no se habla a menudo, sin embargo, sumamente importante, es la brecha

entre nuestros oídos y lo que está saliendo de nuestros instrumentos. El hecho es que lo que se fácil comprensión auditiva, rara vez se traduce a nuestros instrumentos sin ningún trabajo. Internalizar esta música lleva horas de escucha repetida y la imitación hasta que finalmente aparece en nuestro día a día de juego. Como improvisadores, dependemos en gran medida de nuestros oídos para escuchar la música pasa a nuestro alrededor, pero esto es sólo una pequeña parte del desarrollo de nuestros oídos a su máximo potencial. La verdadera habilidad no viene en la simple identificación de intervalos, acordes, sino en la capacidad de recrear lo que escuchamos de forma instantánea - canto. Cantar una idea musical, naturalmente, crea una fuerte conexión física entre nuestros oídos y los sonidos que estamos escuchando. Para muchos de nosotros, la forma en que se enteró de la música en la escuela era de una página directamente a nuestros instrumentos, dejando de lado nuestros oídos y nuestras voces. Debido a esto, tenemos que encontrar una manera de volver a establecer una conexión directa desde nuestros oídos a nuestra voz a lo que sale del instrumento. El proceso en el que usted debe aprender melodías, acordes, nada realmente, debe seguir este patrón: Escúchalo -> Canta -> Juega en tu instrumento Trabajamos todo el tiempo en escuchar (melodías del oído, solos, y los cambios de acordes, etc.) y en la práctica de la técnica en nuestros instrumentos, pero en realidad cantando lo que estamos trabajando muy a menudo cae a la vera del camino. Para jugar con el tiempo lo que estás escuchando, usted necesita para cantar cualquier cosa que usted juega en su instrumento. Muchas veces, los jugadores inexpertos tesis saltar primero dos pasos y tratar de tocar algo en sus instrumentos que no pueden oír, y mucho menos tener la capacidad de cantar. Prácticamente disparar en la oscuridad, esperando por un milagro para poder algún día llegar esa línea en su forma de tocar. Aquí hay tres maneras de incorporar el canto en su rutina la práctica cotidiana que harán una diferencia inmediata en su capacidad para internalizar la música:

I. No está entrenando su oído a menos que estés cantando Si el canto no es ya una parte de su práctica de entrenamiento del oído, comenzará hoy. En lugar de simplemente escuchar y mentalmente identificar ese intervalo, tipo de acorde, o la progresión que está trabajando, tratar de cantar por primera vez; la creación de una conexión física con el sonido como usted lo hace. Una forma rápida de empezar a desarrollar la habilidad de cantar lo que se oye, es jugar una nota en el piano y cantar esa nota exacta; Es asi de simple como eso. Concéntrese en el sonido de la nota en su mente, entonces tratan de coincidir precisamente con su voz. Esto se hace más difícil cuando empiezas a jugar notas que están fuera de su rango vocal, lo que obligó a cantar la nota en una octava diferente; aquí es donde sus oídos entran en juego. Después de un lanzamiento a juego con su voz se vuelve fácil, jugar un intervalo y cantar ambas notas o probar un acorde y cantar la nota de bajo. Claro, es fácil identificar un cuarto o

mayor séptimo acorde perfecto, como la mayoría de las clases de entrenamiento del oído que enseñan, sino ser capaz de cantar las notas requiere verdaderamente interiorizando y escuchar los intervalos, lo que es la habilidad que nos beneficiará cuando estamos improvisando. Una vez que se puede cantar lo que estás escuchando con comodidad, el siguiente paso es jugar en su instrumento lo que estás cantando. A medida que desarrolla esta habilidad de realmente jugar lo que estás escuchando, los beneficios serán transferidos a cada parte de su juego. Siguiendo este proceso, se están fortaleciendo el vínculo entre la oreja hasta el final a su instrumento.

II. El canto es el primer paso para transcribir rápidamente El aprendizaje de un solitario, melodía o progresión de acordes de un registro inicialmente puede ser frustrante y consume mucho tiempo. Una forma de mejorar significativamente su éxito y la eficiencia en los solos de transcripción es cantarlas. Antes de intentar aprender un solista o melodía de oído en su instrumento, escuchar repetidamente hasta que pueda cantar la nota de paso para la nota, exactamente como suena. No sólo cantando aproximadamente con la grabación, pero el canto de la línea de la nota exactamente para la nota sin la ayuda de la grabación. El simple hecho de cantar una línea y realmente escuchar lo que estás cantando en gran medida simplifica el proceso de transcripción. Usted debe estar cantando todo lo que usted planea en la transcripción, de líneas simples o melodías a los solos enteros. Por ejemplo, un solitario que siempre he querido es Chet Baker cantando sobre Te puede pasar a ti. Durante años había cantado junto con la grabación, especialmente su solo excremento improvisado. Recientemente cuando estaba revisando la melodía, traté de jugar junto con el solo por diversión. Para mi sorpresa, pude jugar el solitario sin tener nunca transcribió o practicó; únicamente del proceso de inculcar y cantarla. Este es un gran solo para tratar de cantar porque es simple, pero muy melódico. Escuche el excremento en solitario una y otra vez hasta que se memoriza y luego tratar de cantar junto con la grabación: Una vez que haya el arraigado en solitario en el oído y puede cantarla con confianza y sin la grabación, trate de jugar en su instrumento. Usted se sorprenderá de lo fácil que vendrá a usted a través del simple acto de pre-escucha y el canto a las cosas que usted está transcribiendo.

III. Aprender a improvisar con su voz ... no tu mente Una experiencia reveladora vino para mí, ya que estaba en una de mis clases de trompeta en la escuela. Yo había estado jugando al nivel que yo recordaré abril y mi instructor me pidió que scat cantar un solo lugar de improvisar uno en mi cuerno. Confundido, me tímidamente comencé a cantar un solo en los cambios familiares. Sorprendentemente tuve dificultad para

cantar con precisión lo que suelo jugar en mi cuerno, y mucho menos jugar líneas diatónicas fáciles. Mientras yo estaba usando sustituciones tri-tono y varios otros dispositivos armónicas en mi trompeta, cuando canté un solo, tuve la suerte de sobrevivir sólo con los tonos de acordes. Rápidamente llegué a la conclusión de que yo sólo era capaz de cantar lo que estaba realmente escuchando y no podía confiar en el conocimiento o lame armónica trabajado por mi cuerno ... y lo que realmente podía oír y cantar no era mucho. A pesar de que es posible que no se den cuenta, nuestros instrumentos son una muleta que confiamos en que improvisamos. Oímos un acorde o fragmento melódico y una vez que nos encontramos con la tecla en nuestros instrumentos, utilizamos las escalas, acordes, y lame los que hemos trabajado en esa clave como base para la improvisación. En realidad, todo lo que el conocimiento y la técnica que hemos adquirido a lo largo de los años es cada vez en el camino de nuestros oídos, o líneas que nos naturalmente oír. En lugar de jugar las melodías que escuchamos, usamos nuestro cerebro para "improvisar", líneas y patrones que hemos memorizado una vez que hemos descubierto la clave de ajuste juntos. Cuando te ves obligado a cantar en vez de jugar un solo improvisado, que realmente tiene que jugar lo que se oye. Al presionar una tecla o la válvula no garantiza automáticamente una nota correcta en este caso. Scatting un solo es una forma segura de saber si sus oídos están al nivel del resto de su técnica instrumental. Al incorporar el simple hecho de cantar en su práctica de entrenamiento auditivo, así como su proceso de transcripción, usted verá una diferencia notable en la forma en que está escuchando cosas y cómo las juega en su instrumento. Su voz está siempre con usted, así que recuerde utilizarlo en todo lo que haces musicalmente, sólo usted puede ayudar!

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Alto ahí! No toque su instrumento hasta que lo hagas estos 4 ejercicios sencillos Publicado por Eric En 17 de diciembre 2014 @ 24:24 En Consejos para todos, del oído, Jazz Educación, rutinas Perspectiva, Práctica, Consejos | Comentarios movilidad

Toda práctica no son iguales. Ahí está la práctica que es divertido. Usted está en una habitación con su instrumento y tal vez un par de amigos y que acaba de empezar a jugar. Los minutos pasan volando, pero no están trabajando exactamente ... Luego está la práctica que se siente como tarea. Tienes una lección o un concierto que viene así que te obligas a aprender escalas, jugar cajas de pinturas, y para revisar la música para su próxima actuación. Sigues mirando el reloj, esperando escapar ... Y luego está el tipo de práctica que es diferente. La práctica donde usted comienza con un gol y una lista de elementos para centrarse en. Cuando se acaba te sientes como que has mejorado, estás motivado e incluso inspirado Este tipo de práctica tiene propósito y dirección. Es productiva y satisfactoria, y está relacionada con la razón por la que eligió para reproducir música en el primer lugar.

Suena bastante bien, ¿no? El único problema es que este tipo de práctica parece ser difícil de alcanzar para muchos jugadores. Así que gran parte del tiempo nos encontramos pasando entre la práctica "diversión" y la práctica que se siente como tarea, ya sea tocando con nuestros compañeros o forzar a nosotros mismos que sudar tinta a través de ejercicios. Pero, ¿cómo crear consistentemente este tercer tipo de práctica, la práctica de que los mejores jugadores parecen tener una ciencia? Bueno, yo pensé en compartir 4 cosas que me han ayudado a crecer como músico, 4 ejercicios que han dado forma a la dirección que yo quiero tomar como improvisador y me animo a hacer lo mismo. La verdad es que la clave para la práctica altamente efectiva comienza incluso antes de entrar en la sala de la práctica. Comienza ahora mismo estás leyendo esto. Así que vamos a empezar por el principio ...

I. ¿Dónde crees que vas?

Imagínese que usted está de pie en medio de un largo camino que se extiende a través del paisaje por millas y millas. Usted mira fijamente a la distancia y en el borde más lejano del horizonte se puede apenas distinguir una figura que viaja en el camino por delante. A medida que forzar la vista para ver quién es esta persona observa una marcha familiar y una caja del instrumento. Entrecerrar los ojos un poco más y entonces te golpea, esta persona es usted! Es el "tú" del futuro. El que ha recorrido el camino que usted está empezando a cabo sucesivamente. En tu mente te preguntas: "¿Qué habilidades tiene esta persona que tiene? ¿Qué pueden hacer musicalmente? ¿Cuántas canciones saben ellos? Qué hacer suenan? "

Por primera vez se enfrentan con la persona que va a ser. El músico que vas a ser semanas, meses e incluso años a partir de ahora. Si usted quiere encontrar la dirección en su práctica es necesario pensar acerca de este "tú" del futuro. Usted tiene que mirar adelante y averiguar exactamente quién es esta persona va a ser. Este es el primer paso. Al observar que el jugador quiere estar mañana descubrirá exactamente lo que necesita para practicar hoy. Entonces, ¿cuál es su destino musical? Piensa bien en ello. ¿Dónde está este tiempo que usted está pasando con su instrumento dirigido? Usted juega su instrumento todos los días o tal vez un par de veces a la semana. Ahora, ¿qué significa para usted? ¿Dónde quieres ir con ella? Antes de preocuparse por las escalas y acordes, antes de hacer una lista de canciones para aprender, y antes de gastar horas en la sala de la práctica, esta es la pregunta que hay que responder. Echa un vistazo a la imagen grande. Usted podría decir: "Quiero ser capaz de ir a una sesión de improvisación y conozco cada melodía." O "Quiero tocar con mi propia banda." O "Quiero recorrer el mundo realizando mis composiciones originales." O " quiere jugar en el Village Vanguard ". Es diferente para todos nosotros. Sin embargo una vez que sabes lo que estás trabajando hacia, es mucho más fácil encontrar el plan de práctica que le llevarán hasta allí. Así que dejar de practicar sin dirección, ni siquiera tocar su instrumento hasta que sepas lo que estás practicando para. En lugar de ello, tome un momento y pregúntese: ¿Qué quiero el yo del futuro a sonar como?

II. Adéntrate en el detalle s

Hay miles de músicos serios de todo el mundo y todos estos jugadores están poniendo en largas horas practicando, no obstante todos estos jugadores están viendo mejoras.

Así que lo que distingue a los músicos que se mueven hacia adelante desde el resto de la manada que se siente frustrado y luchando? La respuesta es simple, los jugadores que están mejorando tienen un plan. Han hecho un gol y han identificado los elementos de práctica que le conseguirán allí, paso a paso, día a día. El objetivo podría ser el aprendizaje de una lista de canciones, la mejora de la técnica, el dominio de las escalas y progresiones de acordes, transcribir solos, conciertos para el aprendizaje o la preparación para recitales. Todos estos grandes objetivos requieren un plan en la sala de ensayo. Si usted está frustrado con su progreso musical que probablemente se puede atribuir a la práctica aleatoria. Todos hemos hecho esto. Claro que mejoran periódicamente, pero sin un objetivo más amplio que vas a golpear una pared. Para encontrar la dirección en su juego es necesario tener un plan cada vez que usted toma su instrumento a la práctica. Organízate y específica hasta el último detalle. En lugar de decir "voy a practicar hoy", sabe exactamente qué es lo que vas a practicar y lo que quiere va a lograr al final de su sesión.

Comienza con una breve lista de canciones que desea aprender, un solo que desea transcribir, o una progresión de acordes que desea practicar. Tome estas grandes metas y descomponerlos en trozos más pequeños que se pueden abordar cada semana en su práctica diaria. Luego, al comienzo de cada día hágase las siguientes preguntas:

Pruebalo. ¿Puedes

responder a estas preguntas en este momento? No deje otra semana o mes de la práctica a la suerte, antes de entrar en la sala de ensayo de saber exactamente lo que vas a trabajar.

III. Escuchar antes de aprender

¿Alguna vez ha tratado de tocar una melodía sin escuchar a ella? ¿Alguna vez ha tratado de trabajar en su tiempo o mejorar su sonido sin escuchar a grandes ejemplos? ¿Está demostrando para arriba para sus ensayos y conciertos sin la música en tu mente? Si tiene usted definitivamente no está solo. Muchos músicos se esfuerzan por aprender una música que no tienen en sus oídos y se está creando un problema de un gran problema en la sala de ensayo. Recuerde, su mejora como músico comienza con la oreja y esto significa escuchar. Aquí están algunas ideas para inculcar la música que usted está tratando de aprender: Asegúrese de escuchar es una parte de su práctica diaria. Dedique tiempo cada día para escuchar a los elementos de la lista práctica. Recoge diferentes versiones de cada melodía que está tratando de aprender. Enfoque de un jugador diferente puede ser sólo el estilo que usted está buscando. Tenga en cuenta las canciones o artistas que capturan la oreja, mirar hacia arriba, leer sobre ellos, y encontrar sus otros álbumes. Escuchar es un viaje que conduce a una comprensión más profunda de la música. Nota los solos que capturan su oído mientras escucha, estos son los que usted debe transcribir. Estás aprendiendo porque estás inspirado, no porque te sientes presión para. Crear una lista de reproducción de canciones - hacer una lista de canciones para aprender puede sentir como tarea, pero haciendo una lista de escucha se siente como la diversión. Con el tiempo esta lista de escucha será su lista de práctica.

Escuchar música a diario y escribe las canciones que desea aprender. Su lista de sintonía debe venir de ti, no de un libro de texto. Pre-escuchar una pieza musical y la tengan en su oído antes de entrar en una sala de ensayo, ensayo o el rendimiento Ya sea que usted está aprendiendo una canción, la transcripción de un solo, o tratando de memorizar una progresión de acordes el primer paso es arraigar el sonido en el oído. Esto es cierto para cualquier estilo de música, escuchar antes de que se aprende.

IV. Sal ahí fuera y hacer que suceda!

La práctica es grande. A perfeccionar sus habilidades, a ampliar su conocimiento musical, y se gana la confianza que necesita para llevar a cabo. Pero a pesar de todos estos beneficios, usted todavía falta una pieza crucial para ser un músico - Necesita compartir su música con otras personas. Así es, usted necesita conseguir en realidad fuera de la sala de ensayo y realizar delante de la gente. La práctica no es la única razón por la que estás tocando un instrumento, la música se trata de conectar con otras personas. Algo cambios importantes cuando compartes tu música. Ya no es esta afición que está haciendo todo por ti mismo en una sala de ensayo, es una habilidad que los impactos otras personas. Así que ponga algo por ahí.

Este es el último paso de la creación de sentido en su práctica: hay que conseguir su música por el mundo real. Programar o asistir a una sesión de improvisación Registre su grupo o una composición que has escrito Reserve un concierto Incluso practicar en frente de otras personas hará una diferencia Salga de su calendario en este momento y elegir una fecha. Este es el día que se va a poner su música por ahí para que el mundo escuche. Una vez que vea esta fecha en su calendario que hace que todo sea real. Cada día que va a estar en su mente, las cuentas de cada sesión de práctica. Si no practicas no van a ser las consecuencias, pero si usted se empuja no va a ser una recompensa. Claro que siempre hay una posibilidad de fracaso, pero recuerde que suena mal es otra fuente de motivación.

Ahora es tu turno Estos cuatro ejercicios se pueden hacer en cualquier lugar, incluso tan pronto como termine de leer esta frase. Usted puede pensar en ellos en su manera de trabajar y usted puede escribirlas antes de ir a dormir. Los pasos son simples, pero requieren un poco de pensamiento y el enfoque de su parte. No se conforme con volver a su rutina vieja práctica, pasar 20 minutos y aclarar su dirección musical y hacer su práctica mucho más eficaz. 1) Calcule el jugador que quiere llegar a ser. 2) Organízate y detallada en la sala de la práctica. 3) Buscar las grabaciones y escuchar la música que usted está tratando de aprender. 4) Sal ahí fuera y hacer que suceda. ¿Lo tengo? OK bueno, ahora ve la práctica!

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4 maneras de despertar la creatividad y la libertad en su Improvisar Publicado por Eric En 30 de diciembre 2011 @ 02:23 am En Conceptos, rutinas de práctica, Consejos | No Comments

Cómo creativo es usted cada vez que toque el instrumento? Piense en esto por un segundo ... ¿estás verdaderamente libre cuando se improvisa? Como músicos de improvisación creativa, estas son preguntas que todos debemos hacernos de vez en cuando. Todos sabemos que la hora de la repetición, memorización, y la imitación son las bases para el aprendizaje de la improvisación, pero hay un problema aquí. Este proceso esencial que soportamos estoicamente cada día en la sala de práctica no natural se presta al pensamiento libre, espontánea. De hecho, es muy fácil quedar encajonado dentro de los límites seguros de nuestra rutina diaria; las mismas canciones, el mismo idioma, incluso el mismo horario de práctica. En nuestros solos improvisados, supuestamente nuestro momento más libre y creativo como músicos, contamos con demasiada frecuencia en las "muletas musicales" de jugar dentro de un grupo. El baterista se mantendrá el tiempo, el pianista jugará los cambios, el jugador de cuerno tiene la melodía, y alguien más va a realizar un seguimiento de la forma, ¿no? Nos alejamos con no usar nuestros oídos, con sin contar o conocer la forma de la melodía, con

"una especie de" conocer los cambios, y de confiar en nuestras buenas lame viejos para llevarnos a través de un solo. Suena como alguien que está tratando de sobrevivir una actuación en lugar de alguien que está apuntando a la creatividad. Rara vez nos hacemos responsables de todas y todos los aspectos de la música. Este hecho muy común, sin embargo, no significa que no podemos cambiar las cosas. Aquí hay cuatro ejercicios para llevar la creatividad y la libertad de nuevo en su improvisación. No sólo estos cuatro conceptos despertar su artista interior, van a poner su musicalidad a la prueba y exponer esas zonas ocultas de tu juego que están reteniendo de manera creativa.

I. improvisar con restricciones armónicas o rítmicos Cuando improvisamos, una cosa que tenemos una gran cantidad de posibilidades. Opciones parecen como una buena cosa, ¿verdad? Cuando nos enfrentamos con posibilidades ilimitadas sin embargo, nueve de cada diez veces, vamos a volver a lo que es seguro. Volvemos a caer en lo que sabemos, el lenguaje y las ideas armónicas que hemos practicado cientos de veces en la sala de ensayo. Esto no es necesariamente una mala cosa cuando usted va para la competencia, pero en última instancia, nos está apuntando para otro nivel aquí. Queremos jugar cosas que nunca hemos jugado antes, para realizar en el momento, para interactuar con otros músicos, para no subir al escenario y refrito de las líneas que ya que hemos jugado en casa. Si usted encuentra que usted está abrumado continuamente por las opciones armónicas y rítmicas que usted tiene como comenzar un solo, simplemente limitar sus opciones. Elija sólo un intervalo, un solo ritmo, o un concepto armónico de improvisar con. Parece contrario a la intuición de que las restricciones dará lugar a la creatividad y la libertad, pero usted se sorprenderá de los resultados. Cuando usted tiene un solo ritmo o un intervalo de trabajar con usted se ven obligados a ser mucho más creativo y más probable es que van a jugar a algo que nunca has practicado ni nunca pensado antes. Piense en una progresión de acordes y melodía o basar su solitario ante de ese concepto predeterminado. Sea creativo aquí. Trate de desarrollar un motivo de un intervalo o un conjunto de intervalos (recuerde que debe mantener las cuatro direcciones en la mente), utilice únicamente un ritmo triplete negra, o empezar cada línea en la tercera del acorde. Usted encontrará rápidamente que restringir sus opciones rendirá un aliento fresco de creatividad a sus líneas viejos rancios. Solo Libre Improvisación A pesar de lo creativo y espontáneo tratamos de ser cuando jugamos sobre cambios de acordes, rara vez "improvisar" en el sentido real de la palabra. Utilizamos líneas memorizadas, patrones y lenguaje transcrita que hemos practicado miles de veces. Damos forma a nuestros solos y utilizamos "muletas" armónicas para navegar estas progresiones familiares.

Pero, ¿con qué frecuencia realmente improvisar y jugar ideas que nosotros nunca hemos jugado antes? Para ser verdaderamente totalmente creativa debe desarrollar un conjunto completamente diferente de habilidades. Tienes que salir de ese cuadro mental que se crea por sí mismo en la sala de la práctica y empezar a improvisar libremente. El uso de las ideas anteriormente, comenzar con una idea, un intervalo, una dirección (abajo-arriba, arriba-arriba), un ritmo, una nota repetida, o una imagen mental y crear un solo de toda sede fuera de este concepto. No hay reglas aquí. Usted no tiene que seguir una progresión de acordes, usted no tiene que jugar en el tiempo, y lo mejor de todo, no se puede estropear. Basta con abrir tu mente y deja que la música te guíe. Echa un vistazo a este vídeo de Mark Turner improvisando libremente el uso de este concepto:

II. Improvisación Duo A veces, la chispa creativa que necesitamos como improvisador tambalea cuando estamos solos. Puede parecer que estamos en un callejón sin salida y no podemos llegar a nuevas ideas para jugar; mismas viejas melodías, mismos licks de edad, misma jugada-a-long track molesto. Cuando usted se encuentra en esta situación, recuerda que la música y la improvisación es un esfuerzo de grupo. Tenemos que compartir ideas e inspirar a uno a seguir adelante. Si usted está atascado en la sala de ensayo, salir y encontrar algunos otros músicos con los que jugar. A los pocos minutos de jugar con otra persona, usted encontrará numerosas ideas musicales de esa energía creativa compartida. Duo Improvisación sobre una canción

Esto es fácil. Encuentra otro músico en cualquier instrumento, elige una canción, compás, o la forma y empezar a jugar. Trate de ir y venir, a veces haciendo declaraciones y en otras que reaccionan y acompañantes. Escoja músicos que le obligan fuera de su zona de confort y te hacen pensar de una manera nueva. Por ejemplo, como un jugador de cuerno me gusta jugar dúo con un baterista o incluso otro jugador de cuerno. Con un baterista, soy totalmente responsable de los aspectos melódicos y armónicos de la melodía porque no hay bajista para cubrir la forma y no el pianista a compensarme los cambios. Del mismo modo, cuando juego con otro jugador de cuerno ambos nos hacemos responsables por el tiempo y la forma, algo que no se suele esperar de nosotros. Se oye actuaciones dúo todo el tiempo y jugar en este escenario puede empujar a mejorar su musicalidad y creatividad. Escuche con atención a este dúo de Trane tocando la melodía de cuatro con alguien tocando ritmos de lo que suena como una mesa en este bootleg. Libre Duo Improvisación Así como usted puede improvisar libremente por sí mismo, puede improvisar libremente con otro jugador. Este tipo de juego puede ser muy beneficioso para su creatividad y libertad musical. No sólo usted tiene que crear melodías y ritmos de la nada, lo que tienes que escuchar y reaccionar a alguien más haciendo lo mismo. Escuche George Garzone y Joe Lovano demostrar este concepto:

Esto se puede hacer con cualquier combinación de instrumentos, no sólo los instrumentos melódicos. Tome un escuchar bateristas Ari azada y Dan Weiss dúo de explorar los aspectos musicales gratis de ritmo:

III. Juega gratis con un grupo ¿Se encuentra con su grupo que se juega las mismas canciones de la misma manera cada vez que se realice? O, tal vez usted está teniendo problemas para conectarse como grupo, el desarrollo de una cohesión tiempo sensación o tomar riesgos y realmente improvisando juntos. La solución no puede ser más ensayo, sino más bien un ejercicio que te obliga a escuchar y realmente crear e interactuar con los jugadores que te rodean. En lugar de ejecutar las mismas canciones una y otra vez, con la esperanza de producir alguna manera la espontaneidad, intentar algo completamente diferente - que todo el mundo improvisar libremente. No hay música, no hay forma, hay un tiempo fijo o progresión de acordes, simplemente la improvisación y la escucha. No es sólo un desordenado de libre para todo el control, pero una actuación musical. Luchar por todos los elementos de la musicalidad que tendrías cuando desea realizar una pieza escrita de la música: el tema, la variación, la dinámica, el contrapunto, el interés rítmico, etc. Este es sin duda un ejercicio que es más fácil decirlo que hacerlo y que tomará algún tiempo para ser bueno en eso. Tienes que aprender a trabajar realmente juntos, escuchar a los demás, y para apoyar el uno al otro musicalmente. Puede ser confuso y frustrante al principio, pero después de un poco de práctica, te darás cuenta de que el grupo está realmente escuchando a la otra y creando juntos en un nivel completamente nuevo. Tome un escuchar al grupo de Lennie Tristano utilizando el concepto de improvisación grupo libre en la intuición sintonía:

Como se puede oír, este tipo de juego requiere de la mayor parte musical, muy lejos de una armónica y rítmica free-for-all desprovisto de cualquier musicalidad.

IV. Escuchar melodías e improvisar por sí mismo En el rendimiento, a menudo nos confiamos demasiado en los otros músicos para mantener las cosas juntas. No queremos decir conscientemente, pero empujamos inevitablemente aspectos vitales de la música como el tiempo, la forma, y ​la progresión armónica a los hombros de los otros jugadores. El uso de este modo de pensar es una salida fácil, dejando la responsabilidad a los demás te hace un músico más débil. Si realmente quieres ser libre como improvisador, debe ser responsable de todos los aspectos de la música. Usted necesidad de mantener el tiempo, conocer la forma y la melodía, y será responsable de la progresión de acordes. No ser el bajista que no conoce la melodía, el jugador de cuerno que no se puede perder de vista el tiempo, o el batería que no puede oír una progresión de acordes. Como músico usted es responsable de todos los aspectos de la música, incluso si uno no suele jugar esa parte. Usted debe ser un músico completo, pero si mantiene siguiendo los mismos patrones en la sala de la práctica y en los conciertos, que está dirigido a los problemas. Una forma sencilla de averiguar rápidamente dónde se encuentra musicalmente es realizar una melodía por sí mismo. No sección rítmica para mantener la sintonía entre sí y no hay jugadores de cuerno para reproducir la melodía; todo cae sobre ti. Muchas de las mejores prácticas de hoy improvisadores ya menudo realizan canciones por sí mismos. Tome un escuchar algunos ejemplos: Chris Potter en Te puede pasar a ti:

Seamus Blake jugando Body and Soul:

El hecho de que usted no juega un instrumento armónico, no significa que no se puede jugar e improvisar melodías por ti mismo. Echa un vistazo a esta versión sorprendentemente melódica de Ari Hoenig jugando Antropología. Usted puede escuchar un fragmento de la melodía en el principio del video y la melodía vuelve fuerte y claro al final (1:38).

¿Cómo beneficia esto su día a día de juego? Así que usted está pensando a sí mismo, todos estos ejercicios parecen como las ideas de buenas prácticas, pero ¿cómo van a ayudarme cuando realizo? Bueno, incluso si usted no planea realizar en solitario o unirse a un grupo de free jazz en un futuro próximo, el contenido de los ejercicios anteriores puede transformar la creatividad y musicalidad de su día a día de juego. Todos estos conceptos no sólo le hará un improvisador más libre y creativo, van a elevar su nivel general de la maestría musical. La capacidad de crear algo de la nada, es necesario para el músico improvisador. En cada actuación hay que correr riesgos, tenemos que reaccionar a los otros jugadores, y tenemos que dejar que la música sucede por sí mismo, no forzarlo basado en la forma, tiempo, progresiones de acordes, o convención. Improvisando la música de la nada no es fácil de hacer. Usted tiene que mirar en este profundo abismo oscuro y acaba de saltar con total abandono. Se obligue a lanzar cualquier autoconciencia al viento y realmente tratar de jugar lo que está sintiendo y escuchando en ese momento. A pesar de que es posible que no se den cuenta, estas habilidades son necesarias para cualquier actuación que pueda hacer. ¿Qué harías si el pianista o guitarrista abandonaron cuando estaban solos? Podría perder la cabeza? ¿Y si el resto del grupo se retiró en una melodía, ¿podría mantener la forma y el tiempo va a ir? Los ejemplos anteriores podrían ocurrir en cualquier momento en función de donde la música toma un grupo. El batería puede sentir como que pone a cabo, podría ser lanzado un solo de bajo inesperado, o puede incluso encontrarse en el asiento caliente con una cadencia al final

de una melodía. En situaciones como ésta, es hundirse o nadar y estos ejercicios le ayudará a mantener su cabeza fuera del agua. Uno de los grupos más creativos y libres para jugar esta música era quinteto de Miles Davis con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Escuche el quinteto que juega Locura de la increíble 1967 la grabación de Nefertiti. Este grupo verdaderamente improvisa juntos, se oye la libertad, la creatividad y la audacia. Hay una forma, pero también hay espontaneidad. Tiempo, pero sin cambios. Esta grabación tiene todas las características de gran musicalidad y técnica instrumental, pero sin la voluntad de crear algo profundamente original y verdaderamente en el momento, esta música no sería posible.

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5 Jazz Habilidades de supervivencia: ¿Tienes ellos? Publicado por Eric En 27 de mayo 2011 @ 18:39 En Consejos para todos, Consejos | No Comments

Usted lo ha visto en la televisión o tal vez incluso haya hecho usted mismo. Trekking en el desierto solo, armado con sólo unas pocas herramientas esenciales y su propio valor. Encuentre su propio refugio, encontrar su propia comida, encontrar la salida. Usted y la Naturaleza. Para hacer salir con vida, que necesita unas cuantas herramientas que aseguren su supervivencia: un cuchillo, una linterna, un poco de fuego-motor de arranque, un poco de ropa impermeable, etc. Con estos pocos elementos que será capaz de hacer fuego, a encontrar su camino en la oscuridad, a construir un refugio y mantenerse seco, y el intestino de un pez. Sin embargo, la cosa más importante que usted tiene que traer en su viaje no se puede poner en una mochila - habilidades de supervivencia. La mejor preparación que puede tener son las habilidades y conocimientos que vienen con años de estudio, la práctica y la experiencia del mundo real. El conocimiento de lo que las plantas son comestibles, la forma de mantener el calor, cómo coger la comida, la forma de determinar la dirección, y qué hacer cuando las cosas se vuelven peligrosas. Herramientas o sin herramientas, estas habilidades son las que en última instancia, salvar su vida ahí fuera. Cualquier persona de aventurarse en el desierto no se puede predecir lo que se les presente por ahí (tormentas repentinas, fauna mortales, accidentes imprevistos ...). Pero, usted puede

estar preparado para lo desconocido mediante el desarrollo de ciertas habilidades que garanticen su supervivencia. Lo mismo es cierto para los músicos de jazz.

Habilidades de supervivencia Jazz Sí, de hecho hay jazz habilidades de "supervivencia". Ciertas técnicas y destrezas que necesitas para sobrevivir y prosperar en cualquier situación musical. (Ahora, esperemos que nada se encuentra con musicalmente estará en peligro la vida, aunque no sé qué tipo de jam sessions de ir a). Al igual que la naturaleza volátil del desierto, no se puede predecir todo lo que te vas a encontrar en el quiosco de música. Sin embargo, usted puede prepararse musicalmente, y esto comienza en la sala de ensayo. Aquí hay 5 habilidades de supervivencia de jazz que te prepararán para el éxito en cualquier situación musical:

1) El entrenamiento de su oído Sus oídos son la herramienta más importante como un improvisador. Son equivalentes a ese cuchillo de confianza que lleve con usted en el país de nuevo - la herramienta que usted puede salir de cualquier situación en la que te encuentres en. Puede que no tenga todos los progresión de acordes memorizado o tienen cada melodía hasta la perfección, pero si usted ha desarrollado sus oídos hasta el punto de que se puede escuchar cualquier progresión de acordes y rápidamente descubrir melodías, podrás ser capaz de sobrevivir musicalmente como improvisador realizar . Centrarse en los ejercicios de entrenamiento del oído que cubren intervalos de audición, las líneas, las cualidades de acordes y progresiones de acordes. Junto con la audición y la identificación de estos sonidos, usted debe ser capaz de cantar con el fin de dominar verdaderamente ellos. Si usted ha practicado la capacidad de oír en una variedad de situaciones, entonces será mucho más éxito cuando se le pide que tocar una melodía que no está familiarizado con.

2) El desarrollo de la lengua La adquisición de lenguaje musical es una habilidad que no mucha gente habla. Se oye mucho sobre escalas, tonos de acordes y los patrones de disminución, pero sorprendentemente poco sobre el beneficio que viene con el desarrollo de la lengua que ha transcrito a partir de sus solos de favoritos. La verdad del asunto es que este lenguaje es una parte esencial de no sólo el cultivo de su propio sonido, estilo y concepto, pero un factor enorme en realidad suena coherente y musical sobre progresiones de acordes. Es una cosa para tocar las notas o escalas "correctas" sobre un acorde o progresión y es una cosa totalmente diferente a jugar ideas musicales y frases que se originan en la propia

música. Usted debe centrarse en el segundo. Improvisar no es un ejercicio mental teórica, es una manera de comunicar al oyente a través del sonido y la forma de hacer esto es con el lenguaje.

3) La fluidez en todas las 12 teclas La única cosa que puede causar solista estrellarse y quemar más rápido que cualquier otra cosa está improvisando en clave "duro". Alguien llama a una melodía en Fa # y de repente te entra el pánico y darse cuenta de que no tienes nada para jugar. No deje que esto le suceda a usted. Estar preparado. Esforzarse para convertirse fluidez en todas las 12 teclas. No hay "duro" y teclas "fáciles", sólo las teclas que no has practicado o desarrollados todavía. Esto requiere disciplina y tiempo, así de simple. La buena noticia es que este proceso está directamente relacionado con el desarrollo de la lengua que ha transcrita. Si usted ha aprendido esas líneas en las 12 llaves, entonces automáticamente tiene algo para jugar en todos los tonos.

4) La construcción de un repertorio de canciones Una parte de prepararse para el desierto musical significa la creación de una base de normas útiles en su repertorio. Esta es una tarea de enormes proporciones para muchos músicos porque el número de estándares de jazz por ahí puede parecer infinita. Sin embargo, usted no tiene que saber cada melodía jamás escrito - y la realidad es que ningún músico conoce cada melodía que hay. Una cosa que ayuda es que ciertas normas se juegan mucho más que otras y muchas de estas normas están muy estrechamente relacionados. Al conocer algunos temas clave (Blues, Rhythm Changes, todas las cosas, Cherokee, Stella, etc.) y ser capaz de oír progresiones de acordes comunes que usted será capaz de navegar por los cambios en la mayoría de las normas que hay. Aprender nuevas canciones debe ser una parte de su práctica diaria. Comience lentamente y se centran en una melodía a la vez. Cada gran músico que conozco trabaja constantemente en el aprendizaje de nuevas melodías y agregarlos a su repertorio. Si usted entra en el hábito de aprender continuamente y memorizar nuevas normas, antes de saber que usted tendrá un repertorio bastante considerable.

5) Técnica Instrumental Para los aventureros graves, todas las técnicas de supervivencia en el mundo no van a hacer una diferencia si su cuerpo no está en forma suficiente para manejar el estrés de actividades al aire libre. Lo mismo es cierto para los improvisadores. Usted podría tener todo el conocimiento teórico en el mundo, conocer cientos de canciones, y tienen grandes orejas, pero si no se puede traducir eso a su instrumento, nadie va a querer escuchar a usted. Nadie quiere oír un sonido mediocre, mala entonación, articulación o entrecortado. Mantener y

mejorar la calidad de tono, entonación, articulación, y la técnica en general es un esfuerzo diario. No deje que estos aspectos importantes de su expresión musical caer a la cuneta. Gran parte del tiempo estamos tan centrados en el aprendizaje de conceptos o métodos que no son necesarias o incluso beneficioso para nuestra mejora como improvisadores practicando. Estudiamos conceptos armónicos avanzados o sustituciones teóricos cuando deberíamos estar construyendo y fortaleciendo la base de nuestra capacidad musical. A pesar de que estas habilidades se ven básico, estas son las cosas exactas que los maestros de esta música pasaron sus vidas trabajando. Si usted recibe estas cinco habilidades de "supervivencia" en conjunto tendrá los bloques esenciales de cualquier improvisador exitosa construcción.

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5 Tunes que debe saber y por qué usted debe saber ellos Publicado Por Forrest En 27 de mayo 2010 @ 05:14 am En Consejos, Tunes | 1 comentario

La gente siempre está brotando la frase: "¡Oye, usted debe saber esta melodía", y que probablemente tienen razón. Pero la actitud de saber una canción sólo para saberlo, simplemente no tiene sentido para mí. Necesito un poco mejor razón que la gente juega abajo en algún jam session mierda local. Como profesor o mentor, la próxima vez te encuentras diciendo a un estudiante que debe saber una canción en particular, darles algunas razones por las que deben saberlo. Y las razones deben ser mejor que, "Usted sólo debe saberlo." Ayúdales a cabo, al darles algunas ideas adicionales sobre por qué la melodía es tan importante para su desarrollo musical. No sólo va a ayudar, pero también hará a aclarar qué información valiosa contenida dentro de la melodía.

1.) Cherokee ¿Por qué usted debe saber que Contiene más de la mitad de la posible de doce ii-Vs. Juega en dos llaves y se está trabajando en la totalidad de su ii-Vs. Cuando ii-Vs representan más del 80% de los cambios de acordes te vas a encontrar en el jazz, yo diría que esto es digno de su tiempo.

2.) Stella By Starlight ¿Por qué usted debe saber que Porque los cinco menores de dos (especialmente acordes disminuidos medio) son una perra.

3.) Confirmación ¿Por qué usted debe saber que Usted se quedará constantemente a un compás ii-Vs descendente por pasos enteros. Aprender a navegar esta progresión sin pensar es una necesidad.

4.) Todas las cosas que está ¿Por qué usted debe saber que El movimiento del ciclo de las secciones "A" se repite en muchas canciones y no sonar aburrido sobre esta melodía es realmente muy difícil. Pensar en ello. cuántas personas conoce usted ese gran sonido sobre esta melodía? Todas las personas que vienen a la mente para mí son Killin '. Obviamente que pasado algún tiempo dedicado en serio a éste y usted debe también.

5.) Algún día mi príncipe Will Come ¿Por qué usted debe saber que Como uno de mis maestros Rich Chiaraluce solía decirme, esta melodía es muy revelador.

Jugando en tres es algo que a menudo a un lado y, por consiguiente, nuestra capacidad rezagos en comparación con nuestro juego en cuatro. Esta es una gran sintonía para comenzar liberarse en tres. Estos cinco temas son serios. No me importa cómo las personas piensan que son fáciles. Para un gran sonido en ellos toma mucho tiempo, práctica y paciencia. Pero cuando hay mucho valor en cada uno de ellos y eres consciente de lo que el valor es, usted está cosechando muchos más beneficios que sólo el aprendizaje de cada melodía.

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5 Soluciones a la improvisación que se esconden Al descubierto Publicado por Eric En 20 de enero 2012 @ 19:12 En Consejos para todos, Consejos | No Comments

Seamos realistas, la improvisación es lo suficientemente duro como es, incluso cuando hacemos pasar el tiempo en la sala de la práctica. Pero por mucho que estudiamos o en la práctica, hay algunos factores clave que pueden destruir nuestra creatividad y capacidad de improvisación en cuestión de segundos. Todos hemos experimentado este sentimiento antes en el rendimiento. Se oye una idea o una línea en la cabeza y por alguna razón u otra, no sale de su instrumento. Parece que algo le impide jugar sobre esos cambios de acordes con facilidad. A veces es incluso difícil sólo para encontrar una buena idea para jugar! Con demasiada frecuencia pensamos que la excusa se encuentra en un área que no tenemos ningún control sobre o buscamos algún problema oculto que nos está impidiendo jugar como lo imaginamos. Recibimos preguntas todo el tiempo de las personas que encuentran estos temas con la improvisación. La mayoría de las veces la gente está buscando algún problema oculto que se les impide avanzar. Estoy totalmente de relaciono con esta experiencia y recuerdo que buscan conceptos armónicos avanzados y técnicas especiales para resolver mis problemas. Nueve de cada diez veces, sin embargo, el problema recae en una de las 5 áreas clave de la

musicalidad que he enumerado a continuación. Piense en esta lista como los 5 requisitos previos que necesitas antes de graduarse para improvisar en el escenario. Sin ellos, la improvisación es como tratar de tomar el examen final después de haber saltado todas las clases - que va a ser completamente perdido, frustrado, y completamente confundido. Sin embargo, una vez que usted ha estudiado estos pre-reqs y superar sus desafíos iniciales, será mucho más éxito en todas las áreas de su juego.

I. técnica Instrumental Si usted está teniendo problemas para conseguir el sonido de tu instrumento o algo en su técnica está haciendo más difícil de jugar, esto puede crear grandes problemas cuando se intenta la improvisación. Cuando su primer pensamiento a medida que ir en solitario es "¿Cómo puedo reproducir esa nota?" O "¿Cuál es la digitación para ese acorde?" Vas a tener un infierno de un tiempo tratando de ser creativo. Para solucionar esto, sólo echar un vistazo a la forma en que la práctica. Sí, es divertido entrar en la sala de ensayo y jugar junto con sus discos favoritos de horas, pero si usted ignora su técnica en conjunto que va a dificultar su capacidad para improvisar. Etudes, tonos largos, ejercicios de los dedos, los patrones de articulación - esto es lo que se necesita. Claro, no es tan divertido como mindlessly jugar un poco con sus discos favoritos, pero al final del día usted va a ver una mejoría. Cuando su objetivo es improvisar con facilidad, la producción de sonido y la técnica en el instrumento deben ser sin esfuerzo. Si su articulación está consiguiendo en el camino de su líneas fluidas de corcheas que será difícil de improvisar. Si sus dedos están buscando a tientas cuando juegas en teclas claves menos conocidas, que va a ser difícil de improvisar. Si está trabajando muy duro para producir el sonido en su instrumento, te vas a cansar a cabo incluso antes de empezar tu solo. Honestamente, será difícil simplemente tocar su instrumento, y mucho menos improvisar en absoluto, si los problemas técnicos están recibiendo continuamente en su camino. Hágase un favor - dominar los aspectos técnicos de su instrumento: articulación, digitaciones, de competencia en todas las 12 teclas, producción de sonido, rango, y así sucesivamente. Usted tiene bastante que pensar cuando usted está improvisando y la mecánica básica de su instrumento no debe ser algo que usted tiene que preocuparse.

II. Teoría En teoría no hay diferencia entre la teoría y la práctica. En la práctica no existe. ~ Yogi Berra Hay una cantidad básica de la teoría de la música que usted necesita saber para llegar a funcionar como un improvisador. Puede que te sorprenda, pero algunas personas han ignorado por completo este aspecto de improvisación. Tratar de jugar una línea ii-V en E cuando usted no sabe lo que el acorde ii o el acorde V es en la tonalidad de E es como tratar de leer sin conocer el alfabeto. Por supuesto que va a ser difícil de improvisar!

Usted no necesita saber una tonelada de teoría de la música para salir del paso y la buena noticia es que usted puede obtener la mayor parte de ella a través de la memorización simple y repetición. Comience con lo básico: Conozca todas sus escalas mayores, dentro y por fuera Arpegiar cada acorde diatónico en las 12 teclas, (1, 3, 5, 7, 9 de cada grado de la escala) Entender las 12 teclas y cómo se relacionan Estudiar las funciones armónicas y cualidades de cada acorde diatónico: me acorde, acordes ii, iii acorde, acordes IV, V7 acorde, etc. Conocer las progresiones de acordes básicos y las relaciones armónicas en todos los tonos: VI, ii-VI, iii-VI-ii-V, I-IV7-V7, etc. Usted puede ir tan lejos o conseguir tan avanzado como se quiere, pero este es un buen lugar para empezar. En lugar de deslizándose sobre cada uno con una comprensión nivel de la superficie, el objetivo de dominar cada una de estas áreas de la teoría - esto es lo que necesita como improvisador. Si te encuentras con algo en su práctica que usted no sabe, tratar de averiguar por qué funciona y si usted todavía está atascado, pídale a alguien que sabe. Si esos conceptos básicos de teoría mencionadas anteriormente le dan problemas, sólo significa que usted necesita para hacer su tarea. Utilice algunos ejercicios de visualización o descargar este ebook para su sala de ensayo para estudiar. Pasa algún tiempo cada día la visualización de los arpegios diatónicos y los simples progresiones en cada tecla y grabarlos en su memoria. Esta podría ser la "parte fácil" para algunos de ustedes y un paso difícil para otros, todo depende de cómo se presentaron a la música. Si usted comenzó estudiando teoría musical, esta será natural, sin embargo sus oídos son probablemente faltan (la sección de abajo es para usted!). Y si usted aprendió predominantemente por el oído, puede que tenga que poner al día su teoría. De cualquier manera, ser honesto con uno mismo y ver dónde está parado. Siempre hay áreas en nuestro juego que necesitan mejorar.

III. La formación del oído Todos estamos inicialmente atraídos por la música con nuestros oídos, sin embargo para la mayoría de nosotros, comenzamos a aprender música con nuestras mentes. Balanzas teoría, acordes, tríadas, firmas de tiempo, modos ... estas son las cosas que encontramos en nuestras primeras lecciones de música. Casi instantáneamente, esa cosa mágica que nosotros hayamos amado a escuchar se convirtió en este revoltijo de información abstracta confuso. Todavía ávidamente escuchamos, pero a medida que continuamos por este camino educativo, nuestra comprensión de la música se mueve más y más lejos del propio sonido. Después de un rato, nos olvidamos de cómo utilizar nuestros oídos para analizar el sonido.

Todavía podemos escuchar esas melodías y progresiones de acordes, sólo estamos atrapados dentro de nuestras cabezas tratando de resolverlo todo. Lamentablemente ni siquiera a nuestros oídos una oportunidad para mejorar. Entrenamiento del oído es el número uno lo sostiene improvisadores más aspirantes a la espalda. No es que ellos tienen malos oídos, sólo tienen oídos que han pasado sin desarrollar durante años. Sus orejas se han ignorado al tiempo que permite la mente para hacer el trabajo por ellos. Si continúa a ignorar sus oídos, la improvisación siempre será difícil misterio que estás están destituidos de la solución de una y otra vez. Transcripción será esta larga, ardua tarea. La identificación de las progresiones de acordes y fragmentos melódicos seguirá siendo un ejercicio difícil de alcanzar. Melodías de aprendizaje de los registros se llevarán a horas en lugar de minutos. Dondequiera que estemos, lo que oímos es sobre todo ruido. Cuando lo ignoramos, nos perturba. Cuando lo escuchamos, nos resulta fascinante. ~ John Cage

La solución es fácil. Comience por la incorporación de algunos ejercicios de entrenamiento del oído en su rutina diaria. Hemos escrito numerosos artículo sobre el entrenamiento del oído en este sitio: Ear Training Fundamental, ejercicios acorde de séptima, la audición de acordes Tonos en contexto. Elige uno y poner sus oídos a prueba. Recuerde que debe empezar de forma sencilla, sin embargo. Usted puede entender mentalmente conceptos como sustituciones tri-tono y dominantes alterados, pero nuestros oídos están a menudo a la zaga nuestros cerebros, pegados donde los dejamos hace años. Usted no quiere ser este robot sin emociones o el cerebro gigante que está analizando los acordes y escalas de computación en tiempo real. La improvisación debe ser ese momento en el tiempo en el que todo se une para crear - la mente, el cuerpo y el espíritu. A pesar de que es posible que no se den cuenta, hay melodías dentro de ustedes que son únicos para usted se convierten en sus oídos y darles la oportunidad de salir.

IV. idioma ¿Alguna vez ha transcrito un solitario? ¿Conoce algún líneas ii-V? ¿Has estudiado alguna maneras comunes de jugar más de un séptimo sonido Mayor o un sonido V7? Si usted no tiene cualquier idioma, la improvisación puede ser frustrante y laboriosamente

difícil. Después de un tiempo que va a golpear una pared que ejecutan esas mismas escalas y patrones de arriba abajo. Junto con el entrenamiento del oído, el lenguaje es otro factor importante que falta en jugar de muchas personas. Idioma que te da un buen lugar para empezar, en lugar de dando tumbos en los callejones oscuros de progresiones de acordes y con la esperanza de que eventualmente encontrar la salida. Con una frase musical o una idea arraigada en los oídos y dedos, tienes algo concreto para trabajar y construir. Los solos y líneas que transcribo son los modelos que te enseñan a hablar el lenguaje del jazz. Sin ellos estás impotente dejaste solo de reconstruir las escalas y acordes. Imagínese dando un niño precoz, estallando en el parece hablar sus primeras palabras de un lenguaje de frases Inglés. "Niño Ok, aquí tienes, dar lo mejor de ti!" Sin fonética o modelo hablado copiar, este pobre niño se deja a sus propios dispositivos para encontrar la manera de hablar. El resultado va a ser un galimatías incomprensible que nadie puede entender. Y esto es lo que se oye de un montón de improvisadores bien intencionados, pero sin preparar - galimatías. No han escuchado a los registros, no han estudiado la lengua, y que están haciendo todo lo posible con la teoría de la música que han aprendido. Aquí es donde todos nos dirigimos si no nos detenemos y tomamos el tiempo para salir de los registros y transcribimos algunos idiomas. Empiece por aprender una línea sobre un séptimo acorde mayor o una simple línea II-V7. A continuación, aplique esta línea para las melodías y progresiones de acordes que usted está trabajando. Con una idea sólida para empezar, que da gusto ver que las ideas creativas empezarán a surgir. Usted puede alterar ese lenguaje rítmico, puede cambiar la nota de partida, se puede combinar con otras ideas que tiene, se puede omitir o añadir notas como quieras. Todo depende de lo que estás escuchando y sintiendo en el momento, no en una escala o un patrón predeterminado.

V. Mindset Tomando un nuevo paso, pronunciar una palabra nueva es lo que la gente más temen. ~ Fyodor Dostoevsky

El miedo es el asesino número uno de la creatividad en todo lo que haces. No es fácil conseguir poner sobre el terreno en frente de una audiencia y de improvisar. Para sacar un

desempeño exitoso, debemos superar el miedo, la duda, y un sinfín de distracciones. Aunque pueda parecer una post-pensamiento, su forma de pensar tiene mucho que ver con su creatividad y capacidad de improvisación en el stand de banda. Una forma de superar esta situación es la experiencia: cuanto más lo haces, más fácil será. Póngase cómodo con conseguir delante de la gente y la improvisación. Es mucho más difícil de lo que parece. El miedo, la distracción, la falta de preparación, errores, y un público crítico son sólo algunas de las cosas que pueden interponerse en el camino de un rendimiento creativo. Sin embargo, cada vez que realice y de improvisar en frente de una audiencia, usted ser más cómodo y confiado; por su parte, se centra en las cosas que importan, como la música misma. La otra forma es prepararse en la sala de la práctica. Si usted tiene esas melodías y progresiones abajo, si su técnica es como una máquina bien engrasada, si sus oídos están, y si estás centrado y en el momento, cuando vas en el escenario, podrás tener la confianza para jugar con facilidad y ser creativo. Aprender a dejar ir cuando llegues al escenario y se centran en estar en el momento. No va a haber distracciones en cualquier actuación y en ocasiones tenemos que lidiar con los nervios y el miedo. Confía en ti mismo y la preparación que he hecho en la sala de la práctica y usted tendrá éxito en todo momento.

Separados pero iguales Los cinco de estas categorías son importantes, y cada uno está interconectado a la siguiente. Usted necesita producir sin esfuerzo sonido de su instrumento, es necesario comprender algunos básicos progresiones de acordes y teoría, necesita escuchar estas progresiones, es necesario tener un lenguaje más de estas progresiones, usted necesita tener su técnica trabajó en los 12 llaves, y, por último, es necesario adquirir una mentalidad creativa. Sin cualquiera de estos, el proceso de la improvisación se desmorona o se vuelve cada vez más difícil. Ningún lenguaje? Le pegan tratando de hacer algún modo melodías de acordes y escalas. No se puede oír los acordes o melodías? Soloing convierte este ejercicio mental insatisfactorio. Técnica descuidada? No se puede ejecutar las ideas que estás escuchando en su cabeza o producir sin esfuerzo líneas en su instrumento. No entender los conceptos básicos de la teoría de la música? ... Creo que se entiende la idea. Cuando estás empezando a aprender la improvisación que puede parecer que no son técnicas o información que se está perdiendo secretas. Esto es fácil de hacer y puedo recordar la búsqueda de respuestas de esta manera también. Las respuestas, sin embargo, son mucho más simple de lo que pensamos, sólo requieren un poco de trabajo. El problema radica en el hecho de que estamos continuamente apenas rozando la superficie de entendimiento con estas cinco áreas clave. Apenas hemos explorado lo que significa tener "buena técnica", se obtiene por una comprensión mental floja de la teoría, hemos apenas entrenado nuestros oídos, en algunos casos, no tenemos ninguna

lengua que hemos transcrito, y improvisamos con un agitado mentalidad basada en el miedo. Sin embargo, nos volvemos los ojos a estos temas y esperamos que otras cosas que deben estar causando el problema. "Sólo tengo que estudiar más subs tri-tono ... tal vez si yo estudio este nuevo enfoque cromática ... debo practicar más arpegios." Toma un poco de honestidad y coraje para admitir que estas áreas "básicos" se carece en su juego, sobre todo a medida que creces. No fue hasta que volví y trabajé en el entrenamiento del oído, transcribí un lenguaje, y renovado mi técnica que realmente empecé a mejorar en la improvisación. Por lo tanto, tomar un buen vistazo a su propia práctica y rendimiento. ¿Usted apenas rozando la superficie en su práctica o es usted en realidad la solución de los problemas en su juego? Una respuesta sincera a esta simple pregunta puede hacer una gran diferencia en su práctica y dar vuelta a su juego hoy en día.

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5 trucos sencillos con el enfoque Notas que le hará sonar como un profesional Publicado por Eric En 30 de noviembre 2015 @ 10:12 am En Acordes, Conceptos | Comentarios discapacitados

Alguna vez se preguntó cómo los mejores jugadores parecen improvisar líneas brillantes sin ningún esfuerzo? Todo ello mientras usted está luchando para hacer que incluso los tonos de acordes simples suenan bien ... Si usted es como la mayoría de los jugadores que sabes esta frustración. Sin embargo, la solución no está con una teoría de la música secreta o avanzado oculto - todo se remonta a la fundación musical que usted ya conoce. A estas alturas ya debería ser capaz de visualizar los tonos de raíces y de acordes de cualquier acorde. Pero saber esta información es sólo el punto de partida. El truco está en hacer música fuera de estos bloques de construcción armónicas.

Así que, ¿cómo empezar con las notas básicas de un acorde y convertirlos en un solo que suena bien? ¿Cómo transformar unos aburridos tríadas en la música que la gente realmente quiere escuchar ?? Como pronto veremos, la brecha entre la teoría memorizado y solos musicales está más cerca de lo que piensa - sólo tiene que saber algunos trucos.

Es todo acerca de su enfoque ... Muchas de las líneas complejas que se escuchan en sus solos de favoritos no se basan en escalas de fantasía. O incluso acordes complejos ... Ellos tienen sus raíces en las estructuras básicas que se encuentran en cada acorde común: la raíz, tercera, quinta y séptima. Una forma improvisadores crean líneas complejas con un material limitado es a través del uso de notas de aproximación cromáticas. Por ejemplo escuchar a la apertura de arreglo de Dizzy Gillespie of Blue n 'Boogie:

Sin la ornamentación o 16 notas de la línea se vería así - una tríada mayor Bb con notas de aproximación de medio paso:

Cada gran improvisador utiliza el truco de las notas de aproximación en su juego y por suerte para usted, que está construido sobre el esqueleto de teoría de la música que usted ya sabe! A continuación le mostraremos 5 maneras de utilizar las notas de aproximación que convertirán esas tríadas y arpegios en el lenguaje musical que suena muy bien en todas sus solos.

Truco # 1: Utilice notas de aproximación en los principales tríadas

Vamos a empezar con algo simple - una tríada mayor. Supongo que se puede jugar una tríada mayor y supongo que se puede visualizar esas tres notas en su mente ... Pero una tríada por sí misma no es la música. Es un ejercicio de teoría de la música. Aquí es donde un enfoque simple nota puede hacer toda la diferencia.

Al acercarse a la tríada básica con un medio paso agrega tirón armónico y dirección musical. Y con la adición de un elemento rítmico que ahora tienen una frase musical. En lugar de alguien tropezando con la teoría básica de la música, que ahora suena como un

improvisador hacer una declaración musical. Comience por la memorización de este simple ejercicio en todos los tonos.

* Después de haber inculcado los grandes tríadas hacer lo mismo por tríadas menores, disminuidos y aumentados.

Truco # 2: Utilice notas de aproximación con tríadas diatónicas

Ahora que ha abordado la tríada mayor en las 12 teclas, vamos a centrarnos en una de las claves. Aplicar el concepto anterior de los acordes diatónicos en una sola tecla. Comience con la tríada tónica y avanzar paso a paso, la inserción de un enfoque nota cromática por debajo de la raíz de cada tríada diatónica. Por ejemplo, aquí es el ejercicio en la clave de C:

A continuación, aplicar este concepto a las mismas tríadas descendente:

Tome este patrón a través de las tríadas diatónicas de las 12 teclas. Para mayor variación, experimentar con enfoque señala en tanto ascendente como descendente tríadas. Recuerde llevar todo a través de las cuatro direcciones.

Truco # 3: Enfoque señala en tonos acordes

Aparte de la raíz, también debe aprender a utilizar las notas de aproximación en cada tono acorde de un acorde. Por ejemplo, tomar una tríada y añadir un enfoque nota cromática debajo de la raíz, tercero y quinto.

Una melodía que utiliza esta técnica es sintonizar de Dizzy Gillespie The Champ. Echale un vistazo:

Junto con grandes tríadas, practicar el uso de las notas de aproximación a los tonos de acordes de tríadas menores, disminuidos y aumentados también.

También puede utilizar un menor vecino enfoque nota. Escuche cómo Clifford Brown utiliza esta técnica en su solo en Alegría de primavera:

Truco # 4: Notas Enfoque en 7mos acordes

Al improvisar un solo sobre cualquiera de los estándares del jazz comunes, no se trata de simplemente tríadas, que está tratando con 7mos acordes. Y al igual que los ejercicios anteriores, también puede solicitar notas de aproximación al 7 de acordes. Vamos a empezar con un séptimo acorde mayor. Acercarse a una séptima arpegio Mayor por medio paso es muy común - Estoy seguro que has oído esto en innumerables solos. Un ejemplo es el descanso en solitario de Clifford Brown en lo recordaré abril:

La estructura básica de esta línea es un séptimo arpegio Mayor:

Practicar el uso de un enfoque de la nota sobre los principales 7º arpegios en cada llave. (Si ya tienes los grandes tríadas desde el paso # 1 bajo tus dedos éste debe ser bastante fácil!) A continuación, aplicar el mismo concepto a los tonos del acorde del acorde Major 7:

Experimente con diferentes variaciones rítmicas y utilizar el mismo proceso en acordes menores 7 y V7. Como puede ver, la adición de un enfoque simple nota le permite crear una serie de posibilidades musicales utilizando tonos única de acordes.

Truco # 5: Recintos utilizando notas de aproximación superior e inferior

Un dispositivo musical común que utiliza notas de aproximación son recintos. Basta acercarse a una nota gol desde arriba y abajo. He aquí un ejemplo de una línea común que utiliza el recinto de tonos de acorde:

En este ejemplo un vecino superior diatónica y cromática vecino inferior se utilizan para acercarse a los tonos de acorde del acorde C Major7. Aprenda el patrón anterior en todas las 12 teclas. Entonces practicar acercarse tonos de acorde sólo desde arriba y alterna entre los dos notas de aproximación superior e inferior. Echa un vistazo a la línea de Charlie Parker a continuación sobre Antropología que utiliza este patrón:

Más música, menos teoría ... Cuando usted aprende los fundamentos de la teoría de la música que es fácil olvidar que el objetivo de toda esta información es hacer música. Usted ha memorizado esas escalas y triadas y acordes, pero ahora hay que crear un solo de que la gente quiere escuchar. Notas de aproximación son una manera fácil de agregar interés melódica y rítmica de estos sonidos de otro modo estático. Su trabajo es tomar estos 5 trucos y aplicarlos a las melodías que estés practicando. Utilice notas de aproximación con: Principales tríadas Tríadas diatónicas Los tonos de acordes de acordes Principales 7mos acordes Cerramientos En un corto período de tiempo que usted será capaz de crear contenido melódico interesante con sólo unas pocas notas. Vas a estar pensando en una línea melódica en lugar de llanura teoría de la música antigua. Es un pequeño dispositivo que hará una gran diferencia en todos sus solos - darle una oportunidad!

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6 Relaciones de acordes comunes que usted necesita saber ahora Publicado por Eric En 10 de abril 2013 @ 13:53 En Acordes, Conceptos, Jazz idiomas, Consejos, Tunes | Comentarios discapacitados

"¿Cómo puedo conectar acordes cuando estoy solos?" Usted se está preguntando esta pregunta en la sala de ensayo y estás frustrado cuando no parece ser una respuesta fácil. Pero usted no está solo. Esta es una pregunta que cada improvisador lucha con, ya que crean solos más de melodías. Improvisando sobre un acorde es bastante simple, sin embargo, cuando usted comienza a tocar melodías con progresiones de acordes reales, la creación y la conexión de las líneas se hace un poco más difícil. Este obstáculo musical va al corazón de las habilidades que necesita como improvisador y la solución, al igual que muchos obstáculos que encontramos en la música, es simple en teoría pero significativamente más involucrados en la ejecución. Imagine por un momento que usted quitaste toda la terminología teoría, las normas de voz líderes, el laberinto de las escalas y el símbolo de acorde jerga que normalmente encuentras como improvisador. ¿Qué le quedará con? Usted se quedará con sonido - eso es todo!

A pesar de todo lo que nuestro cerebro quedan atrapados en como tratamos de crear un solo, el aspecto armónico de la improvisación se reduce al sonido: sonidos individuales (acordes) y las relaciones entre estos sonidos. Como improvisador una comprensión teórica y la competencia técnica son los primeros pasos cuando se acercan estas relaciones armónicas, pero su objetivo final es la melodía. ¿Se puede crear una melodía perfecta en estos sonidos y progresiones de acordes posteriores? Su habilidad para tocar melodías a través de una progresión de acordes está directamente relacionada con qué tan bien puede oír los acordes individuales de una progresión y las relaciones entre ellos. Si quieres jugar sin esfuerzo sobre cualquier progresión de acordes que necesita para empezar centrándose intensamente en el movimiento entre un acorde y el siguiente.

Acercarse a las relaciones de acordes Piense de nuevo a la primera vez que en una presentación a la idea de una progresión de acordes. Si fueras como un montón de gente la mayor parte de su tiempo se dedicó a averiguar "cosas" para jugar durante esos acordes individuales, no en la relación o conexión melódico de toda la progresión. Casi al mismo tiempo que también es probable que se encontró con la progresión ii-V7-I. Con esta relación armónica llegó ideas de conexión como voz principal, orientar líneas de tono, y 7-3 resoluciones. Este es un gran lugar para comenzar a aprender los conceptos básicos de las relaciones de armonía y de acordes funcionales. Muchos músicos comienzan su viaje en progresiones de acordes con un estudio de ii-V, el único problema es que este es también el lugar donde el estudio de las relaciones armónicas se detiene. Si lo piensas bien a ii-VI sólo contiene dos relaciones de acordes: un acorde ii menor movimiento al acorde V7 dominante y un acorde V7 resolver el acorde I. Sin embargo, tomar una rápida escuchar cualquier canción y verá inmediatamente que usted va a tener que saber más que estas dos relaciones de acordes. Mientras que la progresión de un sub-dominante a un dominante a la tónica es una progresión que es fundamental para gran parte de la música occidental, definitivamente hay otras relaciones de acordes clave que usted debe saber para estar plenamente preparado para jugar cualquier estándar. A continuación se presentan seis relaciones de acordes comunes, además de la progresión ii-VI norma, que debe comenzar a incorporar en su rutina de la práctica diaria:

Paralelo Menor

El movimiento directo de un acorde mayor a su tonalidad homónima es sorprendentemente común dentro del cuerpo de normas que con frecuencia se juegan por los músicos. Hay algo intrínsecamente lógico acerca indicando una melodía en importante y luego moverlo a menor. Por ejemplo tomar un escuchar a la apertura cuatro barras de Ornitología:

Como improvisador esta es una relación importante para tener en su oreja y debajo de sus dedos. Ser capaz de modular rápidamente de un sonido importante directamente su tonalidad homónima le servirá bien en muchas situaciones. Aquí están algunas otras normas que utilizan una modulación directa de mayor a menor: Solo amigos On Green Dolphin St. Cómo High the Moon Lo recordaré abril

Esta relación de menor importancia en paralelo también aparece en algunos lugares no tan obvias también. Echa un vistazo a el puente para Cherokee:

A menudo pensamos en el puente para Cherokee hasta cuatro separada ii-V del que descienden en pasos enteros (juegan un ii-V en B - stop - juegan un ii-V en A -. Stop ... etc) En lugar tratar de crear un línea sin fisuras donde la resolución de un ii-V se conecta a principio de la siguiente ii-V un paso entero inferior. Esto significa que utiliza y el dominio de la relación de menor importancia en paralelo por encima de - B Mayor a menor, una mayor a una menor de edad, Sol Mayor al sol menor. II7 a ii-7 La relación de menor importancia en paralelo no tiene que limitarse a sólo el movimiento de los 7 a los menores de 7 cuerdas, también frecuente encontrar esta relación entre acordes dominantes 7 y menores de 7 cuerdas. Por ejemplo, tomemos los últimos 8 bares de la sección A de Cherokee:

O los acordes iniciales a Si yo fuera una campana:

En ambos casos el acorde dominante II modula a II-7 que resulta en la progresión: II7 - ii-7 V7 - I. Otros melodías que utilizan esta relación: Take the A Train Solo amigos Donna Lee

I7 a IV7 (movimiento por 4ths) La progresión del acorde I al acorde IV es tan común que se suele pasar por alto, pero esto es una progresión esencial tener a su disposición. He aquí dos ejemplos estándar de I a IV7: Azules (dominante me acorde de mudarse a un acorde dominante IV):

Rhythm Changes (puente en la llave de C):

El movimiento de un acorde I7 a un acorde IV7 es esencialmente un V7 a la relación I. Cuando usted comienza a pensar en esta relación armónica de esta manera la progresión se hace mucho más lógica e intuitiva. No sólo se está cambiando entre los acordes dominantes al azar, hay una V de la resolución que implicaba. En los ejemplos anteriores también puede implicar una progresión ii-V7 sobre el acorde I7 (véase este artículo para más información sobre progresiones implícitas). Por ejemplo, en los primeros 4 bares en el puente de cambios de ritmo:

Y si a su vez cada acorde V7 en el puente te vas a encontrar la relación de menor importancia en paralelo desde arriba:

Esta cuarta relación también se puede encontrar en otras normas entre dos acordes menores o dos acordes mayores. Por ejemplo puedes ver los de apertura 8 bares de todas las cosas que son:

I VI7 (Sexto relación)

Para ser capaz de improvisar bastante más de la mayoría de los estándares necesitas habilitar la relación de un acorde I al acorde VI abajo. No sólo un conocimiento mental de este movimiento, sino un repertorio de idioma para esta relación armónica en todas las 12 teclas. El ejemplo más frecuente de esta sexta relación es la sección A de Rhythm cambios.

Las primeras medidas de Donna Lee es otro buen ejemplo:

I - # iº Un acorde que proporciona la misma función que el acorde VI7 es un # iº acorde. En lugar de la secuencia de acordes I - VI - II - V también se puede jugar tiene I - # iº 7 - ii - V7, esencialmente, lo que implica una flat9 VI7 y utilizando un movimiento de raíz medio paso. Algunas canciones que utilizan esta relación de acordes son: Vida fácil ¿Has conocido a la señorita Jones

Semitonos (I a bII)

La relación de un medio paso también es común entre las normas que encontrará como improvisador. Tome un escuchar a los primeros cuatro barras de Usted salió de un sueño:

Una progresión descendente medio-paso también se puede encontrar en Donna Lee:

Algunos otros ejemplos de normas que utilizan relaciones armónicas medio paso: Entonces qué Bueno Usted no necesita

Tercero Relaciones menores Otra relación de acordes para conseguir en los oídos y en virtud de que los dedos es una tercera relación de menor importancia. El ejemplo más conocido de esta relación acorde es Giant Steps melodía de John Coltrane:

Cambiantes rápidamente centros clave, como los que se encuentran en la progresión de Giant

Steps tomar un poco de práctica seria. El aprendizaje de esta secuencia de las relaciones de acordes también es útil en rearmonizar normas o sugiera sustituciones de acordes:

Tonic a vii-Disminución de la mitad (I - Viio)

Una otra progresión que también es muy común es el movimiento de la cuerda I a la cuerda Viio. Encontrarás esta progresión en: Azules de aves (Blues for Alice) Confirmación Llueva o salga el sol:

La práctica de estas relaciones de acordes Así que ahora que hemos identificado estos seis relaciones de acordes, ¿cómo vas a practicar ellos? Bueno, antes de que pueda ponerse a trabajar en cualquier progresión de acordes, hay que empezar por aprender el sonido de las cuerdas individuales. La lógica es simple, si usted no puede jugar más de un acorde, ¿cómo se va a conectar varios acordes? Por ejemplo, si desea que improvisar con eficacia sobre la relación de menor importancia en paralelo, es necesario comenzar por la comprensión (auditiva y mentalmente) cada acorde individual en que la progresión de acordes. Esto significa desarrollar la técnica, haciendo unos ejercicios de entrenamiento auditivo y el aprendizaje de idiomas, tanto para un acorde mayor y un acorde menor. Entonces una vez que tenga esos sonidos en el oído y en los dedos, es necesario conseguir un poco de idioma para cada uno de estos acordes. Piense en estos dos pasos como requisitos previos antes de poder empezar acordes de conexión. Si usted se está preguntando por dónde empezar echa un vistazo a algunos de estos artículos para obtener información acerca de escuchar los acordes básicos y el lenguaje de reunión: Cómo adquirir lenguaje útil La diferencia entre lame jazz y el lenguaje del jazz Entrenamiento del oído Fundamental: acordes de séptima La práctica de las cuatro direcciones Cómo practicar escalas para la velocidad Este proceso es el mismo para cualquier otra progresión de acordes, y los 6 relaciones armónicas enumerados anteriormente no son una excepción. Una vez que haya adquirido un

lenguaje y puede escuchar estos sonidos individuales, es el momento de centrarse en la relación entre estos dos sonidos. A continuación hay cuatro pasos para el aprendizaje de cualquier relación de acordes que te encuentras. Paso 1: Aislar la relación de acordes El primer paso en el aprendizaje de cualquiera de las relaciones anteriores es de acordes para aislar los dos acordes en cuestión. Como ejemplo tomemos la relación de menor importancia en paralelo desde arriba:

Empieza por ir al piano y tocando lentamente los dos acordes una y otra vez. (No estoy seguro de cómo expresar un acorde en el piano? Ver este artículo.) El objetivo es conseguir que el sonido de esta relación armónica en su oído. Escucha el movimiento entre las raíces, tercios, quintas, séptimas y estructuras superiores de los acordes como los cambios de armonía. Preste atención a cualquier tonos comunes o resoluciones de medio paso entre los dos acordes. Siguiente encontrar una grabación de una canción que contiene esta progresión (ej. Los 4 primeros compases de Ornitología). Aislar ese lugar en Transcribe! Y el bucle. Una vez más escuchar el movimiento de un acorde a otro. Paso 2: Transcribir idioma Una vez que entender esta relación de acordes y tienen el movimiento armónico en los oídos no garantiza automáticamente que estarás jugando grandes líneas sobre esta progresión de acordes. Tienes que empezar por el aprendizaje y el estudio de un modelo musical. La forma en que se aprende el lenguaje del jazz es transcribiendo las líneas y los solos de los grandes jugadores. Cuando usted está trabajando en una relación armónica específica, encontrar una línea específica que te gusta más de este lugar en la progresión, a continuación, reducir la velocidad y aprender de esa línea. Para continuar con el ejemplo de la relación acorde menor en paralelo, es posible que desee comprobar cómo Clifford Brown o Sonny Rollins improvisan sobre el pequeño cambio paralelo en lo recordaré abril.

Encontrar una línea que llama la oreja, reducir la velocidad, cantar y aprender en su instrumento. Una vez que lo tienes abajo el siguiente paso es aprender esta pieza de la lengua en todas las 12 teclas. Esta es una pieza de lenguaje que usted tiene cuando se encuentra con una relación menor paralelo. Paso 3: La repetición y la variación Ahora que tiene un pedazo de lengua para trabajar, usted necesita para hacer esta línea de su propio. El objetivo final de transcribir solos es no cortar y pegar estas líneas directamente en sus propios solos, es para arraigar todas estas líneas y hacer que evolucionan con el tiempo en su propio idioma. Después de que has aprendido e interiorizado un trozo de lengua a partir del registro es el momento de personalizar esta línea mediante la alteración de ella (armónica, rítmica y melódicamente) y combinarla con otra lengua que ya has desarrollado. Echa un vistazo a estos puestos para algunas ideas sobre variando su idioma transcribe: Cuadruplicar su idioma jazz ¿Cómo aplicar el lenguaje de jazz que ha transcrito Cómo frase como un profesional El uso de Permutación para crear ideas musicales ilimitadas Explorando el espacio Después de tener algunas variaciones en la línea original, tome estas nuevas líneas a través de cada llave. Paso 4: Crear sus propias líneas Finalmente estamos de vuelta al punto de partida - la creación de líneas improvisadas que

conectan una progresión de acordes. Sólo que esta vez, en lugar de disparar, sin éxito, en la oscuridad, ya hemos pasado por las etapas de aprendizaje de idiomas y la creación de nuestro propio. Usted ve, al contrario de lo que mucha gente piensa acerca de la improvisación, no se puede crear líneas de la nada. Improvisar es una habilidad desarrollada a partir de horas de práctica no es un talento que se tiene o no se tiene. Cuando usted ha no ha practicado estas relaciones de acordes y no tienen lenguaje para jugar, por supuesto que va a parecer imposible - esto es sólo una señal de que usted no ha desarrollado estas habilidades todavía. Ya sea que esté trabajando en la audición progresiones de acordes, tratando de mejorar su técnica, o tratando de conectar varias relaciones de acordes la respuesta no va a venir a usted sin ningún trabajo. Mediante la incorporación de estos seis relaciones armónicas en su rutina de la práctica, además de su práctica habitual ii-VI, se encontrará mucho más dispuestos a solas sobre las melodías del repertorio estándar.

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6 razones que usted debe empezar a componer Hoy Publicado por Eric En 24 de octubre 2012 @ 10:31 En Consejos para todos, Composición, Conceptos, Consejos | Comentarios movilidad

No puedo entender por qué las personas se asustan de las nuevas ideas. Tengo miedo de los viejos. ~ John Cage En algún momento como improvisador, si le dan la bienvenida con los brazos abiertos o evitar como la peste, que va a ser enfrentado con la posibilidad de componer. Así es - que, solo en una sala de ensayo a escribir su propia música. Usted puede estar emocionado de explorar esta oportunidad creativa o tal vez la idea de mirar a una hoja de papel en blanco personal inmediatamente induce el miedo y la duda. Sea cual sea su reacción inicial, la oportunidad de componer su propia música será siempre allí y si usted realmente quiere avanzar musicalmente, hay una serie de razones prácticas que se debe dar a la composición una oportunidad. Es posible que desee realizar un poco de su propia música, por una vez, en lugar de otra larga serie gastado refrito normas desgastadas. Es posible que tenga un trabajo para una de sus clases o una solicitud para un próximo concierto. O tal vez por alguna extraña razón que tiene este fragmento melódico que sigue resonando en sus oídos donde quiera que vaya.

Todos tenemos diferentes orígenes musicales. Hasta este punto, es posible que haya intentado su mano en un par de originales o tal vez usted ha esbozado una progresión de acordes simples y dejó las cosas así. Sin embargo, si usted es como muchos de los improvisadores, componiendo la música sigue siendo la tarea difícil de alcanzar que mantenga lo que significa hacer, pero nunca parecen moverse a partir de hecho o acabado - y esto es algo que debe cambiar.

¿Por qué componer en el primer lugar? Antes de sentarse y empezar a componer debe tener en cuenta por qué estás componiendo, para empezar. Es sólo otro ejercicio composición musical? ¿Es algo que te obligas a hacer por unos minutos para que tenga un "original" en su set list? ¿O hay algo más en juego aquí? Composición va al corazón de por qué estás jugando la música y está directamente relacionada con el origen de su improvisación. Hay una razón por la que estás atraído por la música, una razón que usted escucha a ciertos jugadores, y una razón por la que se ven obligados a practicar y mejorar. Su improvisación y composición deben estar conectados directamente a esta musicalidad interna. También es importante recordar que la composición y la improvisación no debe ser un ejercicio de teoría de la música. Y si usted piensa que es o intenta acercarse a ella como tal, que se está perdiendo el punto. Usted puede escuchar un solo de que se acercaba como un ejercicio al igual que usted puede escuchar una composición que se acercó como un ejercicio. Es que no es musical. Usted no quiere juntar algunos cambios de acordes y una melodía compuestos de tonos de acorde y lo llaman un día. Música, siento, debe ser emocional e intelectual primer segundo. ~ Maurice Ravel Improvisadores tienen una larga historia de componer música original. A pesar de que no es la primera cosa que viene a la mente cuando escuchamos sus nombres, muchos de los músicos prominentes que buscamos hasta también se llevan a cabo los compositores. Wayne Shorter, Joe Henderson, Kenny Dorham, Kurt Rosenwinkel, David Binney, la lista podría seguir y seguir. Casi cada gran improvisador ha expresado su voz musical en forma de composición. Ahora que probablemente no piensan en sí mismos como compositores profesionales y ellos no crearon la siguiente sinfonía importante, pero sí expresar su visión musical e ideas en forma de obras originales y realizan estas composiciones con sus grupos. Del mismo modo que se sintieron atraídos por esta música y obligado a improvisar, sintieron la necesidad de explorar estas ideas a modo de escribir música original. Cuando se mira desde esta perspectiva, la composición es una parte integral de ser un improvisador pensamiento creativo y hacia adelante. Si abordado de la manera correcta, la

composición puede ser una tarea muy gratificante y musicalmente beneficioso. Y los beneficios se traducirán directamente en tu enfoque personal a la improvisación. Aquí están seis razones para comenzar su viaje como un compositor:

1) Encontrar su sonido Tu sonido." Es lo que los músicos creativos están buscando, es lo que sus maestros le están diciendo a desarrollar, y es la razón por la que los críticos están amontonando elogios a ese nuevo improvisador prodigiosa. Cuando empezamos a aprender el arte de la improvisación, nos bombardean con la idea de crear nuestro propio sonido o concepto musical único. Este modo de pensar viene de todas direcciones y poco a poco toma raíz en nuestro subconsciente. Un día, de repente se convierte en el foco principal de nuestra práctica. En lugar de inculcar los conceptos básicos de la tradición del lenguaje del jazz, ahora queremos llamar la atención de nuestras propias ideas, queremos ser el jugador con ese nuevo sonido original, queremos ser un innovador!

Mientras que un sonido original es la marca de un músico de jazz, el viaje a este hito artístico no es lo que la mayoría de los músicos piensan que es. Echa un vistazo a la lista de los grandes músicos de jazz de los últimos 80 años y verás decenas de improvisadores que crearon sonidos marcadamente originales. Sin embargo, estos innovadores musicales no se estableció con un plan premeditado de tener este sonido original. La mayoría de estos jugadores trabajó durante años estudiando y desarrollando los sonidos que estaban escuchando en los registros y en sus cabezas. Muchas veces que dedican la mayor parte de su tiempo a la práctica todo lo contrario de originalidad - horas y horas de

transcribir y inculcar solos de otros jugadores nota por nota, copiar explícitamente su técnica e imitando su sonido. Muchas personas tienen problemas para creer esto, pero la prueba es allí mismo, en los registros. Se oye el sonido de Clifford Brown que viene a través de los primeros registros de Lee Morgan, Art Tatum que viene a través de juego de Oscar Peterson, y se escucha la clara voz de pájaro en toda una generación de jugadores de saxofón y más allá. Para estos jugadores, fue sólo después de años de práctica y estudio que una voz original comenzó a tomar forma y el borde de su paso a la vanguardia. Tenga en cuenta que su "sonido" ya está tomando forma a través de los registros que usted escucha, a través de los jugadores que imitar, y por medio de los solos que transcribimos. Pero este desarrollo de su voz musical interno no debe limitarse sólo a su práctica instrumental. Una cosa que muchos jugadores no se dan cuenta es que la composición de la música es una gran manera de encontrar su sonido y desarrollar su enfoque personal a la música. Esas mismas musicales conceptos, ideas y técnicas que te encuentras atraído al practicar o realizar también puede ser enfrentado en el campo de la composición. Puede ser cualquier cosa. Un conjunto interesante de progresiones de acordes, un motivo rítmico, una serie de intervalos que se está derramando hacia arriba y abajo en su cuerno. Todo esto puede tomar forma y crecer en forma de una composición. Improvisadores han estado haciendo esto desde hace décadas. Parker exploró sus ideas armónicas con los jefes bebop intrincados, Coltrane elaboró ​un nuevo enfoque para el movimiento de progresiones de acordes través reharms y composiciones, Monk escribió sus ideas en canciones únicas que continúan ser amado hoy. Estas composiciones reflejan la visión musical de su compositor, al igual que su juego era otro vehículo para esta voz musical interior. Tome un escuchar a los jugadores por ahí hoy escribiendo canciones hoy como Kurt Rosenwinkel, David Binney, Dave Douglas, Mark Turner, y muchos otros. Sus composiciones, inevitablemente, vienen de la misma fuente que la improvisación - ese sonido interno.

Piense en la composición como un ejercicio en el que medita en su visión musical, ese sonido original que se está desarrollando dentro de ti. Todos tenemos un sonido, una idea musical enterrado en algún lugar de nuestro subconsciente que está esperando para salir - ¿Cuál es el tuyo?

2) Componer está improvisando en cámara lenta

Muchos improvisadores no se identifican a sí mismos como los compositores, sin embargo el hecho es que cualquier persona que se improvisa sobre una progresión de acordes ha creado una composición original. Improvisación y composición están más relacionados de lo que cabría suponer. Ya sea que esté tomando unos estribillos sobre un F azules o sentarse en el piano con una hoja de papel en blanco personal para llegar a una nueva melodía, el proceso de creación de la música es la misma. En el nivel más básico melodía, la armonía y el ritmo debe ser combinado con los sonidos que están escuchando en su cabeza para crear música. Es tan simple como eso. Componer está improvisando y la improvisación está componiendo. Y lógicamente, estudiando y mejorando al mismo será de gran beneficio del otro. En la banda de pie se ven obligados a crear en el lugar, pero al redactar tienes suficiente tiempo (horas, días y semanas) para construir su visión musical. En ambos ajustes del proceso creativo es idéntico. Es necesario profundizar esas ideas musicales desde lo profundo de ti mismo y presentarlas al mundo. A veces, el resultado es un gran éxito y otras veces, bien - no tanto. Pero trabajar en el proceso de cada día le llevará más cerca de su meta. Para componer la música, todo lo que tienes que hacer es recordar una melodía que nadie más ha pensado. ~ Robert Schumann Una gran composición y un gran solo tienen las mismas cualidades musicales: una melodía bien elaborado, interesante contenido rítmico y un flujo lógico del movimiento armónico. Refinación estos dispositivos musicales y sonidos a través de la composición se traducirá directamente en tu jugar la próxima vez que tome un solo. Tómese su tiempo para componer y que le ayudará en su viaje a evolucionar como improvisador. Se trata de ser creativo sin la presión del tiempo o de un público expectante que pasa. Usted puede ralentizar el tiempo y se centran en una frase durante todo el tiempo que quieras. Usted puede incluso conseguir una segunda oportunidad (... o una tercera o cuarta oportunidad) si no te gusta lo que has creado.

3) La inmersión en el canon clásico Cuando se dispuso a empezar a componer es muy útil tener un modelo a seguir, una referencia o un modelo para tejer la melodía y la armonía y el ritmo. Pero, ¿dónde exactamente se va a encontrar este modelo? Lo creas o no el recurso más importante de la composición por ahí es la música clásica - más de 400 años de desarrollo de la melodía y la armonía en nuevas formas con diferentes conjuntos e instrumentos! Pero espere eso es la música clásica, eso no me ayuda como improvisador !? Incorrecto. Composición clásica a menudo parece un mundo de distancia de la idea de la improvisación, sin embargo ambos esfuerzos están tratando con los mismos elementos de la música y el sonido, sólo de una manera diferente. La música clásica viene de otra tradición musical, otro lenguaje musical, y otro enfoque para la orquestación y el grupo de juego. Pero

la idea de componer música original y la creación de melodías, armonías y ritmos es el mismo. Independientemente del género, todos empezamos a cabo con el mismo conjunto de herramientas musicales. Notas, escalas, acordes, sonido, técnica. La diferencia viene en la forma en que aprendemos a utilizar estas herramientas y las cosas que construimos con ellos. Algunas personas desean por encima de todo para cumplir con las reglas, sólo quiero hacer lo que puedo oír. No existe una teoría. Sólo hay que escuchar. El placer es la ley. Claude Debussy ~ Cuando se empezó a componer, usted no tiene que relegar a ti mismo sólo a las influencias del jazz, se puede obtener inspiración desde cualquier lugar. Trabajar en la composición es una gran excusa para conocer y estudiar las principales obras de la música clásica. Recuerde música es música, independientemente de su origen. Improvisadores tienen una larga historia de estudiar la composición clásica. Parker, Trane, Miles, Bill Evans y cientos de otros han estudiado la música de grandes compositores clásicos del siglo 20 y se utiliza esta influencia en su propia música.

Al comenzar a estudiarlos acercan a estas composiciones como si fuera un disco de jazz. Se puede olvidarse de la idea de que hay que ir a una biblioteca y estudiar una puntuación en silencio. Ponga en una grabación y escuchar con su instrumento. Cuando escuche una línea o un acorde que se agarra de la oreja, entenderlo. Escuche con sus oídos, ni su mente. No es sólo teoría - se oye el sonido. Por último, el estudio de las obras que más te gusten e identificar los componentes que podrían ser útiles en su propia composición. Imitar, asimilar e innovar en dispositivos como contrapunto, orquestación, temas y variaciones, declaraciones melódicos y progresiones

armónicas.

4) Una mayor comprensión de la melodía y la armonía Todos somos conscientes de teoría de la música, ¿no? Si eres como yo, usted pensaba que sabía la teoría ... eso fue hasta el día en que trató de improvisar. De repente, como usted luchó para llegar a un solo había una enorme brecha que de repente se abrió entre conocer la teoría y realmente ser capaz de reproducirlo. Fue como una bofetada inesperada en la cara. Escalas y acordes tenían sentido en el papel, pero cuando se trataba de improvisar que el conocimiento no se cortarlo. La comprensión intelectual de la teoría de la música es una cosa, pero cuando se tiene que poner estas herramientas a utilizar la creación de melodías y armonías que necesita un conocimiento en profundidad. Ya ves, a sabiendas de la terminología de los componentes de la música y tener el control de estas técnicas son mundos aparte. Se puede hablar de cambios de ritmo, acordes mediodiminutos, tonos de guía y sustituciones tritono todo el día, pero cuando empiezas tu solo o componer usted no está hablando, usted está creando música. Al diablo con las reglas, me voy por lo desconocido. ~ Wayne Shorter

Cuando quieres ser creativo, no se puede dejar que las cosas similares o teoría o técnica en el camino. Al redactar, al igual que en la improvisación, lo que necesita saber la teoría a un nivel diferente. Para ser creativo usted necesita tomar este entendimiento a un nivel físico y emocional. Es necesario superar esa etapa de las definiciones memorizadas para entender el sonido real. Usted puede crear un acorde que no tiene un nombre, o tienen que averiguar una forma de

entretejer dos líneas opuestas, o resolver una progresión de acordes no convencional. Al redactar usted puede crear sus propias reglas de teoría. Un ii-7 acorde no siempre tiene que ir a un acorde V7 ...

5) La comprensión de los mecanismos internos de un grupo musical Al salir al escenario y contar de la primera melodía. La banda suena muy bien. La sección rítmica está quemando, los trompetistas están totalmente encerrados y la audiencia está colgando en cada nota. Pero espera un segundo, detener todo !! Tome un pedazo de papel manuscrito (sí, justo ahí en el escenario). Ahora escriba la línea de bajo, anotar la ranura para la batería, escribir armonías para los jugadores de cuerno, y llegar a algunas voces para el pianista. ¿Puedes hacerlo? Para la mayoría de los músicos que la respuesta es un rotundo "No" La mayoría de nosotros inconscientemente saben lo que está sucediendo dentro de un grupo. El bajista está caminando negras, el pianista se para bocetos y el baterista es ... bueno hacer lo que hace el baterista. Sin embargo, cuando jugamos en un grupo tomamos otros instrumentos por sentado sin siquiera darse cuenta. Todo el mundo hace lo suyo. Te preocupas por su parte y que se preocupe por ellos y todo sólo tipo de funciona. Este es un resultado natural de estudiar intensamente un instrumento para año. Después de algún tiempo, usted se preocupa cada vez menos sobre cualquier otro instrumento además del suyo. Entras en la sala de ensayo durante horas a la vez y concentrarse en su juego. Usted va a ensayar con un conjunto y preocuparse por su parte. Usted va a un rendimiento y concentrarse en su solitario. Muy pronto todo se trata de ti. Uno de los beneficios de componer una canción para su grupo o incluso organizar una melodía es que le va a dar una idea de las otras partes musicales de su conjunto. Usted está obligado a escribir una ranura para la batería, una línea de bajo, armonías para los jugadores de cuerno, melodías interesantes y progresiones de acordes lógicas. Tienes que paso fuera de su forma de pensar normal y echar un vistazo a la imagen grande. Tienes que ver la misma melodía desde una perspectiva completamente diferente - desde todas las perspectivas. Esta puede ser una llamada de atención grosero al principio, pero cuando vuelva a jugar con el mismo grupo que va a experimentar la música de una manera totalmente nueva.

6) Cuanto más tiempo se deje intimidar componer, más difícil va a ser Cada compositor tiene que empezar en alguna parte. ¿Y sabes donde ese "lugar" es? Es a principios - que muy primera composición. El paso inicial es a menudo la más difícil de tomar y esto no es algo que es único a la música tampoco. Cada vez que se intenta algo que usted nunca ha hecho antes de tener que superar

el miedo y la duda de sí mismo. Sólo tienes que saltar y dar lo mejor de ti. Cuando estás componer o improvisar tomar un salto y crear una pieza de música de la nada. Es fácil ser crítico con sus primeros esfuerzos y es muy fácil darse por vencido. Su composición no suena como lo que estás escuchando en las grabaciones, no se puede llegar a cualquier idea nueva, esta melodía no se va a ninguna parte. Hay una serie de obstáculos para ser creativo, pero una vez que tome ese primer paso, sólo se hace más fácil. Recuerde, si usted pone de componer hoy en día, un mes, un año o cinco años a partir de ahora va a ser igual de duro. Comience con una melodía simple o una progresión de acordes que usted encuentre agradable. Inspiración escuchando a grandes composiciones y lo más importante, tratar de componer algo cotidiano.

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7 Cualidades sorprendentes de los mejores improvisadores del mundo Publicado por Eric En 13 de abril 2014 @ 13:56 En Consejos para todos, Perspectiva, Jugadores, rutinas de práctica, Consejos | No Comments

"Wow". Estás sentado en la audiencia en un concierto agotado y su músico favorito acaba de tomar el escenario. Técnica impecable, sonido impecable, y un sinfín de líneas musicales creativos fluyen desde el escenario y se llenan la sala de conciertos. "Increíble," lo que piensas. "Este músico debe ser sobrehumano!" Ellos sólo pueden ser, pero ¿Te has preguntado lo que este maestro de la música es como en persona? ¿Cómo sería como si se puso a conversar después del show? ¿Y si pudieras ver dentro de su / su sala de ensayo? Estoy seguro de que su imaginación podía funcionar salvaje con las posibilidades, pero ten cuidado ... ¿Qué estás esperando no siempre es lo que obtienes. De hecho, su percepción de grandes jugadores a menudo puede ser completamente erróneo. He sido muy afortunado de estar en contacto con algunos de los mejores músicos del mundo

y después de cada encuentro, siempre a pie sorprendido por lo que me parece. Aquí hay siete cualidades y hábitos de los mejores músicos que coger con la guardia baja.

1) Se trata de los fundamentos Nunca deja de sorprenderme. Finalmente me pega una lección con un nombre de gran improvisador y de inmediato imagino una hora de las ideas que cambian la vida, nuevas posibilidades armónicas y lame secretos que transformarán mi forma de tocar. Sin embargo una vez que me presento en la lección, es todo acerca de los fundamentos. Tonos largos, respiración, articulación, una sola progresión de acordes, tiempo, escalas, una melodía estándar ... ¿Por qué? Bueno no es ningún secreto, los fundamentos de la musicalidad son los bloques de construcción para convertirse en un gran improvisador. Y todos los ignora! "El momento en que alejarse de los fundamentos - si su técnica adecuada, el trabajo de preparación ética o mental -. La parte inferior puede caer fuera de su juego, su trabajo escolar, su trabajo, lo que estás haciendo" ~ Michael Jordan

Usted ve, el camino de convertirse en un gran improvisador no se trata de la velocidad del rayo líneas de tiempo doble, armonías muy complejas, o incluso acrobacias técnicas - es todo sobre el tiempo, el sonido y la elaboración de hermosas frases musicales. Estas son las herramientas básicas de su expresión musical y son mucho más complicado de lo que piensas. Es en esas escalas, acordes, intervalos, y sutilezas de tiempo que los mejores jugadores se encuentran una fuente inagotable de la práctica. Enfoque intenso en los fundamentos es la única cosa que separa músicos decentes de los mejores músicos del planeta.

2) Incluso los mejores jugadores no conocen cada melodía Seré honesto. Nunca he conocido a un jugador que conoce cada melodía ... (excepto quizás por Harold Mabern).

Esto parece de sentido común, ¿no? Después de todo, ¿quién sabe 5.000 canciones? Sin embargo, parece que siempre me sorprende. Durante años en jam sessions y clínicas que he escuchado la misma frase "Usted necesita saber todas estas canciones!" Pero cuando se llega a esto, incluso los mejores jugadores no conocen cada melodía. No hay duda de que tienen un repertorio sólido y pueden jugar excepcionalmente bien, pero esto se debe a que han desarrollado grandes orejas, han escuchado un montón de música, y han pasado años desarrollando su repertorio. Sin embargo, no importa quién eres, vas a encontrar una situación en la que no sabes una melodía ... y esta situación se va a probar ti. La diferencia entre un aficionado y un maestro es que los mejores jugadores tienen las habilidades para averiguar estas melodías desconocidas en el acto. Pueden escuchar un intervalo, una melodía, una calidad acorde, o una progresión de acordes y saber de inmediato qué es y qué jugar sobre ella. Esta habilidad es más valioso que saber cada melodía jamás escrito.

3) El aprendizaje nunca se detiene

Algunos músicos llegan a un punto en que su juego es lo suficientemente bueno. El aprendizaje puede parar después de graduarse de la escuela, la práctica de los vientos hacia abajo cuando comienza a recibir conciertos, y la búsqueda de nuevas ideas es abandonada cuando se inicia la enseñanza de los estudiantes. Pero no para los mejores jugadores. El aprendizaje para los más grandes músicos es un proceso de toda la vida. Los mejores jugadores son siempre los estudiantes de la música. En la escuela Recuerdo que estaba muy sorprendida cuando me vería Mulgrew Miller ir al piano en entre conjuntos de enseñanza para elaborar líneas y melodías. Me gustaría estar allí y escuchar, preguntándose, "¿Qué está practicando? Lo que en el mundo qué tiene que trabajar? "

Esta fue una verdadera revelación. Una de las razones que él era un jugador increíble era que él nunca dejó de aprender o trabajar para mejorar. Cada día, continuó la búsqueda de nuevas posibilidades en la música, pero siempre había algo más por descubrir.

4) Se trata de la música, no su ego Jugadores inexpertos pueden tener grandes egos, los buenos jugadores pueden tener grandes egos, e incluso los grandes jugadores pueden tener grandes egos. Sin embargo, los maestros musicales son otra historia. Se podría esperar que los mayores improvisadores son completamente llenos de sí mismos, sin embargo, me ha sorprendido continuamente a lo humilde estos músicos son. Si bien todos los grandes jugadores tienen confianza en sus habilidades, los más grandes jugadores entienden que siempre hay espacio para mejorar. Al más alto nivel de la meta de la música no se trata de la competencia y ganar, se trata de una mayor comprensión, el dominio y la creación de su sonido personal. En un momento dado un ego inflado se va a poner en el camino de su mejora. ¿Por qué seguir practicando y empujando a ti mismo si crees que ya has logrado todo? Como Roy Hargrove habla en el clip a continuación, nada le mantendrá más honesto que jugar con los más grandes músicos que puedas:

5) La música es tan grave como su vida Los grandes jugadores no tratan la música como un pasatiempo de fin de semana. La práctica no es algo que a regañadientes dedican unas horas para cada día. Grandes improvisadores no pasan por los movimientos en un concierto y no vas a encontrar un jugador de clase mundial que está bien con la mediocridad o por debajo del par musicalidad. La música es un llamado que usted debe traer su mejor si usted está escuchando, la práctica, o la realización de ... o simplemente vivir. Los mejores jugadores tienen el más alto nivel de dedicación y seriedad a la hora de su maestría musical y la visión creativa. Cada sesión de práctica es esencial, cada sesión de improvisación es una oportunidad para poner a prueba sus habilidades, y cada actuación es fundamental para su mejora. Ellos no están influidos por la creencia popular y no conformarse con la segunda tasa de calidad, en sí mismos o los demás músicos que les rodean. Esto no es tan sorprendente, ¿verdad? Lo que es sorprendente, sin embargo, es como muchos músicos están poniendo en un poco de esfuerzo en la sala de la práctica y esperar grandes resultados. No dejes que esto te sea.

6) A pesar de los grandes jugadores tuvieron que luchar Mira a los grandes nombres del jazz actual. Al ver sus caras en revistas o sus nombres encabezando festivales de jazz de todo el mundo,

es difícil imaginar que alguna vez fueron luchando músicos desconocidos. Esto se debe a que sólo está viendo el producto final - los "frutos" de su trabajo. Lo que no puede ver son los años de práctica y de la lucha que los llevó allí. "Nunca en toda la historia tiene un hombre que vivió una vida de comodidad dejó un nombre digno de recordar." ~ Theodore Roosevelt Al igual que cualquier artista de éxito, estos jugadores tuvieron que luchar para ganarse la vida en sus propios términos como músico. Hubo un momento en que pasaron horas solo en la habitación la práctica, cuando nadie sabía su nombre, y cuando nadie quería escucharlos. Echa un vistazo a esta entrevista con Kurt Rosenwinkel donde relata una historia sobre donde "... estaba tirando los cojines del sofá para ver si podía encontrar algo de cambio para comprar una rebanada de pizza." O el vídeo a continuación, donde David Binney habla primero venir a Nueva York y salir adelante con un trabajo de día durante 10 años.

Convertirse en un gran improvisador con una voz original no es fácil, ni siquiera para los mejores jugadores.

7) La capacidad de decir "no" Si usted quiere ser verdaderamente grande en una cosa, no se puede hacer todo. Cada día tiene un número limitado de horas y tienes que elegir donde y cuando usted pasa su tiempo y energía creativa. Esto quiere decir que "no". Las personas siempre están compitiendo por su atención y las habilidades y cuanto mejor

seas, más personas hay que tratará de utilizar sus talentos para sus propios proyectos. Muy pronto usted está gastando más tiempo en proyectos de otras personas a la suya. En lugar de practicar y seguir su propia visión creativa, que está atrapado en los ensayos y conciertos de música que no te importa. Los grandes jugadores se han dado cuenta de esto y son selectivos de lo que hacen con sus energías creativas. Esto significa tomar conciertos que se alinean con su visión musical, centrándose en los proyectos que son importantes para ellos, y colaborando con músicos que tienen la misma visión musical. Significa decir no a conciertos y proyectos musicales que se van a restar valor a su música. Esto no es siempre la ruta más lucrativo, pero es el camino que los más grandes músicos han tomado.

Percepción vs realidad La opinión popular de hacernos creer que los mejores músicos tuvieron éxito en el talento y la buena suerte. Sin embargo, esta percepción de grandes músicos no siempre es verdad y esta mentalidad se puede llevar por mal camino en su propio viaje musical. Si a usted le gustaría ser un gran músico como yo lo haría, mantener estas siete cosas en mente mientras se esfuerza cada día para mejorar. Usted puede colgar alrededor de los músicos que aceptan el statu quo, que están bien con ser mediocre, y que se conforme con la vista leyendo melodías de el libro de bienes de conciertos. O puede esforzarse por adquirir estos 7 cualidades de los mejores improvisadores del planeta - le toca a usted.

Artículo impreso desde jazzadvice.com: http://www.jazzadvice.com URL del artículo: http://www.jazzadvice.com/7-surprising-qualities-of-the-worldsbest-improvisers/ Copyright © 2015 jazzadvice.com. Todos los derechos reservados.

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7 lecciones cruciales de improvisadores más grandes de la historia Publicado por Eric En 06 de enero 2015 @ 24:39 En Consejos para Todos, Conceptos, Inspiración, Jazz Educación, Perspectiva, jugadores, Consejos | Comentarios discapacitados

Supongo que has oído de Miles Davis. Y usted probablemente sabe Louis Armstrong y ha escuchado Charlie Parker y John Coltrane. Pero ¿alguna vez se detuvo y se preguntó por qué, sentado aquí en 2015, conoce estos nombres? Algunos de estos maestros se han ido durante 40 años y algunos de estos registros son casi 80 años de edad. Así que ¿por qué seguimos escuchando? ¿Y por qué un álbum como Kind of Blue convertirse en el más vendido álbum de jazz de todos los tiempos? Debe haber un ingrediente misterio que hace que algunos jugadores o álbumes soportar la prueba del tiempo y se convierten en nombres de la casa, mientras que otros se pierden a la oscuridad, a falta de conectar con un público más amplio. Mientras que estos maestros musicales no podían predecir el futuro, sí tienen algo en común.

De hecho todos compartían algunas cualidades muy específicas que permitieron su música a viajar por el mundo y soportar durante años. Lo que es más, estas cualidades son verdaderas de grandes personas en diversos campos de trabajo y estos principios se pueden aplicar a algo más que música. Así que toma nota y prestar atención a los más grandes improvisadores, si desea compartir su música con más gente y que le gustaría llegar a un nuevo nivel artístico, aprender bien estos 7 lecciones.

1) Conecte con su público de una manera significativa

Nos encantan los fuegos artificiales. Estamos atraídos a parpadear técnica, más grande que la vida presencia en el escenario y los efectos especiales impactantes. Las notas altas y tempos rápidos nos hacen chillar de alegría y el atractivo de la estrella del pop cautiva nuestra atención. Es entretenimiento, es sexy y que vende. Pero, ¿esta música se pega con usted? ¿Le cambia? Probablemente no. ¿Qué va a cambiar que sin embargo, es algo mucho más profundo. Bajo el atractivo superficial de la técnica llamativo y talento para el espectáculo, usted encontrará que nada llega a casa más de un mensaje que se conecta con las emociones de su audiencia. Una historia que atrae al oyente y los conecta con su mensaje. Así que esforzarse por contar una historia cuando estás jugando. Cuente su historia. Una frase musical sencilla jugado con intención y sentimiento tiene mucho más impacto que un lavado de líneas de corcheas. El sonido de incluso una sola nota puede cortar directamente al núcleo con más impacto que toda la técnica y el flash en el mundo. Es por eso que todavía escuchamos a Louis Armstrong, Bird & Diz, John Coltrane y Kind of Blue.

La música crea un estado de ánimo, expresa una emoción y cuenta una historia. Es algo más que las notas. Va más allá de los acordes y escalas. Es algo que se siente. Así que cuando usted improvisa, conseguir más allá de pensar en las notas y acordes. ¿Qué tienes que decir a sus oyentes, qué humor se va a crear con su conjunto, y lo que vas a compartir acerca de ti mismo a través de su música? El proceso es el mismo si usted es un escritor, un artista, un orador público o cualquier persona que está presentando algo a otras personas - tienen un mensaje que se conecta con su público de una manera significativa. Recuerde, los músicos que le gusta escuchar son los que contaron su propia historia, así que asegúrese de que usted está diciendo a la suya.

2) Adoptar el elemento humano de su arte

Escuche a Louis Armstrong cantar. Estudiar cómo Billie Holiday interpreta una melodía. Ponga en una grabación de Chet Baker cantando My Funny Valentine.

Usted puede incluso ver el trabajo vocal de Michael Jackson, Bob Dylan, Eddie Vedder, o Jimi Hendrix ...

Ahora, ¿qué se nota? Es humano. Es crudo y honesto y que viene de la esencia de la persona que entrega la misma. Claro, no es el sonido "normal" de un cantante y no es técnicamente perfecto. Estos no son clásicamente vocalistas que siguen las reglas de la convención entrenados, sin embargo, son algunos de los artistas más populares y venerados a vivir nunca. Usted ve la música no es acerca de la perfección o técnica impecable, y no se trata de ser popular o encajar en un molde. "No tengas miedo de la perfección -. Nunca lo alcanzarás" ~ Salvador Dalí Con demasiada frecuencia nos vemos atrapados en la técnica o la teoría de hacer algo perfecto sonido que terminamos perdiendo la personalidad de nuestro mensaje. La perfección puede ser algo para luchar por la sala de ensayo, pero la perfección no debe ser el objetivo de su juego. Como músicos es nuestro trabajo para transferir un mensaje personal a través del sonido. Su música debe expresar un sentimiento e inspirar a una emoción. Mientras que nuestros instrumentos son una gran herramienta para la producción de sonido, nada llama la atención de la oreja tanto como los sonidos que hacemos con nuestras cuerdas vocales. Estamos programados para responder a tono, la inflexión, louds y blandos, y la misma debe ser verdad de su juego instrumental.

En el juego asegúrese de conectar a su centro de la musicalidad y reproducir lo que se canta. Captar la atención de sus oyentes con su estilo y mantenerlos enganchados con su historia. Con los mejores jugadores, que no sólo se oye el instrumento, se oye la personalidad de la persona a reproducirlo.

3) Conocer la tradición y construir sobre ella

Usted puede ser un enólogo, un educador o un escultor. Usted puede ser un principiante practicar los fundamentos o un profesional con experiencia que buscan entrar al siguiente nivel. Sea cual sea su campo de trabajo o nivel de habilidad, hay una tradición de practicar su arte. Una historia de las técnicas, una lista de habilidades esenciales, y unos pocos pioneros que empujó a la forma de arte hacia adelante. Si quieres tener éxito es necesario saber lo que vino antes. Cuando se trata de música, los humanos han estado lidiando con el sonido y el ritmo durante más tiempo de lo que podemos recordar y hay mucho que podemos deducir de los músicos del pasado. El arte de la realización, la técnica de tocar el instrumento, el estudio del tiempo y la armonía, y la tradición de la elaboración de una frase musical. Cada gran improvisador que escuchamos hoy en día se enteró de esta música al mirar los maestros que vinieron antes que ellos, ya fuera a través de escuchar a los registros, transcribir solos, o aprender de los músicos de más edad en su comunidad. Tome Woody Shaw, por ejemplo: "... Yo vengo de la tradición de los grandes maestros de la trompeta del pasado, como mareado, Brownie, Lee y Freddie. Pero quiero sonar como Woody Shaw. He estado muy influenciado por Trane y Eric Dolphy y saxofonistas en general, así que no veo un curso único en el desarrollo de mi propio estilo. Creo que suena como Woody Shaw ". Ampliamente reconocido el último gran innovador en el instrumento, Shaw nos dice a sí mismo que la tradición de los últimos maestros de la trompeta era la base para su estilo único de juego.

Y es tan cierto para la música pop como lo es para cualquier otro estilo de música, los maestros del pasado abren un camino para que los jugadores del futuro.

Clark Terry dijo mejor: "Imitar, asimilar, innovar". Cada innovador en esta música tenía que aprender de sus predecesores. Copia de sus estilos, absorbiendo su sonido, practicar y memorizar sus solos, y creando finalmente una voz única que les es propia. Imitando, asimilar e innovando en la música que vinieron antes que ellos. Esta es la gran ilusión de muchos artistas influyentes. Vemos un nuevo jugador marca la partida en una nueva dirección, pero no los ve las decenas de personas que copian, las horas que pasaron a solas en una sala de ensayo, y el esfuerzo que ponen en conseguir su música por ahí. Para el observador casual este jugador acaba de aparecer de la nada - esta es la ilusión. Cada gran jugador está de pie sobre los hombros de los músicos que vinieron antes que ellos. Asegúrese de que usted está aprendiendo la historia de su arte. No se puede innovar hasta que haya imitado los maestros, hasta que haya asimilado toda esta información a través de horas de práctica.

4) Bienvenido a lo desconocido

Lo llamamos el arte de crear una melodía sobre una improvisación progresión de acordes. Sin embargo, muchos solistas descuidan hacer esto mismo. Ellos practican los mismos

ejercicios, aprenden los mismos licks, y repiten los mismos patrones en cada solo. Recuerde que esta música es sobre el momento. Experimentar. Correr riesgos ... Improvisar.

Los grandes músicos sobresalieron en la creación de música en el momento y que deben esforzarse por hacer lo mismo. No apague su creatividad, apoyándose en los mismos licks memorizados para cada solitario y evitar quedarse atascado en una rutina cuando se está realizando. Cada vez que usted practica o juega con otro músico debe ser una oportunidad para explorar lo desconocido. "No se trata aún de pie y ser seguro. Si alguien quiere seguir creando tienen que ser el cambio. "~ Miles Davis Si usted se encuentra jugando viejo material, utilizando las mismas líneas viejas, o haciendo caso omiso de los jugadores de todo se detiene! Restablecer y entrar en un espacio creativo. Es en esta magia del momento que los verdaderos artistas prosperan.

5) Temas de estudio más allá de su área de especialización

Ser músico no quiere decir que sólo se puede estudiar música.

Y siendo un músico de jazz no significa que sólo se puede escuchar jazz. Con el tiempo los más grandes improvisadores han reunido inspiración y la música estudiado de todo el mundo. A partir de la tradición de la música clásica occidental a la música africana en la música india y más allá de los músicos han estado explorando nuevos sonidos y buscando diferentes vías de expresión. Por ejemplo, junto con sus otros héroes musicales Charlie Parker reunió inspiración de compositores contemporáneos como Bartok y Stravinsky. Después de todo sonido es el sonido y por la nada improvisador es juego limpio. Pero va un paso más allá que las fuentes musicales de inspiración. Muchos artistas también estudian la filosofía, la religión, las diferentes culturas y el pensamiento antiguo. Movimientos artísticos son guiados por una filosofía y un modo de pensar acerca de cómo vivir la vida, y esta filosofía se transfiere a su trabajo creativo. Escuche Tom Harrell mientras habla con franqueza acerca de las filosofías que rodearon su vida y la música:

Aplicar las diferentes escuelas de pensamiento a su forma de arte o vocación. "Coltrane, al final, todo lo que estaba hablando era lo espiritual. Ese es el tipo de música que él estaba tratando de jugar. Ahí es donde estaba. El objetivo no es ser una persona fuera del escenario y otra persona en el escenario. El objetivo es ser un círculo completo ". Sonny Rollins ~ Tu vida informa tu arte y tu arte informa su vida. Para los más grandes artistas los dos son uno y lo mismo. Usted no es sólo un músico, eres un ser humano contar su historia.

6) Se necesita tiempo y dedicación para realizar su visión

Le tomó cuatro años para Beethoven para completar su quinta sinfonía a la edad de 38. Mark Twain era 49 cuando escribió aventuras de Huckleberry Finn. A los 38, John Coltrane grabó A Love Supreme, tres años antes de su muerte. Leonardo Da Vinci era 51 años cuando pintó la Mona Lisa. La lista sigue y sigue. En la sociedad de hoy nos hemos acostumbrado a la solución rápida, la obtención de información en el tecleo de un botón y ver los resultados inmediatamente. Sin embargo, se necesita tiempo para adquirir las habilidades que necesita para alcanzar sus metas. No se puede pasar unas semanas o unos pocos meses en un proyecto y esperar tener éxito. Alcanzar su meta como improvisador lleva años. Y si quieres hacer algo que será recordado por las generaciones venideras ... así que eso va a tener aún más! Nos fijamos en los nombres de músicos famosos y de inmediato asumimos que era fácil para ellos para lograr ese nivel de maestría. Suponemos que tenían "talento", un regalo, que eran prodigios de la música. Algo de eso puede ser cierto, pero también tenían que trabajar muy duro. Pasaron años practicando y escuchando y actuando, en la búsqueda de sus objetivos. Como los más grandes artistas lucharon y perseveraron para tener éxito, asegúrese de mantener el rumbo en la búsqueda de sus propias metas.

7) Sea diferente

El jazz es una música para los individuos. Con el fin de subir al escenario en frente de una audiencia e improvisar un solo necesita un cierto nivel de auto-certeza. Hay un montón de estilos de música por ahí donde se puede jugar una parte y se mezclan, pero improvisando requiere una personalidad. Es necesario destacar entre la multitud y que necesita para tomar una posición. Tienes que tener algo significativo que decir y hay que decir que en el momento. El aprendizaje de esta música requiere la imitación, pero la realización de esta música exige originalidad. Nadie quiere oír una copia de Coltrane o un clon de Bird. Estos músicos ya han dejado su huella, ahora es el momento para que usted haga la suya. "Se tu mismo; todos los demás ya está tomada ". ~ Oscar Wilde Ahora usted tiene un sonido individual. Es posible que no se den cuenta, pero está enterrado profundamente dentro de ti. Este sonido se hace a mano en los registros que escuchas, los jugadores que imitar, y los ejercicios de practicas. La historia de esta música está llena de individuos únicos, una sucesión de personalidades y voces originales que vienen a través de cada tipo de instrumento. Este es el reto de cada improvisador aspirantes - en algún momento usted debe hablar con su propia voz.

Aprenda estas lecciones La comprensión de la teoría musical no significa necesariamente que un solo un buen músico, y el dominio de un instrumento no necesariamente significa que usted puede jugar un gran solo. Más allá de la técnica y una comprensión teórica viene la verdadera razón por la que usted está jugando la música. Y es en este lugar que los más grandes músicos sobresalieron. Un lugar donde el instrumento, las notas, y la teoría de todo pasa a ser secundario al mensaje musical del artista. Esta es la razón por la que todavía estamos escuchando a Louis Armstrong, sigue jugando Beethoven, sin dejar de hablar sobre Bird, y todavía en el temor de John Coltrane. Estos maestros estaban bien versados ​en las lecciones musicales que no pueden ser escritas, las lecciones que hemos aprendido de los músicos que allanaron el camino delante de ellos. Aprender de estos músicos y artistas que han resistido la prueba del tiempo: Cuente su historia, el ser humano, conocer la tradición, tomar riesgos, ser paciente y persistente con metas, reunir la inspiración fuera de la música, y ser diferente.

Como improvisador que tiene mucho en común con los artistas y los pueblos creativas de todo el mundo. Su objetivo es más grande que la reproducción de música. Al igual que los más grandes músicos, no eres más que un instrumentista o un músico de jazz, eres un artista ... un ser humano con un mensaje importante que debe ser compartida. Así que toma estas 7 lecciones de los jugadores que aún escuchamos hoy y hacerlas suyas.

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7 Musical Devices That Will Give Your Solos Irresistible Style Posted By Eric On December 29, 2015 @ 3:08 pm In Tips | Comments Disabled

Open up a music theory book and you’ll likely find pages and pages of definitions… Terms like Apogituras, retograde inversions, mordents, hemiolas, turns, etc. Good information, but not exactly stuff that you’d want to put into your next solo. I mean what did stuffy old composers know about improvising anyway? But before you dismiss all that tedious theory terminology, you should know this… Some of the best improvisers have used these very musical devices to create their distinctive style that we love to listen to today. And when it comes to your style, you should too…

Why style is important There are a ton of solos out there that contain all the right notes and scales. But hardly any solos that have style. That’s because much of jazz education has become centered around music theory and scales.

What notes you play over a G7 chord, what scales to use on the bridge to rhythm changes… And as a result you get a lot of solos that are fast, technical, and full of the “right notes.” …but lacking personality and musical style. However, take a listen to the most famous jazz records and you’ll notice something there that goes beyond the notes…

The elements of style Great musical style doesn’t depend on a genre of music, a particular time period, or even a location. It depends on the things you do in your solo to grab the ear of the listener. And there are certain devices that add this interest to a musical line, that grab your attention and draw you closer into the music… The musicians that we remember have this timeless quality, a style that goes beyond the note choices they make or the tunes they play…

Below we’ll explore 7 stylistic elements that get beyond the theory and notes. Musical devices that have been used for hundreds of years by composers like Bach and Beethoven and many more. Devices that will give your own musical language a greater sense of character and appeal…

1) Ornaments: trills, mordents, and turns Look back to the Baroque and Classical periods and you’ll find countless examples of ornamentation. Trills, mordents, and turns that added interest and life to otherwise common lines. For example take a listen to a excerpt from Haydn’s Piano Sonata No. 52 in Eb Major:

From trills utilizing an upper neighbor to mordents utilizing a lower neighbor to turns that use both, ornamentation has been a key stylistic ingredient from the music of Bach all the way to today – and jazz is no exception. Just take a listen to the melody of Dizzy Atmosphere:

Simple trills and turns can give an otherwise plain line some personality and this is exactly why many great improvisers utilize this stylistic technique. For instance, listen to how Clifford Brown uses this ornamentation in his solo on Joy Spring:

In your own playing, experiment with turns, trills and mordents in your lines to get away from predictable eighth note lines and create more melodic interest and musical momentum.

2) Hemiola: Odd against Even A hemiola is generally defined as a rhythmic feeling of 2 against 3 or 3 against 4, or it can simply be a musical phrase written in one meter and accented in another. For example, listen to the opening of the Scherzo in Beethoven’s String Quartet Op. 18 No. 6:

As you can see the Violin 1 line implies a 3/4 feel (three groups of 2) while the cello implies a 6/8 feel (2 groups of 3 notes). This rhythmic ambiguity made this piece stand out. Now check out how Louis Armstrong uses a hemiola in his solo on Struttin’ with some Barbecue:

Just like harmonic dissonance can add tension to a solo rhythmic dissonance in the form of hemiolas can create tension and interest to your solos. A more modern example of this can be found in the work of Brad Mehldau’s trio. Check out the opening of his tune Boomer, written in 7/4. The piano starts with a figure in seven and the drums enter with a pattern that implies 4/4:

For a more in-depth exploration of this tune, check out Brad’s writing here.

3) Inversion: variation Any music student that has studied 12 note tone rows knows about inversion. For instance take the opening from Arnold Schoenberg’s Op. 42:

The melodic material for this melody comes from the tone row below:

And to create new material within his 12 tone system he used inversion, retrograde motion, and retrograde inversions of the original line (in various “keys” or starting pitches). Below is the inversion of the original line (I5):

The same approach can be used for your own practice of melodic material – by inverting the intervallic content or shape of a line you can create an endless source of new melodic information. Instead of the same old routine, try inverting and varying those familiar lines to create new shapes and sounds. Apply this approach of inversion and variation to: Scales Technical exercises Melodic Patterns Transcribed language Chord Voicings Use the four directions and see what you can come up with!

4) Motif and sequence The stylistic practice of motif and sequence has been used by nearly every composer that has set pen to paper. And the same is true for the greatest improvisers… Regardless of the style of music, the human ear latches onto musical patterns and sequences It’s a logical path for the listener to follow and it sets the stage for development and variation A sequence can be rhythmic, harmonic in nature, or a shape that repeats. A great example is the opening to Sonny Rollins solo on St. Thomas:

Notice how he takes a simple descending perfect 5th and develops it into the foundation of his solo. As a listener you’re not thinking about the chords or scales, you’re thinking about music – and this is exactly what Sonny is playing. “Eclecticism is the word. Like a jazz musician who creates his own style out of the styles around him, I play by ear.”~Ralph Ellison Now let’s take a listen to Michael Brecker. Check out how he uses a motif in a more subtle way to start his solo on Nothing Personal:

Instead of the usual scales or licks, try to start you next solo with a melodic motif and see where it takes you.

5) Anacrusis: pick-ups and anticipation Anacrusis is simply a fancy word for a pick-up. And as an improviser you can use this technique to anticipate the harmonic and melodic high points of your solo. Because after a while, resolutions on bar lines can become predictable and uninteresting, Listen to how Sonny Stitt anticipates the arrival of chords on the bridge or the Eternal Triangle:

Experiment with this technique in your own solos by anticipating chords in tune or creating “pick-up” notes in your lines that lead to a new chord or key center.

6) Appogitura: approach notes An appogitura is basically an emphasized grace note or approach note. And this is something that you’ll find many accomplished improvisers using in their solos. Check out this post for 5 ways to utilize approach notes in your own solos. And take a listen to how Michael Brecker utilizes these emphasized approach notes in his solo on Nothing Personal:

7) Flourish A flourish or fioritura is a florid or complex embellishment of a melodic line (i.e. a run of notes) that a soloist can include to catch the listener off guard. Here is an example from a Chopin Nocturne:

Now listen to Louis Armstrong use this technique in his solo on Struttin’ with some Barbecue:

And finally listen to the opening of Michael Brecker’s take on My One and Only Love:

As you can clearly hear, it doesn’t matter if the music is a classical string quartet, a 12-tone composition, an early jazz solo, or the improvisers that you listen to today. Musical style is the one thing that sets great players and composers apart from the other musicians simply going through the motions. And it’s an essential piece of your musical development. Work on incorporating these 7 stylistic elements into your practice as you continue to shape your musical voice.

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8 pasos para encontrar su voz como improvisador Publicado por Eric En 31 de octubre 2011 @ 12:19a.m. En Inspiración, Perspectiva, Consejos | No Comments

No hay muchas cosas que todos podemos estar de acuerdo cuando se trata de hablar de la historia del jazz, pero una cosa que podemos llegar a un consenso es en que todos los maestros de la música tuvieron su propia voz. Todos y cada uno sonaba única y consumado en su propio camino. Cada vez que se pone en un gran disco, que oiga personalidades distintas que vienen a través de los altavoces y claras. Todos queremos crear una voz original en el jazz y la esperanza de algún día convertirse en un innovador, pero esto no es una tarea fácil y pocos en la música han logrado tanto. Sin embargo, puede hacer algunas cosas muy simples que le puso en el camino para la elaboración de su estilo individual. Aquí hay ocho maneras de ayudar a descubrir su propia dirección musical y desarrollar su voz como improvisador.

I) escuchar todo Para llegar a ser un improvisador éxito y sobre todo un improvisador original, necesita ampliar su paladar musical. Escuchar a Charlie Parker y Coltrane en la repetición es grande, pero si no explorar otros tipos de música que vamos a desarrollar una visión musical muy limitado. Peor aún, se podría convertir en otro clon musical de tercera categoría. No caiga en esta trampa. Parker le encantaba escuchar a Stravinsky y Bartok. Coltrane estudió música india. No todos los maestros del jazz escucharon exclusivamente al jazz. De hecho, los músicos de jazz tienen una larga historia de la exploración de todos los géneros de la música. Bach, Ravel, Debussy,

Schönberg, música africana, los Beatles - estos son sólo algunos de los otros tipos de música que han influido y siguen la forma del jazz actual. Hágase un favor y explorar todo tipo de música que se puede, usted se sorprenderá de lo que encuentre.

II) Juega todo tipo de música No ser encasillada en solamente jugando en una gran banda o sólo se realiza con su grupo de jazz. Hay demasiados tipos de música que hay para ser el jazzista estereotipada. Recuerde que ninguna experiencia musical se desperdicia. Usted puede aprender de cualquier situación musical que se encuentra y la experiencia sólo se sumará a la profundidad de su musicalidad. Trate de jugar un tipo de música que normalmente no se realice. Ponte en situaciones musicales que son completamente ajenas a ti. Realizar con diferentes conjuntos, experimentar con diferentes instrumentos, y explorar tantos géneros diferentes como sea posible. Quién sabe, usted puede descubrir un tipo de música que resuena con usted muy profundamente.

III) Imitar los maestros Los aspirantes a escritores estudio e imitar la prosa de los grandes autores. Estudiantes de arte Hopeful recrean la carrera de obras maestras por el accidente cerebrovascular. Los atletas jóvenes copian cada movimiento y estadísticas de sus ídolos. La gente en todas las disciplinas tienen modelos a imitar, héroes y mentores que estudian con atención para mejorar su oficio. La improvisación no es diferente. No creo que el mito de que la transcripción y el estudio de músicos maestros inhibirán el desarrollo de su propia voz. Creación de una voz personal en su instrumento no sólo por arte de magia suceda sin un modelo o visión. Encuentra los mejores músicos, en persona y en el registro, y aprender de ellos. Imitar las cosas que te gustan y con el tiempo van a ser la suya.

IV) Estudio de los sonidos que se mueven Podría ser una progresión de acordes corto. Podría ser una canción pop que le pasó a coger en la radio. Puede ser que sea una línea ii-V interpretado por uno de sus héroes. Podría ser una sonoridad que envía un escalofrío por la columna vertebral. Incluso podría ser sólo una nota. Sean lo que sean, encontrar los sonidos que resuenan con usted personalmente y estudiarlos. Averiguar qué son, cómo funcionan y cómo usarlos. ¿Qué es exactamente sobre ese sonido que se mueve? ¿Por qué te gusta ese particular, progresión de acordes, melodía o ritmo? Las respuestas a estas preguntas le llevará a encontrar su propia voz. Escuche a cualquier gran jugador y escuchará los mismos dispositivos armónicos, melódicos, rítmicos y mostrando una y otra vez en sus solos. Esto no es una coincidencia. Encuentra sus puntos fuertes y sonido personal y deja que vengan a través de su juego.

V) la pregunta sus supuestos ¿Por qué estás jugando esta música? Lo que te dan ganas de improvisar? ¿Qué quieres salir de ser un músico de jazz?

La respuesta puede no ser lo que usted piensa que es. Sus creencias pueden cambiar. Como principiante, esa imagen que creó en su mente de la icónica "músico de jazz" puede haber sido un error, una ilusión. Cuando crezcas como improvisador, sus valores y objetivos evolucionan y, a menudo difieren de la mentalidad que tenía cuando comenzó su viaje. Aprende a ver las cosas como realmente son y sigue lo que realmente quiere hacer con la música. Los más grandes improvisadores en los últimos años fueron muy singular y tomaron caminos muy diferentes para lograr su grandeza. No se sienta como si han encajar en la imagen del músico de jazz interpretado por los libros de historia, empujarse para forjar un camino original y que dará lugar a una voz original.

VI) No tenga miedo de cometer errores Ir a lo seguro o apegarse a las reglas es una forma segura de sonar como todos los demás. Es fácil confiar en la teoría y los métodos de otras personas, pero es muy difícil luchar por su propio sonido. Tener una oportunidad y seguir su propio camino. Al explorar nuevos conceptos armónicos y experimentar con nuevas técnicas, sin embargo, ellos no van a ser perfecto de inmediato. Esto es parte del proceso de mejora y desarrollo de su voz. No tenga miedo de sonar mal y correr riesgos con esas nuevas ideas cuando está realizando, este es el camino a la creación de algo original.

VII) Reproducir las cosas que te gustan Usted es un individuo. Las normas que te gustan son diferentes de los preferidos por otros músicos. Los jugadores y los registros que le inspiran son únicos para usted. Estos son los factores que le hacen único como músico. No tenga miedo de estudiar y realizar las cosas que te gustan. Cuando se realiza, es muy obvio si te apasiona el material que estás jugando. Si estás jugando lo que usted piensa es seguro o aceptado por la mayoría en lugar de lo que estás emocionalmente a, tendrá un efecto negativo en todos los involucrados. Juega lo que le apasiona y se mostrará. La dinámica de grupo será mejor, el público responde, y lo más importante, rendimiento será mucho más satisfactorio para usted.

VIII) Esfuérzate A pesar de que usted está siguiendo su propio camino en la música, eso no quiere decir que pueda a lo largo de la costa y de repente usted tendrá su propia voz. Usted debe ponerse a prueba y sin descanso se exija a su máximo potencial. Usted debe estudiar la historia de la música y aprender de los maestros. El éxito no vendrá a usted por ir a mitad de camino. Puede sonar mal al principio y se necesitará tiempo para ver el progreso. Otros músicos que pueden castigar por ser poco ortodoxo o siguiendo su propio camino. No deje que estas cosas que desalientan o un retroceso. Tenga confianza y seguir su visión, y al final, se encontrará improvisando con una nueva voz extraña que viene a través de cada solo - el suyo propio.

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¡Feliz año nuevo! 8 Resoluciones musicales que cambiarán su Reproducción Publicado por Eric En 01 de enero 2014 @ 14:31 En Consejos para Todos, Acordes, Conceptos, del oído, de la inspiración, las rutinas de práctica, el ritmo, Escalas, Tiempo, Consejos, transcribir, Visualización | No Comments

Un nuevo año es el momento perfecto para mirar hacia atrás en lo que has logrado en la sala de la práctica y de mirar hacia adelante a lo que usted todavía desea lograr como músico. Es también un buen momento para hacer un nuevo comienzo, para realinear musicalmente, y establecer nuevas metas. Así que, ¡Feliz Año Nuevo! ... ¿Y ahora qué vas a hacer para ser un mejor improvisador? Hace un tiempo que registró 100 Resolución de Año Nuevo Ideas para el improvisador. Estas resoluciones son grandes para elegir para sus rutinas de práctica diarias o semanales, sin embargo hay algunos puntos importantes que son verdaderamente fundamental en la toma de una mejor improvisador. Si usted se centra intensamente en estos elementos clave, usted será capaz de transformarse musicalmente. Aquí están 8 resoluciones musicales para el nuevo año que le hará un mejor improvisador.

I) El trabajo en Ear Training El área # 1 de su maestría musical que te hará un mejor improvisador es sus oídos. Su éxito como improvisador depende de su capacidad de escuchar y comprender los sonidos a su

alrededor: melodías, progresiones de acordes, intervalos, firmas de tiempo, los otros músicos de su banda, etc. Todo esto va directamente a tus oídos. Es importante entender intelectualmente la teoría y la construcción de la música, pero de verdad jugar usted debe ser capaz de escucharlo. Esto significa trabajar en el entrenamiento del oído. Aquí hay algunos artículos que usted debe comprobar a cabo para mejorar sus oídos: Ejercicios de entrenamiento del oído Fundamental Domina tus intervalos de 28 días Entrenamiento del oído Fundamental Séptimos acordes Cómo Oír cambios de acordes Jazz Ear Training para One Utilice Pop Tunes para mejorar su oído Si usted es serio acerca de convertirse en un mejor músico, usted debe tomar en serio el entrenamiento del oído.

II) Iniciar Transcripción Solos Aún tratando de improvisar con escalas? ¿Tiene problemas de conexión acordes? Desee sus solos eran más musical? Estas son todas las banderas rojas que usted necesita para comenzar a transcribir solos. Recuerde que el jazz es un lenguaje que usted debe aprender a hablar. Usted tiene que estar con su grabación favorito y pasar algún tiempo grave aprendizaje de la lengua de esta música por el oído. Esto puede sonar como una tarea de enormes proporciones, pero no te preocupes tenemos todo cubierto. Echa un vistazo a estos puestos para comenzar: Transcripción no está transcribiendo Introducción a la transcripción Cómo una transcripción puede cambiar su Reproducción Cómo adquirir lenguaje útil

III) Domina el-VI ii progresión de acordes La progresión de acordes ii-VI es la columna vertebral de armónicos a casi todos los estándar que te vas a encontrar como improvisador. Por lo tanto, mejor se conoce la relación entre estos tres acordes, más exitoso serás en tu solos. Aquí hay algunos recursos que te ayudarán en tu camino: Comience por visualizar la progresión de acordes Desarrollar idioma para cada acorde

Dos Cinco Progresiones Made Easy Asegúrese de no quedar atrapado en la tierra ii-V Aprenda a Usar ii-V para activar Progresiones estáticas

IV) desarrollar algunas habilidades Jazz Piano El piano es una gran herramienta para cualquier músico tratando de entender los fundamentos de la teoría de la música o progresiones de acordes. Cualquier persona puede producir una nota en el instrumento y con un poco de práctica puede ayudar en gran medida su estudio de la armonía, melodías, solos, y mucho más en su rutina diaria. Comience con estos 2 artículos: Piano Basics: Habilidades necesarias para la no Pianista Cómo aprender Jazz Standards con el piano ¿Y qué si ya tocar el piano? No hay que preocuparse, empezar a aprender a tocar la batería. Jugar los tambores es a tiempo y balanceándose como el aprendizaje de los conceptos básicos de piano es a la armonía del jazz.

V) Utilizar Práctica lenta y Focused La mayoría de los jugadores no están practicando con eficacia cuando se meten en la sala de ensayo. ¿Por qué? Simplemente porque se apresuran a través de sus escalas, melodías y ejercicios sin enfoque o pasar el tiempo para arraigar estas técnicas correctamente. Horas se gastan en la sala de la práctica restar importancia a docenas de áreas, pero nada es en realidad aprendieron. Esto no sólo es ineficaz, es una enorme pérdida de tiempo y energía! No dejes que esto te sea, un simple cambio puede convertir todo esto alrededor. Asegúrese de que está 100% enfocado en los ejercicios que usted está practicando e ir lento. Centrarse en una cosa a la vez y lentamente repetirlo hasta que esté arraigado. Claro, se necesita un poco de paciencia, pero el resultado será casi inmediata. Cuando usted utiliza su tiempo de práctica con eficacia podrás acelerar su mejora diez veces. Comience con la Práctica lenta Reacondicionamiento Su Rutina Práctica Mantenga su enfoque en la habitación Práctica

VI) Técnica Adquirir en los 12 Claves Si usted no ha dominado los fundamentos de las 12 teclas (escalas, arpegios, tríadas, 3as, 4as, etc.) que va a contener la reproducción de una manera importante. La buena noticia es que la solución es simple, tiene que pasar tiempo todos los días a trabajar en algunos ejercicios clave: 3 Pasos Hacia la Libertad en los 12 Claves Cómo practicar escalas de velocidad Escalas no se Secret atajo a Jazz Improvisación la

Como un aspirante a músico, que no quieres algo tan simple como una tecla física o técnica que te detiene.

VII) Mejorar Su sentido del tiempo La primera vez que empezar a aprender a improvisar un patrón peligroso comienza a tener lugar, toda nuestra atención se centra en los aspectos armónicos y melódicos de la música. ¿Qué notas tocar, que escala a utilizar, lo que los tonos de acorde a golpear ... Sin darse cuenta que olvidar otro aspecto igualmente importante de la música: el tiempo - la sensación de la líneas, balanceo, acentos, y la articulación. Estos aspectos de la improvisación son tan importantes como las notas que usted elija para jugar, sin embargo, a menudo se olvidan. Si desea un gran sonido como improvisador, no se olvide de centrarse en su tiempo. Desarrollar un sentido fuerte del Tiempo Tiempo de audición: Ear Training Rítmica Desarrollar un concepto de oscilación Práctica Poli-Ritmos El trabajo sobre la articulación Recuerde que usted puede estar jugando las notas más de moda en el mundo, pero si su tiempo o la articulación está apagado no importa ni un poco.

VIII) empezar a cantar Usted no puede darse cuenta de ello, pero su voz es una herramienta esencial en la mejora como improvisador. (Y no, esto no significa que usted tiene que comenzar pluriempleo como cantante de jazz ... pero le invitamos a probar.) Tu voz conecta los sonidos en el oído de su cuerpo físico y, a su vez, esto permite una conexión entre el oído y el instrumento. Esta conexión es clave para jugar los sonidos que están escuchando en su cabeza en su instrumento y esto hará que el proceso de la improvisación mucho más natural. En su práctica asegúrese de incorporar el canto. Antes de aprender una melodía, un solo, un ritmo difícil, o un patrón de escala cantarla! 3 Razones por las que debe cantar todos los días Conexión de sus oídos a su instrumento Cómo jugar lo que estás escuchando en Jazz Improvisación

Hacer un cambio este año Si usted es serio acerca de cómo mejorar como improvisador este año, asegúrese de que usted incorpore estos 8 artículos en su rutina de la práctica diaria. Entrenamiento del oído Transcripción

ii-VI Jazz Piano Práctica lenta y Focused La libertad en los 12 Claves Desarrollar un sentido del tiempo Empezar a cantar Estas áreas clave no pueden ser dominadas por la noche, pero si se trabaja en ellos todos los días en la sala de prácticas de un año a partir de ahora va a ser un jugador diferente. Aquí está a su mejora!

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10 Solos Jazz brillantes y lo que podemos aprender de ellos Publicado por Eric En 31 de agosto 2015 @ 15:16 En Oído, Transcripción | Comentarios discapacitados

No es un secreto que todos los grandes músicos tienen en común ... Usted no va a escuchar en sus grabaciones o incluso en sus presentaciones en vivo. Y algunos incluso pueden negar que le ha pasado a todos. Pero mirar hacia atrás aún más lo encontrarás ... La verdad es que cada gran músico comenzó como un aprendiz musical. Y la historia de esta música está llena de innumerables ejemplos. Miles Davis de mudarse a Nueva York para buscar a la nueva música de Charlie Parker, un joven Frank Sinatra absorción de las actuaciones de Billie Holiday y Ethel Waters, Lee Morgan aprendizaje del lenguaje musical de Clifford Brown ... En cada caso, la imitación fue la llave que abrió la puerta a la creatividad. Y si quieres mejorar como músico, el mismo debe ser cierto para usted.

Como músico de hoy, este aprendizaje se hace imitando el estilo y el sonido de sus músicos favoritos - transcribir solos. Si usted no ha transcrito un solo de antes o se encuentra todo el proceso frustrantemente difícil, que no se preocupe - es el momento de empezar de nuevo! Aquí hay 10 solos de jazz brillante y lo que vas a aprender de ellos ...

1) Miles Davis, Blues de Cinco

Cuando usted comienza a improvisar es fácil obsesionarse con todos y cada acorde ... ¿Quieres tocar las notas correctas y quiere sonar bien delante de sus colegas músicos. Así que empezar a centrarse en los acordes individuales, escalas y notas individuales. Y esto va a poner su creatividad en una caja ... En lugar de dar un paso atrás y pensar en el cuadro grande. No sólo estás jugando uno o dos acordes, estás jugando en toda la forma de la canción. Enfoque improvisando como si estuviera hablando o contar una historia. Presentar una idea, tomar una respiración profunda y continuar esa idea con otra declaración musical. Esto significa pensar en frases musicales. El blues es un gran vehículo para empezar a trabajar en el fraseo y un ejemplo perfecto es solo de Miles Davis en el Blues de Cinco. Estudiar cómo Miles construye su solo sobre cada coro utilizando frases musicales.

El primer coro de su solo cuenta con 3 frases distintas:

La próxima vez que usted toma una mirada individual en el cuadro grande. ¿Qué vas a decir al oyente sobre esta secuencia de progresiones de acordes? ¿Qué historia vas a decirle a la audiencia?

2) Chet Baker, Te puede pasar a ti

Si te pidiera que cantar un solo sobre una progresión de acordes sin la ayuda de su instrumento ¿qué cantas? ¿Pensarías inmediato sobre los detalles de la teoría musical o le cierra los ojos y recoger inspiración para tu solo de algún otro lugar? En su núcleo, la improvisación es simplemente tocando las melodías que ya están dentro de ti. Eso es todo! Toda la teoría y la técnica que se aprende es sólo una herramienta que permite a este centro de la que salga el sonido de su instrumento. Cuando se trata de improvisar no hay mejor ejemplo de un músico que encarnaba este enfoque musical que Chet Baker. Chet se basó en la oreja por todo lo que tocaba y esto es obvio cuando escucha cantar. (¿Y por qué usted debe empezar a cantar, así!) Escuche a su solo vocal en Te puede pasar a ti. No importaba si estaba tocando la trompeta, el canto, o averiguar los acordes en el piano - la música dentro de él era lo mismo.

3) Sonny Rollins, St. Thomas

Una trampa en la que muchos jugadores se dividen en a medida que progresan como improvisadores se basan en los licks que han aprendido para progresiones familiares. Una lamida de acordes mayores, una mano para los acordes menores, un blues lamen, una mano disminuida ... Lento pero seguro cada solo comienza a sonar igual. Pero lo que si usted tomó un enfoque diferente? Creación de un solo en el momento, un tema con un intervalo o uno ritmo. Verdaderamente improvisando con una idea musical ... Echa un vistazo en solitario clásico de Sonny en St. Thomas y estudiar cómo se toma un intervalo simple y crea todo un solitario fuera de él.

"La idea de desarrollo melódico relato fue llevado a nuevas alturas de Sonny. Encontró una manera de hacer que cada idea expanda a una conclusión lógica a la vez que hace girar apagado en territorio fresco. El resultado es una especie de improvisación que invita y trae a los oyentes con él como él hace, literalmente, las conexiones entre las ideas que son a la vez sorprendente e inevitable a la vez ". Pat ~ Metheney

4) Freddie Hubbard, Birdlike

¿Cómo se juega las líneas más largas en sus solos, especialmente sobre aquellas 7mos acordes dominantes en un blues?

Esta es una pregunta común para muchos jugadores y la solución, como cualquier otro dilema musical, se puede encontrar al escuchar a los maestros. Por ejemplo escuchar en solitario de Freddie sobre Birdlike:

El primer paso es aprender el lenguaje del jazz. es necesario tener múltiples opciones para jugar sobre 7mos acordes dominantes. Echa un vistazo a el siguiente ejemplo. Freddie implica una barra ii-V7 y dos barras ii-V7 sobre el acorde G7 creación de una línea de tiempo con el impulso musical.

5) Charlie Parker, Todas las cosas que está

Si usted ha estudiado alguna vez la improvisación, usted probablemente ha oído este consejo: "Usar la melodía como su guía ..." Algunas palabras útiles de la sabiduría. Una melodía bien escrito sigue perfectamente los contornos de la armonía y crea un momento musical memorable para el oyente. Usted puede aprender mucho al escuchar cómo un músico maestro interpreta la melodía a sus normas favoritos. Uno de estos jugadores es Charlie Parker. Al igual que Louis Armstrong ante él, Pájaro destacó por su dominio y control rítmico. La forma en que jugó melodías, su manera articulada y acentúa sus líneas ... Escuche la forma en que interpreta los últimos 12 compases de la melodía de todas las cosas que está.

En la primera escucha puede sonar como si estuviera la simple creación de un solo de espontánea, pero que en realidad está utilizando el esqueleto de la melodía como la base para su improvisación. Eche una mirada y usted verá que las notas objetivo de sus líneas son las notas de la melodía original:

"El saxofón es en realidad una traducción de la voz humana, en mi concepción. Lo único que puedes hacer es jugar melodía. No importa lo complicado que se pone, sigue siendo una melodía." ~ Stan Getz

6) Clifford Brown, Alegría Primavera

Una de las progresiones de acordes más comunes en el repertorio de jazz estándar es ii-V7-I ... Y uno de los problemas más comunes para una gran cantidad de principiantes es hacer esta progresión musical sonido. ¿Cómo se juega sobre un ii-VI sin hacer que suene como un ejercicio? ¿Cómo convertir esos acordes y escalas en una melodía? Escuche en solitario de Clifford Brown en Alegría de primavera y prestar atención a la forma en que navega cada progresión ii-V7:

Una manera en que Clifford crea líneas melódicas interesantes es mediante el uso de recintos

para enfatizar las notas de gol. Echa un vistazo a la forma en que utiliza recintos en las dos líneas de abajo.

7) John Coltrane, Aviso de Momento

Otro escollo para muchos jugadores es aprender a navegar cromática ii-V. Desplazarse rápidamente progresiones de acordes en las teclas no relacionadas - un reto para cualquier jugador. Echa un vistazo a cómo John Coltrane juega sobre estas progresiones difíciles en su Aviso de sintonía del momento:

Si te fijas bien en lo que está jugando Trane, no es que melódicamente o armónicamente compleja. Se oye líneas y tríadas diatónicas y movimiento escalar. Cuanto más rápido el tempo o más compleja la progresión de acordes más simple es el contenido de sus líneas.

8) Miles Davis, So What

A veces son las notas que no juego que hacen que la mayor impresión en sus oyentes. Al salir de las habitaciones de su solitario y permite que sus ideas para asentarse en algo sucede especial. Cada nota cuenta y cada frase hace un impacto. La mayoría jugador se centran en las notas, sin embargo saber cómo utilizar el espacio en su solitario puede llevar su juego al siguiente nivel. Escuche cómo Millas utiliza el espacio en su solo en So What y observe cómo este descanso hace que las notas que se juega mucho más eficaz.

9) Woody Shaw, La Moontrane

Woody Shaw se refiere a menudo como el último gran innovador en la trompeta. Él desarrolló un enfoque personal para el instrumento que nació de la tradición, pero centra alrededor de influencias no idiomáticas y enfoques no tradicionales. En otras palabras, él puso su sello en la música, siguiendo su propio camino creativo. En lugar de la situación actual, imitó las líneas de los jugadores de saxofón y el piano y buscó nuevas vías de expresión armónica en todos los tipos de música. Escuche a su solo en El Moontrane y notar su enfoque distinto a melodicism.

No se limite a imitar a los jugadores en su propio instrumento o seguir a la manada cuando se trata de la creación de su estilo musical. Mira a las influencias externas y seguir el sonido que está escuchando en su cabeza.

¿Qué va a hacer su música única?

10) Michael Brecker, Azul Bossa

Es fácil de conseguir en una rutina como músico ... Usted juega las mismas canciones con las mismas progresiones de acordes con las mismas líneas de edad. Una y otra y otra vez. Pero usted no tiene que aceptar la derrota creativa cuando se encuentra con esta situación. Usted ve, las reglas armónicas o melódicas no están escritas en piedra. Usted puede romper estas reglas para encontrar nuevas posibilidades en el juego - sólo tienes que saber cómo hacerlo. Echa un vistazo a cómo los solos Brecker sobre algunas de menor ii-V en su solo sobre azul

Bossa:

Más de progresiones de acordes comunes, se puede superponer diferentes armonías y utilizar el idioma que usted ya sabe. La clave está acercando estos dispositivos armónicas con la musicalidad del lenguaje.

Ahora depende de ti… Estos son sólo 10 los solos de los cientos que se podía elegir. Encuentra el solo y el músico que conecta con usted y le inspira más. Y el que sea en solitario que acaban de elegir, el beneficio real viene cuando aprendes estos solos de la oreja - directamente de la grabación. Recuerde, la clave para mejorar comienza con tus oídos. Sin algunas habilidades de entrenamiento del oído sólidos, transcribir solos o incluso melodías de oído aprendizaje será una batalla cuesta arriba frustrante. Es por eso que la desarrollamos el método de entrenamiento del oído, un paso a curso de formación del oído paso en profundidad con más de 300 pistas de audio que le enseñará cómo llegar a los oídos que siempre has querido. Obtenga más información aquí ...

Una vez que hayas encontrado tu solo, poner la grabación en la repetición, cierra los ojos, y

se centran en cada nota. Canta con el solo y cuando esté listo, aprender las notas en su instrumento. Esta es su aprendizaje musical con el maestro musical de su elección. Si usted pone en el tiempo de práctica, usted verá los resultados!

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La construcción de su repertorio Parte II: 10 Tunes clave Publicado por Eric En 20 de abril 2011 @ 04:27 am En Consejos, Tunes | 3 Comentarios

En un reciente post: Un programa para la construcción de su repertorio, esbocé algunas ideas para reflexionar durante la creación de un repertorio de canciones. Conceptos como la manera de aprender, escuchar, y cómo se acercan a la gran cancionero americano mientras se prepara para construir su propio repertorio. Sin embargo, el verdadero trabajo comienza cuando usted entra en la sala de la práctica y empezar a aprender estas canciones una por una. Como mencioné en el post anterior, usted no tiene que empezar de nuevo cada vez que se aprende una nueva melodía. Muchas de las canciones que son estándares están relacionados de alguna manera, ya sea una progresión armónica similares, la forma, o la construcción melódica. Para este artículo, Voy a ampliar en las ideas de la forma y la construcción armónica y su uso en el repertorio de jazz estándar.

En cuanto a la forma Muchos estándares de jazz se escriben dentro de las mismas formas comunes: blues de 12 compases, 32 bar AABA y 32 bar ABAC. Si usted entiende la construcción de estas formas y puede escuchar las diferentes secciones, su trabajo en el aprendizaje de todas estas canciones será mucho más fácil. AABA

Una de las formas más comunes para los estándares de jazz es el formato AABA 32 bar, 8 barras secciones A y un puente de 8 bar. Un ejemplo inmediatamente reconocible de esta forma es la progresión de acordes cambios de ritmo:

Algunas otras común 32 melodías de barras en AABA son: Confirmación, Cuerpo y Alma, Easy Living, ¿Has conocido a la señorita Jones, quiero decir que, Lazy Bird, A Night in Tunisia, suavemente, como en una salida del sol de la mañana, Take the A Train, etc. . ABAC La otra forma común te vas a encontrar a medida que construye su repertorio es los 32 bar forma ABAC, 8 secciones de barras, una vez más, pero aquí la segunda B se altera un poco lo que es un C. Un buen ejemplo de esta forma es la sintonía habrá Never Be Another You:

Algunas otras 32 ​canciones de barras en ABAC son: Airegin, pero no para mí, Ceora, Días de vino y rosas, Cuatro, Si yo fuera una campana, Just Friends, Like Someone in Love

En cuanto a las progresiones armónicas ii-V7 de plazos de entrega y (iii-VI-ii-V7) En cada estándar que te vas a encontrar, con raras excepciones, siempre habrá un-V7 ii o cambio en algún momento de la progresión de acordes. Si usted es capaz de reconocer de inmediato esta progresión, ya sea en la clave tónica u otra tecla, podrás averiguar las progresiones a un sinnúmero de normas y retenerlos mucho más rápido. Tunes comiencen a acordes inusuales Otro aspecto de progresiones armónicas que le ayudarán a crear rápidamente un repertorio, es mirar el primer acorde de la melodía. Muchas de las normas comienzan en el acorde I o un ii-V7 en la tónica, pero algunos no lo hacen y vale la pena saber lo que son. Algunas canciones del repertorio de jazz estándar comienzan en acordes que no están relacionados con el acorde I o incluso comienzan en una clave completamente ajenos. Por ejemplo, tomemos Stella by Starlight. Esta canción comienza en el acorde #iv, E-7B5, mientras que la melodía es en la tonalidad de Bb. Conocer y escuchar que Stella comienza de esta manera, así como otros temas que no comienza en la raíz, será una gran ventaja.

Algunos otros temas que comienzan en acordes inusuales, así son: Todas las cosas que está (comienza en el acorde vi menor de edad), Caravana (comienza en el acorde V7b9), Just Friends (comienza en el acorde IV), comienza la Noche y el Día ( en b VI el acorde), ¿Qué es esta cosa llamada amor (comienza en el medio-dim.V acorde), etc. Rearmonizaciones El aspecto final de ver las progresiones armónicas, es saber qué normas son rearmonizaciones y conocer la melodía original que estas reharms vinieron. Uno de los músicos dispositivos durante la década de 1940 (Parker, Diz, Bud Powell, Art Tatum, Monje, etc.) que se utilizan para crear nuevas armonías, era reharmonize los estándares populares del día con los conceptos que estaban desarrollando. Charlie Parker se cita famosa por su revelación sobre la melodía Cherokee en Nat Hentoff y el libro de Nat Shapiro, Hear Me Talkin 'en Ya: Había estado aburriendo con los cambios estereotipados [armonías] que se estaban utilizando todo el tiempo. ... Me di cuenta de que mediante el uso de los intervalos mayores de un acorde como una línea de melodía y les respaldan con los cambios adecuadamente relacionados que podía jugar la cosa que había estado escuchando. Vine con vida.

Gran parte del lenguaje bebop fue construido sobre las formas existentes y progresiones armónicas. Saber donde esta lengua viene y cómo estos conceptos se construyeron son esenciales. Mediante el estudio de las formas originales y melodías que estos rearmonizaciones se derivan de, será mucho más fácil de entender y añadir estas canciones a su arsenal.

10 Tunes clave Al estudiar y memorizar diez temas clave que puede cubrir la mayoría de las progresiones y formas te vas a encontrar en cualquier otra melodía. Si realmente aprender estas normas clave, auditiva y mental inculcar la progresión armónica y la forma de cada melodía, cada otra melodía que va a aprender será mucho más fácil. A su vez, por lo que la enorme lista de melodías parecen mucho más pequeños. En última instancia, puede obtener grandes beneficios de aprendizaje de cualquier norma correcta y, ya que muchos de estos temas están relacionados, hay una superposición de sintonizar afinar. Esta lista de diez canciones, se compone de melodías que son los más importantes y beneficiosos para la creación de un repertorio versátil.

Blues El blues de 12 barras es una de las formas más habituales en el jazz. Si usted aprende el

blues en todas las llaves, podrás cubrir suena V7, ii-V, y menor ii-V7s en todos los tonos. Además el blues es la plataforma perfecta para desarrollar una idea melódica toda una progresión simple.

Charlie Parker rearmonizada el blues mediante el desarrollo de una forma de insertar ii-V en el 12 bar blues de progresión a crear interés más armónico. A lo largo de los primeros ocho compases, que utiliza descendente de ii-V7 en enteros pasos y luego semitonos. Esto se conoce comúnmente como "Blues de aves", y se puede encontrar en canciones como Blues for Alice, Tren de carga, e incluso descender el ii-V en los cuatro primeros compases de la Confirmación.

Ryhthm Cambios Al igual que el blues, sabiendo ritmo cambia dentro y por fuera en todas las claves es esencial para cualquier improvisador grave. Ser capaz de navegar de forma creativa la progresión IVI7-ii-V7 lo largo de los 32 bares de cambios de ritmo necesita algo de trabajo, pero la recompensa es enorme porque esta progresión está presente en casi todos los estándar. Además, la progresión en el puente de acordes V7 moverse el ciclo de cuartos (en la clave de C: E7-A7-D7-G7) es extremadamente útil saber e invita a la posibilidad de rearmonización, como las sustituciones que se encuentran en el Triángulo Eterna.

Cherokee

Este 64 bar AABA tono de Ray Noble era un estándar cuando Parker comenzó a experimentar con las sustituciones en los cambios y continúa para sobrevivir a las jam sessions de hoy. La parte difícil de esta melodía radica en que de ritmo de juego y en la navegación de la descendente ii-V está en el puente que comience medio paso por encima de la clave tónica.

Todo lo que eres Una melodía que cada improvisador debe conocer y que tome el trabajo y estudio significativo para crear ideas originales e interesantes sobre. El primer acorde se inicia en el acorde vi que toma algún tiempo para acostumbrarse. Además, mediante el aprendizaje de esta norma, se le cubriendo ii-V en cinco llaves.

Cómo High the Moon Esta canción tiene una progresión muy útil en los primeros cuatro bares: pasar de la Major me acordes para el menor paralelo i acorde, y otra vez en los cuatro siguientes: Mayor bVII acorde a un acorde menor bVII paralelo. Este concepto también se utiliza en canciones como On Green Dolphin Street, voy a recordar abril, e incluso va desde el I7 al acorde IV7 en una progresión de blues. Esta norma es también la base para reharm de pájaro Ornitología.

Stella by Starlight A menudo visto como una melodía comienzo para improvisadores, Stella tiene algunas progresiones poco comunes que son cualquier cosa menos fácil. Un aspecto difícil es que la melodía comienza en el acorde #iv, (E-7B5 en la tonalidad de Bb). Es un poco confuso cuando no comienzas una melodía en el acorde I, por lo que a partir de la #iv tomará un cierto trabajo mental y auditiva dedicada a bajarlo Stella es también un gran trabajo por menor ii-V de:. La apertura medida es menor de edad ii-V y los últimos 8 bares tener una serie de descendente de menor ii-V por todo el paso.

Indiana Probablemente esta melodía tradicional no es familiar para mucha gente, pero todo el mundo ha oído hablar seguramente de él es la encarnación del bebop: Donna Lee. Antes de aprender Donna Lee, echa un vistazo a De vuelta en casa en Indiana y la progresión será mucho más clara.

Susurro Al igual que la melodía de Indiana, Whispering es otra melodía tradicional que se más reconocido por su rearmonización por Dizzy Gillespie: Groovin 'High. En los primeros cuatro barras, la progresión se mueve desde el acorde I de la VII7 acorde, que no se encuentra muy a menudo. Conseguir esta bajar el tono es un gran paso previo al aprendizaje Groovin 'High.

Amante Amante es un gran ejercicio para una progresión que desciende cromáticamente. Los movimientos originales arraigan sabios por medio paso y el rearmonización bebop mueve hacia abajo cromáticamente con ii-V7 de. Al aprender esta melodía usted casi cubrir ii-V en todos los tonos y

Sweet Georgia Brown Esta norma, de 64 compases, se centra en dar la vuelta al ciclo con V7 acordes. Comenzando en el acorde VI dominante, que se mueve en torno al ciclo hasta llegar a la tónica. La parte

difícil aquí es el ritmo de juego y tener la lengua más acordes V7 durante largos períodos de tiempo. Algunas otras melodías escritas sobre los cambios a Sweet Georgia Brown son Dig de Milla, de Clifford Brown dulce Clifford, y el molino de viento de Kenny Dorham.

Comience con una Estándares de Aprendizaje, al igual que los solos de transcripción, es difícil y lento al principio, pero una vez que pasas la primera, las cosas se ponen más fácil cada vez. Muchas veces tratamos de abordar temas difíciles o demasiadas canciones a la vez antes de que tengamos los fundamentos abajo. Comience con el blues y melodías simples y construir su repertorio a partir de ahí un estándar a la vez. Estos diez normas son sólo el comienzo de la construcción de un sólido repertorio de melodías. La lista anterior no abarca todos los progresión armónica que te vas a encontrar, pero le dará una base sólida para navegar por la mayoría de las canciones que hay. Recuerde que su método de aprendizaje es la clave aquí para la internalización y el avance Escuchar a él -.> Canta -> Tenga Siguiendo este proceso simple, todo lo que usted está aprendiendo será automáticamente arraigada.. Al estudiar y memorizar estas diez canciones y desarrollar un conocimiento en profundidad de la forma y la armonía, tendrás una gran base para la construcción de su repertorio de jazz.

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10 opciones fáciles para ampliar su vocabulario séptima dominante Publicado por Eric En 05 de enero 2014 @ 19:30 En Acordes, Conceptos, Jazz Idioma, Escalas, Consejos, Transcripción | Comentarios discapacitados

¿Cuál es la progresión de acordes más importante que usted necesita saber como músico? Bueno, eso es una buena pregunta ... En el pasado hemos explorado algunas relaciones de acordes comunes que te vas a encontrar como improvisador, pero hay un relación de acordes que sobresale por encima del resto. Cualquier conjeturas? Es V a I. La relación dominante / Tonic está en la base de la música occidental de conciertos barrocos, de sinfonías de Mahler, a Louis Armstrong, a Coltrane, a los Beatles. En casi todas las normas que se le practique o realizar como improvisador, vas a encontrar la V7 a I acorde de relación. Los Blues, Rhythm Changes, Stella by Starlight, Giant Steps, todas las cosas que son ... Todo

se remonta a V7 resolviendo I. Si aún no lo ha trabajado en este dominante para relación tónico, ahora es el momento para empezar .

Lo basico Para muchos jugadores, la manera más común para acceder a la séptima dominante de sonido Tonic es con el modo de Mixolydian:

o una escala Bebop:

La otra regla común que muchos jugadores también recurren a para V7 a I es el movimiento voz líder natural entre estos dos acordes. Viniendo desde una perspectiva analítica, la voz líder de "reglas" de la V a la relación que se resuelve la séptima del acorde V a la tercera del acorde I: (7-3 Resolución)

y el tercero de V7 a la raíz del acorde I: (1.3 Resolución)

Este es un buen lugar para empezar a conceptualizar estos acordes en su mente y su oído, sin embargo estas dos escalas y principales reglas de voz son sólo el comienzo. Para realmente comienzan improvisar sobre un 7 sonido dominante tiene que ir más allá.

Aprender el idioma El siguiente paso lógico después de aprender y de inculcar estas escalas y la voz reglas principales se transcribiendo. Recuerde, una escala dentro de sí mismo no es la música, sin embargo, una escala puede servir como bloques de construcción en la construcción de una línea musical.

Estamos hablando de que habla el lenguaje del jazz. El registro de salida el blues es un gran lugar para empezar a reunir algún idioma - es de 12 bares en torno a un sonido V7. Con un lenguaje transcrito, podrás cerrar la brecha entre jugar escalas y tonos de acordes y de hecho la creación de frases musicales en tiempo real. Por ejemplo, echa un vistazo en solitario de Freddie Hubbard en Hubtones:

A: 48 segundos en el video se escucha esta línea:

En términos de la teoría, la mayoría de las notas en esta línea son todos de la escala bebop G7, sin embargo, en solitario de Freddie no se oye escalas, se escucha música. La línea tiene la forma y el movimiento hacia adelante de un sonido a otro, no a escala estática carece de musicalidad. En esto radica la diferencia entre la improvisación con escalas y lenguaje musical. El objetivo de improvisación es crear frases musicales que se comunican con el oyente. Es necesario convertir esas escalas, técnicas instrumentales y conocimientos teóricos en un lenguaje musical, en la música que la gente realmente quiere escuchar. Para hacer esto usted debe pasar mucho tiempo de transcribir y desarrollar su propio idioma sobre acordes y progresiones comunes. Pero ¿cuál es el siguiente paso después de que haya reunido alguna lengua básica V7?

El siguiente paso es hacer esas líneas de su propia mediante la alteración del ritmo, intervalos, la articulación, y en este caso, el contenido armónico ...

10 7º Alteraciones dominantes En el corazón de la relación dominante / tónica es la tensión y la liberación - el movimiento de un conflicto y la incertidumbre de la resolución musical eventual. El acorde V7 está lleno de posibilidades ilimitadas. Al crear su solista, hay un espectro de la disonancia que se puede manipular sobre este movimiento de acordes dependiendo de su enfoque armónico. Algunas notas alteradas serán ligeramente disonante, mientras que otros se enfrentarán intensamente con la armonía y rogar para su resolución. Hay muchas maneras que usted puede alterar el sonido V7 para crear más disonancia y acentuar la resolución melódica y armónica eventual a la tónica. A continuación vamos a explorar 10 opciones que puede utilizar durante acordes V7. Con cada una de las alteraciones armónicas que vamos a cubrir, recuerde que cada uno debe ser abordada como lenguaje musical, no como un ejercicio de teoría de la música ...

1) b9 V7 Una de las maneras más fáciles de alterar un acorde dominante es utilizar el sonido b9. Esta nota alterada añade un toque más disonancia que se tire de la V7 hacia la tónica. El b9 de V7 resuelve naturalmente al grado de la escala quinta del acorde I:

Un esqueleto de movimiento melódico que contiene esta novena alterado se vería así:

Tome un escuchar algunos ejemplos de esta nota alterada en acción. Vamos a empezar con la melodía de Donna Lee:

En las barras 12 y 16 de la melodía del b9 se acentúa en el acorde V7 y resuelto en el bar de al lado. Ahora echa un vistazo en solitario de Clifford Brown en Jordu:

La primera nota que juega en el puente es un b9 (uno y veinticuatro minutos en el video). De nuevo el b9 se utiliza en el sonido dominante como una nota de tensión que conduce a la resolución. En ambos casos esto b9 quiere resolver la baja, con el tiempo llegar a la tercera de la siguiente acorde. Esta nota alterada tiene un sonido único que usted necesita aprender cómo manipular en su improvisación.

Obtener el sonido de esta nota en el oído, experimentar con él en la sala de la práctica, y utilizarlo en sus solos.

2) V7 # 9 Siguiente explorar el sonido de la # 9. El # 9 resuelve de forma natural a la Major 7 del acorde I:

El # 9 y b9 también están emparejados a menudo juntos en un acorde V7 como se muestra a continuación:

Tenga en cuenta que el # 9 es también el tercero menor de edad, por lo que explorar esta relación por el cambio de ida y vuelta por medio paso entre estas dos notas del acorde:

Echa un vistazo a este artículo para obtener más ideas sobre la V7 # 9 de acordes y trabajar en la incorporación de este sonido en su acercamiento a los acordes dominantes.

3) V7 # 11 El # 11 del acorde V7 resuelve a raíz de la tónica:

Es importante hacer una distinción entre un V7 # 11 y un acorde V7b5. En un V7 # 11, el # 11 se refiere a la estructura superior de la cuerda, por lo que el quinto es natural, sin embargo, en un V7b5 acorde el quinto es plana.

Aquí hay algunas maneras de acceder a este sonido V7 # 11: Una tríada Maj sobre G7:

(Tríada mayor todo un paso por encima de la tónica)

Re menor melódica sobre G7:

Este ii-7 sobre el V7 también puede ser abordado con ii-7 V7 idioma. Fa Mayor 7 # 5 sobre G7:

Estos 3 ideas son esencialmente el mismo sonido (V7 # 11), justo abordado desde una mentalidad diferente. Se trata de un sonido menor melódica, uno es un Major 7 # 5 de sonido, y una es una tríada mayor. Dependiendo de su lenguaje y la técnica de cada uno producirá diferentes posibilidades.

4) V7 b13 / # 5 El b13 resuelve hasta el 3 y hasta el noveno:

A destacar el b13 o # 13 se puede utilizar una tríada aumentada descendente:

O puede emplear una escala entera tono (# 4, # 5):

Escuche cómo Monk utiliza toda la escala tonal sobre el acorde V7 sobre sus azules, Blue Monk (1: 03-1: 04):

5) Cambio Tritone, V7b5b9 Uno común técnica rearmonización bebop sobre el sonido V7 fue la sustitución tritono. Por ejemplo la sustitución tritono de una tríada Db Mayor sobre un acorde G7:

Este sonido se destaca la b5 y b9 del acorde V7:

El b5 tiene un sonido distintivo cuando se utiliza más de un acorde V7, es disonante e inmediatamente llama la oreja. Por ejemplo escuchar la melodía de Tune Up:

La melodía hace hincapié en el tritono en los acordes V7. Enfoque en la tercera nota de la melodía: el b5 (tritono) resolver a la quinta del acorde de V y en última instancia a la tercera del acorde I.

6) Escala Altered / Menor Melódica La escala alterada utiliza todas las notas alteradas (b9, # 9, # 11 y b13):

Esta escala se refiere como una escala de tonos enteros disminuida (es medio-toda parte escala disminuida y parte escala de tonos enteros) y es también la escala menor melódica a partir de la séptima nota veces (mira la escala alterada G anterior como Ab escala menor melódica). Tome un escuchar el vídeo a continuación, a las 4:54 Freddie comienza su solo de manera creativa mediante la escala modificada:

También puede echar un vistazo a este artículo en 4 maneras de utilizar la escala menor melódica.

7) Half-conjunto se redujeron escala (octatonic) La escala octatónica es una escala de ocho notas, para los improvisadores esto generalmente se refiere a la escala media-conjunto se redujeron (una alterna escala 8 nota entre semitonos y enteros pasos):

Esta escala hace hincapié en el # 9, B9, y el # 11. Echa un vistazo a cómo Freddie Hubbard utiliza esta escala en su solo en Birdlike (2:57):

Él utiliza el medio-conjunto se redujeron escala sobre el sonido V7 para resolver a la quinta de la tónica. Al hacerlo, crea más tensión sobre el sonido V7 mientras que agarrar la atención del oyente y haciendo hincapié en la resolución.

8) emparejamientos tríada diatónicas Otra opción que puede utilizar durante el acorde V7 son tríadas diatónicas. Por ejemplo alternando entre una tríada G y una tríada F sobre un acorde G7:

Echa un vistazo a este artículo para obtener más información sobre Utilizando Tríadas en su solitario. Escuchar la melodía de la danza de la pasión y la apertura a la solista de McCoy para un ejemplo de esto en acción:

Este enfoque le dará un sonido SUS dominante (acentuando el grado cuarto escala). Para más información sobre los acordes del SUS echar un vistazo a este artículo, cómo improvisar Más de Sus acordes.

) Tríadas 9) no diatónicas (cromáticas Aparte de las tríadas diatónicas que ocurren de forma natural dentro de la clave, también puede utilizar las tríadas no diatónicas que se producen fuera de cada centro clave. Cada tríada tiene un nivel variable de la disonancia dependiendo de su relación con la raíz. Mayor sexto Tríada (b9) Una tríada E Major durante un G7:

Mayor Tríada b6 (# 9, b13) Una tríada Eb Major durante un G7:

Menor b2 Tríada (b9, b13) Un menor tríada Ab durante un G7:

Sustitución Tritone b5 Tríada (b9, # 11) Una tríada Db Major sobre G7:

Mayor tercera tríada (# 5, el Mayor. 7) AB Major tríada sobre G7:

Echa un vistazo a cómo Freddie Hubbard emplea tanto el séptimo # 5 y mayor en la melodía Birdlike (2:32 en el video):

Cada una de estas tríadas tienen su propio sonido único y el método de resolución. Esforzarse

para familiarizar a su oído con el sonido de cada una de estas tríadas "disonantes" o no diatónicas.

10) La disminución menor 3º) relaciones ( Finalmente explorar el uso de la relación disminuida sobre el sonido V7. Para comenzar el juego Major tríadas separadas por 3as menores a partir de la tónica del acorde de dominante, por G7:

Un ejemplo de una línea usando esta relación disminución es inferior, todo un escalón por debajo de cada tono acorde disminuido:

Escuche cómo John Coltrane utiliza este patrón en su solo en Aviso de Momento (02:092:11):

Hay un número de diferentes modelos que puedes jugar utilizando la secuencia de los tercios disminuidas. Además tríadas o patrones de escala, también puede explorar diferentes intervalos de cada uno de los tonos de acordes disminuidos (4ths, 5as, etc.)

Tome un escuchar en solitario de Mulgrew Miller en el vídeo a continuación, específicamente alrededor de las 2:00 - 2:05 minutos:

Él está usando la tercera relación de menor importancia y descender en 4ths de cada nota fundamental. O echa un vistazo en solitario de Michael Brecker en My One and Only Love. En tan sólo unos minutos de la apertura se escucha múltiples usos de esta tercera relación de disminución sobre el sonido V7:

Conexión de la teoría y el lenguaje Lo principal a tener en cuenta con estas 10 opciones es que son sólo dispositivos de teoría. Para utilizar estos sonidos en sus solos deben ser musical - que necesitan tiempo, la articulación, la variedad rítmica, sonido, y un lugar lógico dentro de su frase. La forma en que lograr todo esto es a través de la escucha, la transcripción y la aplicación de estos conceptos armónicos musicalmente en sus propios solos. Una vez que tenga la base musical y estilística de la transcripción bajo su cinturón, se hace mucho más fácil de incorporar nuevos conceptos de la teoría en su juego. Recuerde, usted no está reinventando la rueda o forzar un objeto extraño en su juego, usted está destacando un sabor armónico diferente dentro de sus líneas.

Los mejores jugadores combinan a la perfección estos conceptos dentro y fuera de sus líneas mientras juegan. No es un enfoque de cortar y pegar, y no uno que sea sin esfuerzo y musical - otra opción armónica que añade tensión y el interés a la tónica de edad / relación dominante edad. Sin embargo esto no es un proceso durante la noche, se tarda horas de práctica y ensayo y error en el quiosco de música para hacer estos conceptos sin esfuerzo. Usted debe obtener el sonido de cada una de estas alteraciones V7 en su oído y arraigar ellos en sus dedos. Comience por ir al piano y tocar cada una de estas notas alteradas durante un sencillo expresar V7. Luego, en su práctica de tomar un pedazo de lenguaje que ya has transcrita, una línea II-VI o un coro de azules, y experimentar alterando el acorde V7 utilizando las técnicas que se muestran arriba. En esencia que va a utilizar estas opciones dominantes alterados como una extensión de la lengua que usted ya sabe. Con este método va a añadir rápidamente el interés a ese lenguaje familiar, podrás empezar a crear nuevas líneas de su cuenta, y lo más importante, no se le pegado con los habituales modos Mixolidio o escalas bebop, usted realmente tiene todo un espectro de sonido a su disposición!

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20 cosas que cada improvisador debe saber Publicado por Eric En 25 de enero 2012 @ 13:39 En Consejos para todos, Perspectiva, Consejos | No Comments

1. Nadie está comprobando su grado en la música El hecho de que usted se graduó con una licenciatura en estudios de jazz con especialización en lame Coltrane no significa que usted sabe cómo jugar. Escuela de música tiene sus beneficios, pero no es el final del camino para su educación musical - de hecho, si usted tomó las habilidades correctas, es sólo el comienzo. Por otro lado, si usted nunca ha ido a la escuela de música no significa que no se puede jugar. Convertirse en un gran jugador toma el mismo tipo de trabajo, ya sea que esté inscrito en una escuela de música o el aprendizaje por su cuenta con los registros. Al final, esto es lo que importa: ¿Se puede jugar?

2. Mantenga a volver a los fundamentos Cuando se trata de la improvisación, la mejora se debe a los elementos básicos de la maestría musical de construcción. Todavía no puede oír una progresión ii-V y oxidado en sus escalas mayores, pero continuamente tratando de improvisar sobre temas difíciles? Eso es como tratar de ser un nadador olímpico de clase mundial y no saber cómo hacer el back-accidente cerebrovascular. Detener instalando para la frustración del fracaso. Comience por la construcción de una base sólida de técnica, entrenamiento auditivo y lenguaje e ir de allí.

3. El talento es grande, pero la habilidad y perseverancia ganar cada vez que No todas las personas tienen el mismo tipo de talentos, por lo que descubrir cuáles son los tuyos y trabajar con ellos. ~ Frank Gehry

Una afinidad natural o habilidad para algo es genial, pero para tener éxito en la improvisación que necesita para desarrollar sus habilidades incansablemente día tras día. Probablemente has conocido a un músico que parecía ser capaz de jugar todo lo que encontraron. Sin embargo, cuando usted toma una mirada cercana, este "talento" resulta ser una profunda pasión por la música y la voluntad de pasar horas cada día la búsqueda de su oficio. Esto es lo que se necesita para tener éxito como improvisador, que realmente tiene que quererlo.

4. Usted es uno de los muchos Hay un montón de músicos por ahí para competir con los que son muy buenos. Cuando se piensa en ello usted es sólo uno de muchos, que compiten para que su voz sea escuchada. Ahora antes de saltar fuera de ese puente, vamos a echar un segundo para pensar en las cosas aquí. Esto es realmente una buena cosa. No tenemos que luchar en este ejercicio de forma aislada, no es una comunidad por ahí si se toma el tiempo para buscarlo. Todos nosotros luchamos en ciertas cosas y seguimos un camino similar a mejorar. Si algo te da un problema, lo más probable es que un compañero músico tiene las respuestas exactas que estás buscando.

5. Convertirse en un gran improvisador toma tiempo De hecho, una gran cantidad de tiempo. Recuerde que esto no es un pasatiempo sin sentido que se puede conquistar en algunos fines de semana, es algo que va a llevar años de práctica dedicada. En última instancia, usted sale de la música lo que puso en él. No te rindas después de algunas semanas de práctica difícil. Confía en el proceso y saber que el trabajo que estás haciendo ahora va a salir en su jugar pronto.

6. No hay ninguna fórmula establecida para convertirse en un músico de jazz Ningún camino lleva de un conocimiento de lo que es a lo que debería ser. ~ Albert Einstein Todo el mundo tiene su propio camino hacia el éxito y desarrolle su propia voz en el camino. Tratando de copiar método o la biografía de alguien para el tee simplemente no funciona. Siga los grupos que te gustan y estudiar los músicos que se mueven. Usted tiene su propia vida y de la configuración de la forma en que suena. No puede evitarlo, ya se encuentra en el camino hacia sonar como a ti mismo.

7. El proceso de la improvisación parece cosa de magia Parece que la inspiración divina cuando la gente está en el escenario la creación de estos solos improvisados ​increíbles de la nada. El hecho es que todo esto es sólo una ilusión para el ojo inexperto (y oído). Todo esto tuvo mucho trabajo, fundamentos. Cuando escuche un gran solo, usted está realmente escuchar el resultado de horas y horas en la sala de la práctica. No se quede atrapado en la creencia de que los maestros de esta música no tenían que trabajar para lograr sus habilidades. Cualquier persona que suena muy bien, sin duda ha puesto en el momento en el cobertizo.

8. La improvisación puede ser tan grave o divertido como usted quiere que sea Echa un vistazo a sus metas musicales. Si quieres ser un gran improvisador, practicando, transcribir, y escuchar la música debe estar en la cima de sus prioridades diarias. Si lo que desea es obtener el disfrute de ser creativo en cuando, la práctica de los fines de semana puede satisfacerle. Puede ser cualquier cosa que quieras que sea, sólo asegúrese de que su práctica refleja los objetivos que establezca y lo más importante, que sus objetivos se pueden lograr con el calendario que usted está dispuesto a dedicar a la práctica.

9. Sólo puede culparse a sí mismo por la forma en que el sonido Esto puede sonar duro, pero al final del día es la única cosa que usted puede contar. Es fácil de buscar fuera de ti mismo para excusas. "Ese otro trompetista ha estado jugando mucho más tiempo que yo", "yo no sonaba bien, porque me quedé atrapado jugando más de una melodía que no sabía," ... las excusas pueden continuar para siempre. Si usted no está satisfecho con la forma en que el sonido, sólo se puede buscar a una persona para arreglar eso: usted mismo. Te guste o no, usted es su propio peor enemigo.

10. Practicar se trata de notas y ritmos, la improvisación es acerca de la vida Las cosas que haces en la sala de la práctica son importantes para su juego. Todo el mundo dice que usted escuche y para transcribir y este es definitivamente el camino a la cada vez mejor. Estos hábitos de práctica le dará la técnica y el conocimiento, pero todavía se necesita tener algo personal que decir cuando se improvisa. Para ello, salir de la sala de ensayo y vivir. Experimente todo lo que puede y luego llevar esto en tu juego, comunicarlo con su público.

11. Stick con los objetivos hasta que complete los Si quieres destacar entre la mayoría de los improvisadores aspirantes por ahí, terminar los proyectos que se inicia. Obtener a través de toda una transcripción. Conozca toda la progresión de acordes y la melodía de esa canción que estás trabajando. Tome esa línea a través de las 12 teclas. Deje de abandonar las cosas a mitad de camino! Cuanto antes lo haga, más pronto usted verá grandes mejoras en su juego.

12. El exceso de ambición? Siempre queremos jugar en un mejor nivel entonces estamos actualmente. Sin embargo, todos tenemos una tendencia disimulado a pensar que somos mejores de lo que somos.

Esfuérzate por ser honesto con usted mismo en la sala de la práctica. En caso de que realmente esté tratando de jugar que la cabeza del bebop en 400? Está jugando más que sintonizar 7 beneficia usted? O, en caso de que estar trabajando en algo que realmente le permitirá mejorar?

13. Siempre hay margen de mejora Sólo estoy en competencia con mi último nivel. ~ Erykah Badu

Los músicos que nos encanta escuchar siempre estaban buscando formas de mejorar y evolucionar. Es como si nunca fueron bastante satisfechos con ellos mismos musicalmente. Trata de imitar esta forma de pensar en su propia práctica y encontrar una manera de mejorar cada aspecto de su juego sobre una base diaria. Esto se vuelve difícil una vez que usted ha hecho algunos progresos y empieza a sentir confianza en sus habilidades; te vuelves complaciente y perder su unidad, pero no se detienen ahí. Todos los días, se esfuerzan por llegar a ese siguiente nivel.

14. Comience por aprender una cosa La ruta a saber 100 melodías comienza con el aprendizaje de una melodía. El camino hacia el dominio de la lengua de jazz empieza con una transcripción. Es fácil desanimarse por el número de canciones que conoces y la perspectiva de tratar de aprender cientos de solos de oído. Créeme, se siente como una tarea imposible cuando estás primero de empezar y es todo fácil darse por vencido. Recuerde que conseguir a través de uno y el resto a ser más fácil.

15. Calidad sobre cantidad es el nombre del juego Todo depende de la calidad de los de un solo trabajo. ~ Siddhartha Gautama No se apresure a través de los elementos de su rutina de la práctica. Cuando se trata de temas y el lenguaje del jazz, todo está relacionado. Sólo hay tantas cualidades acordes y progresiones. Esa línea o progresión que está trabajando ahora serán útiles en la siguiente melodía que aprende, por lo que darle tiempo y realmente dominarlo. Corriendo a través de su práctica sólo te deje en el mismo lugar cuando empezaste.

16. Centrarse en las cosas difíciles Una cosa que continuamente te detenga está saltando sobre las áreas difíciles de su juego y tomando el camino fácil. Puede parecer fácil en el corto plazo, pero con el tiempo se va a tener un armario lleno de esqueletos que se van a volver en tu contra en el peor momento posible. Habilidades como el entrenamiento del oído, aprendiendo melodías de oído, y la transcripción son difíciles al principio y tomar un montón de tiempo. Claro que es difícil de enfrentar estas áreas de su juego al principio, pero si continúa a ignorarlos, que finalmente va

a ponerse al día con usted y le contuvo de convertirse en el jugador que realmente quieres ser.

17. Tome un consejo Hay algunas personas que si no saben, no se puede decir de ellos. ~ Louis Armstrong Aprenda a escuchar las palabras de los grandes músicos que te encuentres. Es fácil quedar atrapado en nuestro pequeño mundo, tratando de encontrar nuestras propias soluciones a nuestros propios problemas, pero con el tiempo te vas a quedar atascado. No toda palabra puede ser aplicable a su situación actual o habilidad, sino mantenerlos en mente. Algún día puede ser la clave para desbloquear un problema difícil que usted está luchando para superar.

18. Mantenga una mente abierta Tu punto de vista puede cambiar en un instante, sus oídos están en continua evolución, y sus metas en la música inevitablemente cambiar. Ese jugador que no se podía dar sentido puede llegar a ser su nuevo improvisador favorito después de un poco de estudio. Nunca se sabe lo que puede suceder que así sea abierto a nuevas experiencias y mantenga la puerta abierta a nuevas posibilidades musicales.

19. Buscar oportunidades musicales Contando con la suerte no te llevará muy lejos en la improvisación, pero hay algo que decir para estar en el lugar correcto en el momento adecuado. Cosas especiales ocurren cuando grandes músicos se reúnen en un solo lugar. Ir a todos los conciertos con los mejores músicos de su área. Si un maestro del jazz viene a la ciudad, ir a ver si se puede pasar el rato después del show y hacer algunas preguntas. Quién sabe, puede tener la oportunidad de sentarse en el, es posible obtener una lección improvisada, o incluso se podría obtener algunas palabras de sabiduría que alterarán su propuesta musical. Por el simple hecho de estar en estas situaciones, que está subiendo las probabilidades de que un rayo golpeará.

20. Tienes que amar es Improvisar es difícil. Ganarse la vida como músico de jazz es aún más difícil. Si estás en esto porque alguien te está presionando o estás pasando por los movimientos, usted se encontrará con una sorpresa desagradable. Si usted no ama esta música, usted no va a tener éxito - así de simple. Cada vez que escuche sus discos favoritos que usted debe recordar de por qué lo hace. El sonido debe excitar a usted, el swing debe darle esperanza, y todo debe darle determinación de continuar persiguiendo la música que te gusta.

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Abrumado por la Transcribir Jazz Solos? - Aquí está el secreto que acelerará su Mejora Publicado por Eric En 11 de noviembre 2015 @ 13:44 En Transcribir | Comentarios discapacitados

"Lo que en solitario debo transcribir?" Usted probablemente ha preguntado esta pregunta. Y de lo que has buscado por todas partes en busca de respuestas. Si nos fijamos en el Jazz Manual Aebersold encontrará una lista con más de 100 grabaciones de importancia histórica para elegir ... Buscar en la Internet y usted verá la página tras página de jugadores importantes. Por ejemplo trompetistas tienen que lidiar con Louis Armstrong y Clark Terry, Miles y Dizzy, Lee Morgan, Kenny Dorham, Freddie Hubbard. Y eso es sólo arañando la superficie ... Así que ¿por dónde empezar con todas esas opciones? ¿Cómo elegir el solo que va a hacer que suene mejor?

Tal vez usted podría comenzar con un solo jugador, como Clifford Brown. Hay su solo en Alegría de primavera o Cherokee o Sandu o Stompin 'en el Savoy o Jordu o reprimida Casa ... " De repente, usted está abrumado y de vuelta al punto de partida. Antes de siquiera ha establecido en su viaje para aprender el lenguaje del jazz, que ya está quedando atrás ...

¿Por qué menos es más en el aprendizaje de la improvisación del jazz Lo que mucha gente no le están diciendo es que usted no tiene que transcribir cientos de solos para empezar a hablar el lenguaje del jazz ... Pero usted tiene que aprender algunos de sus solos de favoritos. Muy bien. Y esa es la clave para empezar. Al darse cuenta de que está bien para empezar en el punto de y la comprensión de que usted no tiene que apresurarse para ponerse al día con cada solo de jazz bajo el sol. Como músico en busca de mejorar rápidamente, escoger uno solo o frase para centrarse en que es mucho más eficaz y beneficioso para su juego de apresurarse a aprender 10 o 20 solos de una sola vez. El proceso de transcripción es más importante que memorizar cientos de solos de nota por nota y esto es lo que le servirá bien en el desarrollo de un vocabulario jazz. En el camino se puede sentir como si estuvieras quedando atrás, que todavía se está trabajando en ese mismo solista ... Pero recuerde, hay un secreto en cada gran solo. Cada línea que se transcribe es el producto de años de escuchar, año de lecciones, y años de práctica.

Y si usted hace el trabajo para arraigar cada aspecto de éste en solitario, usted tendrá más que suficiente para el material para comenzar a desarrollar su propia voz ...

¿Atrapado en una rutina? Comience con una línea transcrito Cuando llegué por primera vez a la universidad no había transcrito en todos los ...

Sabía que las reglas de la teoría de la música y había escuchado a una buena cantidad de registros. Y lo hice lo mejor que pude tropezando con progresiones de acordes con los pocos licks que había memorizado. Pero por lo que puede utilizar el lenguaje de jazz que podía jugar en mis solos, yo estaba con las manos vacías ... Al igual que muchos jugadores aspirantes, sabía que debería estar transcribiendo solos de jazz. El único problema era que no sabía cómo empezar. Cada vez que me senté a centrarse en un solo me golpeó una pared y se sienten frustrados de que no estaba llegando a ningún lado. En el fondo de mi mente yo creía que tenía que pasar años transcribir cientos de solos antes de que yo iba a empezar a ver resultados ... Sin embargo, en una de mis primeras lecciones de trompeta tuve una epifanía. En este día particular, mi maestro no dar una conferencia sobre la teoría de la música o las reglas de un buen solo. En su lugar, me enseñó una línea melódica sencilla de oído. Las instrucciones eran simples: Aprenda en cada llave, memorizarlo, y lo han dominado a un ritmo medio de la siguiente lección. Esta fue la línea:

El camino a la maestría Así que para la próxima semana que estaba en una misión .... Cada vez que entré en la sala de ensayo inmediatamente me puse a trabajar la memorización y la elaboración de esta línea, comenzando lentamente en la clave de C y poco a poco de pasar a las otras teclas. Repetí lo menos 50 veces en cada tecla, aumentando el tempo del metrónomo, hasta que fue arraigado en mi mente, mis oídos y mis dedos. Hasta pude jugarlo en mi sueño. Y después de hacer este ejercicio me di cuenta de algo diferente en mi forma de tocar ... Que estaba escuchando esta progresión de acordes y esta línea apareciendo todo el tiempo en los estándares de jazz estaba jugando. Ahora tenía un pedazo de lengua de jazz de jugar, algo que estaba en mi oído, una línea que podía visualizar en mi mente. En lugar de un montón de información que traté de meter en mi cabeza, esta línea

profundamente arraigada abrió la puerta a un sinfín de posibilidades, y esta fue la clave para mejorar rápidamente. Yo no tenía necesidad de memorizar todo un solitario o de la vista leídos líneas de un libro de transcripción Michael Brecker, sólo necesitaba para arraigar pequeños trozos de lenguaje jazzístico uno a la vez. Pero que una línea era sólo el comienzo ...

¿Por qué el aprendizaje de una línea no es sólo "una línea" Al transcribir una línea de la meta no es jugar de la misma manera exacta en todo momento. En lugar de una mano que está escrito en piedra, usted quiere un pedazo maleable del lenguaje del jazz que se puede adaptar a su situación musical actual. Así que vamos a volver a eso línea original:

Una vez que lo tienes arraigado en todas las 12 teclas, su trabajo es hacer que la línea de su cuenta. Para encontrar maneras de crear variaciones simples de la línea de tiempo que conserva algo del contenido melódico original, material de armónica y forma. Estudie por qué la línea que funciona, lo acorde tonos hacen que la línea única y donde se producen las resoluciones entre los acordes. Luego trabajar pequeñas variaciones sobre estos aspectos de la línea. Por ejemplo, usted podría comenzar mediante la inserción de un arpegio disminuido ascendente en la tercera parte de los acordes V7:

* Tenga en cuenta cómo un arpegio Disminución construido en la tercera del acorde V7 resuelve el día 5 del siguiente acorde. Tome esta variación a través de cada llave y los diferentes rangos de su instrumento. Siguiente combinar esta idea arpegio disminuido con la línea original:

Ver la cantidad de variaciones que puede llegar a utilizar este concepto! Y observe cómo una variación resuelve a la tercera del acorde siguiente y uno para el día 5 del siguiente acorde. También puede utilizar conceptos como recintos para añadir interés melódico y el contorno de sus líneas como se muestra en la línea de abajo:

Trate de que la tercera parte de los acordes V7 y desde allí se puede mover hasta el b9 en movimiento escalar o ascender hasta un arpegio disminuida. Todo depende de lo que los tonos de acordes que desea destacar y donde usted quiere que su línea de ir.

Ahora depende de ti… Deje de sentirse abrumado cuando se trata de transcribir solos de jazz. Recuerde, usted no tiene que pasar horas transcribiendo decenas de solos para crear utilizable lenguaje del jazz que se puede jugar en sus solos. Comience con una línea de uno de sus jugadores favoritos. El camino hacia un vocabulario jazz sólido comienza con esta línea simple. Podría ser una línea de una Millas en solitario o una línea que trabajó sobre un acorde V7 ...

Tu decides. Aprenda en todas las 12 teclas, memorizarlo, dominarlo y hacer que sus los propios!

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Estoy aburrido con todo lo que toco: claves para ser entusiasmados con lo que usted está jugando Publicado Por Forrest En 19 de octubre 2011 @ 12:15a.m. En Consejos | No Comments

A medida que avances, te sientes más confiado. Usted tiene más lenguaje. Usted puede jugar más de más y más canciones. Y usted puede acercarse a los diferentes tipos de canciones con facilidad. Aún así, no importa lo mucho que mejorar, usted siempre se siente como si estuvieras tratando de llegar al siguiente nivel. Esto es sólo cómo va. Para mí, esa es la mejor parte. Que usted tiene que mantener mejorando. Que no es más que aprender y explorar. Ese es el gusto de hacerlo. Es como la mejor novela Has leído que sigue creciendo en longitud que lo estás leyendo. Usted lee los primeros diez capítulos, ahora hay veinte, lees los veinte años, ahora hay cuarenta. Es el regalo que sigue dando. Para muchas personas, esto no es tanto un don sino una maldición. Quieren llegar a un punto de cierre. Un punto de terminación ??? Por desgracia, no importa dónde usted está en su desarrollo, que en última instancia siempre terminan en un lugar donde se piensa a sí mismo, "Dios, estoy muy aburrido con todo lo que estoy jugando." Lo importante es darse cuenta de que este no acaba de suceder a principiantes y jugadores de nivel intermedio. Le pasa a todo el mundo, incluso los grandes jugadores. Recibimos innumerables correos electrónicos de lectores diciendo que ellos transcriben, y lo hacen aprender melodías ... sino que estamos aburridos de lo que están jugando actualmente.

Sabiendo muy bien que se le encontrando esta situación innumerables veces entre su viaje, independientemente de su nivel de habilidad, tienes que estar preparado para manejar la situación.

A la primera señal de aburrimiento, deje de Cuando usted comienza a aburrirse con su juego, deténgase. Tome el cuerno de tu boca, o levantarse de la banqueta del piano, y marcharse. Esto es difícil de hacer. ¿Por qué, cuando es aparentemente tan fácil dejar de jugar, ¿es difícil? Existe esta idea de que si no se está "haciendo" lo que estamos tratando de mejorar en, entonces usted no está trabajando hacia su meta. Esto es una falacia total. "Hacer" algo con una actitud pobre y poco entendimiento te hace peor que cuando comenzó. Adquiera el hábito de pensar antes de hacerlo. No te rindas por no poner en el tiempo necesario en su instrumento cuando se está en el modo de pensar mal. Tienes que pensar en lo que su tiempo de la práctica supondrá antes de hacer el tiempo. Alejarse de su instrumento le da el tiempo necesario para pensar en sus problemas, mientras que continúa la práctica de esta forma de media dedicada produce resultados mediocres y ingrains pobres imágenes mentales de lo que estás tratando de aprender. Recuerde: pensar, y luego hacerlo. Pensamiento es la planificación. El pensamiento es la estructuración. Y en la música, gran parte de su tiempo de pensar tiene que ver con la escucha.

Escuchar y observando Esta es la forma más sencilla y eficaz para descubrir nuevas ideas y conceptos, erradicando el aburrimiento en su juego. Sin embargo, por alguna razón, muchas personas no se implementan. El proceso de escuchar y observando es sólo esto: Encienda una grabación de un ser querido escuchar, y en cualquier momento se oye algo que le interesa, anote la marca de tiempo, el artista, grabar y sintonizar en un archivo de texto Eso es. Sencillo, ¿no? Ahora, lo que va a terminar con un archivo de texto completo de los tiempos de las marcas exactas de frases que llamaron su atención. Usted probablemente puede ver dónde va esto ... Cada vez que usted está aburrido con su juego, usted cava en su archivo de texto de marca de tiempo y elegir uno de separar. El tiro en Transcribe y te encuentras en tu camino. No deje que la naturaleza simplista de que esto te engañe. Al igual que el concepto de "Pensar antes de hacer" es simple y directo, el concepto de "Escuchando y observando" es demasiado. No pase por alto el poder de estas tácticas sutiles. Librarse de la idea de que todo debe ser un proceso misterioso y complejo. Note que no dije difícil, he dicho complejo. En términos de pensamiento conceptual, simple no es igual de fácil. Sí, anotando lugares en una melodía es

bastante fácil, pero aprender el funcionamiento interno de cómo funciona una idea musical no es necesariamente fácil. Por ejemplo, la afirmación "Sólo transcribir cinco solos," suena muy simple, pero no es fácil. En el aprendizaje de jazz es: procesos simples y el trabajo duro y la dedicación necesaria para su realización.

La conquista de estar aburrido con su juego Si estás aburrido con su juego, le toca a usted para cambiarlo. Esta es una decisión consciente, donde es necesaria una acción real. Más tiempo en la misma materia no será igual a mejores resultados. Usted debe dar un paso atrás. Sea objetivo. Pode las líneas y conceptos que ya no te agarran, o modificar de una manera que les da nueva vida. Si la mayoría de sus líneas necesita ser renovada, entonces tal vez no son las líneas que necesitan trabajo, pero su proceso de selección. Algunas líneas que aprendí más de un año siguen sonando tan fresco a mí hoy como lo hicieron en aquel entonces. Esos son los guardianes. Esos son los tipos de líneas y conceptos que quieren ser capaces de escuchar a primera escucha. Esos son los que usted anote en su archivo de marca de tiempo y esos son los que se separan. La primera vez que comienza a recibir el lenguaje, que está en un modo de "cualquier cosa es mejor que nada", pero a medida que crece, se convertirá naturalmente más selectiva. Utilice este mayor poder audiencia para concentrarse en el material que desea hacer su propio. Sólo entonces sacar la basura y llenar su propio concepto de música personal con las ideas y conceptos que son una extensión natural de su ser.

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Cómo poner de acordes Tonos en tus manos Publicado Por Forrest En 09 de noviembre 2010 @ 06:44 am En Acordes, Visualización | 1 comentario

Un lector escribe: Toco la trompeta e improvisar bastante bien, pero toco principalmente por el oído. ¿Cómo puedo obtener los tonos de acordes y utilizarlos de manera efectiva para construir mis solos? Por ejemplo, se necesita mucho tiempo para mí de nombre de la sexta de un acorde. He probado varios libros para encontrar un buen método para lograr esto. Parece que hay tantas cosas que aprender! Empiezo algo, entonces me voy a otro. El resultado es muy pobre. ¿Me puedes ayudar?

Bajar de su enfoque Sí, te puedo ayudar porque yo he experimentado ese problema exacto. Ser capaz de evocar tonos de acorde en un instante es esencial para la improvisación en su pico, pero permítanme comenzar diciendo, tienes razón, se siente como que hay mucho que aprender y que puede ser abrumador por decir lo menos! Deje de comprar libros de instrucción en la improvisación del jazz. No quiere decir que no son maravillosos libros escritos sobre la manera de improvisar. Incluso te recomiendo un buen número de clientes. Sin embargo, puedo decir por experiencia, en general, los más libros he acumulado, más abrumado me sentía, y al menos me he centrado en los aspectos realmente importantes de aprender a improvisar jazz: la absorción de la música de los grandes, el desarrollo de mi oreja, y jugando lo que oigo. Limitar tu enfoque y aumentar su profundidad. Esta es la manera de aprender música.

Visualizar tonos acordes para recordar al instante La razón es difícil nombrar el 6 de un acorde para ti es porque los tonos de acordes no están suficientemente arraigados en su mente. No te preocupes. El proceso de visualización será de gran ayuda en poner tonos de acorde a su alcance. Opina sobre este artículo sobre la visualización para la improvisación de jazz que escribí en abril. Siga los consejos en este artículo para empezar. Recuerde, la visualización significa ver, oír, y sentir las notas en su mente. A continuación, realice el siguiente ejercicio: Visualice la raíz de cada séptimo acorde mayor alrededor del círculo de quintas aka "el ciclo" (abajo).

A continuación, visualizar el tercero de cada acorde mayor en todo el ciclo (que se muestra a continuación).

Después de la tercera, continuar visualizando el quinto, séptimo y luego, a continuación, la novena, luego el # 11, y, finalmente, el día 13, en todo el ciclo al igual que en los ejemplos anteriores. Haga esto por lo menos una semana, todos los días durante 20 minutos antes de continuar. NO TENGAS PRISA. Cuanto más sólida este primer grupo de ejercicios, más fácil toda su visualización futuro será. Una vez que tenga los tonos de acorde sólida sobre la importante, pasar a acordes de séptima dominante. Si lo hiciste bien las mayores, entonces esto debe ser muy fácil, ya que es sólo

una nota diferente (la séptima bemol) para llegar a una calidad dominante (que se muestra a continuación). Y sí, yo nunca pienso en cosas como Cb, que técnicamente sobre Db7 el séptimo es Cb. Recomiendo simplificar estos casos como lo hice en este ejemplo.

Después dominante, hacer acordes de séptima menor importancia de la misma manera todo el camino desde la raíz hasta la 13ª. Una vez que hayas conseguido menor en la cabeza, do-medio disminuido. Y, finalmente, ir a través de las diversas alteraciones sobre un acorde dominante. Esto incluye: b9, # 9, # 5 (igual que b6 o b13th), # 4 (igual que b5 o # 11). Echa un vistazo a este artículo sobre alteraciones de algunos más en el asesoramiento a fondo por ese callejón. He aquí un ejemplo de la visualización de la # 5 sobre acordes de séptima dominante de todo el ciclo.

En resumen, se le visualizando cada tono acorde (1, 3, 5, 7, 9, 11, 13) uno a la vez, de una calidad acorde dado todo el ciclo. A continuación, pasar a la siguiente calidad. Las cinco cualidades acordes son: Major, dominante, Menor,-disminuida mitad, y alterado. He aquí todos los tonos de acorde para esas cualidades en la clave de C. Aviso sobre los principales y dominantes planteo el día 11, ya que es un sonido más consonante.

Tonos de acordes más de canciones Después de visualizar los tonos de acordes lo largo del ciclo, intente visualizar pares de tonos de acordes sobre una melodía. Me gusta empezar con un blues para casi cualquier cosa. Comience con un par fácil como raíz y tercero, y progresar gradualmente a algo más difícil como # 5 y b9 como se muestra a continuación.

Después de haber visualizado a través de todos estos ejercicios, jugar a través de ellos en su instrumento prestando mucha atención a cómo suena cada tono de acordes en contra de la armonía. Una vez que usted se siente bastante cómodo jugar con ellos en un blues, aplicar el mismo pensamiento con una melodía que se está trabajando. Primera visualizar tonos acordes individuales, luego dos, luego jugar tonos y pares de acordes individuales a través de la melodía.

Inculcar tonos de acorde es un viaje Tómese su tiempo de trabajo a través de estas cosas, ya que nunca se puede saber bastante bien. Esforzarse por la perfección diaria de pequeñas tareas. De esta manera, cada día que se acercará más a la meta de varios niveles: ser capaz de nombrar al instante cualquier tono acorde sobre cualquier acorde, a sabiendas de lo que el sonido es en tu mente, y saber dónde la digitación para producir ese sonido está en su instrumento.

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3 maneras de ampliar su rango es probable que no han pensado en Publicado Por Forrest En 22 de enero 2012 @ 21:30 En Jazz Idioma, Consejos, Transcripción | No Comments

Los rangos extremos de cualquier instrumento expresan emoción extrema, pero no son fáciles de abordar. El registro agudo es muy difícil en la mayoría de los instrumentos y el bajo registro es a menudo subdesarrolladas e infrautilizados. El enfoque estándar hacia estos registros es extender sus escalas y ejercicios de arpegios tan altas y tan bajas como sea posible. Sí, este es un gran comienzo, y no hay razón por la que no debes hacer eso, sin embargo, si usted piensa simplemente jugando escalas y arpegios en estos registros que usted va a ser pronto usarlos creativamente mientras improvisa, es mejor adivina otra vez. Y, además, la idea de "la ampliación de su gama" no sólo significa que usted puede jugar una nota muy alta. Eso es useless.How interesante es que realmente escuchar algunos trompetista chillando a cabo la nota más alta que puede de la manera más un-musical y buscar-a-me? Consiga sobre él. A nadie le importa qué tan alto pueden jugar. Bueno, no es cierto; la misma gente que le gusta Kenny G, probablemente le encantaría escucharte tocar alta también. Pero en serio ... los registros de altas y bajas se pueden utilizar musicalmente y con propósito. Una vez que aprendas las digitaciones y técnica relajado adecuado para lograr el sonido que desea en estos registros, hay algunos obvios, pero rara vez se utiliza tácticas para explorar, que le ayudará a ser fluido en el uso de los rangos extremos mientras que improvisar.

Aplicar el lenguaje para rangos extremos Este es el concepto más obvio, sin embargo, el más alto. Probablemente nos sonamos como un disco rayado. Lenguaje, el lenguaje, el lenguaje. Usted lo consigue. Ahora, acaba de tomar esa misma pieza de lenguaje que está trabajando y extenderlo toda la gama de la bocina. Por ejemplo, en el saxofón, tomar la idea hasta el final abajo a menor Bb, y tomarlo lentamente y con cuidado a través de la gama altissimo tan alto como usted se sienta cómodo. Al llegar tan alto, hasta el punto que usted está teniendo dificultad, ir más lento. Asegúrese de que está usando la digitación correcta y mantener el aire que se mueve a través de la bocina. Utilice la pieza del lenguaje como una herramienta para dominar esas notas altas difíciles. Usted se sorprenderá de lo bien que este simple ejercicio funciona. No sólo va a empezar a ser fluido sobre esas notas previamente difíciles, pero que realmente va a ser capaz de utilizarlos cuando se improvisa.

Transcribir solos fuera de su rango Transcribir solos que no son su instrumento es super divertido y educativo. Cada instrumento tiene una perspectiva totalmente diferente y el estudio de estos otros puntos de vista abrirá sus oídos y su mente. La primera en solitario que he trabajado en, si no recuerdo mal, que no era mi instrumento era un solo de trompeta. Recuerdo que sea bastante difícil de escuchar. No era como la transcripción de un jugador tenor. Cuando usted está transcribiendo su propio instrumento, se puede escuchar un montón de la idiosincrasia del instrumento, que le ayuda a determinar lo que se está reproduciendo. Cuando no es su instrumento, usted tiene mucho menos ayuda. Y a medida que continué para que coincida con la nota por nota lo que estaba jugando el trompetista, tuve que tomar algunas notas hacia abajo una octava, ya que eran bastante alto. Una vez me dieron el solo de bajo mis dedos y en mi oído, decidí que me gustaría volver y tratar de jugar todo el solo en el rango que el trompetista tocaba en. Esto me requeriría ampliar mi gama bien entrado el altissimo registro. No te preocupes. Acabo ralentizado el solo de una tonelada en Transcribe y trabajé a cabo gradualmente. Después de este trabajo en el solo de trompeta, me hice mucho más fluido en el rango altissmo. Ahora usted no tiene que ir más alto todo el tiempo tampoco. El registro grave extrema se puede utilizar en todo tipo de formas interesantes. Usted podría utilizar la misma táctica como lo hice pero a la inversa. Si juegas tenor, tratar un solo de bari, o si usted juega alto, tratar un solo de tenor. Transcribir solos fuera de su rango como esto le dará una nueva perspectiva sobre el sonido y el timbre.

Improvisar con restricciones de rango Algo he oído innumerables profesionales dicen es que improvisan sobre melodías al tiempo que impone restricciones de rango. Es un concepto bastante recta hacia adelante pero no es fácil de implementar en una forma musical, de hecho, esa es la parte difícil en ello. Cualquiera puede decir: "Yo sólo voy a tocar notas entre Bb y F este coro", pero puede que lo haga de una manera musical? Sonny Rollins es un maestro de esto. Él va a tener sólo unas pocas notas y pasar el rato en un rango particular por un tiempo, el desarrollo de un tema y convertirlo en su cabeza. Escuche Sonny jugar St. Thomas. Incluso si usted ha oído mil veces, escuchar una y prestar mucha atención a la forma en que se desarrolla una idea en un rango determinado.

La imposición de restricciones de rango es divertido y se puede salir de tocar las mismas cosas todo el tiempo, mientras que ayuda a centrarse en los registros de altas y bajas. Tome una de las notas más bajas en su instrumento y la nota de una quinta por encima. A continuación, utilice sólo las notas contenidas dentro de ese intervalo de medida que improvisar para un coro o dos. Por lo tanto, si usted juega el saxofón, tal vez le tome la nota más baja, Bb, y una quinta por encima, M, y tratar de crear melodías que se pueden desarrollar y construir. Luego, trate de lo mismo en lo alto.

Ampliando su gama Ampliando su gama no tiene por qué ser una batalla cuesta arriba y no tiene que ser algo que usted desea para el propósito de la gente impresionantes. Los rangos extremos se pueden utilizar de una manera lírica y musical como una extensión de su voz. Comience a tomar un lenguaje que conoces bien y subir a la estratosfera y abajo tan bajo

como el instrumento es capaz de hacer. Entonces, para su próxima solitario, elegir un instrumento que es ya sea en un registro superior o inferior a la suya, lo que obligó a acomodar a su alcance. En primer lugar aprender el solo, pero luego tratar de igualar las notas originales de la mejor manera que pueda. Y la siguiente melodía que trabaja en, la práctica de improvisación al tiempo que impone algunas restricciones de rango. Con estos 3 ejercicios, que pronto será capaz de manejar los rangos extremos de su instrumento con facilidad.

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Anticipación Armónica: Una técnica simple para liberarse Publicado Por Forrest En 11 de diciembre 2011 @ 23:06 En Conceptos, Rhythm | No Comments

Muchas veces, cuando estamos solos nos quedamos encajonados por así decirlo. Pensamos que cuando estamos en un acorde particular, debemos jugar ese acorde y sólo ese acorde. Tenemos la visión de túnel y existe poca posibilidad. Una técnica que alivia considerablemente esta caja en el sonido y la mentalidad es la anticipación armónico. Anticipando un acorde es muy fácil: sólo tiene que anticipar el acorde que usted se está moviendo a por jugar antes de llegar a ella:

La anticipación es una técnica tan poderosa porque logra tanto con tan poco. Con sólo tocar el acorde que usted va a un poco más temprano, vamos a crear un sentido de movimiento hacia adelante, sobre el fraseo bar-line, y un sentimiento de emoción en sus líneas

Cómo anticipación puede ayudarle a Como estaba diciendo, que a menudo se sienten encajonados en los cambios de acordes. Por ejemplo, he aquí una muestra de cómo alguien que juega sobre un blues ave puede en solitario.

Bastante aburrido, ¿eh? Suena poco natural y cuadrado. Ahora, vamos a tomar el mismo ejemplo y agregue algo de anticipación:

Este es el mismo ejemplo, excepto para la resolución ligeramente modificada en el extremo de la línea desde G7 a C mayor. Ahora es un poco extremo para anticipar cada acorde, pero debe escuchar y entender de inmediato cuánto más emocionante esta línea se convirtió desde simplemente anticipando cada acorde por el ritmo. Utilizando la anticipación dentro de sus líneas produce una sensación más natural que puede ser oído y sintió de inmediato. Y es fácil de empezar a hacer. He aquí algunos ejercicios para ayudarle a empezar.

Anticipación ejercicio # 1 Para comenzar la anticipación practicar, jugar a través de una melodía sencilla que está trabajando, o un blues, y con cada línea que juega, iniciarlo anticipando las próximas acordes con dos corcheas. Note que no dije que hacerlo en cada acorde; usted podría hacerlo en cada acorde, pero eso es bastante antinatural. En cambio, espaciar sus líneas con descanso entre ellos y cada vez que comience una nueva línea, anticipar el próximo acorde en la forma prescrita. Aquí hay un ejemplo básico de lo que podría verse como:

Juega ideas simples y centrarse en la previa a la audiencia el acorde que está anticipando. Las dos corcheas podrían ser jugados de forma escalar como la mayoría son en el ejemplo, o podrían ser interválica. Lo importante es que se definen claramente la armonía que estás anticipando. No hace falta decir que si las notas de anticipación no expresan la armonía se está mudando a, el resultado será confundir al oyente. Dedique tiempo suficiente con este ejercicio antes de intentar cualquier otros.

Anticipación ejercicio # 2 Este es exactamente el mismo que el ejercicio # 1, pero en lugar de dos corcheas, que jugará tres.

Esto tiene un sonido completamente diferente a anticipar con dos notas. Es increíble que un cambio tan minúscula puede tener un efecto tan grande. La diferencia entre ellos tiene que ver con cómo las notas terminan siendo agrupados y cómo nuestros oídos oyen estas agrupaciones. El uso de dos notas tiende a oscurecer vencer a una de las siguientes medidas, mientras que el uso de tres notas va por delante hacia venció a una de las siguientes medidas. Los dos están bien. Experimentar y comprender las diferencias para que pueda hacer uso de ellos cómo cada vez que quieras.

Anticipación ejercicio # 3 En este ejercicio, usted comenzará cada una de sus líneas, anticipando la próxima acorde con una negra que está atado por la línea de la barra:

Aprender a utilizar con eficacia la anticipación Estos tres ejercicios son sólo para conseguir sus pies mojados. Otro ejercicio que usted querrá probar anticipa cuatro corcheas por delante. Esto toma un poco de trabajo para pre-escuchar el próximo acorde con tanta antelación, pero con la práctica sonará correcto. Otra técnica un poco más avanzado está utilizando un sonido alterado de la próxima acorde para su anticipación. Por ejemplo, si G-7 se acerca, anticipar con las notas de G7alt. Esto necesita práctica para hacer que suene bien. Recuerde, si no suena bien, no lo es, así que si quieres probar cosas como esta, futz con él hasta que suena bien a usted. La anticipación se puede utilizar casi en cualquier lugar, pero hay un par de lugares que funciona especialmente bien. Cuando los acordes son muy predecible como en el ejemplo de más de un blues de aves, la anticipación ayuda a que sus líneas sobre la progresión no tan cuadrado. Así que en cualquiera de estas progresiones de tipo estándar, donde casi cualquiera puede oír por dónde se va, trate de usar la anticipación. Y cuando dos cuerdas adyacentes tienen notas muy relacionadas, la anticipación suena realmente bien. Por ejemplo, si dos cuerdas adyacentes eran C- y C # -, anticipación trabajarían especialmente bien. Al igual que todas las grandes técnicas, no utilice todo el tiempo. Trate de que el equilibrio entre las líneas que comienzan antes de que sus éxitos armonía y los que no lo hacen. Mediante la mezcla de sus líneas de esta manera, tu solo sonará mucho más interesante en su conjunto. Comience con los tres ejercicios delanteras rectas presentados y pronto será la segunda naturaleza para poner en práctica la anticipación cada vez que lo desee. No subestime el poder de esta técnica simple. Es un gran paso hacia la libertad musical.

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Cuadruplicar sus Jazz Idioma en 10 Minutos Publicado Por Forrest En 28 de enero 2013 @ 12:58a.m. En Jazz Idioma, Consejos, Transcripción | No Comments

Aprender idiomas es vital para su éxito como improvisador. Sin ella está realmente perdido. Usted puede conocer a una escala, un acorde, un concepto ... pero sin las ideas fundamentales de qué hacer con estas herramientas, podrás pasear sin rumbo por la armonía. Estas ideas fundamentales están recogidos de aprendizaje y el estudio de la lengua. Un lector escribió recientemente en "He estado transcribiendo y el aprendizaje de la lengua de mis jugadores favoritos, pero ahora me siento como que estoy simplemente repitiendo las mismas cosas una y otra vez. ¿Cómo puedo conseguir más allá de esto? " Para empezar, asegúrese de que está aprendiendo el idioma no se lame, y que usted ha pasado tiempo suficiente de hacer líneas de su propio. Si usted está haciendo las dos cosas, ya debe sentir que no estás jugando las mismas cosas todo el tiempo. Pero, ¿cómo se fija desde el primer momento la sensación como cuando se aprende una lengua pieza, usted va a abrir muchas puertas, no sólo una puerta a una línea, en una situación en particular? La respuesta está en la forma de entender la línea, y lo que haces con esa información una vez que usted lo sepa.

El funcionamiento interno del lenguaje del jazz Cuando estudias un pedazo del lenguaje del jazz, ya sea una línea que acaba de transcribirse, o es algo que aprendí hace meses, siempre te preguntas, "¿Qué hace que esta línea específica

especial?" Realmente pensar en ello y reflexionar sobre la respuesta. En algunos casos es evidente de inmediato y, en otros, puede tomar algún pensamiento más. El punto es, tiene que darse cuenta desde el principio lo que marca la línea en particular que está trabajando único. Lo que hace que funcione? ¿Cuál es la esencia de la línea? Algunos ejemplos de lo que hace una especial línea: La forma en un tono acorde se adjunta La forma en que una estructura, como una tríada o una agrupación de cuatro notas se utiliza La forma en un tono acorde se llega a Veamos algunos ejemplos. Aquí está una línea de Dexter Gordon:

Lo que hace esta línea especial? Ahora, tenga en cuenta, esto es completamente objetiva. ¿Cuál crees que es especial acerca de una línea, puede ser totalmente diferente a lo que yo pienso. Eso no importa. Es estos gustos personales que nos moldean en el reproductor que queremos llegar a ser. No hay respuestas correctas o incorrectas, justo lo que piensa sobre la base de lo que se oye. (Ejemplo 1)

Lo primero que salta a la tan especial para mí, es la caída rápida de Ab en vencer a cuatro (ejemplo # 1). El b5 en un pesimista sobre un acorde menor? ¡¡Espera espera espera!! Eso va en contra de nuestras normas teoría jazz. Tonos de acordes deben estar en tiempos fuertes, no un b5 en un acorde menor. Esto debe estar equivocados! ¿Suena mal? No, no en lo más mínimo. Es por eso que transcribir y el aprendizaje de idiomas es tan importante. Teoría de la música se puede utilizar para apoyar lo que estás escuchando y observando a través de su estudio de la música. Le ayuda a conceptualizar sus hallazgos y le da una manera de pensar y hablar de ellos. Volver a la línea. Por lo tanto, ese desvío rápido a la b5 es definitivamente algo especial y único a esta línea. Hay muchas maneras de entender lo que Dexter está haciendo aquí. Una forma sencilla de pensar en que sería como un tipo de recinto de la quinta. Apenas importa cómo lo llames, ya que su objetivo principal es simplemente "conseguir" lo que está haciendo.

(ejemplo 2)

En cuanto a esta parte siguiente (ejemplo # 2), se trata de una forma un poco especial jugadores descienden del acorde menor (D- en este caso), o podríamos decir que está usando una tríada F con una nota enfoque. Una vez más, no se deje atrapar por la teoría, sólo tiene una forma rápida de entender lo que está escuchando. Audición de ser la parte más importante de esa frase. (ejemplo 3)

En este ejemplo (# 3), he resaltado las mismas notas que antes, pero dejó la tercera nota a cabo. Bueno, aquí es donde se pone muy objetiva. Para mí, estas tres notas hacen de esta línea especial. ¿Por qué? Bueno, me alegro de que hayas preguntado. ¿Con qué frecuencia se oye llegar a la quinta de un acorde (en el tiempo 2) de esta manera? En mi estudio personal, no he visto (oído) demasiado, por lo tanto, para mí es bastante único. (ejemplo 4)

Y en nuestro último ejemplo (# 4), por encima, tenemos un único tipo de recinto de la tercera. Sin duda algo que hace que esta línea especial. Esa es la primera parte de lo que siempre hay que estar pensando en el aprendizaje de la lengua. Lo que hace esta línea especial? Martillo a casa a ti mismo que estoy haciendo con ustedes. La próxima vez que usted está aprendiendo una línea, pensar en estos términos. Una vez que comience a pensar de esta manera, la siguiente parte es donde toda la diversión viene en.

Extraer el especialismo Una vez que aclarar lo que lo especial de la línea es, puertas comienzan a abrirse. Tú eres el siguiente tarea es tomar esa esencia de la línea, y transferirlo a otras situaciones.

Estos son algunos ejemplos de cómo podría hacer esto con los ejemplos explorados anteriormente. Nuestro primer elemento de especial era que la caída rápida al b5 en el ejemplo # 1. La forma más fácil de crear nuevas líneas con un concepto como este, es simplemente usar el concepto con otro material. En esta línea, eso significaría mantener el descenso a la b5 en su línea, pero cambiando el resto de ella. El principio de la línea podría ser algo como esto:

o tal vez esto:

o podríamos dejar de lado algunas notas:

Cualquiera de estas opciones funcionaría. Todo lo que estamos haciendo es mantener la singularidad y el cambio de todo lo demás. Un punto a destacar aquí. Usted no tiene que anotar un montón de opciones diferentes. ¿Quieres practicar improvisando con estos conceptos en mente. Después de intentar hacer esto, pasar a tomar el concepto subyacente detrás de los puntos especiales, y aplicarlo de una manera nueva. Una táctica simple es utilizar el concepto tomado de la parte especial de la línea, y transferirlo a un tono acorde diferente. Un ejemplo aclarará esto. Tomando nuestro último ejemplo, # 4 ...

¿Qué pasa si se utilizó el concepto detrás de esta línea y trasladados a otros tonos de acorde? Ok, por lo que el concepto es una especie de un recinto. Tomemos ese dispositivo tipo de gabinete y transferirlo a la raíz en vez del tercero (C):

Aquí está la pieza original de la línea:

Aquí está el concepto extraído transferido a la quinta parte de C

Aquí está el concepto extraído transferido a la raíz de C

Y esto es lo que toda la línea podría ser similar con esa parte transferida a la quinta

Ajusté la línea de lo que fluye un poco mejor a la sección transferido hacia arriba. Todas estas son opciones viables. El mismo concepto, la misma singularidad de la línea original ... diferentes tonos de acordes. Y, ¿qué significan los diferentes tonos de acorde? Diferentes sonidos. Al hacer esto, te darás cuenta de que jugar a estos conceptos en diferentes tonos de acorde se abrirá completamente sus oídos y la causa que usted juegue cosas que normalmente no jugar. Usted va a terminar la combinación de cosas de maneras que nunca ha hecho antes. Y para aclarar de nuevo, estos conceptos están destinados a ser practicado a través de la improvisación. Por supuesto, usted puede escribir líneas abajo, pero la principal manera de explorar los diferentes caminos que puede tomar es a través de la improvisación con los conceptos en mente. Y antes de terminar, vamos a hablar rápidamente sobre ejemplos # 2 y # 3. En el ejemplo # 2 vimos esto:

Lo llamamos especial por dos razones. Uno, parece como si usted podría pensar que es la

parte superior de D- y en segundo lugar, contiene una tríada F. Hmmm ... parece que tenemos dos conceptos importantes que podríamos entonces empezar a aplicar. Uno, que se puede jugar de material D- sobre un acorde G7 y dos, una tríada F se puede utilizar en ciertas maneras más de un acorde G7. En el ejemplo # 3, vimos el mismo fragmento como ejemplo # 2, pero pensamos de la singularidad como las tres primeras notas: Al llegar a la quinta a través de las dos primeras notas es bastante único. Y así tenemos otro concepto que podría generar más material.

Ganar cuatro veces el idioma Realmente es así de fácil. Usted primero tiene que hacer su propia tarea y transcribir alguna lengua. Desde el comienzo mismo, empezar a pensar a sí mismo: "¿Qué hace que este lenguaje especial?" No se deje ahogado por la teoría, simplemente encontrar una manera de que usted puede consolidar su comprensión de lo que estás escuchando. Todo lo demás seguirá. Cuando usted comprender lo que hace que una línea especial desde su propia perspectiva, extraer el concepto y empezar a aplicarlo. ¡Se creativo! ¿Qué se puede combinar con? ¿Qué otras situaciones se puede utilizar en? Explorar y averiguar lo que suena bien a usted. A continuación, empezar a transferir el concepto a diferentes partes de la cuerda. Si una idea se originó alrededor de la tercera de un acorde, cómo encaja alrededor de la quinta? o tal vez el séptimo? Puede que funcione, o tal vez no. Ajustar las cosas para que hagan el trabajo, por lo que suenan bien. Diez minutos de la extracción de la esencia de una línea y aprender cómo aplicarla creativamente en nuevas formas, mientras que improvisar, será más que cuadruplicar su idioma. Y sólo te toma diez minutos para tomar una línea que ya sabes, averiguar lo que lo hace especial, y empezar a aplicar el concepto detrás de él. Con el tiempo, se sentirá como si cada línea estudias te da diez veces la cantidad de lenguaje para improvisar con.

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La importancia de la Lengua Publicado Por Forrest En 30 de junio 2010 @ 06:44 am En Conceptos, Oreja, Perspectiva, Consejos, Transcripción | 1 comentario

"Siempre estoy tratando de aprender nuevos trozos de lenguaje." - Michael Brecker Hay un montón de cosas para practicar. Lo que es realmente vital para practicar si quieres mejorar en la improvisación? Simple y llanamente: Idioma. Pasar tiempo con el lenguaje real de jazz, las grabaciones de los grandes, debe ser su prioridad número uno.

¿Qué es el lenguaje en el contexto de jazz? "El lenguaje encarna la visión del mundo de la cultura y es único a la cultura que lo creó. Refleja los valores y conceptos que se consideran los más importantes por una cultura. Un lenguaje describe la cultura que viene de ". - Noam Chomsky Recuerdo Mulgrew Miller hablar con nosotros un día acerca de cómo se ha creado el lenguaje del jazz. Ya existe. Si quieres jugar esta música, entonces usted tiene que aprender el idioma. Esta es una declaración brillante que nunca he oído a nadie más repetida de la misma manera. Todo el mundo dice que el jazz es un lenguaje, pero nunca mencionó el hecho de que ha sido creado.

Puede parecer ridículamente obvio, pero esta idea sutil transmitida en forma específica de Mulgrew me despertó a la importancia de la lengua jazz y que es algo que se definió por gente como Charlie Parker, Mareado, y el resto de los grandes del pasado. En otras palabras, me dio un indicio de lo que el lenguaje del jazz es y no es. A pesar de lo que un sinnúmero de libros y artículos de revistas dicen, el lenguaje del jazz no es escalas y acordes en su forma cruda. Toda la música occidental utiliza los mismos doce notas. La mayoría utiliza muchas de las mismas progresiones de acordes. Y la mayoría utiliza directrices similares para crear melodías. El jazz es una música particular en el gran mundo de la música, y el estilo del jazz de improvisación en la tradición bebop es aún más específico. Entonces, ¿por qué la gente piensa que todo lo que necesitan hacer es aprender las escalas apropiadas a los acordes y las "reglas" del jazz (cosas como jugar la tercera y séptima en tiempos fuertes y nunca jugar el cuarto en un acorde mayor, y la "sensación de swing ') y son buenos para ir? Un ejemplo similar sería si yo te di el alfabeto y tal vez incluso algunas reglas gramaticales, y pidió tener una conversación conmigo en americanizado Inglés. Buena suerte.

Hablar el idioma Tienes que pensar en la construcción de sus frases cuando usted habla en su lengua materna? Por supuesto no. Imagínese si usted tuvo que parar cada vez que fuiste a expresarse a pensar a través de todas las reglas gramaticales. Um esperar, es que una cláusula dependiente ... no, tal vez es una cláusula independiente? Por desgracia, muchos de nosotros están operando de esta manera dentro del lenguaje del jazz.

Aprender el lenguaje del jazz Aprender el lenguaje significa imitar, transcripción, y la comprensión de los solos o líneas enteras, y los entregaba en la memoria por el oído, mientras que el gasto un montón de tiempo de calidad de entrar en el funcionamiento interno de la música. Últimamente, he estado pasando incontables horas con grabaciones de los grandes, transcribir solos de enteros en la memoria por el oído. Un gran saxofonista Recientemente tuve una lección con, hizo hincapié en que no importa quién eres y donde quiera que usted puede estar en su desarrollo musical, nunca se puede tener suficiente lenguaje. Oigo efectos positivos en mi forma de tocar, incluso después de un corto período de tiempo. Claro que he transcribí un montón en el pasado, así que lo que estoy haciendo de manera diferente ahora? Aquí fue mi manera general antes: en su mayoría sólo líneas, de cualquier persona no necesariamente los grandes, escribiendo cosas tan pronto como pude jugar, agarrando líneas de diferentes personas con frecuencia y al azar ... Lo que estoy haciendo ahora:

La elección de todo un solista para trabajar. Esto ayuda a enfocar su tiempo inmensamente. Selección de un solo que me emociona. Tiene que ser divertido e interesante si se va a pasar tanto tiempo con él! ¿De verdad vas a encontrar en cada frase porque lo amas, o simplemente estás poniendo en el tiempo porque usted piensa que es algo que tienes que hacer? Cumplir con los maestros que inventaron el idioma. Es más fácil comenzar con un solo en su instrumento, por lo que para saxofón tenor: Dexter Gordon, Sonny Rollins, Sonny Stitt etc. Gastar mucho más tiempo con cada detalle, nota, frase, articulación, sonido ... No puedo enfatizar esto lo suficiente. Repetir cada frase una y otra vez hasta que es perfecto, entonces pasar a la siguiente frase, y luego conectar las frases. Al escuchar las frases perfectamente en mi cabeza y hacerlos más lentos en mi cabeza. Tomando frases que me gustan a través de las teclas, aplicándolos a las melodías, y experimentando con alterarlos. Entendiendo que el proceso de aprendizaje de idiomas y el tiempo imitando mis héroes es igual de importante, si no más que las notas reales y ritmos están aprendiendo. Está bien hacer lo que hacía antes, sin embargo, para entender rápidamente y hablan el lenguaje del jazz, siguiendo el procedimiento que más adelante es mucho más beneficioso. El lenguaje no es un montón de lame alguien puede escribir en un libro, que es el proceso de escuchar a & imitando a los grandes, así como el material musical, el vocabulario, jugaron. Eso es realmente importante entender. No es sólo el material en sí, sino también el proceso de la audición y imitarlo durante muchas horas, al igual que un bebé sería aprender a hablar.

A quién debe aprender el lenguaje de? "Usted es el promedio de las cinco personas que pasas más tiempo con" -Jim Rohn Ser muy selectivo de que se selecciona para aprender el lenguaje de porque se convierte en una parte de ti. Michael Brecker con frecuencia dijo que su parte superior tres eran Coltrane, Sonny Rollins, y Joe Henderson. ¿Cuánto pensamiento has realizado para que usted pasa más tiempo con?

Cuando los acordes y escalas se ajustan a la imagen "Escalas jugados en el camino musical correcta son muy emocionante y gratificante." - James Galway Además technichacl estudios, los que son de tremenda, relaciones acorde / escala no tienen un propósito muy importante y valioso, pero sólo después de tener un poco de lenguaje para trabajar. Una vez que tenga operativo idioma en el oído de su mente, usted será capaz de crear libremente frases a partir del conocimiento de las escalas y acordes, al igual que una vez que tenga una sólida comprensión de la forma de operar en el idioma Inglés, puede crear frases mezclando y coincidencia frases a voluntad sin pensar.

El aprendizaje de la lengua que te distinguirá "Ojalá la vida no era tan corto. Idiomas toman un tiempo, y también lo hacen todas las cosas

que uno quiere saber acerca de. "- JRR Tolkien A pesar de lo que puedas pensar, la mayoría de la gente no ha pasado el tiempo necesario para conseguir un asimiento firme en el lenguaje del jazz. Más bien, lo que han hecho la versión resumen del lector, o que han tomado la palabra de alguien más para lo que deben saber. Aprenda el lenguaje del jazz a ti mismo y te garantizo que tendrás un amor más profundo por esta música de lo que nunca ha tenido antes.

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Un Ladrillo a la Vez: Esa es la forma de construir un muro Publicado por Eric En 14 de enero 2013 @ 13:06 En Consejos para todos, inspiración, rutinas de práctica, Consejos | No Comments

Es un nuevo año. Supongo que eso significa que deberíamos estar haciendo algunas resoluciones ahora mismo. Nuevos comienzos, un nuevo comienzo y todas esas otras cosas buenas. Para la mayoría de la gente que hace "resoluciones" se traduce en sentarse y escribir una lista de objetivos. No es un mal ejercicio para hacer de vez en cuando y de todos modos, se siente bien ver esas grandes metas en el papel que siempre has esperado lograr. Pero, sinceramente, ¿con qué frecuencia se resoluciones realidad siguieron a través de? Usted probablemente ha hecho docenas de resoluciones en los últimos años. La mayoría de las veces estos objetivos esperanzadores simplemente caer a la cuneta y se marchitan lejos, pero de vez en cuando en realidad nos pegan con uno y completarlo. ¿Te has preguntado por qué esos objetivos son los que nos quedamos con? Al realizar esas resoluciones y se dispuso a perseguir estos objetivos es lo que realmente tiene una opción en el asunto o se trata de un juego de azar en el que sólo tirar los dados y esperar a los resultados? Para obtener la respuesta sólo echar un vistazo en el espejo retrovisor. Cada habilidad que usted posee hoy en día es el resultado de un objetivo que se logró con éxito en el pasado. Ya

se trate de un deporte, un instrumento musical o algún conocimiento especializado que usted ha adquirido, estos objetivos no se cumplieron en una sola sesión, que trabajó en ellos constantemente durante años. Desde su perspectiva de hoy puede parecer que siempre has tenido estas habilidades, pero comenzó con una inspiración y una idea y se convirtió en un objetivo definido y un enfoque disciplinado para su rutina diaria. "No hice resoluciones para el Año Nuevo. El hábito de hacer planes, de criticar, sancionar y moldear mi vida, es demasiado de un hecho cotidiano para mí ". Anais Nin ~

Jazz improvisación no es una excepción a este proceso. Como improvisadores, hacemos metas todo el tiempo. Algunos son objetivos conscientes que escribimos en un pedazo de papel y otros están inconscientes, formado en nuestra mente cuando escuchamos a nuestros discos favoritos o ir a ver espectáculos en vivo inspiradores. Algunos objetivos se llevarán a una vida entera para lograr y otros están hechos para los próximos 30 minutos en la sala de ensayo. Probablemente usted está leyendo esto ahora porque usted está interesado en la mejora y ya está listo para comenzar a perseguir su objetivo de avanzar como improvisador. Pero antes de salir corriendo a la sala de práctica con sus resoluciones de año nuevo, hay algo que usted debe considerar. Una de las principales razones por las que nuestros grandes objetivos siempre parecen caer a la cuneta está conectado directamente a nuestro modo de pensar como de entrar en la sala de ensayo. Ajuste de la meta no es el problema - tenemos el entusiasmo, tenemos la unidad, y podemos imaginar lo que queremos sonar. Son los métodos que estamos utilizando en la sala de prácticas que no están dando resultados.

Cambiar su forma de pensar la práctica Si desea ver una diferencia en los resultados de las metas que se haga tendrá que empezar por cambiar su forma de pensar. Es hora de liberarse de la conquista todo a la vez mentalidad. "Tengo que aprender 20 canciones por Viernes, tengo que transcribir todo este solo hoy, tengo que pasar por todo este libro de patrones ..." En su lugar, piense en su juego como un muro que se va a pasar todo su edificio vida. Usted no va a terminar hoy, o mañana, o incluso un año a partir de ahora. Sin embargo, lo que puede hacer sobre una base diaria es centrarse en una sola pieza de ese gran objetivo. Cada vez que entras en esa habitación la práctica eres objetivo es añadir un ladrillo a su "gran muralla" de la improvisación.

Cuando usted comienza a cabo se imagina lo que se quiere construir, se puede imaginar el producto final - estos son sus grandes objetivos. Sin embargo, para empezar a hacer progresos con estos objetivos se necesita un plan y lo que necesita para construir pieza por pieza. Para ello, se centran en un ladrillo a la vez. Un pequeño pedazo de su objetivo, un día a la vez.

Entonces, ¿qué es un ladrillo? Si la construcción de una pared sólida de las habilidades musicales es nuestro objetivo para la improvisación, a continuación, lo que sería un ladrillo individual de ese muro sea? ¿Qué haría que una pieza como esa mirada va a contribuir a la totalidad de una manera sólida? Un "ladrillo" de improvisación en la pared sería un dispositivo singular, concepto o técnica que se agrega a su juego o habilidad musical creado una pieza a la vez. Un ladrillo no es una lista de veinte canciones. No es la transcripción de todo un solitario. No está convirtiendo en un juego-a-long durante una hora o rápidamente corriendo arriba y abajo de sus escalas mayores. Un ladrillo es la identificación de una pieza específica de su meta y pasar el tiempo para dominarlo. Centrándose intensamente en que un aspecto de su juego hasta que haya arraigado ella. El logro de los grandes objetivos que se realicen como improvisador y haciendo notables progresos reduce a dominar ese pequeño paso un día a la vez. Todos los días estaba de que un ladrillo tan perfectamente como puedas.

Ejemplos en la práctica la improvisación Las cosas en nuestra rutina de la práctica que hacen la mayor diferencia en nuestro juego son a menudo muy pequeña. A veces incluso pueden parecer intrascendente. Esta es la razón por la mayoría de los jugadores se apresuran más allá de los detalles y se preguntan por qué están en el mismo nivel musical que hace un año. Pasar 30 minutos para aprender una melodía de oído? Pasar 20 minutos de trabajo en una articulación ?? Pasar una transcripción horas y memorizar 8 barras de un solo ??? ¿Estas loco? Dedicar una sesión toda la práctica a una pieza pequeña de su improvisación puede parecer ridículo y se puede sentir como que estás perdiendo el tiempo. Sin embargo, es importante tener en cuenta que una pequeña habilidad dominado será mucho más beneficioso en el largo plazo que deslizándose sobre grandes cantidades de material. Si usted se centra en y arraigar que un "ladrillo" de la información tendrá para siempre, por el contrario, esas grandes metas apresuradamente acercaron inicio a desaparecer tan pronto como salga de la sala de ensayo. Aplicar esta mentalidad de ladrillo a cada aspecto de su juego y usted comenzará lograr más goles de lo que nunca antes. Si usted toma uno de estos ladrillos y aprender a la perfección, se convertirá en una parte permanente de su pared. Será allí mañana en la sala de la práctica, de una semana a partir de ahora en una jam session, o incluso un año a partir de ahora como que está realizando. Tomemos un ejemplo de la aplicación de esta forma de pensar "un ladrillo" en su práctica diaria. Es importante hacer la distinción entre la práctica efectiva frente a la práctica ineficaz, entre la práctica que poco a poco te avanzar hacia su meta vs. práctica seudo que está perdiendo el tiempo. Tunes Aprendizaje El primer objetivo que muchos de nosotros hacemos cuando queremos ser mejores improvisadores o cuando queremos convertirnos en intérpretes más versátiles es melodías de aprendizaje. Para ello nos solemos hacer una lista de 10 - 20 melodías. Este es un buen comienzo para la definición de sus objetivos y hacer un plan de acción, pero el siguiente paso es crítico si usted va a tener éxito o no. Práctica Pseudo: La mayoría de los jugadores toman esa lista en la sala de ensayo y tratan de hacer frente a todas las melodías tan rápido como pueden. Esto generalmente significa agarrar un libro falso o la búsqueda de las láminas de plomo para cada melodía y jugar a través de cada canción en el espacio de una sesión de práctica. Al jugar con estas canciones una y otra vez con una obra de teatro-a-long, tratan de

memorizar visualmente la progresión de la melodía y los acordes y de alguna manera para mejorar en la improvisación sobre estos temas en la próxima ocasión. Pero, que "la próxima vez" nunca llega. vs. Práctica Productivo: El problema con el método anterior es que estás realmente nunca aprender la melodía en el primer lugar, apenas rozando la superficie de decenas de canciones. En vez acercarse a su meta de un ladrillo a la vez. Comience por escoger un solo tono y aprender la melodía de oído. Una melodía, una melodía - eso es todo. Pasar el tiempo para arraigar que una melodía y luego averiguar la progresión de acordes. Una vez que hayas hecho esto, entonces puede pasar a la siguiente canción. Cuando se aprende una melodía con sus oídos también recoger algunos beneficios: entrenamiento del oído, la memorización, la hora y la articulación. Usted no puede conseguir cualquiera de estos de una hoja de papel. Este método también puede exponer algunos agujeros en su musicalidad y técnica que necesitan ser mejoradas si quiere seguir adelante. Si tienes problemas para escoger una frase de la melodía que significa que usted necesita para trabajar en algún tipo de formación del oído. Comience por el dominio de sus intervalos.

Así que quieres aprender Rhythm Cambios? Digamos que su resolución para este año es aprender los cambios de ritmo. Un mes a partir de ahora usted quiere ser capaz de mantener su cuenta si alguien llama a un ritmo cambia sintonizar en una jam session. OK, este es sin duda un objetivo alcanzable, pero no va a ser alcanzado por el acaparamiento de un libro falso y una obra de teatro-a-long y pasar unos minutos en la sala de la práctica. Comience por romper ese gran objetivo en ladrillos individuales y luego construir su pieza de pared por pieza. He aquí un enfoque paso a paso para el dominio de su objetivo: 1) Aprenda la melodía de oído El primer paso es aprender una melodía de una grabación que hayas elegido. Si usted se está preguntando la mejor manera de aprender una melodía, echa un vistazo a este artículo.

No sólo tienes que tomar una lámina de plomo y tratar de memorizar, tomar el tiempo para conseguir realmente la melodía en el oído. Claro que puede tomar más tiempo para conseguir que la melodía abajo, pero de esta manera será arraigado en su oído. Este paso por sí solo hará que la diferencia entre el jugador que siempre se olvida de las melodías y el jugador que tiene la melodía memorizado desde el principio. 2) Aprenda la progresión de acordes Ahora tome esa misma grabación y esta vez va a centrarse en la progresión de acordes. Usted podría incluso tener que romper este paso para hacer un poco más fácil. En primer lugar se centran en la sección A o los primeros 8 bares. Ponga esta grabación para Trascribe! Por lo que puede ralentizar el ritmo de juego y escuchar cada acorde individualmente. Siguiente pasar al puente y averiguar la progresión dentro de estas 8 bares. Si este paso le da algunos problemas, echar un vistazo a este artículo sobre cómo escuchar los cambios de acordes. 3) Tome un solo de que te guste y transcribir una sola pieza de la lengua sobre la sección "A" Tenga en cuenta que cada uno de estos pasos no se supone que debe hacer en una sola sesión. Se puede tomar un par de semanas o incluso un mes o más para conseguir todo esto junto. Recuerde que el objetivo es dominar cada paso, no precipitarse a la siguiente melodía en su lista lo más rápido que pueda. Después de que hayas aprendido la melodía y progresión de acordes de oído, es el momento de empezar a reunir algún idioma más cambios de ritmo. Usted puede tomar algunas de las líneas de Dexter o tal vez algo más llame la oreja.

La adquisición de la lengua es un proceso continuo, siempre se puede aprender más o desarrollar el idioma que usted tiene. Así que empieza sencilla e ir de allí. 4) Transcribir lenguaje sobre el puente Ahora que tienes algo de lenguaje a más de la sección A, es el momento de centrarse en el puente. Escoja una grabación de uno de sus jugadores favoritos y averiguar lo que están haciendo por el puente.

Estos cuatro pasos son una buena manera de acercarse a cualquier tema que usted está tratando de aprender. Lo que la mayoría de la gente trata de conquistar en una sesión de práctica, hemos tomado una melodía y lo extendió más de una semana o más. Sí, se necesita más tiempo, pero de esta manera usted está realmente reteniendo información y habilidades que usted necesita aprender. Tratando de hacer frente a la melodía, la progresión de acordes, y el lenguaje transcribir en una sesión práctica puede ser un objetivo para el camino. todos estos pasos será más fácil, pero sólo si empezar de la manera correcta. Con el tiempo podrás descubrir la melodía, progresión de acordes, e incluso transcribir alguna lengua en una sesión de práctica.

Cambie su enfoque, cambiar los resultados Mejora se reduce a la forma en que usted está pensando acerca de sus objetivos. Dominar

trozos pequeños todos los días va a impulsarse hacia adelante más rápido que hacer frente a grandes metas cada vez en una luna azul. Si usted está decidido a transcribir ese solo favorito, o aprender una lista de 20 normas, o lo que su objetivo puede ser, desmontarlo y trabajar en él un ladrillo a la vez. Como improvisador quieres ser capaz de retener y utilizar la información que usted está aprendiendo en la sala de la práctica. Si estás totalmente centrado y dominar cada habilidad una a la vez, podrás llevar esta información con usted donde quiera que vaya. Esa técnica que haya practicado o que el lenguaje que has transcritos o esas progresiones de acordes que haya descubierto por el oído estará allí la próxima vez que usted se encuentra tomando un solo, ya sea dentro de un mes o de un año a partir de ahora. Las paredes se construyen muy lentamente. Apenas nos damos cuenta de que cuando la construcción está sucediendo. Un ladrillo se añade lentamente y luego otro. A corto plazo parece que se está haciendo ningún progreso. Entonces, de repente ahí está - una pared sólida. Es posible que ya has hecho algunas resoluciones musicales este año, o si no ha echar un vistazo rápido aquí para algunas ideas. Antes de entrar en la sala de ensayo y antes de dejar que otra resolución de desaparecer, recuerda que la forma más rápida de construir una pared es un ladrillo a la vez.

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Ir contra la corriente Publicado Por Forrest En 26 de septiembre 2011 @ 1:25 am En Consejos para todos, Mito, Perspectiva | No Comments

En el aprendizaje de cualquier cosa, hay una forma aceptada y el nivel de acercarse al material. Existe un método típico que surgió en el transcurso de muchos años. En muchas disciplinas, este método se produjo a través de ensayo y error, meticulosamente analizar qué técnicas han funcionado mejor para permitir a una persona para sobresalir lo más rápido y eficientemente como sea posible hacia su meta deseada. Por desgracia, en la improvisación del jazz, esto no sucedió. En el jazz, el método estándar de aprendizaje de hoy en día no surgió de la comprensión de cómo los maestros de la música aprendieron este arte, pero en su lugar desde el mundo de la academia. Estos estudios académicos enfocados en los resultados de lo que producen las leyendas del jazz y se ignoran en totalidad su proceso de cómo se enteraron. A través del estudio y análisis de aspectos comunes entre el producto final (grandes solos), estos estudios llegaron a conclusiones formales y bien ellos envasados ​en una forma digerible, por lo que el mundo de la improvisación del jazz al alcance de todos, pero el riego hacia abajo para aquellos que deseen aprender sobre un nivel más profundo. Ok, así que no es tan malo como que estoy haciendo que suene. No, no hay esta agencia corrupta a destruir el mundo del jazz y de todos sus profesionales ... aunque sería una trama interesante para una película. No es necesariamente un grupo de personas que crearon esta versión edulcorada de aprender jazz que estoy etiquetado como "los académicos".

Sin embargo, sí existe este falso paradigma, que fue creado en un ambiente académico, y lo hace estancar el proceso de aprendizaje de las personas que realmente quieren profundizar en esta materia. ¿Entonces, qué puede hacer usted al respecto?

Explora el modelo La mayor parte de la gente sigue el modelo aceptado de aprendizaje de la improvisación del jazz que yo sólo puse a discutir. Permítanme aclarar algunos aspectos clave de este modelo. En general, este modelo coloca la mayor importancia en las escalas, y más específicamente, los modos. Estas instrucciones para averiguar qué modo funciona sobre cada acorde y, a continuación, utilizar esa información como una piscina a disposición de las notas, la transición de un acorde a otro pensando principalmente acerca de qué modo está la transición a. Además de eso, este modelo hace hincapié en que si usted tiene una serie de acordes que están todos operando en la misma clave como un ii-VI, a continuación, sólo tiene que jugar en la clave tónica en toda la progresión, el ajuste de un modo de la llave a otra si se quiere, pero más o menos que usted está pensando en una clave. Podría seguir este modelo, pero para nuestros propósitos aquí, eso es suficiente. La idea es que en lo que estás aprendiendo, ya sea jazz, matemáticas, o el esquí, el primer paso es explorar los modelos existentes de cómo las personas se acercan a esta habilidad. Por supuesto que puede haber muchos modelos aceptados, en cuyo caso usted tiene su opción de decidir qué dirección tomar. En cualquier caso, explorar los modelos antes de saltar a la evaluación de su eficacia.

Averiguar donde el modelo tiene éxito y donde falla Una vez que entienda claramente el modelo actual, entonces usted puede comenzar a determinar donde el modelo se destaca y descubrir las deficiencias que existen. Para ello, pensar en cada elemento del modelo y compararlo con el éxito alcanzado por las personas que lo han implementado. Por ejemplo, el modelo que he descrito anteriormente es el camino principal que las personas se les enseña a navegar armonía de jazz y crear melodías en la improvisación del jazz actual. Pensando en este modelo y el éxito corresponsal que la gente ha logrado usarlo nos dará una mejor idea de lo que funciona y lo que no. Mucha gente (yo diría la mayor) que practican el jazz de hoy han atribuido a este modelo, sin embargo, ¿cuántos de ellos se han elevado a alturas sobresalientes? Se trata de una generalización excesiva, pero en este caso, utilizando nuestra experiencia y la lógica es todo lo que tenemos, y en mi experiencia y de mi oído, muy pocas personas que utilizan este modelo puede reproducir con soltura en incluso el más básico de canciones . ¿Porqué es eso? Es porque pensar en términos de modos de escalas ignora por completo la progresión armónica que ocurre y lo tira a la cuneta de la tradición que ha hecho de esta música: el idioma que ha creado el sonido, sentir, y el ambiente de la música desde su creación.

Todo lo que tienes que hacer es ser un observador objetivo consciente para saber que lo que se enseña en muchos libros y escuelas que no funciona, o de lo contrario todo el mundo le suena genial. Pensar en ello: Mucha gente sabe todas sus escalas en todas las teclas y puede reproducirlos en 3as, 4as, 5as, y así sucesivamente. Incluso pueden reproducir secuencias y patrones a través de ellos y saben exactamente qué acordes a usarlos más. Aún así, la mayoría de la gente cae de bruces sobre un blues. La conclusión lógica que debe llegar a es: escalas y aplicación de modos no es una forma efectiva de aprender a improvisar, por lo tanto, el modelo es deficiente. Lo sabemos. Todo el mundo practica este material estándar y no llegar a ninguna parte cerca de donde quieren estar, así que ¿por qué debería usted seguir aceptando que lo que la gente dice es cierto? El punto es, no se puede atribuir simplemente a un modelo que la gente dice es exitosa cuando la mayoría de personas que han producido resultados horrendos con él. Al llegar a esta conclusión sobre cualquier cosa, es el momento de dejar de seguir a la manada y seguir el ritmo de un tambor diferente.

Ir contra la corriente Ir contra la corriente es esencialmente averiguar cómo la mayoría de la gente hace algo y luego elegir hacer algo completamente diferente. Echemos un vistazo a algunos de los supuestos comunes cometidos en aprender jazz y ver cómo ir contra la corriente nos puede ayudar. Existen Estos supuestos en toda la educación del jazz en diversos grados. En las escuelas intermedias y escuelas secundarias, se les enseña como "el camino", e incluso en muchos colegios estos supuestos siguen arraigados en sus métodos de enseñanza. Asunción # 1 - la aplicación de modos a los acordes es una forma efectiva para pensar acerca de la armonía Asunción # 2 - líneas de aprendizaje en todas las claves crea lamer-jugadores no originales Asunción # 3 - copiando otras personas que sacrifican su verdadera voz Asunción # 4 - a sabiendas de sus acordes y arpegios con una melodía le permite reproducir lo que se oye Asunción # 5 - el equipo de las leyendas del jazz utilizan es el equipo de todo el mundo debería utilizar Así que, desde mi experiencia, he determinado que para los resultados que deseo lograr, después de explorar estos supuestos y los resultados que la gente obtiene con ellos, que

todos ellos son correctos. Si su experiencia le indique lo contrario, por todos los medios hacer lo que quieras; este ejemplo se basa puramente en mi experiencia. Sabiendo que estas suposiciones son falsas, yo conscientemente haría algo casi frente a cada uno. Asunción # 1 - la aplicación de modos a los acordes es una forma efectiva para pensar acerca de la armonía Como he detallado antes, la mayoría de la gente usa esta idea como base fundamental para su juego con resultados desfavorables. Para ir contra la corriente, en lugar de centrarse en los modos, me gustaría centrarme en el sonido de la armonía (acordes), y tratar de entender por qué cada acorde sigue el siguiente (la progresión armónica). Esto va contra la corriente, ya que elimina el foco de las escalas y la coloca en acordes; además, cambia el enfoque de ganar un montón de fuera de contexto señala jugar, escuchar y comprender lo que está pasando en composición. Asunción # 2 - líneas de aprendizaje en todas las claves crea lamer-jugadores no originales Oigo todo el tiempo y la mayoría de la gente acepta como verdadera. Usando nuestra lógica como antes, si la mayoría de la gente cree que esto es cierto y la mayoría de la gente está consiguiendo resultados pobres, entonces no debe ser verdad, y por lo tanto, debemos ir contra la corriente (recuerda, como todos estos ejemplos, son simplificaciones de mi experiencia para ilustrar un punto. Su experiencia le puede decir cosas muy diferentes y en ese momento usted puede decidir lo que usted cree). Sabiendo que la gente que dice esto no suenan tan bien, me gustaría en vez elijo aprender líneas en todas las claves. La mayor parte del tiempo, ir contra la corriente es simplemente hacer lo contrario. No podría ser más sencillo. Asunción # 3 - copiando otras personas que sacrifican su verdadera voz Desde mi experiencia, la gente que dice esto no tienen una voz a sacrificar. Muchas personas creen que este embargo. Ir contra la corriente, me pongo a copiar la gente tan pronto como pude. Asunción # 4 - a sabiendas de sus acordes y arpegios con una melodía le permite reproducir lo que se oye Wow, todo el mundo dice esto y utiliza este método. Hmmmm ... resultados favorables? No lo creo. Es hora de ir contra la corriente y encontrar otra manera de jugar a lo que se oye. Asunción # 5 - el equipo de las leyendas del jazz utilizan es el equipo de todo el mundo debería utilizar

No puedo contar cuántas veces la gente me han dicho que usted tiene que jugar en una vendimia saxo boquilla Otto Enlace a jugar de la manera que deseas. Una simple búsqueda en YouTube presentará cientos de jugadores tenor aficionado tocando la bocina lejos en sus $ 1,300 vendimia Otto Link sonar como un estudiante de tercer grado. Sin ofender a estudiantes de tercer grado, pero este supuesto deben ser falsas. Ir contra la corriente, me gustaría explorar otras opciones y centrarse en lo que funciona mejor para mis necesidades musicales, así como mi constitución física personal. Ir contra la corriente no es fácil. Nunca es fácil decir a ti mismo: "Bueno, creo que la mayoría de la gente no lo están haciendo bien y voy a decidir hacer lo contrario", pero como se puede ver con mis ejemplos más simplificada de mi experiencia, que al hacerlo así, puede llegar a métodos que en realidad no producen los resultados que desea. Una vez que usted hace un movimiento como éste, si su experiencia posterior apoya su decisión. Por ejemplo, cuando llegué a Nueva York y comenzó a aprender de gente como Rich Perry y Mulgrew Miller, mi ida-contra-los-cereales-decisiones fueron confirmadas por el conocimiento que imparten a mí. Manténgase enfocado en resultados y siempre evaluar si usted se está moviendo hacia donde quieres ir. Si no lo eres, es el momento de ir contra la corriente.

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Hey, ¿Sabes That Tune? Publicado por Eric En 10 de enero 2012 @ 16:02 En Tunes | No Comments

Es una pregunta que me preguntan todo el tiempo en conciertos, en sesiones de improvisación, e incluso en nuestras lecciones semanales. Como usted probablemente sabe, no es muy divertido cuando se ponen en el lugar y no sabe una melodía. De hecho, parece que gran parte de la motivación para nuestra práctica viene de nuestros esfuerzos para evitar esta misma experiencia de ser atrapado con la guardia baja o mirando como un idiota sin preparación. Nosotros tratamos de memorizar tantas canciones como podemos, hacemos largos listas de estándares para aprender, escuchamos y transcribimos varias grabaciones de los grandes que juegan, y en nuestro tiempo libre pretendemos revisar estas melodías y progresiones en nuestras cabezas. Sin embargo, incluso después de todas las listas, sesiones de escucha y la práctica de memorización, ¿ha hecho lo suficiente para "conocer" a esa melodía? Tome un segundo y honestamente pregúntese: "¿Qué tan bien lo que realmente sé estas canciones?" ¿Sabes lo suficientemente bien como para dar forma a interesantes solos originales? ¿Usted ha pasado suficiente tiempo en la sala de prácticas para ser libre en el rendimiento o haces la forma y la progresión se sienten como grilletes que pesan abajo? ¿Estás haciendo lo suficiente

para fumble a través de otra progresión de la melodía y acordes? Oigo músicos todo el tiempo hablar de todos los temas que conocen, pero cuando se llega a esto, la definición de "conocer" una melodía termina siendo bastante amplia. Para algunos, sabiendo una melodía significa escuchar una vez y fingir su camino a través de él en el rendimiento. Para otros, significa memorizar la melodía y la progresión después de una tarde de la práctica. Y para un raro pocos, sabiendo hora medios de práctica hasta esa melodía es el punto donde se puede jugar en todas las llaves y en cualquier tempo. Todo el mundo tiene una definición diferente de lo que significa conocer una melodía, pero la prueba real viene en el quiosco de música. ¿Qué es lo que suena como cuando realiza estas canciones? Para ver cuál es su situación, aquí hay una lista de comprobación rápida para ver si esas canciones que tienes en tu lista de temas son los que en realidad se sabe:

I. ¿Puedes cantar la melodía? Si no puede cantar la melodía de una canción, usted no sabe que - así de simple. Usted puede conocer el patrón de digitación o usted puede incluso tener una imagen clara de la hoja de plomo a fuego en su mente, pero si no está arraigada auditivamente, usted está apenas a mitad de camino. El uso de una lámina de plomo escrito a pensar en una canción es como tratar de describir un color con palabras. Usted puede obtener una idea aproximada vaga del concepto de "red" de la descripción de alguien, pero si realmente quieres entenderlo, tienes que ir directamente a la fuente y la experiencia de primera mano. Cantar la melodía para una canción que usted sabe. Parece un concepto recta hacia adelante que debe ser simple, ¿verdad? Sin embargo, este proceso es muy revelador. Ir a través de su lista de sintonizar uno a uno y cantar la melodía a cada melodía. ¿Puedes cantar a través de todas estas melodías perfectamente sin ningún tipo de notas perdidas? Son algunos más fuertes que otros? En poco tiempo, usted obtendrá una idea muy clara de las canciones que usted conoce y las melodías que usted necesita para visitar en la sala de la práctica. Usted se sorprenderá de la cantidad de gente reclamar a "conocer" una melodía y luego pensar en digitaciones, intervalos memorizados y planchas de plomo para jugar la melodía. Deje que su oído sea su guía y utilizar su técnica para apoyar lo que están escuchando, no a la inversa.

II. ¿Se puede visualizar la progresión de acordes? ¿Cuál es el acorde en la cuarta barra de Stella by Starlight? ¿Qué hace el acorde de puente para Cherokee empezar y cómo se relaciona eso con la tecla de la melodía? ¿Cuáles son los primeros cuatro bares a Aviso del Momento?

Después de tener una melodía o progresión memorizado por el oído, el siguiente paso importante es la capacidad de visualizar la progresión de acordes. El objetivo es escuchar las progresiones de acordes y más grandes jugadores no están pensando en los nombres de los acordes, ya que están improvisando, pero si pasó a detenerlos durante una actuación y pedirles que nombrar un acorde particular, que definitivamente lo saben. La razón detrás de esta contradicción, es que en orden a improvisar así debe repetir una progresión o línea tantas veces que se arraiga de manera indefinida. Si está realmente la práctica de estas líneas y melodías como debe ser, no puede dejar de aprender el nombre y la relación de cada acorde de la progresión - simplemente sucede. Sin pensarlo se puede visualizar la melodía y la progresión en su mente y el oído. La visualización es como un mapa mental de la melodía que usted sigue y uno de los ejercicios más útiles en la internalización de melodías. Sin embargo, es tentador para convertir este proceso en un ejercicio de memorización inútil donde estés recitando nombres de los acordes en orden. No caiga en esta trampa! Usted debe escuchar la melodía y los acordes en su mente, sentir su embocadura, el aire y las digitaciones que le presione en su instrumento, y recrear la experiencia general de la melodía como si estuviera realizando la misma. Esta es la visualización. Cuando usted consigue una melodía hasta el punto de que se puede jugar a través de él en su mente, usted sabrá la melodía en un nivel completamente nuevo.

III. Podría tocar la melodía y la progresión de la canción en otra clave? Otra gran indicador para poner a prueba su conocimiento y control de una melodía es jugar en una clave diferente. Sólo tiene que elegir una canción que usted sabe, elegir una clave sin relación, y ver qué pasa. En cuestión de segundos, usted será capaz de decir si "sabe" esta melodía o si usted ha memorizado los nombres de las notas y los nombres de los acordes en una hoja de plomo. Antes de comenzar, tome un segundo para visualizarlo. Escucha la melodía y ver las relaciones entre los diferentes acordes en su mente. Esto puede ser un ejercicio difícil al principio, así que recuerde que no tiene que ser perfecto en su primer intento. Comience con la melodía y trabajar hacia fuera por el oído. Podría ser tentador pensar en nombres de las notas y trabajar mentalmente las líneas a medida que avanza, pero se obligue a escuchar la forma de la melodía. Siguiente entrenamiento la progresión de acordes en la nueva clave. En la llave original que podría haber estado pensando en nombres de la nota ("G-7 a C-7 y luego F7 ..."), esto funciona en una llave, pero en una nueva, estás de suerte. Aprende a ver la progresión en términos de números y relaciones intervallic ("Start en el acorde I, a continuación, pasar a un ii-V7 de la vivienda III de acordes ..."). Con esta mentalidad, puede transponer la progresión fácilmente a cualquier otra tecla, mientras que antes, cada nueva clave sentía como el aprendizaje de una nueva melodía.

Como músicos de jazz, que estamos aprendiendo nuevas canciones todo el tiempo en la sala de la práctica. Nuestro objetivo general es crear un repertorio de melodías duradera que "sabemos" que siempre podemos confiar en el rendimiento. Nuestra definición de aprender una melodía y "conocer" una melodía determina la fuerza de este repertorio y puede hacer o romper con nosotros en el quiosco de música. La próxima vez que se aprende una canción, utilice estas tres pruebas rápidas para ver si vamos en la dirección correcta. Si no puede cantar la melodía, visualizar la progresión o la trabaja en otra clave, es hora de volver a la sala de ensayo.

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Aprenda Nuevo Material de Inmersión total Publicado Por Forrest En 13 de junio 2011 @ 06:34 am En las rutinas de práctica, Consejos, Tunes | No Comments

Una cosa que siempre quiere estar haciendo es aprender nuevo material. Las nuevas líneas, nuevas canciones, nuevos conceptos ... siempre hay algo nuevo que aprender. Predicamos la Calidad mantra sobre la cantidad en casi todo lo que escribimos. Por lo tanto, si bien es cierto que siempre quiere aprender cosas nuevas, la idea es seleccionar juiciosamente lo que quiere aprender y realmente dominarlo, en lugar de tratar de aprender un montón, de manera a medias. La forma en que nos acercamos a la práctica está estrechamente ligada a la integración con éxito nuevos materiales y técnicas a nuestro juego.

Rompiendo nuevo material en tareas más pequeñas El primer paso para aprender algo nuevo es romper esta cosa nueva en tareas más pequeñas que se pueden conceptualizar y aproximación fácilmente. Yo siempre uso esta táctica al aprender canciones. Tome una melodía y en lugar de tratar de hacer frente a la totalidad de los 32 bares, en lugar decirte a ti mismo: "Yo sólo voy a aprender las primeras 8 medidas, y realmente llegar a conocerlos por dentro y por fuera." Eso es todo lo que preocuparse. Los primeros 8 medidas. Finge que, por ahora, no existe el resto de la melodía. Una vez que domines los 8 bares durante un período de varias horas, días o incluso meses (no importa el tiempo que haga

falta. Lo que importa es la verdadera propiedad), a continuación, pasar a la siguiente 8 bares. Lo bueno de la mayoría de los estándares del jazz es que están compuestos por sólo dos secciones distintas: las secciones A y B. Esto hace que sea muy simple. Una vez que hayas dominado los primeros 8 bares, ya está el 75% del camino. O melodías que tienen ligeramente diferentes cambios de los últimos 8 bares (forma AABC), sólo tendrá que aprender a lidiar con las ligeras variaciones. Rompiendo las cosas en tareas más pequeñas que se pueden practicar fácilmente y comprender hará maravillas para tomar en nuevo material.

Aprender nuevo material a través de la inmersión total El siguiente paso para aprender algo nuevo es introducir a ti mismo a través de la inmersión total. Si estás practicando todos los días, entonces usted probablemente ha determinado una rutina de la práctica diaria que ayuda a distribuir su tiempo a diversas áreas de mejora y te mantiene concentrado en la tarea. Esta es una buena idea para el día a día en ejercicio, especialmente si usted tiene otros compromisos de tiempo. Estoy constantemente dividir mi tiempo entre diferentes avenidas de mi vida, así que tener un plan de la práctica fiable para caer de nuevo me permite hacer la mayor parte del tiempo que tengo en un día determinado a la práctica. Ahora, cuando el aprendizaje de nuevo material, en lugar de utilizar un plan de prácticas que delegados especifican el tiempo a varios temas de la práctica, es mejor centrarse sólo en la nueva idea o concepto para su sesión de toda la práctica. Inmersión total. Al pasar tiempo solamente en éste tema, su mente y los dedos mejor aceptarán esta nueva información, por lo que para la adquisición rápida y permanente. Así, por ejemplo, si yo transcribí una línea que realmente me gusta y ahora quiere aprender en todas las teclas, en lugar de hacer de éste un segmento de 20 minutos de mi sesión de entrenamientos, la primera vez que presento esta línea a mí mismo, me gustaría lugar centrarse varias horas sólo en esta línea. Yo trabajo en la comprensión de lo que hacen es la línea de un gran sonido. Jugaría con un metrónomo lentamente, tomando a través de cada tecla con paciencia, con el objetivo de escuchar la línea, búsqueda de la perfección. Cuando se piensa en ello en realidad no es mucho. Un par de horas pasadas en una idea durante unos días se llevará a esta línea de ser algo que creo que es fresco, a algo que es parte de mi forma de tocar. Aprende a ser su propio maestro y tomar sus propias decisiones en cuanto al tiempo de mantener el material en esta fase de inmersión total. Cuando yo estaba transcribiendo uno de mis primeros solos, eso es todo lo que hice. Tomé mi cuerno de la caja, giré el registro en, y traté de copiar todo lo que he oído.

Seguí así durante varios meses, la práctica más que este solo, hasta que llegué a un punto en que yo sabía que el frío en solitario. Entonces, volví a una rutina más estructurada y equilibrada de todos los días practicando durante un tiempo antes de abordar algo más en inmersión en modo completo. Use su juicio para averiguar cuánto tiempo quieres mantener algo en este estado intensamente enfocada de la práctica. Tal vez usted apaga días, algunos días sólo a trabajar en su nuevo material y otras personas que trabajan en el tono, la técnica, o una miríada de otros temas. Tú estás a cargo de tu tiempo.

La transición material en el modo de revisión y aplicación Una vez que usted toma su nueva línea, la sección de una melodía, o nuevo concepto a través de la inmersión total, usted no tendrá que pasar mucho tiempo en ella en absoluto para mantenerla al día. Por ejemplo, que solo me he referido a, después de pasar la energía tanto concentrada en él, ahora puedo revisarlo en un mísero 5 minutos. Esa es la belleza de la verdad se centra en algo hasta que lo consigue; Una vez que lo consigue, se pueden revisar en un instante y seguir ganando valor de ella con poco trabajo. Líneas transcritas son la misma manera. Una vez que realmente domina uno, puede revisar fácilmente que, trabajando en la promoción de su velocidad y precisión. A continuación, puede elegir cómo aplicar estas nuevas líneas o conceptos a otras cosas que está trabajando. Por ejemplo, podría tomar la línea que has aprendido o el concepto que trabajó a través y aplicarlo a una melodía ya sabes, lo que es parte de su rutina de la práctica diaria. La transición de nuevos conceptos e ideas para revisar / aplicación de modo a través de inmersión en modo total le obligará a practicar de manera eficiente y creativa. Usted encontrará en un corto período de tiempo, que usted va a amasar las cosas que ha aprendido muy bien y puede acceder a su antojo. Esto hace que día a día la práctica mucho más divertido y eficaz.

Aprender nuevo material Comience por romper el nuevo material en fáciles de abordar tareas. A continuación, sumergirse en la práctica sólo una línea nueva, la sección de una melodía, o concepto nuevo. Tenga en este estado de inmersión total hasta que usted piensa que usted realmente ha dominado el pequeño pedacito de la información. Entonces la transición al nuevo material o de concepto en el modo de revisión / aplicación, y agregó que como parte de su rutina de la práctica diaria. Introducir nuevo material de esta manera y que fácilmente podrá tomar lo que quieras aprender y adecuarlo a tu gusto.

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El Arte de la Enseñanza y se enseña Publicado Por Forrest En 18 de junio 2013 @ 12:58 AM En la inspiración, Jazz Educación, Perspectiva | No Comments

Acrobacia es una de las cosas más increíbles que he visto en mi vida. La destreza física necesaria para hacer incluso las maniobras más elementales está a la par con la del Increíble Hulk, mientras que la flexibilidad necesaria supera incluso a la de una bailarina. Al ver mi primera actuación cirque vivo en Montreal, La Pandilla, sabía que algún día, yo quería probarlo. Varios años después de ver este espectáculo, me encontré en un cruce, donde el ambiente tradicional y un gimnasio de entrenamiento no era yo emocionante ya. Por casualidad cizalla, en una conversación de cócteles, un amigo recién conoció mío empezó a hablar de los centros de formación de circo, donde acróbatas y trapecistas dedican incontables tiempo para su arte. Al parecer, existían estos centros de formación en todo el país, y el que ella había estado asistiendo pasó a ser justo al lado de donde yo vivía! ¿Qué mejor momento para intentar acrobacias que ahora? Con impaciencia, me inscribí en varios meses el valor de las clases.

Como pasaban los meses, pude sentirme cada vez más fuerte y más flexible. Al ser un escalador de roca mi cuerpo no era exactamente maduro para acrobacias, pero fue mejorando. Poco a poco, me fui de absolutamente horrible, que terrible. ¡Un paso en la dirección correcta! Y después de varios meses me sentí van desde terrible simplemente malo. Y ahí es donde me quedé. Malo. Mejor que cuando empecé, pero sigue siendo malo. Esto puede ser un lugar difícil para ser. No es una meseta, pero más de un abismo sin fin. Un agujero negro que nunca vamos a salir de. Si hubiera llegado a mi límite? Recientemente, llegué a la conclusión de que debo seguir adelante. Que yo no había perdido el tiempo, pero me experimentado con acrobacias, y ahora era el momento de experimentar con otra cosa. Fui a inscribirse en mi última clase y algo extraño sucedió. La única clase con el maestro de maestros que nunca había sido capaz de entrar en un lugar abierto tenía. ¿Era una broma? Esta clase de tres personas llenó meses de antelación únicamente por los estudiantes más experimentados. Pero pensé, ¿por qué no? Así que me enganchó el acto.

Un Maestro de maestros A la mañana siguiente, fui a clase. "Tu primera vez?", Dijo el maestro de maestros a mí en rota ligeramente Inglés. "Sí", respondí, sabiendo muy bien que yo estaba a punto de hacer el ridículo. Tener me levanto los brazos sobre mi cabeza, se probó por primera vez mi flexibilidad del hombro. "Jajajaja !!" Él estalló en risa incontrolable, no de una manera condescendiente, justo en el asombro que los hombros de alguien que podría ser inflexible. "Grande", pensé, "¿He de dejar ahora o más tarde?" Pero la clase ni siquiera había comenzado todavía. Como la clase continuó, el maestro de maestros me ayudó a más y más. Explicó todo lo que estaba haciendo mal y todo lo que estaba haciendo bien. Él hizo un punto para centrarse en el hecho de que tenía un montón de cosas buenas para mí. Él me dio las gemas de la información a la izquierda y derecha. Cosas que me había estado haciendo mal anteriormente estaban siendo aclaradas en cuestión de segundos con sólo sus ideas por sí solas. Cuando solicité sus instrucciones, enormes sonrisas vinieron en su rostro, "yeesss !!! Eso es todo !!! ", literalmente, podía sentir su aliento. Hacia el final de la clase, el profesor maestro me dijo que me quería estar en más de sus clases, y que él no quería ver a mi potencial desperdiciado. Espera. Espera un segundo. ¿¿¿Potencial??? Aquí yo estaba listo para dejar de fumar, y él está diciendo que tengo potencial ??? Ni que decir, que no dejé ese día. En cambio, me inscribí en más clases, traté con más fuerza, y conseguí más emocionado ... todo por el estímulo del maestro de maestros. Ese es el verdadero arte de la enseñanza. La capacidad de guiar a alguien, impartir conocimientos en base a su experiencia para ellos, y para ayudarles a desarrollar todo su

potencial. La opinión de un profesor es muy diferente a la de un estudiante de; han estado por un camino, y que han ayudado a otras personas a pie un camino. Eso les da una perspectiva única para ver en que un estudiante que actualmente es, y les permite visualizar donde el estudiante podría ser. El estudiante no tiene toda la perspectiva. Si usted se encuentra en la posición en la que eres el maestro, es su trabajo para ayudar a sus estudiantes a entender la perspectiva completa. Un profesor mío que constantemente me ayudó a comprender esta perspectiva completo era Mulgrew Miller. Al escuchar la noticia de que él no lo hizo a través de su segundo golpe, casi me puse a llorar en frente de un vagón de metro entera llena de ignorantes-pasajeros. Todavía no puedo creer que se haya ido. Mulgrew pensaba en las cosas de una manera única, que, a su vez, hizo pensar en ellos de una manera única. Nunca se dirá lo que debe jugar. Quería a averiguar cómo quería jugar cosas. Se enorgullecía de el hecho de que en William Paterson, no teníamos un "método", untodo de una sola talla única para que todo el mundo tenía que aprender a ser un músico de jazz. Quería ver a la persona viene a través. Pero, él constantemente hincapié en que el jazz es un lenguaje que ya ha sido creado y jugar jazz, usted tiene que aprender el idioma existente. A menudo había comentar que algunos niños estaban jugando un idioma, pero no necesariamente el lenguaje del jazz. Mulgrew siempre le guió en la dirección correcta y sin hacer su tarea para usted. Eso es lo que hacen los grandes maestros. Al igual que mi maestro maestro acrobacia, Mulgrew imparte conocimiento, guiado, y animó a todos los estudiantes. De hecho, no creo que jamás he oído un comentario negativo salido de su boca. Un hombre verdaderamente grande y músico, que serán profundamente perder.

Al ser un gran estudiante Ahora conseguir enseñó es el otro lado de la ecuación. Al final de un ensayo o una clase, Mulgrew comúnmente preguntó de forma de lengüeta y mejilla "¿Alguna pregunta? ... Cualquier respuesta?" Tengo una queja importante de mi experiencia con Mulgrew. Yo no le pregunté, cerca de la cantidad de preguntas que debería tener. Estaba demasiado ocupado siendo intimidado, demasiado ocupado pensando en lo que mis amigos en la clase podrían pensar, demasiado miedo de que la gente pueda saber que no sabía algo que tal vez debería. Esta aprehensión y el deseo de protegerse de la vergüenza es una gran determent a su educación. Cada vez Mulgrew preguntó si teníamos preguntas, yo debería haber sido el primero en levantar la mano. Porque todo el mundo era tan tímida, Mulgrew pediría a los estudiantes si tenían algún consejo para compartir. Sin ánimo de ofender, pero yo no quiero oír la opinión de algún

cantante de segunda categoría sobre casi cualquier cosa. Bueno, eso es un poco duro. Pero en serio. Mulgrew Miller estaba en la habitación! La opinión de quién crees que me importa? Algunos estudiantes podrían entonces seguir y seguir, elaborando en cada detalle de lo que le gusta y no les gusta, lo que me lleva a otro escollo como estudiante: ego. El primer problema que discutí - no hacer preguntas como es su trabajo - se deriva de ego también. El ego es el centro de todo. No pedimos preguntas para proteger nuestro ego, y las cosas que decimos y revelamos en nosotros mismos frente a los maestros, a menudo presente en una forma que se ven bien en los ojos de los profesores. No estoy diciendo que todos hacemos a un cien por ciento de las veces. Yo estoy diciendo que esto es una trampa que todos somos culpables de y debemos tratar de evitar, ya que está perjudicando nuestra capacidad para recopilar valiosos conocimientos de nuestros maestros. Está bien admitir que no sabe algo. De hecho, los maestros he aprendido más de, fui con la actitud que apenas sabía nada porque en realidad, eso era cierto. Tienes que aprender a bajar la guardia. Ser un buen estudiante no se trata de impresionar a su maestro, se trata de comenzar en alguna parte, aprender cosas, la aplicación de estas cosas, y demostrando amplia mejora. He aquí un pequeño secreto: es mucho más fácil de demostrar una mejora si se inicia desde un lugar honesto, un lugar honesto es uno que ilustra dónde estás realmente en el gran esquema de las cosas. Por ejemplo, muchos saxofonistas incluido yo mismo en un punto, aprendieron Giant Steps desde el principio, pero han ignorado por completo las formas básicas como el blues o cambios de ritmo. A continuación, entrar en una lección, el estudiante va a decir que están más allá de estas formas básicas y actualmente están trabajando en temas más duros como Giant Steps. Esto no es un punto de partida honesto. Por supuesto, el profesor va a pensar que eres mejor de lo que eres, pero te voy a mostrar poco o ningún signo de mejora y la mayor parte de su educación habrá sido desperdiciada. Una vez más, vamos a bajar la guardia, se inicia a partir de un lugar honesto, y que realmente va a aprender y mejorar. Recuerdo estudiantes discutiendo con mi amigo, maestro y mentor Arte Bouton sobre el tamaño de la caña. El estudiante insistió en que tenía que jugar cañas muy duros porque Coltrane tocó cañas duras. Aunque no está claro exactamente lo Coltrane tocó, este pobre chico luchó para conseguir incluso un sonido de la bocina, por no hablar, parecía que estaba a punto de explotar. Simplemente no los escuchó Arte. Recuerdo experiencias similares con Rich Perry. No importa lo que dijo Rich, algunos estudiantes podrían simplemente lo ignoran, como si fueran lo único que su consejo no se aplicaba a ellos. No puedo decir que soy libre de volver a actuar de esta manera. Todos tendemos a reaccionar a la nueva información de este tipo, especialmente si hemos estado haciendo algo de manera particular durante tanto tiempo. He oído la frase "Pero yo he estado haciendo de esta manera durante años" casi todos los días, por lo general como estoy espiar

una conversación cercana. Esto no es una forma de aprender. Si usted quiere tomar lo que un profesor tiene que ofrecer, ir con un espacio en blanco pizarra. Entienda que usted está recibiendo la oportunidad de entrar en la cabeza de la perspectiva de una persona. Acercarse a ella de esa manera y más tarde se puede encontrar la manera que desea aplicar a cada joya de la información.

El Arte de la Enseñanza y se enseña A lo largo de nuestra vida, todos vamos a encontrarnos en ambos papeles, profesor y alumno. Continuamente me encuentro en ambos. Es por eso que es importante entender cómo enseñar y cómo enseñar. Los maestros están más trabajadas, bajo pagado, y reciben menos de su parte de la apreciación. Crecer en una casa con una madre que es uno de los mejores educadores de este mundo haya visto, he sido testigo de primera mano. Sin embargo, se remontan, día tras día para ayudar a los estudiantes a sobresalir porque realmente quieren impartir conocimientos y que se preocupan por el éxito de sus estudiantes. Ellos dedican sus vidas a guiar a sus estudiantes, pasando por el conocimiento, y para ayudar a los estudiantes se dan cuenta que en realidad tienen un gran potencial. Ese es el verdadero arte de la enseñanza. Ser un gran estudiante. Es su trabajo para extraer la información, no es su trabajo para ofrecerlo en bandeja de plata. Tengo lamenta que yo no pedí Mulgrew todo lo que quería. Dejé que mi ego y el miedo al triunfo vergüenza mi curiosidad verbal. Levante la mano constantemente, preguntas de fuego en base a su deseo de conocer la respuesta, no para impresionar, y no tengas miedo si la gente piensa que eres estúpido. Puede que nunca tenga otra oportunidad para hacer las preguntas que tenía.

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Articulación: 3 Consejos para Horn jugadores Publicado por Eric En 06 de junio 2010 @ 1:50 horas En Conceptos, Consejos | No Comments

Articulación ... tonguing notas, parece un concepto bastante simple, ¿verdad? Bueno, no exactamente. Me ha llevado bastante tiempo y un montón de práctica para encontrar la manera de articular mis líneas correctamente cuando estoy solos. Si lo piensas bien, la articulación no está realmente enfocado en la educación del jazz cuando se compara con el tiempo dedicado a la enseñanza de conceptos como progresiones de acordes y escalas, pero es igual de importante es términos de aprender el estilo de jazz. Cuando empezamos a aprender el jazz desde el principio, los educadores generalmente enseñan articulación de jazz al mostrarnos una escala importante en corcheas con la segunda nota atada a la tercera nota, la cuarta nota al quinto, y así sucesivamente, con la instrucción de que pivotar es tonging los tiempos débiles y arrastrando a los tiempos fuertes:

En realidad, jugando este ejemplo sin escuchar a una gran grabación es como tratar de pronunciar Das sind mir spanische Dörfer sin escuchar pronunció por primera vez por alguien con fluidez en alemán. Con sólo una representación visual del sonido, estamos más o menos valerse por nosotros mismos. Así como debemos escuchar grabaciones y otros jugadores con experiencia para aprender las sutilezas estilísticas y armónicas de la música, que deberíamos estar escuchando a los grandes improvisadores aprender articulación. El componente estilística inherente a su articulación es una parte muy importante de su sonido y el tiempo total de sentir cuando se improvisa. En otras palabras, si su articulación no está bloqueado adentro, no importa lo que usted está jugando armónicamente se acaba de sonar apagado. Como jugar a las largas colas o navegando cambios de acordes armónicamente complejas, el dominio de la articulación toma un montón de trabajo y debe ser una parte de cada sesión de práctica. Articulación no tiene que todo el sonido de la misma sin embargo. Escuchando a algunos de sus jugadores favoritos, se hace evidente que hay muchos estilos diferentes de articulación que suenan igual de buenos. Echa un vistazo a los clips de vídeo a continuación de Clifford Brown y Clark Terry, por ejemplo. Clifford es muy elocuente, tonguing casi cada nota mientras Clark Terry utiliza su propio estilo de articulación llamada "tonguing garabato". Tanto suena realmente genial y realmente pivotar a pesar de que surgen de distintas concepciones. Al igual que el desarrollo de su propio sonido, cada uno tiene su propio enfoque personal a la articulación en base a lo que los jugadores ellos y la concepción que tienen en su mente han

influido. Como he trabajado en mi propia articulación, he encontrado que hay realmente tres áreas clave que son vitales para una línea de flujo, de balanceo; y sorprendentemente ninguno de ellos implica la lengua real. Cuando estoy practicando o solos y mi articulación no está funcionando, es siempre uno de estos tres factores que me estoy olvidando que está causando el problema:

1. Flujo de Aire Un flujo de aire constante es probablemente el factor más importante en la articulación, sobre todo cuando se juega un instrumento de viento. Para los jugadores de cuerno, el aire es igual a sonido y si se detiene ese flujo estamos de suerte. Asegúrese de que sus líneas articuladas tienen el mismo flujo de aire como una línea arrastrando las palabras con una corriente de aire continua ininterrumpida hasta el final de la línea. Una buena regla para recordar cuando la práctica de la articulación es slur la línea primero y luego articularlo, manteniendo el aire Tráfico de la misma para ambos.

2. Dedos La siguiente área importante es tener los dedos se mueven al compás de su articulación. A veces, en las teclas que son menos familiares para nosotros, nuestros dedos no se mueven de manera uniforme en el tiempo, así que cuando añadimos una articulación de la lengua y los dedos no se alinean. Incluso una ligera vacilación en los dedos puede causar un problema con su coordinación lengua / dedo. He encontrado en mi propia práctica que un problema de articulación que en un principio pensé que estaba relacionado con la lengua era realmente debido a la técnica del dedo perezoso. La solución, conseguir esos dedos en forma y asegurarse de que se balancean también. Un ejercicio que funciona realmente está empujando hacia abajo las válvulas o llaves para el movimiento será arraigado en su memoria muscular.

3. Tiempo La articulación está directamente relacionado con el estilo y la sensación de las líneas que jugamos y todo lo que improvisar debe conectarse con el tiempo que es jugado por la sección rítmica. La articulación de nuestras líneas improvisadas es muy importante para el hecho de que crea el tiempo y la sensación de balanceo de nuestros solos. Para lograr esto hay que sentir el tiempo internamente y ejecutarlo externamente con los dedos y la lengua. La mejor manera de practicar el tiempo que he encontrado es practicar lentamente con un metrónomo y luego acelerar gradualmente hasta que pueda articular con facilidad en burnin 'tempos.

La lengua En lo que se refiere a la lengua, lo mejor es que sea lo más ligero posible y dejar que el aire y los dedos haga el trabajo. Realmente, cuando estos tres factores antes mencionados están alineados, añadiendo la lengua parece un segundo pensamiento. Un error común que primero tuve estaba usando demasiado la lengua o articular demasiado lo que causó la corriente de aire se detenga. Sobre todo, asegúrese de que el flujo de aire es constante y sólo tiene que

utilizar la lengua para el acento en la línea.

Articulación Practicar El primer paso para la práctica de la articulación es recordar realidad articular. A menudo cuando practicamos escalas y la técnica terminamos arrastrando todo por costumbre, cuando en realidad podemos estar ahorrando tiempo al obtener la teoría y la práctica de la articulación del mismo ejercicio. A continuación, asegúrese de que usted está practicando con un metrónomo mientras trabaja en articulación con el fin de asegurarse de que usted está jugando en el tiempo y de balanceo. El tiempo y el estilo están vinculados directamente en la articulación por lo que es importante incluir ambos cuando usted está practicando sus escalas de modo que se conviertan en hábito. Usted tiene bastante que pensar cuando usted está improvisando, por lo que su articulación automática será de gran ayuda. Una gran manera de arraigar la articulación en su juego, además de practicar escalas y líneas con un metrónomo, es utilizar cabezas bebop como sus propias cajas de pinturas de articulación personal. Tunes como Donna Lee o Rebotando con Bud son especialmente útiles en la elaboración de su articulación en las líneas más largas. En primer lugar escuchar a los jefes de grandes grabaciones y luego copiar la forma en que las melodías se articulan. Al principio, sólo tratar de imitar lo que se oye y no piensa en cómo lo está haciendo, y luego más tarde después de que lo tienes, analizar lo que la lengua y el aire están haciendo realidad. De esta manera, usted no sólo obtiene la articulación e inflexiones hacia abajo, pero usted también será melodías de aprendizaje. Incluso puede ser útil para escribir en las marcas de articulación en una lámina de plomo para que se acuerde de ellos. y luego practicarlas hasta que son segunda naturaleza como si fuera un etude clásica.

También… Grabarte solos y practicando. Al escuchar la espalda, pregúntese: "¿Está fluyendo mi articulación y consistente a lo largo de la línea? ¿Estoy realmente balanceaba y jugando con buen tiempo? ¿Realmente suena como creo que lo hago cuando estoy jugando? Recuerde, la grabación no miente! Echa un vistazo a el libro de John McNeil El arte de la trompeta del jazz, incluso si usted no es un trompetista hay algunos ejercicios de articulación muy útiles en este libro que va más allá de la idea de usar sólo suben y descienden escalas. Aquí hay algunos bares de un ejercicio basado en el modo dórico, casi pentatónicas en la naturaleza, por lo que se entiende la idea:

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Sacar el mayor provecho de Jazz Improvisación artículos Publicado Por Forrest En 20 de julio 2011 @ 12:44a.m. En Conceptos, Jazz Educación, Perspectiva | No Comments

Recibimos innumerables correos electrónicos que expresan gratitud por Jazzadvice.com y estamos muy agradecidos por las miles de personas que visitan cada semana. Es porque ustedes (nuestros lectores impresionante) que seguimos para escribir sobre una base semanal y encontrar nuevas maneras de comunicar las cosas, tratando de ser más claro. Para nuestros lectores, un sincero agradecimiento. Pero como lector, no es fácil. Hay tantas cosas aquí y está creciendo todo el tiempo. Además de eso, usted tiene muchos recursos que se dibujan a partir de su práctica diaria, así, como los libros, dvds, maestros y amigos. Con toda esta dirección, ¿cómo se puede obtener el máximo provecho de un artículo, mientras que mantener la concentración y no se siente abrumado?

Entender la tesis del núcleo y de dónde viene Cualquier artículo, el jazz o no, tiene un punto principal u objetivo central. En general, esto se puede brillaba en el título. Mientras usted lee cualquier artículo sobre la improvisación del jazz, constantemente preguntarse cómo cada sección se conecta a esta tesis central. Una vez que entender el concepto del artículo está discutiendo, determinar qué tipo de artículo que es. ¿Se trata de entrenamiento del oído? ¿Es un concepto armónico? ¿O es sólo

algunos pensamientos que pensar? ¿Por qué clasificar un artículo como este? Al clasificar todo lo que lee sobre el aprendizaje de la improvisación del jazz en categorías, pronto se dará cuenta que la mayoría de lo que se aprende encaja en sólo un puñado de temas. En consecuencia, se sentirá menos abrumado porque con cada cosa nueva que lees, vas a entender que es sólo otra parte de algo que ya está trabajando.

Intelectualmente entender cómo hacer algo no lo está haciendo Me encanta leer sobre la improvisación del jazz y la forma de jugar. Esto puede ser un problema común, porque cuando leemos algo y entendemos intelectualmente, nos sentimos como que naturalmente adquirimos la habilidad que el autor está hablando; de alguna manera creemos que acabamos de absorber las habilidades a través de la ósmosis puro. Y después de pasar ... ¿Por qué es esto? Una excelente charla TED sobre el establecimiento de metas puede ayudar a arrojar algo de luz sobre por qué esto es. En su presentación, Derek Sivers explica cómo los estudios han demostrado por qué es beneficioso para mantener sus metas a ti mismo en lugar de decirle a un montón de gente. Los estudios muestran que cuando comparte sus objetivos con la gente, su mente es engañado en el pensamiento de que el objetivo ya está hecho, y te dan una sensación de satisfacción sin lograr el objetivo. Echale un vistazo: Del mismo modo, en mi experiencia, después de que entendemos la información de cualquier artículo de una manera teórica, entonces tenemos la sensación de que ahora tenemos un conocimiento práctico de la información discutida. Lamentablemente, esto está lejos de la verdad. Entender algo en teoría está muy lejos de ser capaz de hacerlo en su instrumento. Cuando tenía doce años de edad, podría Blab y seguir sobre la escala alterada y sustitución tritono, pero podría aplicarse con eficacia, ya sea en mi concepto la improvisación? Ni siquiera cerca. Puede sonar tonto, pero al leer acerca de cómo hacer algo no lo está haciendo. La próxima vez que hayas terminado de leer algo a ver qué pasa. ¿Toma esa información en la sala de ensayo y trabajar a través de ella durante varias semanas, o te casualmente pasar a otra cosa? Tome lo que usted lee a la sala de ensayo. Ahí es donde ocurre el cambio real.

Explora los ejemplos e ir más allá En cada artículo improvisación del jazz, por lo general hay un buen número de ejemplos, ya sea por escrito en una personal, o presentado de una manera conceptual, explica en meras palabras. Imprima el artículo y resaltar todos los ejemplos, o incluso volver a escribir los ejemplos a cabo por separado.

Además, escribir los puntos clave o extractos que disfrutó especialmente del artículo con los ejemplos para que pueda entender completamente lo que está pasando. Una vez que has pasado tiempo con los ejemplos dados y entender cómo funcionan, el siguiente paso es buscar ejemplos en las grabaciones de sus héroes. Si por ejemplo usted acaba de leer acerca Usando polirritmos, después profundamente explorar los ejemplos escritos en el artículo, escuchar de cerca a algunas de sus grabaciones favoritas y encontrar casos en los que el solista utiliza polirritmia. Cosas lentas abajo si tienes que en un programa como Transcribe para escuchar lo que está pasando, y transcribir el ejemplo de la grabación. A menudo, usted encontrará ejemplos de la idea de que es nuevo para usted en la música que ha escuchado durante años, ya que simplemente no eran conscientes de lo que estaba pasando antes. Con su nueva comprensión, a continuación, puede ver el mismo material en una luz diferente. Esto me sucede con frecuencia. Te he escuchado una grabación en particular durante diez años. Entonces, después de que empiezo a entender realmente un concepto específico, voy a estar escuchando esa misma grabación y oigo el solista hacerlo. O a veces, voy a escuchar algo que siempre me preguntaba sobre y transcribo, sólo para darse cuenta de que es el concepto exacto Acabo trabajé. Es curioso cómo funciona ...

Haga sus propios ejercicios ¿No sería agradable si había un libro que tenía todos los ejercicios que usted necesitó practicar para llegar a ser grande en la improvisación del jazz? A pesar de lo que ofrecen muchos libros de jazz, este no puede existir por muchas razones: todos queremos sonar diferente, no se puede comunicar con precisión el sonido del jazz en una página escrita, todos oír de otra manera, todos tenemos una definición diferente de lo "grande en la improvisación del jazz "significa ... Recuerdo haber estado en un campamento de jazz cuando tenía 17 años y el saxofonista audiencia Sam Rivers expreso que la única forma en que podría llegar a entrar en su "propia cosa" era crear su propio libro de ejercicios. Esa es la clave. Tome cualquier cosa que brillan de un artículo y una vez que lo esencial de su contenido, crear sus propios ejercicios. Esta es la parte divertida, pero la mayoría de la gente se pierda por completo! Estamos todos tan ocupados mirando a los demás de la forma de hacer las cosas que nos olvidamos de usar nuestra propia creatividad. Sólo hay uno de ustedes. Utilice su singularidad a su ventaja mediante la presentación de ejercicios que sólo usted cree.

Aproveche al máximo su nuevo conocimiento Toma lo que aprendiste de un artículo y lo aplica a todo lo que has estado trabajando. Lo más importante, integrarlo en tu forma de tocar aplicándolo a melodías como se describe en aplicación del concepto. Aquí es donde las nuevas ideas que usted ha estado trabajando realmente tienen la oportunidad de venir a la vida.

Así, el proceso comienza con comprender a fondo la idea central de un artículo de jazz, seguido por pasar suficiente tiempo con los ejemplos, tanto musical anotada y conceptual (escrito en el texto). Entonces, fortalecer su comprensión mediante la búsqueda de casos de cómo los maestros utilizan el concepto. Finalmente desarrollar su propia visión sobre el concepto mediante la creación de sus propios ejercicios y su aplicación a las melodías. Para terminar, en cualquier momento que has trabajado en algo nuevo, evaluar su progreso mediante la observación de cómo las superficies de su nuevo conocimiento en sí mismo a través de su improvisación. A veces se necesita más tiempo que otros; algunas cosas vendrán natural para usted, teniendo sólo unos pocos días, mientras que otras cosas pueden llevarte años para mejorar en. El legendario saxofonista Michael Brecker afirmó que a menudo le dio un período de varios meses para trabajar en nuevo material. Sea paciente y seguir trabajando en algo con el proceso descrito hasta que haya verdaderamente dominado. Sólo entonces será surgir como parte de su voz única.

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Una manera simple de Hear Intervalos difíciles: El método de 2 pasos Publicado Por Forrest En 04 de septiembre 2011 @ 22:11 En Oído, Consejos | 1 comentario

Al oír los intervalos más grandes es difícil para la mayoría de la gente. Después de un par de semanas de la práctica de sus intervalos, medias pasos, pasos enteros, mayores y menores tercios, cuartos, quintos perfectos perfectos, y las principales sextos caen en su lugar, pero los pocos que quedan en Linger, causándonos problemas para la eternidad. No hay ninguna razón por la que no podemos aislar estos intervalos más difíciles y aprender a escucharlos tan fácilmente como escuchamos en su conjunto a paso, sólo tenemos que utilizar los intervalos que ya conocemos bien como la base para aprender estos sonidos menos conocidos .

El uso de los intervalos que conoces para escuchar los más difíciles: el método de 2 pasos Así que usted puede escuchar los intervalos de unos perfectos quinto y medio paso muy bien, pero tritones (5as disminuidas o aumentadas 4ths) le dará problemas. No te preocupes. Mediante el uso de lo que vamos a llamar el método de 2 pasos, podrás comprender rápidamente tritones. La idea detrás del método de 2 pasos es escuchar un intervalo que está cerca del intervalo que desea escuchar, y luego pasar a través de un medio paso (o toda paso en algunos casos) al intervalo objetivo. Por ejemplo, si quieres escuchar un tritono y se puede oír / cantar quintas perfectas y medias medidas no hay problema, a continuación, primero te cante una

quinta justa, y luego cantar medio paso adelante. El proceso completo sería cantar una nota. Ahora canta una nota una quinta perfecta por encima. Ahora canta medio paso adelante. Ahora canta la raíz de nuevo. Se parece a esto:

Lo llamamos el método de 2 pasos, porque en dos pasos, se llega al intervalo objetivo. Después de que la práctica de la manera recién prescrito, que vamos a trabajar en un solo oído y no cantar el segundo paso del ejercicio. Cante la primera nota, oír pero no cantar una quinta justa arriba, entonces escuchar y cantar medio paso por debajo de la nota. Se ve como esto:

Una vez que usted practica este método por un tiempo, usted comenzará a escuchar sólo el intervalo difícil y ya no tendrá que utilizar el método de 2 pasos.

Los intervalos difíciles Ellos son: tritono, menor sexta, séptima menor, mayor séptima. Sólo hay cuatro! Ocho, cuando se piensa en la práctica de los dos ascendentes y descendentes, pero en serio, mucho menos difícil de lo que pensaba, ¿no? Al aislar estos cuatro intervalos en ambas direcciones utilizando el método de 2 pasos, se convertirá en mucho más sólida con todas sus intervalos.

Cómo escuchar cada uno de estos intervalo utilizando el método 2 a paso Tome cada uno de los intervalos a través del ciclo de cantar cada nota, seguido de no cantar la nota "ayudante" como se ilustra antes. Para cada intervalo tiene opciones, por ejemplo con un tritono, podrías cantar una quinta perfecta y un medio paso hacia abajo, o usted podría cantar una cuarta perfecta y un medio paso hacia arriba. Siéntase libre de probar todas las opciones a su disposición e ir con el que es más cómodo para usted. Tritone ascendente El tritono se produce entre G y C #:

Se podía oír tan fácilmente un cuarto perfecto y subir un medio paso en su lugar:

Descendente Tritone El tritono se produce entre C y F #:

... O tratar de cantar una perfecta cuarto y luego un medio paso por debajo de lo siguiente:

Sexto ascendente Menor La sexta menor se produce entre G y Eb:

... Y luego tratar quinto, seguido de un medio-paso:

Sexta descendente Menor La sexta menor se produce entre G y B:

Séptima ascendente Menor La séptima menor se produce entre G y F:

... O si es más fácil, pruebe un up octava, a todo paso hacia abajo:

Séptimo descendente Menor La séptima menor se produce entre G y F:

Mayor séptima ascendente La principal séptimo lugar entre G y F #:

Mayor séptima descendente La principal séptimo lugar entre G y Ab:

Trabajando en intervalos difíciles

Al escuchar y cantar cualquier intervalo debería ser tan fácil como un todo a paso, pero se necesita tiempo y práctica para llegar a este punto. Utilice el método de 2 pasos para cerrar la brecha en los intervalos más difíciles y van a ser mucho más fácil. Comience por escoger uno de los cuatro intervalos de tritono, menor sexta, séptima menor, mayor séptima y dominarlo a través de la técnica descrita. No es necesario ser estricto con ella tampoco. Tal vez usted va a través de uno de los ejercicios escritos y volver a la raíz, pero luego saltar arriba y abajo entre la nota de destino y la tónica un par de veces, o tal vez se utilizan diferentes combinaciones de intervalos luego anotadas. Explorar y crear ejercicios que trabajan para que usted consiga esos sonidos que operan en su subconsciente. Recuerde, hay sólo cuatro intervalos que cuelgan a secar y trabajando a través de ellos con el método de 2 pasos podrás tenerlos en ningún momento.

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Practique todo en las cuatro direcciones Publicado Por Forrest En 18 de abril 2010 @ 20:49 En Conceptos, Consejos | No Comments

Una parte importante de la práctica de la improvisación del jazz consiste en trabajar en escalas, acordes y patrones. La práctica de una manera cuidadosa le permitirá obtener el máximo beneficio en el menor tiempo posible. Por desgracia, a menudo nos quedamos atrapados en la práctica de este material en la misma incompleta manera cotidiana. Por ejemplo, es posible ejecutar hasta una escala desde el fondo de nuestro cuerno, a la parte superior, y hacia abajo de nuevo, así:

O, tal vez vamos a correr hasta la escala diatónica en segundos y revertirla bajando. Estos son buenos lugares para empezar, pero con el tiempo van a querer mezclar un poco. Sin embargo se practica actualmente, comience a practicar todo lo que en las cuatro direcciones. Casi todos los pro he estudiado nunca con hincapié en esta técnica.

Primera dirección: Arriba, Arriba Para ilustrar las diversas direcciones y cómo ir sobre la práctica de ellos, voy a utilizar las principales escalas de movimiento cromáticamente. Más tarde, voy a sugerir otras opciones que usted definitivamente quiere probar. Este primer ejemplo muestra la dirección "Arriba, Arriba". Jazz scale, up up

Comience un precio tan bajo como sea posible en su instrumento (siempre practicar toda la gama). Reproducir la escala de un ascendente octava. Luego subir cromáticamente a la siguiente escala y repetir. Continuar de esta manera hasta que haya pasado lo más alto que pueda. Ahora comienza a descender de la misma manera que ascendió, la raíz de la escala ascendente de una octava, sin embargo, ahora se moverá hacia abajo cromáticamente después de cada finalización octava. Vea el siguiente ejemplo:

Segundo Dirección: Abajo, Abajo Esta segunda dirección muestra "Abajo, abajo," y usted usará la misma dirección que antes, pero esta vez a partir de la parte superior de la escala y descendente en lugar de ascendente. Asegúrese de que una vez que llegue a la parte superior de su rango a descender en la forma "Abajo, Abajo".

Tercera Dirección: Arriba, Abajo Ahora podrás direcciones alternas de primera "Up" y luego "Down".

Cuarta Dirección: Abajo, Arriba Y finalmente podrás cambiar las direcciones alternas anteriores a "Down" seguido de "Up".

La aplicación de las cuatro direcciones Esta técnica tiene una gran cantidad de energía, ya que se puede aplicar a casi cualquier material melódico que está trabajando. Tríadas Séptimos acordes Intervalos Tríadas basado en intervalos distintos de los tercios Nota agrupaciones como el favorito de Coltrane, 1235 Escalas pentatónicas, escalas, etc. Hexatónicas

Líneas transcritas Líneas que ha creado Cualquier Escalas para el caso, incluyendo las escalas que se crean! En serio, todo. Echa un vistazo a este vídeo de Mark Turner calentamiento. Suena como que sabe acerca de la práctica en las cuatro direcciones y la forma de aplicarlos.

Cosas para Probar Movimientos Cambio de raíz - Estos ejemplos fueron Cromática (Todos Keys), Try diatónica (Sólo una clave, la exploración de sus modalidades), terceras mayores, menores tercios, cuartos (movimiento Ciclo) Vary y explorar diferentes ritmos Utilice diferentes articulaciones Practicar en las cuatro direcciones tiene enormes beneficios. Os exhorto a explorar este método simple pero potente y estoy seguro que la recompensa será bien vale la pena el esfuerzo.

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Básica Bebop rearmonización Publicado por Eric En 29 de abril 2011 @ 06:11 am En Acordes, Conceptos | Comentarios discapacitados

Si usted tomó una encuesta rápida y se le pedirá a algunas personas para describir los componentes del bebop, es posible llegar a algunas respuestas como: "tempos rápidos, un montón de notas, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, de B9, de b5, dominantes alterados, escalas disminuidas ". Si bien todos estos son el caso de la música, uno de los más alto, pero sorprendentemente simples dispositivos de bebop es el de la super-imponentes acordes más cambios existentes. Aparte de las características esenciales rítmicos y melódicos de la música, la práctica de rearmonizar cambios de acordes comunes, ya sea implícita melódicamente por el solista o declare expresamente armónicamente por la sección rítmica, fue crucial para las innovaciones del bebop. Dizzy Gillespie habla de este concepto en su libro con Al Fraser, Ser, o no ... Para Bop: Nos enteramos de lo que los compositores estaban haciendo mediante el análisis de estos temas, y luego agregamos acordes sustitutos a canciones como "Night and Day", "How High the Moon", "amante", "¿Qué es esta cosa llamada amor," y "Whispering . "Cuando pedimos prestado de una norma, hemos añadido y sustituimos tantos acordes que la mayoría de las personas no saben qué canción que realmente estábamos jugando. "How High the Moon" se convirtió en "Ornitología" y "¿Qué es esta cosa llamada Love" se convirtió en "Hot House." ...

Eso fue lo nuestro en el bebop, poniendo en sustituciones. (p.207) Muchas de las técnicas rearmonización de los músicos de la década de 1940 en torno super imponente o la sustitución de las progresiones, más comúnmente a través de la utilización de ii-V7 de, sobre las progresiones existentes de las normas tradicionales. Estas ventanas melodías tradicionales estaban compuestas predominantemente de armonías básicas: los acordes mayores (tríadas), acordes menores, y acordes V7, y contenían progresiones de acordes simples que tenían poco movimiento armónico. La progresión a continuación es un ejemplo de un acorde V7 estática se encuentran comúnmente en estos temas tradicionales:

En vez de jugar durante un sonido V7 estática durante dos bares, músicos bebop jugarían un acorde ii-7 por un bar y el V7 para la segunda barra:

O, el acorde V7 original podría ser reemplazado con su sustitución tri-tono:

Rearmonización normas Muchas de las normas que jugamos hoy son rearmonizaciones de canciones tradicionales y melodías. Los músicos han sustituido acordes y creado nuevas melodías más de estos mismo grupo de canciones durante años. Como se han explorado diferentes aspectos de la armonía a través del tiempo, se han utilizado diferentes técnicas rearmonización. La comprensión de los fundamentos de rearmonizar acordes estándar, como era común en el bebop, es crucial para la creación de largo, líneas fluidas e improvisando en un estilo moderno. Los avances armónicas del jazz se basan en el conocimiento armónico de la anterior generación de músicos. Para entender realmente esta música, debe estudiar esta evolución de la armonía y la innovación.

Sustitución V7 con ii-V7 Como muestra el ejemplo de arriba muestra, es un simple, pero importante concepto para

sustituir a ii-V7 para un acorde V7 simple y llano (E7 -> B-7 E7). Este concepto funciona igual de bien si usted está dando a entender que a través de las líneas de su solitario o en realidad rearmonizar los acordes de una melodía. Decenas de jugadores desde la era del bebop han utilizado esta técnica de manera efectiva durante incontables armonías. Los siguientes ejemplos ilustran cómo los músicos bebop utilizan este rearmonización ii-V7 sobre las canciones populares de su tiempo para crear nuevas composiciones: Susurro

Susurrando, una norma tradicional escrito por John Schonberger en 1920, se compone de acordes V7 su mayoría estáticos. Echa un vistazo a los 16 primeros compases de la progresión de acordes:

Reharm: Groovin 'High

Dizzy Gillespie 1945 basó su melodía, Groovin 'High, sobre los cambios en Whispering. Lo hizo mediante la adición de acordes suplentes para los acordes V7 estáticos, creando así una progresión con más movimiento. A continuación se presentan los primeros 16 bares de Groovin 'High:

En vez de quedarse en los acordes V7 para dos barras, simplemente pone un acorde ii-7 en la primera barra y se resuelve al acorde V7 en la segunda barra. Por ejemplo, el | D7 | D7 | en mm. 3.4 se convierte en | A-7 | D7 |. La misma técnica se utiliza en mm. 7-8 y en mm. 11-12 | V7 | V7 | se convierte | ii-7 | V7 |.

(De vuelta en casa en) Indiana

Escrito en 1917, Indiana fue un muy destacado emergente sintonía y se jugó con frecuencia por Louis Armstrong. Los cambios para los primeros 16 bares se muestran a continuación. Al igual que muchas melodías tradicionales, observe el uso de acordes predominantemente I y V7 y los dos tramos de la barra de acordes dominantes:

Reharm: Donna Lee

Donna Lee es conocido por su intrincada melodía y el ritmo rápido, pero su método de rearmonización es sorprendentemente simple. Una vez más la técnica de bebop de la sustitución de acordes V7 estáticas con ii-V se emplea:

En los puntos clave de la melodía en un acorde V7 se resuelve al acorde I, se inserta un ii-V7. Esta técnica de sustitución funciona igual de bien, si usted está insinuando una ii-V7 durante un dos barras V7 acorde (mm. 5-6) o un acorde V7 una barra (M.8). El clip de abajo ilustra esta evolución de la música tradicional al bebop perfectamente. En ella se puede escuchar Parker jugando la cabeza a Indiana y por los últimos 8 compases de la melodía que se mezcla con la melodía de Donna Lee:

Descendente Utilizando ii-V7 de Blues

Los blues de 12 compases es una de las formas centrales de jazz. El blues ha crecido desde sus I-IV-VI inicios hasta los 12 bar blues que estamos familiarizados hoy en día, y sigue evolucionando armónicamente. (Consulte este artículo en Learning the Blues para más información sobre las progresiones posibles dentro de los blues.) Cada músico e innovador ha ocupado de los blues en su propia manera única y Bird, Diz, y sus compañeros no fueron una excepción.

Reharm: Blues for Alice

Parker rearmonizada el blues por super-imponer más acordes dominantes estáticas de ii-V. Logró esto añadiendo una serie de descender ii-V, tanto cromáticamente y por todo el paso, a la progresión para añadir interés más armónico. Esto se conoce comúnmente como "Bird Blues", y se puede encontrar en canciones como Blues for Alice, Tren de carga, y los cuatro primeros compases de la Confirmación. En primer lugar, echar un vistazo a los 4 primeros compases de un blues de 12 barras "estándar" la progresión:

En los primeros 4 compases de Blues for Alice, Pájaro utiliza una secuencia de descenso del iiV7 por entero a paso:

Después de la primera barra, se inserta un ii-V7 menor de iniciar un medio paso por debajo de la tónica y continúa con ii-V'7 moviéndose por todo el paso. El objetivo de ambas progresiones es resolver en el Ab7 en el quinto bar, pero el reharm llega de una manera que crea un interés más armónico. (Esta es también la progresión a los primeros 4 bares de confirmación). Ahora echa un vistazo a los próximos 4 bares de la progresión de blues (mm 5.8.):

Y que para comparar los segundos 4 barras de un blues de aves:

Una vez más, el objetivo de la progresión es resolver en el G-7 en el noveno bar, pero la forma en que llegan a ese punto es importante. Aquí Pájaro utiliza una secuencia de descenso del ii-V7 por medio paso. Ritmo Cambios

La progresión de acordes que de Gershwin I Got Rhythm, o cambios de ritmo como se le conoce comúnmente, ha sido una de las progresiones de acordes más utilizados en el jazz. Desde que George jugó la progresión a sí mismo, como lo hace en el clip anterior, cientos de melodías se han escrito sobre estos cambios familiares.

Reharm: El Triángulo Eterno

Esta canción es de la famosa registro Sonny Side Up con Diz, Sonny Rollins y Sonny Stitt. Aquí, el puente de los cambios de ritmo se rearmonizada utilizando el concepto nuevo de descender ii-V de más de un acorde V7 estática. En lugar de la progresión normal de la V7 en el puente:

En el puente de la Eterna Triángulo, tenemos la siguiente progresión:

Por esta reharm, una secuencia de descendente ii-V7 de se utiliza para la totalidad de los 8

bares del puente. La progresión inicia un medio-paso por encima de la raíz y desciende por medio-paso hasta que el B7 final.

Tri-Tone sustitución Otro dispositivo importante utilizado por los músicos de la era del bebop era el uso de sustituciones tri-tono. Con frecuencia, el acorde V7 fue sustituido con un acorde V7 un tono triple de distancia (Db7 lugar del G-7). Esto acentúa la b5 y b9 del acorde dominante y crea una línea de bajo descendente en el contexto de un ii-V7-I: | D-7 Db7 | C |. A continuación se presentan algunos ejemplos de sustituciones tri-tono que se encuentran en El Triángulo Eterno y Groovin 'High. Eterno Triángulo Puente:

Echa un vistazo a la última barra del puente. El siguiente acorde después de este bar es Bb, el acorde que comenzar la sección A. Normalmente, usted vería un V7 o ii-V7 de la tónica, que lleve hasta el acorde I:

o

Pero, en el eterno triángulo del ii-V7 para Bb está sustituido con un ii-V7 en E, (F # -7 B7), un tri-tono de distancia:

Groovin 'High

Otro ejemplo de sustituciones de tres tonos utilizados en rearmonizaciones progresión de acordes es el noveno barra de Groovin 'High. Los acordes de partida en el noveno bar de la melodía original, susurrante, el siguiente aspecto:

En vez de quedarse en el acorde I (Eb) durante dos bares y pasar a la ii-V7 (F-7 Ab7), un iii progresión VI está implícito en los estáticos dos barras de Eb:

Bastante simple, pero en la parte superior de esta se utiliza una sustitución tri-tono para el acorde VI y el acorde V7:

El resultado es una línea de bajo cromáticamente descendente que se resuelve en el acorde I, Eb.

La incorporación de este concepto Una vez que has estudiado esta idea de rearmonización, es el momento de empezar a utilizar estos dispositivos en sus propios solos. El primer paso, por supuesto, es para transcribir y desarrollar el lenguaje sobre ii-V7s. Después de que hayas hecho esto, empezar a superimponer esta lengua sobre acordes V7. Recuerde, en cualquier momento que se ve un acorde V7 estática que puede implicar una ii-V7 sobre el acorde, incluso si no se está jugando por la sección rítmica. Este es un concepto muy importante y es uno de los fundamentos del jazz moderno. Para comprender plenamente este concepto debe estudiar los orígenes de este sonido en el bebop y entender la forma en que se utilizó para reharmonize progresiones comunes. Desde allí se puede empezar a aplicar estos dispositivos en su propio juego y en el cambio de sentido, crear sus propias innovaciones.

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3 Claves para la práctica efectiva Publicado por Eric En 15 de abril 2010 @ 04:10 am En Consejos para todos, Consejos | No Comments

1. Cree su propio espacio Como músico, el tiempo dedicado a trabajar en la sala de práctica es una parte importante del día a día en el que usted trabaja para mantener o, mejor aún, mejorar la musicalidad y técnica. Cuando la práctica es necesario encontrar un ambiente que es el más productivo para usted. Lo ideal es encontrar un lugar para arrojar en el que nadie puede oírte es la mejor; un lugar donde usted puede concentrarse en las áreas de su juego que necesitan más trabajo y no tenga miedo de sonar mal o auto consciente de que está escuchando. Esto no siempre es fácil de lograr, sin embargo, sobre todo en salas de ensayo de la universidad de música y después de ver salas de ensayo en varios colegios, parece que el mismo escenario familiar está sucediendo para los comandantes de la música por todas partes ... Después de veinte minutos de la búsqueda de una sala de ensayo abierto, finalmente encontrar una pequeña habitación con un fuera de el piano desafinado. En la sala de al lado de usted un jugador tenor está jugando continuamente los mismos tres lame más de Giant Steps tan rápido como sea posible y en la habitación en el otro lado de ustedes, el trompetista principal en la gran banda está tratando de golpear la nota más alta que puede jugar, lo más fuerte que posiblemente puede jugar. Desde algún lugar al final de la sala, por alguna razón, se puede oír un ensayando banda de rock, a pesar de que la última vez que usted marcó no había grado de bandas de rock en tu escuela. Mientras tanto, a medida que está absorbiendo todo esto, la gente camina por el pasillo, cada cinco segundos para mirar a la ventana de su habitación la práctica! ¿Suena esto como un ambiente ideal para participar en el trabajo centrado en su instrumento? En situaciones como salas de ensayo de la escuela de música donde todo el mundo puede oír entre sí, al lado de las distracciones ruidosas, la mayor barrera para la práctica efectiva es ser consciente de sí mismo acerca de cómo suena y que puede oírte. Este tipo de pensamiento puede afectar enormemente la forma en que la práctica y lo que se practica. Por ejemplo, si conocemos a otros jugadores pueden oírnos, tendemos a jugar solamente las cosas que podemos jugar bien y evitar las zonas que no suenan tan bien en. Al hacer esto, se está haciendo ningún progreso. Llegamos a ser consciente de sí mismo de lo que sonamos y lo que elegimos a la práctica, cuando en lugar debemos centrarnos en lo que necesita mejorar y hacer caso omiso de lo que piensen los demás. Hazte un favor al encontrar un espacio donde se pueden eliminar las distracciones externas y realmente trabajar en la mejora en áreas que sufren.

2. Enfoque Practicar con una actitud centrada y Confianza

Gran parte de la eficacia de tiempo pasado en la sala de ensayo está directamente relacionada con su enfoque mental para la tarea en cuestión. Esforzarse por tener una mente clara y enfocada como empiece la sesión y se concentra en cada detalle de lo que está jugando. Rápidamente se hace evidente que cuando usted se centra en cada aspecto de cada etude, patrón o la transcripción, etc., obtendrá más logrado en menos tiempo. Si usted es un jugador de cuerno, centrarse en los detalles de cómo usted está respirando, lo que su aire está haciendo cuando atacas a la nota, cómo se está articulando cada nota, tocando cada nota, el mantenimiento de un sonido completo, etc. Al hacer un ejercicio de esta manera, se logra un zen como el estado en el que su mente está completamente enfocado en la tarea a mano y usted será capaz de absorber más información que transferirá directamente a su rendimiento. Por no hablar, practicar con su mente totalmente comprometido protegerá contra el desarrollo de malos hábitos. El segundo aspecto de la parte mental de la práctica está comenzando cada día con confianza en su propio juego. Todos tenemos momentos en los que no están contentos con lo que hemos jugado o actuaciones de revisión en nuestra cabeza, a juzgar nosotros mismos negativamente. No deje que estos pensamientos negativos afectan a su enfoque en la sala de la práctica. Cada vez que usted toma la bocina o acercarse a su instrumento, tiene confianza en sus capacidades y su potencial para mejorar. Nunca permita que los resultados anteriores y experiencias que alteran negativamente su forma de pensar. Cuando se acerque a practicar esta manera, usted se está preparando para llevar a cabo mucho más.

3. Vaya con un plan ¿Cuántas veces has ido a la sala de ensayo listo para trabajar un poco y luego se encontró a sí mismo jugando junto con los registros o jugar unos largos durante todo el tiempo? Aunque se trata de diversión y le permite ser creativo, están siendo ignorados sin metas específicas se van cumpliendo y las áreas que necesitan más trabajo en su juego. Incluso con las mejores intenciones, es fácil de conseguir lado seguido cuando se encuentra en la sala de la práctica por lo que tener un orden del día antes de empezar se asegurará de que usted cubrirá todo lo que usted necesita. Comience con una rutina que lo hace todos los días que cubre los fundamentos de su juego. Como músico de jazz que no sólo hay que centrarse en la mejora de la técnica de su instrumento, sino también en el dominio de los aspectos melódicos y armónicos de la música. Todos los días, asegúrese de concentrarse en los fundamentos de la maestría musical, como el tiempo, la técnica, la articulación, la teoría, el sonido y el entrenamiento del oído. Todos estos aspectos se pueden combinar en una rutina que se puede cambiar cada semana para centrarse en diferentes claves o pautas etc. que usted piensa que necesita trabajo. El siguiente paso es establecer metas para sí mismo que son específicas, tanto a corto como a largo plazo. Pregúntate a ti mismo lo que quiere lograr en su instrumento y qué áreas de su técnica o solos necesitan la mayor mejoría. Tal vez usted quiere saber que Coltrane en solitario que siempre ha gustado, o tal vez quiera memorizar las canciones para el concierto

de la semana que viene. Tal vez algunos de sus objetivos no se logrará en el espacio de una semana y tomará más tiempo, como trabajar en el registro superior de la bocina, jugando metros o articulaciones impares en tempos rápidos, o jugar solos con líneas más largas. Escribir estas metas hacia abajo y asegúrese de trabajar en estas ideas específicas en algún momento cada vez que están en la sala de la práctica. A medida que vaya más ocupado y es más difícil encontrar largos bloques de tiempo para practicar, tener una meta específica para trabajar durante una sesión de práctica se vuelve aún más importante. Diga usted tiene solamente 30 minutos antes de la clase o el próximo compromiso. Encontrar una tarea y se centran en ella con atención a los treinta minutos que tenga. Por ejemplo, usted puede aprender una melodía de una canción o hacer ejercicio un patrón en todas las doce llaves y en este corto período de tiempo mucho se puede lograr si usted está realmente enfocado. Recuerde, sobre todo en la práctica, la calidad enfocada tiempo es mucho más productivo que pasaba horas jugando sin rumbo.

Mantenerse Motivado Después de los tres puntos anteriores le permitirá estar en el camino correcto para el uso de su tiempo de práctica con mayor eficacia, pero tenga en cuenta que incluso con gran dedicación es fácil de conseguir fuera quemado en la sala de ensayo. Como músicos de jazz, que pensamos acerca de la música y jugar prácticamente todo el día, pero a veces la motivación que falta para conseguir realmente el trabajo realizado que necesitamos. La solución es encontrar situaciones que te motivan y te pongas en ellos. Una buena manera de hacerlo es ir a escuchar sus músicos favoritos realizan en entornos en vivo. Muchas veces esto es una manera muy positiva a sentirse motivado y obtener inspiración para ideas. Otra es la de encontrar situaciones en las que están jugando con la gente que te desafían. Encuentra los músicos que están en un nivel más alto que usted o intentar jugar en un entorno más competitivo. Este es uno de los beneficios de ir a una buena escuela de jazz, la búsqueda de jugadores que también están inspirados y motivados y alimentación de su energía e ideas. Por último, encontrar un área con una gran escena de la música o tomar lecciones de un jugador que admiras. Las situaciones más motivadoras, sin embargo, son los que son frustrantes o dolorosos. Piensa en los momentos en los que jugó y no podía hacer que algo suceda en los cambios, o el ritmo era demasiado rápido, o en una sesión de todo el mundo sabía una melodía simple, excepto usted, o alguien llamó una canción en una clave desconocida. Estas experiencias me motivan a practicar más. En estos casos, sin embargo, recuerde siempre para ganar el lado positivo de las experiencias, la necesidad y el deseo de ser mejor y la fuerza de auto-motivador. Recuerde, puesto que ya está gastando un montón de derramamiento de tiempo, puede ser que también esté utilizando de la manera más eficiente posible para que pueda tener tiempo para tener una vida también! Así que con un poco de dedicación, disciplina, y algunos pequeños cambios en sus hábitos de práctica, puede hacer una gran diferencia en su juego en

un tiempo muy corto, que es lo que todos estamos después.

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5 Habilidades Usted no aprenden en la escuela, Habilidad Dos: Cómo activar Teoría de la Música en Música Publicado por Eric En 20 de abril 2015 @ 08:26 am En Acordes, Jazz Educación, escalas, Consejos | Comentarios discapacitados

¿Alguna vez has echado las manos en alto en señal de frustración tratando de entender la teoría de la música? ¿Alguna vez has encontrado a ti mismo perdido y pánico en un solitario como la búsqueda de la escala de la derecha o acorde a jugar? Muchos músicos frustrados encuentran con esta pared cada vez que tratan de tomar un solo. A partir de la improvisación fuera parece fácil. Usted acaba de recoger un instrumento, llama a una melodía, y reproducir la música que estás escuchando en su cabeza ... Sin embargo, el momento en el que tratar de crear un solo de sí mismo o improvisar en una clave difícil que rápidamente se da cuenta que es un poco más complicado. Así que nos fijamos en los libros de texto, tomar lecciones, y usted se inscribe en clases. Antes de saber que tu cabeza está llena de información de teoría de la música, pero por

alguna razón molesto que no sale en sus solos. Así que vamos a parar y pensar acerca de todo esto en términos más prácticos ... ¿Cómo es exactamente lo que a su vez que la teoría de la música en su mente en la música en su instrumento?

Aprender la teoría musical práctico Hay dos lados a la teoría de la música. Por un lado está la teoría de la música que se aprende en los libros y la escuela. La construcción y componentes básicos de la música, la teoría detrás de escalas, acordes y melodías, y la inundación de la terminología musical. Y luego está la teoría de que en realidad se utiliza cuando se está realizando. Las herramientas que tiene para la navegación acordes y progresiones, las herramientas artísticas que tiene para compartir un mensaje musical con el oyente. Información Teoría de la música está en todas partes. La verdadera pregunta que importa cuando se toma un solitario es: ¿Qué se puede hacer con esta información la teoría? ¿Cómo se puede utilizar esta información para hacer música? El obstáculo para cualquier improvisador es convertir toda esa información técnica que se aprende acerca a la música que la gente quiere escuchar.

Recuerde, la información no es conocimiento Hay algunos elementos específicos que necesitas habilitar abajo para navegar a una situación musical. ... Pero no tantos como usted podría pensar. Usted no necesita saber cientos de escalas para improvisar. No es necesario memorizar todo un glosario de terminología musical y ni pasar años en la escuela. Toda esa información puede ser útil, pero recuerde, el objetivo de un solista no es memorizar los términos y reglas de la música, es para realizarlas.

A memorizar la información sobre los hechos de la teoría de la música en las clases escolares

y privados - los nombres de las escalas, acordes Neopolitan, dominantes secundarias, reglas voz líder, cadencias engañosas, menor paralelo ... Sin embargo, el conocimiento de teoría musical se compone de las habilidades que ha aprendido y arraigada con la práctica. Son las cosas que se pueden aplicar a sus solos en una fracción de segundo cuando estás pones en el acto. Así que eche un vistazo a su propio juego. Es la teoría de la música algo que sólo existe en su mente, o es el conocimiento que ha trasladado a su instrumento? Es una herramienta para la expresión musical o una barrera a su creatividad? Aquí hay 3 pasos cada improvisador necesita tomar para convertir la teoría musical en la música:

Paso 1: Evitar este error común El error más grande que muchos jugadores hacen con la teoría de la música es el mismo pecado capital comprometido por los principiantes en cualquier campo - pasando por alto los fundamentos. "Sí, yo sé que mis escalas, me sale lo que es un acorde mayor es ... vamos a llegar a las cosas avanzado!" Pero no es tan fácil. Usted puede entender fácilmente los conceptos básicos de una habilidad en su mente, sin embargo jugar esos mismos dispositivos en su instrumento es una historia totalmente diferente. Aquí es donde usted hará sus mayores ganancias en la creación de música de teoría de la música. Usted debe transformar la teoría de la información en tu cabeza en sonido real que puede realizar en su instrumento, y el primer paso que hay con escalas. Las escalas son esencialmente una herramienta para el desarrollo de una comprensión mental y técnica dentro de las 12 teclas. Piense en ello como la descarga de forma sistemática cada llave en su técnica, sus dedos, su mente y sus oídos. Mientras que las escalas no son el secreto de la creación de un gran solo, son el primer paso en el camino hacia la reproducción de la música que estás escuchando en su cabeza. He aquí cómo practicar escalas: Comience por inculcar sus escalas mayores, escalas menores, y los modos de la escala mayor (ascendente y descendente) Practicar cada escala en diferentes intervalos (en 3as, 4as, 5as, etc.) Practique cada escala en tríadas (1, 3, 5> 2, 4, 6, etc.) Practique cada escala en 7mo arpegios (1, 3, 5, 7)

Y hacer todo esto en 4 direcciones Practique cada uno con un metrónomo, comenzando lentamente y aumentar gradualmente el ritmo de juego. Su objetivo es tener la libertad en todas las 12 teclas. Para acceder a cualquier tecla sin tener que pensar en ello, en lugar de escuchar y tener la técnica en los dedos. Cada músico sabe un par de escalas, pero pocos han pasado el tiempo para arraigar ellos en su instrumento. Y es que estos músicos que pueden utilizar libremente esta técnica para crear música en el momento.

Paso 2: Enfoque en los Acordes Cuatro claves

Cuando comience la música teoría es sólo eso - una teoría. Definiciones, diagramas y ejemplos musicales escritas en un trozo de papel. Pero usted no quiere que acabo de leer acerca de la música, que desea realizar él! Esto significa centrarse en el sonido de la música. Como improvisador el sonido que vas a escuchar a medida que crea solos son acordes ya pesar de lo que usted puede creer, no hay cientos de tipos de acordes que usted necesita para aprender - hay cuatro. Los 7 principales menor 7 Dominante (V7) 7 disminuido la mitad Así es, miles de canciones, pero sólo cuatro tipos de acordes clave. Así que aprende bien. Todo lo demás (de B9, # 9 de, acordes alterados, # de tritono, sustituciones, etc. 11) es la guinda del pastel, las variaciones de los mismos tipos de acordes básicos. La mejor herramienta que tiene para escuchar y ver estos acordes es el piano. Comience por pasar algún tiempo en el teclado que juega cada uno de estos acordes en cada llave (C Major 7, do menor 7, C7, y C Ø7 ...). ¿Y si no tienes las chuletas de piano? No hay que preocuparse, echa un vistazo a este artículo

para algunas voces fáciles. Otro gran ejercicio es tocar los acordes diatónicos en cada tecla del piano para ver visualmente la construcción y escuchar la sonoridad de cada acorde:

Paso 3: Conecta los puntos Después de haber inculcado sus escalas y que has aprendido los cuatro acordes claves en cada llave, es el momento de centrarse en la relación entre estas cuatro sonidos.

Cada tono estándar que te vas a encontrar se compone de progresiones de acordes y muchas de estas canciones utilizan las mismas relaciones de acordes común. Para empezar: Aprenda estos 6 relaciones de acordes comunes Aislar dos cuerdas a la vez (por ejemplo V7 a I o I para VI7) inculcar el sonido de cada movimiento de cuerda Visualice progresiones de acordes comunes y los acordes cambios en melodías estándar (Blues, cambios de ritmo, todas las cosas, etc.) Pasa algún tiempo extra centrándose en el sonido único y la función del acorde disminuido Medio La comprensión de la teoría detrás de estas relaciones de acordes es sólo el comienzo. Llegar al siguiente nivel, centrándose en el sonido de estos acordes en movimiento mientras

visualizas en tu mente.

Vamos a criticar… Las escuelas, los profesores, libros de texto y las clases le enseñarán la información de la teoría de la música, pero es su trabajo para transferir este conocimiento a su instrumento. Su objetivo es que el sonido de la teoría en la oreja y la técnica de la teoría arraigado en su instrumento. Para ello tendrá que centrarse en estas tres áreas en la sala de ensayo: Escalas - dominan en tu instrumento en todos los tonos y en todas las variaciones! 4 Acordes clave -. Major, 7 menores 7, dominante (V7), y media disminuyó Ø7 jugar cada uno de estos acordes en cada tecla del piano para oír el sonido único de cada estructura. Progresiones de acordes - Estudiar las relaciones entre los cuatro acordes principales y trabajar en ellas en los 12 llaves. Utilice el piano como punto de partida y visualizar las progresiones más comunes en su mente. En el calor de rendimiento que no desea ser pegado a pensar acerca de cómo jugar una escala o las notas de un acorde, quiere centrarse en el sonido de la música en su propio camino creativo. Estos tres pasos proporcionarán una gran base para convertir los datos y cifras de la teoría musical en la música, pero para comenzar a crear la música que estás escuchando en su cabeza que necesita tres herramientas más esenciales ... Y eso que vendrá en las próximas entregas de Los 5 Habilidades Usted no aprenden en la escuela!

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Cómo activar Teoría aburrido en su próxima brillante solitario ... Publicado por Eric En 05 de noviembre 2015 @ 24:17 En Acordes, Consejos | Comentarios discapacitados

Usted puede pensar que usted sabe solfeo ... Y es probable que estés dispuesto a apostar dinero bueno que usted conozca los acordes de sus canciones favoritas. La mayoría de los músicos haría ... Diablos, hace unos años me has mirado a los ojos y dijo, sin duda, que yo sabía que toda la teoría de la música que necesito saber. Pero aquí está la cosa - Como músico de realizar sabiendo estas cosas no es lo suficientemente bueno ... Para crear su propia música en frente de una audiencia, usted tiene que transformar este conocimiento mental en la vida y de sonido de respiración. ¡Tienes que ser capaz de jugar en su instrumento.

¡Tienes que ser capaz de improvisar con él. Y para llegar allí hay que hacer algunas cosas muy específicas ...

¿Cómo aprender cualquier cosa en 3 pasos En nuestro último mensaje, descubrimos los elementos esenciales de la teoría del jazz que usted necesita saber. Pero esta información sólo es útil si se puede hacer algo con él en sus solos. Hoy vamos a mostrarte cómo transformar esos elementos de la teoría de jazz o aquellas melodías que está aprendiendo en conocimiento utilizable. Para conseguir que desde el punto de "saberlo" hasta el punto de improvisar con él. Y este proceso tiene 3 pasos ... Para cualquier cosa que usted quiere aprender los pasos son los mismos: memorización, repetición y Visualización. Podría ser una escala que estás aprendiendo en sus clases particulares, un acorde complicado en un gráfico de banda de jazz, o los cambios en un tono que usted está tratando desesperadamente de aprender antes de una actuación ... Si desea dominarlo tienes que ir a través de estos 3 pasos.

Cada paso del proceso es de vital conectado a cualquier otra medida. Para memorizar información que necesita para repetir una y otra vez, y repetirlo debe visualizar en su mente ... El objetivo de este proceso es para arraigar rápidamente cualquier información musical que te encuentres. De esa manera usted no tendrá que pensar en los aspectos prácticos de la música cuando se realiza, puede centrarse en ser creativo y divertirse. Vamos a romper el proceso de abajo ...

I) La memorización

Usted probablemente ha memorizado las tablas de multiplicar en la escuela ... Y había una razón específica para ello. Cuando se trataba de resolver problemas matemáticos complejos que podría producir de inmediato un resultado sin tener que gastar tiempo crujido números preciosos. Y lo mismo es cierto para la música. Para reproducir un gran solo es necesario tener alguna información básica arraigada. De esa manera cuando estás poner en el lugar que no está pegado a pensar en las notas de una escala o los nombres de los acordes. Este proceso comienza con la memorización. Ya sea en teoría, melodías o los solos que estés transcripción, el objetivo es obtener esta información en su oído y su mente. Hasta el punto donde se puede cerrar los ojos, piensa en él, y jugar sin ningún tipo de música. Porque podría acercarse a ti y decir "Hey desempeñar una escala mayor Ab" o alguien en una jam session podría decir "¿Conoces esta canción ...?" ¿O es posible que se entregó un solo en la clave de C # ... En cada situación es necesario tener algo para jugar. Así que ¿por dónde empezar? Si usted desea tener una base sólida para sus solos usted debe comenzar por la memorización de la información siguiente:

Piense en ello como una biblioteca de información esencial que se puede producir de inmediato en su mente en una fracción de segundo. Son las cosas que vas a confiar en cuando usted no tiene toda la música y no sabe la melodía. Pero recuerde, la memorización es solamente el primer paso ...

II) La repetición

La parte de la teoría de la música o canciones de aprendizaje que se llevan a cabo la mayoría de los jugadores de vuelta no es una comprensión mental ... ... Es la transferencia de la información a sus instrumentos. La mayoría de los jugadores "conocer" sus escalas o acordes y que pueden recordar la melodía de una canción, pero no tienen hasta el punto en el que puedan improvisar solos con ellos. Usted ha memorizado la información, pero ahora tiene que salir de su instrumento. Y esto viene de la repetición. Esta parte de la práctica no es glamorosa. Eres tú en una sala de ensayo repitiendo una idea musical 10, 20, 30 veces seguidas hasta que lo haga bien.

Repetición de que una escala o acorde o melodía hasta que usted no tiene que pensar en ello, hasta que esté arraigada en sus dedos.

Por ejemplo, digamos que el acorde F # 7 te da algunos problemas. Cada vez que se encuentra con este acorde en una melodía de su mente dibuja un espacio en blanco. Usted no puede verlo, tienes que pensar mucho en ello, y los dedos parece que no puede encontrar las notas correctas.

Si sólo tuvieras un minuto para pensar en ello se podía jugar algo, pero cuando estás en un aprieto en el rendimiento se congela cada vez! No te preocupes, aquí está cómo solucionar este problema con la repetición ...

* Repetir cada intervalo hasta que esté arraigado. Comience lentamente y aumentar gradualmente el ritmo de juego. Continúe hasta que se puede jugar todo el arpegio sin pensar en las notas.

El objetivo es que este acorde en su memoria muscular, oír un F # 7 de acordes y de inmediato tienen los dedos van al lugar correcto. Utilice la técnica de la práctica de la repetición para la: Escalas que estás aprendiendo Acordes en las melodías que está aprendiendo El lenguaje del jazz o de líneas que ha transcrito Melodías a melodías difíciles como Donna Lee y cajas de pinturas técnicas

III) Visualization

Para improvisar así, usted necesita ver a grandes porciones de la música a la vez. No sólo un acorde o escala, pero toda una progresión, una clave de todo. Los grandes improvisadores que le gusta escuchar no sólo estaban pensando en un acorde, fueron la arquitectura de un solo de más de una canción entera. Y esto requiere previsión. Usted necesita ver esta información en su mente. Para poder visualizarlo. En la sala de la práctica debe crear un mapa mental en la mente de los acordes, escalas y melodías que se van a improvisar sobre. Imagina una actuación en la que eres capaz de ver y anticipar las notas de cada acorde, donde se pueden ver las líneas que desea que improvisar. Este es el poder de la visualización. Llegar a este punto sin embargo, requiere una combinación de los otros dos pasos - usted debe saber la información y usted debe ser capaz de jugar de inmediato. Si digo Ab7 usted debería ser capaz de ver que la cuerda en su mente. O si digo II- V7 I en F # usted debería ser capaz de ver que la progresión en una fracción de segundo ... Y si llamo a los Blues en B debe ser capaz de ver que la progresión de acordes en su mente:

Intente lo mismo con los tonos de acordes, progresiones de acordes comunes en los 12 llaves o incluso la progresión a canciones como Giant Steps. Si necesita más práctica con esto, echa un vistazo a nuestro nuevo ebook Visualización de Jazz Improvisación. En su interior encontrará ejercicios que abarcan: Tonos de acordes Acordes Progresiones del acorde comunes Jazz Standards El Jazz Idioma En Las 12 Claves La gran cosa acerca de la práctica de la visualización es que se puede hacer en cualquier lugar. Cuando usted está sentado en el sofá o en la cama por la que se puede revisar las escalas en su mente o ejecutar a través de la progresión de acordes de las canciones que usted está practicando.

Comience en la sala de la práctica de hoy Como músico creativo, hay un montón de información por ahí que usted necesita saber. Pero recuerde, para cualquier cosa que usted quiere aprender todo se reduce a 3 pasos. No ha dominado cualquier pieza de información musical hasta que: Usted sabe la información (M emorization) Se puede jugar en su instrumento (R ePetition) Se puede ver en su mente (V isualization) Darle una oportunidad con las escalas que está aprendiendo, las canciones que estás memorizando, y los solos que está transcribiendo. Es probable que usted haya memorizado la información, ahora es el momento de llevarlo al siguiente nivel!

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Cómo aplicar el Jazz Idioma que Usted ha transcrito Publicado por Eric En 09 de noviembre 2011 @ 24:11 En Jazz Idioma, Consejos, Transcripción, Tunes | No Comments

Así que ha transcrito algunas líneas ii-V. Usted incluso ha aprendido algunos solos de nota por nota directamente desde el disco, pero, a pesar de sus esfuerzos, no estás viendo los resultados que espera. Transcribir las líneas de tu jugador favorito no te transforma en el gran improvisador que todo el mundo había prometido. Al final del día, la improvisación sigue siendo tan difícil como lo era antes. Bueno, ¿cuál es el problema? ¿Es la transcripción sólo otro ejercicio inútil distraernos de cada vez mejor como improvisador? De ningún modo. La transcripción es sólo el principio, una mera introducción a un proceso en profundidad que es vital para su mejora musical. Averiguar las notas de un solitario es un primer paso importante, sin embargo, si se detiene allí que se está perdiendo el punto. Claro, usted puede analizar las notas y acordes que has descubierto y escrito, pero hágase esta simple pregunta: ¿Quieres ser un teórico de jazz o un improvisador de jazz? Si su objetivo es mejorar como improvisador, usted necesita tomar este lenguaje transcrito a un nivel completamente nuevo. Esto puede venir como una sorpresa para aquellos que han suscrito a la creencia de que escribir solos es el comienzo y el final de la práctica del jazz. Si desea que este idioma sea útil en sus solos, usted debe aprender a aplicarla. A continuación se presentan tres pasos que le permitirá tomar el lenguaje que ha transcrito y aplicar de manera eficaz a cualquier situación musical.

I) hacer el trabajo de preparación El simple acto de transcribir una línea o memorizar un solo de no mágicamente hará un mejor improvisador. Esto es lo que la gente no le están diciendo en las escuelas o en los libros de instrucción. Para mejorar, en realidad se tiene que hacer algo con esta información que ha reunido a partir de los registros. Antes de poder comenzar a aplicar el lenguaje que ha aprendido a su juego todos los días, lo que necesita hacer algún trabajo de preparación. Esto es sencillo y la práctica sencilla que tendrá enormes beneficios en el futuro. Usemos un ejemplo para ilustrar este punto. Digamos que usted está en Dexter Gordon y ha estado mirando su forma de tocar el Lady Bird:

Hay un montón de grandes líneas para robar de todo esto solo, pero digamos que le gusta en especial la línea II-V que Dexter juega al final de su primer coro (0:53 segundos en el video):

Esta es una gran línea, sino simplemente saber un solo ii-V en una de las claves, que se puede utilizar en una melodía no va a ser tan útil para su juego en general. Sin embargo, si lo hace un poco de preparación para arraigar esta línea, podrás aplicarlo a cualquier situación musical que te encuentras - y que es útil. Para cualquier línea, siga estos tres sencillos pasos para arraigar su idioma para siempre:

1) Obtener información en las 12 teclas No se puede aplicar el lenguaje como un improvisador si sólo sabe que en una de las claves. Por lo tanto, el primer paso para la creación de lenguaje útil es desarrollar en las 12 teclas. Esto puede tomar un poco de tiempo y esfuerzo, pero las recompensas por su trabajo son enormes. Tome esa línea que has aprendido y moverlo por semitonos o llevarlo alrededor del ciclo, lo que funcione para usted, siempre y cuando usted está consiguiendo abajo en todos los tonos. Asegúrate de pasar algún tiempo extra en esas claves difíciles y comenzar lento para garantizar el 100% de precisión. 2) Conseguir a la velocidad Una vez que tenga la línea en todos los tonos, es el momento para empezar a recibir la línea a la velocidad. Los más tempos que se puede jugar en estas líneas, más situaciones que pueden aplicarlos a. Por ejemplo, la línea de Dexter que antes transcrito trabaja para una de cuatro barras ii-V. Sin embargo, de ser de diferentes formas y tamaños en las normas que amamos ii-V jugar: cuatro barras de dos barras de ii-V, ii-V, sin resolver de ii-V, implícita ii-V, etc Si usted trabaja en tempos más rápidos, usted será capaz de aplicar esta línea a cualquiera de estos ii-V, tal como una línea doble de tiempo en una de dos barras ii-V se muestra a continuación:

3) Repetir, repetir, repetir El aprendizaje de estas líneas en todos los tonos y en una amplia gama de ritmos es un gran comienzo, pero que realmente arraigar ellos y finalmente aplicarlas, debe utilizar la repetición. Practique estas líneas una y otra vez hasta que usted no tiene que pensar en ellos para reproducirlos.

II) Aplicar este lenguaje para melodías Ahora que tiene este lenguaje arraigado que es hora de que realmente se utilicen en su día a día de juego. La forma más eficaz de hacerlo es aplicar esta lengua al ritmo que usted está trabajando. Este paso es absolutamente esencial para la creación de lenguaje útil. Si bien la práctica de una línea en varias ocasiones es necesario arraigar ello, este tipo de práctica no va a cambiar la forma en que se improvisa. Para evolucionar como solista es necesario aplicar estos conceptos en tiempo real a las situaciones reales que le están dando problemas. He aquí un ejemplo. Si usted está trabajando en la improvisación más de un blues de doce

compases en G, tomar ese Dexter línea II-V que has estado trabajando y aplicarlo en todas partes usted puede. En cada punto de la progresión que tiene un ii-V escrita o implícita, inserte su línea:

Tratar este proceso como un ejercicio de práctica o un etude. Usted no está realmente improvisar aquí, en lugar de aprender a aplicar el lenguaje en áreas clave y inculcar el sonido de estas líneas en su oído. Como se puede ver en el ejemplo anterior, se utilizó la línea en dos claves diferentes y en dos ritmos diferentes. Cuanto más que usted ha hecho el trabajo de preparación y arraigada esta lengua, más versátil que se convertirá con ello. Al aplicar este lenguaje para melodías, que estás escuchando estas líneas en un contexto real y el desarrollo del lenguaje que algún día se convertiría en su cuenta. Aplicar cualquier idioma que usted ha transcrito (mayor, menor, V7, de ii-V, de menor ii-V) a cualquier norma que se está trabajando.

III) Aplicar este lenguaje de formas nuevas Cuando se transcribe una línea II-V no tiene que sólo se aplica a una progresión II-V, se puede aplicar a cualquier número de situaciones armónicas. Reproducción de las líneas que ha transcrito sobre las mismas progresiones de acordes puede envejecer muy rápido. Explora tomando el idioma que usted ha transcrito y aplicarlo en formas nuevas y diferentes. Por ejemplo, tomar la línea II-V de la Dexter en solitario de nuevo. En lugar de solamente de insertarlo en los ii-V progresiones de los temas que está trabajando, aplicar este lenguaje a tantas situaciones armónicas diferentes como sea posible. En lugar de otro ii-V en C, intente reproducir la misma línea sobre un acorde G7sus:

O un A-7 (haciendo hincapié en la b13):

Incluso un Fmaj7 # 11:

Simplemente toque el acorde en el piano y jugar la línea en la parte superior de la misma. El pequeño acto de alterar el fondo armónico puede cambiar completamente el carácter de esa línea y usted comenzará a escuchar nuevas posibilidades para este idioma. Haga lo mismo con el contenido rítmico de una línea, inserte recintos, comience en diferentes partes del ritmo, alterar u omitir notas, utilizar algún espacio, se combinan partes de esta línea con piezas de otras líneas que usted ha aprendido, las opciones para la variación son infinitas. El objetivo es hacer que la línea de su propio.

Empezando Aprender líneas y solos por el oído es esencial para el aprendizaje del lenguaje del jazz, pero recuerda, averiguar las notas es sólo el primer paso. Por inculcar este lenguaje y su aplicación a las melodías que usted está en ejercicio, usted comenzará a ver una mejoría en su improvisar inmediatamente. Es muy fácil para empezar con este proceso. Simplemente tome una línea que has transcrita, hacer el trabajo de preparación, y aplicarlo a una melodía que le está dando problemas. Esto es algo que usted puede hacer en la sala de la práctica de hoy y en muy poco tiempo tendrás un lenguaje que se puede utilizar en cualquier solista. Si improvisando más de progresiones de acordes sigue siendo un problema difícil de alcanzar para usted, dar a este proceso una oportunidad. No es más trabajo, entonces usted está poniendo en la sala de la práctica ahora, es sólo más eficaz y en muy poco tiempo, verá resultados concretos en su improvisación diaria.

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Cómo aprender completamente una melodía en 30 minutos Publicado por Eric En 31 de enero 2012 @ 13:19 En Oído, Consejos, Tunes | Comentarios discapacitados

Todo el mundo habla de temas de aprendizaje. Quiero decir a todo el mundo. Es el hilo común que aparece en sesiones de improvisación, en conciertos, en las escuelas de música y en las conversaciones con grandes jugadores. Oye, ¿qué tono quieres jugar el próximo? ¿Conoces esta canción? ¿Qué canciones estás trabajando? Realmente necesito aprender esta lista de canciones ... No es de extrañar entonces que muchos jugadores a desarrollar rápidamente una ansiedad sobre temas de aprendizaje y temor todo el proceso. Lo que antes era un proyecto de la diversión en la sala de la práctica se convierte poco a poco en una tarea larga interminable que nunca parece terminar.

Durante años me he quedado atrapado en este cuadro mental, obligándome a memorizar sintonía después de sintonizar a partir de un trozo de papel. Yo de alguna manera nunca supe suficientes melodías todavía pasé incontables horas tratando de forzar la alimentación de estas melodías en mi cerebro. Y cuando se trata de la realización de estas canciones, que estaba colgando en esas imágenes mentales en la página como un nadador varados aferrarse a un salvavidas. Si yo no podía pensar en los nombres de las notas que memorizada o esa secuencia de digitación, no tenía nada para mantenerme a flote. Esto no es ideal para cualquier músico. Cuando usted está aprendiendo en una situación como ésta, la construcción de un repertorio sólido puede parecer una tarea imposible. E incluso cuando usted se las arregla para aprender una canción, ¿estás seguro de que realmente lo sepa y recuerde que? Si esto suena familiar, usted probablemente ha tenido el mismo pensamiento a menudo tenía: Tiene que haber una mejor manera de aprender melodías ...

Llegar a la raíz del problema Los jugadores que tienen problemas para aprender, memorizar y retener canciones son las mismas que entran en la sala de ensayo con una página del libro de verdad y tratan de cometer esas notas y símbolos de acordes a la memoria. Usted puede ser capaz de obtener las notas en su memoria a corto plazo y realizar una vez, pero no vamos a recordarlos durante mucho tiempo. La trampa escondida con este método es que usted no tiene ninguna conexión con la música; no es una melodía que usted sabe de memoria, que es una cadena de digitaciones memorizados y recuerdos mentales nebulosos. Recuerde, en el calor del momento la memoria mental de corto plazo se va por la ventana. Si no está arraigada en su oído o su memoria muscular, que no va a salir de su instrumento. ¿Entonces por qué está memorizar melodías tan difícil? Bueno, el problema no es con su capacidad de memorizar la información, es la forma en que está entrando la información desde el principio. Las melodías que estás tratando de aprender nunca se completamente arraigados en el primer lugar. Ni siquiera da su memoria una oportunidad para captar esta información musical. No tratar temas como un viejo, la información seca llanura impersonal, como una forma de impuesto que estás memorizando de un pedazo de papel. Tratarlo como algo que te gusta. Conectar con el interés, la emoción y la emoción que te llevó a la música en el primer lugar. La música es personal y divertido y se conecta con todos sus sentidos. Así que le quita todo el desorden mental, deshacerse de las presiones externas y sólo se centran en la música! Hacer una conexión mental, auditiva y física al ritmo que está

aprendiendo y verá de inmediato una gran diferencia. Si te acercas a ella de esta manera, usted puede aprender una melodía en un sorprendentemente corto periodo de tiempo. A continuación he esbozado los 3 pasos que usted debe utilizar para aprender melodías si quiere bajarlos para el bien, e incluso mejor que le llevará 30 minutos o menos.

I. Pre-escucha

5 minutos centrados en el inicio de su práctica (y en lo posible fuera de la sala de ensayo) Pre-escucha simplemente significa alguna centró escuchar la melodía que está tratando de aprender antes de su sesión de práctica. El objetivo general es asegurarse de que la melodía está en su oído antes de empezar a tratar de averiguar las notas y ritmos. Yo recomiendo hacer este proceso antes de entrar en la sala de ensayo y cuanto más que usted pre-escucha, más fácil todo este proceso va a ser. Sin embargo, si usted está limitado por el tiempo, por lo menos pasar 5 minutos varias veces escuchando y se centra en en la melodía en el inicio de su sesión para arraigar rápidamente. Por ejemplo, digamos que usted ha escogido Woody'n Usted como la melodía que vas a aprender esta semana. Primer paso, encontrar una versión de la canción que no puedes dejar de escuchar.

A continuación, obtener esta grabación en los oídos al escuchar tanto como sea humanamente posible. Escucha esta grabación cuando te levantas por la mañana, en su camino al trabajo, durante su tiempo libre, e incluso antes de ir a la cama. Tenga en cuenta que esto no es escuchar sin sentido o tirar en la grabación de vez en cuando como música de fondo. Esta se centra escucha súper concentrado. Su objetivo es tener una íntima familiaridad con la melodía, de esa manera cuando vas a aprender la melodía será infinitamente más fácil que empezar desde cero.

II. Canta luego reproducirlo

15- 20 minutos alternando entre escuchar, cantar y jugar Una vez que haya escuchado previamente a la melodía, es el momento de llevarlo al siguiente nivel; forjar una conexión física a estas notas y ritmos que has estado oyendo durante toda la semana. Aquí es donde la mayor parte de su tiempo debe ser dedicado a medida que aprende una melodía. Empieza por tomar esa melodía además una

frase a la vez. Escuchando Tomemos esa versión de Woody'n Usted desde arriba que hemos pre-escucharon durante todo el día. El primer paso que tomaría sería poner el archivo en Transcribe! software u otro programa que se ralentiza la música para aislar la melodía y escuchar con precisión cada intervalo y frase. Una vez que hayas hecho esto, resalte la primera frase de la melodía (primeros 5 notas), reducir la velocidad a una velocidad cómoda, y escucharlo unas diez veces seguidas:

Canto Como esta frase melódica lentamente se abre paso en los oídos, comience a cantar junto con la grabación, ya que se repite continuamente esos 5 notas. Concéntrese en el bloqueo en el tono de cada nota que usted canta y se centran en el contenido de cada intervalo. Cuando usted comienza a armonizar la grabación exactamente, parada de prensa. Ahora canta esa frase por sí mismo sin acompañamiento. Esta es la primera prueba. Si no puede cantar sin la ayuda de la grabación, entonces no lo tiene arraigado todavía. Preste mucha atención a esta parte. Es fácil de cantar las notas correctas con la grabación que copias de seguridad, pero cuando lo apagas, usted sabrá de inmediato si usted tiene cada tono y el intervalo o si buscas adivinar - no se puede fingir. Cuando estás cantando la frase por sí mismo, canta muy lentamente. Aislar cada intervalo y de bloqueo en cada lanzamiento, cerca no cuenta aquí. Si todavía no tienes bastante todavía, simplemente volver a la grabación y hacer las cosas bien. Cuando intenta de nuevo, identificar cada intervalo de medida que lentamente cantarla: "Ok ese primer intervalo es todo un paso, luego hacia abajo un paso entero, entonces todo un paso más hacia abajo, y luego una tercera menor abajo, etc." Además, trate de identificar con sus oídos, que parte de la cuerda de la melodía está en (séptimo, raíz, séptimo / # 9, raíz).

Es perfectamente bien si usted no recibe los tonos de acorde de inmediato o no puede escuchar a algunos de los intervalos en un primer momento. Que sea su objetivo de mejorar esta parte de su maestría musical. Si usted ha hecho su tarea entrenamiento del oído, usted no tendrá que pensar en los nombres de los intervalos, simplemente cantando lentamente, van a ser evidentes. Jugando Después de esto ya está listo para jugar la frase en su instrumento (por fin!). Con esa frase en sus oídos, jugar esos intervalos que usted está oyendo en su cabeza. Enfoque intensamente en el sonido y vuelva a crear esto con su instrumento. Recuerde, si pudiera cantar, estás jugando una frase que ya ha interiorizado, ahora sólo debe ser una cuestión de técnica instrumental y la conexión auditiva para conseguir esas notas que salen. Continuar para romper la melodía arriba en diferentes secciones de su propia elección. En función de su experiencia y nivel de habilidad que podría ser una frase entera o incluso sólo dos notas. La otra cosa buena acerca de melodías es que lo mismo se repite, las secciones A regresa de nuevo, frases se repiten, y el mismo material interválica regresa una y otra vez. Para cada sección, usted va a alternar entre estas tres áreas de aprendizaje y asegúrese de repetir cada sección un par de veces, una vez que usted haya calculado hacia fuera. Esto puede parecer como un montón de cosas, pero en realidad podría pasar 30 segundos se escucha una frase, otro 20 cantarla con la grabación, y un minuto tocando las notas de su instrumento. Después de un poco de práctica podrás combinar los tres de estas áreas y en constante ir y venir entre ellos. Usted será capaz de escuchar una melodía y ser capaz de cantar de inmediato, a sabiendas de los tonos de intervalos y acordes, a continuación, transferir este derecho a su instrumento. Este es el objetivo final - para pasar de la oreja a su instrumento como si estuvieran conectados físicamente.

Aprender vs. adivinanzas Antes de que vayamos más lejos, hay una distinción importante que debemos hacer entre el aprendizaje de una melodía y adivinanzas. Cuando se trata de recoger melodías de oído, hay una sutil pero marcado diferencia entre oír, cantar y aprender cada tono de la grabación y el método de adivinar al azar notas hasta llegar al día con las correctas por casualidad. Esto parece obvio y simple a primera vista, pero cuando usted se sienta con una grabación y ponerse a trabajar, es una historia completamente diferente. Usted va a querer empezar a jugar con la grabación de inmediato. Vas a tratar de adivinar las notas en lugar de escuchar los tonos reales e intervalos. Usted va a comenzar a improvisar junto con la grabación y de repente mirar hacia arriba y darse cuenta de que acaba de pasar 30 minutos conseguir fuera de pista.

Créeme, esta es la parte más difícil que tiene que hacer frente cada vez. Cuando vea esta empezando a suceder, tomar un segundo, detener y re-enfoque. Haga todo lo posible para mantener el rumbo. Vas a tener un montón de tiempo para improvisar después, este es el tiempo que estamos dedicando al aprendizaje. Se obligue a escuchar cada nota y el intervalo y luego cantarla. Una vez que tenga la melodía internalizado y puede cantar nota por nota, entonces se puede traducir esto a su instrumento.

III. Repetir y opinión

5 - 10 minutos al final de su sesión La repetición es una de las claves para la memorización. El simple acto de repetir una pieza de información múltiples veces incrusta en su memoria. Utilice este proceso cuando a memorizar hechos para una prueba o para recordar las direcciones cuando estamos conduciendo en un lugar desconocido. Y es lo mismo con la música. La diferencia con la música, sin embargo, es que tenemos una conexión física y auditiva a la información, así como una mental. Debido a este simple hecho, es mucho más fácil para cometer estas líneas musicales en la memoria que los otros hechos al azar. Volvamos a la melodía de Woody'n Usted, ya casi estamos allí. Después de que haya descubierto que la secuencia de fragmentos melódicos que componen la melodía, puede cantar fácilmente, y se han traducido a cada uno a su instrumento, ahora debe jugar estas frases una y otra vez a comprometerse a la memoria. Esta es la parte del aprendizaje de una melodía que arraigar permanentemente estas líneas y los intervalos en el oído y la mente. Tome la sección A de la melodía que acaba de descubierto. Jugar tres veces en una fila con la grabación y tres veces sin la grabación. Ahora ve al puente. Juega esa sección tres veces seguidas. A continuación, combinar las primeras secciones A con el puente y jugar juntos tres veces seguidas. Sé que parece una exageración, pero esto es lo que se necesita si se quiere tener esta melodía de forma permanente. Por último, el juego toda la melodía, un par de veces con el registro y un par de veces sin ella. Bien, ahora, después de 30 minutos enfocadas, que ha aprendido por completo una melodía.

¡Buen trabajo! Esta melodía es suya, se ha forjado en sus oídos y su memoria muscular. Claro, de vez en cuando te importa necesita una revisión rápida, pero el núcleo de la melodía es en ti para siempre.

Los próximos pasos ...

Tome en cuenta que el proceso paso a paso anterior es para el aprendizaje por completo una melodía. Observe cómo incluyo la palabra "completo". Con este proceso está la participación de sus oídos, su mente, su voz y su musicalidad físico para aprender que la información musical. No sólo se está rozando la superficie de la melodía, estás buceo en la cabeza primero, que absorbe el sonido con cada aspecto de ti mismo, y que sale con esta melodía arraigado en su ser musical. Pero espera, usted no está terminado después de hacer esto. También es necesario entender la progresión de acordes. Al igual que el aprendizaje de la melodía puede tener cantidades variables de tiempo, dependiendo de su nivel de habilidad, el tiempo que se necesita para escuchar y entender la progresión de acordes está directamente relacionada con los oídos y la experiencia. Utilice el mismo proceso anterior para escuchar los acordes cambios a las melodías que está aprendiendo. Si todavía no está satisfecho después de esto, aprender la melodía en las 12 teclas. Una vez que lo tienes aprendido y arraigado en una tecla, mover esas líneas a otras teclas, será más fácil de lo que piensas. Después de obtener algunas canciones bajo su cinturón de esta manera, todo el proceso se hace mucho más fácil y mucho más rápido. Melodías como este aprendizaje es una habilidad, si no lo hace por un tiempo, usted va a obtener oxidado. Lo ideal sería que usted quiere aprender algo de oído todos los días. No tiene que ser un solo de toda o incluso una canción entera, puede ser sólo una línea corta que me llamó la oreja o un fragmento melódico que has oído en la radio que día. Sea lo que sea, absorberla auditivamente y trate de reproducir tanto vocalmente como instrumentalmente. Al empezar a cabo, este proceso podría llevarte más de 30 minutos. Hay un montón de factores que lidiar: la longitud de la melodía, la complejidad de la melodía, el nivel de sus oídos, su experiencia con melodías de aprendizaje por el oído, su enfoque de ese día en la sala de la práctica, y así sucesivamente. Sin embargo, cuanto más se sigue este proceso de aprender canciones, más rápido se tardará

en arraigar ellos. Después de un tiempo que incluso podría encontrarse escuchar una melodía en una grabación, cantando junto con ella, y saber exactamente lo que es, sin siquiera tener que obtener su instrumento a cabo. Este es el objetivo, para entender y conectar con la música en un nivel emocional orgánica. Después de todos esos pianos, guitarras, bajos, tambores y cuernos que jugamos son realmente sólo herramientas - de metales, herramientas de madera o plástico que hemos construido para amplificar el verdadero instrumento dentro de todos nosotros.

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Cómo aprender Jazz Standards con el piano Publicado por Eric En 28 de julio 2013 @ 11:33 am En Acordes, Oreja, Consejos, Transcripción, Tunes | No Comments

Melodías de aprendizaje debe ser divertido. Si alguna vez hubo un secreto a ampliar su repertorio de canciones que esto sea. Usted tiene mayor probabilidad de ejercer una actividad que es emocionante, interesante y un reto en lugar de uno que se siente como una tarea molesta. Al final de un largo día que vas a poner las horas en una búsqueda que es una extensión de las actividades que ya disfruta. Para los músicos, una de las cosas más divertidas que puedes hacer con la música está escuchando. Si usted está leyendo esto ahora mismo y es serio acerca de cómo mejorar como improvisador, es probable que ya estés escuchando discos tanto como puedas. Escuchar realmente es el punto de partida para su mejora musical y su crecimiento como un improvisador. Un error que rodea mejora musical sin embargo, es que sólo se puede practicar si estás en una sala de ensayo con su instrumento en la mano. Esto simplemente no es verdad. El proceso de aprendizaje puede ocurrir en cualquier lugar, instrumento o ningún instrumento,

siempre y cuando sus oídos están abiertos y que está centrado en la mejora. A continuación te voy a mostrar cómo convertir su próximo período de sesiones de escucha en algunos tiempo dedicado melodías de aprendizaje - un dos pájaros de un enfoque de piedra. Usted no puede darse cuenta de ello ahora, pero en realidad se puede entender y memorizar canciones a la vez que estés buscar a tus discos favoritos. ¿Cómo es esto posible? La respuesta está en el piano. El piano o el teclado es una de las mejores herramientas que tenemos para aprender los entresijos de la improvisación. Cuando te sientas en el teclado que tiene una forma de fácil acceso a jugar la melodía, la armonía, acordes y líneas de bajo a la derecha en sus extremidades del dedo. Usted podría ser un jugador de cuerno, un baterista, un bajista, cantante ... cualquier persona puede beneficiarse de pasar algún tiempo con el piano y la exploración de una melodía. Utilizando el piano como instrumento de escucha como usted echa un vistazo a algunos registros es una gran manera de ampliar su repertorio de standards de jazz y mejorar los fundamentos de su musicalidad.

Beneficios de melodías de aprendizaje en el piano Cuando usted se sienta al piano y tire de la información fuera de una grabación usando sus oídos como una guía, usted va a ganar algunos conocimientos invaluables que son esenciales para cada improvisador grave. Éstos son sólo algunos: La mejora de las habilidades de escucha - la capacidad de concentrarse en e identificar una parte específica de la música La práctica de entrenamiento del oído - el reconocimiento de intervalos, líneas melódicas, tonos de acordes, la calidad de acordes y progresiones Desarrollo de habilidades básicas de piano Inculcar el repertorio estándar - La familiaridad y entendimiento con una melodía antes de reproducirlo en su instrumento principal Comprensión teórica - (cultivada auditivamente) de la melodía, la forma y la progresión de una melodía Usted está esencialmente sumergirse en el sonido de la música y con el teclado como una herramienta para ordenar todo. A medida que pasa el tiempo la deconstrucción de la pieza musical por pieza, usted comenzará a entender la melodía de una manera íntima que es imposible con una lámina de plomo.

3 pasos para el aprendizaje de una melodía en el piano Para aprender correctamente una melodía es necesario centrarse en tres áreas principales de

la música: Aprende el Melody - El primer paso para aprender cualquier melodía es averiguar la melodía de oído. Sin embargo, antes de salir corriendo hacia el piano, es necesario empezar por inculcar la melodía en el oído - sin un instrumento. La forma más sencilla de lograr esto es mediante el canto. Escucha la melodía en la repetición hasta que con confianza puede cantar junto con la nota de la grabación para la nota. Entonces usted puede entonces ir al piano y averiguar cada nota de la melodía en el teclado. Aprenda la línea de bajo - A continuación, tiene que centrarse en el movimiento de la raíz de la progresión de acordes. Esto requerirá un poco de escucha selectiva de su parte. Enfoca tu atención en el bajista o las notas graves en la grabación. Estas notas esbozar el movimiento de la raíz de la progresión de acordes. Escoja las notas graves del teclado con la mano izquierda. Identificar Acorde Calidad / progresión - En la mayor parte de la música que escucha, independientemente del estilo, usted va a encontrar cuatro tipos de cualidades básicas de acordes: mayor, menor, dominante (V7) y medio-diminutos. Si se puede identificar a cada una de estas cualidades será mucho más éxito en la audición y averiguar progresiones de acordes. Al escuchar con atención cada acorde, utilice el piano para revisar sus oídos.

Cómo funciona Para ver este proceso en acción, vamos a utilizar la melodía Oigo una Rhapsody como un ejemplo.

* Como a determinar cada parte de la melodía del bajo hasta la melodía, es necesario que usted canta la información musical que usted está tratando de aprender. Esto creará una conexión física directa de su oído con el sonido en la grabación.

Melodía El primer paso es aprender la melodía. Comience a cantar la melodía junto con la grabación. Recibe cada nota y el intervalo en el oído, a continuación, ir a buscar a esas notas de la melodía en el piano. Una vez que tenga la línea de la melodía descubierto en el teclado, jugar junto con la grabación hasta que lo tienes abajo.

** Al oír las notas específicas en la grabación puede resultar difícil, como resultado del tempo, arreglo o calidad de grabación de la canción que estás escuchando. El uso de un programa como Transcribe! Que ralentiza la grabación para usted es una herramienta invaluable.

Movimiento Bass / Root Ahora vamos a echar otra escuchar esta canción, pero esta vez nos vamos a centrar exclusivamente en las notas graves. Reduzca la velocidad de la grabación y tratar de centrarse en el movimiento de la raíz de un acorde a otro.

Si el bajo es caminar bajo la melodía, dirigir su atención a las notas en los tiempos 1 y 3, se trata de donde se jugarán las notas de la raíz.

Una vez que haya descubierto las notas graves, reproducirlos en el piano junto con la grabación para arraigar el movimiento de la raíz en el oído.

Calidad acordes / progresión Bien, ahora que usted sabe la melodía y se puede oír el movimiento de la raíz de los acordes, es el momento de averiguar la calidad de los acordes. Escuche con atención a la grabación una vez más: ¿Suena Mayor, menor de edad, o dominante el primer acorde? ¿Qué pasa con el siguiente acorde?

Siguiente escucha para la relación entre los acordes. ¿Oyes una progresión ii-V7-I? ¿Oyes movimiento armónico por un medio paso? Utilice las notas de movimiento de la raíz y de la melodía que ha descubierto como una guía.

Medidas adicionales Una vez que has aprendido los elementos básicos de la melodía que puede analizar estos elementos musicales para entender por qué funcionan en teoría.

Analizar la melodía - Lo acorde tonos o dispositivos no utilizan la melodía? Determinar la forma de la melodía - ¿Cuántos bares es la melodía, ¿cuál es el metro? Analizar la progresión de acordes -. Usted ha descubierto la progresión de acordes de oído, pero ahora mirar a la melodía en su conjunto ¿Cuáles son los centros principales de la melodía? Lo que es único o difícil sobre esta progresión de acordes?

Cuando usted entiende los aspectos de estructura y teóricos de una melodía podrás reconocer estos elementos en otras melodías que usted está tratando de aprender y acceder a estos dispositivos en sus solos.

Canalizar su músico interior Su éxito en el aprendizaje de canciones y la construcción de un repertorio de standards de jazz se relaciona directamente con lo bien que se puede escuchar e identificar la información sobre las grabaciones que escuchas. En pocas palabras: si usted no puede oír, no puede aprenderlo. Esta es la razón por la formación del oído es tan importante y por qué el proceso de averiguar una melodía en el piano es tan beneficioso. Usted está entrenando su oído para oír partes específicas de una melodía, para reconocer intervalos, el movimiento de la raíz, y progresiones de acordes. Estas son las habilidades que impulsarse hacia adelante como improvisador. En su práctica, recuerde que todo lo relacionado con su maestría musical está conectado. Al tomar el tiempo para aprender una melodía en el piano, que estés inculcar estos sonidos de una manera que usted no se olvidará fácilmente. Estas melodías y progresiones que se aprende en el teclado permanecerán con usted, incluso cuando vuelva a su instrumento principal. Como usted se sienta y escucha estas canciones y trabajar hacia fuera en el piano, tenga en cuenta que el piano es una herramienta más para su músico interior, una herramienta que amplifica las habilidades musicales que te has cultivadas dentro de ti mismo. Esto también es por qué tantas grandes improvisadores tocan instrumentos segundo y tercero. La música que se inspiran para crear origina dentro de ellos, no importa qué instrumento que utilizan para llevarla a cabo. Estos músicos tienen una concepción interna de lo que la música debe sonar antes de que entren en contacto con un instrumento.

Podría ser el piano, la batería, un bajo o la voz humana - que realmente no importa. El sonido, el tiempo, y la concepción melódica todos residen en el oído del músico. El instrumento es en última instancia, sólo una de madera, metal o herramienta electrónica que trae estos sonidos a la vida.

Como a comenzar la práctica de estos ejercicios no siente que tiene que ser capaz de jugar todos los instrumentos que te encuentras. Sin embargo como improvisador aspirante, debe desarrollar algunas habilidades básicas en el piano. Incorporando el piano en su práctica a medida que escucha y aprende melodías es una gran manera de desarrollar estas habilidades. Asegúrese de que hay un piano en torno a la próxima vez que te encuentras escuchando. Puede ser difícil y lento al principio, pero saber que usted está mejorando cada aspecto de su maestría musical de una manera grande.

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Cómo practicar doble de la cantidad en la mitad del tiempo Publicado por Eric En 22 de julio 2011 @ 18:29 En las rutinas de práctica, Consejos | 1 comentario

Si lo piensas bien, los elementos de su rutina de práctica son como las distintas secciones de un plan de ejercicio bien estructurado. Usted tiene su calentamiento / estiramiento, cardio, entrenamiento de fuerza, las salidas del trabajo de resistencia, y la lista sigue ... Cada ejercicio tiene un papel específico y desarrolla un grupo muscular específico. Cuando se los pone juntos usted tiene una sesión de ejercicio completo que le permitirá funcionar en su pico y sentirse bien. Es la misma historia cuando se trata de practicar nuestros instrumentos. Una rutina de la práctica del jazz "completo" está configurado de la misma manera y cada vez, cubre las mismas áreas: calentamiento, técnica, escalas / acordes, entrenamiento del oído, Estudios, articulación, melodías de aprendizaje, transcribir, y en desarrollo de idiomas en todos los 12 teclas. Todos los días tratamos de conseguir una sesión de práctica bien equilibrado que cubre estas áreas clave de la maestría musical. Sin embargo, esta rutina perfectamente estructurada funciona mucho mejor en la teoría que lo hace en realidad. Algunos días nos saltamos algunas partes de nuestra rutina y en los demás, pasamos todo nuestro tiempo tratando de dominar un ejercicio. En ocasiones, ni siquiera podemos encontrar el tiempo para entrar en la sala de ensayo en absoluto. Debido a nuestro tiempo limitado y complejidad sin fin de la vida, que abarca todas las áreas

de la maestría musical cada vez que entramos en la sala de la práctica rara vez es factible. Esto puede ser difícil porque las cosas que hacen la mayor diferencia en nuestra jugando como transcribir, inevitablemente toman la mayor parte del tiempo. Por lo tanto, para dar paso a las actividades primarias, otros temas como la técnica son sacrificados en su totalidad. Para muchos de nosotros con una cantidad limitada de tiempo para practicar, esto crea un gran dilema. ¿Cómo decidimos que ejerce de enfocar y que ejerce a sacrificar?

Aprender canciones y transcribir Estos dos aspectos de la improvisación del jazz afectan su progreso más que otra cosa. Pero, para muchos de nosotros, el proceso de aprender canciones y transcribir solos ocupa una enorme cantidad de tiempo. Esto plantea un problema cuando estamos practicando en una restricción de tiempo y tratar de cubrir otros aspectos de la técnica y la musicalidad también. Sólo se puede saber un número limitado de temas, pero siente que pasar el tiempo necesario para aprender una melodía (unos días o incluso una semana) es sólo quitando demasiado de su tiempo de práctica valiosa. O bien, es posible que desee transcribir algunos solos y adquirir más lengua, pero de nuevo, se siente el proceso de transcripción sólo se necesita demasiado tiempo. Si usted pasa su tiempo de la práctica totalidad aprender unos compases de un solo, que estés tiempo que se podría utilizar para mantener su sonido y la técnica de sacrificio. Lo que termina pasando para la mayoría de los músicos, es que su sesión de práctica se divide en dos partes. Uno se centra en la técnica, cajas de pinturas, escalas / acordes, articulación, etc., y una segunda se centra en los aspectos de jazz de su juego como la transcripción y melodías de aprendizaje. Nos apresuramos para cubrir todas las áreas de nuestra rutina, pero no pasamos suficiente tiempo con cada área para ver una mejoría. Como resultado, nos mantenemos en el mismo nivel de maestría musical, no sobresalir en cualquier área. La felicidad de muchos días es a menudo destruida por tratar de lograr demasiado en un día. Haríamos bien en seguir una regla común para nuestra vida cotidiana - Do Menor, y hacerlo mejor ~ Dale Turner Sin embargo, si te acercas a su tiempo de práctica con una mentalidad diferente, puede cubrir todos los aspectos esenciales de su rutina y dedicar tiempo de calidad a mejorar como improvisador. Estas dos áreas no tienen que ser puestos en categorías separadas. Tanto en el desarrollo de nuestra técnica, ampliando nuestro repertorio, y aprender el lenguaje del jazz es interconectados y relacionados. En lugar de saltar sobre una parte de su práctica o centrarse sólo en un solo aspecto de la técnica, se puede combinar todo en una rutina de práctica sólida. He aquí cómo usted puede pasar el tiempo necesarios que necesita en transcribir y melodías de aprendizaje, sin dejar de lado los elementos esenciales de la musicalidad en su rutina de la práctica. Describe a continuación es una práctica de rutina de ejemplo que ilustra cómo se puede

practicar su técnica, entrenamiento del oído, la articulación y otras habilidades instrumentales esenciales, y al mismo tiempo pasar el tiempo dedicado usted necesita para dedicarse a transcribir y melodías de aprendizaje.

1.) Calentamiento El calentamiento es una parte esencial de su rutina de práctica en la que se prepara la mente y el cuerpo para las exigencias físicas de tocar el instrumento. Esto podría incluir algunos ejercicios de respiración, jugando largos tonos, corriendo patrones de escala, o un etude-lectura a primera vista de relajarse antes de comenzar el trabajo real. Muchos de nosotros, sin embargo, llegar a jugar el mismo todos los días de preparación exacta. Ganando la consistencia es una buena cosa, pero no es necesario para jugar los mismos ejercicios cada vez que recoja su instrumento. Si su objetivo es centrarse más en la transcripción y el aprendizaje de canciones, no espere hasta que llegue a esa sección de su rutina de práctica para comenzar a trabajar en las líneas o melodías. Empezar desde el principio. En lugar de ir de nuevo al día mismas escalas o patrones a día, alterar su calentamiento para incluir las líneas que usted está transcribiendo y las melodías que usted está aprendiendo. Si normalmente juega a través de todas sus escalas mayores para el calentamiento, pruebe a utilizar una línea o melodía que ha transcrito recientemente. Por ejemplo, puede utilizar una línea ii-V7 que ha acaba de aprender o tal vez la melodía de There Will Never Be Another You. Comience lentamente y tomar la línea a través de las 12 teclas. Esto no quiere decir que usted va a entrar de lleno en jugar líneas sin calentamiento, sino más bien, que estas líneas van a sustituir a los mismos grandes escalas que has estado jugando durante años. Tratarlos como lo haría con el material de su habitual calentamiento. Encienda el metrónomo, ponerse en sintonía con el tiempo, piense en su sonido, concentrarse en su técnica de los dedos, se centran en el flujo de aire, y bloquear en su entonación. Cuando se piensa en ello de esta manera, el contenido de su calentamiento se vuelve menos importante que su acercamiento a las notas que estás jugando. Si usted puede elegir cualquier cosa para el calentamiento, ¿por qué no hacer que sea algo que realmente se va a utilizar en su juego?

2.) Aprenda la melodía de una canción Cubre: la formación del oído, canciones, sonido, técnica instrumental de aprendizaje ...

Vamos a intentar algo diferente aquí. En vez de ir a través de su rutina normal de la práctica, hoy vas a dedicar todo el tiempo necesario para el aprendizaje de una melodía. Esto puede parecer como si estuvieras saltando sobre toda una parte de la práctica necesaria o de la partida en el camino de convertirse en un músico de jazz de un solo lado, pero, si te acercas a su tiempo de la manera correcta, puede cubrir todos los aspectos de su rutina habitual mientras se centra en las cosas que te harán un mejor improvisador. Una vez que haya completado su calentamiento, seleccionar una melodía que ha tenido la intención de añadir a su repertorio. El primer paso en el aprendizaje de una canción debe ser escuchar la grabación en varias ocasiones y cantar junto con la grabación. Como siempre, YouTube es un gran recurso para encontrar videos de los estándares de jazz que desea aprender:

Si la melodía es demasiado rápida o difícil de escuchar, trate de frenarla con un programa como Transcribe y looping la sección melodía. Escuchar la melodía de cerca por intervalos familiares, tonos de acordes, y dispositivos melódicas. Sólo cuando se puede cantar los tonos exactos de la melodía debe jugar en su instrumento. Este es uno de los mejores ejercicios de entrenamiento del oído que usted puede hacer y una habilidad que le servirá bien en el quiosco de música. Usted no tiene que separar los ejercicios de entrenamiento del oído de las otras partes de su rutina de la práctica. Centrándose en ellas dentro del contenido real de su rutina de la práctica será un gran ahorro de tiempo.

3.) Aprenda la melodía en todos los tonos Cubre: la formación del oído, aprendiendo canciones, sonido, técnica instrumental, práctica en las 12 llaves, escalas / acordes Después de tener la melodía en la llave original, es el momento de la transposición a las otras 11 teclas. Este es un gran entrenamiento para el desarrollo de la competencia en todos los tonos. Recuerde, si usted puede cantar en todos los tonos, usted debería ser capaz de jugar en todos los tonos. Comience lentamente con un metrónomo y se centran en las teclas que son difíciles. La repetición es la clave aquí. Antes de que te des cuenta, tendrás una melodía que se puede jugar igual de bien en todas las 12 teclas. En lugar de utilizar una parte separada de su rutina de la práctica para trabajar en escalas y patrones, utilice este método para matar dos pájaros de un tiro. Usted obtendrá una obra en todas las 12 teclas y añadir canciones a su

repertorio a la vez. * Nota: Si usted está teniendo problemas con los pasos anteriores, es un buen indicador de que usted necesita para volver y construir su nivel de entrenamiento del oído o de la técnica. Si es difícil para que usted pueda escuchar intervalos o identificar tonos de acorde, entonces es el momento para revisar algunos ejercicios básicos de entrenamiento del oído. O, si se mueve una melodía a otras teclas demuestra ser una piedra de tropiezo, volver atrás y centrarse en conseguir los dedos y la técnica a la velocidad en todas las 12 teclas. No te preocupes si lo hace, este ejercicio le mostrará exactamente qué áreas necesita mejorar. Es mejor descubrir sus puntos débiles en la sala de la práctica que en el escenario delante de un público. Si eres honesto contigo mismo y trabaja duro, usted mejorará muy rápidamente en estas áreas problemáticas.

4.) Averiguar la progresión de acordes de oído Cubre: entrenamiento del oído, escalas / acordes, melodías de aprendizaje Desarrollar la capacidad de escuchar cualidades acordes e identificar progresiones de acordes es esencial para cada improvisador. Preste atención a los movimientos de la raíz y de acordes comunes progresiones en toda la melodía. Ralentizar la melodía y el bucle de la progresión por lo que realmente puede escuchar lo que está sucediendo. La mayoría de las progresiones de acordes en las normas siguen un patrón muy lógico. El aprendizaje de estas progresiones de oído es una gran manera de familiarizarse con la base armónica de la Great American Songbook. Después de averiguar la progresión básica, arpegiar los acordes y jugar las escalas correspondientes sobre la progresión a arraigar ella. Aplique un poco de lenguaje que usted ha transcrito sobre la progresión para que se acostumbre a navegar este conjunto de cambios de acordes. Al hacer estos ejercicios simples, que ha incluido ejercicios / prácticas acordes escala y entrenamiento del oído en el simple hecho de aprender una progresión de acordes.

5.) Transcribir parte de un solitario Cubre: la formación del oído, la articulación, la técnica, la transcripción, la lengua en desarrollo Una gran manera de obtener algunas ideas para los solos más de una melodía que has aprendido es transcribir parte de un solo en el mismo registro. Esto puede ser tan corto como una línea ii-V7 o tan largo como todo un coro. Como con cualquier cosa que transcribir, imitar la pronunciación, el sonido, y la sensación de las líneas del jugador.

En lugar de jugar un etude separada para trabajar en la técnica, utilice estas piezas de lenguaje que usted ha transcribe como su etude para el día. Una vez más, esto es genial entrenamiento del oído y en el proceso que se centrará en su articulación, el sonido, y la técnica como emular estas líneas.

6.) Desarrollar el lenguaje que ha transcrito Cubre: Aprender idiomas, escalas / acordes, la técnica, la práctica en todas las 12 teclas La transcripción es sólo el primer paso en el aprendizaje del lenguaje del jazz. Usted ha descubierto las notas, pero se necesita mucho más para hacer que el lenguaje en una de las claves de una parte inconsciente de su juego en los 12 llaves. Al igual que tomar una melodía cada llave, el aprendizaje de idiomas en las 12 llaves requiere práctica lenta y repetición. Tome esa línea y experimentar el uso de diferentes articulaciones y ritmos. Elaborar las digitaciones que se toma a través de claves difíciles y progresiones. Piense en la proyección de su sonido y el uso de diferentes dinámicas. El hecho de que se están centrando en las notas de la línea no significa que usted debe ignorar los otros aspectos musicales de su juego. Si cambia su forma de pensar acerca de practicar el lenguaje del jazz, podrás cubrir más material en menos tiempo.

Practique inteligente En cuanto a la sesión de entrenamientos ha señalado anteriormente, que ha cubierto la tareas que consumen tiempo de aprender una melodía y transcribir a la vez que se centra en su técnica instrumental, entrenamiento del oído, y la práctica en todas las 12 teclas. Usted no tiene que tratar a cada sesión de práctica en el método descrito anteriormente, pero va a resultar muy útil cuando usted siente que su transcripción o melodías son insuficientes. Sé el juez de lo que usted necesita para trabajar. Tal vez usted necesita para pasar más tiempo en ejercicios de entonación y articulación o usted puede descubrir que su técnica de dedo no está donde tiene que estar en todas las 12 teclas. Cada día es diferente. El tiempo en que se necesita más trabajo. Sin embargo, si usted es serio sobre la construcción de un sólido repertorio de melodías y ampliar su vocabulario del jazz, tiene que pasar algún tiempo grave melodías aprendizaje, transcribir, y desarrollar el lenguaje del jazz. Si actualmente adjudicar 15 minutos de su tiempo de práctica para transcribir o melodías de aprendizaje, no vas a ver el progreso que usted desea. Para lograrlo, es necesario pasar la mayor parte de su tiempo a aprender a partir del registro y el desarrollo de ese idioma. Sólo recuerde que el gasto de su sesión de toda la práctica en el aprendizaje de una melodía o transcribir una línea no tiene que ser un método que hace caso omiso de los otros factores importantes de su rutina de la práctica. Al estar centrado en todos los aspectos de su

musicalidad y técnica de medida que la práctica de jazz que va a utilizar su tiempo de manera mucho más eficaz y ver los resultados en sus solos.

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Por dónde empezar Aprendizaje Jazz Improvisación Publicado Por Forrest En 20 de marzo 2012 @ 1:20 am En Acordes, Jazz Idioma, rutinas de práctica, Transcripción | Comentarios discapacitados

Una de las preguntas que hemos estado recibiendo mucho últimamente es donde para empezar a aprender la improvisación del jazz. Hay tanta información que hay que saber por dónde empezar es una pesadilla completa. Si pudiera empezar de nuevo hoy, yo ignoro casi toda la información que hay en términos de libros de método y lo mejor de mí para aprender esta música de la misma manera que los grandes aprendidas. Ellos no tenían libros llenos de transcripciones de sus jugadores favoritos. No tenían-libros verdadero o falso-libros llenos de partituras de canciones. Y ciertamente no tenían registros de juego a lo largo de que podían entrar y mermelada con. Aprendieron de las grabaciones de sus héroes, junto con jugar con los demás.

Ahora no me malinterpreten. Depende de usted si usted usa alguna de estas materias e incluso jugar a coro puede ser utilizado con eficacia, sin embargo, ¿por qué arreglarlo si no está roto? En otras palabras, las personas estaban aprendiendo a tocar jazz mucho antes de que cualquiera de este material existía y que sin duda sonaba bien ! Claro, la conveniencia de jugar con una para acompañar registro cuando no tienes a nadie a tocar con puede ser divertido y beneficioso , pero en mi experiencia, así como las experiencias de observación de un sinnúmero de otros músicos, casi todos estos recursos que distraen de la vía que va a llegar a donde quieres ir.

Donde empezar Aquí está una lista de comprobación para ayudarle a empezar aprendiendo la improvisación del jazz. Si usted sólo tiene que ir a través de la lista de verificación, usted estará bien en su camino a convertirse en un músico de jazz con fluidez. Hay dos grupos de temas que desea empezar a centrarse en la actualidad. El primer grupo es algo que puede hacer lejos de su instrumento y el segundo grupo es algo que va a hacer con su instrumento. Cosas que hacer sin su instrumento Escucha El número uno lo que usted puede hacer para empezar a aprender y mejorar constantemente en el jazz es escuchar. Suena simple derecho? Pero, ¿cuánto has escuchado realmente? Con la llegada de los teléfonos que llevan gigabytes de música, no hay excusa para no estar escuchando todo el tiempo. Invierta en un reproductor de música que llevas contigo todo el tiempo y lleva un pequeño conjunto de auriculares de botón. Siempre que puedas, escucha. Llena tu cabeza con las cosas que más te guste. Cuando te levantas por la mañana, en su camino al trabajo, en el trabajo si usted es capaz de, mientras haces ejercicio, cuando se está cocinando la cena, cuando se está limpiando su casa o lavar la ropa. Escucha, escucha, escucha, y luego escuchar un poco más! Entender la cultura del jazz Hay muchos mitos sobre cómo el jazz llegó a ser, y aún más misterioso que la música son los propios jugadores. Con tanto intelectualización del jazz, a menudo nos olvidamos de lo profunda que es esta música. Recojo algunas autobiografías de algunos grandes músicos de jazz y usted comenzará a entender lo que era la vida de estas personas. Revisa: Autobiografía de Miles Davis

Autobiografía de Art Pepper Count Basie Autobiografía de Autobiografía de Jimmy Heath Muchos más autobiografías existir, así como muchas biografías de los grandes. Elige uno y leerlo para absorber la cultura que estas personas vivían. Créeme, lo disfrutarás. Leer acerca de los músicos de jazz siempre es divertido y entretenido. Entender acordes, progresiones de acordes y acordes tonos de una base teórica y auditiva

"Por eso me molesta cuando la gente trata de analizar el jazz como un teorema intelectual. No es. Se está sintiendo. "- Bill Evans Podría haber dicho "Aprende teoría de la música" o "teoría del Jazz", pero esto sería sobre-enfatizar el punto, por no hablar de que haría parecer como una tarea más grande que lo que realmente es. Se oye mucho sobre lo complicado de jazz teoría es que cuando la gente empieza a aprender jazz, piensan que tienen que aprender una tonelada de teoría. En la actualidad, sólo hay una cantidad mínima de teoría de la música necesaria para comprender las líneas y las progresiones de jazz y la mayor parte de esto tiene que ver simplemente con los acordes. ¿Qué necesita saber acerca de los acordes? Es necesario comprender cómo se construyen los acordes. Esto es en realidad bastante fácil. Una simple búsqueda en Wikipedia alrededor de un acorde le presentará información más que suficiente de lo que necesita saber acerca de cada calidad acorde. Las cualidades de acordes que usted querrá estudiar son: mayor, menor, dominante, medio disminuido, y disminuido. Un firme entendimiento de cómo construir estos acordes le permitirá diversificar su actividad a las modificaciones de estos acordes, incluyendo los dominantes con 5s alteradas y 9s. Mientras que usted está aprendiendo cómo se construyen los acordes, asegúrese de pensar de cada tono acorde como un número en relación con el acorde. Esto es muy

importante. 1-3-5-7-9-11-13. ¿Quieres ser capaz de rápidamente (de inmediato y de manera intuitiva) saber lo que cualquier tono de acordes de cualquier acorde es, así que por ejemplo, si yo dije, ¿cuál es el tercero de un acorde mayor Ab? Usted responde rápidamente ... "C". Una gran manera de empezar a inculcar las estructuras de acordes en su mente que está visualizando en su tiempo libre. Una vez más, se trata de todas las cosas que usted puede empezar a hacer hoy incluso sin su instrumento! Estudie estos mensajes para comenzar a adquirir los conocimientos acordes necesarios: Visualización de Jazz Improvisación Cómo poner de acordes Tonos en tus manos 10 ejercicios de visualización Visualización de Jazz Improvisación Ebook Ahora, cuando se pasa de un acorde a otro como lo hace en una melodía, tiene una progresión de acordes; un acorde avanza a la siguiente. Una vez que adquiera un control firme sobre los acordes y las notas del acorde, el siguiente paso es entender cómo y por qué un acorde avanza a la siguiente. Esto también es bastante sencillo cuando se trata de la mayoría de los estándares de jazz. Al comenzar a estudiar sus primeras canciones, te darás cuenta de las mismas progresiones de acordes usados ​una y otra vez ... cosas como ii V I. Igualmente, si no más importante para la comprensión de los acordes, es aprender a escuchar realmente acordes y tonos de acordes. Hemos escrito largo y tendido sobre cómo escuchar los acordes: Ejercicios de entrenamiento del oído Fundamental Audición Séptimos acordes Audición de acordes Tonos Aprender Sus Cuatro Tríadas Siempre se debe entender por qué cada acorde está ahí. Nunca debe ser un misterio. Muchas personas que aprenden canciones de partituras se encuentran aún en la oscuridad. Se preguntan por qué un acorde particular es allí en una melodía, y por qué están teniendo un momento tan difícil jugar sobre ella. La mayor parte del tiempo, es porque ellos recogieron el acorde equivocado de la partitura. Como voy a discutir más adelante, melodías de aprendizaje a partir de grabaciones en última instancia le ahorrará años de frustración.

¿De dónde escalas encajan? Hoy en día, las escalas se exagerar, ya que presentan un conjunto de notas que "el trabajo" sobre un acorde particular. Veamos un ejemplo: El menor acorde D arrpegiated al 13 incluirá toda ella de tonos de acorde: DFACEGB Si reorganiza estas notas en orden ascendente por etapas que se obtiene: DEFGABC Se ha creado todo un paradigma en torno a pensar de esta manera. Se centra en un "modo" particular de una escala que funciona a través de un acorde determinado. Estas técnicas de asociación escala ayudan a entender lo que las notas están contenidos en un acorde en su conjunto y es por eso que no son "malas" para saber. Sin embargo, lo que sucede, es la gente utiliza los modos como la base de su concepto solos y terminan agitando sin cesar dentro de ese modo y piensan que eso está improvisando. No es. El jazz es un lenguaje. Acordes y escalas no son el lenguaje del jazz; eso es como decir el alfabeto es el idioma de Inglés. No es. El lenguaje de Inglés tiene palabras, frases e inflexiones que lo convierten en algo muy específico. Para leer más sobre las escalas, la salida por qué no son el atajo secreto para el jazz. Conozca los acordes, conocer los acordes tonos, conocer las escalas, pero al final del día, el idioma que aprende de las grabaciones, los conceptos que emulan de grabaciones y los conceptos y el lenguaje se crea a sí mismo, son las cosas que formulan la base de su concepto musical. Entender ii Vs y lo importante que realmente son ii V progresiones constituyen la mayor parte de cualquier progresión de acordes que jamás encuentra dentro del repertorio estándar de jazz. Son extremadamente importante estudiar. Leer dos de cinco progresiones fáciles para empezar con ellos. Cosas que hacer con su instrumento Elige una melodía para estudiar Ahora que tienes los aspectos no-juego de la improvisación marinado en su mente, es el momento de aplicar lo que está pensando en la música. En toda su escucha que usted está haciendo ahora, que está obligado a venir a través de un estándar de jazz que resuena con usted. Encontrar una grabación de cualquier norma que se amen, donde el instrumento tocando la melodía es la misma que su instrumento. He aquí algunas sugerencias de lo melodía que puede escoger: Hojas de otoño

On Green Dolphin Street A los azules (cualquier melodía con una forma de blues) Una melodía cambios de ritmo (Cualquier sintonía con la progresión de acordes de Gershwin "I Got Rhythm") Para aclarar, si juego trompeta, quizá me quedaría con "Freddie Freeloader" de Kind of Blue. No es demasiado rápido, es un blues, y es parte de la mejor música en la cara del planeta para siempre existe. Entender cómo hacer su selección? En primer lugar aprender la melodía nota por nota de oído. Si usted no tiene el software Transcribir, le recomiendo que lo consigas. Se hace que la navegación cualquier pista mucho más simple y le ahorra horas de tiempo al ser más eficiente. Es bastante simple en teoría. Usted pone la melodía en su software de transcripción, se recorre la primera frase de la melodía y copiarlo en cuenta por nota hasta que usted puede jugar perfectamente. A continuación, en la segunda frase. A continuación, conecte las dos primeras frases. A continuación, añadir el tercero y así sucesivamente y así sucesivamente hasta que haya aprendido la melodía completamente por el oído de la grabación. Una vez que tenga la melodía hacia abajo, es hora de dar vuelta a la armonía. Puedo oír ya lloriquear. "Pero eso es muy difícil!" En realidad no es, y cuanto antes te metes en melodías de aprendizaje, armonías y ritmos recta de la grabación, más rápido se obtendrá a jugar como quieres, por no hablar de tener un montón de diversión, porque mientras todos los demás se agitaba sobre qué opción de escala para hacer, estarás escuchando y tocando el lenguaje del jazz. Utilice este sitio y sus profesores que le guiará a través del aprendizaje de su primera canción a partir de una grabación. Todo es oír. Nunca mejor dicho. Aprenda su primera pieza del lenguaje del jazz Como usted está aprendiendo su primera melodía de la grabación, comenzará a prestar atención a lo que los solistas están haciendo. En sus horas de escucha, tal como lo encontró una canción que te gusta, que está obligado a escuchar una línea en que la grabación particular que hace que su caída de la mandíbula. Lo adivinaste. Su próximo paso es extraer que el lenguaje del jazz justo al lado de la grabación. Una vez más, coincide con que la nota por nota, escribir nada abajo a medida que avanza. Puede ser bastante difícil al principio, pero si usted se pega con él, usted obtendrá. Absorbe el sentimiento del jazz

Esta es una de las cosas más importantes que hacer, sin embargo, muy difícil de describir a otra persona. Juega con la misma melodía que usted ha estado trabajando y realmente tratar de emular la sensación, el ambiente de lo que se oye. Haga de cuenta que lo que realmente es el solista. Así que, como en el ejemplo anterior, que iba a tratar de sentir como si yo fuera Miles Davis. ¿Cómo iba a pie? ¿Cómo iba a mantener la bocina? Puede sonar tonto, pero la idea es entrar en la cabeza tanto como sea posible. Sólo entonces se absorbe realmente el sentimiento de lo que está pasando y esto es donde se encuentra la magia.

Sus metas a medida que empiezan Como usted comienza a aprender la improvisación del jazz, usted debe tener una visión clara de lo que son sus metas. Puede que no suene glamoroso pero sus metas como se empieza (asumiendo que usted quiere ser competente) debe ser el desarrollo de fundamentos sólidos a través de la construcción de los hábitos de práctica adecuados: Escuchar jazz todos los días. Disfrutar y sentir una verdadera pasión por la música. Aprender y estudio sintoniza grabaciones rectas en lugar de leerlos de partituras. Transcribir y aprender el lenguaje de las grabaciones Entender cómo los acordes se construyen y por qué "existe" cada acorde en una melodía, y cómo y por qué cada acorde avanza a la siguiente en una progresión. Asegúrese de utilizar su oído y aprender a escuchar y reconocer estos acordes auditivamente. objetivo a largo plazo: la transcripción de su primer trabajo en solitario, con el objetivo de emular el lenguaje y los conceptos de la solista e integrarlos en su propio juego Puede sonar como un montón de trabajo para iniciar de esta manera, pero te prometo que, no sólo va a sobresalir en la velocidad del rayo si comienza de esta manera, pero usted va a construir los hábitos de práctica fuertes que le mantendrá mejorar y divertirse jugando toda su vida. Utilice este artículo como punto de saltar para empezar; por supuesto que no todo está cubierto aquí, pero no dejes que sea tu excusa. Busca respuestas en este sitio, de sus maestros, de sus amigos, y lo más importante en las grabaciones. Usted tiene los conocimientos necesarios para iniciarse en la improvisación del jazz, así que tan!

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5 Habilidades Usted no aprenden en la escuela, Habilidad Cuatro: Cómo hablar a los Jazz Idioma Publicado por Eric En 11 de junio 2015 @ 11:26 am En Jazz Idioma, Perspectiva, Transcripción | Comentarios discapacitados

Imagínese que usted acaba descendió de un avión en un país extranjero ... Usted agarra su maleta y el paso sobre el suelo por primera vez y de repente estás lleno de un sentimiento de emoción y anticipación. ¿Qué nuevos lugares, nuevos sonidos, comida inusual e interesante de personas que esperan en este nuevo y extraño lugar? Sus mente corre con posibilidades y que apenas puedo esperar para salir y comenzar a explorar. Pero después de unos días de empezar a notar algo extraño ... En cada parada en su viaje de la conversación cotidiana parece eludir a usted. El sonido de la risa llena el aire de chistes que usted no entiende, los menús en los restaurantes no tienen ningún sentido, y cada interacción con la gente del lugar se convierte

en una lucha confusa. Desesperadamente que aferrarse a las pocas frases que apresuradamente ha aprendido de su guía, pero al final del día en que finalmente tendrá que admitir que - sin hablar el idioma, estás solo en una burbuja. No se puede conectar con otras personas, usted es aislado, y estás frustrado. ¿Suena familiar?

Frustrado y confundido ... Así es exactamente como la mayoría de los músicos sienten el momento en que tratan de improvisar un solo. Ellos se ponen en el lugar por sus profesores, se encuentran con un solo en big band, y vagan en unas jam sessions. Al igual que los turistas varados se sienten perdidos, sin poder hablar el idioma, y ​frustrados que no pueden comunicar sus ideas con el mundo exterior. Usted probablemente ha sentido de esta manera a ti mismo tratando de navegar melodías y claves desconocidas y aferrarse a unas pocas escalas para salvar su vida. De hecho cada improvisador se encuentra con esta barrera creativa cuando están empezando y muchos se encuentran desanimados. Algunos jugadores renunciaron en señal de frustración, algunos empiezan a creer que no se puede improvisar o que tienen malas oídos, y un poco de seguir empujando hacia adelante a ciegas con la esperanza de que algún día todas esas escalas de alguna manera se convertirá en un gran solo. Pero hay una cosa que puede cambiar completamente su enfoque y es una solución que puede sorprender ... Va a significar la diferencia entre tumbos situaciones musicales frustrado y confundido y con confianza contando una historia que conecta con el público y los jugadores a tu alrededor. Dejame explicar…

Comienza con su punto de vista

Con todos los libros, lecciones privadas y escuelas de música que tenemos acceso a los que hemos perdido un hecho importante acerca de los muchos estilos de música que existen en todo el mundo Nos hemos olvidado de que la música es un lenguaje ... Al igual que el idioma que usted habla cotidiana, la música es un lenguaje que comunica nuestros pensamientos y sentimientos con el mundo exterior. Y es este aspecto de la improvisación que realmente va a cambiar tu forma de tocar. La parte de la música que viene de una cultura y experiencias en la vida en lugar de análisis y teoría. Sin embargo, esto no es algo que usted va a recoger en un aula o un libro de teoría de la música. Usted ve, los métodos tradicionales de aprendizaje que improvisar nos han capacitado para centrarse en las piezas y partes de lenguaje musical. Las notas, las escalas, los acordes y la terminología teoría de la música ... Pero perdemos el cuadro grande. Nos olvidamos de que toda esta información se aprende con un propósito - para comunicarse con otras personas. Cada vez que juegas en un estándar, cada vez que se realiza con su banda, y cada vez que practican melodías con otro músico que está entrando en una situación en la que se está hablando un idioma. Y si usted no habla él, no va a tener sentido. Recuerde, una escala no es el lenguaje musical y teoría de la música por sí sola no va a hacer un gran improvisador. "Como cualquier gran conversación, la improvisación requiere de ideas, el estilo y la personalidad - que requiere el lenguaje." Imagínese tratando de chatear con tus amigos y pensando en letras individuales o la búsqueda de palabras de una en una para comunicar una idea.

Suena loco, ¿no? Sin embargo, esto es exactamente lo que estamos haciendo con la música. Obsesionarse con las notas de la escala y los acordes individuales en una melodía en vez de comunicar. Gran improvisación sucede cuando a salvar el abismo entre el uso de escalas y hablar un idioma.

El camino hacia el aprendizaje de idiomas La clave para hablar un idioma con fluidez está desarrollando un vocabulario. Un vocabulario que sabes dentro y por fuera. Cuantas más palabras y frases que usted conoce, más ideas y sentimientos que se pueden comunicar. Y con el tiempo, más fácil va a ser para tener una conversación. Lo mismo es cierto de improvisar. Usted necesita desarrollar un vocabulario de palabras claves, frases y oraciones que se pueden utilizar en situaciones cotidianas, un vocabulario musical que consiste en el lenguaje que ha aprendido sobre diferentes acordes y progresiones de acordes. Como músico de jazz, los bloques de construcción de su vocabulario musical comienzan con cuatro sonidos: Mayor menor Dominante (V7) Disminuido la mitad (Ø7) Una vez que tenga una palabra (frase musical) para cada uno de estos acordes individuales debe centrarse en la conexión de estos sonidos. Comience con estas progresiones de acordes comunes. Luego, después de que tienes unas cuantas frases, es necesario salir y empezar a hablar. Usted necesita desarrollar este vocabulario en las diferentes situaciones musicales se encontrará en como improvisador: el Blues, Rhythm Cambios ... Pero parar! Hasta que no haya aprendido algo de lenguaje, improvisación va a ser un lío confuso de escalas y acordes que usted está tratando de reconstruir. Como Mulgrew Miller afirma en esta clínica, es necesario aprender a hablar el lenguaje del jazz:

"Lo que tiene que darse cuenta es que se trata de un lenguaje que estás jugando. Tienes que aprender el lenguaje, la sintaxis de la lengua. Tal como lo hace en Inglés o cualquier otro idioma que estás aprendiendo. "~ Mulgrew Miller Así que busque en su propio juego. Usted conoce a sus escalas y has memorizado algunas canciones, ahora lo vocabulario musical tiene usted? ¿Qué tienes que decir a través de una mayor o menor acorde? ¿Qué hay de ii-VI del o los azules? No sólo a juego notas de los acordes, pero en realidad hacer una declaración musical, compartir una idea o emoción con el oyente. Usted ha estudiado las notas y las reglas de la teoría, ahora aprender a hablar!

Así que, ¿dónde encontrar ese lenguaje?

"Claro", que estás diciendo a ti mismo, "todo esto suena bien, pero ¿dónde es exactamente lo que encontrar un lenguaje musical?" Bueno, esa es la parte fácil! Todo el lenguaje que usted necesitará siempre está en las grandes grabaciones. Está en línea, está en su colección de discos, y es en YouTube. Simplemente deja que tu oído sea su guía. Recuerde, el secreto de todo gran solista es que esas notas y frases son la culminación de años de trabajo. Un solitario magistral contiene toda una vida de idioma. Sin embargo, la parte difícil es conseguir que las cosas fuera del registro y en su propio juego ... Para ello es necesario transcribir. Por suerte para ti que he estado escribiendo acerca de este proceso desde hace algún tiempo. Echa un vistazo a estos artículos para una mirada más de cerca el proceso de la transcripción: Comience con una comprensión del proceso de transcripción Centrarse en los bloques de construcción de su lenguaje musical Estudio de un solitario y absorber cada detalle Y asegúrese de que está transcribiendo con un propósito Comience por transcribir una frase musical sobre cada uno de los 4 acordes básicos.

Tenga en cuenta que la transcripción no es sólo una manera de robar notas, es un proceso para el desarrollo de su vocabulario musical. Encuentra el lenguaje para resolver los problemas musicales que está encontrando en su propio juego y nos esforzamos para encontrar los mejores modelos que puedas. Piense en el proceso de transcripción como su aprendizaje con el maestro musical de su elección. Estudie su sonido, su articulación, su tiempo, su vocabulario y su personalidad musical.

Comience por decir una cosa Si lo se… Es una tarea abrumadora tratando de aprender un idioma entero. Miles de palabras, gramática y reglas de uso, pronunciación ... Y aprender a hablar los medios que entran en situaciones en las que usted es incómodo y donde todo el mundo es un hablante nativo. Pero usted no tiene que hacer frente a todo a la vez. Y usted no tiene que gastar cientos de años transcribir solos con el fin de improvisar algo que está conectado a su voz interior. Empiece por aprender una línea, una sola pieza de la lengua sobre un acorde mayor. Luego hacer lo mismo para los acordes menores, entonces la progresión ii-VI, a continuación, las canciones que quieren aprender ... Recuerde, el lenguaje no es una mano que roba y utiliza de la misma manera exacta, que se vuelve aburrido. El dominio de una lengua significa tener control sobre las palabras y frases que usa y la adición de su personalidad y la adaptación de este vocabulario con su situación. Pase tiempo con sus transcripciones y hacer esas líneas que ha aprendido de su propia. A medida que el gran trompetista Ingrid Jensen dice:

Eventualmente tendrás varias cosas que usted puede decir en cualquier situación. Usted será capaz de crear una conversación sobre el terreno y la improvisación, finalmente comenzará a hacer mucho más sentido. Así que deja de ser ese turista frustrado deambulando y luchando para comunicarse y empezar a hablar libremente con su música. Buena suerte y que permanezca atento a la última entrega de nuestra serie Los 5 Habilidades Usted no aprenden en la escuela!

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Roza Acordes Made Simple Publicado por Eric En 27 de julio 2011 @ 1:39 am En Acordes, escalas, Consejos | No Comments

Un lector envió recientemente en esta pregunta: Me preguntaba si podrías explicarme cómo interpretar los acordes de barra para los solos. Parece que tienen diferentes fuentes de información contradictoria. Además, ¿qué haría yo si me encontré con un acorde como C / Db, en la que la parte superior e inferior no están relacionados diatónicamente?

Notación acorde a Slash Una de las partes más difíciles de tratar con los acordes de barra es descifrar la notación. Cuando estás acostumbrado a la lectura de los cambios de acordes estándar y te encuentras con un acorde de barra, puede ser confuso en cuanto a lo que está pasando. Si eres como yo, la primera vez que vio a un acorde barra probablemente estabas preguntando "¿Qué es acorde en la parte superior? Son dos de los acordes notas? ¿Cómo se juega sobre estos sonidos? Es mucho más sencillo de lo que piensas. Aquí está el trato: Cuando ves a un acorde de barra, la nota inferior indica una nota de bajo y la nota más alta indica una tríada de alguna inversión. Por ejemplo, el símbolo de acorde D / C implica una tríada D a través de una nota de bajo C:

A menos que se indique lo contrario, la D es sólo una tríada (con tonos de acorde duplicado o en la inversión) y la C es sólo una nota de bajo. Es tan sencillo como eso.

Mismo acorde, nombre diferente Notación acorde a Slash también se puede utilizar para expresar acordes que ya estamos familiarizados de una manera diferente. Por ejemplo, un acorde de barra E / C con la misma facilidad se puede expresar como CMaj7 # 5:

Los acordes se ven diferentes en un pedazo de papel, pero el sonido resultante es exactamente el mismo. La razón de esta notación puede ser diferente para implicar una sonoridad específica para el instrumento de cuerdas tendinosas o, como un método para rearmonizar progresiones de acordes estándar.

Diferentes grados de la disonancia No todos los acordes de barra son creados iguales. Sólo porque usted ve un acorde de barra, no significa necesariamente que la cuerda va a sonar disonantes. De hecho, algunos acordes de barra son sorprendentemente consonante. Echa un vistazo a el siguiente ejemplo que describe todos los acordes de barra básicos (tríadas más de una nota de bajo) en la clave de C. Intente tocar cada acorde en el piano para oír el sonido característico de cada una.

De la misma manera que los acordes comunes (V7, medio disminuido, los 7 principales, etc.) tienen cualidades distintas que pueden ser identificados a través de la práctica, cada recortar acorde tiene un sonido único que se puede aprender a escuchar. Como se puede ver en el ejemplo anterior, recortar acordes van desde altamente cromática y disonante que sorprendentemente diatónica. Para familiarizarse con todo el espectro de los acordes de la raya vertical, puede ser útil para separarlos en tres categorías: Más disonantes, Ligeramente disonantes y consonantes. La mayoría Dissonant: Estos incluirían acordes slash sin relación diatónica entre la tríada superior y la nota de bajo. Lógicamente, los acordes de barra más disonantes son un medio paso o un tono de tri lejos de la nota de bajo. En la clave de C, estos serían Db / C, B / C y F # / C:

Aprenda a identificar el sonido de cada uno de estos acordes slash altamente disonantes. Ellos pueden parecer similares a primera, pero con un poco de práctica el entrenamiento del oído,

usted será capaz de distinguir el carácter único de cada uno. Ligeramente Dissonant: Al igual que los acordes de barra más disonantes, los acordes de barra ligeramente disonantes no son diatónica, sin embargo, no es tan disonante como los acordes anteriores. Este tipo de acorde barra comparte un tono acorde común con la tecla de la llave nota de bajo. Para el acorde de A / C, tanto la tríada y la proporción C tonalidad el terreno de juego común E. El acordes slash ligeramente disonantes en la clave de C son E / C, A / C, y Ab / C:

Consonante: Estos incluyen los acordes de barra que suenan consonante como acordes estándar, sino que están anotadas diferente. Por ejemplo, el acorde barra Eb / C suena indistinguible de un acorde C-7, e incluso puede ser anotada como tal. Para la clave de C, los acordes de barra de consonantes son D / C, Eb / C, F / C, G / C y Bb / C:

Si le sucede a venir a través de estos acordes slash particulares en sus solos, no hay necesidad de pensar demasiado - estos son los acordes que ya están familiarizados.

Las opciones para la improvisación Utilizando el lenguaje que tiene Dado que la mayoría de los acordes de barra también puede ser anotada como un acorde estándar (ex Eb / C -.> C-7) se puede tocar los acordes correspondientes, báscula y el

lenguaje que normalmente jugar sobre esos acordes estándar. Esto incluiría todos los acordes de barra de consonantes, así como la tríada tercio por encima de la nota de bajo (ej. E / C). Por ejemplo, en un G / C se puede jugar el idioma que usted tiene sobre CMaj7. O para D / C, puede jugar un lenguaje que usted ha desarrollado sobre CMaj7 # 11 (C Lydian, si menor pentatónica). O, usted puede incluso jugar un lenguaje que usted ha transcrito sobre D7. Cada acorde tiene numerosas formas de aplicar el idioma que usted está desarrollando; tratar de desarrollar un enfoque personal a estos sonidos. Cree su propia escala Una manera fácil de navegar el más disonante de los acordes de barra puede ser la creación de una escala usando la tríada de la cuerda superior y la tríada de la nota de bajo. En el caso de Db / C, lo que se formaría una escala utilizando las notas de una tríada dB y una tríada C: C Db EFG Ab C. La escala no se produce de forma natural en un entorno diatónica, es sintético. Esto funcionaría igual de bien para cualquier acorde barra, no sólo el más disonante. Vea lo que puede llegar a en la sala de la práctica. Dando a entender estructuras armónicas Debido a que el sonido de estos acordes son tan abiertos (una tríada sobre una nota de bajo), hay una amplia gama de opciones para improvisar sobre acordes de barra. Además de la reproducción del sonido básico de las notas escritas de un acorde barra, también puede implicar una serie de otras armonías. Vamos a aclarar por qué esto funciona. Nuestros oídos oyen, naturalmente, la nota más baja jugado en un acorde como la raíz; cada nota por encima de la nota fundamental suena en relación con esta nota. Por ejemplo, D / C, C es la nota más baja por lo que es la raíz, D es el noveno, F # es el # 11, y A es el 13. Este acorde tiene ningún tercero, quinto, séptimo o. ¿Cómo se puede saber si este acorde es mayor o menor? No se puede. Por otra parte, ¿cómo determinar si el acorde es dominante o tiene una séptima mayor? Una vez más, no se puede. No se puede decir, porque estas notas no son parte de la sonoridad. Cuando estas notas clave son ausente de una sonoridad usted es libre de implicar una tercera o séptima mayor o menor. Su oído escuchará algunos de estos sonidos implícitas más natural que otros. Por ejemplo, en el caso de D / C, que, naturalmente, escuchamos un sonido de Lidia, Do Mayor séptima # 11.

Pero, debido a la ausencia de la tercera, quinta y séptima, en realidad se podría implicar un menor de edad, dominante, o una plétora de otros sonidos. Así, se puede asignar una Eb (la tercera menor) y un Bb (la séptima menor) a la tercera y séptima, respectivamente. El sonido implícita en forma de escala es: CD Eb F # GA Bb C. Su oído tomará algún tiempo para acostumbrarse a escuchar estos sonidos un poco más esotéricos. Sí, parece un poco loco, pero con la práctica que en realidad no son tan complejos, a fin de darles un tiro.

Otros tipos de acordes slash Los ejemplos anteriores cubren los tipos básicos de los acordes de barra. Sin embargo, estos no son los únicos tipos de acordes de barra que hay. Además de tener solo una tríada sobre una nota de bajo, usted puede tener un acorde menor, mayor, dominante, o medio disminuido en una nota de bajo. Por ejemplo, Amaj7 / F o C7 / A. Por otra parte, la nota final de un acorde barra no tiene por qué ser sólo una nota de bajo puede ser otra tríada también. Por ejemplo, una tríada D sobre una tríada C, que se notated D / Ctr. Primero amo los acordes básicos de barra y aprender a identificar cada tipo en base a su grado de consonancia. Tenga en cuenta que existen otros tipos de acordes de barra por ahí y Vuelva pronto para ver algo de exploración más a fondo en el mundo de los acordes de barra.

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Su próximo hito musical: Cromática ii-V de Publicado por Eric En 05 de septiembre 2012 @ 24:29 En Acordes, Conceptos, Consejos, Tunes | Comentarios discapacitados

El proceso de aprender a improvisar es un viaje. Una larga y gratificante viaje y que está marcada por una serie de hitos. Esto puede ser difícil de ver desde ese asiento cómodo interior de su sala de ensayo, pero dar un paso atrás de su rutina diaria y mirar el camino que te lleva a donde está hoy. Usted jugó sus primeras notas, usted aprendió su primera escala, usted aprendió su primera melodía, es descubierto el funcionamiento interno de una progresión de acordes, usted aprendió su primera línea de ii-V- I, transcrito su primer trabajo en solitario ... Al comenzar su viaje musical estos hitos son enormes y que se transforman en un nivel personal. Sus primeras notas de su instrumento que se convirtió en un músico. Su primer trabajo en solitario más de que la progresión de acordes que hizo un improvisador. Estos saltos hacia adelante cambiaron su identidad y le distinguen de todos a tu alrededor. Sin embargo, el mejor que podemos encontrar, más difícil es. Se requiere más esfuerzo y determinación para hacer que incluso el más pequeño paso hacia adelante.

Pero incluso los pequeños pasos hacia adelante son esenciales para su mejora. Este camino musical que estás en puede ser tan largo o corto como quieras que sea. Su destino puede ser el sonido que se escucha en sus discos favoritos o tal vez lo que desea es ser mejor que usted era la semana pasada. Sean cuales sean sus aspiraciones, este camino a su meta está pavimentado con muchos hitos ...

Primeros pasos con cromática ii-V de Así que vamos a volver a esa habitación práctica tapada. Usted ha dado un rápido inventario de su progreso musical: usted ha aprendido algunas canciones, tienes algo de técnica instrumental, que se sienta cómodo sobre normas, has transcrito algunos solos e incluso se puede navegar ii-V como un reloj. Pero ¿cuál es su próximo gran avance? Respuesta: Cromática ii-V de Uno de los hitos musicales que muchos improvisadores pueden intelectualizar y analizar, pero pocos pueden jugar más de es la cromática progresión ii-V7 - una secuencia de ii-V7 progresiones ascendente o descendente por medio paso:

En su viaje a través del Great American Songbook, usted probablemente ha de ejecutar a través de algunos cromática ii-V, sobre todo si has jugado alguna de estas normas comunes: Noticia del momento Stablemates Amante Blues for Alice El Triángulo Eterno Para tener una idea rápida, escuchar esta versión de Stablemates de los Paul Chambers álbum Music Cámaras 'con John Coltrane. Especialmente escuchar el descendente cromática ii-V en los dos primeros compases de la progresión, | E-7 A7 | Eb-7 Ab7 | Db |:

Ii-V cromática de también se utilizan comúnmente en una serie de normas para añadir interés y la tensión armónica a la progresión de otra manera predecible de la ii-VI. Algunas melodías familiares que utilizan este concepto son: Te puede pasar a ti: dos últimos compases de una sección Woody'n Usted: segundo y sexto de barras del puente Usted salió de un sueño:

En lugar de jugar un "ii-V normal" en los dos últimos compases de la sección A:

A cromática ii-V, un medio paso por encima de la original se inserta, duplicando el movimiento armónico y la adición de un poco de tensión. Preste atención a estos lugares en el vídeo de arriba como se juega Dexter (0:28, 1:08, 01:49, etc.):

También es importante tener en cuenta que la cromática ii-V no se limitan sólo a la progresión de acordes "por escrito". Puede implicar este dispositivo en varios lugares a lo largo de una canción como solista. Por ejemplo, como se ilustra en el ejemplo anterior, se puede insertar una cromática ii-V antes de la final ii-V en una canción o en cualquier punto de la resolución firme. El empleo de este sencillo de dispositivo puede añadir interés armónico, especialmente cuando los insinuar sobre la progresión de acordes estático original.

Conceptos para improvisar sobre cromática ii-V de El primer escollo que encontramos al tratar de jugar, más cromática ii-V está conectando estos dos progresiones no vinculados de algún tipo de forma musical. En este caso, ii-V no conduce a la cuerda que como era de esperar, que lleva a la otra ii-V. Lo que es más, esta segunda ii-V no está relacionada con la primera ii-V en absoluto. El centro de la clave es completamente diferente y casi no hay tonos comunes con los que se puede conectar fácilmente. Viniendo de las directrices de la armonía que estamos familiarizados con iii - VI - II - V - I, la creación de una línea improvisada lógica puede ser difícil. El objetivo de estas situaciones, es llegar a algo musical, no mecánico. Sin embargo, al igual que muchos conceptos musicales esto es más fácil decirlo que hacerlo. La primera vez que empiezas, cromático ii-V puede sentirse como una especie de camisa de fuerza musical. Es como si te ves obligado a jugar un patrón específico sólo para evitar golpear una nota equivocada o perderse en el formulario. Los cambios son tan complejos y moviéndose tan rápido que la única opción que tienes es delinear los acordes o insertar una mano memorizado. El resultado es un ejercicio premeditado teoría de la música en lugar de un solo melódico que

fluye.

Entonces, ¿cómo improvisar musicalmente sobre cromática ii-V? Al igual que con la mayoría de sus dificultades con la improvisación, lo mejor es consultar a los registros de las respuestas. En lugar de tratar de seguir un método de ajuste o un grupo de directrices teoría de la música, ve a ponerte una grabación de su jugador favorito. Hay un montón de opciones que hay. Tunes como Blues for Alice, Aviso de momento, e incluso Stablemates se han registrado cientos de veces a lo largo de los años por casi todos los principales actores que se pueda imaginar. Estudie estos jugadores y averiguar cómo sonaban bien sobre estas progresiones difíciles. Una vez que hayas elegido una grabación que te gusta, aislar esos lugares en la sintonía con cromática ii-V. A continuación, ponerlos en Transcribe al bucle de la frase y reducir la velocidad. No es ninguna coincidencia que casi cada gran músico suscribe el mantra "práctica lenta." Escuche a esa frase que ha seleccionado una docena de veces, cantar junto con el expediente, averiguar las notas e intervalos en su instrumento, y analizar cómo los nota opciones relacionadas con la progresión de acordes. A continuación, obtener lentamente la línea hasta la velocidad - hasta el punto de que sin esfuerzo puede jugar junto con la grabación. Su objetivo final es arraigar estas líneas en sus oídos y su técnica, para, finalmente, hacer que la línea de una parte de ti mismo. El proceso es el mismo que si usted está tratando de obtener más de un idioma ii-V o encontrar la manera de jugar en los blues. Es necesario un modelo para estudiar, un lenguaje que puede empezar, y horas de práctica inculcar que la técnica o el sonido en su propio juego. En pocas palabras, tomar una pequeña idea y practicarlo hasta que lo consigas. A continuación he tomado algunos puntos clave de un par de solos de bien conocidos y extraje algunas ideas que me llamó la oreja sobre aquellos molestos cromática ii-V. Con cada ejemplo que he puesto de relieve algunas técnicas y conceptos que usted puede incorporar en su propio juego. Recuerde que hay innumerables ideas que se encuentran en cualquier grabación, le toca a usted a que usted elija, estudio, e incorporar en su juego.

Creación de líneas de juego vs. lame ii-V Una de las primeras trampas que nos caemos como jugamos sobre una melodía como Aviso de Momento es la inserción lame ii-V sobre cada ii-V. Por ejemplo, usted oye comúnmente líneas predecibles como éste jugaron sobre cromática ii-V:

Parece bastante lógico, ¿no? Estás siguiendo las reglas de la teoría y tiene todas las resoluciones 7-3. Acaba de cortar-y-pegar un solo ii-V lamer y ya está bueno para ir ?? Como se puede ver, es una manera muy dejar de empezar de improvisar. En lugar de tomar esta ruta, intente reproducir las frases que van a través de las líneas de compás y tienen como objetivo utilizar el lenguaje en lugar de lame. Empieza a pensar en términos de una frase musical continua en lugar de ese corte y pegue enfoque lamer. Para tener una idea de este concepto, vamos a ver algunas líneas de solista de John Coltrane en Aviso de momento:

Tome esta línea, por ejemplo, a partir de segundo coro de Trane (01:38 en el video):

En este ejemplo, escuchamos unos líneas sin fisuras, la frase musical no se rompe porque los acordes cambian, sin parar y comenzar entre lame ii-V. Una cosa que a menudo es sorprendente cuando se analiza los solos de Coltrane de un cierto período, es que a menudo son muy dentro armónicamente. Comúnmente pensamos en su forma de tocar, empujar los límites y explorar los límites del potencial armónico, pero una

gran parte de su desarrollo y el dominio de la improvisación se gastaron el dominio de los estándares y común ii-VI de. Sin embargo, cuando usted toma una mirada cercana a las líneas que se está jugando, usted ve algo diferente a lo que se podría esperar. Como las progresiones se hacen más complejos y como el movimiento armónico de la melodía aumenta, el contenido melódico de sus solos se hace más simple. (uso de escalas bebop, arpegios, tríadas, lenguaje) similar a la forma en que juega sobre Giant Steps. He aquí otro ejemplo de la misma en solitario (1:57 en el video):

En el caso de una cromática ii-V como encontramos en el Aviso de momento, no siempre tiene que pensar en su línea de salida en el comienzo de la forma y Uno ii-V es una extensión de una frase anterior, el siguiente ii -V es el comienzo de otra frase, no sólo aislado ii-V. Echa un vistazo a cómo Trane utiliza esta idea al comienzo de su tercer estribillo (2:14 en el video):

En lugar de comenzar cada línea de golpe una de la primera medida, continúa su línea del coro anterior en el siguiente estribillo. Esencialmente dividir esos dos arriba de ii-V y la eliminación de la dificultad de conectar esos dos sonidos.

V7 lugar de ii-V7 Jugando sobre ii-V cromática de puede conseguir abrumador y estresante con bastante rapidez, sobre todo en la up-tempo canciones, así que cualquier cosa que podamos hacer para simplificar esta progresión es extremadamente útil. Una forma de simplificar las cosas es pensar en toda la progresión como una sola cuerda (sólo el V7 o sólo el ii-7 acorde) Este tipo de pensamiento puede simplificar rápidamente esta progresión compleja: | E-7 A7 | F-7 Ab7 | convierte | A7 | F-7 Ab7 | | E-7 A7 | F-7 Ab7 | convierte | E-7 A7 | Ab7 | | A7 | Ab7 | Eb | Por ejemplo, vamos a ver de nuevo en una de esas líneas Coltrane desde arriba:

Durante el | F-7 Ab7 | en la tercera medida del ejemplo, se utiliza una escala bebop descendente Ab7 sobre toda la progresión ii-V. En lugar de una mezcla de la que sólo puede pensar en un viejo y simple acorde V7 y aplicar el idioma dominante en toda esa progresión confuso ii-V. O aquí hay otro ejemplo de la sustitución de V7 para ii-V de solista de Sonny Stitt en el puente al Eterno Triángulo:

En el puente de su segundo estribillo (3:35 en el video) toca la línea se muestra a continuación, haciendo hincapié en la V7 de cada acorde ii-V7.

Al igual que en el ejemplo Coltrane, Stitt utiliza una escala bebop descendente del acorde V7 para cada ii-V7. También puede ir a otro lado y sustituir el acorde ii para toda la medida en lugar del ii-V7 habitual. En la progresión a continuación, piense | E- | lugar de | E- A7 | y | Eb- | lugar de | Eb- Ab7

|:

Implica simplemente el acorde ii menor de más que toda ii-V dentro de una secuencia ii-V cromática:

Con esta forma de pensar que tiene una medida de la totalidad de aplicar cualquier lenguaje de menor importancia que usted ha desarrollado y que en gran medida simplemente la complejidad de moverse entre cromática ii-V - usted está moviéndose de un acorde menor a la siguiente.

Conexión de los de ii-V El punto crucial en cromática ii-V de trata en la búsqueda de la conexión entre una ii-V a la siguiente. Concéntrese en este lugar, la práctica muy lentamente. Estudiar cómo grandes improvisadores navegar esta área difícil y emplean estos dispositivos en su propio juego. A continuación se muestra un ejemplo de cómo Clifford Brown resuelve el problema de la conexión cromática ii-V de una manera musical. Este extracto se toma de su solo en el Cookin sintonía ", que es un blues de aves (1:54 en el clip a continuación):

Observe cómo Clifford conecta su línea de una medida a la siguiente por semitonos:

Trate de que este tipo de resolución lógica en sus propias líneas.

Cambio de dirección Una cosa que puede hacer su juego muy predecible es la dirección de sus líneas.

En el ejemplo anterior, cada frase se inicia y se detiene con el mismo lamer un arpegio menor ascendente que resuelve la baja. Suena como un ejercicio de teoría de la música, ya que es esencialmente lo que es, la misma línea en la misma dirección una y otra vez. Cambiar dirección en su línea, como se muestra en el ejemplo Coltrane, como la progresión asciende por medio paso, haga que su descenso línea, Muchos jugadores se atascan jugar una secuencia para cada conjunto de ii-V, utilizando una ii-V lamen y la transposición a través de cada tecla sucesiva. si vas a uno ii-V, ir por el siguiente:

Tome un escuchar la línea de Parker (0:49 en el clip a continuación):

Esta línea no es tan armónicamente diferente del ii-V "ejercicio" de arriba, sin embargo, es en un mundo diferente musicalmente. Rítmicamente la línea es mucho más interesante, no sólo a corcheas, y la dirección de la línea se varía de una medida a otra.

Anticipación armónica y el retraso en la resolución Una forma de mantenerse alejado de la previsibilidad de la cromática ii-V es evitar la resolución de cada acorde en la barra de compás o como los cambios de acordes. Una manera efectiva de hacerlo es mediante el uso de retraso en la resolución y la anticipación armónico. En lugar de cambiar progresiones en las líneas de compás esperar uno o dos golpes antes o después de la cuerda para resolver. Echa un vistazo a ese fragmento Clifford Brown de nuevo:

Observe cómo él no resuelve el acorde en él la llegada, sino que retrasa la resolución de un par de compases. Se logra este efecto principalmente mediante el uso de recintos. Además de retrasar la llegada de la cuerda, también puede anticipar la siguiente progresión (véase este artículo para más detalles). Anticipando un acorde es esencialmente comenzando nueva progresión de uno o dos golpes antes de su llegada. Una vez más vamos a volver a esa línea Sonny Stitt en el puente de la Eterna triángulo por un gran ejemplo de este concepto:

Note como él anticipa la llegada de cada cromática ii-V por un par de compases.

Sustituciones de acordes Por último se puede explorar sustituciones para la cromática ii-V de que te encuentres. Para ascender de (como Aviso de momento), puede implicar un menor ii-V una tercera menor por encima de la progresión inicial (echa un vistazo a este cromática ii-V artículo para obtener más información): | E-7 A7 | F-7 Ab7 | convierte | G-7 C7 | F-7 Ab7 | o incluso se puede pensar en ello como esto: | E-7B5 A7 alt. | = | G-7 C7 | En la progresión anteriormente, | E-7 A7 | F-7 Ab7 |, el lugar es un problema de conexión de la A7 a la F-7. Esta tercera sustitución menor esencialmente reemplaza A7 con C7, lo que conduce naturalmente a la F-7 en el siguiente compás. Aquí están algunas otras ideas que usted puede experimentar con alterando el acorde V7: Hay muchas posibilidades de continuar con el concepto anterior de la utilización de una relación tríada disminuida, para ese acorde A7 se puede sustituir C7, EB7, y F # 7. Experimente con sustituciones Tritone en los acordes V7: | E-7 EB7 | F-7 E7 | Eb Maj7 | o reemplazar el primer ii-V mediante la transposición es una tercera menor y tritono sub esos acordes V7: | G-7 F # 7 | F-7 E7 | Eb Maj7 | que crea un bonito movimiento descendente cromática.

Sub Tritone con sólo los acordes V7: | A7 | Ab7 | Eb Maj7 | convierte | EB7 | E7 | Eb Maj7 |

La práctica de estos métodos y conceptos La idea de jugar bien sobre cromática ii-V7 de va directamente de nuevo a jugar más de una sola progresión ii-V7. Si tiene problemas para más de un ii-V, en movimiento de múltiples iiV7 por medios pasos va a ser muy difícil. Si no puede jugar más de Satin Doll, Aviso de momento se va a sentir imposible. Una cosa que hay que recordar es que todos estos conceptos y líneas ven muy bien en papel y espero que tiene sentido en su mente, pero cuando se trata de jugar realmente en sus solos, es necesario llegar a otro nivel de comprensión. Es necesario escuchar físicamente el sonido de estas líneas, es necesario arraigar en la oreja y los dedos a través de la repetición, es necesario transformar esa teoría de la música en el lenguaje. Practique estos conceptos y sonidos lentamente y fuera de tiempo al principio. Escucha el matiz de cada dispositivo musical y pasar tiempo hasta que están arraigados. Obtener el sonido de la progresión en el oído y tratar de jugar lo que se canta sobre estos acordes. Es muy fácil para que suene mecánica y poco musical sobre cromática ii-V. Pensando sólo en las principales reglas de voz (es decir, 7-3 resoluciones o arpegios) pueden llegar a ser muy predecible y aburrido y disjunta desde una perspectiva melódica Todas estas líneas y dispositivos son útiles para estudiar, pero recuerde que usted ganará el mayor beneficio de la transcripción de su propia cuenta. Una cosa es mirar en papel y es una cosa totalmente diferente a escucharlos y entenderlos por ti mismo.

Encontrar su hito Disfrutar y apreciar cada uno de estos hitos es una de las grandes piezas de la práctica de esta música y ponerse al día sobre cromática ii-V es sólo un ejemplo de un hito musical que se puede aspirar. No importa dónde usted está en su desarrollo, no importa lo lejos que has llegado, siempre se puede practicar, estudiar y escuchar y mejorar un poco más, con el objetivo de que el próximo hito en su desarrollo musical. Lo bueno de la improvisación es que continuamente se puede volver a cualquier aspecto de la música y mejorar y ampliar sus habilidades y conocimientos. Con algo tan simple como un acorde mayor, una progresión ii-V, o el blues siempre habrá espacio para mejorar ... siempre. Puede aplicar nuevos conceptos que has descubierto a través de escuchar, nuevo lenguaje que has transcrita, y las nuevas técnicas que usted ha desarrollado en su instrumento. Año tras año los tonos, acordes, progresiones y seguir siendo el mismo, sin embargo, usted

está trayendo algo nuevo a la mesa cada vez que la práctica y realizar ellos. El potencial de mejora y el descubrimiento es siempre sólo una sesión de práctica enfocada distancia.

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3 pasos hacia la libertad en las 12 llaves Publicado por Eric En 17 de abril 2011 @ 03:01 am En las rutinas de práctica, Escalas | No Comments

La posibilidad de jugar con fluidez en todas las 12 teclas es esencial para cada improvisador. Al principio, puede parecer que usted juega raramente en ciertas teclas o incluso que simplemente no es necesario para jugar en todos los tonos. Así que ¿por qué molestarse con doce teclas, ¿verdad? Si se mira con cuidado, sin embargo, muchas de las normas comunes que se encuentran en las teclas "fáciles" tienen de ii-V en "teclas duras" (F #, B, C #, etc.) oculta a través de las progresiones. Por ejemplo, usted puede pensar que no va a jugar en B Mayor que, a menudo, pero echa un vistazo a el puente para Cherokee - A II-V en B Major cada vez. Si usted es fluido en todas las 12 teclas de este será ningún problema, pero si usted ha ignorado claves desconocidas, vas a estar fingiendo en este lugar como un montón de otras personas. No aceptar la mediocridad! Y sin importar quién sabe cuando alguien va a llamar a una melodía en una clave diferente o traer un original que tiene seis sostenidos en la armadura. Convertirse competentes en las 12 llaves requiere mucho más que simplemente saber sus escalas mayores. Como improvisador, debe ser capaz de desarrollar ideas y navegue progresiones en una fracción de segundo, sin pensar en las digitaciones o lo que la siguiente nota va a ser. Esta es una gran empresa que se llevará a hora en la leñera, pero es necesario para cualquier músico serio en algún momento de su desarrollo.

Hay tres pasos para dominar cualquier tecla. Si finalmente quieren tener la libertad en todas las 12 teclas, aquí es cómo va a lograrlo:

1. técnica práctica en todas las 12 teclas El primer paso para dominar cualquier tecla implica la obtención de capacidad técnica y la familiaridad mentales con cada tecla. No sólo usted tiene que tener la capacidad de pensar en los 12 y visualizar de manera instantánea, es necesario tener la técnica arraigada en los dedos. El desarrollo de esta técnica será el aspecto más beneficioso de su práctica en el camino hacia el dominio de cada llave, sino que también será el que requiere más tiempo y esfuerzo. Si decide incorporar estos ejercicios en su rutina diaria, sin embargo, usted avanza sorprendentemente rápido. Para muchas personas, simplemente corriendo arriba y abajo de sus escalas mayores al inicio de una sesión de práctica es suficiente para "conocer" todas las 12 teclas. Para un improvisador grave, sin embargo, esto no se va a cortar. Conocer sus principales escalas de tono, menores, disminuidos y todo es sólo el comienzo. La manera más eficaz para dominar esta cantidad de información es tener un método. Comience por el control de este artículo sobre cómo practicar escalas para la velocidad, que describe cómo arraigar rápidamente y completamente esta técnica escalar. Como se afirma en el artículo, es fundamental utilizar un metrónomo y buen sonido / articulación en todos estos ejercicios. Comience con las teclas que tienen más familiarizados con y pasar tiempo suficiente con una sola clave (semanas o meses) para que usted construye una base sólida. Después de que hayas hecho esto, trabajar sobre la reproducción de estas escalas en diferentes intervalos y los patrones de su elección. Juega estas escalas en 3as, 4as, 5as, 7mos acordes arpegiar, etc. Recuerde practicar todas estas ideas en las cuatro direcciones. Al incorporar patrones de escala, los conceptos armónicos, melódicos dispositivos, cromatismo, y el ritmo de la posibilidad de que la variación se vuelve infinita. Algunos ejemplos de estos ejercicios se muestran a continuación: Do mayor escala en 4ths (hasta dirección / abajo):

Patrón de Fa mayor escala (1235 fuera de cada grado de la escala):

Patrón re mayor escala (1245 fuera de cada grado de la escala - por dirección / hasta):

Las posibilidades son infinitas y como se puede ver de forma rápida, el dominio de la técnica requiere de toda una vida de trabajo. Siempre se puede mejorar su articulación, sonido, velocidad, etc., en estos ejercicios y se puede constantemente llegar a nuevas variaciones y patrones en estos conceptos. El establecimiento de la técnica escalar en todos los tonos es enorme paso en la dirección correcta, pero a pesar de lo que muchos piensan, se trabaja no se hace aquí ... Está a empezar.

2. Aprender idiomas en los 12 teclas Una vez que usted ha desarrollado una sólida base de la técnica en todos los tonos, es el momento de empezar a utilizar esa técnica musicalmente. Tenga en cuenta que sólo porque usted puede jugar cualquier escala en cuartas o arpegiar acordes de séptima en todos los tonos, no significa que se puede crear un gran solo en las 12 teclas. Escalas simplemente no se traducen en la música improvisada melódico. La clave para la improvisación con fluidez en cada clave es primero tener un lenguaje que ha transcrito en una de las claves. A lo largo de su estudio de esta música, es necesario desarrollar el lenguaje en los cuatro tipos básicos de acordes te vas a encontrar: mayor, menor, V7, y medio-disminuido. La próxima crucial, pero a menudo ignorado paso es desarrollar este lenguaje que ha transcrito en los 12 llaves. Este proceso se describe en detalle en este artículo sobre los beneficios de la transcripción de un solitario. Evite la tentación de transcribir una línea o en solitario en una tecla y mantenerla en una sola tecla. De esta manera su juego en general será en gran parte no afectada. Con el lenguaje de las 12 llaves a su disposición, usted está bien en su manera de jugar con confianza en todas las claves.

3. Aprender canciones en los 12 teclas La parte final de desarrollar el dominio de cada clave es jugar melodías que usted está familiarizado con en todas las doce llaves. Mientras que usted no tiene que hacer esto con cada melodía que aprende, el beneficio de tomar unas cuantas canciones clave en todo el ciclo le dará la posibilidad de reproducir canciones en cualquier tonalidad. Ahora llega el momento de poner que la técnica y el lenguaje que ha estado derramando a prueba. Comience con una melodía sencilla de tomar a través de las 12 teclas. El blues es perfecto para esto porque usted tiene los tipos de acordes básicos y progresiones de cualquier tecla (I, IV, III, VI, ii, V7), todo ello en el espacio de doce compases. A favor y en profundidad explicación de este concepto, lea este artículo sobre cómo jugar el blues en todas las teclas. Su objetivo debe ser hacer cada llave tan fácil como se siente al jugar en la clave de C. Esto no es tarea fácil, pero si usted pone en el tiempo, usted tendrá ii-V, plazos de entrega y

lenguaje útil desarrollada por cualquier clave que usted se encuentre. Después de haber tomado el blues a través de cada tecla, la idea de tocar una melodía en otras teclas no será tan abrumadora. Trate de hacer lo mismo con otras normas comunes, como todas las cosas que son, cherokee, Stella by Starlight, y los cambios de ritmo. Tomando cualquiera de estos temas a través de las 12 llaves será extremadamente beneficioso y le dará el mismo conjunto de habilidades. El desarrollo de la técnica, el lenguaje y la capacidad de reproducir canciones en las 12 teclas es una tarea difícil que requiere años de trabajo. Sin embargo, cada gran improvisador ha dominado esta habilidad en algún momento de su desarrollo musical. Esto no es una habilidad que otras personas le pueden obligar a hacer o uno que se hizo hincapié en la educación del jazz, pero que debe enfrentar o más temprano que tarde, va a ponerse al día con usted. Como la mayoría de otras habilidades, crear una rutina diaria y con cada día que pasa, que estará un paso más cerca de usted meta de la libertad en todas las 12 teclas.

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Cómo adquirir Lenguaje útil: Los bloques de construcción de su solitario Publicado por Eric En 03 de febrero 2011 @ 21:38 En Acordes, Conceptos | No Comments

Aprender a improvisar puede ser abrumador. Hay una enorme brecha en el conocimiento que debe superar tan pronto como usted decide que quiere tocar jazz. Antes incluso improvisar una sola nota, tiene que lidiar con más de 100 años de historia de la música, desde Louis Armstrong todo el camino hasta los innovadores de hoy. Cientos de canciones para aprender, decenas de maestros para estudiar y transcribir, solos de famosos para memorizar e interiorizar, etc., todo lo justo para llegar a un nivel competente. ¿Dónde puede uno siquiera comenzar con lo que parece ser la información sin fin? Una cantidad de información que es finito, sin embargo, son los cuatro tipos básicos de acordes que te vas a encontrar con mayor frecuencia: Mayor-disminuidos Medio Menor, dominante, y. Si lo piensas bien, estos cuatro acordes son los componentes básicos de la mayoría de los estándares que te encontrarás. 7mos acordes dominantes comprenden el cuerpo armónico de los azules melodías y el puente a los cambios de ritmo, los 7 acordes comienzan y terminan las progresiones de acordes de un sinnúmero de normas, mientras que los acordes menores y medio-diminutos son la primera pieza a la siempre presente progresión ii-V.

Puede ver rápidamente lo beneficioso que es concentrarse intensamente en estos sonidos. Si usted puede desarrollar el lenguaje en estos cuatro acordes básicos en todas las 12 teclas, tendrá material de improvisación para todas las ocasiones. Por supuesto, hay muchos otros tipos de acordes (Major7 # 11, # 5 V7, acordes Sus, de menor importancia-major 7, disminuida, aumentada, etc.), pero estos son todos esencialmente variaciones de los tipos de acordes básicos, acordes que puede centrarse en después de haber dominado los fundamentos. Al trabajar en estos bloques de construcción de su juego y, eventualmente, las progresiones que crean, usted verá una diferencia notable en la forma en que se desplaza por las normas que solían ser un reto.

La regla del 10 Una similitud que he encontrado entre los grandes maestros que he estudiado con, es que todos ellos tienen múltiples piezas de idioma que han reunido más de acordes y progresiones muy comunes. Algunos tienen un cuaderno lleno de líneas que han transcrito a partir de los solos y los demás haberlos almacenado en su memoria después de años de aprendizaje de los solos de oído. De cualquier manera, parece que todos ellos han aprendido por lo menos diez líneas para cada situación armónica y están continuamente añadiendo a ese número. La primera vez que me encontré con esta idea estaba en una de mis clases de trompeta cuando llegué por primera vez a la universidad. Yo estaba trabajando en ii-V y encontrar la manera de navegar por los entresijos de esa progresión. Mi instructor me preguntó: "¿De cuántas maneras tienes que jugar un ii-V." Después de dudar, me dio una sencilla línea II-V y jugué de nuevo a él. "Ok, eso es una manera de decir ii-V, ahora usted necesita 10 maneras de decirlo." La solución era simple y sencillo, pero al igual que muchas de las piezas importantes de consejos, no fue hasta que oí estas palabras una vez más que decidí Probablemente debería empezar a escuchar. La próxima vez que era de Mulgrew Miller como él estaba dirigiendo nuestro conjunto de estudiantes sobre una melodía que tenía una cuerda media disminuyó en un punto crucial. Mulgrew preguntó un estudiante de lo que tenía que jugar a través de ese sonido. Después de una pausa que no tiene respuesta, Mulgrew dijo "No puedo pensar en 10 cosas de la parte superior de mi cabeza para jugar allí, no mucho, pero eso es mejor que dos." Luego nos mostró un ejemplo de una línea de Charlie Parker durante ese mismo lugar en la melodía, como un trozo de lengua que aprendió a navegar en ese acorde. Una vez más, tuve la suerte de escuchar el método de desarrollar el lenguaje de un maestro. No se puede esperar que improvisar mágicamente sobre sonidos sin esfuerzo si ha no ha trabajado en pedazos de aprendizaje de idiomas. Este concepto puede parecer explica por sí mismo, pero la mayoría de la gente no tiene suficiente lenguaje para obtener a través de un solo y están perplejos por qué están teniendo problemas para llegar a las líneas para jugar. Pregúntate a ti mismo en este momento: ¿De cuántas maneras es lo que tienes que jugar

más de los 7 principales acordes? ¿Qué pasa con V7 y menores de 7 cuerdas? ¿Se siente cómodo en todas las claves sobre esos acordes? Si esos son fáciles, ¿tiene 10 líneas se podía jugar más acordes disminuidos medio-? Si la respuesta es no, entonces tiene una base sólida de la lengua puede ser la clave para sus dificultades.

Cambiar la lengua cuidadosamente Entonces, ¿dónde vas a conseguir estas 10 líneas? A partir de los registros, por supuesto, pero tenga en cuenta que no existe un lenguaje conjunto que debe elegir o incluso para ajustarse a, es totalmente de usted. Estas líneas definen su sonido, su concepto y su identidad como músico, así que asegúrese de que son significativos para usted. Si copia el mismo sentido que todo el mundo está aprendiendo, usted sonar como todos los demás. Debe ser la persona de decidir lo que quiere sonar como, no un libro, un maestro, o incluso un compañero. Algunas escuelas tienen una filosofía de la enseñanza de las mismas líneas a todos los estudiantes en una clase de improvisación y ciertos libros que dan las líneas específicas que usted debe aprender para ser un verdadero músico de jazz. Si todos los músicos aprendieron así, todo el mundo estaría utilizando el mismo material para la improvisación. No quiero tener un montón de músicos que todos suenan como clones musicales. Al igual que los maestros de esta música, los músicos que recordamos son los que eran individuos únicos. Aquí es donde el individualismo del artista entra en la música - usted debe encontrar su propia influencia, su propio camino hacia la expresión artística.

Comience con una línea La primera vez que la oye, diez líneas no suena como una cantidad muy grande. Usted probablemente sabe diez lame este momento, pero puede usted jugar en todas las doce teclas o puede usted utilizar en una variedad de maneras. Diez líneas para cada tipo de acorde, cuando usted consigue realmente a trabajar aprendiendo de ellos, es un engañosamente gran cantidad de información. Con diez formas únicas para navegar un acorde o progresión, tendrás un comienzo sólido para los solos de cualquier norma con confianza. Al escoger estas líneas de solos que usted ha transcrito o los que se escuchan fuera de los registros, recuerde que la línea no tiene por qué ser complejo o largo, sólo una idea musical que te guste. Tome una línea de más de un séptimo acorde mayor, por ejemplo:

Una vez que has aprendido desde el registro:

- Ingrain en su juego a través de la repetición - Centrarse en la articulación y acentos, así como el contenido melódico - Aprender en las doce teclas hasta que estén (especialmente las teclas difíciles) todo confortable:

- Comenzar a incorporar esta línea en sus solos a medida que improvisa - Alterar el ritmo de la línea o alterar algún aspecto armónico de la línea, por ejemplo:

- Para mayor versatilidad, aprender la alteración en las doce teclas Ok, eso es una línea sobre Maj.7, ahora lo que necesita para encontrar nueve más. Usted puede ver cómo este proceso rápidamente se suma a una gran cantidad de información ... y recuerde, eso fue sólo para los acordes Maj.7. El objetivo es tener diez líneas sobre cada uno de los cuatro tipos de acordes básicos. Este es el proceso paso a paso por el cual se le incorpora el lenguaje de los registros en su juego, con el tiempo el desarrollo de su propia personalidad musical. Al comenzar con un modelo de una gran línea de uno de sus jugadores favoritos, no sólo se está ganando el vocabulario que se puede usar, pero también el desarrollo de un método por el cual usted puede crear su propio idioma.

Aprenda de un modelo Todo este proceso puede parecer contrario a la intuición. Como músicos de jazz, no se supone que debemos ser el desarrollo de nuestro propio sonido, nuestras ideas, nuestros propios conceptos armónicos únicos - no robar líneas textualmente de otros jugadores? Sí, este es el objetivo final, pero hay que empezar, ya que todos los grandes músicos hacen, con un modelo; ¿por qué no hacer que uno ejemplar. Parte de la lucha por la que comienzan los improvisadores, es que están tratando de crear melodías y armonías navegar sin haber escuchado y estudiado el arte de lo que es la creación de un verdadero gran línea. Acercarse a la improvisación desde el punto de vista de la teoría y las escalas, en lugar de frases musicales y líneas. Esto es similar a un escritor novato tratando de escribir una gran pena sin haber leído ningún novelas clásicas u obras de escritores magistrales, básicamente luchando para crear algo de la nada, sin herramientas o la visión.

Al tener un lenguaje que usted haya reunido a partir de los registros de oído, que tiene un punto de partida desde el que se puede comenzar una línea o, cuando le pegan a jugar durante un tempo muy rápido, tiene una línea que se puede ejecutar bajo presión . Si usted hace el trabajo y obtener estas 10 líneas sobre cada acorde que realmente va a tener herramientas para trabajar, en lugar de tener que volver a inventar la rueda cada vez que juega un solo. Si escuchas a tu improvisador favorito durante un período de tiempo o de múltiples registros, te darás cuenta de que tienen ciertas líneas que utilizan con frecuencia sobre varios temas o progresiones. La mayoría de las veces estos son líneas o conceptos que han desarrollado por su cuenta. Usted puede estar seguro, sin embargo, que estas líneas fueron inspirados por y el modelo de líneas que aprendieron de los registros.

Aprended 10 líneas más de progresiones Estos ejercicios de acordes simples son sólo el punto de partida. Una vez que tenga sus diez líneas para jugar más de estos cuatro tipos de acordes, es el momento de acercarse a las progresiones comunes. Para algunas ideas de por dónde empezar, echa un vistazo a este artículo sobre la visualización de progresiones de acordes. Tenga en cuenta que usted va a utilizar el mismo proceso para las líneas de aprendizaje sobre progresiones como lo hizo para estos acordes básicos. Con una manera concreta de desarrollar el lenguaje y mejorar sus líneas, podrás navegar cualquier progresión que se le presente.

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Navegando Dominantes Alterados: Estrategias para la V7 # 9 de acordes Publicado por Eric En 10 de febrero 2011 @ 07:29 am En acordes, escalas | No Comments

Un lector preguntó recientemente: Me preguntaba acerca de cómo jugar sobre acordes dominantes alterados. ¿Cuáles son algunas estrategias para jugar más dominantes 7 # 9 acordes, específicamente. Esta pregunta surge con frecuencia durante muchos improvisadores. Parece que todo el mundo tiene una "prueba de fallos" escala o lamen que utilizan exclusivamente cada vez que ven un acorde dominante alterado. Con toda esta información contradictoria que vuelan alrededor, tratando de entender lo que realmente funciona puede ser especialmente confuso. Si es un V7 # 9, un V7 # 11, o una Alt V7., Que en última instancia tiene que estudiar las insy-outs de estos acordes con el fin de desarrollar su propio enfoque. Tradicionalmente, la V7 # 9 acorde o acorde dominante alterado se produce en un menor progresión ii-V. En lugar del ii-V7 de una progresión importante, un menor ii-V contiene un acorde medio disminuido ii y un acorde V7 alterada (b9, # 9, b13, o # 11 dependiendo de la sonoridad). Por ejemplo, mirar a un menor ii-V en do menor:

Improvisadores, sin embargo, han estado alterando V7 acordes en todas las progresiones, mayores y menores por igual, desde hace bastante tiempo ahora. Por lo tanto, cualquier acorde dominante que te encuentras, si es parte de un ii-V o de pie por sí sola, es casi un juego justo para la alteración. El primer paso para la navegación de este acorde es para familiarizarse con su carácter único.

Ser capaz de identificar el sonido El V7 # 9 acorde es un sonido muy versátil, lo que significa que usted puede tomar uno de los muchos enfoques armónicos para jugar sobre ella. Con el fin de aprovechar al máximo las posibilidades armónicas disponibles, sin embargo, primero debe ser capaz de reconocer auditivamente el sonido único de cada nota "alterado". Para empezar, ir al piano y tocar un acorde V7 en estado fundamental. Además de eso sonoridad jugar el # 9 de la cuerda. Cante esa nota, interiorizarlo de carácter, y escuchar cómo se relaciona con las otras notas del acorde. Ahora que está en el oído, resolver esa V7 al acorde I y tomar nota de cómo la disonancia de la # 9 se puede resolver en la llegada del acorde I. Después tienes que bajar, repita el proceso con las otras notas alteradas de la V7: la B9, el b13, y el # 11, hasta que pueda escuchar el sonido único de cada nota alterada y su resolución lógica. Una vez que este sonido está arraigada auditivamente, vaya a los registros y escuchar ejemplos de los diferentes usos de V7 # 9 acordes. Un ejemplo es desde la abertura de la composición Blue Train de Coltrane, especialmente escuchar la sonoridad del piano: Otro ejemplo de un acorde V7 # 9 es de la apertura cuerno a la Rueda Blood, Sweat and Tears sintonizar Spinning:

La escala alterada Si le preguntas a la mayoría de los educadores o mira en una serie de libros de teoría de jazz, ellos le dirán que jugar una "escala alterada" sobre este acorde. Esta escala también puede ser referido como la escala de tonos enteros disminuida (en que comienza con medio-toda la escala disminuido y termina con la escala de tonos enteros):

Otra forma sencilla de pensar en esta escala es una escala menor melódica a partir de la séptima nota. En el caso de un acorde G7 # 9, una escala menor melódica Ab partir de G: Ab menor melódica -----------> G7 Altered Escala (b9, # 9, # 11, b13)

Viniendo de la escala menor melódica Ab, también puede utilizar diferentes sonidos inherentes dentro de esta escala. Por ejemplo, se puede pensar de un menor, acorde mayor Ab 7 sobre el G7 # 9, en esencia pensando Ab- sobre G7 # 9:

De la misma manera, puede jugar un B Major7 # 5 del sonido sobre el G7 # 9:

No deje de allí Si bien esta escala contiene todas las notas alteradas (b9, # 9, # 11 y b13), tenga en cuenta que es sólo una opción teórica que funciona sobre un acorde V7 # 9. El objetivo es utilizar las líneas que usted ' he aprendido de los registros como base para la improvisación, y no sólo las escalas. Cuando vea un símbolo de acorde o escucha una progresión, que no quiere sólo pensar en una escala desde la raíz hasta la raíz en la cabeza, es necesario tener numerosas opciones. Por ejemplo, cuando se encuentra con un Do Mayor 7 acorde, usted es no sólo pensar en una escala mayor C de C a C (o por lo menos no debe ser!), Está utilizando sus oídos y el dibujo de un lenguaje que usted ha desarrollado más de ese sonido. Lo mismo es cierto para este acorde V7 # 9, no pensar sólo en la escala alterado, tener múltiples enfoques armónicos y líneas a su disposición.

Aprender una lengua Así que ahora que tienes el sonido de la cuerda en los oídos, es el momento de ir a los registros y estudiar cómo sus héroes están jugando sobre sonidos dominantes alterados. Debido acordes V7 son en casi todos los estándares te encontrarás en esta música, hay un sinfín de oportunidades para transcribir algún lenguaje de incorporar en su juego. Para empezar, ¿por qué no estudiar cómo los jugadores gran altera acordes dominantes sobre

el blues o la forma en que utilizan V7 # 9 cuerdas en el puente al ritmo cambios. Un ejemplo de una forma estándar para reproducir este sonido, el uso de lenguaje en lugar de una escala lineal, se muestra a continuación. Esta línea contiene las notas alteradas del acorde A7 (b9, # 9, y b13), pero utiliza ellos es una manera más melódico que simplemente tocando la escala modificada de arriba a abajo:

Por otra idea de este concepto, echa un vistazo a este vídeo de Freddie Hubbard jugando sobre su blues Birdlike, con McCoy Tyner. Observe cómo Freddie comienza su solo (4:54) de forma creativa usando material de la escala alterada:

Encuentre su propio enfoque Su objetivo como un improvisador es desarrollar su propio enfoque de estos acordes basadas en lo que has aprendido de escuchar y transcribir música. Ver la cantidad de enfoques o variedades armónicos puede llegar a navegar este V7 # 9 de sonido. Algunas ideas diferentes podrían incluir: - Un enfoque triádico Sustituciones tri-Tone Patrones -Diminished Movimiento -Todo-Tone Líneas -Pentatonic

Lo que funciona para un acorde V7 ... Esta muchos parecen como una gran cantidad de material para reunirse, pero recuerda que todo lo que se juegue en un V7 # 9 de acordes, también se puede utilizar sobre cualquier dominante 7 de acordes normal. Un acorde V7 es el lugar en una progresión de acordes en que la tensión armónica se va a resolver en el acorde I, por lo tanto, el grado de disonancia o la tensión armónica que se incluye es totalmente de usted. Si usted quiere poner de relieve la # 11, el B9, o incluso el # 9 y b13 que trabajará con la armonía, siempre y cuando se utiliza el material musical y resolver la tensión adecuada. La clave es mantener el registro de salida como muchos registros y jugadores como puedas. El camino hacia el desarrollo de su propio sonido recae ver cuántas ideas únicas y nuevos enfoques que puede ocurrir.

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Cómo Play-Alongs está perdiendo su tiempo de práctica y qué hacer al respecto? Publicado Por Forrest En 01 de febrero 2011 @ 20:36 En Perspectiva, Consejos | 1 comentario

Es sábado. Tienes un montón de tiempo. Estás emocionado de pasar un momento agradable practicando. Que serpentean en su sala de ensayo, agarra la primera para acompañar constancia de que despierte su interés, el pop en, y listo. ¿Suena familiar? Tan divertido como lo es "simplemente jugar," es un hábito para obtener bajo control ahora. El problema: Nos encanta jugar nuestros instrumentos y queremos dar rienda suelta cada vez que recogemos nuestro cuerno. Por desgracia, no sólo solos una y otra vez con una para acompañar pierdas tu tiempo de práctica valiosa en el que usted podría estar mejorando, pero también refuerza el jugador que ya está. Usted está repitiendo el mismo idioma que usted ya sabe, cometiendo los mismos errores en acordes específicos que siempre han dado problemas, y jugando con la misma sensación de que lo hace ahora. Así que, si te gusta todo lo relacionado con tu forma de tocar y estás contento con estar en su nivel actual durante el resto de su vida, no dude en dejar que su deseo de "juego justo" que consumen. Para todos los demás, es el momento de conseguir este hábito bajo su discreción.

Un error muy común: ¿No debería ser mejor cuanto más juegan?

Un error común afecta a muchos, que por lo tanto, les lleva a poner para acompañar registro en bucle y en solitario en el mismo tono durante horas. Muchos de nosotros, y me sorprendo aún hacerlo una vez en una luna azul, creen que cuanto más practican solos sobre una melodía con una para acompañar, mejor lo harán en solitario sobre ella. Para complicar aún más la situación, cuando practicamos esta manera, creemos que estamos mejorando. Como solista y otra vez el mismo conjunto de cambios de acordes, encontramos maneras de "arreglárselas" en la progresión. Por ejemplo, tal vez te das cuenta de que usted va a aspirar a la tercera en un acorde particular y que le llevará a través de la parte de la melodía, pero ¿quién quiere pasar su vida apenas de pasar? La verdad es que las grandes líneas no nacen de la nada. Claro, usted puede tropezar con una gran línea de vez en cuando se practica, pero cuando en solitario, que le gustaría cada línea para ser grande, no uno de cada diez. Grandes líneas y grandes solos se hacen a mano utilizando los conocimientos adquiridos en horas y horas con la música de los maestros, así como mucho tiempo experimentando con los conceptos hasta que suenen bien. Para enfatizar, grandes improvisadores están construyendo en la información que han adquirido a través de una combinación de estudio de otros y descubrir cosas mismas. A continuación, puede utilizar este conocimiento a voluntad mientras improvisan, para crear algo nuevo en el momento.

¿Por qué utilizar una para acompañar? Jamey Aebersold ha hecho todo lo posible para armar secciones rítmicas finas y progresiones de acordes bastante precisas en un pequeño paquete aseado, para hacer más fácil para que usted aprenda. Pero ¿por qué iba yo a pasar tiempo con una situación artificial de músicos modernos cuando puedo jugar con la misma facilidad, junto con una grabación de Charlie Parker, Dexter Gordon o Sinatra? Generalmente prefiero bucle de la melodía de una canción fuera de una grabación real en el software Transcribe, de jugar con juegos a coro. Play-alongs restan el tiempo que podría pasar con grabaciones reales de maestros. Les falta la energía que contienen grandes grabaciones, mientras que fácilmente le permiten apagar sus oídos y leer las progresiones en lugar de aprender a partir de las grabaciones. Sin embargo, jugar a coro pueden ser beneficiosos si se utiliza como una herramienta para facilitar los ejercicios, al igual que el saxofonista tenor Rich Perry me mostró cómo hacerlo.

El uso de juegos a coro como instrumentos Play-coro tienen algunas ventajas: Los solistas están fuera del camino para que pueda centrarse más fácilmente en la sección rítmica Los cambios son más definido y más fáciles de escuchar La pista se mantiene constante en términos de armonía

Estos atributos hacen juego a coro grande para la práctica de ejercicios con. Para usar una para acompañar efectivamente, abandonar la actitud que existe simplemente por por su deseo de "juego justo", mientras que tiene una banda de nuevo para arriba, y en lugar de crear ejercicios que ayudarán a hacer lo siguiente: Integrar nuevos trozos de lengua a su vocabulario Aislar un concepto El trabajo en los acordes de problemas Trabajar en averiguar los acordes de oído Cualesquiera otras cosas creativas que usted puede subir con Cuando se utiliza el juego a coro durante su práctica, asegúrese de que está la aplicación de algún tipo de ejercicio y no dejarse llevar por el impulso de "juego justo". La utilización de play-coro de esta manera le ayudará a mejorar mucho más rápidamente que si pones una canción de una para acompañar en la repetición e improvisar sobre ella sin cesar.

La integración de un nuevo lenguaje mediante el juego a coro Cuando utilizo el juego a coro, al igual que con looping melodías de grabación real, como he mencionado antes, secciones de bucle de los Play-Along, claves del cambio, y aminore su velocidad tan necesario en Transcribe. Es importante para mí tener ese control porque a menudo juegan a coro no están en la clave que quiero tocar una melodía en, o son demasiado rápido. Para utilizar el juego a coro como una herramienta, que ayuda enormemente a ponerlos en un programa como este. Supongamos que tengo un blues con claves, y yo quiero integrar una nueva métrica ii V que estoy trabajando. Yo simplemente voy a jugar a través de la melodía, y jugar esa línea cada instancia armónica que se produce en la melodía y el resto durante el resto de medidas. El objetivo es obtener el dominio sobre el uso de ese idioma, primero insertando directamente. Este ejercicio, en lugar de solos sin pensar una y otra vez en una melodía con la esperanza de que vaya mejor, es en realidad vale la pena repetir. Cada vez que repites, te vas a arraigar ese poco de lenguaje cada vez más profundamente en su subconsciente. Poco a poco, usted ganará flexibilidad en la línea y variar el ejercicio. Durante todos los casos en una melodía que se puede jugar de esa línea, a continuación, puede probar: a partir de la línea de tiempo, añadir notas al principio o al final de la línea, la combinación de la línea con otras ideas, improvisando con la línea en mente ... Las posibilidades son infinitas. Comience simplemente aunque por ser primero capaz de plop la pieza del lenguaje en donde se produce esa instancia armónico. Pronto, la línea estará totalmente integrada en su vocabulario.

El uso de juegos a coro para aislar un concepto Gran parte de la misma manera que acabo de describir sobre cómo integrar una sola pieza de

la lengua en su vocabulario, cualquier concepto que está trabajando se puede aislar y trabajó en extensamente utilizando una para acompañar. Es el mismo proceso que la integración de un trozo de la lengua, pero en lugar de utilizar una línea, se le aplique algún tipo de concepto que está trabajando. Por ejemplo, tal vez es un dispositivo rítmico que desea aplicar. Escoja los lugares en una canción en la que desea usarlo y cada vez que se pulsa esos lugares en la melodía, aplicar eres concepto rítmico. Date cuenta de que puede utilizar este método para cualquier concepto que desea mejorar.

Utilice juego a coro para trabajar en los acordes de problemas Todos tenemos esos acordes que obtenemos y justo congelación. Eso es un acorde problema. La mayor parte del tiempo, en lugar de trabajar en estos acordes, que se deslizan sobre ellos, o utilice uno de los enfoques que hemos descubierto este tipo de obras, pero no a la perfección. Reducir la velocidad. Entonces encontrar formas tus héroes abordan una situación similar y utilizar ese conocimiento para experimentar con cómo va a acercarse a la cuerda problema. Lazo de la sección en el para acompañar y aplicar sus nuevos conocimientos hasta que adquiera un firme entendimiento de cómo hacer para jugar más de esa instancia armónica particular.

Averiguar acordes de oído utilizando una para acompañar Con frecuencia, Rich Perry pondría en una para acompañar al azar de pista y no me digas la melodía. La primera vez que usted quiere oír los grandes lugares la melodía va. Lo fundamental es en? ¿De dónde empezar? ¿A dónde va el puente? En cada melodía existen estas bandera postes de los principales lugares de la melodía va. La segunda vez que usted quiere oír más detalles. ¿De qué manera la melodía llegar de un área principal a otro? Es a través de movimiento de ciclo? A ii V? Por la tercera vez, el objetivo de ser capaces de construir un solo de que funciona sobre el marco armónico que usted ha descubierto en las últimas dos coros. Este ejercicio puede parecer intimidante al principio, pero no te preocupes. Sólo ralentizarlo y escuchar de cerca, especialmente para el bajo. Recoge el movimiento bajo, tome nota de las cualidades de acordes del instrumento acordes, y utilizar su conocimiento acerca de cómo la armonía típicamente progresa (ii Vs son frecuentes, acordes V7 suelen resolver a la tónica o iii menor, u ocasionalmente Vi menor, etc.) Abandonando el libro que viene con una obra de teatro a lo largo y en lugar de forzarse a averiguar los cambios de oído le ayudará a su oído crecer enormemente, al tiempo que garantiza que no se está dando en el síndrome del oído-OFF-ojos-abierto que jugar-alongs permitir fácilmente.

La práctica de realizar después de haber practicado todo lo demás Después usted siente que ha trabajado lo suficiente en las cosas, entonces date la oportunidad de trabajar en la realización. Siéntase libre de dejarse llevar y disfrutar jugando un poco. Hay un dicho que he escuchado a varios músicos de jazz gran dicen: hay demasiado actuando en la sala de ensayo y el exceso de practicar durante la actuación. Recuerde que debe ejercer en la sala de ensayo y realizar cuando estás en el quiosco de música.

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Cómo jugar el exterior como un profesional: 4 Técnicas que va a hacer el 'Wrong' Notas de sonido Derecho Publicado por Eric En 07 de enero 2016 @ 10:55 am En Conceptos | inhabilitado los comentarios

Usted ha oído hablar solos con notas equivocadas ... Decisiones desafortunadas nota que te hacen temblar, escalas cuestionables que chocan con los acordes, y lame que suenan forzados y antinaturales. Pero supongo que también ha oído jugadores que pueden hacer ninguna nota suena bien sobre cualquier acorde, como si simplemente se puede improvisar lo que quieran. Aquí está lo interesante ... Esas notas que suenan como errores en uno de los jugadores son a menudo las mismas notas exactas que otro jugador se utilizar para obtener aplausos de un público de admiración. Entonces, ¿cuál es el secreto? ¿Por qué algunos solistas suenan cadera cuando juegan fuera, mientras que otros son de aterrizaje atascado en notas equivocadas? La respuesta se remonta a la forma en que se acerque a estas notas "de afuera" y el proceso

es más sencillo de lo que piensas. Dejame explicar…

Todo comienza con la definición de mal ... ¿Qué es exactamente una nota equivocada? Libros de Teoría e instructores de música le dirá que hay ciertas notas para evitar o tratar como notas de paso si desea que sus solos suenen bien ... El cuarto de los 7 principales acordes, el # 11, el B9, el Mayor 7 en acordes V7 ... Sin embargo, si usted toma una rápida escuchar a algunos de los grandes composiciones y los improvisadores de nuestro tiempo que escuchará que estas reglas se rompieron una y otra vez. Para algunos músicos estas notas equivocadas llevaron a nuevas posibilidades armónicas que transformaron su enfoque musical. "Pueden ser las notas equivocadas para ella, pero son las notas correctas para mí!" ~ Igor Stravinsky, en respuesta a la denuncia de un vecino de notas equivocadas como compuso La consagración de la primavera en el piano. Esto se debe a la idea de una nota equivocada es relativo. ¿Cuál crees que es una "nota equivocada 'no es una nota falsa para otra persona. Depende de su bagaje cultural, su experiencia musical, y la sofisticación de sus oídos.

En lugar de pensar en las notas o escalas correctas e incorrectas, improvisadores magistrales acercan a la armonía como un pintor haría su paleta. Cada acorde es una oportunidad para destacar un determinado color o crear una sombra de la disonancia armónica en función de su estado de ánimo en ese momento. Y así es como debe acercarse a la armonía también ... Después de todo, sería una vergüenza si usted limitado a sí mismo sólo a escalas mayores y los modos para el resto de su vida musical!

Cambiar la forma en que escuchas, cambiar la forma en solitario El camino para la expansión de su conciencia armónica y para improvisar más allá de los confines de la progresión de acordes se inicia con los oídos.

Al igual que las "notas" en el interior de un acorde, no se puede utilizar notas externas en sus solos hasta que pueda escucharlos. Y esto comienza con familiarizarse con el sonido único de estas notas de una en una. Cada nota fuera de una b9 a la # 11 a tiene un carácter y sabor específico. Para ver lo que quiero decir escuchar a los dos ejemplos a continuación y noto cómo estas decisiones afectan nota su oído: He aquí un extracto de un solo de Miles Davis en cuatro:

En este solo Millas pretende para el # 11 en el acorde Mayor 7, no como una nota de paso, sino como un sonido que él está tratando de enfatizar. Ahora echa un vistazo a este vídeo de Freddie Hubbard solos en su blues Birdlike:

Durante los cuatro primeros compases de este G azules, se está haciendo hincapié y sostener una nota que se encuentra fuera de la armonía tradicional (b9, b13):

En las manos de Miles y Freddie, estas notas no son notas incorrectas, pero diferentes tonos de color armónicos que añaden interés y la tensión de algunos acordes muy comunes y

progresiones. La razón de estas notas suenan bien no fue un golpe de suerte o un cálculo teoría de la música, en cada caso, el solista estaba oyendo el color específico de estas notas fuera de los incluyó en una frase musical.

El primer paso es inculcar el sonido único de estas notas fuera (b9, # 9, # 11, b13, etc.) en su oído. Recuerde, si usted no puede oír estas notas, usted no será capaz de improvisar con ellos. Empieza a practicar estos sonidos al jugar los acordes y las notas en el piano. Nos gustaría también recomendamos echar un vistazo al método de entrenamiento del oído.

En el Volumen 3 del método nos centramos específicamente en las estructuras superiores y notas alteradas de mayor, menor, medio-disminuido, y los acordes dominantes. He aquí una breve muestra de la # 11 en dominante 7 acordes para que os hagáis una idea:

Cierra los ojos y escuchar a ese clip hasta el # 11 está arraigada en su oído. La práctica de canto en Siguiente y jugar a estos sonidos exteriores en su instrumento durante varios acordes. Usted puede incluso utilizar una pista de juego una larga o bucle de una sección de una grabación en la sala de ensayo. Por ejemplo intenta mantener la # 11 sobre cada acorde de los azules:

Ahora tratar de jugar el b9 sobre cada acorde V7 en el blues o el # 9, o b13 ... Continuar este ejercicio con varias notas afuera en Mayor, menor y acordes dominantes. Estas notas pueden sonar mal al principio, pero recuerda que el objetivo es transformar estas notas de un sonido disonante o "nota equivocada 'en la oreja a un color familiar que usted reconocerá inmediatamente.

Jugar al aire libre: el uso de las notas incorrectas en el camino correcto

Una vez que tenga los sonidos de estas notas en los oídos es el momento de empezar a aplicar a sus solos. Y aquí es donde las cosas se ponen interesantes ...

Más importante que las notas a sí mismos es la manera en que el solista se acerca cada nota. Improvisando fuera de la progresión de acordes tiene que ser abordado musicalmente al igual que cualquier otra nota que usted juega. Los jugadores que suenan como si estuvieran golpeando notas equivocadas están aterrizando en estas notas, por error, pensando en las escalas y teoría en lugar de una declaración musical que se está escuchando en sus cabezas. Con este enfoque, incluso las 'notas' dentro de un acorde sonarán forzada y artificial ... Para obtener los mejores improvisadores, estas armonías fuera se utilizan como una forma de crear tensión y la emoción en su enfoque musical establecida. Escuche cómo Cannonball Adderley comienza su solo en el otro lado:

A continuación vamos a explorar 4 técnicas musicales que se pueden utilizar para

improvisar fuera de la progresión de acordes como un profesional ...

1) Desarrollar un Motif La primera forma en que muchos improvisadores utilizan notas disonantes o jugar afuera es parte de un motivo - una declaración musical o frase que se desarrollan y varían a lo largo un solo. Echa un vistazo a la apertura de en solitario de Kenny Garrett en el equipo G del álbum Negro Esperanza:

Durante un blues estándar D, desarrolla un motivo de cinco nota que introduce notas fuera de la armonía tradicional:

Debido a que hemos escuchado el tema 5 Nota nuestro oído acepta el énfasis del tritono en el acorde D7. Trate de comenzar su próximo solitario con un breve motivo y desarrollarlo mediante la adición de notas fuera de la armonía.

II) Utilizar patrones y formas

El trompetista Woody Shaw es a menudo visto como un ejemplo de la inventiva melódica y la libertad armónica. Una forma implementó su conocimiento armónico avanzada en sus solos es mediante el uso de formas y patrones. A menudo se utiliza estructuras intervallic o pentatónicas que tejen dentro y fuera de la progresión de acordes. Escuche el siguiente ejemplo de su solo en The Blues Walk:

Durante el acorde Ab7 interpreta a un patrón de descenso 3as menores que se mueven en pasos enteros:

Se oye la estructura ascendente de la pauta que hacen esas notas fuera más de un Ab7 (7ª Mayor, B9, # 11, # 9) tiene sentido. He aquí otro ejemplo de esta técnica utilizada por Michael Brecker en su solo en azul Bossa. Observe cómo se utiliza la forma de un arpegio Mayor de ir fuera de la armonía:

Practique diferentes patrones intervallic y formas melódicas que les rodea moverse por semitonos. Comenzar con tríadas mayores o menores o patrones pentatónicas o incluso

fragmentos de escala y aplicarlos a diferentes acordes.

III) Hacer una declaración Melódico La clave para un sonido excepcional como improvisador está haciendo declaraciones musicales sólidos. Y esta es otra manera de que muchos improvisadores son capaces de introducir notas externas. Tome una frase musical que se está escuchando y jugar una tercera mayor o incluso un tritono de distancia de la llave original. Echa un vistazo a cómo Freddie Hubbard hace una declaración melódica en la clave de B Major durante los cuatro primeros compases de un blues en G:

Estas notas fuera del trabajo porque él hace una declaración melódica sólida con confianza rítmica. Como resultado de estas elecciones nota altamente disonantes trabajan dentro de la frase más grande.

IV) Utilizar estructuras cromáticas Por último, puede crear sin adhereing a la estructura armónica de la melodía jugando líneas construidas con cromatismo. Para ver a qué me refiero, visita las líneas que juega Miles en el clip a continuación que el uso de cerca el movimiento cromático:

El movimiento y la forma de la línea es más importante que el ajuste de notas en la armonía establecida ... Tome un escuchar a este coro de Bb azules de solitario de Freddie Hubbard en Hubtones (doble álbum Take):

En la sala de la práctica, hacer ejercicio líneas (ascendente y descendente) que utilizan estas estructuras cromáticas cercanos.

Técnicas simples conducen a líneas musicales complejas Las líneas exteriores y armonías menudo suenan increíblemente complejo.

Sin embargo, la verdad es que estas líneas se desarrollan a partir de conceptos sencillos y un enfoque melódico que hace que cualquier línea suena bien. No importa lo que las notas que usted elija para jugar en sus solos, debe acercarse a ellos con la musicalidad - Tiempo, ritmo, sonido, el lenguaje y el fraseo musical. Son estos aspectos que justifiquen cualquier nota que usted juega en su solitario. La comprensión de la teoría no hará que estas notas fuera suenan bien - es sus oídos. Comience por inculcar el sonido de estas armonías extendidas al oído a través de la práctica o de un programa como el método de entrenamiento del oído. Al comenzar a aplicar estos sonidos en sus solos de utilizar las siguientes técnicas para hacer estas notas de trabajo en un contexto musical: Desarrollo motívica Una secuencia de patrones y formas Declaraciones melódicos y fraseo musical Cerrar estructuras cromáticas Si nos fijamos en el número de grandes improvisadores jugar fuera usted encontrará que están empezando con estas ideas y conceptos simples y aplicarlas de manera musicalmente creativas. Ahora es su turno para tomar estos conceptos en la sala de ensayo. Comience con un concepto simple y ver lo lejos que puede llevarlo a cabo!

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Cómo jugar el blues en todas las claves Publicado Por Forrest En 07 de febrero 2011 @ 23:33 En Acordes, Conceptos, Consejos, Visualización | No Comments

Un reciente pregunta de un lector preguntó acerca de los blues en todas las claves: Soy un jugador de saxo y he estado trabajando a través de los azules en todas las claves de los últimos meses, y me preguntaba si ustedes tenían ningún consejos, trucos, o algún consejo? Todos hemos escuchado una y otra vez: Aprender el blues en todas las llaves. Parece una tarea desalentadora, pero con estos consejos, usted estará bien en su manera.

Entender y visualizar los componentes de un blues Antes incluso de aprender a jugar en un blues en una de las claves, que ayuda enormemente a comprender todos los componentes de un blues. ¿Qué quiero decir con componentes? Por componentes, estoy pertenecientes a los bloques de construcción de armónicos de la progresión. Para un blues típicos, que consisten en: Yo dominante IV dominante ii V iii Vi iii Vi V II (que está cubierta fundamentalmente por los 2 componentes anteriores, pero le permite ser a fondo)

El siguiente paso es visualizar cada uno de estos componentes en relación con su tónica, en todas las teclas. Aquí está el proceso: 1.) Primera visualizo los símbolos de acordes I a IV

2.) Siguiente visualizar el ii V de cada tecla, resolviendo a su tónica

3.) Ahora visualiza una medida iii Vi, que viene de la tónica

4.) Ahora visualiza iii Vi ii VI

5.) Después de visualizar cada componente de un blues en todas las teclas, ponerlo todo junto y visualizar toda la progresión en todos los tonos. Visualizo como 3 trozos de cuatro compases.

Para aprender a tocar un blues en todas las teclas, comenzar con una llave Ahora que se puede acceder rápidamente a la armonía de un blues en todas las claves a

través de la visualización, es el momento de aprender a jugar en un blues en todas las claves. Pero antes de jugar en todas las teclas, comenzar con una llave. Comience con una de las claves más comunes, quizás F. Piense a través de los cambios en esta clave. Luego, piensa en los diversos componentes armónicas en esta clave y pregúntese si realmente tiene el lenguaje sobre cada instancia armónico. Sin un modelo de cómo acercarse a cada componente de un blues, simplemente está sacando de su conocimiento de los cambios de acordes para construir su solitario. Si no estás seguro de lo que quiero decir, leer este artículo sobre cómo adquirir el lenguaje del jazz. Una forma sólida de entender y adquirir el lenguaje de cada parte de un blues es transcribir una sencilla coro de uno de sus héroes que juegan un blues. Por ejemplo, encontrar un coro de Miles jugando francamente en un blues y aprender fuera de la grabación. Como he sugerido en el ejercicio de visualización, piense en el blues como tres trozos de cuatro compases. Una vez que has aprendido de su coro, entender cómo cada frase se refiere a cada uno de estos trozos de 4 compases. Después de la clave más comunes, vaya a otra clave común, tal vez Bb, seguido de Eb y así sucesivamente. Una vez que comience a aprender cosas en todas las teclas con mayor regularidad, es posible que desee proceder de manera diferente después de ellos clave más común. En vez de ir a otra clave común, subir o bajar un semitono. De esta manera usted generalmente saltar a la derecha en las teclas difíciles. Una vez que hacer frente a una de estas teclas más oscuros, el resto son mucho más fácil.

A partir de blues coros y de hacer declaraciones Es difícil describir exactamente lo que una "declaración" Es en este contexto, pero si te pasas un minuto escuchando Gene Ammons, obtendrá de inmediato. Él siempre se abre con una declaración sólida y continúa conduciendo a casa a lo largo de sus solos. Aprender a comenzar un blues al hacer una declaración. He aquí algunos otros chicos que hacen declaraciones claras y definidas.

¿Cómo se piensa en los cambios de blues Al igual que la vida, ¿cómo crees que lo es todo. Cómo siempre piensas en el blues cambios pueden cambiar drásticamente la forma de jugar con ellos. Por ejemplo, hay un montón de acordes V7 en el blues. Cualquier acorde V7 se puede dividir en un V. ii O, usted podría ir en otra dirección: en lugar de pensar de B-media disminuyó E7 para un bar, sólo podía pensar en E7. Esto está estrechamente relacionado con el uso de ii Vs para activar progresiones estáticas (en el ejemplo siguiente, este dispositivo está anotada como actuar. Estática). La forma de abordar estas combinaciones es infinita. He aquí algunas ideas básicas de lo que estoy hablando:

Tocando blues en todas las claves Para tocar blues en todas las teclas, se necesita un concepto de cómo jugar sobre cada componente del blues. Suena simple, pero se necesita un montón de trabajo duro para lograrlo. Como sugirió: Comprender y visualizar los componentes de un blues en todas las claves Tienen lengua para jugar sobre cada instancia de armónicos en un blues Transcribir un coro de uno de sus héroes que juegan un blues Aprende a hacer declaraciones Comience con el dominio de una de las claves Variar la forma de pensar acerca de la progresión de blues Siga estos consejos y pronto estará en su manera de tocar blues bien en todas las llaves.

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El Camino a jugar lo que estás escuchando Publicado por Eric En 23 de agosto 2011 @ 22:20 En Conceptos, Oreja, Jazz Educación, Consejos | 1 comentario

"Juegue lo que estás escuchando en su cabeza!" Estas son las instrucciones que numerosos libros, videos, y los educadores nos dicen en nuestra lucha por encontrar la manera de jugar más de progresiones de acordes. El único problema en situaciones como éstas es, como principiantes, no estamos escuchando algo en nuestras cabezas. Piense de nuevo a la primera vez que se trató de improvisar una línea sobre una progresión de acordes. Si usted fuera como yo, que estaba desesperadamente buscando el "derecho" notas para jugar y usar la escala que has memorizado para encontrarlos. Cuando usted está aprendiendo a improvisar, usted está demasiado ocupado romperse la cabeza para las escalas y evitando notas "incorrectas", para usar sus oídos o escuchar nada. Claro, se hace más fácil a medida que avanza como un improvisador: aprendes muchas más escalas, memorizar progresiones de acordes, transcribir solos, y averiguar los patrones armónicos. Sin embargo, te guste admitirlo o no, con todas estas herramientas que usted escoja, usted todavía está confiando en gran medida de un conocimiento mental de la música. El fondo aquí es que la mayoría de nosotros no están utilizando nuestros oídos lo suficiente como improvisamos. Si usted se siente continuamente como la improvisación se ha convertido en un ejercicio repetitivo o que mantenga regresar a los mismos patrones y lame a medida que juega más de melodías, entonces este artículo es para usted.

Frente a la brecha entre nuestros oídos y nuestra mente Es un simple hecho, es mucho más fácil de entender un concepto mental que ejecutar en realidad o realizar delante de un público. Esta declaración es cierto para cualquier profesión, pero que suena especialmente cierto para los músicos. En el proceso de aprender a improvisar recogemos mucha información valiosa: escalas menores melódicas, escalas pentatónicas, líneas ii-V, subs tri-tono. Todo esto es una buena información, pero se necesita mucho más que la comprensión mental para tener estos conceptos salen en su improvisación del día a día. El problema con la mayoría de la educación del jazz de hoy es que gira en torno a la idea de memorizar la información (escalas, acordes, y líneas), pero la capacidad de escuchar y cantar en realidad corresponde a la vera del camino. El resultado es que la mayoría de nosotros entendemos mucho más teórica sobre la música de lo que realmente podemos realizar. Es útil para comprender la teoría del jazz, memorizar las escalas, y estudiar las progresiones de acordes, pero puede que en realidad escuchar estos conceptos? ¿Tiene ellas arraigada en su técnica hasta el punto de que van a salir inconscientemente en su improvisación? Estos son los factores que harán una diferencia drástica en su acercamiento a tocar jazz. Cuando se puede identificar tonos de acordes y progresiones auditivamente y su técnica está ligada a sus oídos, se le improvisando en un nivel completamente nuevo.

Conseguir tus oídos a la velocidad Entonces, ¿cómo se puede mejorar rápidamente sus oídos y empezar a jugar lo que se oye? Primero tiene que traer sus oídos al mismo nivel que su comprensión mental de la música. Este proceso va a ser diferente para cada persona. Si usted ha pasado tiempo desarrollando su oído en la sala de práctica, luego de cerrar esta brecha no tomará tanto tiempo. Sin embargo, si usted no ha hecho ningún entrenamiento del oído en absoluto, entonces usted va a tener que hacer una pequeña investigación. Inicialmente, puede ser sorprendente cuán grande es la brecha entre el nivel de los oídos son su comprensión mental de la música. Usted puede estar trabajando en sustituciones tri-tono o el estudio de las transcripciones que son altamente cromática en la sala de ensayo, pero cuando se trata de sus oídos, es posible que tenga problemas para escuchar y cantar incluso las 3as y 7ths de acordes. Si este es el caso para usted, quédese con él. Ya tienes un gran comienzo la comprensión de la teoría involucrada en la improvisación, ahora sólo tienes que conseguir tus oídos a ese mismo nivel. Haga sus oídos como una prioridad en su rutina de la práctica haciendo algunos ejercicios básicos de entrenamiento del oído todos los días.

Comience con el blues Es importante recordar que todo lo que trabajamos en la habitación de la práctica es con el

propósito de llevar a cabo sobre una melodía. Así que a medida que trabaja para mejorar sus oídos, por qué no aplicarlo a una progresión de acordes comunes, como el blues? Intente este ejercicio: Auditivamente identificar y cantar la tercera parte de todos los acordes básicos de un blues de 12 compases. Ahora mantener durante un segundo. Sé lo que estás pensando: "Esto es demasiado simple, lo sé por ahora que el tercero de cualquier acorde es un tono acorde fuerte." Sí, usted sabe en su mente, pero ¿podrías cantar las terceras partes de una progresión de blues si alguien le entregó un micrófono? En lugar de seguir el mismo patrón de práctica mental - que representa la tercera parte de todos los acordes en su mente y pensar en ello por un segundo - lo que necesitas hacer realidad esto! Esto significa sentarse con una grabación, identificando el sonido único de la tercera con su oreja, y luego cantar esa nota con confianza sobre cada acorde. La única manera de mejorar sus oídos es usar realmente ellos en la sala de ensayo. Si continúa acercarse a improvisar de una forma mental, la brecha entre los oídos y la mente se va a poner más y más. Ahora, de vuelta a ese ejercicio. Primer paso: encontrar un registro de sus favoritos blues de 12 compases. Busque un coro de la canción donde la progresión es clara y bucle en Transcribe. O, si usted tiene las chuletas de piano, puede que incluso quiere tocar los acordes en el piano.

A continuación, aislar el sonido de la tercera del acorde y cantarla sobre cada acorde de la progresión. Durante G azules, que se vería así:

Si usted está teniendo problemas para conseguir el tercero de inmediato, trate de escuchar que en relación a la raíz. Canta la fundamental del acorde y luego saltar hasta una tercera Mayor a la tercera del acorde:

El objetivo es ser capaz de cantar con confianza el 3 de cualquier acorde en la progresión de blues sin pensar en ello. Practique este ejercicio hasta que el sonido de ese tono de acordes está arraigada en los oídos. Entonces, y sólo entonces, en caso de que pasar a jugar los mismos ejercicios en su instrumento. Una vez que tenga la tercera del acorde abajo y que con confianza puede oír, cantar y jugar a lo largo cada acorde de la progresión de blues, prueba el mismo ejercicio con el séptimo de cada acorde:

Continúe este ejercicio para cada tono acorde (raíz, quinto, noveno, 11, 13, etc.) para que pueda aislar fácilmente el sonido de cualquier tono de acordes a medida que avanza a improvisar.

Cantando guía líneas de tono Una cosa que los educadores de jazz subrayan que comienzan improvisadores es "tocar las líneas de guía de tono" y "utilizar 7-3 resoluciones", de esta manera usted escuchará los cambios. Jugar guía líneas de tono en nuestros instrumentos es una buena manera de ver las interrelaciones funcionamiento de una progresión de acordes, pero de ninguna manera es una garantía de que vamos a ser capaces de escuchar que la progresión. De hecho, juegan guía líneas de tono puede convertirse rápidamente en un ejercicio mental; sabemos que el séptimo de un acorde puede resolver a la tercera de la otra y viceversa. Como resultado, se utiliza esta fórmula mental para navegar cambios de acordes, imaginando las notas en nuestra mente y encontrar la manera de resolverlos a la siguiente. Muy pronto nuestros oídos se quedan fuera todos juntos y la meta original de "escuchar" los cambios se perdieron con ironía. Para sacar el máximo provecho de guía a las líneas, hay que escucharlos y cantarlas primero incluso antes de tocar su instrumento. Volvamos a los azules en G. Trata de cantar esta línea tono de guía a continuación que se inicia en la tercera (Recuerde que para cada ejemplo, tocar los acordes en el piano o cantar junto con una grabación):

Utilizando la misma idea de 7-3 resoluciones que se muestran arriba, crear una línea de tono de guía a partir de la séptima:

Crea tus propios patrones Después de que usted tiene el sonido de la tercera y la séptima de cada acorde y las resoluciones inherente dentro de una progresión de blues en los oídos, es el momento de desarrollar algunos de sus propios patrones sobre esta progresión. He aquí un ejemplo, al pasar de la tercera a la séptima de cada acorde:

Cuando usted se sienta cómodo con esto, explorar el uso de progresiones alternativos para el blues o incluso acordes sustitución:

Como se puede ver, se puede seguir recibiendo más y más compleja. La clave es que usted está cantando todo y forjar esa conexión crucial entre sus orejas y su técnica. Ahora, después de probar algunos de estos ejercicios, cuando se escucha a una progresión de blues, usted debe comenzar automáticamente Ideas oír en su cabeza para jugar. Con el tiempo, a medida que avanza a improvisar, no se le pegan con una báscula o lamer a trabajar con - que realmente va a escuchar los tonos de acordes, tonos de guía e ideas musicales en su cabeza. Siga esta técnica la práctica misma de cualquier melodía que puede estar trabajando. A pesar de que estos ejercicios parecen elementales, a primera vista, que realmente son la fórmula para la reproducción de lo que se oye.

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¿Por qué debería compartir sus conocimientos musicales Publicado por Eric En 15 de agosto 2011 @ 12:53 AM En Consejos para todos, Consejos | No Comments

Existe una trampa escondida en el camino del aprendizaje de la improvisación. Uno que se puede caer en sin siquiera darse cuenta. En salas de ensayo de la escuela de música, sesiones de improvisación, e incluso en la sala de espectáculos, el arte de la improvisación puede recaer con frecuencia en una pequeña competición. En lugar de compartir la información y se centra en la musicalidad, algunos músicos tienen como objetivo "reducir" a otros jugadores o mostrar su destreza técnica o armónica. En lugar de un ambiente de aprendizaje mutuo y la musicalidad, se hace cada hombre o mujer para sí mismos. Como resultado, otros músicos derrochan información musical y mantener sus ideas para sí mismos porque sienten que los pondrá por delante en el juego, cuando en realidad lo hace justo lo contrario.

Lo que se pierden Si mantiene su conocimiento musical y descubrimientos escondidas con la esperanza de ir un paso por delante de la competencia, que se está preparando para el desastre. No sólo usted está promoviendo el estancamiento musical, pero está el retraso del crecimiento con eficacia su propio crecimiento como improvisador. Cuando alguien confía en un "lamer secreto" para que suene la cadera o una técnica truco para impresionar a la multitud, la búsqueda de nuevas ideas e influencias se detiene. En lugar

de continuo aprendizaje, transcribir y experimentando con nuevas armonías, regresa una y otra vez a estas ideas rancias. Debido a que se paga tanta atención a la celebración en estos lame y prevenir el éxito de los jugadores rivales, nada se deja al centrarse en la búsqueda de nueva información. Esto no es una receta para el éxito. Si usted ve esta tendencia común en su propio juego, poner fin a la misma. Deja ir todos esos licks cansados, abre tus oídos, y comenzar de nuevo cada vez que improvisar. Cuando usted regala sus conocimientos, a escapar de la carga de llevar a su alrededor y, como resultado, es libre de buscar nuevas ideas.

¿Por qué estás jugando? El verdadero espíritu de esta música se encuentra en el hecho de jugar con otros y compartir esta experiencia con un público. Cuando se oculta el conocimiento de los demás, que está haciendo la competencia el objetivo principal de sus solos en lugar de la colaboración. Esto ocurre en detrimento de todos los involucrados. Mientras que algunos la competencia es saludable en su continuo desarrollo como improvisador, no debe ser la única razón por la que usted está jugando esta música. Utilice el señuelo de la competencia para empujarse a nuevos niveles en la sala de la práctica, pero cuando estás en el escenario, crear con los demás en el espíritu del momento.

Siguiendo el modelo de los maestros Aprender de sus pares y el intercambio de información con sus amigos es una de las maneras más rápidas para mejorar y mantenerse fresco musicalmente. Como prueba de esto, usted no necesita mirar más allá de los maestros de la música. Tome la colaboración de Bird y Diz, la Lennie Tristano "escuela", y las historias de Monk y Coltrane practican juntos. Todos estos son ejemplos de músicos que comparten información e ideas en el espíritu de la creatividad y la mejora mutua. Ninguno de estos jugadores perdió su identidad mediante el intercambio de sus conceptos y descubrimientos musicales con otros músicos. De hecho, los llevó a perfeccionar sus ideas aún más e inspirar a una generación de músicos jóvenes.

Lucha esta tendencia natural Compartir su conocimiento duramente ganado no es un concepto nuevo, sin embargo, es que es difícil de seguir. Aquí hay un par de cosas a tener en cuenta en su viaje para mejorar: Asumir una actitud de aprendizaje permanente Uno de los mayores obstáculos para su progreso en cualquier disciplina, es la creencia miope que ha aprendido todo lo que usted necesita saber. Se mire como se mire, la búsqueda de nuevos conocimientos es interminable. Como improvisador no hay un punto en el que llega a

un estado de jazz iluminada y puede aprender nada más. Una vez que haya dominado una técnica o concepto, debe dejarlo ir con el fin de buscar una nueva. Tome Miles y 'Trane por ejemplo. A lo largo de cada etapa de sus carreras que hicieron saltos musicales agigantados. En cualquier momento, podrían haber dejado de evolucionar y se quedó satisfecho con su nivel actual. En cambio, los dos dejaron de lado sus estilos establecidos y fueron en busca de nuevas fuentes de inspiración. Una parte de su dominio de la música era su capacidad de buscar continuamente nuevas ideas y aprender nuevos conceptos, evolucionando musicalmente y técnicamente hasta el día de su muerte. Trágate tu orgullo Dondequiera que vaya, hay otros músicos que poseen información que usted podría beneficiarse. La clave para mejorar es compartir esta información. Sin embargo, esto no es precisamente fácil de hacer en ese hacer preguntas revela su propia ignorancia. No dejes que tu ego se interponga en el camino de su desarrollo o la búsqueda del conocimiento. Aproveche cada oportunidad que tienes para hacer preguntas y compartir información. Desarrolle su propio sonido Al compartir información, tranquilo por el hecho de que no hay dos músicos pueden sonar exactamente iguales. Otro músico puede transcribir la misma línea que usted o utilizar la misma sustitución, pero van a jugar con su sonido o articulación? ¿Van a utilizarlo en sus solos de la misma manera que usted hace? La respuesta es no, absolutamente no. Basta con tener el conocimiento de un dispositivo armónica o la transcripción de una línea de un solitario no significa que usted será capaz de ejecutar en sus improvisaciones. Eso requiere horas de práctica y con esto viene la individualidad de cada músico. Por otro lado, tener esto en cuenta a medida que está transcribiendo y el aprendizaje de los solos de sus jugadores favoritos. Regurgitando líneas de otra persona no califica como improvisando. Siempre tratar de hacer esas líneas de su propia medida que los aprendas a partir del registro, con el tiempo el desarrollo de su propio idioma. Al final, ser generoso con sus conocimientos e ideas - usted recibirá mucho más de lo que usted está regalando.

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La Habilidad olvidada Publicado por Eric En 11 de diciembre 2012 @ 13:04 En Consejos para todos, del oído, las rutinas de práctica, Consejos | Comentarios movilidad

Hay una parte importante de la práctica y el aprendizaje de cualquier instrumento musical o estilo musical que muchos jugadores están involuntariamente desaparecidos. Una habilidad necesaria que es tan obvio que a menudo permanece oculta a la vista. Parece ser la misma en todos los ámbitos, desde principiantes absolutos a comandantes de la música en la universidad. No importa si usted está estudiando música clásica o está trabajando en la improvisación. Esta pieza esencial de la práctica a menudo se pasa por alto, dado por sentado, ya veces incluso se saltó por completo. Sin embargo, es una actividad que puede ser una de las cosas más beneficiosas y divertidas que puedes hacer por tu forma de tocar. Si se hace de la manera correcta, se puede cambiar por completo su concepción de la música e incluso acelerar el proceso de aprendizaje. Entonces, ¿qué podría esta "cosa" ser? Usted practica su técnica, usted juega algunas cajas de pinturas, haces unos ejercicios de entrenamiento auditivo, usted ha estudiado su teoría, se

ejecuta a través de algunas progresiones de acordes complicados, revise algunas canciones que has aprendido ... pero usted todavía está faltando es . Cualquier conjeturas? Está escuchando. Ahora usted puede estar pensando que escucho todo el tiempo. Escucho cuando estoy caminando a clase, escucho música en el gimnasio, y me enciendo un registro cuando estoy leyendo o estudiando. Sin embargo, se le acaba de escuchar música en segundo plano o está realmente escuchando a ella? (... Y sí, hay una diferencia.) Además, se escucha una parte de su rutina de la práctica diaria? ¿Establece un tiempo cada día para escuchar una melodía que usted está aprendiendo o un solo de que desea transcribir? Si no, usted debe considerar hacer algunos cambios.

Por qué escuchar? Muchas personas tratando de aprender a improvisar no se escucha lo suficiente, así de simple. Gran parte de la confusión en el aprendizaje de los fundamentos de la improvisación se remonta a una simple falta de escucha. Un día normal de la práctica para la mayoría de jugadores incluye libros etude y ejercicios técnicos y escalas y melodías y canciones play-alargos, pero lo único que falta es la escucha seria. Escuchando alguna manera ni siquiera encaja en la imagen de la práctica. Se trata más de una actividad de fondo secundario hecho como una idea de último momento fuera de la sala de ensayo en lugar de una pieza esencial del aprendizaje de esta música. Claro que usted pone en un par de grabaciones en todo el curso de su día, pero ¿qué hay de escuchar durante el tiempo que en realidad se está tratando de aprender esta música? Escuchar debe ser una parte integral de su rutina de la práctica, no importa qué nivel puede estar en en su desarrollo musical. Es posible que aprendiendo a escuchar un blues de 12 compases por primera vez, a trabajar en su articulación y el tiempo, o el estudio de las sustituciones de acordes V7. En lugar de disparar a ciegas en la oscuridad tratando de aprender estos conceptos, seguir una guía. En lugar de aprender a partir de definiciones y descripciones vagas, pone en un registro y se escucha el sonido de estos dispositivos en acción. "Me gusta escuchar. He aprendido mucho de escuchar con atención. La mayoría de la gente nunca escucha ". ~ Ernest Hemingway

Cuando uno escucha, se definen los conceptos fundamentales de la musicalidad y la

improvisación en su mente y su oído. ¿Qué quiere decir con "swing"? ¿Cómo se articula? ¿Qué es una buena trompeta o saxofón sonido? ¿Qué hace un sonido ii-V7 como? ¿Cómo se juega sobre un blues? Al escuchar, las respuestas a estas preguntas comenzarán a formarse en su mente. En última instancia la improvisación debe provenir de una fuente interna de la comprensión y si sólo está confiando en una captación mental tenue, vas a correr continuamente en dificultades. Su comprensión de estos conceptos fundamentales comienza con la escucha de grandes grabaciones o actuaciones en directo:. Inculcar tiempo sólido, un buen sonido, fraseo, se siente, la articulación, la tensión armónica y suelte Esta es la razón principal por la que usted debe estar escuchando. Piense en sus propios hábitos de práctica por un momento. ¿Alguna vez has tratado de jugar un estándar a partir de una lámina de plomo sin escuchar primero? ¿Alguna vez ha trabajado en su sonido o articulación sin escuchar a los maestros? ¿Alguna vez ha tratado de memorizar una progresión de acordes o estudiar un dispositivo armónica sin siquiera escucharlo? Claro que se puede tratar de describir estos conceptos con palabras: "Swing con una sensación de tresillo, lengua en la UP-beats, tocar una escala menor melódica del séptimo grado de la escala, el objetivo para el # 11 ..." y puede memorizar los nombres de progresiones de acordes o las notas de una melodía. Pero toda esta terminología vaga se acaba de describir el sonido real y la verdad es que sólo podemos entender el sonido de una manera: la escucha. Hazte un favor, no aprenden los conceptos fundamentales de la improvisación lejos de la música en sí. Lo que toma muchas palabras para producir una descripción vaga puede ser entendido en el segundo con un poco de escucha enfocada.

Una lección de historia musical Así es el único beneficio de escuchar a ganar una concepción mental y la comprensión auditiva de los conceptos fundamentales de la musicalidad y la improvisación? De ningún modo. Uno de los mayores beneficios que obtenemos de audición grave es un conocimiento en profundidad de la historia de esta música. Hay cientos de registros esenciales por ahí que usted necesita saber para ser un improvisador informada, consciente y relevante. No vas a aprender esta historia musical a través de una página de Wikipedia o viendo un DVD de la serie sobre la historia del jazz. La única forma en que vamos a familiarizarse con la historia estilística y el linaje de esta música es a través de la escucha - horas y horas pasadas en cientos de grabaciones. Y con los miles de registros que hay, esto significa un montón de escuchar. ¿Alguna vez ha existido grandes improvisadores, mientras que un registro se enciende? Todos ellos parecen tener un conocimiento en profundidad de todo el gran registro y por lo general pueden cantar junto con los solos. Usted puede decir fácilmente lo mucho escuchar a un

músico que ha hecho a través de cuánto saben acerca de la música, así que asegúrate de que no te queda atrás. Hoy en día tenemos acceso a casi cualquier grabación podemos pensar en prácticamente en cualquier lugar que estemos. El aprendizaje de la historia de esta música a través de los muchos grandes grabaciones disponibles no es una tarea aburrida o una conferencia historia seca, es una actividad verdaderamente agradable que usted debe hacer todos los días.

Aprender a escuchar Tome un escuchar la melodía a continuación:

Ahora vamos a tomar una prueba rápida: ¿Conoce el tipo de compás de la melodía? ¿Sabe usted la forma de la melodía? ¿Hay un puente? ¿Cómo May bares es la melodía? ¿Cuál es la progresión de acordes? ¿Cuál es el nombre de la melodía? ¿Quién es el jugador tenor? Si las respuestas a estas preguntas volaron por usted desapercibido como la grabación jugado, probablemente no se centraron lo suficiente en su escucha. Ahora, estas preguntas pueden parecer una exageración, por primera vez alguna vez has escuchado una melodía, pero verlo desde una perspectiva diferente. Imagine que usted conoció a algunos amigos para una jam session informal y dio la casualidad de que usted nunca ha oído hablar de la primera canción que se llama.

Si quieres improvisar con éxito más de esta melodía es necesario tener grandes orejas y lo que necesita para obtener las respuestas a las preguntas anteriores con gran rapidez. Habilidades de escucha enfocadas e informadas son necesarios para cualquier improvisador grave. Por suerte para nosotros escuchar no es una actividad estática que se mantiene igual por el resto de su vida, es una habilidad que se puede desarrollar y mejorar día a día. Si eres un músico, escuchar es la forma de tomar en la información si usted está en la sala de ensayo o en el escenario rendimiento. El más hábil usted está en la recogida de esta información, más fácil usted será capaz de navegar cualquier situación musical. Escuchar música es una reacción pasiva a sonar, mientras escucha requiere una acción de su parte. Todo el mundo puede escuchar la música que se está reproduciendo, pero no todo el mundo puede escucharlo.

6 pasos para escuchar mejor Escuchar es una actividad agradable, pero como músico también debe escuchar para obtener información. Usted puede afilar fácilmente sus habilidades de escucha hoy con unos sencillos pasos. Aquí hay algunos consejos para sacar más provecho de su próxima sesión de escucha: Asegúrese de que el 100% de su concentración debe estar en la música. La razón número uno que no estamos recibiendo suficiente de escuchar o encontrarnos perdidos en el formulario cuando la improvisación es que no estamos enfocados totalmente en la música. Al encender una grabación, asegúrese de encender su mente también. Escoja un lugar tranquilo, sin distracciones como una sala de ensayo para hacer su audición. Si sólo escucha cuando usted está conduciendo al trabajo, cocinar su cena, o caminar a la tienda a continuación, usted no está realmente escuchando. Despeje su mente durante unos minutos antes de iniciar la sesión. Con una mente fresca y despejada será mucho más productivo. Apague las luces para aumentar su sentido del oído. Usted probablemente ha escuchado que si le quitas un sentido, sus otros sentidos se agudizan. Esta absolutamente cierto cuando se trata de escuchar. Cierra los ojos o encontrar una habitación oscura para duplicar su concentración. Permanecer en la tarea y no deje que su mente vagar o soñar despierto. Nuestra concentración está constantemente tratando de alejarse de nosotros y la parte difícil viene en el sostenimiento de este enfoque durante largos períodos de tiempo. Repetición. Escuchar más de una vez o dos veces para arraigar todas las sutilezas de que la información musical. A menudo se dice que las respuestas están en los registros, pero no sólo se va a venir a usted sin ningún esfuerzo. Hay que buscarlos y lentamente obtener estas respuestas una por una. Usted puede estar buscando la melodía de una canción, una progresión de acordes no convencional, o incluso una línea II-V. Para obtener estas respuestas que usted debe escuchar a una parte muy específica de la

música. Debe utilizar la escucha selectiva. Cuando está totalmente enfocado al escuchar que escuche sutilezas y detalles que se pasan por el oído no entrenado. Unas medidas o una sola línea le puede dar las respuestas que has estado buscando. Escucha Focalizada debe ser una parte cotidiana de su rutina de la práctica. Si usted está tratando de aprender una melodía escucharlo al menos de 3x. Si desea transcribir un solista o línea toman algunas medidas y escuchar a ellos de 10x en una fila hasta que pueda cantar la línea. Si usted está tratando de aprender cómo articular, elegir un gran ejemplo grabada y arraigar ese sonido.

Al oír o escuchar? La música es todo lo que nos rodea en nuestra vida cotidiana. Es corrientes de la televisión, es bombeado como vamos de compras de comestibles, y persiste en el aire cuando nos sentamos en la sala de espera en el consultorio del dentista. Recibimos días acostumbrados a día para escuchar este ruido de fondo, pero en realidad no escucharlo. Esto no es totalmente culpa nuestra, sin embargo, la mayoría de esta música no se produce para ser escuchado, sino más bien a afectar a nuestro estado emocional. La tecnología también ha tenido un papel en la disminución de nuestros hábitos de escucha. iPhones y iPods y otros reproductores de música portátiles son ideales para tomar su colección de discos con usted donde quiera que vaya, sin embargo, sin darse cuenta a su vez las grabaciones importantes de su colección en la música de fondo para su vida. Tenemos una banda sonora para nuestro viaje al trabajo, para nuestros descansos de estudio, e incluso para nuestra rutina de ejercicios diaria. No estamos exactamente escuchar, en lugar de tomar en esta música como un acompañamiento agradable para nuestras actividades diarias. Se fue demasiado son los días en que tenía que estar en una habitación con un tocadiscos y altavoces para reproducir una grabación, de dónde vienes con un propósito singular - para escuchar. Como resultado, una gran cantidad de información importante musical nos está pasando desapercibido en una base diaria. Si usted es serio acerca de aprender a improvisar, entonces debe hacer un esfuerzo extra para asegurarse de que está escuchando la manera correcta. La próxima vez que usted pone en una grabación apenas no deje que el sonido pasar inconscientemente. Tome un momento y preguntarse: "¿Estoy simplemente oyendo o estoy realmente escuchando?"

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Cómo obtener más Desde transcritas Solos Publicado por Eric En 20 de abril 2010 @ 18:46 En Conceptos, Transcripción | No Comments

Transcribir, transcriba, transcriba. Es lo que has estado escuchando desde que empezaste a aprender a improvisar ... y por una buena razón. Transcripción es una de las mejores maneras de aprender el lenguaje estilístico de jazz, mejorar su oído y, en definitiva, ser un mejor todo alrededor de improvisador. El mero hecho de aprender un solo de oído es mucho más eficaz que la lectura de cualquier pieza de música o el ejercicio y hecho como una parte cotidiana de la práctica, los resultados en su improvisación será inmediato. Pero, la transcripción no es el punto final en el desarrollo de su propio vocabulario del jazz, debe ser el primer paso en la creación de su sonido personal. Pruebe algunos de estos ejercicios para ir más allá de sólo el aprendizaje de las notas:

Elija una parte de un solo que te llame la oreja Muchas veces, cuando empezamos a aprender un solo de nosotros sentimos que tenemos que aprender todo el solista para obtener algo de él. Sabiendo todo el solista es ideal para ver las cosas como enunciado o desarrollo motívica, pero usted puede conseguir lo mismo de aprendizaje de una línea o patrón sobre una progresión. Comience con una línea que realmente llama la atención, o un pasaje que es muy fluido sobre una progresión que está teniendo problemas con. Tal vez usted está buscando algunas ideas más para jugar sobre ii-V o quieren averiguar lo que Woody Shaw está haciendo en ese realmente fuera de línea.

Analizar los aspectos musicales de la línea Una vez que hayas aprendido la línea y escrito hacia abajo, mira a ver lo que está sucediendo armónicamente, melódicamente y rítmicamente. Si se trata de una línea sobre una progresión II-V, ver donde la línea comienza en la medida, se utiliza material de diatónica siendo, es el acorde V7 estando sustituido? etc. Al mirar a un solo de este tipo, puede transferir las técnicas utilizadas en este solitario a cualquier melodía que está improvisando en lugar de sólo saber que uno se lame que usted sabe de este tono.

Haga sus propias variaciones Ahora que usted ha aprendido la línea y sabe cómo funciona, usted puede crear sus propias variaciones al hacer ligeros cambios en el original. Comience variando el contenido armónico; si el sonido V7 es diatónica añadir un # 9 o b9, o añadir un b5 al acorde ii. Siguiente probar algunas variaciones rítmicas a la línea, tal vez utilizando material triplete vez de corcheas o extender la frase sobre las líneas de compás. Finalmente mirar el contenido melódico de la línea y desarrollar nuevas ideas. Si la línea es descendente intento ascendente con el mismo material, si el pasaje es escalar intente utilizar arpegios o intervalos más grandes, y si la línea comienza con una frase interesante tratar de seguir en una secuencia, etc. A medida que continúe para hacer estas variaciones , que se convertirá rápidamente evidente que las

posibilidades son infinitas; de una sola línea de transcripción que prácticamente se puede hacer un libro de su propio material original. Con estos sencillos conceptos, puede ir aún más lejos con los beneficios de la transcripción y empezar a crear sus propios conceptos que aparecerán en su propia improvisación. Esto le ayudará a ir desde simplemente repitiendo las notas de los solos de otra persona a la apertura de un nuevo nivel de creatividad en todos sus solos.

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Cómo Oír cambios de acordes Publicado por Eric En 17 de diciembre 2010 @ 21:37 En Acordes, oído, Consejos | Comentarios discapacitados

Un lector escribió recientemente: Estaba leyendo el "6 errores artículo" y estaba intrigado por la primera regla. Yo estaría más que feliz de tirar mi pésimo libro real sexta edición, pero tienen algunas preguntas sobre el aprendizaje de melodías de oído. Cuando estoy soplando a través de cambios o lame el aprendizaje, todo se reduce a los acordes. Así que yo dependo de los cambios en el libro. En las grabaciones, muchas de las veces todo lo que puedo oír es el solo lineal, y no puede escuchar los cambios en la sección rítmica. Así que cuando me entero de un estándar por el oído, ¿cómo debo acerco averiguar los cambios? Esta es una gran pregunta y que a menudo he luchado conmigo mismo. Claro, es lo suficientemente simple para obtener la melodía de un registro sin mirar un libro, pero descifrar todos los cambios de acordes puede ser otra historia. Ya sea debido a una pista mal grabada, un tempo rápido, o simplemente la falta de experiencia de plano, tomarse el tiempo para averiguar cada acorde a una norma puede ser frustrante.

Así que ¿por qué no buscar los cambios en un libro de verdad? Un gráfico en el libro de verdad representa sólo una versión de una canción tomada de una grabación. Esa carta puede haberse basado en los cambios de acordes sustituidos, una clave diferente, o incluso una melodía embellecido. Usted no tiene manera de saber a menos que usted echa un vistazo a el registro por sí mismo. Muchas veces, he aprendido una canción de

un libro sólo para darse cuenta demasiado tarde de que se juega normalmente en una clave diferente. Antes de aprender una melodía, asegúrese de que está recibiendo la progresión definitiva por el control de numerosas grabaciones. También es importante tener en cuenta que sólo porque la melodía y progresión de acordes se imprimen en el libro de verdad, no quiere decir que son correctos. Recuerdo Mulgrew Mulgrew dar un ejemplo de su propia experiencia en el aprendizaje de canciones de un libro. Cuando era un joven músico, Mulgrew dijo que se había enterado por una suma de cuatro de su libro de verdad. Algún tiempo después, él estaba jugando la melodía de nuevo, esta vez como acompañante a un saxofonista muy conocida. Después de la serie, el líder lo llevó aparte y le informó que él estaba jugando consistentemente un acorde incorrecta toda la melodía. Sorprendido, se fue de nuevo a la grabación y encontró que, efectivamente, había aprendido ese acorde mal desde el libro de verdad. Por realmente escuchar la progresión en lugar de leerlo, el acorde correcto hizo dolorosamente evidente. Mulgrew subrayado que las respuestas son todo lo que hay en la grabación, sólo hay que tener la unidad para conseguirlos.

Empieza a mejorar tus oídos Aparte de la falta de variedad y errores, la razón principal para lanzar el libro real es desarrollar la capacidad de entender las progresiones de acordes de oído. Tener esta habilidad es necesario realmente navegar progresiones de acordes de una forma lógica y creativa. A medida que mejore, podrás escuchar progresiones de acordes pasan y conocen la calidad y la función de cada acorde auditivamente. Por el contrario, memorizando los cambios de un libro real, que está introduciendo visualmente cada acorde. Como vas a improvisar usted estará restringido a pensar sólo en nombres de los acordes (C, Ab7, D-9, G7, etc.) más que el sonido único de cada acorde. En esencia, convirtiendo la improvisación de una actividad musical intuitiva en un ejercicio mental limitada. Recuerde que su enfoque siempre debe estar en el sonido de las cuerdas, no en la memorización de los símbolos de acordes. Aquí están algunas técnicas que me han ayudado a entender las progresiones de acordes ... ¿Quieres grandes orejas? Obtener el método de entrenamiento del oído. Se le enseñará paso a paso. Aprende más…

Encuentra tantas versiones de un estándar como puedas La gran cosa acerca de ser un músico de jazz en la era de la información, es tener acceso a casi todas las normas a su alcance. Ir a youtube y escriba el nombre de una norma y ver cuántas versiones surgen. Este es un recurso invaluable para los estándares de aprendizaje. No sólo usted tiene acceso a cientos de canciones, sino también varias versiones y la

instrumentación de cada melodía. Para asegurarse de que está recibiendo la progresión correcta, comparar tantas versiones como puedas. Cuando usted está aprendiendo una canción por primera vez, sin embargo, asegúrese de buscar la versión más claro y simple. Obtener un registro Brad Mehldau, que el nivel que usted está tratando de aprender se rearmonizada y en 7 no va a ayudar aquí. En su lugar, busque una versión en la que la sección rítmica es definir claramente las progresiones de acordes; una grabación con un vocalista suele ser una buena apuesta.

Concéntrese en el movimiento de la raíz La forma más directa de encontrar una progresión de acordes es centrarse en las raíces de todos los acordes. En otras palabras, escuchar lo que el bajista está haciendo. A menudo, para los jugadores de cuerno como yo, cuando escuchamos progresiones del acorde, nuestros oídos van directamente a las estructuras superiores porque eso es lo que estamos acostumbrados a jugar. Al hacer que usted mismo se centran en la raíz de cada acorde, será mucho más fácil identificar el movimiento entre los acordes. Si tiene alguna dificultad para oír o cantar las raíces de los acordes, esto es una señal de que usted necesita para concentrarse en algunos ejercicios de entrenamiento del oído durante su práctica. Un ejercicio es jugar una tríada o acorde en el piano y tratar de cantar la raíz de cada acorde. Concéntrese en cómo suena la raíz en relación con los otros lanzamientos y cómo se siente al cantar ese campo. Cada tono acorde tiene una característica única y la raíz no es la excepción.

Preste atención a la calidad de acordes y ii-V de Al mismo tiempo que usted está escuchando para el movimiento de la raíz, se centran en la calidad de cada acorde. ¿Es mayor, menor, medio disminuido, dominante, disminuido, etc.? La determinación de la calidad le dará una gran pista a la función de la cuerda y hacia dónde se dirige la progresión. La mayoría de todas las normas que aprender tendrán una progresión ii-V en algún momento. Reconociendo el sonido de esta progresión común acelerará el proceso de averiguar los cambios. Especialmente antes de las principales resoluciones y las llegadas a nuevos centros clave, mantener los oídos abiertos para ii-V7 de y plazos de entrega.

En caso de duda, echa un vistazo a los solos Si usted se encuentra atascado en una progresión o desconcertados tratando de averiguar la calidad de un acorde, avance rápido a la sección en solitario. El bajista no puede estar jugando la raíz y el pianista no puede ser para bocetos con claridad, pero es probable que el solista será delineando los cambios en sus líneas. Por ejemplo, yo estaba aprendiendo recientemente Eres Mi Todo, desde el registro de Freddie Hubbard Hub Tonos. Este corte en particular es un rearmonización de la norma original. Cuando empecé, pude escuchar que el primer acorde era menor de edad y se fue a Re menor

en el quinto bar, pero tuve problemas para escuchar los acordes en el medio.

Todavía perplejo en cuanto a cuáles eran los acordes, fui a los solos y el check out lo que estaban haciendo para navegar estos cambios. Así es como Herbie Hancock juega sobre la abertura de cinco barras:

Finalmente, después de conseguir la línea de Herbie, podría decir con seguridad que el cuarto bar era un ii-V para re menor, pero las medidas que se le estuviera siendo difícil de alcanzar, a pesar de que sonaba como ii-V también. Mirando de cerca sus líneas en el segundo y tercer bares, está arpeggiating claramente acordes de séptima. Yendo hacia atrás y escuchar, es evidente que él está arpeggiating de la tercera parte de la cuerda hasta el noveno en la segunda medida y viceversa en la tercera barra. Esto significa que el primer acorde en la barra de dos es un acorde G-7 y que el primer acorde en la barra de tres es un F # -7. Después de tomar una más escucha, ambas medidas son definitivamente ii-V, por lo que mediante la conexión de esos acordes V7 desaparecidas, tuve la oportunidad de completar la progresión:

"No te preocupes, lo oyes ... ¿no ??" Después del reconocimiento de intervalos y melodías de la audición, el desarrollo de la capacidad de oír progresiones de acordes es el siguiente paso lógico en el entrenamiento del oído para los músicos de jazz. Esta es una habilidad que no sólo es beneficioso, pero necesaria en los escenarios de la vida cotidiana. A menudo nos encontramos en situaciones donde se nos pide para jugar melodías que no sabemos, si se trata de una clase privada o un jam session improvisada. Después de admitir que no sabe la melodía, la gente con frecuencia dicen "No se preocupe, usted escuchará la misma." En estas situaciones, yo solía pensar que el tiempo que un día ser capaces de simplemente escuchar mágicamente progresiones que yo no conozco. No podría haber sido más equivocados. Progresiones de audición no es como tener un tono perfecto, en el que se tiene o

no hacer. Esta es una habilidad que debe ser desarrollado en la sala de la práctica; si usted no trabaja en él, usted no va a ser capaz de hacerlo. Cuando usted está en el quiosco de música y alguien llama a una melodía que usted no sabe, usted necesita ser capaz de averiguar los cambios rápidamente. Aprender directamente de grabaciones ayudará a desarrollar esta habilidad y le dará confianza cuando te encuentras en estas situaciones. Aprender progresiones de acordes de oído es frustrante y lento al principio. Será tentador simplemente salir el libro de verdad, pero recuerde que usted está desarrollando una nueva habilidad que será muy valiosa para usted como músico de jazz. Lo que es difícil al principio, pronto se convertirá en más fácil a través de la repetición. De oído (no leer) los cambios, usted comenzará inmediatamente a internalizar la progresión y, finalmente podrás llegar más rápido a averiguar progresiones.

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El desarrollo de un concepto de oscilación Publicado Por Forrest En 21 de septiembre 2011 @ 12:17a.m. En Conceptos, ritmo, tiempo | No Comments

Un lector escribe: Parece que todos se enseña la articulación "ritmo de" estándar de oscilación corcheas, pero siento que swing es realmente mucho más complicado. ¿Por qué es que algunos jugadores parecen oscilar con tanta fuerza, mientras que otros no lo hacen? ¿Cuál es el secreto para pivotar duro? Sí, todo el mundo se enseña la articulación "ritmo de" estándar de oscilación corcheas, y tienes razón, el swing es mucho más complicado que eso. Ni siquiera es que es más complicado. Es así de swing no puede definirse por cualquier cosa que usted puede escribir.

Vamos a tratar de escribir algo de swing hacia abajo Escuchar Cannonball y Trane juego sobre Grand Central:

Cannonball balancea tan difícil! Incluso sale a la derecha de las puertas con una línea oscilante increíble. Aquí está

anotada a continuación: No importa lo que haces para anotar mejor este ejemplo, añadir cualquier articulación marca que te gusta, no hay manera de que alguna vez se parecerá el disco-balanceo-en-su-cara concepto realizado en la grabación. La magia del swing es una experiencia auditiva y ahí es donde se quedará. Tratando de escribir media vuelta y aprender de papel, o tratando de aprender de conceptos y ejercicios descritos en un libro es una búsqueda infructuosa.

Variables en columpio Escuchar a diferentes jugadores girar, se puede observar una serie de variables que cada jugador se expresa de forma única con respecto a su estilo de oscilación: La relación entre las longitudes de notas adyacentes. El acento de notas específicas. La articulación de las notas adyacentes. La colocación precisa de notas en relación con el tiempo. La forma en que los dedos se mueven en correspondencia con la lengua (sólo los dedos para instrumentos no viento). De hecho, John Coltrane dijo el saxofonista George Braith alrededor de 1.966 que había desarrollado una forma definitiva para cerrar las llaves, que le permitirían lograr claridad en sus líneas sin confiar mucho en su lengua (Simpkins, 235). Y al igual que la mayoría de los aspectos de esta música, gradaciones infinitas de sutileza. Ahora, ¿hay que practicar en realidad estas variables de forma independiente para lograr el concepto de oscilación que usted desea? Realmente no. Usted ve, si usted se centra todo su

tiempo de práctica de estas variables que componen el swing, tendrás problemas para montar estas piezas disjuntas en un concepto sólido. La comprensión de las variables en el trabajo proporciona un marco para la audición y nombrar las diferencias entre los conceptos de oscilación de un jugador a otro, pero la mejor manera de aprender y perfeccionar su idea de oscilación es a través de la observación y la imitación. Como se ilustra anteriormente, usted no va a aprender a oscilar de un libro, pero usted aprenderá desde las grabaciones, y definir su concepto de oscilación en el camino.

Conceptos del swing Stan Getz balancea. Lo mismo sucede con Cannonball. Y lo mismo ocurre con Trane. Pero todos ellos pivotar completamente diferente. Escuchando, observando, e imitando los estilos de swing que más resuenan con está el secreto para entender y desarrollar el estilo de swing que desea. Cuando pienso en la oscilante duro y pesado, creo que de Cannonball. Observe cómo se acentúa en gran medida los tiempos débiles y casi exagera la longitud de los tiempos fuertes.

Coltrane, por otra parte, favorece una sensación de swing más recto, que no puede pivotar tan duro con respecto a la terminología aceptada de oscilación (la tonguing fuera de ritmo y el acento del modelo de golpe encima), pero que sea el juez. Creo que su concepto de oscilación es muy bien :) De hecho, el sonido moderno de Coltrane en parte proviene de este concepto más recto del swing.

Sentido del swing de Clark Terry combina articulación limpia, con acentuación precisa. Simplemente increíble! Y asegúrese de escuchar a Oscar Peterson ponerla en esta pista también. Su idea del swing y el tiempo-feel es insuperable.

Wynton Kelly tiene un estilo muy distinto del swing que define en gran medida su voz.

Paul Desmond se balancea de un modo opuesto polar que Cannonball, sino también de una manera increíble y hermoso.

Echa un vistazo a la forma en que los cantantes pivotar, también. Nancy Wilson en esta pista se encuentra justo en el bolsillo y se obtiene la ventaja de escuchar algunos Cannonball oscilante más perfecto.

Escuche como muchos instrumentos y solistas como puedas, prestando especial atención a la forma en que utilizan las variables enumeradas (u otras cosas que descubrir) para crear su marca particular de swing. Poco a poco, se le señala a los estilos que más te guste. Emular estos y utilizarlos como modelo para desarrollar su propio concepto de oscilación.

El secreto para hacer pivotar Ahora que he proporcionado una idea de oscilación, usted debe tener una mejor idea de por qué algunas personas pivotar muy duro y otros no ... y usted debe saber cuál es el secreto para pivotar duro es, pero va a ser capaz de comunicarse verbalmente o escribirlo? Si usted ha estado prestando atención hasta este punto, usted sabe cuál es la respuesta. Swing es un misterio que permanecerá en las grabaciones, que reside allí para aquellos que desean entender y desentrañar sus complejidades. Claro, nosotros decimos que usted necesita aprender el lenguaje y las melodías de las grabaciones, y usted puede prestar atención a ese consejo o puede conseguir no y aún así resultados favorables, sin embargo, cuando se trata de hacer pivotar, es blanco y negro. Usted debe absorber el sonido de la misma, porque eso es todo lo que hay que definir verdaderamente él.

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Escalas no son secreto atajo a Jazz Improvisación la Publicado por Eric En 22 de junio 2011 @ 1:54 am En Conceptos, Escala | No Comments

La primera vez que comenzó a aprender a improvisar, si has estudiado fuera de un libro sobre la improvisación del jazz o tomó una lección sobre cómo en solitario sobre cambios de acordes, es probable que lo primero que encontramos fue escalas. Memorización de las listas de escalas de mayor y menor a la disminución y octatonic. Sabiendo que las escalas de trabajo con la que los acordes. Puede parecer que la práctica de las escalas nunca termina. Esta filosofía se ha vuelto tan arraigada en el arte de aprender improvisación que es difícil no pensar en escalas. Numerosos recursos educativos jazz destacan hoy escalas como el método para dominar cómo jugar sobre progresiones de acordes y la improvisación como sus héroes. Debido a esto, muchos estudiantes creen que el estudio de las escalas por sí sola es la respuesta a alcanzar sus metas. Puede que incluso han pensado a sí mismo como hacía a menudo: "Si solo me dan todos mis escalas juntos, entonces voy a resolver mis problemas con la improvisación". Tenemos un montón de preguntas acerca de practicar escalas y cómo se relacionan con la improvisación todo el tiempo: ¿Cómo debo utilizar escalas cuando estoy solos? ¿Cuál es la mejor manera de practicar escalas? ¿Debo siquiera necesito saber mis escalas para improvisar? Si usted ha leído alguno de los artículos en este sitio, usted sabe que pensar en una mayor, menor, o cualquier otro tipo de escala mientras estás improvisando es sólo una pieza del

rompecabezas cuando se trata de la musicalidad y la comprensión armónica que intervienen en la creación de un gran solo. Puede memorizar su escala de Fa mayor hasta que pueda jugar en su sueño:

Pero, no importa cuántas veces se ejecuta que fa mayor escala hacia arriba y abajo, pensando en esos ocho notas cuando estás solos no se enciende mágicamente en líneas como la siguiente:

Para lograr esto, usted debe escuchar con atención a sus jugadores favoritos, desarrollar sus oídos, y transcribir algún lenguaje de sus héroes. La improvisación requiere que todas las áreas de su maestría musical, no sólo el conocimiento teórico de las relaciones acorde / escala. Las escalas son sólo una pequeña parte para el desarrollo como un improvisador. Sin embargo, el conocimiento y la práctica de las escalas, en todas sus variantes y formas, sí tiene algún beneficio real para su juego - sólo hay que acercarse a ellos de la manera correcta.

¿Qué escalas no son Escalas no son la clave oculta a la improvisación - aunque sólo fuera tan fácil! Contrariamente a lo que muchos libros de método o educadores de jazz le dirán, aprendiendo todas sus escalas no garantizan que usted será capaz de improvisar en las 12 teclas o que usted será capaz de solista con éxito por encima de cualquier norma. Muchos músicos por ahí que tienen la totalidad de sus principales y báscula, menores disminuidos memorizados, pero ¿cuántos de ellos son grandes improvisadores? Es cierto que las escalas son una manera rápida de encontrar todas las notas "correctas" en un acorde, pero hay mucho más a la improvisación de los conocimientos básicos de teoría de la música. Sí, usted puede estar jugando las notas correctas mediante el uso de escalas, pero ¿qué pasa con los otros aspectos de la musicalidad como el fraseo, la resolución acorde, sonido, el tiempo y la configuración de las líneas que marcan la línea musical interesante? Mientras que el conocimiento de una escala puede ser útil para jugar en un sonido estático, basándose únicamente en las escalas para crear sus solos pueden limitar severamente las posibilidades armónicas disponibles para usted. Pensando en una escala dorian funcionará para una melodía modal con secciones extendidas de 7º tonalidades menores, pero a medida

que tratan de improvisar sobre ii-V7 de y más complejas progresiones, usted tendrá que confiar en algo más que una sola escala. Por ejemplo, tomemos una progresión ii-V7 en Do Mayor. Debido a que cada acorde en esta progresión es funcional en Do Mayor, algunas personas se basan solamente en una escala de Do Mayor para improvisar sobre esta progresión:

Todas las notas de la escala de Do Mayor son teóricamente correcta sobre los acordes D-7, G7, y CMaj7, sino por pensar de esta manera usted está haciendo caso omiso de las muchas posibilidades armónicas dentro de cada acorde, así como las resoluciones inherentes entre los acordes. En pocas palabras, simplemente usando una báscula para su improvisación, están ignorando una de las resoluciones más fuertes de toda la música occidental: V7 a I. En un sentido similar, la idea de confiar sólo en las escalas específicas para determinados acordes puede ser muy limitante también. Diga si cada vez que veía un acorde G7:

Jugaste una escala bebop G7 en algunas variaciones:

Esas notas funcionan técnicamente, pero después de un tiempo de confiar en que una escala, el juego se ponen muy aburrido y predecible. Si esta escala bebop es su única opción sobre un acorde V7, estás limitando seriamente las posibilidades armónicas de un acorde muy versátil. Cuando este mismo concepto se aplica a los acordes separadas en una progresión ii-V7, eres resultados serán igualmente aburrido:

Con este modo de pensar de una escala específica para cada acorde, que no sólo se echa en falta las fuertes resoluciones entre las cuerdas, pero su solos sonará muy disjunta porque está cambiando escalas cada bar. El problema con la enseñanza de la improvisación exclusivamente a través de la teoría de escala es que los estudiantes sólo podrán utilizar escalas, ya que ir a improvisar. Cada cuerda se limitará a 8 notas de una escala correspondiente. Usted quiere pensar en jugar frases musicales significativas, sobre los acordes y las resoluciones inherentes entre estos acordes en lugar de sólo las escalas básicas como navegar la progresión a una melodía.

¿Qué son las escalas Las escalas son una herramienta que le permite ganar un poco de técnica esencial y la conciencia armónica, ayudando enormemente a medida que aprende el lenguaje del jazz. Antes de empezar a aprender cualquier idioma, lo que necesita saber los componentes básicos que son la base para que el léxico - para las lenguas habladas, este es el alfabeto. Cada idioma tiene un alfabeto único que es la base mínima para la construcción de la lengua desarrollado. Cada letra representa una sílaba o sonido y se puede combinar y variar de muchas maneras. Sin embargo, el hecho de saber o memorizar el alfabeto no significa que usted puede formar palabras, frases o declaraciones significativas en ese idioma. Al memorizar el alfabeto y pronunciando cada sílaba única que ha adquirido la técnica mínima para empezar a aprender ese idioma. Lo mismo es cierto de las escalas musicales. Cada nota de una escala tiene un sonido único y función dentro de un acorde y se puede combinar con otras notas o grupos de notas dentro de la escala de muchas maneras. Usted necesita saber cómo suena cada grado de la escala y ser capaz de oír las relaciones (intervalos) entre las diferentes notas de una escala. Así como conocer el alfabeto, no significa que usted puede hablar el idioma, conocer una

escala no le permiten crear ideas y frases en este idioma musical como se improvisa. Pero, una vez que tienes tus escalas abajo, la tarea de aprender el lenguaje del jazz, si se trata de transcribir solos, melodías de aprendizaje, o la elaboración de las líneas en las 12 teclas, será mucho más fácil. La conclusión es que es necesario tener el dominio de todas las claves para poder jugar lo que está escuchando. Las escalas son un buen paso previo a la obtención de la técnica y la fluidez en las 12 teclas. Usted puede tener grandes orejas y conocimientos teóricos, pero si usted no tiene la técnica de traducir esto a su instrumento, todo es en vano. Aquí es donde usted puede utilizar escalas para su ventaja.

Beneficiándose de escalas Conocer todas sus escalas básicas (mayor, menor, disminuido, de tonos enteros, pentatónica ...) es un primer paso necesario para la comprensión de la armonía y la obtención de alguna facilidad en su instrumento. Esto es evidente, y es precisamente por eso que muchos educadores utilizan escalas para enseñar la improvisación. Si usted no tiene todas sus escalas memorizados y la técnica arraigada en los dedos - que tiene que hacer ahora. No se preocupe si usted no tiene todo junto de hoy, con una rutina diaria eficaz puede obtener sus escalas en ningún momento. Hemos de tener en cuenta que las escalas memorizar solamente se rasca la superficie para la comprensión de la armonía y la improvisación creativa a través de una progresión de acordes. Piense en escalas como una condición necesaria que usted necesita para avanzar en esta música. Un primer paso que le permitirá familiarizarse con la armonía y darle algunas herramientas técnicas como transcribir líneas, aprender el lenguaje en todas las 12 teclas, y aprender canciones. Escalas son una forma efectiva para familiarizarse con el sonido básico de un acorde, pero no deben la principal fuente de material para su improvisación.

Técnica de construcción OK, estamos asumiendo aquí que usted tiene todas sus escalas juntos en este punto. El siguiente paso es ampliar su técnica mediante la exploración de todas las variaciones posibles dentro de cada escala. Practique sus escalas en cada modo, en tercios, cuartos, quintos, sextos, etc. Practique cajas de pinturas clásicas, desarrollar patrones de escala y crear sus propios ejercicios para cada escala. Y lo más importante, la práctica de todo esto en las cuatro direcciones. Su objetivo es ser totalmente cómodo con todas las escalas. Consulte estos artículos para una explicación a fondo de cómo poner en práctica estas ideas: Practique todo en las cuatro direcciones Cómo practicar escalas para la velocidad Al estudiar todas las variaciones posibles de cada sonido, es sorprendente lo mucho que puede hacer con una sola escala.

Ganando la musicalidad de la práctica escala Cuando usted está practicando escalas para la técnica, para obtener el mayor beneficio de su tiempo en la sala de ensayo, desea centrarse en otros aspectos de la escala, además de las propias notas. Comience a pensar en los aspectos musicales de una línea que va a ayudar en la expresión. Explora diferentes tipos de articulación, acentos, firmas de tiempo, y agrupaciones de notas. Recuerde, estos ejercicios no son sólo las actividades sin sentido que se drudged a través de la sala de ensayo. Si se practica correctamente, son una parte vital de su rutina de la práctica que mejorará en gran medida su improvisación y musicalidad al realizar. Articulación Digamos que usted está practicando una escala ascendente Fa Mayor en tres partes:

Una vez que tenga las notas y digitación abajo, trate de usar diferentes articulaciones. Insulto toda la línea:

Legato lengua cada nota:

Lengua Staccato cada nota:

Utilice la articulación de jazz:

Obtener cómodo jugando con cualquiera de estos estilos de articulación o incluso una combinación de ellos. Cuando estás en medio de un solo, usted quiere ser capaz de articular y expresarse en un número de maneras diferentes. Agrupaciones de notas impares y jugar sobre la línea de barras

Además de trabajar en diferentes formas de articular las escalas que usted está practicando, experimentar con la agrupación y acentúan las notas de nuevas maneras. En vez de jugar todas las escalas en corcheas o haciendo hincapié en el tiempo fuerte de todas las medidas, trate de usar la nota agrupaciones impares y acentuando las diferentes partes de la medida implicar diferentes metros. Por ejemplo, tomar la misma escala de Fa mayor en tercios ascendentes:

Ahora ponga la escala en tres grupos de notas por arrastrando cada tres notas y acentuando el primero de cada grupo de tres:

Al agrupar la escala de esta manera, se está creando una nota trimestre sensación de puntos que se extiende sobre la línea de la barra. Ahora probar este mismo concepto, pero con 5 grupos de notas:

Intente lo mismo pero en tríos en esta ocasión:

Las variaciones son infinitas, ver lo que puede ocurrir. De la misma escala puede crear y desarrollar nuevas habilidades que incorporarán interés en sus solos. La práctica de estas articulaciones y sentirse cómodo con la idea de agrupar notas y lo que implica diferentes firmas de tiempo mejorará la musicalidad de sus improvisaciones. Usted no tiene que desempeñar el ejercicio escala o de articulación patrón exacto como se improvisa, sino que utiliza estas técnicas en las líneas que usted está jugando. Todos estos aspectos resultará ser beneficioso como crear líneas sobre la marcha durante sus solos improvisados.

Explora nuevas aplicaciones armónicas Otra cosa que pensar como usted practica estas escalas, patrones y diferentes articulaciones es cómo aplicarlos armónicamente. No limite estas escalas sólo a su acorde relacionado (escala de Fa mayor va con un acorde Fmaj7, o una dorian D va con un acorde D-7, etc.), tratar de pensar fuera de la caja y encontrar algunas nuevas aplicaciones armónicas. Estas

nuevas técnicas que está en desarrollo en todos los tonos se pueden aplicar a diferentes acordes y nuevos ajustes armónicos. Por ejemplo, tomemos esa escala Fa Mayor en tercios una vez más:

En lugar de sólo el pensamiento de esta escala como relacionado con un acorde Fmaj7, ver lo que otros acordes este patrón trabajarían más. Para empezar, mira las notas de la escala y pensar en los acordes que se relacionan con Fmaj7. Para este ejercicio en particular, trate de G-7:

O C7sus:

O incluso BbMaj7 # 11:

El objetivo es alejarse de la mentalidad de que las variaciones de un F Major única escala de trabajo sobre un F Major 7 acorde. El ejercicio o el trabajo técnico que se está haciendo en una de las claves se pueden aplicar a un número de diferentes configuraciones de armónicos. Siéntate en el piano y ver qué nuevas posibilidades armónicas que puede llegar por estas escalas sobre-utilizados. Para el improvisador moderna, la práctica escala tiene su parte de pros y contras. Por un lado, las escalas no deben ser la única fuente de la que va a crear sus solos, pero por otro lado, puede ser muy útil cuando se practica y se aplica de la manera correcta. Esforzarse para practicar sus escalas creativa y musicalmente de manera que usted no está inculcar la misma escalas aburridos hasta el infinito y cortar y pegar directamente en sus solos. Utilice los ejercicios e ideas discutidas anteriormente para crear un nuevo enfoque a la práctica de las escalas. Al agregar diferentes articulaciones, compases / se siente y

aplicaciones armónicas, la práctica de las escalas puede transformar su juego y aumentar sus técnicas a nuevas alturas.

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Cómo transformar su Improvisación Durante sus vacaciones de verano Publicado por Eric En 17 de mayo 2012 @ 19:43 En el asesoramiento para todo el mundo, las rutinas de práctica, Consejos | No Comments

Ya es mayo y antes de saber que esos meses de descanso de verano van a sorprender a usted. Y con la misma rapidez se habrán ido, dejándote deseando tener más horas en el día para dedicar a su música. Antes de que usted se encuentra en esta situación demasiado familiar, he aquí una pregunta rápida para reflexionar: ¿Qué es exactamente lo que quiere lograr musicalmente este verano? Si no estás seguro y usted todavía tiene que dar ningún pensamiento, es probable que usted no va a conseguir tanto logrado como usted podría como improvisador. Para muchos músicos los meses de verano son un momento en que perdemos nuestra unidad y terminamos conseguir oxidado. Quiero decir que tiene sentido, ¿por qué quedarse en una habitación lúgubre práctica trabajando en la ii-V todo el día cuando se puede estar fuera disfrutando del sol y el clima cálido. Sin embargo, arrojando su rutina de la práctica por la ventana para todo el verano puede hacer que te musicalmente estancada o peor en el momento de la caída alrededor de los rollos. La buena noticia es que usted no tiene que encerrarse como un prisionero en una sala de ensayo oscuro para ver la mejora. Con un poco de planificación, los meses de verano son un momento en que usted puede tomar ventaja de un tiempo de práctica adicional y todavía salir y ser un ser humano normal.

Usted puede ser un estudiante en busca de transformar su juego para el próximo año escolar, un jugador que busca sacar provecho de algunas horas extra de la luz del día, o un improvisador aspirantes buscando establecer algunas metas musicales significativas. Sea cual sea su motivación, el verano es un buen momento para reforzar su repertorio, para expandir su técnica, para mejorar sus oídos, y fortalecer su comprensión armónica. Si se enfoca correctamente, su práctica de verano puede transformar la forma de improvisar.

No morder más de lo que puede masticar Lo primero que muchos jugadores hacen cuando ven a un período prolongado de tiempo de práctica de verano es pensar en tantos goles para lograr como sea humanamente posible. "Voy a aprender 100 melodías! Voy a transcribir 50 solos! Voy a memorizar cada cabeza bebop en los 12 llaves! Voy a aprender todas las escalas, en todos los tonos, en todo lo posible la inversión y la variación ... " Este entusiasmo es grande. En un momento u otro todos hemos conseguido inspirados e hizo declaraciones como esta. Queremos mejorar y tenemos visiones de hacer grandes saltos adelante. El único problema es que esta pequeña cosa llamada realidad se interpone en el camino. Saltamos a la derecha en estos grandes proyectos y después de una semana o dos perdemos el impulso o desviarse, tratando de lograr todo al mismo tiempo tan rápido como nos sea posible. Aún más perjudicial que nuestro entusiasmo ingenuo sin embargo, es el hecho de que estos "objetivos de la práctica del jazz" comunes rara vez nos llevan a nuestro principal objetivo: convertirse en un mejor improvisador. Si usted está realmente en busca de transformar la forma en que improvisar, hacer realidad una notable mejora en los solos más de progresiones de acordes, una pregunta que hay que hacerse es: "¿Qué tan efectivas son mis metas a corto plazo para lograr mi objetivo principal?" ¿Estás haciendo estos objetivos porque parecen como lo que hay que hacer? ¿Está subiendo al carro y practicando las mismas cosas que los demás es? ¿Cómo son exactamente esos objetivos típicos de aprender un montón de canciones y transcribir decenas de solos que van a cambiar su nivel de improvisación en el espacio de unos pocos meses? "Muchos son tercos en la búsqueda del camino que han elegido, pocos en búsqueda de la meta." ~ Friedrich Nietzsche

Pensar en ello. Después de pasar unos meses aprendiendo un montón de melodías y

memorizar decenas de progresiones de acordes, ¿vas a improvisar sobre estos temas de manera diferente de lo que son hoy o se acaba de conocer más canciones que usted tiene problemas para jugar de nuevo? Semana tras semana, se puede transcribir en solitario después en solitario después en solitario, corriendo a obtener el siguiente hecho con el fin de cumplir con su noble objetivo, pero va a tener tiempo para absorber y desarrollar ese idioma que estás tomando de los registros? Usted puede incluso pasar horas de su tiempo en escalas, arpegios y patrones en la esperanza de encontrar el secreto de la improvisación, pero tendrá esta nueva ayuda técnica que jugar de manera lógica y musicalmente más de progresiones de acordes? En cada uno de estos escenarios te van a dar algún tipo de mejora, pero no es general significativo. No es crear el tipo de juego de cambio de la transformación que estamos buscando. Pero espera, transcribir solos y melodías tiene que hacer un mejor improvisador derecho aprendizaje ?? Bueno, sí, si se hace de la manera correcta, pero tratar de calcular las notas a un solitario y dejar las cosas así, no te va a hacer automáticamente un gran improvisador. De la misma manera, pasar unos minutos para aprender una melodía y una progresión de acordes no mágicamente hacer que suene mejor, ya que solo sobre esa melodía. Melodías de aprendizaje y la transcripción son beneficiosas para el improvisador, pero estas dos tareas simples que no se suman a un gran improvisador en sí mismos.

Aprenda más con menos Uno de los principales factores que está trabajando en contra de usted cuando se intenta un gran proyecto es el volumen de información. No es que usted no está tratando o eres incapaz de tratar estas tareas, es simplemente demasiada información para absorber de una manera beneficiosa. Hemos cubierto la idea de la sobrecarga de información antes. Si usted no piensa que tiene acceso a mucha información, sólo echar un vistazo a su colección de discos o mp3. Para la mayoría de nosotros, que hemos recopilado miles de canciones, cientos de álbumes, grabaciones que nosotros ni siquiera sabíamos que teníamos. Esto es a la vez una bendición y una maldición, que tienen acceso a una gran cantidad de música, pero el volumen puro de la información es tan grande que tenemos abrumado. Un desplazamiento rápido a través del medio de cobro de jazz produce algo así como 10 álbumes Coltrane, 20 discos de Miles Davis, docenas cada uno de Art Blakey, Sonny Rollins, Clifford Brown, Dexter Gordon, Freddie Hubbard, Kenny Garret, Brad Mehldau, Mark Turner, Kurt Rosenwinkel ... la lista podría seguir y seguir. Tomaría meses sólo para escuchar a todo, y mucho menos en realidad ponerse a trabajar y aprender algunas melodías y solos individuales.

"Todo el mundo tiene tanta información durante todo el día que pierden su sentido común." ~ Gertrude Stein

En lugar de hacer metas enormes y vagas este verano, probar algo diferente: Obtén 5 canciones para trabajar en durante los próximos tres meses. Sí, has oído bien, cinco canciones. Este verano, una improvisador, tres meses, 5 melodías ... Con estas 5 canciones, no sólo vamos a aprender la melodía y los acordes (usted puede hacer esto muy rápidamente), en lugar que vas a mejorar realmente toda su nivel de improvisación. La conquista de las progresiones de acordes, transcribir el lenguaje, tomando melodías a través de las 12 teclas, analizando el lenguaje, alterarlo, aplicándolo en formas nuevas, ampliando su técnica a través de la transcripción, la identificación de intervalos melódicos y progresiones de acordes, ampliando sus oídos ... Estas son las habilidades y el tipo de práctica enfocada que te hará un mejor improvisador.

Haga un plan en este momento La clave está en planificar el futuro y establecer metas alcanzables. Si sólo tipo de deslizarse a través del verano con ningún plan que usted va a terminar en el mismo lugar se encuentra ahora mismo - deseando estar mejor improvisador. Basándose en las peculiaridades de la práctica al azar, que puede pegarle en algunas canciones o conceptos por casualidad (o puede que no), pero sin continuado y concentrado estudio, ese salto al siguiente nivel de juego será continuo que eludir. Haga un plan para su horario de práctica, en este momento, antes de que el verano comience. Aproveche el tiempo durante estas próximas semanas y seleccionar las canciones que desea enfocar y única a los jugadores y los álbumes que realmente amas. Escriba sus metas como músico y pensar en las áreas de su juego que desea eran mejores. Físicamente sacar una hoja de papel y hacer una lista de los tonos, los jugadores, los objetivos y los puntos débiles de su juego. Todos estos factores contribuirán al plan que usted va a hacer por ti mismo. Su objetivo es tener un plan concreto con las melodías específicas y los solos específicas que vas a trabajar. El lugar donde una gran cantidad de improvisadores sale mal se descuidadamente anotando una enorme lista de canciones para aprender. Usted puede tener sus cinco canciones en mente, pero no dejes que su plan de la práctica totalidad de ser los títulos de cinco melodías rayados en un pedazo de papel:

Blues Ritmo Cambios Podría pasarte a ti On Green Dolphin St. Stablemates

Consigue específica ... empezar a dar nombres La razón de que la mayoría de los jugadores no tienen mucho de sus largas listas de canciones o seguir con el aprendizaje de ellos es que son muy vagos. Con el fin de progresar musicalmente, lo que necesita saber exactamente lo que vas a trabajar. Para cada una de esas canciones en su lista de tener un registro específico, un jugador específico, y un solo específica que desea trabajar. Por ejemplo, usted puede realmente el amor de juego de Clifford Brown, y usted siente que necesita trabajar en el blues, y desea ampliar la gama en su instrumento, y que necesita algún lenguaje ii-V - hacer un plan que incluye estas áreas y un calendario que facilitará estos objetivos. Simplemente diciendo: "Voy a trabajar en un blues" no va a llegar muy lejos. Para ver lo que quiero decir, vamos a echar otro vistazo a las dos primeras canciones de la lista anterior y determinar exactamente qué áreas que vamos a practicar para mejorar: Blues Melodía específica: Sandu del álbum Clifford Brown Estudio en Brown

Lista de objetivos específicos: Aprenda la melodía de oído

Averiguar la progresión de acordes de oído Calcule la melodía en las 12 teclas Transcribir en solitario de Clifford o aprender unos coros de oído Aislar el lenguaje y las líneas que más te gusten, analizarlos, y aprender de ellos en todas las 12 teclas Ritmo Cambios Melodía específica: Oleo del álbum relaxina "con el quinteto de Miles Davis

Lista de objetivos: Aprenda la melodía de oído Averiguar la progresión de acordes de oído Calcule la melodía en las 12 teclas Transcribir primer coro de Miles y primer coro de Coltrane Analizar esta lengua y aíslan del ii-V y III-VI-ii-V de aprender en todas las 12 teclas Usted consigue la idea. Haga lo mismo con las otras tres canciones en su lista. En lugar de sólo tener el nombre de una canción o una forma en un pedazo de papel, que tiene una grabación específica, un solo de concreto, y una lista de objetivos específicos para la práctica. Cuando ves a los objetivos específicos de la página, en lugar de sólo el título de la canción, es mucho más probable que la práctica y llevarlos a cabo. Lo bueno de hacer frente a menos información es que usted tiene más tiempo para absorber todo. Usted puede tomar una semana o más para aprender la melodía y progresión de acordes de oído. Puedes pasar unas cuantas semanas transcribir un coro o incluso todo un solitario. No se mueva hasta que haya dominado la información que usted está trabajando. Cuando usted pasa el tiempo y hacer las cosas de la manera correcta, es decir, cuando usted verá grandes resultados. Y, las cosas se pondrán más fácil en ningún momento. Al enterarse de que primero afinar de oído puede sentir como tirar los dientes, pero el segundo será mucho más fácil porque usted ha desarrollado importantes habilidades (habilidades que echo de menos cuando te lanzas a través de cosas o engañar al ver las partituras). Al romper las cosas de esta manera, parece que se puede pasar todo el verano en el blues o cambios de ritmo, y ¿sabes qué? Eso es perfectamente bien.

Mejora de la calidad no la cantidad Usted mejorará más meses de gastos en algunas canciones que la alternativa de tratar de meter decenas de canciones en su cabeza cada semana. Cada norma más o menos tiene los mismos elementos (mayor, menor, y los acordes V7, ii-V,, plazos de entrega del menor ii-V) y

requiere las mismas habilidades de usted como un improvisador (melodías y progresiones de acordes de la audición, la aplicación de la lengua sobre progresiones de acordes , etc.). Cuando a reducir la cantidad de información que se está trabajando y que lo amo, que está ganando habilidades y conocimientos que se pueden aplicar a cualquier canción que usted juega. Cada canción es una ventana a aprender y mejorar en esta música, lo que realmente no importa que uno elija. Es posible que sólo se centrará en unas 5 canciones, sin embargo usted cubrirá todos los aspectos de su juego dentro de estas 5 canciones. Entrenamiento del oído, la técnica, el tiempo, el ritmo, el lenguaje, el repertorio, la teoría. Cuando usted está tratando de crecer como improvisador, éstas son las habilidades musicales que usted necesita para enfocar y mejorar. Más información no va a resolver este problema, sin embargo el tiempo de calidad y la práctica hará toda la diferencia. No hay margen de mejora, no importa cuál sea su nivel de habilidad como improvisador. Tal vez usted está tratando de navegar un ii-V, por primera vez, o tratando de parecer buenas para los azules (no es tarea fácil !!). Tal vez usted está buscando una nueva forma de jugar más de esas mismas viejas melodías y progresiones o tal vez usted está deseoso de integrar un nuevo lenguaje y los conceptos armónicos que ha robado de su jugador favorito. Todos estos objetivos se puede lograr con sólo unas pocas canciones. Usted no necesita aprender 100 melodías para comenzar a mejorar como improvisador, puede hacerlo en este momento con sólo cinco canciones ... y la mejor parte es, la elección de esas cinco canciones es totalmente suya. Así que toma esta próxima semana más o menos y escoger los tonos, los jugadores, los solos y los conceptos que desea centrarse en este verano. Escoger los registros es la parte divertida y cuando lo haces correctamente, por lo que es el aprendizaje por el oído de los registros. Siéntase libre de probar la memorización de 100 canciones en su camino hacia la mejora de este verano, el infierno, lo convierten en 200 !, pero si usted realmente desea transformar a sí mismo como un improvisador, se centró la práctica en 5 canciones es en donde está.

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Cómo practicar Improvisación Menos y Mejore Más Publicado Por Forrest En 22 de diciembre 2010 @ 03:25 am En las rutinas de práctica, la transcripción, Tunes | No Comments

Un lector escribió recientemente en la siguiente pregunta: Yo solía tocar la guitarra clásica, pero me detuve por un par de años, y ahora estoy tratando de enseñarme a mí mismo la guitarra jazz. Aquí está la cosa: Soy un estudiante universitario. Entre clases, tareas y trabajo, es difícil de conseguir en el tiempo de práctica. ¿Qué le recomendaría a trabajar en la mayoría, si sólo tengo tal vez 30-45 minutos al día? A veces es difícil saber por dónde empezar / qué hacer ... Creo que la mayoría de la gente puede relacionarse a la pregunta de este lector. Siendo crujía por el tiempo es lo que es en estos días. No es para preocuparse. Usted todavía puede hacer grandes saltos positivos en su juego con muy poco tiempo.

Alcance y profundidad El concepto de alcance y la profundidad se relaciona con la amplitud y la profundidad puede ser una selección de cualquier cosa. En cuanto a la práctica, el alcance tiene que ver con la cantidad de temas que elegimos para cubrir durante cualquier sesión de práctica dada y profundidad describe cuán profundamente se estudia cada uno de estos temas particulares. Sesiones de práctica mayoría de las personas tienden a tener un alcance general y superficial en profundidad. Por ejemplo, van a tratar de hacer frente a los ejercicios de tono, decenas de escalas en todas las teclas, cinco nuevas canciones, y lo que cada vez más pueden meter en una hora! Además de eso, el método que se acercan cada uno de estos temas con el puede ser completamente ineficaz. Por ejemplo, la mayoría de la gente tiende a aprender nuevas melodías a partir de grabaciones de juego a lo largo en lugar de aprender de ellos fuera del

registro, o hacen una de estas otras 6 errores desastrosos. Una persona que practica esta forma se siente bien acerca de lo que han hecho porque piensan que han puesto en su tiempo dedicado a la mejora, sin embargo, el tiempo enorme en la sala de la práctica no mide la cantidad de que los beneficios de la práctica usted. Repito: Tiempo en no se correlaciona directamente a beneficio obtenido. Para que la práctica realmente beneficioso, el alcance debe disminuir y la profundidad debe aumentar. En una entrevista con Marian McPartland, Bill Evans expresó: "Si juegas demasiadas cosas al mismo tiempo [durante la práctica], el enfoque de conjunto será vago. Usted no sabrá qué dejar y qué llevar a cabo. Sabemos muy claramente lo que está haciendo y por qué. Juega mucho menos, pero ser muy claro al respecto. Es mucho mejor que pasar 30 horas en un tono que jugar 30 canciones en una hora ". Consejos Preste atención a Bill Evans. Reducir el ámbito de aplicación. Aumentar la profundidad.

No hay distracciones. Período. Si usted tiene sólo 30 a 45 minutos al día para gastar práctica, la forma en que gasta que el tiempo es muy importante. Tratarlo como el oro. Apague el teléfono. Salir de correo electrónico, Facebook, y cualquier otro momento-chupa. Usted no necesita un aperitivo o cualquier otra cosa. Atención. En un poco de respeto, que tiene tan poco tiempo es una ventaja. Las personas que tienen un montón de tiempo en un día a menudo tienen problemas para terminar lo que necesitan porque dicen a sí mismos: "Voy a hacerlo más tarde", y nunca se hace. Con una cantidad específica de tiempo asignado para una tarea determinada, te ves obligado a hacerlo. Conocer las horas de inicio y de fin le ayuda a motivar a través de todo el proceso, todo el camino hasta el final.

El plan de la práctica más eficiente Ok, por lo que ha limitado sus distracciones, a entender el valor de su tiempo, y usted sabe que usted desea hacer la mayor parte de ella. Es hora de reducir su alcance y aumentar su profundidad tanto como sea posible. De hecho, reducir su ámbito de aplicación a un tema. Uno de los temas? De Verdad? Sí. Uno. Eso es. La idea es simplificar. Simplifique tanto que se crea un espacio de práctica, donde no tienes otra opción que obtener el dominio sobre una cosa pequeña. Olvídese de cuánto usted piensa que hay que aprender y pretender que la única cosa que está trabajando es el único que hay que trabajar en el mundo.

Su primer tema de la práctica La mejor manera de aprender el jazz es pasar tiempo con las grabaciones de sus héroes. El primer tema que elijas para tu-tema-práctica de planta única que debería ser un solista (uno

de sus héroes en su instrumento) que absolutamente pisos usted y wihthin su capacidad técnica. Busque solos de alta ganancia, es decir, los solos que contienen una gran cantidad de accesible y aplicable lenguaje jazzístico. Es fácil decir a primera vista si hay un montón de lenguaje y conceptos para absorber de un solo. Un gran combo en solitario / melodía para empezar es más de un blues porque las melodías se aprenden fácilmente, las líneas se extraen con facilidad, y que ya conocen los cambios generales de acordes. Abordar específicamente el lector que escribió en la pregunta, yo no toco la guitarra (aún), pero cuando empiezo a aprender a tocar, me gustaría empezar con una Wes Montgomery en solitario porque me encanta escucharlo tocar. Yo elegiría un solo de como la que sigue, ya que cumple los requisitos que previamente especificados, así como algunos otros: Es sobre un blues Contiene una gran cantidad de lenguaje de jazz que parece fácilmente accesible y aplicable No es demasiado largo No es demasiado técnicamente difícil (aunque no es fácil) Me encanta escuchar a él! (Este es el más importante. Tienes que amar si estás a pasar tanto tiempo con él y va a convertirse en una parte de ti) Por favor, no creo que te estoy diciendo lo que en solitario para trabajar específicamente en. Elegir qué solos a interiorizar es un proceso personal. Esto no es más que un solo yo seleccione. ¿Quién elige a ser influenciados por es su decisión. Después de elegir tu melodía / solo y asegurar que cumple con todos los requisitos anteriores, escuchar la pista en cualquier momento que te dan. En cualquier momento de vigilia tienes eso no ocupadas, simplemente escuchar la pista. Es tan fácil como golpear juego. Una vez en la sala de ensayo, poner el solista en su software de transcribir favorito. Yo uso Transcribir Software por Seventhstring. Lo recomiendo altamente. No sólo se puede frenar con facilidad por secciones difíciles, pero se puede colocar rápidamente los marcadores y crear bucles en un instante. Incluso si usted no quiere frenar nada en el estómago, el software hace que sea mucho más fácil que cualquier otro reproductor de música digital para acceder rápidamente a diferentes partes de la melodía. Enfoque 100% de su tiempo de práctica en el aprendizaje de todos los matices en la grabación. No se salte a la solista ... primero aprender la melodía de la canción. Copiarlo. Internalizar ella. Pasar tanto tiempo como sea necesario en cualquier sección de jugar perfectamente. Ralentizarlo todo lo que necesitas oír con claridad. Al día siguiente, comience por revisar lo que hizo el día anterior. Suponiendo que usted aprendió los primeros 8 compases de la melodía. Juega a través de los primeros 8 bares durante cinco minutos como calentamiento. Luego pase a la novena bar. Si el material que practicaste el día anterior necesita más trabajo, no se preocupe. No seguir adelante. En lugar

de ello, sólo tiene que pasar sus 30 minutos de trabajo sobre el material que trabajó el día anterior, simplemente bajarlo mejor que ayer. Todos los días, sólo tiene que volver a la solista. reforzar lo que has aprendido el día anterior y obtener un poco más en él cada vez que usted practica. Continuar de esta manera hasta que haya alcanzado el dominio total sobre él.

¿Por qué gastar tanto tiempo con sólo un solitario? Usted puede pensar que estás descuidando otros aspectos necesarios para aprender a improvisar mientras que usted está centrado en un solitario. La verdad es que al trabajar con tanta atención en un solo, en realidad estás golpeando mucho más de lo que piensas. Si usted está transcribiendo aprendiendo todo de oído directamente de la grabación, Esto es lo que está recibiendo: Mejorar su capacidad de oír líneas El desarrollo de su dedo a la mente la conexión / oreja Amasar trozos de lenguaje del jazz Interiorizar la melodía de tono el solo se juega en Internalizar el acorde cambia el solo se juega en Ganar la técnica utilizada en el solo Absorbiendo el tono el ejecutante utiliza en el solo Aprender a frase en el estilo de la solista Aprender cómo articular en el estilo del solista La comprensión de cómo el solista piensa a través de progresiones de acordes La comprensión de las construcciones rítmicas utilizados por el solista Y la lista continúa. El punto es, se trata de la mayor rentabilidad por su tiempo.

Entonces, ¿dónde Jazz Teoría encaja? La teoría del jazz está de más insistir. ¿Necesita saber que? Sí, no lo entiendo demasiado se le atribuye. Habilidades de teoría de la música en general ayudan a entender por qué ciertos acordes en una progresión siguen otros acordes y por qué tonos acordes particulares suenan de una manera determinada. Si quieres profundizar en la teoría, la teoría libro Jazz por Mark Levine es el viejo recurso. Dos palabras de precaución sin embargo: 1.) Asegúrese de que escuche la teoría estudias. El punto de la teoría debe ser dar suena un nombre. Por ejemplo, si escucha un acorde que sonaba bien para usted, sería beneficioso ser capaz de nombrar y pensar en ella como una entidad propia. Utilice la teoría para apoyar sus conocimientos auditiva. 2.) No cometas el error común de improvisar sobre la base de reglas teóricas. Estas "reglas" se produjo cuando los educadores de jazz transcriben algunos solos y trataron de extraer tendencias comunes entre ellos. Luego derivan "Reglas" para improvisar que se pretende

ayudar a los improvisadores aspirantes. Improvisando desde esta perspectiva será más difícil sentir alguna vez creativo. En su lugar, asegúrese de que está utilizando la teoría para apoyar lo que está aprendiendo de los solos. Por ejemplo, cuando se aprende una línea desde un solo, utilizar la teoría para entender cómo las notas se refieren a la armonía y la forma en que la línea se resuelve. La teoría siempre debe seguir la práctica.

Lo que hay que trabajar en otra cosa que un solo de Las principales cosas a la práctica son: Tone - ejercicios tonales para mejorar su sonido, ejercicios de ajuste, control de volumen, etc. Técnica - escalas, arpegios, cajas de pinturas clásicas, etc. Idioma - líneas de los solos más de progresiones de acordes comunes practicados en todas las claves Tunes - Internalizar melodías y acordes de estándares de jazz directamente de los registros Transcribir solos - aprender solos de sus héroes directamente de los registros Vea por qué solos transcribir triunfos todos? Como la lista antes se indica en detalle, mientras que la transcripción de los solos que estés mejorando todas estas facultades.

Tono y Técnica Como puedo bloquear fuera de al menos un par de horas al día durante mi práctica, añado en la práctica, el tono y la práctica técnica. Me acerco a estas áreas al igual que todo lo demás. Una pequeña cosa a la vez. Voy a elegir una báscula y amo como he descrito en Cómo practicar Scales for Speed. Para su tiempo de práctica limitada, si quería trabajar en una escala específica, patrón de la articulación, o cualquier otros ejercicios técnicos, lo convierten en toda la sesión durante unos días hasta que tenga el ejercicio hacia abajo. Luego, en el futuro, podría convertirse en un calentamiento de 5 minutos en su rutina.

Tunes La mejor manera de aprender melodías está justo en la grabación. Como sugerí antes, un buen momento para aprender una melodía es en combinación con el solo de que estás aprendiendo. Matar a un montón de pájaros, una piedra. Una vez que obtenga su primer solo abajo, centrará sus sesiones de práctica en la melodía más del solista. Cada día, usted pasará sus 30-45 minutos el dominio de la melodía. Ya has transcrito un solo sobre la melodía, que le da un concepto sólido para basar su improvisación sobre. Para trabajar en la melodía, primero averiguar los cambios de acordes de oído. Para ello, se centran en las notas graves y cualidades de los acordes que oyes. En este punto, usted tendrá una gran ventaja porque usted sabrá exactamente lo que está jugando el solista en cualquier punto dado. Por no decir que es fácil, pero a menudo es bastante sencillo para descubrir los

cambios de acordes de una melodía base a lo que juega el solista. Echa un vistazo a este artículo sobre cómo escuchar los cambios de acordes para tener una mejor idea de cómo hacer para que rasga los cambios. Para llegar solos cómodo en la melodía, me gusta bucle de la melodía en mi Software Transcripción, lento hacia abajo, y jugar el solo me acabo de enterar sobre la melodía en bucle. Al oír cómo el solo pone sobre la melodía ayuda a transmitir cómo el fraseo, líneas y ritmos de trabajo sobre la armonía. Mantener la melodía en bucle, intente improvisar todo el solista transcrita, a veces jugando lo que el solista jugó y luego a veces a la deriva lejos de la solista. Jugando con la melodía de esta manera es como yo prefiero trabajar en canciones, en lugar de jugar con un play-largo de la pista. La mayoría de las pistas de juego, junto carecen de inspiración y cualquier sentimiento. El uso de las grabaciones actuales, para acompañar pistas de fondo es mucho más divertido. Una vez que tenga un firme entendimiento de lo que está sucediendo armónicamente en la melodía, empezar a improvisar sobre la melodía en bucle, todavía más lento, hasta que finalmente se siente muy a gusto sobre la melodía; se puede escuchar todos los cambios de acordes y entender lo que la armonía es. Tómese su tiempo con la melodía, entender completamente cómo el solista se acerca cada barra de la melodía. Hay una lógica subyacente a la forma en que el solista construye cada una de sus líneas. Desentrañar esta lógica por sí mismo es la clave para improvisar sobre cada sección específica de una canción. A menudo, sus héroes llegar a un camino a través de una progresión de acordes que nunca se le ocurriría a usted.

idioma Así como aprender canciones pueden ir de la mano con solos de aprendizaje, puede acumular fácilmente el lenguaje de jazz mientras aprenden solos fuera de los registros. Más pájaros muertos, siendo una piedra. Una vez que tenga su primer solo abajo, usted tendrá un montón de lenguaje para cavar más profundamente en. Cada bit de la lengua se convierte en un tema para una sesión de toda la práctica. Encontrar una línea que te atrapa desde el solo, y averiguar qué cambios de acordes que se juega sobre. Un buen lugar para empezar a aprender el idioma es una progresión VI ii, ya que es un paquete aseado que ocurre con frecuencia durante los estándares de jazz. Practique la línea para toda la sesión de entrenamientos de 30-45 minutos. En primer lugar aprender a la perfección en su tono original, y luego llevarlo hasta medio paso. Así que si comenzó como | D- | G7 | Do mayor |, llévelo hasta | Eb- | Ab7 | Db importante |. Esto puede parecer una tarea difícil al principio, pero el músculo a través de él. Continúe tomándolo en medios pasos hasta que haya pasado por todas las claves. Tómese su tiempo y no escribirlo. Hazlo usando tu oído y la mente. Sepa qué acorde tono de la línea comienza en

y hacia dónde va. Si tiene dificultad para recordar los tonos de acordes, asegúrese de refrescar en Cómo poner de acordes Tonos a su alcance. Aprender el lenguaje de los solos de esta manera ayudará a dar a usted empezando lugares para sus líneas. El lenguaje del jazz no es para "copiar y pegar", pero en su lugar, los bits del lenguaje actuar como trampolín para su creatividad. Al principio, sólo tiene que conectarlos a las melodías de su trabajo en y poco a poco podrás alcanzar un alto grado de libertad con ellos, pudiendo variar en formas casi infinitas a voluntad.

El plan de la práctica el tiempo mínimo En resumen, con un mínimo de tiempo, su plan de la práctica debe consistir en un tema importante de un día y buscar algo como esto durante los primeros meses: Práctica 30-45 minutos diarios aprender un solo que usted ama absolutamente por uno de sus héroes, directamente de la grabación de oído. Entonces, después de obtener una comprensión sólida de la solista (entre unas semanas y unos meses): Practique 30-45 minutos diarios averiguar los acordes de la melodía y de trabajo en la melodía, utilizando la melodía, en solitario, y los cambios. Este proceso en realidad se podía hacer, mientras que todavía está trabajando en el solo, sólo asegúrese de enfocar su tiempo. Además, tome el idioma que está trabajando y practicarlo sobre partes de la melodía dónde encaja. Días alternos o cada pocos días, trabajando en la melodía con el trabajo en el lenguaje. Practique 30-45 minutos lenguaje aprendizaje diario que ha aprendido de la solista en todas las claves. Luego alimentar este lenguaje nuevo en su puesta a la práctica. Esencialmente estás aprendiendo la melodía, el aprendizaje de la solista, y el aprendizaje de la lengua, mientras que en el proceso, el desarrollo de su oreja, instalación técnica, y el fraseo. Este es un gran lugar para comenzar y debe mantendrá ocupado durante los próximos 3-6 meses. Obtendrá rápidamente más conocimiento de este primer trabajo en solitario de centrarse su tiempo de otra manera. Después de su primer trabajo en solitario, todo el proceso será notablemente más fácil.

El Plan de Práctica Integral Después de un tiempo de practicar sólo un tema por día y amasar lenguaje del jazz, melodías y solos, es posible que desee practicar más de una cosa al día. Asegúrese de que al ampliar su alcance para mantener la profundidad. Por ejemplo, para equilibrar su práctica entre los ejercicios de tono, estudios técnicos, canciones, el lenguaje y la transcripción, elegir un enfoque principal en un solo tema, mientras que los otros son de revisión. Así que tal vez su principal objetivo para el día o la semana es un solo, pero usted tiene algún otro material que usted desea golpear. El plan podría ser algo como esto:

5 min - Un ejercicio de tono específico 5 min - F # ejercicio escala mayor 5 min - Revisión de una línea que ya ha trabajado en 5 min - Revisión de una melodía que ya se ha trabajado en 25 min - Aprender más piezas de un solo de que está trabajando En 45 minutos de haber calentado el sonido, la mejora de sus instalaciones escalar, arraigado además una línea, más arraigado una melodía, y empujó aún más en un solo! La clave para cualquier plan de la práctica es permanecer con algo lo suficientemente largo que domine. La práctica de un solo tema de un día, y quedarse con ella día tras día, le permitirá llegar a este nivel de precisión, como la voluntad de practicar de una manera en que su enfoque se centra alrededor de un tema y el resto es comentario. Ahora ya sabes lo que a la práctica. Sólo tienes que ir a hacerlo!

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Cómo ser mediocre Publicado Por Forrest En 20 de noviembre 2011 @ 23:47 En Inspiración, Perspectiva | No Comments

A pesar de que suelen centrarse en las formas de mejorar, este artículo tiene que ver con la forma de ser mediocre. Ahora, lo más probable es que usted no desea ser mediocre, así que mientras muchos de estos puntos de la siguiente lista son la lengua en la mejilla, que le proporcionan una idea de lo que no debe hacer, si desea ser mejor que mediocre.

Mediocre consejo # 1: Evitar transcribir a toda costa Convénzase de que grandes jugadores nunca transcritas y elegir creer que inventaron todo lo que jugaron, directamente de su propia mente. Cuando los maestros o amigos sugieren que transcribir, actuar como si estuvieras por encima de ella y la respuesta, "Estoy buscando hacer mi propia cosa." Tal vez si estás en la escuela de música, sin embargo, usted está obligado a transcribir para una asignación. Asegúrese de que usted no transcribe en la forma que nos referimos aquí, sino simplemente tratar de escribir las notas en un papel lo más rápido posible. De esa manera usted evitará el aprendizaje de cualquiera de la lengua o conceptos en el solo, sin dejar de ser capaz de hablar de lo que el solista está haciendo. Si realmente siente la necesidad de saber lo que está jugando a alguien, buscar frenéticamente una transcripción de la solista. Si usted no puede encontrar en línea, siempre se puede comprar un libro de transcripciones. Estos son una gran herramienta para ayudarle a

evitar transcribir todos juntos, asegurando que nunca se levanta por encima mediocre.

Mediocre consejo # 2: Siempre aprender canciones de libros falsos Ley como si fuera imposible aprender melodías de registros. Sostienen que hay que aprender la versión autorizada de la melodía: el que está escrito en una hoja de plomo. Si por casualidad alguien te dice que estás jugando un acorde equivocado, sacar su libro falso y mostrarles lo que los cambios reales son. Eso enseñarles!

Mediocre punta # 3: Nunca aprender líneas Tome la actitud que el aprendizaje de las líneas que sus héroes desempeñaron está copiando y poco original. Usted sabe que es un hecho que los profesionales nunca se hicieron; aprendieron sus escalas y arpegios reorganizar estas notas sobre el terreno en hermosas melodías.

Mediocre consejo # 4: No nunca aprendió nada en todas las claves Una de las claves es lo suficientemente bueno. En realidad, quien interpreta a ritmo Cambios en otra cosa que no sea Bb?

Mediocre punta # 5: No pierda su tiempo en melodías fáciles Nunca pierdas tu tiempo con melodías fáciles. Melodías fáciles son para los débiles. Estos incluyen blues, cambios de ritmo, y la mayoría de las normas. Las únicas canciones pena gastar el tiempo son Monk, Joe Henderson, y Wayne Shorter melodías, por lo que debe ir directamente a éstos. De esa manera cuando estás en una jam session, puede impresionar a todos, porque casi se puede aproximar la melodía de impulso interno. No te preocupes por los solos sobre ella. Quiero decir, la cabeza es lo suficientemente fuerte, ¿no?

Mediocre punta # 6: Nunca jugar en los cambios originales Si por casualidad usted tiene que jugar un estándar para una tarea escolar o algún tipo de requisito, reharmonize todos los acordes para que apenas se puede oír los cambios originales. ¿Quién necesita escuchar otra dos-cinco progresión? Usted no tiene que jugar, más otros dos de cinco años en su vida. Eso es viejo sombrero. Si usted no tiene tiempo para trabajar las matemáticas de su reharm (No te atreverías hacer esto por el sonido. Usted debe basar su reharm en la teoría), superponer tantas cosas como puedas. Escribe estos nuevos cambios en la hoja de plomo para asegurarse de que los juega durante la ejecución.

Mediocre punta # 7: la formación del oído. ¿Quién lo necesita? Usted necesidad de centrarse en los dedos. No sus oídos. Basta de charla.

Mediocre punta # 8: Si usted no está consiguiendo los resultados que desea, obtener nuevos equipos Usted sabe todas sus escalas y arpegios. Usted incluso anotó un Coltrane en solitario una vez. has jugado coro después de coro con las pistas de juego a lo largo, por lo que los problemas no puedas estar con usted. Utilice este razonamiento a culpar siempre a su equipo. Pase por

lo menos una hora al día, preferiblemente más, en busca de nuevas boquillas u otros equipos en Ebay, o tratando de averiguar qué equipo juega a tu héroe en. Sepa que si usted acaba de obtener el equipo adecuado, usted será el próximo Trane.

Mediocre punta # 9: Trabajo en escalas y arpegios hasta que esté azul en la cara Usted sabe que el jazz-teoría-modelo de juego ha demostrado que el dominio de todas las escalas y arpegios resultados en la improvisación perfecto. Así que sigue en truckin '. Eventualmente, por arte de magia se convierten en las melodías a medias que siempre has soñado. Cuando usted no parece ser capaz de obtener a través de dos y cinco años, aprender una nueva opción de escala para que te sientas como si estuvieras trabajando hacia su meta. Cuando esta nueva escala no le ayuda, alardear acerca de cómo le está ayudando, y que por fin ha encontrado el sonido que has estado después. Si alguien sugiere que se aprende cualquier lenguaje en absoluto en lugar de escalas y arpegios que practican tanto, gritarles: "Eso es robar!" Y salir corriendo de la habitación lo más rápido que puedas.

Mediocre punta # 10: Sólo hacer la cantidad mínima de trabajo Sólo hacer lo mínimo. Su objetivo es no tocar notas incorrectas. Eso es. Si usted recibe a través de todo un coro sin notas incorrectas, estás matando él !! Todo el trabajo debe entrar en esto una meta, porque eso es lo que importa: no hay notas incorrectas.

Mediocre punta # 11: No te preocupes por las progresiones de acordes Progresiones de acordes son sólo sugerencias. Sólo están escritos símbolos después de todo. No es como que son sonidos. En lugar de tratar de entender la progresión, sólo tiene que buscar la tonalidad general, entonces encontrar la escala mayor que se coloca sobre él e ir a la ciudad !!!

Mediocre punta # 12: Nunca jamás jugar con un metrónomo No vas a tocar con un metrónomo, ¿por qué la práctica con uno? Si tu profesor te hace jugar con uno, evitar jugar con él los días 2 y 4, ya que podría mejorar su tiempo de sensación encima mediocre.

Mediocre punta # 13: Utilice siempre juego a coro ¿Por qué utilizar las grabaciones de sus héroes cuando el solista se encuentra en el camino todo el tiempo ?! Compra todos para acompañar puedas y hacer que la única cosa que la práctica. Abra el libro, puso el respaldo de un seguimiento y ver con qué sale. Usted es su propio héroe. No dejes que nadie en la grabación se interponga en su camino. Juega coro después de coro, cierra los ojos y mover sus dedos. Finalmente algo grande tiene que salir, ¿no?

Mediocre punta # 14: Aprende tantas canciones como puedas

Usted sabe que los más canciones que aprenden mejor, porque luego cuando vas a una jam session, que no sienta tonto cuando usted no sabe una melodía. A quién le importa cómo suena en él, siempre y cuando te des cuenta y otra persona no lo hace. Asegúrese de burlarse de la persona que no sabe la melodía diciendo: "Realmente, usted no sabe esta canción?" Y su definición de aprendizaje es memorizar la melodía y la secuencia de acordes en la hoja de plomo. Eso debería ser suficiente para llegar a su meta de no jugar notas incorrectas, y si por casualidad usted golpea un par de los incorrectos, justo echarle la culpa al hecho de que te gusta jugar "afuera".

Puede ser mediocre! ¡Buenas noticias! Con poco esfuerzo, puede convertirse mediocre! Si esta lista se lee como su modus operandi, a continuación, usted puede estar seguro, llegará a su meta de jugar mediocre en ningún momento. No cambiaría nada. Evite cualquier persona que sugiere que usted tenga que hacer algo diferente a lo que está haciendo actualmente y buscar otros que sienten la misma manera que usted hace de todo. Usted está en el camino de la mediocridad y me encanta, así que seguir adelante! Ahora, para el resto de ustedes, espero que la mayoría de la gente que lee esto, obtener una buena risa de leer este artículo, tomar conciencia de los hábitos que actualmente está haciendo que produzca resultados mediocres, y cambiarlos hoy. No hay nada malo con el objetivo de la mediocridad, a menos que, por supuesto, eso no es lo que quieres. ¿Quieres grandes resultados? Deja de tratar de ser mediocre.

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5 pasos para Mastering Sight-Reading Publicado por Eric En 10 de octubre 2011 @ 02:54 am En Consejos para Todos, Ritmo, Consejos | 1 comentario

Un lector preguntó recientemente: En mi universidad, para entrar en las bandas de laboratorio que tiene que ser un gran espectáculo-reader. ¿Cuáles son algunas maneras de convertirse en un gran lector, además de sólo decir "leer todo lo que pueda." Yo soy decente en lectura a primera vista, pero quiero llevarlo al siguiente nivel. ¿Cómo puedo hacer esto? No hace falta decir que la lectura a primera vista es una habilidad importante para tener como músico. Usted vista-leer nuevas piezas en sus ensayos, que lo necesite cuando SUB para una gran banda, y es una parte temida del proceso de audición. Es de ninguna manera es la habilidad más importante que como músico, pero si quieres ser músico "trabajo", es algo que definitivamente necesita. Esta es una gran pregunta, pero es también uno que a menudo se le respondió con las vagas respuestas, apáticos que usted ha mencionado. Decirle a alguien que "sólo la vista, leer más," no importa lo bien intencionados, no va a ayudarles a mejorar. Lectura a primera vista, al igual que muchas otras técnicas que desarrollamos como músicos, es una habilidad - una habilidad que se puede aprender y mejorar continuamente sobre. En lugar de ponerse en una habitación y tratar de mejorar ciegamente sus chuletas de lectura a primera vista por hacerlo una y otra vez, mira a los elementos específicos que intervienen en esta habilidad y trabajar en el desarrollo de ellos.

Es de lectura vistaDe alguna manera, todos hemos tenido esta idea puesto en nuestras cabezas que lectura a primera vista es esto completamente nueva habilidad que debemos aprender, separado de los demás aspectos de nuestra musicalidad. Esto no podría estar más lejos de la verdad. La capacidad de la vista-lectura se debe a todos los aspectos de su maestría musical y por lo tanto, se puede mejorar día a día con un poco de atención al detalle. Cuando usted toma una mirada honesta a ella, lectura a primera vista es simplemente su capacidad de leer música. Usted puede mirar esta música por primera vez o puede ser algo que usted no ha practicado, pero la conclusión es que usted está leyendo la música. Si usted desea mejorar en lectura a primera vista, primero tiene que examinar la forma en que usted lea música. Hay elementos específicos que intervienen en la lectura musical con éxito, y estos elementos afectan directamente su capacidad para la vista-lectura. Lectura a primera vista no es cierta habilidad mágica que solo vendrá a ti un día porque se intenta que cada cierto tiempo, es una habilidad que tiene elementos finitos que se pueden aprender en un corto período de tiempo y se aplican con éxito. A continuación he esbozado cinco componentes de la lectura de la música que mejorará en gran medida su capacidad de visión-lectura. Cada habilidad depende de la próxima y todos ellos se suman, por lo que no salte sobre alguno de ellos. Si decide implementar cada uno de estos factores cada vez que lee una pieza de música, su lectura a primera vista será infinitamente mejorar.

I. Concentración Esto puede parecer dolorosamente obvio o incluso sin importancia, pero su forma de pensar y la concentración como se mira a una página de la música es el factor más importante para su éxito en la lectura de esa música. Sin ella se olvida de notas y alteraciones, te equivocas ritmos, te encuentras desconectado de ese momento, y usted pierde su lugar en la música. De hecho, la mayoría de los errores que cometemos en la música realizando se pueden atribuir a la falta de concentración. Muy a menudo leemos la música en actuaciones y ensayos con sólo la mitad de nuestra concentración, y lo que es peor, ni siquiera nos damos cuenta de ello. Exploramos la audiencia para la gente que conocemos, pensamientos al azar pop en nuestras cabezas, pensamos en lo que vamos a jugar en nuestro próximo solitario, revisamos nuestros días. A veces, simplemente Zone por completo. Estamos mirando la página, vemos las notas, pero nuestra mente no estamos completamente involucrados y enfocados en la tarea en cuestión. Esta es una receta para el desastre. Paso uno en su viaje para convertirse en un maestro de lectura a primera vista? Poner fin a esta lectura de la música sin sentido.

"El arte tiene que ver con la detención de la atención en medio de distracción." ~ Saul Bellow

En vez de ir a través de los movimientos de la lectura de la música, jugar un pequeño juego con uno mismo. Antes de reproducir una pieza de música, decir mentalmente a sí mismo: "Ok, voy a clavar cada nota y el ritmo en esta página, no cometer errores." Claro cabo cualquier pensamientos no deseados o distraídos y aspirar a 100% de concentración en la música . A medida que la melodía está siendo contada fuera, se centran en el tiempo y las notas y ritmos en las medidas de apertura. Tome esta forma de pensar con todo lo que lee, ya sea en un gran ensayo de la banda, un pequeño rendimiento del grupo, o un día normal en la sala de la práctica. Usted encontrará inmediatamente que la lectura mejora, sin embargo, usted también encontrará que la concentración extrema es difícil de sostener durante largos períodos de tiempo. Usted puede comenzar un pedazo totalmente centrado, pero después de un minuto su mente comienza a divagar y poco a poco, has vuelto a soñar despierto. Sea consciente de esta tendencia y rápidamente tire hacia atrás su concentración cuando empieza a desvanecerse. Al aprender a controlar su concentración, podrás arraigar el hábito de convertirse en totalmente centrado cualquier momento de leer música. La próxima vez que usted tiene que vista-lectura, usted encontrará que esta habilidad se lleva una y que las cosas serán mucho más fáciles.

II. Leer trozos más grandes de la música Vaya a cualquier gran concierto de la banda y estará inmediatamente capaz de elegir los grandes lectores y los jugadores que están luchando. Los lectores fuertes mirada confiada, relajada y totalmente centrado; incluso la mayoría de canciones up-tempo no parecen eliminar ellos. Por otro lado, los lectores pobres aspecto completamente nerviosa. Sus cabezas están enterrados en el stand, que están contando con furia y la subdivisión de cada ritmo, y se tensa aprovechar cada latido con el pie; en otras palabras, están colgando para salvar sus vidas. ¿Qué tienen estas fuertes lectores que los otros no? Estos jugadores han descubierto la manera de mirar y leer con éxito trozos más grandes de la música. El área de la lectura de la música que está recibiendo estos otros jugadores en problemas, sobre todo en canciones up-tempo, está mirando y contando cada latido de la música que ellos ven. Ellos están pensando en cada ritmo y el procesamiento de cada compás de la música. Para llegar a ser una mejor vista-lector, usted debe hacer todo lo contrario. Tienes que estar mirando a piezas más grandes de la música y sentir trozos más grandes de tiempo.

Mira la música en la página como si se va a leer en tiempo de corte. En lugar de buscar en cada cuarto de nota y la subdivisión de cada ritmo en corcheas, dividir visualmente cada medida en dos partes y ver dónde están los tiempos fuertes caen. Al hacer esto, usted va a liberar su mente para que pueda centrarse en cosas más musicales. Vamos a ilustrar este concepto. Digamos que usted tiene esta línea en su música:

Un lector inexperto contaría cada latido y buscar en cada nota individual. Sin embargo, un gran lector primero ver visualmente, donde los principales tiempos fuertes caen (Beats 1 y 3 si estás en tiempo de corte -mostrado abajo, o 2 y 4, si lo prefiere):

Siguiente leer la música como si fuera en el tiempo de corte, mirando a dos golpes a la vez que se muestra en las secciones resaltados a continuación:

O incluso una medida de todo a la vez:

Se puede ver claramente cómo la lectura de esta manera es mucho más fácil y relajado que contar cada latido. Objetivo para interpretar visualmente la música de esta manera. Tomará un poco de práctica y experiencia, pero la recompensa valdrá la pena.

III. Reconociendo ritmos y patrones Sólo hay tantas combinaciones de ritmos que te vas a encontrar si estás jugando la música de

big band, sentado en el pozo para un musical, o la lectura de un nuevo gráfico en su combo. Familiarizarse con estos ritmos comunes y reconocerlos a simple vista mejorará en gran medida su capacidad para leer a primera vista una pieza de música. Idealmente, usted no quiere ser subdividir y contando cada ritmo cuando usted está realizando, es el trabajo que se debe hacer en la sala de la práctica. En el escenario y en situaciones donde usted es lectura a primera vista, ver la música en un marco temporal más amplio como se mencionó anteriormente y buscar estos ritmos familiares. Al hacer esto, usted no tendrá que pasar notas y ritmos que ya conoce desciframiento de energía mental. Aquí es un gran ejercicio para familiarizarse con muchos ritmos que pueden surgir: tome una hoja de papel manuscrito y en cuatro por cuatro el tiempo, el uso de las notas medias y notas negras, escribir todas las posibles ritmos de una medida. En realidad no es que muchos. Luego hacer lo mismo con otras duraciones, por ejemplo, tomar notas negras y corcheas, y escribir todos los diferentes ritmos que se pueden ensamblar. A través de este proceso obtendrá una comprensión de los diferentes ritmos y se familiarice con su apariencia visual de la página. Además de identificar rápidamente los ritmos visuales, aprender a identificar fácilmente fragmentos y arpegios escala. Por ejemplo, mirar el fragmento de escala en esta línea:

Usted no tiene que leer cada nota para darse cuenta de que estás jugando una escala descendente, sólo hay que echar un vistazo rápido. Ser capaz de captar visualmente que una línea melódica está simplemente compuesto por una escala o un fragmento del arpegio hace que sea mucho más fácil de procesar, y por lo tanto, mucho más fácil de leer a primera vista. Tenga cuidado con los ritmos difíciles No son los ritmos familiares y patrones que tenemos que tener en cuenta, son las ocasionales ritmos fuera de compás que nos lanzan. La mayoría del tiempo que obtenemos a través de una pieza muy bien, a continuación, vemos un ritmo como este:

De pronto nuestros congela cerebrales, que pierden la noción del ritmo, y obtener por completo. Esto sucede porque no se alinean visualmente donde los latidos abajo están sucediendo. El ritmo simplemente no se ve "correcta" de nuestra mente y nuestro tiempo se va por la ventana. La manera de tratar con estos ritmos difíciles es calcular hacia fuera en un tempo lento y luego comprometerse a la memoria.

Tenga cuidado al leer restos Muchas veces, estamos tan acostumbrados a mirar las notas que cuando vemos restos, nuestro cerebro se apaga. Esto es cierto para largos períodos de descanso o líneas como la de abajo, donde los restos se intercalan a lo largo de una línea:

Para hacer frente a una línea como esta, de nuevo encontrar dónde los tiempos fuertes caen:

A continuación, aislar a los lugares donde hay restos que caen sobre un ritmo fuerte. Estos son lugares difíciles, porque nos sentimos un golpe, pero no estamos jugando nada. En estos lugares, me vocalizar o utilizar una sílaba para estos restos por lo que no está tratando de adivinar la ubicación exacta de las notas. Por vocalizar, me refiero mentalmente decir una sílaba durante el resto. Por ejemplo, para la línea de arriba me gustaría visualizar el siguiente:

En el primer resto de relieve, utilizaría tres sílabas subdividir corcheas para llenar el espacio del resto ("doo ba ba" o cualquier cosa con 3 sílabas). Y para los otros dos restos pesimistas, me gustaría utilizar una sola sílaba ("eh"). Pruebe a cantar al ritmo del ejemplo anterior. Canta las notas y en el lugar de los tres restos resaltados, inserte una sílaba que subdivide el resto. Esta técnica le ayudará a colocar cada nota exactamente donde reside en la medida.

IV. Mira adelante "Siempre es bueno mirar hacia el futuro, pero difícil de mirar más allá de lo que puede ver". ~ Winston Churchill Uno de los principales factores que contribuyen a nuestros errores en la lectura a primera vista es el simple hecho de que no estamos listos para las notas que vemos en la página simplemente nos cogen por sorpresa. Nuestros ojos se encuentran con una medida que debemos jugar inmediatamente y nuestro cerebro no puede procesar la información con la suficiente rapidez. A continuación, tenemos que parar y pensar por medio segundo aproximadamente una accidental, una digitación, o un ritmo, y para entonces, es demasiado tarde. Para evitar este tipo de situación, debe entrar en el hábito de mirar continuamente por

delante en las notas y los ritmos que viene. No se deje atrapar mirando a la música que acabas de jugar, estar preparados para las notas que suben. Para ello, mantener los ojos un instante o dos por delante de las notas que estás jugando. Esta habilidad, como todos los elementos anteriores, requiere y utiliza una combinación de todos los anteriores. Usted debe estar centrado totalmente en la tarea a mano y necesita ver la música en la página en grupos más grandes de notas, no golpes individuales. A medida que juegas una medida, sus ojos siempre están explorando por delante así que nada te atrapará con la guardia baja.

V. Continuar través de sus errores Es inevitable que usted comete un error y cuando usted es lectura a primera vista. Todos aspiramos a 100% de precisión, pero con el tiempo vamos a perder una nota - es sólo un hecho de la vida. Dicho esto, un pequeño error hay razón para que el rendimiento de lectura a primera vista completamente desmoronarse. A pesar de que no queremos hacer ningún error de lectura, algunos errores son definitivamente peor que otros. Una vez tuve un profesor que decía: "Voy a aceptar una nota mal o perder, pero no voy a aceptar un ritmo equivocado." Fue extraño oírle decir que aceptaría notas incorrectas en lectura a primera vista, pero después de un rato , empecé a ver lo que quería decir. Cuando se trata de lectura a primera vista, una nota perdida es lamentable, pero un ritmo equivocado o conteo defectuosa puede tirar completamente fuera de pista. A medida que la vista-leer una pieza de música, hay una jerarquía definida por su atención. En primer lugar, mantener el ritmo de la pieza firmemente plantado en su mente y cuerpo, este es el pegamento que mantiene todo unido. A continuación, busque en cada ritmo que te encuentras y ver visualmente donde los latidos abajo están cayendo, los trozos más grandes de tiempo que usted es capaz de procesar el mejor. Finalmente, preste atención a cada nota, intervalo, y accidental. Sin embargo, la cosa más importante a recordar, es que cuando se comete un error, no se detienen. Una nota no puede salir, es posible que dude un segundo en un ritmo, o puede que te pierdas accidental. Sea lo que sea, olvidarse de él. Se fue. Historia. Hemos de tener el tiempo de ir y recoger a donde lo dejó. Esto es difícil de hacer cuando usted está leyendo algo por sí mismo, como lo haría en un proceso de audición, pero es mucho más fácil cuando usted está leyendo con otros artistas, como lo haría en un dúo o conjunto. Trate de lectura a primera vista con otros para practicar este concepto continuando a través de errores. Cuando toca una nota o ritmo equivocado, inmediatamente se ve que el tiempo continúa y que debe volver rápidamente a la pista.

Vamos a criticar Esto puede parecer mucho que pensar cada vez que nos fijamos en una pieza de música, sin

embargo, estos son pequeños trucos que tienen un efecto enorme en su lectura de fácil aplicación, por lo que darle una oportunidad y ver qué pasa. Lo más probable es que usted ya está haciendo algunas de estas cosas, y la clave para mejorar puede mentir en hacer un pequeño ajuste o la incorporación de sólo uno de estos elementos en su juego. Ir a través de esta lista de control mental, cada vez que vea una pieza de música: Entra en el modo de pensar de la concentración total y ajustar las distracciones Antes de comenzar, memorizar la clave de firma y escanear la página de los puntos conflictivos Mira la música en trozos más grandes de tiempo (véase la página como si fuera en tiempo de corte) Reconocer ritmos comunes y cuidado con los ritmos difíciles Visualmente identificar fragmentos y arpegios escala Recuerde que debe mantener contando a través de restos Continuamente mantener su digitalización ojos por delante para que siempre estés listo para la siguiente medida No se eliminarán por sus errores, mantener el tiempo en ir y volver a la pista Si realiza esta forma de pensar en un hábito, usted será capaz de confianza sight-lee ninguna pieza musical. Comience por el uso de estos conceptos en sus ensayos, presentaciones, e incluso en la sala de ensayo. Pon tus habilidades a prueba y leer un dúo con un amigo. Elija una página al azar, cuente fuera el tempo, y tratar de conseguir todas las notas y ritmos. Si comete un error, seguir adelante y volver donde se puede. Si usted está leyendo es competente hoy, ya tienes las habilidades básicas y el potencial de convertirse en un gran espectáculo-reader. Ahora sólo necesita un poco de puesta a punto y la práctica. Tome los conceptos arriba y usarlos en cualquier momento usted está en una situación en la que usted está leyendo la música. En un sorprendentemente corto período de tiempo, usted se encontrará lectura a primera vista con facilidad y poco a poco, podrás construir la confianza para nada leer a primera vista que te encuentres.

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Cómo simplificar el proceso de aprendizaje Tunes Publicado por Eric En 13 de marzo 2012 @ 18:37 En Consejos, Tunes | No Comments

Como improvisador, puede transcribir solos. Usted puede mejorar su técnica. Usted puede escuchar sus grabaciones favoritas durante horas cada día. Se puede vivir prácticamente en su sala de ensayo. Pero, no importa lo que hagas o la cantidad de tiempo que pasa, al final del día usted todavía tiene que lidiar con las melodías. A pesar de todo su trabajo duro y preparación, todavía hay esas canciones que no conoces. Muchos de ellos. Cientos de canciones. ¿Cómo es exactamente lo que va a aprender todas estas canciones? La verdad es que no se va a conocer cada melodía jamás escrito. Que lo intentaran, nadie lo hace, ni siquiera los más grandes jugadores que hay. Sin embargo lo que puede hacer es lenta pero constantemente añadir canciones a su repertorio, uno por uno. Cada día se puede hacer un poco progreso. Esta es la marca de un gran jugador. Trate de conocer más canciones de esta semana de lo que hizo la semana pasada. Trabaja incansablemente en sus oídos y tocar lo que se oye, para que puedas averiguar las canciones que no conoces. Esforzarse para aprender algo nuevo cada día. Ampliar su repertorio es algo que cada improvisador debe tratar, que es un proceso que nunca termina. Sin embargo, este proceso de melodías de aprendizaje no tiene que ser una pesadilla recurrente que está constantemente frenando y que le impide salir y jugar. Puede ser simple, incluso divertido. Aquí hay tres cosas que usted puede hacer en su práctica diaria para hacer el proceso de aprendizaje sintoniza simple, fácil y agradable:

I) Hacer un plan Organizarse y trabajar hacia un objetivo a largo plazo. Estructuración de su rutina diaria y semanal práctica. Lo creas o no, estas tareas simples son el factor más importante en la construcción de un sólido repertorio de melodías. Puede significar la diferencia entre tener una sólida base de melodías de 6 meses a un año a partir de ahora o ser atrapado con las mismas pocas normas que usted sabe hoy. El secreto para memorizar un montón de canciones que no está relacionada con talento natural o técnica. Todo se reduce a la motivación, organización y una cierta hora seria pasado con los registros. Tienes que decir conscientemente a sí mismo "Yo voy a aprender más canciones y esto es exactamente lo que voy a hacer." Usted puede desear saber más canciones todo lo que quieras, pero hasta que haga algo al respecto, se le pegado con tus mes repertorio limitado o incluso años a partir de ahora. Te guste o no, usted necesita un plan. "Por la noche, nunca van a la cama sin saber lo que voy a escribir mañana." ~ Ernest Hemingway

El problema con la forma en que la mayoría de la gente está aprendiendo canciones es que están atrapados en el día a día vista de la práctica, la elección de las cosas al azar para trabajar. Un día se centran en una melodía, la siguiente es algo completamente nuevo. Una semana después, es otro conjunto de ejercicios y una nueva hornada de canciones. Constantemente están comenzando nuevos proyectos y se centra en las nuevas canciones, pero en realidad no completar alguno de estos proyectos. El tiempo se está fielmente pasó en la sala de práctica, pero sin resultados tangibles se logran en realidad. Si usted es serio acerca de lograr un gran objetivo como aprender un montón de canciones, sin embargo, es necesario detener este ciclo y adoptar un enfoque diferente. Dar un paso atrás y ver lo que realmente está sucediendo en la sala de la práctica. Mira el cuadro grande de un mes, 6 meses, incluso un año en el camino. Usted necesita tener una meta y cada día tiene que trabajar lentamente hacia este objetivo. Haga una lista de canciones El primer paso es crear una lista de canciones que desea aprender. En pocas palabras, si no se ha identificado lo que vas a aprender, no vas a aprender.

De la parte superior de la cabeza, pensar en las canciones que usted necesita o desea aprender. ¿Cuál fue la última melodía que alguien llama que no lo sabías? ¿Cuáles son las canciones en ese disco favorito de siempre estás escuchando? ¿Tiene problemas pensando en canciones que usted debe aprender? Aquí hay algunos artículos que hemos escrito sobre el aprendizaje de canciones y la construcción de su repertorio que debe darle algunas ideas: 5 Tunes que debe saber y por qué usted debe saber ellos La construcción de su repertorio Parte II: 10 Tunes clave 10 Thelonious Monk Composiciones que usted necesita saber Además, echa un vistazo a las páginas web de las principales escuelas de jazz y conservatorios de todo el país. ¿Qué canciones hacen que juzguen precisa sobre una cinta de la audición? ¿Qué canciones son los estudiantes esperan conocer en un jurado? El programa de jazz en la Escuela de Música de Manhattan tiene una lista de canciones que los estudiantes deben saber al final de cada año y este es un gran recurso para la creación de su lista de sintonía personal: MSM Jazz Artes Manual (pdf) Otra cosa fácil que usted puede hacer todos los días para construir su lista es la de escribir cualquiera y todas las canciones que te encuentras escuchando. Si estás en un concierto y el grupo toca una melodía que te gusta o una composición que no está familiarizado con, anótelo. Cuando alguien llama a una melodía en una jam session que usted no sabe, añadirlo a la lista. Siempre estar en la búsqueda de canciones que se pueden agregar a su repertorio. Después de algún tiempo, lo que va a terminar con una "lista maestra" de melodías que desea aprender. Y, esta lista siempre va a ser cada vez mayor y en expansión. A partir de esta gran lista, elegir 2-3 melodías que desea conocer de primera. Usted va a centrarse en estos temas exclusivamente para la próxima semana o así. Usted no quiere tratar de aprender toda la lista a la vez, esto sólo conducirá a la frustración. En su lugar, elegir un par de canciones que se pueden aprender fácilmente en un corto período de tiempo. Si la melodía de la canción es bastante simple (Solar, ahora es el momento, Oleo) puede intentar aprender varias canciones a la vez. Sin embargo, si usted elige un tono más complejo, Donna Lee, por ejemplo, vas a querer centrarse sólo en esa melodía durante un período prolongado de tiempo.

II) Escucha, escucha, escucha Una vez que hayas elegido las canciones que van a centrarse en esta semana, es el momento de encontrar versiones de estas canciones para escuchar de su colección o en línea. Una de las principales razones que pensamos melodías aprendizaje es tan difícil, es porque tratamos de entrar de lleno en el proceso de aprendizaje sin ningún tipo de preparación. La primera vez que serio escuchamos una melodía es el momento en que empezamos a tratar de

aprender que en la sala de la práctica. Esto no debería ser el caso! ¿Quieres ir a la sala de la práctica con la melodía en el oído y la habilidad de cantar cada punto de paso en. Esto hará las cosas mucho más fácil para usted y reducirá el tiempo que se tarda en aprender estas melodías en el medio. Durante la búsqueda de grabaciones, encontrar tantas versiones como puedas (como lo hacemos con On Green Dolphin Street en este artículo). Buscar por ellos en YouTube, pedir prestado grabaciones de tus amigos, buscarlos en la biblioteca (... qué la gente todavía ir a la biblioteca ??). Elija las versiones que más te gusten y buscar a los jugadores que desea sonar. Recuerde que el proceso de melodías de aprendizaje debe ser divertido, no una tarea temida. Cuando tienes las versiones que más te gusten, ponerlos en su teléfono o iPod y escuchar a ellos siempre que pueda. Ponga en el primero que graba en la mañana al despertar y justo antes de ir a la cama. Trate de escuchar centrado y análisis auditivo en lugar de tratar esto como música de fondo. El objetivo es ser capaz de cantar estas melodías nota por nota antes de llegar a la sala de ensayo. Al hacer este sencillo paso, estás haciendo el siguiente proceso de aprendizaje paso mucho más fácil.

III) El aprendizaje se Así que hayas elegido sus canciones, usted ha escuchado a ellos, tienes las melodías en su oído, y ahora es el tiempo para aprender realmente los de su instrumento. Para empezar, romper la melodía en secciones. No trate de hacer frente a toda la melodía a la vez. Para una descripción paso a paso de este proceso, echa un vistazo a este artículo. Recuerde, no todo en la práctica de la improvisación va a ser creativo e intuitivo. A veces tenemos que cambiar al cerebro izquierdo y convertirse en un maestro de la tarea incesante; y melodías de aprendizaje es, sin duda uno de estos casos. Manténgase enfocado y disciplinado. Eres meta se corta y seca aquí: Aprenda una frase, repetir un montón de veces, y pasar a la siguiente frase. Después de algún tiempo, usted se sorprenderá de lo rápido que va a retomar las melodías de esta manera. Si usted tiene pre-escuchado y que se centran en la sala de práctica, usted puede aprender una melodía en cuestión de minutos. Y, si he presentado un plan organizado para usted mismo, usted puede aumentar rápidamente el número de canciones que sabes en el espacio de un mes (2-3 sintoniza a la semana = 8-12 sintoniza un mes). El peso de la construcción de un repertorio de melodías siempre va a estar ahí. Tienes una opción, usted puede permanecer en estás trayectoria aleatoria actual de aprendizaje y continúa estar estresado bajo este peso, o puede organizarse y hacer un poco cada día, seguro de que usted está haciendo de manera constante progreso. Si te acercas a ellos de la manera correcta, melodías no son realmente tan grande de un

acuerdo. Por lo tanto, obtener un plan y no quedar atrapado en el bombo.

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¿Qué hacer cuando te estrellas y quemar en un Tune Publicado por Eric En 16 de diciembre 2013 @ 13:11 En Consejos para Todos, Inspiración, Perspectiva, rutinas de práctica, consejos, Transcripción, Tunes | No Comments

Dime si este escenario suena familiar: Entras en una jam session listo para tocar una melodía que ha estado sonando muy bien en. A medida que la banda termina un conjunto que se reúnen buen ánimo, subir al escenario, y llamar a esta melodía que ha estado trabajando en la memorización de toda la semana. Pero en el último segundo que alguien de repente salta y sugiere una nueva melodía. De repente estás ahí arriba en el acto con el público mirando a usted y esta melodía que ni siquiera saben está siendo contada fuera. Lo fundamental es en? ¿Cuál es la progresión de acordes? Ni siquiera sé la melodía ... Intenta tocar de oído, se intenta encontrar una línea de tono de guía, trata desesperadamente de fingir, pero nada funciona. Hay que bajar en llamas. Esto se ve obligada a pasar a todos los músicos en algún momento, porque en verdad, nadie sabe cada melodía. En un momento u otro, si usted está empujando a ti mismo para salir y jugar, usted se encontrará en una situación como la de arriba. Usted puede estar recibiendo junto con amigos a jugar a algunos estándares y una melodía se van a plantear que usted no sabe, o puede que te encuentres en un ensayo y de repente

tienes que solo en una melodía en una progresión tecla o un acorde extraño. En estas situaciones, estás en el lugar y hay que realizar algo que no se siente cómodo con o peor, totalmente inexperto en. Podría ser una clave difícil, un tempo rápido, un ritmo muy lento, los cambios de ritmo, Aviso de Momento, Giant Steps, los Blues en dB, la parte de la trompeta de plomo, metros impares, lectura a primera vista, transpone ... Tanto si cuenta o no estas experiencias son algunas de las más valiosas oportunidades que tenga para mejorar como improvisador. Así es, en su defecto - estrellarse y quema.

Si no es necesario Fracaso es una parte necesaria del proceso de aprendizaje. Pensar en ello. Usted no va a mejorar a menos que obtenga fuera de su zona de confort y tomar riesgos, y si usted está teniendo posibilidades, en algún momento que está obligado a cometer un error. Aprender a mirar en el fracaso como algo positivo, es una señal de que usted está tratando algo nuevo y tratando de mejorar. Sin empujarse hacia adelante, usted va a permanecer en el mismo lugar y se estancan. Mañana no será muy diferente de hoy y el próximo mes serán más o menos ser el mismo que en este mes. Al jugar a lo seguro que te vas a quedar en el mismo lugar musicalmente, día tras día tras día. Usted no es el aprendizaje de nuevas canciones, no está ampliando su técnica, y no estás aprendizaje de cualquier idioma nuevo. Probablemente has sentido así con la improvisación en un momento u otro. Sigues jugando el mismo material en las mismas melodías o tal vez usted siente que no sabe lo que a la práctica para alcanzar sus metas. Esta es una señal de alerta de que usted no está tomando suficientes oportunidades musicalmente y que usted no está empujando a ti mismo lo suficiente en la sala de ensayo. Si todo es siempre cómodo o fácil que no lo vas a crecer. Ir a sesiones de improvisación, se reúnen para tocar con otros músicos, ir a ver a tanta música en vivo como pueda, y tomar clases con los mejores maestros en su área. Tener una oportunidad y estar abiertos a la posibilidad de que usted podría fallar. El fracaso es una herramienta útil. Le muestra exactamente lo que necesita para trabajar y te da el incentivo para hacerlo. La humillación momentánea de fallo le da una buena fuente de motivación para entrar en la sala de ensayo y llegar al trabajo. Usted desordenado esa melodía delante de toda esa gente, los dedos no trabajaban en la clave de C #, no se podía oír la melodía o progresión de acordes cuando todo el mundo pudiera! Utilice esta experiencia para aprender y crecer y para motivarse a mejorar.

Usted probablemente ha escuchado la historia de un joven Charlie Parker en su defecto en una jam session y conseguir un plato tirado a sus pies mediados de solista. Esta experiencia humillante lo llevó a la sala de prácticas para dedicarse verdaderamente a sí mismo a su oficio. Este fracaso le dio la motivación para tomar en serio y le mostró exactamente lo que necesitaba para practicar. Lo mismo debería ser cierto para usted.

Tomar una decisión para mejorar Para ser más exactos, el fracaso por sí mismo no va a hacer nada por ti - es lo que se hace después de que usted se cae en su cara lo que cuenta. Cuando se encuentre con estas situaciones y te estrellas y quemar en una melodía o un solo, usted tiene que tomar una decisión: # 1) Usted puede desanimarse y dejar de fumar. Puedes correr a casa para lamer sus heridas y se puede evitar experiencias como ésta en el futuro. "Sólo va a jugar a lo seguro de aquí en adelante." # 2) Usted puede culpar a fuentes externas y actuar como si nada ha pasado. "No es mi culpa que no sabía que la melodía. Yo iba a tocar la melodía que se llama. Los jugadores estaban tratando de hacerme un lío. Eso fue sólo una situación de mala suerte, no necesito cambiar nada ". # 3) O usted puede tomar medidas para mejorar. Echa un vistazo a lo que salió mal y el voto de no fallar de la misma manera otra vez. La próxima vez que esa melodía se llama, vas a saberlo. La próxima vez que tenga que jugar en la clave de B, vas a clavarlo. La próxima vez que en solitario sobre el ritmo cambia, va a ser mejor. Si usted es serio sobre la mejora en realidad sólo hay una opción a tomar. "Mi gran preocupación no es si usted ha fallado, pero si usted está contento con su fracaso." ~ Abraham Lincloln

La próxima vez que estés en una jam session y quedar atrapados en el escenario con una melodía que no lo sabía, aquí están los pasos que vas a tomar para mejorar:

I) anótelo Cuando estaba en la escuela a menudo me pediría mis maestros cómo aprender más canciones. Todos los días, ya fuera en las clases, ensayos, o jam sessions informales con otros estudiantes, parecía como si estuviera siempre en situaciones en las que no sabía las canciones que se llaman. Uno de mis maestros, finalmente sugirió que anoto el nombre de cualquier canción que yo no sabía. Así que a partir de ese momento, dondequiera que era yo empecé a tomar nota de todas las canciones que yo no conocía. Por el simple hecho de prestar atención a esas melodías desconocidas, rápidamente me construí una lista de canciones que yo iba a aprender. En el espacio de unas pocas semanas yo sabía exactamente lo que tenía que trabajar. Cuando usted no sabe un montón de canciones, la perspectiva de la construcción de un repertorio puede parecer asombrosamente abrumadora. Tratando de tomar cientos de canciones a la vez conduce a la inercia. Sin embargo, cuando usted toma una melodía a la vez, que poco a poco va a construir una buena base de melodías sin sentirse estresado o abrumado. La próxima vez que usted se encuentra en una jam session y no sabes una melodía, anótelo, haga una nota en su teléfono, conseguir una pluma y escribir en su mano - lo que sea necesario. Recuerde este momento y recordar el nombre de la melodía o la técnica que usted necesita para trabajar. Si usted no hace una nota de él, usted no va a aprenderlo. Semanas y meses irán por donde no está aprendiendo nuevas canciones. Si usted no hace un cambio esta misma situación se va a pasar una y otra vez. Haga que su meta para no fallar en la misma melodía dos veces.

II) Encontrar una grabación de la melodía Ahora que tiene un objetivo, es el momento de conocer a esta melodía "desconocido", así como se puede. Todo comienza con la escucha. Este proceso es fácil e incluso divertido. Con recursos como YouTube, Spotify, y muchos otros que bastante tienen cada grabación que usted nunca necesita encontrar a la derecha en sus extremidades del dedo. Comprobación de grabaciones es algo que se puede hacer en cualquier lugar, usted no tiene que ser pegado en una sala de ensayo para obtener una melodía y progresión de acordes en los oídos.

Cuando te pillan con una melodía que no sabe encontrar el jugador que hizo esta melodía famosa, encontrar la grabación histórica de la melodía, y encontrar tu jugador favorito interpretar esta melodía. En el pasado he utilizado para hacer listas de reproducción para una melodía que estaba tratando de aprender, 8-10 pistas de diferentes jugadores que juegan la misma melodía que abarca el espectro desde temprano para improvisadores y estilos modernos. Al escuchar, cantar la melodía y si hay letras asegurarse de que aprenda las palabras.

III) Aprenda la melodía de oído Ahora viene la melodía. Si usted puede cantar la melodía, puede averiguarlo por el oído. Aprenda la melodía frase por frase de la grabación. En este punto usted puede encontrarse con ganas de correr al libro real para buscar la melodía. Usted puede tener la respuesta correcta que hay en la página, pero la verdad es que esto no va a ayudarle en el largo plazo. Si usted está teniendo problemas para escuchar los intervalos de una melodía en el quiosco de música, esto significa que usted tiene que hacer un poco de entrenamiento del oído trabajo en la sala de ensayo. Lo único que puede salvarlo de estrellarse y quema son los oídos y si usted está leyendo del libro real para aprender o realizar una melodía, estás ignorando sus oídos. Cuando se aprende a escuchar intervalos, melodías, y el sonido de diferentes acordes que tendrá un conjunto de habilidades para confiar cuando te pillan con la guardia baja. Esta es la razón por la formación del oído es tan importante para el improvisador. Cuando se trata de aprender una melodía de oído, es un proceso de tres pasos: Escuchar una frase melódica, cantar, y luego resolverlo por su instrumento. Eso es todo, y cuanto más lo haces, más fácil será conseguir.

IV) Aprenda la progresión de acordes de oído Cuando usted está tratando de aprender una canción la melodía es sólo una parte del proceso, también es necesario aprender la progresión de acordes. Al igual que la melodía, será mucho más éxito el aprendizaje de los cambios de oído. Echa un vistazo a este artículo sobre la manera de escuchar los cambios de acordes.

V) Transcribir parte de un solo en la melodía Tal vez el problema con la melodía no era la melodía o progresión de acordes, pero el hecho de que había problemas solos sobre ella. Te has perdido en la forma, no tienes nada que jugar sobre el puente, que estaba utilizando los mismos licks de edad en los mismos lugares ... Es necesario un poco de inspiración, algunas nuevas ideas y un nuevo enfoque. Cuando usted se encuentra en esta situación,

imitando un gran modelo le inspirará para encontrar su propia voz. Esto significa que usted necesita para empezar a transcribir el lenguaje. Echa un vistazo a tus jugadores favoritos solos sobre esta melodía y luego elegir una línea o una frase que llama la oreja. Ahora aprender esa línea musical del registro - averiguar las notas, imitar el sonido, copiar la articulación, memorizarlo, y luego aprender en todas las 12 teclas. Con este enfoque, a veces de un solo puede ser suficiente para cambiar tu forma de tocar.

VI) la voz cantante en la próxima sesión de improvisación

Ahora que ha llegado al punto de partida. Esta canción que se estrelló e incendió en el ahora es una melodía que es el propietario, que se sentiría confiado actuar delante de un público. El último paso se llama esta canción en una jam session o incluso la próxima vez que se reúnen para jugar con unos amigos. Hacer esta melodía una parte útil de su repertorio. El proceso es el mismo para cualquier melodía que usted no sabe o cualquier tema que usted no sucesivamente. Los más melodías que se aprende de esta manera, más fácil este proceso y se convertirá en la mejor que sus oídos reciben. Con el tiempo podrás aprender melodías y progresiones de acordes muy rápidamente e incluso escucharlos sobre la marcha. Este es el objetivo para cualquier aspirante a improvisador. Recuerde, cada vez que usted se cae en su cara en frente de una audiencia es la oportunidad de hacer un cambio y mejorar sus habilidades musicales. No se dan por vencidos y no tratar de olvidarse de la experiencia, lo utilizan para traerse más cerca de sus objetivos. Todo el mundo falla en un momento u otro, pero no todo el mundo se pone de nuevo en el escenario y empuja a sí mismos para mejorar. Asegúrese de que usted lo hace.

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Transcripción de Estilo Musical Publicado por Eric En 16 de enero 2012 @ 14:15 En Conceptos, Transcripción | 1 comentario

Algo mágico sucede cuando usted escucha una grabación de su jugador favorito y comenzar a jugar junto con el expediente. Es casi como si una transformación inconsciente tiene lugar, una instrucción instantánea a través de ósmosis auditiva. Simplemente por sentado por los altavoces con su instrumento y teniendo en esas ondas sonoras, puede imitar al instante estilo musical único de ese jugador. Irónicamente, sin embargo, muchos de nosotros se pierda esta conexión porque tenemos una visión de túnel en la teoría de la música. En algún momento, hemos recogido esta mentalidad que se aprende las notas en un solo lugar y obtener el estilo de otro. Lo más probable es que usted ha oído hablar a alguien describir el estilo musical con letra mientras enseñaba la improvisación: "doblar esa nota, se recostó en el tiempo allí, fantasmas esas notas, jugar con un sonido más brillante, lengua esas notas más corto, poner un poco de ventaja sobre él! " Estas frases le dan un objetivo general, para apuntar a, pero si se compara con el sonido real, estas descripciones verbales continuamente caen por debajo del objetivo previsto. Para comprender verdaderamente el estilo, tiene que ser experimentado y entendido en un nivel emocional profundo. Aquí es donde los beneficios de la transcripción y la escucha seria entran en juego. La mayoría de los improvisadores tienen una definición de conjunto y la meta cuando se trata de la transcripción, que por lo general comienza y termina con averiguar las notas específicas de la línea o en solitario. Pero piensa en ello, una vez que has aprendido esas notas, ¿te suena

como ese jugador del registro cuando estás solo? Es que la teoría de la música traduciendo en música listenable real?

Es algo más que las notas Notas, notas y más notas. Estamos obsesionados con esos pequeños puntos negros impresos y los tallos y la teoría detrás de ellos cuando se trata de aprender la improvisación. "¿Qué tono acorde hace que ii-V resolución de? ¿Cómo es el solista alterando esos acordes V7? ¿Qué escala se utiliza en acordes medio-diminutos? Es la séptima resolviendo a la tercera en esa línea? " Es como si todos los demás aspectos de la música palidece en comparación con averiguar las notas ocultas que forman una línea. Olvídate de sonido, articulación, y esos otros extras musicales molestos que se interponen en el camino! Sólo queremos que esas notas, como en este momento, por lo que podemos robar y reciclarlos en nuestros propios solos. Probablemente has sentido como esto a ti mismo en un momento u otro. La verdad es que todos tenemos. Usted pone en el tiempo en la sala de práctica, usted transcrito una línea, e intelectualmente entendido cómo funcionaba la teoría. Sin embargo, una vez que llegamos esas notas y los ponemos a utilizar en nuestros propios solos, las cosas no salieron como lo planeamos. Un ingrediente clave que faltaba. Algo importante fue dejado fuera de la mezcla total. "La creación de algo nuevo no se logra por el intelecto, sino por el instinto de juego actuando por necesidad interior. La mente creativa juega con los objetos que ama. "~ Carl Gustav Jung

Todavía no está convencido de la importancia del estilo? Pruébelo usted mismo. Escoge cualquier libro de solos transcritos, recurrir a una página al azar, y empezar a jugar. ¿Te suena como Cannonball, Miles, o quien es solos estabas en el libro? No lo creo. Recuerde, estas marcas de tinta en la página son sólo una aproximación barato de la cosa real. Sin el fraseo, sonido, articulación y expresión, esas líneas impresas no tienen sentido. Improvisadores no son los únicos culpables de esta mentalidad teoría obsesionado. Si usted juega la música clásica, probablemente, usted ha sentido la presión para tocar las notas en la página de la perfección. Es fácil caer en una mentalidad de reproducir notas perfectas y ritmos, pero el resultado final, aunque técnicamente "correcto" carece musicalmente.

Tenga en cuenta que el objetivo en cualquier género es la expresión musical, no la reproducción mecánica o intelectual. Los jugadores más grandes, si están improvisando sobre Have You Met señorita Jones o jugando Tercera Sinfonía de Mahler están jugando la música, no sólo reproducir notas impresas en una página. Están expresando a sí mismos con un estilo musical, un acto donde las notas y el estilo en última instancia, van de la mano.

Juega un papel musical Aprender a improvisar es como convertirse en un actor que se está preparando para un papel próximo. De alguna manera, debe estudiar este músico, imitar su estilo, y, finalmente, crear su propio desempeño. Claro en un primer momento que tienes que memorizar las líneas y diferentes escenas para navegar, pero es en última instancia, las sutilezas de estilo y personalidad que hacen que una convincente actuación. Al igual que un actor de hábil, usted debe obtener dentro de la cabeza de una de su tema para hacer su actuación creíble. Puede tirar a alguien fuera de la calle y los puso en el armario a la derecha y el maquillaje que mirar la parte, pero si ellos no creen que el personaje en el fondo, todo es en vano. Trate de trascender a sí mismo y convertirse en esa persona que se está estudiando, aunque sea por un momento. ¿Cómo piensa esta persona? ¿Cómo se siente al vivir su vida? Arraigar su estilo de su discurso, sus tics faciales y expresiones, su postura en cada rango de la emoción. Es el actor que ha interiorizado su carácter que se ejecuta con destreza el papel. "Obviamente hay momentos con la actuación cuando exactamente lo que se requiere es simplemente pasando por los movimientos, y cuando no hacer nada es la mejor cosa. Pero otras veces, usted tiene que dar ese salto más allá del entorno inmediato de las personas que ponen encima de las luces en el set. "~ Christian Bale

Para improvisadores, hacemos el mismo tipo de preparación cuando transcribimos un solo. En un primer momento, se estudian las notas, frases, y la teoría del solo estamos escuchando; después de todo, no hay forma de evitar esto - si usted no sabe sus líneas, no se puede interpretar el papel. Sin embargo, las notas, al igual que las líneas de un actor debe leer, son sólo una pequeña pieza del rompecabezas. Cualquiera puede leer las líneas o las notas musicales de una página, pero no todo el mundo puede jugar con estilo.

Ir más allá de las notas. Conviértase Coltrane o Lee Morgan o Tommy Flanagan durante una hora. Copie su articulación, su sonido, su sentir, su personalidad musical, y su espíritu, al mismo tiempo que usted está averiguar su ii-V. Recuerde que esta música es un lenguaje y una parte inherente de cualquier idioma es su estilo.

Los elementos de estilo Así que si las notas no son el objetivo final, que precisamente se supone que debes estar buscando al transcribir el estilo? Si insistes, puede descomponer estilo musical en conceptos como el tono, la articulación, el tiempo, la técnica y el fraseo - después de todo, estos elementos están presentes en alguna forma al describir el estilo de un jugador. Pero sugiero algo un poco diferente. En primer lugar, desactive este análisis, teoría de la música parte frenética, obsesionado de su cerebro por unos momentos (que va a sobrevivir, lo juro). Encontrar una grabación de un solo o melodía que usted está tratando de aprender. Pop en, subir el volumen, y cierra los ojos. Ahora simplemente escuchar. No se preocupe acerca de la clave o la progresión de acordes. No pienses en escalas o líneas ii-V. Sólo despejar su mente y concentrarse intensamente en el sonido del instrumento que usted está tratando de imitar. Después de unos minutos de repetidas y enfocado escuchar, detener la grabación y salir de su instrumento. Con ese sonido aún fresca en su mente, trate de tocar la primera frase de esa melodía o en solitario. Ya usted debe comenzar a sentir un poco de esa partida estilo a borrarse. Ahora empieza la grabación de nuevo y hacer lo mejor para internalizar el sonido procedente de los altavoces. Continúe con este proceso de escuchar e imitar a intervalos cortos hasta que pueda copiar la grabación exactamente. Sin darse cuenta, se le imitando sonidos, articulaciones, y las características sutiles de cada jugador que transcribimos. Esta es la manera de aprender el estilo, y lo que es más, usted puede hacer esto en exactamente el mismo tiempo que usted está averiguar las notas.

Cambie su forma de pensar Cuando se dispuso a aprender un solitario, este simple cambio en su forma de pensar puede hacer un mundo de diferencia. Ahora es un buen momento para poner fin a su obsesión con sólo conseguir las notas fuera del registro y de pasar a la siguiente en solitario. En lugar de ello, el objetivo de todo el paquete con cualquier cosa que transcribir, ya sea una melodía, una sencilla línea II-V, o incluso todo un solitario. Obtener el estilo, junto con las notas - ambos son igualmente importantes. La próxima vez que usted enciende una grabación y se puso a trabajar transcripción, fijó un objetivo por sí mismo con dos lados. Por un lado, conseguir las notas exactamente correcto.

Estudiar la teoría y entender por qué esas líneas de trabajo sobre esas progresiones de acordes. Al mismo tiempo, en otra parte de ti mismo, arraigar el estilo y la personalidad del jugador. Uno sin el otro no va a cortar y para la mayoría de los jugadores, es el estilo que se queda fuera. No dejes que esto te sea más. Trate de hacer la transcripción de un hábito diario agradable y eficaz, el lugar donde sus lados intelectuales e intuitivos y emocionales se reúnen para crear un sonido personal originales.

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Antes de transcribir o aprender Tunes ... Publicado por Eric En 15 de junio 2011 @ 21:42 En Consejos | No Comments

"Aprender canciones. Transcribir solos ". Las instrucciones para los aspirantes a músicos de jazz son más o menos lo mismo en todas partes que vaya. ¿Quieres jugar líneas más largas y dominar progresiones de acordes difíciles? "Aprender canciones y transcribir solos." ¿Necesita más técnica y mejores oídos? Usted consigue la idea. Recibimos este consejo de nuestros maestros, amigos, y de nuestros héroes musicales en clases magistrales y entrevistas. Al oír estas instrucciones en repetidas ocasiones, tratamos de dar forma a nuestras sesiones de práctica en torno a estas cuatro palabras. Es un buen consejo, pero ¿cómo es exactamente lo que transcribir y cuál es el mejor método para aprender melodías? Como empecé con estas instrucciones a mí mismo, inmediatamente salí y conseguí un libro real y algunos libros de los solos transcritos y me puse a trabajar en convertirse en una estrella del jazz. El único problema es que cómo usted va sobre estas tareas está profundamente importante. Mi idea de transcribir solos y aprender canciones no era exactamente precisa y esto llevó a años de frustración.

Junto con saber que debemos transcribir y aprender canciones, necesitamos alguna instrucción sobre cómo lograr estas tareas y qué habilidades son los involucrados. Antes de salir corriendo a la sala de la práctica con estas palabras frescas en su mente, tomar un segundo para pensar en cómo va a ir sobre cómo completar estas dos tareas y lo más importante, ¿por qué usted está transcribiendo y canciones en el primer lugar de aprendizaje.

Antes de aprender canciones Asegúrese de que está claro en lo que "conocer" una melodía realmente implica. ¿Tiene las notas de la melodía y el orden de los cambios de acordes memorizados, o eres capaz de cantar la melodía, realmente escuchar los cambios de acordes, y navegar por los entresijos de la progresión? Tenga en cuenta que simplemente memorizar un grupo de nombres de los acordes o las notas de una melodía de una página no garantiza que recordará una melodía en el quiosco de música y, ciertamente, no quiere decir que va a crear un gran solo sobre el acorde progresión. Cuando haya escuchado una canción en varias ocasiones, puede cantar todas las notas de la melodía exactamente, puede escuchar las progresiones de acordes que pasaba, y han trabajado en los matices de la progresión de acordes - entonces usted sabe que sintonizar. Trate de aprender cada melodía de esta manera. En vez de tener un montón de canciones que clase de sabe, usted tendrá un repertorio que sabes dentro y por fuera - y esto le ayudará a aprender cualquier otra melodía en el futuro. Usted probablemente ha escuchado la idea de que menos es más. Cuando vienen a temas de aprendizaje que esto no podría ser más cierto. Parte de la razón por la que tanta gente descremada sobre melodías en lugar de tomar el tiempo para aprender por completo es que cuando nos empezamos estamos abrumado con la cantidad de canciones en el Great American Songbook. Antes de que incluso aprender una melodía, tenemos una lista de otras cinco canciones que estamos preocupados por aprender al mismo tiempo. Melodías Aprender es un proyecto que dura toda la vida. Siempre habrá más canciones para aprender y podrás expandir continuamente su repertorio. Lo bueno es que la mayoría de estos temas están relacionados y si te sumerges en uno, hay un montón de llevar a todos los demás melodía que va a aprender.

Antes de transcribir Sepa lo que la transcripción que realmente significa para los músicos de jazz y en última instancia, lo que desea salir del proceso. Para muchos, la transcripción significa escribir una nota en solitario de nota en un pedazo de papel. Es así como la transcripción se hace en muchos entornos educativos, pero no es así como la mayoría de los grandes improvisadores están aprendiendo la música. Transcribimos a aprender el lenguaje del jazz. El proceso de transcripción es muy similar a la forma en que nos gustaría aprender cualquier otra lengua. Escuchamos a la lengua que es

hablada por hablantes nativos, adquirimos frases simples, aprendemos vocabulario, practicamos la pronunciación, aprendemos cómo articular este nuevo estilo, y con el tiempo aprendemos cómo crear nuestras propias oraciones, la comunicación sin esfuerzo en este nuevo lenguaje . Si te acercas a la transcripción de esta manera, será muy claro cómo ir sobre este proceso. Usted no se va a aprender un idioma mediante el análisis en un pedazo de papel, es necesario escucharlo y tratar de hablar por sí mismo. Así, a medida que avanza para transcribir un solo, escuchar a cada frase y repetirla en su instrumento. De esta manera usted estará hablando el idioma antes de escribir hacia abajo, por lo que es su propio desde el principio.

Todo comienza con el oído La habilidad más importante que puede tener para aprender canciones o transcribir solos es la capacidad de entender las cosas de oído: intervalos, líneas, melodías, cualidades de acordes y progresiones de oído. Desarrollar grandes orejas. Para aprender algo de oído que necesita para ser capaz de oír los intervalos y líneas melódicas. Como principiantes, nuestros oídos son muy inexpertos y en esta condición, es un proceso largo y frustrante para aprender nada de oído. Por ejemplo, un músico sin experiencia puede tener problemas para escuchar o cantar un cuarto perfecto, pero está tratando de transcribir un solo de Coltrane por el oído. Algo no está bien con esta imagen. Utilizar algunos ejercicios de entrenamiento auditivo para conseguir sus oídos a la velocidad. Por ejemplo, si usted no ha trabajado en el entrenamiento del oído y está teniendo problemas para escuchar frases, empezar por identificar intervalos y luego pasar a grupos de tres notas. Antes de saber que podrás escuchar y cantar frases enteras, que en un momento parecía imposible, con facilidad. Con el tiempo, más melodías que se aprende de oído y los más solos que transcribo, más fácil será conseguir porque las orejas mejoran cada vez. La clave es superar esa barrera inicial y aprender que la primera melodía de oído. Para escuchar los cambios de acordes de canciones, primero tiene que trabajar en la audición de calidad acorde. Comience por identificar tipos tríada luego pasar a acordes de séptima. Una vez que usted puede escuchar cualquier tipo de acorde, el trabajo al oír el movimiento entre los acordes. Con estos pocos ejercicios sencillos, escuchar cualquier progresión de acordes será mucho más fácil.

Escuchar y cantar antes de jugar Al igual que el entrenamiento del oído, en la construcción de repertorio y la transcripción, escuchar varias veces para algo que usted está tratando de aprender y cantar antes que averiguar las notas es crucial para su éxito. Cuando usted está primero aprendiendo algo, quieres ser totalmente i mmersed en ella. Escuchar esa melodía o solo de una y otra hasta que pueda cantarla sin pensar en ello. Si usted hace esto paso antes de cualquier cosa que

usted está aprendiendo de oído, será sorprendentemente simple. En lugar de sentarse con un registro y tratar de averiguar las notas de un solo de manera aleatoria con el instrumento, asegúrese de que usted está oyendo las líneas antes de tratar de descifrarlos. Si usted puede cantar la línea que usted está escuchando, que está no sólo inculcar el solo, pero está fortaleciendo la conexión entre sus oídos y su instrumento. Para llegar a ser un improvisador éxito es necesario transcribir sus jugadores favoritos y aprender canciones. No se puede eludir ese hecho, pero ¿cómo usted va sobre estas prácticas necesarias es crucial. Escribir una nota en solitario de la nota sin antes aprender a que auditivamente en su instrumento será significativamente menos valioso. El aprendizaje de una melodía de una página del libro falso sin escuchar es una va a ser una pérdida de tiempo. Sin embargo, si usted sabe la forma correcta para transcribir y aprender canciones, se ahorrará tiempo y mejorar rápidamente. No es que usted está aprendiendo melodías o transcribir, pero ¿cómo lo estás haciendo que hará toda la diferencia. Sin escuchar, cantar, y la participación de sus oídos, transcribir y melodías de aprendizaje es bastante inútil. Así que antes de seguir los consejos de todo el mundo y aprender de su siguiente canción o transcribir otro solo, pensar dos veces acerca de lo que esto significa realmente.

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Cómo Transcripción Uno Solo Enteramente puede cambiar su enfoque para Improvisando Publicado por Eric En 16 de marzo 2011 @ 10:20 am En Jazz Idioma, Transcripción | No Comments

En este sitio hemos hablado de transcribir en numerosas ocasiones. De las razones que usted debe ser transcribir solos de que el mejor método de transcripción ... incluso a las diferentes definiciones de la transcripción de los músicos de jazz. Saber por qué usted está transcribiendo y cómo hacerlo son vitales para mejorar como improvisador. El aspecto más importante del proceso de transcripción, sin embargo, es lo que haces con ese idioma, una vez que haya descubierto las notas de oído. Hay una actitud entre algunos músicos y educadores que se debe transcribir como muchos solos como sea posible con el fin de mejorar. Más es mejor. Si usted ha transcrito dos solos, que hay que hacer diez; si usted ha transcrito de diez, es necesario darse prisa, obtener su actuar juntos y hacer veinte. Al llegar a ella, grandes saltos en el conocimiento realmente se puede lograr a través de una transcripción. Basta transcribir tantos solos como puedas y rápidamente pasar a la siguiente no garantiza el éxito y es probable abrumar y frustrar. Claro, usted está transcribiendo mucho, pero estás absorbiendo alguno de la lengua que se está tirando de los registros?

Menos es más Es una idea simple: Si necesitas idioma (, líneas más largas de ii-V, etc.), es necesario

transcribir solos, pero la creencia de que usted mejorará dramáticamente por la transcripción de una tonelada de solos es un error. Para ver la mejora, en realidad se necesita para desarrollar el idioma que estás transcribiendo, pensando no sólo mecánicamente notas y pasar a la siguiente en solitario. El proceso de transcripción no es algo que se inició y terminó en una sentada o incluso en unos pocos días. Para desarrollar el idioma que usted ha recogido de los registros, lo necesario para pasar semanas y meses con ella para que se convierta en una parte de su día a día la concepción musical. Después de obtener inicialmente las notas, la articulación, y se siente por el oído, es necesario transferir este idioma a los doce teclas para que sea una parte concreta de su juego. La forma de lograr esto no es corriendo de un solitario al siguiente, sino centrarse intensamente en un solitario durante un período prolongado de tiempo. Al absorber todos los aspectos de un single en solitario, que va a hacer más progresos que abarrotar información tan rápido como puedas. En otras palabras, cuando se toma con menos, pero se esfuerzan por dominar, que en última instancia aprender más.

Un solitario = lenguaje ilimitada La diferencia fundamental radica en su forma de pensar como te sientas a aprender un solo. ¿Usted está transcribiendo para obtener lame o está transcribiendo a adquirir el lenguaje duradera? En nuestras mentes, la diferencia entre lame y el lenguaje puede parecer pequeña e intrascendente. Sin embargo, cuando se trata de la transcripción, el enfoque puede significar la diferencia entre sólo de hacer un paso minúsculo hacia adelante y en última instancia, al ver una gran mejora en su juego. Cuando se acerque a una transcripción con el objetivo de adquirir el lenguaje, en realidad hay suficiente material en un gran solo de años de trabajo. Información armónica, melódica, rítmica y suficiente para cambiar completamente el nivel de la improvisación y la percepción armónica. ¿Cómo es esto posible? Bueno, es probable que pueda obtener todas las notas en un par de días a una semana, dependiendo de la solista, pero al contrario de lo que mucha gente piensa, que su trabajo no se hace allí. Aquí es donde se pone interesante. Después de que haya descubierto las líneas y frases de oído, aislar líneas sobre cada ii-V progresión, cada turn-around, cada sonido importante, todo menor ii-V, cada línea doble de tiempo, cada acorde de dominante alterado, etc. Tome cada pieza de idioma o dispositivo que te gusta y estudiarlo, absorberlo, y completamente arraigar en su juego a través de la repetición.

Comience con un coro Las líneas que usted eligió para hacer una parte de su lenguaje puede haber múltiples

medidas a largo o incluso puede ser tan corto como dos latidos. Mientras usted toma el tiempo para desarrollar ese idioma, verás progreso inmediato. Aquí te llevaré a través del proceso de extracción de la lengua de un solo, para que sea más fácil de inicio de la transcripción de un coro. Por ejemplo, imagine que ha transcrito este coro de Parker jugando más de un (doce y cuarenta y siete segundos en el vídeo) de blues:

El uso de este coro como punto de partida, hay ejemplos de lenguaje a utilizar más acordes mayores, de ii-V, menor ii-V, y el blues de todo en el espacio de 12 barras. A continuación, me he aislado algunas de las líneas de Parker de su coro de blues que son grandes ejemplos de la lengua que se desarrollarán en las doce teclas: Mayor Idioma:

Aprenda en todas las doce llaves con un metrónomo en los tiempos dos y cuatro a partir de cuarto = 60, y luego poco a poco aumentar la velocidad.

Aprenda en todas las doce llaves con un metrónomo en los tiempos dos y cuatro a partir de cuarto = 60, y luego poco a poco aumentar la velocidad. ii - V7 Idioma:

Aprenda en todas las doce llaves con un metrónomo en los tiempos dos y cuatro a partir de cuarto = 60, y luego poco a poco aumentar la velocidad. Menor ii-V7 Idioma:

Aprenda en todas las doce llaves con un metrónomo en los tiempos dos y cuatro a partir de cuarto = 60, y luego poco a poco aumentar la velocidad. Líneas más de los cuatro primeros compases de un blues:

Aprenda en todas las doce llaves con un metrónomo en los tiempos dos y cuatro a partir de cuarto = 60, y luego poco a poco aumentar la velocidad. Ahora elegir sólo una de estas líneas que ha transcrito y pasar una semana de tomarlo a través de cada llave. Comience lentamente y aumentar gradualmente el ritmo hasta que esté al día. Su objetivo es ser dueño de esta línea.

La práctica y la incorporación de esta lengua Después de tener la línea hasta la velocidad y es fluido con él en todas las doce teclas, es hora de comenzar a incorporar esta línea en su improvisación. Para ello, el lazo que una sección de una grabación (usando transcribir) con los mismos cambios de acordes como la línea. Por ejemplo si yo transcribí una línea ii-V de dos barras de menor importancia, yo bucle de dos barras de menor importancia ii-V en la grabación y jugar junto con el registro. A continuación, voy a transponer el bucle a través de todas las teclas hasta que sea igual de cómodo en todas ellas. Este es también un buen momento para aumentar el tempo del bucle y centrarse en la articulación. El trabajo en escuchar cada nota de la línea que se refiere a los acordes y hasta cantar la línea para arraigar en tus oídos. Cuando eso se siente bien, me parece una melodía que tiene un la progresión me estoy centrando en, en este caso de menor importancia ii-V, y yo improviso sobre la melodía utilizando la línea II-V de menor importancia como punto de partida cada vez que llego a ese progresión. Para el Parker en solitario por encima, lo haría en bucle una progresión de blues y laicos para el menor ii-V en el octavo bar, utilizando el menor ii-V transcribí como base para la improvisación.

Combine y alterar las líneas para crear un nuevo lenguaje Al comenzar a dominar estas líneas y técnicas, usted se encontrará el anhelo de la variedad y, finalmente, tendrá que incorporar algunas de sus propias ideas en la mezcla. Agregue un poco de variación rítmica o armónica a estas líneas para que sean interesantes y únicos. Una forma de hacer esto es combinar los aspectos de la línea con otras piezas de idioma o técnicas que estés trabajando. Por ejemplo, en el solo de arriba, el menor utiliza ii-V7 de aves es bastante estándar:

Puede que sea más interesante mediante el uso de la misma alteración (# 9, b9) del C7 y el recinto cromática de la tercera del acorde que se utiliza en el quinto barra:

El resultado es una nueva línea que es más interesante armónica y rítmicamente:

Ahora tiene un nuevo menor ii-V ... Saber que en todas las doce llaves con un metrónomo en los tiempos dos y de cuatro a partir de cuarto = 60, y luego poco a poco aumentar la velocidad. Incluso con doce medidas de un solo que has transcrita, puede crear continuamente nuevo idioma, como se muestra arriba, a través de la combinación y la alteración; esta es la clave que le dará opciones infinitas en su juego.

Cambia tu enfoque, cambie su juego Al utilizar este proceso para cada línea que transcribir, puede acabar rápidamente con una enorme cantidad de información a su disposición. Las cinco líneas de ejemplo por encima de solista de Parker eran sólo de doce compases de música. Multiplique eso por todos los coros que jugó y los doce teclas que pondremos cada línea y se puede ver fácilmente cómo usted va a terminar con un lenguaje sin límites de un solo solo. Al principio, puede parecer como que está quedando atrás o moverse demasiado lentamente tomando esto mucho tiempo para una transcripción, pero tenga en cuenta que usted es, de hecho, dando grandes pasos adelante con resultados tangibles. En lugar de obtener una mano de una melodía o una clave, usted está mejorando su nivel general de la maestría musical. A través de este proceso, que está recibiendo ii-V en todos los tonos, menor ii-V en todos los tonos, mayor y menor en todos los tonos, e incluso el desarrollo de su propia lengua en todas las claves. Habilidades que se suele años de trabajo se pueden conseguir en cantidades relativamente cortos de tiempo a través de intensa concentración. Si usted ha transcrito numerosos solos, han intentado unos pocos, o aún tienen que transcribir cualquier, es un buen momento para empezar de nuevo. Para su próxima transcripción en solitario, trate de ajustar su forma de pensar acerca de la meta del proceso de transcripción. Trabajar para adquirir el lenguaje duradera, el estilo, la articulación de balanceo, y la mejora de la técnica en lugar de notas simplemente robando. Al tomar el

tiempo y se centra en las pequeñas ideas, usted hará sorprendentes mejoras en su nivel de improvisación.

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Grandes Orejas Jazz: Cómo obtener una imaginación Aural Vivid Publicado Por Forrest En 16 de diciembre 2010 @ 07:18 am En Oído, Visualización | 1 comentario

La medida en que su imaginación auditiva se desarrolla, determina en gran medida: la calidad de las líneas de jugar, cómo jugar esas líneas (articulación, sensación de swing, de inflexión), y el sonido se juega con. Nada tiene tal impacto en el juego de su imaginación auditiva. Si hubiera un secreto para improvisar, desarrollando su imaginación auditiva sería él. Bien bien. Yo no he dicho imaginación oral. Vas a tener que ir al otro 98% de la internet para eso. Obtenga su cuenta fuera de la cuneta ! Cuando vamos a improvisar, que sacamos de un pozo de conocimiento. Este pozo está lleno de cosas que hemos practicado, escuchó, o estudió teóricamente. Las cosas, sin embargo, que en realidad surge durante la improvisación es la materia que realmente podemos escuchar. ¿Quieres cambiar la forma en que el sonido? Cambiar la forma en que se oye. La forma en que escuchamos es el aspecto más descuidado de la práctica de la improvisación. Simplemente esperar tener grandes orejas. El problema: gran oídos no ocurren por casualidad. Se trata de algo que se desarrollan conscientemente durante años y años de

práctica. Pero, ¿qué siquiera significa tener grandes orejas y una imaginación vívida auditiva? Todos hemos escuchado de otra manera. Sin embargo, muchos rasgos de grandes orejas pueden ser fácilmente identificados. La habilidad para: Oír y cantar intervalos Oír y cantar tonos acordes específicos, mientras que un acorde suena de fondo Escucha y cantar las raíces de una progresión Oír una línea de una grabación y retenerlo. Reducir la velocidad en la mente. Entonces Canta y juega con él. Escucha las cualidades de acordes y seleccionar tonos de acorde Escucha sutilezas en las muchas voces de acordes Escucha color tonal en nuestra mente Escuchar y cambiar el volumen a voluntad en nuestra mente Escuche diferentes articulación en nuestra mente Y la lista continúa. Parece un poco más exhaustivo de su clase de entrenamiento del oído clásica típica, ¿no? Sí, hay un montón de cosas de oído de dominar, pero que no se preocupara. Usted tiene toda la vida Sé emocionado. El desarrollo de su oído es igualmente gratificante tocar el instrumento. En esencia, son el mismo. Piense en su instrumento como un amplificador para su imaginación auditiva. Pasamos tanto tiempo en aprender a tocar nuestro instrumento. Tenemos que pasar el mismo tiempo el desarrollo de nuestro instrumento interno. Como se puede ver en la lista anterior, espigas de jazz son mucho más que simplemente ser capaces de reconocer los intervalos y acordes cualidades, aunque eso es una pequeña pieza del rompecabezas. Es una combinación de la audición / canto / internalización de los elementos melódicos y armónicos de la música (también la rítmica pero voy a tener que dedicar un artículo entero para apenas eso para darle su trato justo), y ser capaz de manipular esa información en diversas formas creativas en su mente.

El aumento de volumen en la cabeza Cuando un entrevistador preguntó Dizzy Gillespie cómo sonaba en su cabeza mientras jugaba, Mareado cantó una línea bebop, pero en voz muy alta. Estamos limitados por nuestra voz, tanto en volumen, variedad y el color tonal. Nuestra mente no tiene estas limitaciones, sin embargo, imponer artificialmente estas restricciones en él. Mareado oyó líneas en voz alta. ¿Oyes líneas en voz alta, o en un débil susurro? Elevar el volumen de la radio musical en nuestra cabeza lleva tiempo. Esto puede sonar extraño, pero he encontrado el siguiente ejercicio que me ayude a visualizar el sonido en mi mente en expansión y cada vez más fuerte. Oír una nota o una línea de un solo o melodía que está trabajando en su mente. Concéntrese en el sonido con atención. Ahora, cierra los ojos si se le ayuda, y la imagen que el sonido

como una luz en el interior del centro de tu mente. Ver la luz con claridad en su mente mientras escucha el sonido. Ahora ve la luz cada vez más grande. Ver que se expanda para llenar toda la cabeza. La idea es tratar de emular lo que se vería y el sonido como para tener el sonido que vibra a través de todo el cráneo! Este ejercicio parece un poco por ahí, pero probarlo. Además de intentar que la visualización, simplemente tratar de elevar el volumen del sonido. Usted puede tener el sonido en tu cabeza en un nivel particular, ya que nunca se le ocurrió a usted que usted podría cambiar el nivel. La belleza es, usted tiene completa libertad sobre lo que las cosas suenan como en su mente.

El aumento de la retención de la oreja El desarrollo de su capacidad de retener los trozos más grandes y más grandes de la información musical en su mente aumentará en gran medida su musicalidad. El número uno de manera de hacer esto es transcribir sin un lápiz y papel en mano. Sé lo que estás pensando. ¿Cómo voy a recordar la línea que estoy trabajando una vez que voy a la siguiente línea? Bueno, no lo recordará permanentemente si lo escribes. En el jazz, no estamos buscando a utilizar el tipo de memoria que utilizó en el alta de biología de la escuela: estudio para una prueba de la noche anterior, memorizar todo lo necesario para la prueba, regurgitan en la prueba al día siguiente, y luego olvidarse de él . Eso es casi exactamente lo contrario de lo que estamos buscando. Queremos algo más allá de la memorización. Queremos internalización. Queremos que el material que opera en un nivel mucho más profundo que la simple memorización. No puedo enfatizar lo suficiente. Deshágase de sus muletas! Te lo digo por experiencia. Perdí años. Usted no tiene que hacerlo. Durante el actual proceso de transcripción, no escribo el solo por. Después he el solo completamente interiorizado, a menudo un período de meses, a veces escribo a verlo desde una perspectiva diferente y verlo más desde un punto de vista analítico. Sólo asegúrese de que usted no está escribiendo el solo por recordar o para jugar de la copia por escrito de la misma. Usted ya debe tener memorizado y no tenga que mirar siempre a una copia escrita para reproducirlo. Por otra parte, si usted no recuerda los días en solitario, semanas o incluso años más tarde, nunca realmente lo aprendió. Es una sensación increíble para aprender un solo y sé que para la vida. Usted siente que tiene estos preciosos documentos que se puede llevar con usted todo el tiempo. Tal vez te sientes así porque son documentos preciosos. Créeme, tomó una gran cantidad de auto-convencer para finalmente aprender un solitario a este grado. Si yo puedo hacerlo, tú también puedes. Después de recoger un solo de que el amor, aprender la primera línea. Juega durante 30 minutos seguidos, si usted tiene que! Cualquier cosa para dominarlo. Luego vaya a la segunda línea. Repetir. Luego jugar las dos primeras líneas juntas durante 30 minutos si es necesario.

Una vez más, cualquier cosa para dominar cada poco. Pueden pasar seis meses. Se puede tomar un año! Aprenda un solo de esta manera y te lo prometo, nunca regresión a cualquier otro método. Volver a la retención. El aprendizaje de un solitario en la manera que se acaba de describir será de gran ayuda que escuche trozos más largos de la música en su mente, ya que será capaz de escuchar todo el solista perfectamente en el oído de su mente. Durante el proceso de aprendizaje de un solo, trabajar en la mejora de su retención. Al llegar a una línea más larga en el solo, usted puede tener la tentación de romper en pedazos más pequeños, por lo que es más fácil de escuchar. Este es un gran lugar para comenzar y algo que todavía tienden a hacer, sin embargo, comienzan gradualmente a tratar de escuchar toda la línea y retener en su mente como una unidad cohesiva. O, aún escucharlo como varios trozos de información, pero escucharlos como conectado en su mente. Esto es difícil, pero es por eso que trabajamos en él. Cada vez que usted trabaja en otro solo u otra línea, tienes otra oportunidad para aumentar ligeramente su retención.

Su sonido y la imaginación auditiva El sonido real, el tono que usted produce en su instrumento está más fuertemente influenciado por su imaginación auditiva que cualquier otra cosa. Sí, me encanta mi cuerno y la boquilla, pero puedo recoger el equipo prácticamente de nadie y, a pesar de la dificultad de jugar configuraciones de algunas personas, aún suena como yo. He tenido numerosas lecciones con jugadores increíbles, donde han intentado mi puesta a punto y sonaba exactamente como ellos. Por supuesto, no eran tan cómodo en el equipo extranjero, pero su sonido prorrogados. Está más claramente ilustrado en un piano. Manteniendo el mismo piano, 10 jugadores diferentes podría desempeñar la misma línea, uno tras otro, y todo el juego con su voz única. Nuestro sonido está en nuestra mente y el oído. Trate de escuchar el sonido que deseas en tu mente. Centrarse en ella. Medita en él. Verdaderamente oírlo. Eso es cómo va a llegar más cerca de reproducirla. Si escucha una calidad en uno de los sonidos de tu héroe que usted ama y que desea adoptar en su juego, lo consigue resonando en su cráneo. Escucha vívidamente. Vamos a jugar en la cabeza a lo largo de todo un día. Es como la escena en Shawshank Redemption cuando fue puesto en el hoyo. Andy (Tim Robbins) dice: "Tuve el señor Mozart para hacerme compañía ... (puntos y grifos de la cabeza) Fue aquí. (Gestos más de su corazón) Y aquí dentro. Esa es la belleza de la música. No pueden conseguir eso de ti. ¿Nunca has sentido así de la música? "

Ejercicios de entrenamiento del oído

Una vista de alto nivel, y sin embargo la vista simplificada, de la improvisación es el siguiente: oye en su mente lo que quieres jugar y al mismo tiempo jugar a lo que está escuchando. Claro, parece bastante simple. Es increíble cómo pueden ser tan difícil de alcanzar esas ideas simples. No estoy seguro de que incluso los grandes escucharon cada nota que jugaron. Lennie Tristano, sin embargo, afirma que lo hizo. No todos podemos ser Lennie, pero podemos estar más cerca. Entrenamiento del oído estándar como se enseña en la mayoría de las formas clásicas no bastará para el jazz. Por ejemplo, solphage está al borde de inútil. Utilice los números para indicar lanzamientos dentro de una escala, no solphage. Ahora encontrar a alguien para practicar el entrenamiento del oído con y empezar con los ejercicios que siguen. Todos los ejercicios se pueden hacer, individual y, sin embargo, es más divertido y al azar con un compañero. Cada viñeta es un ejercicio. Pase por lo menos diez minutos en cada ejercicio. Elige uno y centrarse en él durante un par de semanas.

Ejercicios de entrenamiento auditivo jazz Intervalo Haz que tu amigo jugar dos notas consecutivas, una tras otra. Su trabajo consiste en escuchar primero las dos notas en que la cabeza, luego cantan los lanzamientos con precisión, entonces nombrar el intervalo y dirección. Para este ejercicio, haga que su amigo jugar las notas al mismo tiempo en lugar de una después de la otra. Luego hacer lo mismo que en el último ejercicio: escuchar las notas perfectamente en su cabeza, cantan los lanzamientos con precisión, y especifique el intervalo y la dirección, Lo hago a menudo se, en su mayoría con un amigo si alguien está alrededor. Toque una nota (o mejor aún que su amigo haga esto) en el piano y especifique un intervalo y una dirección, como una de las principales séptima abajo. Ahora canta ese intervalo en la dirección especificada en la nota que juega en el piano. Espera, no cantan todavía! OÍR la nota que usted está a punto de cantar perfectamente en su mente. Ahora escucharlo más fuerte. Escuche con tanta claridad y dejar que se expanda a través de su cráneo! Ahora cantan, a juego que tenga en cuenta que se oye en su cabeza. Pero espera, no tome la atención de que la radio musical en tu cabeza. Mantenga enfoque de láser en esa nota que juega en su mente. Observe cómo estos ejercicios son mucho más que simplemente intervalos de nombres. Cualquier idiota puede nombrar un intervalo. Lo que se quiere llevar es la audiencia la mejora en su mente. Escuchar esas notas que resuenan en su cabeza como si fuera Maynard James Keenan gritando ellos.

Ejercicios de entrenamiento auditivo jazz tono de acordes Tenga su amigo (también se puede hacer esto solo, por supuesto) juegan un acorde y cantar la raíz. Luego pídale que jugar otro acorde y cantar la raíz. Después de pasar el tiempo suficiente, unas semanas más o menos, y usted se sienta seguro al escuchar y cantar la raíz de cualquier acorde, prueba el mismo ejercicio con 3as. El mismo ejercicio puede por supuesto ser hecho con 5as, 7ths, 9ths, 11nas, 13ths, o cualquier alterada

tonos de acorde también. Haz que tu amigo tocar un acorde con la mano izquierda, seguido de un tono acorde de la cuerda en la mano derecha. Ahora escucha y luego cantar el tono de acordes en la mano derecha, seguido de la identificación de la misma. Tenga en cuenta que estos ejercicios son mucho más que simplemente nombrar un tono acorde. Están a punto de escuchar los tonos de acordes en su contexto.

Ejercicio de entrenamiento del oído de jazz de calidad acordes Haz que tu amigo jugar una tríada en la posición de la raíz. Escucha todos los tonos del acorde del acorde con claridad en su mente. Suba el volumen. Canta los lanzamientos con precisión. Nombre de la calidad de la tríada. Haz que tu amigo jugar un acorde de séptima y pasar por los pasos que acabamos de mencionar. Tener un amigo Juega invertida tríadas y seguir los pasos que acabamos de mencionar. Haz que tu amigo juega un sonoridad acorde y pasar por los pasos que acabamos de mencionar.

Conseguir buenos oídos y una imaginación vívida aural Lo que he detallado anteriormente es un gran lugar para comenzar. Es una gran cantidad de información que consiste en cosas que todavía estoy trabajando todo el tiempo. Nunca se puede saber bastante bien. El trabajo en las áreas que necesitan la mayor mejoría. Tal vez usted nota durante un ejercicio intervalo que escuchar una séptima mayor por debajo de la nota de tu amigo juega es bastante difícil. Aislar ese intervalo y hacerlo más de una vez hasta que es una segunda naturaleza para escuchar y cantar esa descendente séptima mayor. Una vez que obtenga el material en su mente, un intervalo, una línea, una parte de un solo, aprender a subir el volumen, ralentizarlo, acelerarlo, todo está en tu mente. Me pertenece. Lo importante de desarrollar el oído es que usted se centra en esa voz en tu cabeza para expandir su imaginación auditiva. De lo contrario, no se traducirá a su improvisación. No pierda su tiempo con una lectura rápida de la superficie. Enfoque de desarrollo de sus oídos con paciencia y creatividad.

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10 consejos Jazz Improvisación para recordar Publicado Por Forrest En 21 de mayo 2010 @ 23:44 En Consejos para todos, inspiración, Consejos | No Comments

1.) Piensa calidad sobre la cantidad A menudo nos encontramos en una prisa para 'ponerse al día'. Donde quiera que esté en su desarrollo personal como un improvisador de jazz, aceptarla. Está bien si sólo sabe algunas canciones, o apenas se puede volar a más de un blues. No te preocupes. Preocuparse por nuestras propias deficiencias nos causa que luchar frenéticamente para aprender mucho y muy rápido. En su lugar, comprometerse a aprender una cosa muy bien.

2.) En lugar de compararse con los demás, los utilizan para aprender Cuando todo el mundo que te rodea es tan bueno, es difícil no te compares con los demás. Tal vez su compañero puede jugar mucho más rápido que usted, o alguien más suena tan bien, te sientes como si nada en comparación. Somos todos los individuos. No sea frustrado de que otras personas son mejores que tú. Siente la suerte de tenerlos como un recurso para aprender. Créeme. Todo el mundo piensa en estas cosas de manera diferente y la mayoría del tiempo, disfrutan compartiendo sus conocimientos. Tal vez, usted tiene algún poco de conocimiento puede renunciar a ellos también. Mis amigos y yo estamos compartiendo constantemente nuestros últimos conceptos, líneas, o pensamientos con otros. Usted puede aprender un montón de su medio ambiente si lo desea.

3.) Nunca Sacrificar un sonido hermoso A veces, cuando practicamos, estamos tan atrapados en lo que sea que estamos practicando, que nos olvidamos de jugar con un sonido rico y hermoso. El sonido se juega con durante sus ejercicios se trasladará a sus ejecuciones. Su sonido es el número uno. Si juegas con un sonido horrible (cada uno tiene su propia definición de este. Grabe usted mismo y usted será el juez), entonces no importa lo hip sus líneas son, a nadie le importará porque la música es sobre el sonido. No hay forma de evitar eso. Es una forma de arte sonoro.

4.) ¿Qué entra, sale Explica por sí mismo bonito, pero a menudo se pasa por alto. Es la misma idea que "Tú eres lo que comes". Lo que la gente suenan, es lo que ponen en. No llegó a su arte de magia.

5.) Ir más lento de lo que crees que necesitas Una buena regla de oro: Ponga el metrónomo a una velocidad que usted sienta que es

correcto, y luego restar 15 bpm porque todos tendemos a sobreestimar nuestra capacidad.

6.) Escuchar, Transcribe, y absorber la música que te animan La idea es que se sentirá atraído a las cosas que engranan con usted. Por lo tanto, al sumergirse en la música que te gusta, vas a encontrar más cerca de la liberación de su voz única.

7.) Tener una mente abierta En el otro lado de la moneda, no ignore lo que las personas tienen que decir acerca de quién escuchar o transcribir. Esté abierto a nuevos sonidos, géneros, artistas, influencias, ideas o conceptos. El punto es, vamos a guiar a su propio corazón a lo que amas, pero no cerró cuando la gente trata de decirle a ampliar su punto de vista. Yo solía ser muy inflexible sobre los músicos que me gustaban y no me gustó. Me di cuenta de por qué me gustó o no le gustó cada uno también. Olvídese de esa actitud. Es difícil, pero trate de no juzgar algo de si te gusta o no.

8.) Piense panorama Tienes toda tu vida para reproducir música. Al menos eso esperamos ! Sin sesión de una práctica que importa mucho, nadie concierto importa mucho, hay una melodía ... usted consigue la idea.

9.) Utilice todo como una oportunidad para mejorar como músico Cuando estaba en la escuela, tuve que tomar una gran cantidad de clases que no tienen directamente que ver con tocar jazz. Al principio esto realmente me fastidió, pero mientras avanzaba a través de estas clases, me di cuenta que las cosas que estaba aprendiendo podría mejorar mi forma de tocar jazz y composición. Por ejemplo, en una clase que tenía que estudiar un Brahms Sinfonía durante semanas. Aquella experiencia cambió completamente mi visión de la composición y el gran aumento de mi conocimiento musical. Este concepto no se limita a experiencias musicales tampoco. Por ejemplo, el aprendizaje sobre la tipografía y el diseño ha afectado a la forma en que pienso en la construcción musical y la forma. Siempre estar en la búsqueda de estas conexiones puede ayudar a encontrar algunas fuentes inesperadas de inspiración.

10.) Recuerde por qué juegas Si nada más, recordar por qué se juega cada día. No hay sustituto para amar lo que haces.

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Maratón de Formación para el músico Publicado por Eric En 23 de agosto 2010 @ 08:37 am En Consejos para todos, Inspiración | No Comments

Agosto ya está aquí y con la cercanía del final del verano se cierne la sombra de eason el maratón caída s. En todo el país los corredores están intensificando su preparación para las carreras que han estado preparando desde el comienzo del verano. Como ya he comenzado a prepararme para mi propia carrera, he pensado acerca de cómo el concepto de entrenamiento para una gran carrera se relaciona con la idea de practicar hacia metas importantes como un músico de jazz. Parte de la razón de que un maratón, triatlón, o cualquier otra raza es atractivo, es el desafío puro: una hazaña impresionante que tiene una enorme cantidad de esfuerzo sostenido y un objetivo que muchas personas tratan de lograr al menos una vez en la vida. Correr un maratón es alcanzable, miles de personas lo hacen cada año y lo han estado haciendo desde hace años, pero el esfuerzo real y la determinación necesaria para ejecutar 26,2 millas separan los corredores que en realidad se entrenan para la distancia y terminar, de aquellos que tengan la intención a pero nunca llegan a hacerlo. En los tres o cuatro meses que se necesita para entrenar para una maratón, una completa transformación se lleva a cabo. Sin importar el nivel de condición física que se inicia en, usted tiene que entrenar muy duro durante meses para poder completar la carrera o terminar en el tiempo objetivo. En otras palabras, un maratón no es algo que sólo se puede salir a correr sin preparación y esperar un buen desempeño. Es sólo a través de la fijación de metas a largo plazo y un calendario detallado de formación que se pueden lograr este gran salto en su nivel de habilidad. Este concepto de entrenamiento para el maratón puede ser muy útil cuando se aplica a la consecución de objetivos a largo plazo como músico. En lo que se refiere a práctica, los músicos de jazz suelen ser muy disciplinado en conseguir el tiempo en la vida cotidiana

vertimiento. Nos aseguramos de cubrir técnica, teoría, y lo que nos pasó a estar pensando en esa semana, pero cuando se trata de metas más grandes que no se pueden lograr en unas pocas sesiones de práctica, los resultados no son tan consistentes. Los músicos de jazz siempre parecen hablar de la necesidad de saber más canciones, con ganas de transcribir más solos, que necesitan para escribir algunas composiciones originales, o grabar un álbum de originales. Es grandes objetivos como estos que tenemos la intención de trabajar en y completa, pero de alguna manera nunca moverse a. Lo que falta no es la motivación para establecer estas metas, sino un método de disciplina sostenida para terminar la tarea en un período de tiempo más largo. Mediante el uso de los pasos que se necesitan para entrenar y completar un maratón, los músicos de jazz pueden crear una forma práctica para alcanzar los objetivos a largo plazo que siempre están colgando sobre sus cabezas.

Establecer la fecha El primer paso para correr un maratón es para inscribirse en uno; simple como eso. Al registrarse en esa carrera que se está comprometiendo a ser capaz de correr 26.2 millas en una fecha específica. Esto puede ser una tarea desalentadora en sí mismo porque básicamente estás acordando hacer algo en una fecha futura frente a un montón de gente que usted es incapaz de hacer actualmente. Muchas veces, porque no estamos dispuestos o capaces de hacer algo, nos evitan comprometerse a hacerlo hasta que estemos listos. Irónicamente, sin embargo, nunca vamos a estar listos para algo hasta que nos comprometemos a ella y desafiamos a nosotros mismos para aprenderlo y completarlo. Como con muchas cosas en la vida, las metas más difíciles a menudo se convierten en los logros más satisfactorios; obstáculos que deben ser superados por el aprendizaje de una habilidad o adquirir conocimientos y la realización de tareas que no pudieron antes. En términos de objetivos como un músico, el objetivo de las habilidades que usted no tiene ahora, pero quiere dominar. Estos deben ser cosas que no se pueden lograr en una semana o dos, pero llevará a la práctica sostenida durante un período de semanas o meses. Tal vez su objetivo es transcribir cinco solos de Clifford Brown o para aprender realmente diez melodías Monje dentro y por fuera. Estos son los objetivos que no se consiguen rápidamente, pero tomará algún tiempo y la práctica repetida de lograr en un nivel alto para beneficiarse. El siguiente paso después de fijar la fecha, es encontrar una manera de asegurarse de que usted se pega a su plan de entrenamiento y completar su objetivo. Cuando se establece el objetivo debe ser una consecuencia, si no se logra el objetivo. Por lo general, cuando usted se inscribe en una carrera hay una cuota involucrados y una vez que haya pagado su dinero duramente ganado para algo, que son menos propensos a abandonar la misma. ¿Cuántas veces has hecho una lista de canciones para aprender y lo hizo una semana, y luego se dio después de la prueba inicial? El deseo y la intención está ahí, pero no hay consecuencias por no quedarse con la tarea hasta su finalización. Digamos por ejemplo, que su objetivo es grabar un álbum de sus propias composiciones originales. Fije una fecha de grabación y comprar un poco de tiempo de estudio. Usted puede

estar seguro de que después de gastar ese dinero y ver el enfoque plazo, podrás empujar a ti mismo y tener esas melodías listos para esa fecha. Tal vez tu objetivo es aprender un cierto conjunto de melodías y poder en solitario sin esfuerzo por encima de ellos. Programar una sesión de improvisación con unos amigos y tener esas melodías listo para entonces. Cuando pagar dinero por algo o tener gente dependiendo de nosotros o nosotros a juzgar, no cuando sólo estamos confiando en nosotros mismos, tendemos a asegurarse de que estamos jugando en nuestro mejor momento.

Crear un programa de entrenamiento Formación. La práctica intensa. Es lo que separa a las personas que logran sus objetivos de aquellos que quieren resultados sin trabajo. Tiempo enfocado pasó luchando y empujando a ti mismo cada día para mejorar y crecer. Con la fecha para su meta establecida, el siguiente paso es diseñar un plan específico en cuanto a cómo va a terminar la tarea. Para los corredores de maratón, esto se logra mediante el uso de un plan de capacitación: un horario establecido con carreras o entrenamientos diarios y semanales específicas, para garantizar que realice su mejor día de la carrera. En su mayor parte no se ve que la formación; nadie sabrá cuántas millas ejecutó ese día o qué tan rápido las carreras de intervalo fueron, excepto usted. No es una actividad glamorosa y usted no recibirá el reconocimiento para cada objetivo de entrenamiento, pero es un momento para desafiar y ser honesto con usted mismo. Es el momento de trabajar en los fundamentos y mejorar poco a poco, se centra en todos los aspectos de su forma de mejorar. En última instancia, la motivación y la presión para cada entrenamiento proviene de saber que tienes esa fecha la carrera que se avecina en el horizonte. Para los músicos, el plan de formación puede ser un calendario conjunto de tareas y metas que desea alcanzar cada día en la sala de la práctica en el espacio de semanas y meses, previo a ese objetivo final. Tal vez su objetivo es aprender una serie de normas en una fecha específica. En este caso, crear un horario de práctica que incorpora escuchar las grabaciones, el aprendizaje de la melodía de la grabación, y la revisión de la melodía para que uno se aprende que lo recordará en el futuro. Asegúrese de que el programa es lo suficientemente difícil que te empuja, pero no demasiado ambicioso que no conserve lo que está aprendiendo y terminan frustrados. Si usted encuentra que usted puede aprender tres canciones a la semana, después de tres meses tendrá 36 canciones abajo, un repertorio bastante sólido en ese espacio de tiempo. Considerando una tasa completamente aleatoria de canciones de aprendizaje sin un horario o fecha límite, doce canciones en un mes es un buen comienzo para el logro de una meta de finalmente aprender todas esas normas.

Día de la carrera Uno de mis profesores decían que después de todo el derramamiento y el trabajo duro en la sala de la práctica, el "concierto fue la recompensa", una oportunidad para llevar a cabo y la oportunidad de divertirse y ser creativos con otros músicos. Lo mismo ocurre después de

tantos meses de entrenamiento para un maratón. El día de la carrera que finalmente puede divertirse y compartir la experiencia con miles de personas. Después de todo de que la formación, tendrá confianza en su capacidad para llevar a cabo sin tener en cuenta cómo los demás se ajustan a ti y puedes disfrutar del simple hecho de correr con una mente libre. La carrera no se trata de ganar. Siempre hay gente mejor que tú por ahí, muchos de ellos cuando se trata de correr un maratón, por lo que la carrera es para divertirse y conseguir la satisfacción de que se dio cuenta de su objetivo; ahora tiene habilidades o puede lograr algo que no pudo antes. Al igual que la realización o la improvisación, al ejecutar un maratón es obvio si se ha hecho el trabajo y entrenado duro o no ha hecho lo suficiente; que o bien puede terminar la carrera o no se puede. No hay fingiendo. Cuanto más mejoramos como músicos, más difícil es hacer que esos saltos en el nivel de habilidad y entendimiento de que eran comunes cuando estábamos empezando. Al establecer desafiantes metas a largo plazo y trabajar en ellos durante semanas o meses a la vez, al igual que lo haría un corredor de maratón, usted comenzará a ver una mejoría dramática una vez más. Las ganancias permanentes provienen de la pervivencia de sus objetivos hasta la finalización, y que se encuentra dentro de la responsabilidad de cada uno de nosotros tiene que nuestra forma de arte.

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Convertirse en un personaje musical Publicado por Eric En 28 de agosto 2013 @ 13:07 En consejo para cada uno, la perspectiva, los jugadores, las rutinas de práctica, consejos, transcribiendo | No Comments

¿Alguna vez has visto una película donde un cierto carácter pegado con usted mucho después de que la película había terminado? O ¿qué pasa con una obra de arte que seguía apareciendo en el ojo de tu mente? Tal vez usted ha sido testigo de un discurso que tuvo el mismo efecto duradero o asistió a un concierto donde el artista tocó su instrumento de una manera tal que altera su propuesta musical. Todos hemos experimentado estos momentos, pero lo que había en estas actuaciones o experiencias que sobresalían por nosotros? En cualquier campo hay ciertas personas que se destacan y hay ciertas voces que se elevan por encima de las masas. Con indiferencia, a menudo decir que estos individuos tienen carácter ... pero ¿qué es exactamente el carácter? Un rápido vistazo a un diccionario le dará la siguiente definición: La combinación de cualidades o características que distinguen a una persona, grupo o cosa de otra.

Y un personaje es una persona que encarna estas características distintivas. Un personaje es alguien que se destaca de la muchedumbre. Un personaje tiene rasgos inmediatamente distinguibles. Un personaje tiene una forma única de hablar o de un vocabulario específico. Un personaje tiene un sentido único del estilo. Un personaje llama la atención y se pega en tu mente. Y un personaje tiene una historia que contar. Personajes de todo tipo atrapan su atención y conectarse con usted de una manera personal y en un arte como la improvisación, esta es una herramienta esencial en el desarrollo de su voz y la conexión con el oyente.

Personajes Musicales Los personajes de la música son como los personajes en cualquier otra disciplina, una personalidad única y un enfoque novedoso hacen un palo de individuales de la manada. Si usted toma una mirada retrospectiva a la historia de esta música te darás cuenta de algo único acerca de los improvisadores más prominentes. Esta música que estamos tratando de aprender hoy está todo construido sobre los logros de fuertes personalidades musicales. Jugadores como Louis Armstrong, Charlie Parker, Miles Davis, Monk y John Coltrane eran personajes no sólo en la música que dedicaron sus vidas, pero en la forma en que se acercaban a la vida también.

Estos improvisadores siguieron su propio camino y siguieron su propia visión musical. Tenían una historia que contar y una manera única de contarla. Un personaje de musical tiene un sonido personal y un estilo propio, que es inmediatamente identificable a un oyente. Habilidad y técnica contribuyen a este sonido, pero el carácter viene de un lugar diferente. Todas esas notas y las líneas sin sonido, la inflexión y el tiempo no son nada. Echa un vistazo a través de su colección de música. Voy a garantizar que sus discos favoritos y jugadores favoritos tienen este distintivo de calidad acerca de ellos. Usted eligió esta música a estar en tu colección, ya que conecta con usted, más de notas y acordes, hubo personaje que viene a través de la grabación.

¿Por qué una personalidad musical es importante

Usted probablemente ha escuchado una ejecución o en solitario donde no había sentimiento en el juego. Improvisando que era sosa, predecible y de línea plana que dejó al público el cambio en sus asientos y mirando a sus relojes. Seguro que las notas se pueden haber desempeñado en el momento adecuado y en los acordes correctos, pero algo vital para la música había desaparecido. La razón de esta actuación sin brillo era que el artista estaba improvisando sin personalidad, simplemente pasando por los movimientos de la creación de un solo. Reglas teóricas fueron seguidos y se aplicaron técnicas, pero nada de la nota estaba siendo declararon o entregados de una manera significativa. No se puede soñar a ti mismo en un personaje, debe martillar y forjar a ti mismo una. ~ Henry David Thoreau Cuando muchos jugadores improvisan se vuelven tan agobiados por el aspecto teoría de la música de improvisación que se olvidan rápidamente acerca de los elementos de una interpretación que hacen de la música con sentido. El sonido, la articulación, la sensación, la developoment de la frase. .. Estos son las razones por las que escuchan un solo, pero lamentablemente se pierden en la confusión de los acordes y escalas. Recuerde, una personalidad es lo que hace interesante la improvisación. Carácter añade vida a las notas y la forma de las líneas. Carácter añade un elemento humano a la música que el oyente puede conectar con y lo más importante, el personaje cuenta una historia.

Los elementos de carácter musical Entonces, ¿qué va a la creación de un "carácter musical"? Tu personaje es un reflejo directo de su concepción personal de la música. Las ideas y conceptos que usted cree en, la práctica y gravitan hacia como músico en última instancia, dar forma a su enfoque para la improvisación y un día, saldrán de su instrumento. Puede que te sorprenda, pero estos elementos están más estrechamente relacionados con los fundamentos de la musicalidad que te imaginas. En términos de carácter, notas individuales en un solo son menos importantes que la forma en que usted entrega estas notas para el oyente. Aquí hay 5 elementos de la musicalidad que contribuyen a la construcción de su personalidad musical: 1) Sonido: El aspecto más esencial de su carácter musical es su sonido. Su sonido es única para usted y sólo usted. Así como la voz de un actor crea su personaje de un músico tono, toque y entonación crean una personalidad sónica. ¿Cuál es su sonido y lo más importante, ¿qué es este sonido transmitiendo al oyente? Tenga en cuenta que su sonido es la primera cosa que un oyente escuchará, una primera

impresión con un poderoso impacto. Los más grandes improvisadores pasado años desarrollando su sonido y lo que debería.

2) Columpio / Hora sienten: Si hay un elemento de estilo que consigue enterrado y olvidado bajo las notas es el balanceo tiempo. La forma en que te acercas a la vez en su solitario es tan importante como las notas que usted elija para jugar. ¿Cómo afronta el tiempo en tu solo? Agudeza rítmica surge de un sentido interno de tiempo y una estrecha relación con la música. Todos los grandes improvisadores que nos escuchen "oscilación" sin embargo, todos tienen un sentido personal de balanceo. No hay dos estilos son los mismos.

3) Articulación: Para muchos improvisadores inexpertos articulación es otra de las víctimas en la búsqueda de encontrar las notas "correctas". La forma de articular una línea puede no parecer tan importante al principio, sin embargo, es un aspecto de su juego que es fundamental en la definición de su carácter musical. Articulación puede ser sutil o puede ser Stark. Se puede hacer un swing de la línea, se puede crear un impulso hacia adelante y puede crear un estado de ánimo para el oyente.

4) Enfoque Armónica / enfoque melódico:

Qué acordes o armonías coger la oreja? ¿Qué tonos de acorde a gravitar hacia usted? Lo intervalos usted encuentra el más convincente? La calidad armónica y melódica de su juego también servirá para crear un estilo personal.

5) Enunciado: La forma en que las frases Clifford Brown es diferente de la forma en que Coltrane Frases sus líneas. Trane, Miles y Cannonball todos tienen diferentes enfoques a la melodía en un solo improvisado. Miles incluso difiere de sí mismo a través de los años!

La forma de dar forma a sus líneas y artesanía un solo crea un efecto específico sobre el oyente. Diferentes músicos pueden tocar líneas muy similares y obtener muy diferentes resultados. Su acercamiento a fraseo natural surge de su sonido, el tiempo y la articulación y da forma a su mensaje musical. Improvisando sin estos 5 elementos crea un solo de débil y suave, sin embargo mucha atención a cada uno servirá para crear un sonido único.

Cómo desarrollar su carácter musical Cuando se trata de la actuación, hay una gran diferencia entre una imitación y el desarrollo de un personaje creíble. Cualquier persona puede hacerse pasar por algunas peculiaridades físicas o leer unas algunas líneas de un guión, pero pocos realmente puede transformarse en un personaje de la vida. Grandes actores verdaderamente se convierten en el carácter físico, emocional, y vocalmente. Ellos trascienden la técnica y cuentan una historia. Lo mismo puede decirse de los grandes improvisadores. Improvisar no está imitando unos licks de un jugador o haciendo una imitación musical, es inculcar esta música a un nivel profundo y lo que es el suyo propio. Tome un momento y pregúntate a ti mismo: "¿Cuál es mi carácter musical?" ¿Está usted sólo coincidir escalas y acordes o está realmente enviando un mensaje musical? ¿Está reciclando unas pocas líneas que ha transcrito o está desarrollando un lenguaje musical personal? Como se dispuso a crear su carácter musical, pensar en él como un proceso como el desarrollo de una personalidad. "Usted es el promedio de las cinco personas que pasas más tiempo con." ~ Jim Rohn

Usted es maleable a la hora de dar forma a su personalidad. Sus amigos, sus conocidos y las personas que interactúan más con cada día tienen un gran impacto en su carácter. Lo mismo puede decirse de su personalidad musical - su sonido, articulación, el tiempo y la técnica están influenciados por su entorno. Toda la música y los músicos que entran en contacto con el día a día afectan a su concepción musical. Cuando uno escucha a un jugador se puede decir inmediatamente que ellos han escuchado y estudiado y cuanto más se práctica la misma se convertirá en el caso de usted. Usted es el promedio de los 5 jugadores o álbumes que pasa más tiempo escuchando, estudiando y transcripción.

Aquí hay tres pasos para la construcción de su carácter musical: I. Escuchar El primer paso para el desarrollo de su carácter musical está escuchando. ¿Qué registros se le señala a? ¿Qué jugadores agarrar la oreja? ¿Qué sonido le gustaría imitar en su propio juego? Cada vez que usted escuche a un registro o una actuación en directo se toma en las ideas que usted puede agregar a su concepto personal o filtrar por completo. Ten cuidado con lo que está poniendo en sus oídos! Sólo escuchar la mejor grabación o los jugadores que van a moverse hacia adelante. Así como usted no pasar el rato con la gente que le traen abajo, usted no desea llenar sus oídos con la basura musical. II. Idioma Transcribir Después de que haya llenado su oído con los sonidos que resuenan con usted, el siguiente

paso es averiguar estos sonidos de su instrumento. Seleccione las líneas que captar el oído y lentamente ellas aprenden uno por uno. El idioma que elija para aprender finalmente definir su carácter musical. Este material se va a convertir en los bloques de construcción de su propio lenguaje musical. Tómese el tiempo para arraigar esta lengua correcta y completamente. III. El desarrollo de su propio idioma El paso final está tomando todas estas influencias e incorporar su toque personal. Como dice Clark Terry necesita para asimilar, imitar y Innovar. Rodéate de la mejor música disponible, averiguar estas melodías, líneas y estilos, y luego poner su propio sello en ellos. Siga el sonido que se escucha en su cabeza y confía en su sonido original, pero recuerda que el desarrollo de un carácter musical toma tiempo. No se puede ser completamente original sin estudiar primero un modelo. Usted debe escuchar un montón de música, es necesario transcribir las ideas musicales que capturan la oreja y, finalmente, es necesario desarrollar estos conceptos en su propio juego. La improvisación nunca debe ser un ejercicio. La improvisación es todo acerca de la creación en el momento. La razón por la que está creando la música en el momento es compartir esta música con las personas que te rodean. Su objetivo debe ser comunicar emocionalmente a través de la música con las personas que te rodean, el público, así los otros músicos. Ponga un pedazo de su personalidad en todo lo que usted juega. Todos nosotros realmente tenemos un sonido diferente y su objetivo como usted practica debe ser encontrar la suya: ¿Cuál es tu personaje musical?

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Cualquier persona puede improvisar ...? Publicado por Eric En 14 de septiembre 2011 @ 1:46 En consejo para cada uno | No Comments

"Cualquiera puede improvisar!" La frase sale de la lengua con la banalidad de muchos un infomercial nocturno. "Cualquier persona puede obtener arrancaron abs! Cualquiera puede hacer millones de casa! Cualquiera puede hablar de Navajo! "Pero cuando se trata de jazz, es esta declaración realmente cierto? Este ha sido un debate en el mundo de la educación del jazz, ya que de la institucionalización. ¿Puede la improvisación puede enseñar en un aula? ¿Se puede llevar a alguien en la calle y les enseñan cómo jugar sobre un blues? Está todo el mundo realmente capaz de improvisar? A través de los años, a menudo he oído estas frases pronunciadas en clases particulares, escuelas de música y de conciertos por varias personas: "No puedo improvisar. Nunca he aprendido a improvisar. Yo no hago la cosa jazz. Preparacion solos simplemente no es para mí. No entiendo cómo elegir qué notas tocar ". Algunos se cumplieron los músicos y otros eran principiantes, pero cuando escuche las declaraciones anteriores en todos los ámbitos, que hace que te preguntes: Tal vez algunas personas simplemente no están hechos para esto. Sin embargo, puede ser muy fácil de tomar decisiones precipitadas cuando las cosas son difíciles y frustrante al principio. Si nos fijamos en lo que realmente sucede en el proceso de improvisación, usted encontrará que es mucho más accesible de lo que parece ser.

Improvisar es una habilidad El primero es darse cuenta de que la improvisación es una habilidad, no un poder mágico que unas pocas personas elegidas poseen. Cambiar su forma de pensar en este pequeño camino puede ser fundamental para su éxito. Para ver lo que quiero decir, vamos a consultar las páginas de Merriam-Webster: habilidad a: la capacidad de utilizar su conocimiento con eficacia y facilidad en la ejecución o cumplimiento b: la destreza o la coordinación, especialmente en la ejecución de tareas físicas aprendidas c: un poder aprendido de hacer algo de manera competente: una aptitud o habilidad desarrollada En la definición anterior, la nada es lo que ves la palabra talento o habilidad innata. En su lugar, verá el conocimiento palabras, aprendió, y la capacidad desarrollada. Al mirar a la improvisación como una habilidad, queda claro que todo el mundo tiene el potencial, con un poco de práctica y los conocimientos adquiridos, de improvisar, de alguna manera, forma o forma. Algunos músicos se sienten atraídos naturalmente a la improvisación, mientras que a otros les resulta inicialmente extranjera e incómodo. No es importante cómo su primer encuentro con la improvisación se produjo, en lugar de lo difícil que está dispuesto a trabajar en la mejora de allí en adelante. Evite la equivocada "que o bien tiene o no" mentalidad de que persiste con un número de personas en todo, desde los deportes a la música. Si usted está dedicado no sólo se puede aprender a improvisar, puede incluso superar sus propias expectativas.

Usted debe desarrollar esta habilidad A pesar de que la improvisación es una habilidad que se puede aprender, no significa necesariamente que va a ser fácil o venir a usted sin ningún esfuerzo. Aprender a escuchar progresiones de acordes y jugar sobre normas lleva años de trabajo - las habilidades que deben desarrollarse, no importa quién eres o en qué nivel de comenzar. Una comparación acertada a la improvisación, es la de dibujo. Al igual que la improvisación, se necesitan años de estudio dedicado, la práctica, y la imitación de convertirse en expertos en el dibujo; y porque la mayor parte de este trabajo sucede a puerta cerrada, la mayoría de las personas lo ven como un talento - no es una habilidad. Para muchos de nosotros, nuestro primer contacto con el dibujo comenzó cuando éramos niños y para la mayoría de nosotros, esto es donde se acabó. Parece lógico que nuestras habilidades se mantendrían en este nivel de grado de la escuela, sin embargo, cuando

intentamos esbozar algo que los adultos nos apresuradamente declarar: "¡No puedo dibujar" No es que no se puede sacar, es que usted ha descuidado esta habilidad durante años o nunca incluso han desarrollado para empezar. Como cualquier habilidad, debe seguir trabajando en ello para mantener su capacidad y mejorar con el tiempo. Si sus primeros intentos de la improvisación no tienen éxito, no te rindas inmediato, mantener a la misma. Con un poco de la escucha y la práctica seria usted puede desarrollar las habilidades que necesita para sonar bien en cualquier tono.

Sea objetivo Tenga en cuenta que debe ser objetivo en tu intento de estas habilidades. A menudo comparamos inmediatamente nuestros primeros esfuerzos en una habilidad con el producto terminado en el ojo de nuestra mente. Por ejemplo, a medida que completamos nuestros primeros intentos débiles en el dibujo, comparamos inmediatamente las marcas en la página con la definición del arte en nuestra mente - por lo general la obra de arte que cuelgan en las paredes de los museos. Porque nunca coincide, nos desanimamos y mentalmente concluir que no tenemos ninguna habilidad. Usted puede haber tenido la misma experiencia con la improvisación, como a menudo he tenido. Cuando usted está trabajando en una canción para un rato y luego escuchar a un gran jugador de improvisar en el mismo tono, el contraste es como la noche y el día. "¿Por qué no son mis líneas que suenan como Trane de? Soy muy malo! " En estos casos, recuerde que usted está desarrollando sus habilidades, y esto lleva tiempo. El jugador que está escuchando en sus discos favoritos ya ha desarrollado y perfeccionado estas habilidades; lo que estás escuchando es el producto terminado. Usted tiene la capacidad de improvisar, sólo se encuentran en una etapa diferente en su desarrollo. Donde quiera que esté en su nivel de habilidad, usted tiene el potencial de mejorar. Empuje a ese siguiente nivel desde el último lugar en que lo dejó, si se trataba de sesión de entrenamientos de ayer o una vez hace años.

¿Qué te motiva para jugar? El quid de todo lo que corresponde a esta pregunta: ¿Por qué quieres que improvisar? Antes de ir por el camino de aprender a improvisar y seguir jazz, identificar exactamente qué es lo que te motiva a jugar. Si nos fijamos en los grandes improvisadores, tienen un fuego interior cuando se trata de la música y se esfuerzan constantemente para mejorar. Simplemente deben reproducir música e improvisar; no es una opción. Este factor por sí solo es la clave para tener éxito en la improvisación, y puede transformar cualquier jugador en un gran improvisador. Entre los músicos sin embargo, usted encontrará que todo el mundo tiene una razón diferente

para la consecución de la improvisación: Algunos están tratando de mejorarse a sí mismos en una zona que sientan se carece, algunos están cumpliendo con los requisitos para un título universitario, algunos están impulsados ​por el deseo de ser mejor que otros, algunos quieren ser el mejor en algo, algunos son a probarse a sí mismos, y algunos están tratando de mantener una imagen. Competición, plazos, presiones sociales, y los otros aspectos mencionados, sobre todo, empujan a mejorar. Sin embargo, estos no deben ser las principales razones por las que usted está tocando música. Eventualmente estas razones para jugar se quedan cortos: siempre habrá alguien mejor que tú, te gradúes de la escuela, lo que demuestra las cosas a los demás va a perder su atractivo, etc. Al final del día, el factor crucial es cómo se siente acerca de la música. Si estás inspirado por el oír, la práctica, y la realización de jazz, a continuación, la improvisación puede ser una actividad muy gratificante donde quiera que estés. Usted puede estar escuchando algunos registros, trabajando en una canción en la sala de ensayo, o la realización de un público entusiasta, y el resultado será el mismo. Usted se sentirá entusiasta y emocionado por dedicarte a esta música que te gusta - y esto es un factor que sin duda va a crear un cada improvisador éxito.

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Pegado a cambios de ritmo? Aquí hay 4 Conceptos Coltrane Eso te liberaré Publicado por Eric En 17 de diciembre 2015 @ 14:26 En Acordes, Tunes | Comentarios discapacitados

Cada improvisador tiene que enfrentar en algún momento ... Estamos hablando de los 32 bares de música que usted conoce como cambios de ritmo. Claro que es bastante fácil de cantar la melodía ... Y usted ha oído todas las grabaciones de músicos famosos que juegan círculos en torno a esta progresión de acordes familiar. Pero cuando se trata de improvisar sus propios solos puede ser difícil. Una sola escala no funciona y los acordes están cambiando demasiado rápido para pensar en la teoría de la música o las líneas de lujo que ha memorizado. Para un gran sonido en esta melodía que necesita algo más ...

Es hora de aprender de un experto Entonces qué vas a hacer?

Usted puede mirar en los libros de patrones. Usted puede pensar en la teoría de la música. Usted puede incluso tratar de fingir con algunas escalas. Pero eso no no es la música ... al menos el tipo que pagaría para escuchar en un concierto. Para empezar a jugar de la manera que ha ocurrido, que necesita para obtener respuestas de alguien que sabe lo que están haciendo. Y eso significa que la búsqueda de las mejores grabaciones y aprender por qué esos jugadores suenan muy bien. Al transcribir el solo de un maestro de la música y averiguar por qué funciona es como tener un mentor que te toque en el hombro para decir: "Oye, en lugar de esas cosas que has estado jugando, trate de jugar de esta manera!" Echemos un escuchar en solitario de John Coltrane en Oleo del álbum relaxina "con el quinteto de Miles Davis:

Suena muy bien, ¿verdad? Ahora, ¿qué se puede aprender de este solo que va a cambiar su propio juego? Hoy vamos a romper cuatro conceptos clave de solista de Coltrane para averiguar por qué suena muy bien. En el camino le daremos algunos ejercicios prácticos esenciales para el desarrollo de estas técnicas en sus propios solos. Empecemos…

I) Improvisando sobre la I-VI-ii-V de

El primer paso para improvisar sobre Rhythm Cambios es aprender a jugar más de una sola progresión de acordes ... I - VI - ii - V7. Esta progresión de acordes no podría ser tan importante a primera vista, sin embargo, es en casi todos los estándar que vas a jugar. De Ritmo Cambios a los azules a los plazos de entrega en un sinnúmero de normas se trata de una progresión que usted necesita para dominar. En la clave de Bb, I-VI-ii-V7 se ve así:

Así que ¿cómo va a sonar bien en esta progresión? Bueno, como cualquier obstáculo musical, encontrar un jugador que suena muy bien y averiguar por qué sus líneas de trabajo. Y aquí es donde viene ese solo Coltrane en práctico. Al escuchar el solo que probablemente pensó que sonaba muy bien, pero tal vez demasiado complejo. Sin embargo, si usted escucha más de cerca se dará cuenta de que él está utilizando los mismos dispositivos musicales y otra vez. Aquí hay 3 formas que Coltrane juega sobre estos acordes utilizando los mismos conceptos melódicos y armónicos:

Observe cómo Coltrane utiliza los mismos dispositivos en las 3 líneas: Recinto en la C F Bebop escala que conduce a la F7 Cambiar Melódicamente dirección para añadir interés Escucha la segunda línea y tenga en cuenta la forma en que encierra el C y utiliza una escala F Bebop para llegar a la F.

Juega las raíces de la I-VI-ii-V progresión en los 12 teclas Reproducir la tríada de cada acorde en cada llave (ex. Bb tríada, G tríada, do menor tríada, M triada) Escoja uno de los 3 Coltrane líneas de arriba y memorizarlo en clave de Bb. Comience con el metrónomo en el trimestre = 60-70 y aumentar gradualmente el ritmo hasta que pueda jugar junto con la grabación. Ahora aprender esa línea en todos los tonos, a partir de Bb y moviéndose hacia arriba o hacia abajo por medio paso.

II) Tritone Sustitución

Un método que Coltrane utiliza para añadir algo de interés armónico de sus líneas es la sustitución tritono. Simplemente sustituyendo el acorde V7 en una progresión con un acorde de un tritono de distancia. Por ejemplo, en un ii-V7 - I en la tonalidad de Bb, el acorde F7 sería sustituido con un B7:

Usted probablemente ha oído hablar de los jugadores bebop utilizando sustituciones tritono como una técnica de rearmonización, pero la técnica de sustitución de acordes, especialmente insinuaste melódicamente, es algo que todos los grandes jugadores hacen. Echa un vistazo a cómo Coltrane utiliza esta técnica en su solo en Oleo:

En lugar de seguir la progresión de acordes estándar, se sustituye una Db7 para G7 y B7 para F7.

Tome otra escuchan esos submarinos tritono (esta vez a una velocidad más lenta):

Nótese cómo esta progresión sustituido crea un movimiento descendente cromática raíz de Db7 a C a B7 de Bb. Coltrane utiliza este movimiento medio-paso en su solo en la línea de abajo. Esencialmente pensando en tres grandes tríadas en una fila - Db, C y B que se resuelven a Bb en el siguiente

compás.

Visualice el acorde sub tritono para cada acorde V7 en todos los tonos, por ejemplo G7 >> Db7 Ahora visualiza la sustitución tritono dentro de una progresión ii-V7-I en los 12 teclas Su capacidad de utilizar estos sonidos en tu solo depende de lo rápido que se puede ver en su mente así que asegúrese de que usted pasa tiempo visualizando cada tecla! Tome una de las sub tritono Ideas Coltrane y practicarla en todos los tonos

III) ii-V en el puente

El próximo reto de improvisar sobre cambios de ritmo es el puente ...

Ocho bares de acordes V7 se mueven en torno al ciclo de cuartos que vuelven cada coro. ¿Qué es exactamente se supone que debes jugar sobre estos acordes ??

Esta pregunta tocones muchos improvisadores. Una secuencia de acordes dominantes que conducen a la derecha en otros acordes dominantes. ¿Usted acaba de cortar y pegar las escalas? No si quieres sonar musical. Vamos a ver lo que Coltrane juega la primera vez a través del puente:

La razón de que esta línea suena bien es que él está jugando lenguaje musical, no escalas. Y la razón de sus líneas tienen el movimiento hacia adelante es que él está pensando en ii-V de ... Sobre cada dos barras dominante 7 de acordes que está implicando un ii-V7 en cambio un acorde dominante estática. Por ejemplo, durante el acorde G7 juega re menor a G7:

El concepto puede de jugar ii-V7 en lugar de sólo V7 puede ser aplicado a cualquier acorde V7 que te encuentres. Comience visualizando el acorde ii relacionada para cada sonido V7 (ex. G7 >> D-) Tome el puente de Rhythm Cambios en Bb y visualizar un ii-V7 sobre cada 2 bar V7 acorde. Para ello, en todos los tonos. Ahora tome una línea ii-V7 que usted sabe y aplicarlo al puente de cambios de ritmo.

IV) Dando a entender menores y mayores sobre V7

Otra forma en que Coltrane se acerca estos acordes dominantes estáticas en el puente es del grado de la escala b7. Por ejemplo, un Do Mayor sonido sobre un acorde D7.

Práctica acercarse acordes V7 del grado de la escala b7. Puede comenzar con arpegios u otro idioma importante que usted ha desarrollado. (Este es el mismo concepto que de Fats Navarro desempeñado por el puente de cambios de ritmo que nos miramos en este post!)

Práctica visualizar el acorde ii relacionada para cada acorde V7 en las 12 teclas (ex. D7 >> A-) Visualiza un arpegio importante del b7 de un acorde dominante en cada llave (ex. G7 >> FACE) La práctica de aplicar lengua menor que sabes acordes V7 más afines en sus solos Juega un importante 7 arpegio de la b7 de cada acorde V7.

Ahora es tu turno Con estos cuatro conceptos Coltrane tendrás material más que suficiente para ir a la sala de prácticas. Y si se pone estas ideas para trabajar en su juego usted comenzará a ver cambios de ritmo en una nueva luz.

Sin embargo, la práctica de estos conceptos es sólo el primer paso ... Recuerde que, a sabiendas de la teoría detrás de cada uno de estos conceptos no es suficiente. Usted necesita el lenguaje para hacerlos musical. Comience por conseguir inspirado con las melodías que Coltrane tocó y luego encontrar nuevas formas de crear su propio!

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En declaraciones a la escucha: 4 maneras de realizar con más eficacia Publicado por Eric En 10 de enero 2011 @ 06:49 am En Consejos para todos, la inspiración, la perspectiva, Consejos | No Comments

Hemos conciertos que nos han afectado en gran medida todo visto y dejó una impresión duradera en nuestra percepción musical e incluso nuestras vidas. Actuaciones que parecen trascender la etapa a otra forma de comunicación y se pegan con nosotros mucho tiempo después de que el espectáculo ha terminado. Es como si ciertos grupos o artistas tienen una extraña habilidad para tomar el control completo de la atención del público, la comunicación con el oyente en múltiples niveles. Pero ¿cómo se llega a este nivel? ¿Qué se necesita para hacer de este un gran impacto en los oyentes? ¿Qué había en aquellos grupos que les hizo especial? La respuesta está en las reglas de la comunicación entre el intérprete y el oyente. Cuando se trata de la comunicación de ideas, no hay mejor fuente para mirar luego las técnicas de los grandes oradores. Oradores consumados tienen la capacidad de conmover al público, por parte del oyente individual a grandes grupos de personas. A lo largo de la historia de discursos importantes y oradores notables han facilitado el cambio a través del poder del lenguaje y incitado movimientos a través de la entrega de tacto de un mensaje. El poder real está en tomar una idea o mensaje y la elaboración de una manera tal que tendrá un impacto sobre quien puede estar escuchando. Dirigiéndose a una audiencia es esencialmente un tipo de rendimiento, similar a improvisar, en

el que un mensaje se entrega a través del uso de un lenguaje para el oyente. Tanto en el discurso público y la improvisación, el objetivo es el mismo - para efectuar el oyente con las ideas y emociones.

Usted tiene que comenzar en alguna parte Las luchas de un improvisador que comienza se parecen mucho a las luchas de un orador novato. En ambos casos, usted está realizando el material desafiante que aún así tiene que amo, en frente de una audiencia imponente. Como usted primero comienza a realizar, el público más a menudo que no, se siente como una fuerza que provoca el miedo en lugar de un grupo abierto de gente con la que compartir sus ideas. Un orador novato, por ejemplo, se une a la voz en la página, se centra más la atención en la auto-consciente voluntad de no cometer un error y luego la conexión real con el oyente. En esta etapa, la pronunciación de cada palabra requiere diligencia. Intenso enfoque se concentra en pequeñas partes del discurso, como las palabras y frases en lugar de las formas más grandes y principales puntos del mensaje. Lo mismo es cierto para comenzar o improvisadores inexpertos. Muchos están mirando fijamente a una hoja de la música durante una actuación y tratando de salir adelante sin tocar una nota equivocada. En lugar de pensar en frases largas y grandes sectores de la melodía, los principiantes están pensando en las notas individuales de una escala y que acorde de tonos para jugar. La mitad de la batalla en el rendimiento es alcanzar ese nivel de competencia en la que usted no tiene que pensar en la técnica mientras estás en el escenario. Una vez que usted comienza a adquirir un poco de técnica y experiencia, el desafío que queda es encontrar una manera de entregar claramente que el mensaje a la audiencia. En todos los grandes discursos, así como los solos improvisados, ciertos elementos clave en la preparación a través de la entrega de ayuda para crear una gran actuación, y no todos estos elementos son los que se puede escuchar siempre. Mediante el análisis de los dispositivos y los rasgos de los grandes oradores y su implementación en cada actuación, podemos mejorar nuestra comunicación musical con el oyente.

I. Preparación Por lo general me lleva más de tres semanas para preparar un buen discurso improvisado. ~ Mark Twain Un mito del jazz que persiste sobre improvisadores es que inventan material completamente nuevo en el punto cada vez que en solitario, sin ningún tipo de preparación. Esto simplemente no es verdad; detrás de cada gran solo improvisado, son incontables horas de preparación enfocada. Grandes actuaciones no surgen de la nada, que es lo que está sucediendo en la sala de prácticas y ensayos que dicta lo que sucederá en el escenario. La confianza que viene con una preparación rigurosa es la primera clave de cualquier gran

rendimiento. Cuando usted se ha preparado el material o se practica una habilidad al máximo de su capacidad, se pueden realizar de forma segura en su pico. Al escuchar a cualquier gran orador, tienen una manera inconsciente de la conexión directa con el público, por lo que el acto de una actuación difícil parece fácil y completamente natural. En estos casos, el altavoz por lo general tiene el material memorizado, es seguro con el tema, y ​se asegura de que atraer a la audiencia. Estos son todos los subproductos de un discurso bien preparado y ensayado. El que habla es completamente familiarizado con los principales puntos de la palabra y, a su vez los ejecuta sin problemas. Los mismos rasgos también son ciertas de un gran solista o un grupo increíble. Piense en la última gran espectáculo de jazz que has visto: ¿Dónde los solistas de lectura de los cambios a medida que improvisan? ¿Fue el grupo seguro de entradas o señales? ¿Los solistas parecen no darse cuenta de la sección de ritmo? Fue el grupo improvisado o descuidado? Probablemente no. Grupos que son emocionantes para ver y emocionalmente movimiento son los que han ensayado hasta el punto en el que puedan ser completamente creativo en el escenario, tomando riesgos con la música y la búsqueda de recompensas. Esto es cierto para grandes improvisadores también. Si usted ha invertido el tiempo en la sala de la práctica en todos los aspectos de su musicalidad, cuando usted consigue en el quiosco de música, en realidad se puede ser creativo y atractivo para el oyente.

II. Dígale a su propia historia Nada se detecta más directamente por un oyente que la convicción absoluta de un altavoz. Cuando alguien está hablando acerca de las ideas que se sienten fuertemente para, es muy obvio, casi infecciosa a todos los presentes. Al igual que los solos improvisados, los discursos que son significativos son los que son original y genuino, no sólo para el altavoz, pero a todo el mundo escucha. El objetivo es una actuación que crea en el momento e incorpora todos, intérpretes y oyentes por igual, en una experiencia compartida. El hombre elocuente es el que hay altavoz hermoso, pero que se bebe por dentro y desesperadamente con una cierta creencia. ~ Ralph Waldo Emerson El orador que habla desde su corazón no es diferente al improvisador que está realmente jugando lo que oyen y sienten. Cuando está completamente absorbida por una idea o una emoción, artistas rara vez cometen errores o tropiezan con palabras como si tratara de recordar un pasaje memorizado, pero realizan con una convicción palpable que se traduce en que cada persona en la audiencia. Así como usted puede decir cuando un discurso memorizado palabra por palabra, es obvio si un solo ha sido memorizado y se está reproduciendo nota por nota. Es importante recordar que usted está diciendo a su propia historia cada vez que vaya a tocar un solo, no regurgitando pensamientos de otra persona e ideas en cuenta para la nota.

No hay nada más doloroso que el predecible discurso de graduación de la escuela secundaria llena de citas de Robert Frost. De la misma manera, un improvisador copiar una nota en solitario transcrito para la nota es simplemente no estimular o cautivante. A pesar de que nos enteramos a través del proceso de transcribir grandes solos, todavía tenemos que crear nuestro propio sonido e identidad como improvisamos.

III. Emocionalmente atraer a la audiencia A veces los peores discursos que has visto son aquellos en los que el hablante es visiblemente excitado sobre el material, y esto se traduce directamente a todo el mundo escuchando, haciendo que el discurso de un verdadero lastre. En estos casos, los hablantes suelen hablar en un acento mono-tonal y rara vez se hace contacto visual con el público. Realizando no puede ser una acción de auto-absorción en la que sólo estás preocupado con su propio juego o la forma de ver el solo. Un hecho que a menudo olvidamos es que estamos jugando para un público, transmitiendo ideas y emociones a través de nuestra música al oyente. Después de horas pasaron solos, que practica en una habitación pequeña, es fácil olvidar que en realidad hay gente que escucha a nosotros cuando estamos en el escenario. Como usted se encuentra solos, recuerde utilizar la dinámica, el espacio y las técnicas expresivas a través de su instrumento para transmitir su mensaje de una manera que demuestra que en realidad se refiere a lo que se está jugando. Si crea un solo que es expresivo, así como armónicamente interesante, será mucho más eficaz.

IV. La entrega es tan importante como el contenido Ya sea que estés hablando o tocando un instrumento, a menudo los factores que no tienen que ver con el contenido del mensaje que captar la atención de un oyente más. Por ejemplo, un hablante puede tener las más interesantes o controvertido tema en el mundo, pero si el material no se entrega con claridad o de forma dinámica, que sólo está a la altura. Hay una serie de obstáculos que pueden causar este bloque en la comunicación: el hablante puede haber leído en un pedazo de papel, murmuró cuando hablaban, el contacto visual evitado con el público o incluso carecían de un entusiasmo personal y la pasión por el tema por completo. Cualquiera que sea el caso, en situaciones como esta es muy difícil hacer una conexión emocional con el altavoz o incluso encontrar la motivación para seguir escuchando. El mismo principio se aplica a la improvisación también. Usted puede estar jugando el solo más de moda en el mundo, pero si ciertos aspectos de su juego son cada vez más en el camino de la entrega, el oyente se le apagó. Aquí hay cuatro cosas que harán una diferencia como de entregar su mensaje musical a la audiencia:

Sonido - Este es el primer aspecto de tu solo que el oyente escucha. Si usted está fuera de tono o jugar con la mala calidad del tono, se apagará al oyente a las notas que en realidad estás jugando. Al igual que la voz de un gran orador, usted quiere que su sonido sea claro y proyectado, amplificando (no distorsionar) las ideas musicales en su solitario. Articulación - Es difícil de entender un altavoz que murmura de la misma manera que es difícil de escuchar cada nota en una línea descuidado. Asegúrese de enunciar las líneas en su solitario articulando con claridad. Muchas veces, la articulación puede hacer la diferencia entre una línea que es simplemente bueno para uno que crea un fuerte impacto. Tiempo - De igual importancia al sonido, es el momento y el contenido rítmico de sus frases musicales. Corriendo a través de sus ideas o ser rítmicamente al tanto de sus líneas es equivalente a jugar con un mal sonido, no importa lo que toque, la audiencia será desinteresada. Enunciado - Trate de pensar en grandes trozos de tiempo, en lugar de notas o lame individuales. Solistas, como altavoces, que utilizan líneas disjuntas o trozos de lenguaje azar reconstruido son difíciles de seguir y muchas veces no tienen sentido. Apunta a una estructura de frase que es lógico: indicando una idea, desarrollar esa idea, la utilización del espacio, llegando a un clímax y resolución de cualquier tensión.

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Curar el síndrome Confusión Acordes Publicado Por Forrest En 13 de enero 2012 @ 24:07 En Acordes | No Comments

En una reciente pregunta de un lector, me pregunté por qué en muchos ejemplos en este sitio puedo denotar el iii acorde en un iii Vi ii V as-disminuí medio?

Esta es una excelente pregunta. En muchas láminas de plomo que vea el iii acorde denotado como libros de teoría menores y muchos afirman que el iii acorde siempre debe ser menor porque así es como le derivarla de la llave tónica. Así que, lo que es correcto? Vamos a llegar tarde ... Lo que tienes que recordar por ahora es que los acordes son sonidos. Casi parece tonto de decir eso, pero a menudo se olvida ese simple hecho. Acordes no son sólo símbolos en papel. Ellos están viviendo, respirando, entidades auditivas que trabajan en conjunto para crear una progresión. Una progresión "funciona" porque un acorde empuja a la siguiente. Es por eso que se llama

una progresión ... que avanza. Es este sentido de movimiento hacia adelante dentro de progresiones que le permiten hacer muchas decisiones diferentes sobre lo que los acordes que usted juega en concreto en un momento dado.

Láminas de plomo que están llevando por mal camino Recuerdo que hace años aprendiendo canciones de grabaciones de juego, junto con la música escrita en frente de mí y no importa qué, yo no era capaz de sonar "bien". Finalmente me encargué de aprender una de las canciones que estaba trabajando directamente de la grabación. Al principio, le tomó mucho más tiempo y yo estaba terriblemente frustrado, pero tiene mucho más fácil. Y entonces, me di cuenta, espere un minuto, el piano no está jugando los acordes en la hoja de plomo y el solista definitivamente no está jugando los acordes en la hoja de plomo. ¡¿Que esta pasando?! Resultó que lo que me estaba frenando estaba usando la hoja de plomo como mi hoja de ruta. La lámina de plomo tenía algunas manchas en ella donde los acordes no necesariamente tienen sentido para mí. ¿Sabes esos lugares donde se pregunta cómo un acorde es llegar a la siguiente? Aquí hay un gran consejo: la progresión debe tener sentido. En general, los solos que he transcrito ilustran el solista tocando, progresiones lógicas fuertes. Si los acordes en la hoja de plomo no son lógicas, que es su primera pista de que es necesario estudiar la grabación y que la lámina de plomo que está dirigiendo en la dirección equivocada.

¿Dónde vas importa más Para responder a la pregunta a los lectores, en un iii Vi ii V, que podría jugar el iii acorde como medio disminuido o menor. Ambos son aceptables y existen ejemplos abundancia de los grandes que hacen ambas cosas. ¿Por qué trabajar tanto? Ambos trabajan porque lo que importa más de cada acorde individuo es la suma de sus partes: la progresión en su conjunto y hacia dónde se dirige hacia. En un iii Vi ii VI, cada acorde empuja lógicamente hacia la siguiente, sin embargo, hay muchas maneras de ver esta progresión. Se podía escuchar el iii Vi como una unidad de la resolución de la Segunda y la V resolviendo I. Se podía escuchar cada acorde resolver al siguiente acorde. O usted podría escuchar toda iii Vi ii V resolviendo I. Pueden todos parecen lo mismo, pero implican diferentes enfoques. Usted pregunta por qué me llamo la iii un acorde medio disminuido la mayor parte del tiempo. Es porque oigo el iii Vi empuja fuertemente hacia el acorde ii, por lo tanto, a menudo me hago un menor ii V en lugar de una importante V. ii

Transcribir un blues por uno de sus héroes y prestar especial atención a lo que hacen en el octavo bar y el undécimo bar. La mitad disminuidos aquí llegamos. O echa un vistazo en solitario de un cambio de ritmo, específicamente en tres medidas y medir siete. Usted escuchará diferentes solistas juegan la iii en el iii Vi a veces como un acorde menor y, a veces como un acorde medio-diminuto. Escuche cuando juegan todos y tratar de averiguar por qué hacen esa elección en particular en ese momento en particular. Lo que más importa es a dónde vas. Por supuesto que no sólo puede tocar cualquier cosa para llegar a ese punto, aunque mucha gente lo hace;). Entender que estos grandes cadencias son. Por ejemplo, en un blues, la quinta medida es una gran cadencia a IV. Todo se juega hasta que punto es acerca de usted para llegar al acorde IV. Una vez que sabes donde estas grandes puntos son, es fácil de escuchar diversas formas de llegar a ellos.

Puede tomar muchas rutas al mismo lugar Dependiendo de lo que quiere expresar en base a lo que estás escuchando en ese momento, usted puede elegir jugar un acorde en lugar de otro Sí, la hoja de plomo dice una medida en particular pertenece a un acorde en particular, pero es que realmente el caso? El pianista toca la fibra sensible, pero no que mantenerlo toda la medida? Por supuesto no. Eso sería aburrido y banal. Ellos juegan un acorde para un compás, luego otro, y luego anticipar otro acorde de un golpe y así sucesivamente. La armonía no es un avión no tripulado. No es estática. Es dinámico y emocionante. Es sobre el movimiento y el movimiento hacia adelante. Debido a que la armonía se juega de esta manera, deja mucho espacio para la exploración. Esto no significa que usted debe jugar lo que quieras y hacer caso omiso de los acordes. Lo que significa es que usted no debe sentirse en caja para jugar siempre las mismas progresiones de acordes para llegar de una parte de una canción a otra. Al escuchar la armonía de una melodía de una grabación en lugar de mirar las hojas de plomo, se escucha que la armonía no es exactamente lo que conceptualiza de la carta escrita. Usted escuchará esta naturaleza dinámica del sonido y entender cómo cada sonido se mueve a la siguiente.

Alejarse de láminas de plomo que están llevando por mal camino, averiguar los grandes puntos de cadencia de una melodía y saben que esas son fundamentales para el marco de la melodía, y escuchar cómo sus héroes toman rutas alternas al mismo lugar coro después de estribillo. Con estos pasos clave, su conocimiento de las progresiones de acordes se extenderá su libertad armónica y melódica en lugar de domar su creatividad y causando una gran confusión.

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De Clark Terry 3 pasos para el Aprendizaje Improvisación Publicado por Eric En 09 de junio 2011 @ 06:28 am En la inspiración, jugadores, rutinas de práctica | Comentarios discapacitados

Clark Terry es una de las leyendas vivas de esta música. Ha tocado con todos los grandes nombres del jazz en el último medio siglo de la talla de Count Basie, Duke Ellington, Thelonious Monk, Oscar Peterson, a Ella Fitzgerald ... la lista podría continuar para siempre. Con una rica carrera tan rendimiento que abarca más de seis décadas, continúa a jugar con los mejores músicos de la actualidad e inspirar y próximos improvisadores. Durante la escuela, tuve la suerte de tener una lección improvisada con el maestro de la trompeta. Una noche después de un ensayo para un concierto, Clark entró sin avisar a las salas de práctica en nuestra escuela en busca de impartir un poco de sabiduría a algunos aspirantes a músicos. Antes de darme cuenta estaba sentado pulgadas de campana de Clark Terry y él me estaba enseñando una canción por el oído. Ese sonido que había escuchado durante años en expediente estaba saliendo de un cuerno de un pie de distancia de mí. Fue una experiencia que siempre recordaré. No sé lo que era más impresionante, el hecho de que yo estaba sentado con una leyenda del jazz o de que Clark, de 89 años de edad, entró en las salas de ensayo de la escuela de música alrededor de las 10 de la noche para pasar el rato con los estudiantes de forma gratuita.

Bastante increíble, pero de nuevo Clark Terry se ha dedicado a educar a los jóvenes músicos de jazz durante décadas. El mentor de un joven de Miles Davis y animó a Quincy Jones como él estaba empezando como jugador arreglista y trompeta. Con un historial así, es seguro decir que él sabe algunas cosas sobre el aprendizaje de esta música. Si alguna vez has tenido la oportunidad de escuchar Clark hablar o asistir a una de sus clases magistrales, usted probablemente ha oído hablar de su toma en la articulación de jazz o de la historia de la música como él la vivió. Uno de los temas que a menudo se habla es la forma de abordar la improvisación aprendizaje. Para Clark Terry, el arte del jazz de aprendizaje se puede resumir en tres palabras: Imitación, Asimilación, Innovación. Clark explica esta idea en unos 20 segundos en el clip a continuación:

Suena bastante simple y directo, ¿no? Lo bueno es que esta idea en realidad es simple y fácil de comprender, sin embargo al llegar a trabajar, cada paso supone un serio estudio en profundidad y tiempo de práctica dedicada.

Imitación Imitación: Escuchar. Líneas de oído Aprender. Transcribir solos. La absorción de un jugador sensación, la articulación, y el tiempo. Aquí es donde todo comienza. La imitación es un primer paso esencial en aprender a improvisar, pero por desgracia, a menudo es pasado por alto por los principiantes debido a las escalas y la teoría son arrojados de inmediato en sus rostros. Mientras que usted necesita tener un sólido conocimiento de la teoría de la música, la verdad es que las escalas y acordes, no importa lo mucho que memorizarlas o correr arriba y abajo, no se van a convertir mágicamente en grandes

improvisaciones estilísticos llenos de largas colas y armonías interesantes. Para ello se necesita un modelo. La gran cosa sobre el jazz es que quien decide imitar es totalmente de usted. Tal vez usted cava sonido y articulación de un jugador, tal vez una línea de ii-V7 no convencional llame la oreja, o tal vez el camino solista utiliza el espacio en sus frases pueden ser algo que usted desea en su concepto personal. La imitación no es relegado a sólo ideas armónicas o incluso para los jugadores de su propio instrumento. Si te gusta lo que escuchas, aprender e incorporarlo en su juego. Imitando a los jugadores que usted ama, usted comenzará a entender la música en un nivel más profundo y comenzar a ver un sonido personal a desarrollar en su propio enfoque a la improvisación. Las preguntas que no pueden ser respondidas por la teoría de la música o los libros Etude, como la forma de jugar a las líneas más largas o cómo articular y el swing, se revelarán a medida que empiezan a imitar a los maestros.

Asimilación Asimilación significa inculcar estos matices estilísticos, dispositivos de armónicos, y las líneas que ha transcrito en su concepción musical. No sólo mentalmente entenderlos en el nivel de la superficie, pero realmente los conecta a la oreja y el cuerpo. Aquí es donde las horas de dedicación y trabajo vienen en. Entrar en la sala de ensayo y repetir estas líneas una y otra vez, cientos de veces, hasta que son una parte inconsciente de su concepción musical. Tome estas frases a través de todas las claves, todas las gamas, y todas las inversiones. Comience lentamente y gradualmente aumentar la velocidad hasta que se puede jugar fácilmente. No se sienta satisfechos hasta que pueda jugar estas líneas en su sueño. Esto no es un paso fácil de completar. Muchos de nosotros hemos tenido una mano o patrón en una llave y se inserta en nuestros solos como una manera fácil y rápida para que suene la cadera. Sin embargo, si usted es honesto consigo mismo, está claro que este enfoque es realmente limitar su juego - no transformarla. Robar una mano de un libro de solos transcritos o el aprendizaje de una línea en una sola tecla no se va a cortar. Usted necesita aprender estas líneas e ideas desde el registro y trabajar a cabo en las 12 teclas. Practique hasta que usted tiene hacia abajo frío y se pueden ejecutar en un abrir y cerrar de ojos. Una gran manera de interiorizar rápidamente las líneas y estilos que usted está tratando de absorber es cantarlas. Canta los ritmos, acentos, y los tonos exactos por lo que están primero arraigados en los oídos - incluso se puede hacer esto fuera de la sala de ensayo. Recuerde, cuando usted ha asimilado realmente algo, que está arraigado hasta el punto de que nunca lo olvidarás.

Innovación Creación de un enfoque fresco y personal a la música. Muchos músicos jóvenes quieren saltar a este paso tan pronto como empiezan a aprender a improvisar. Ellos quieren tener su propio concepto armónico y un sonido único en su instrumento desde el primer momento. Sin un modelo o en profundidad la concepción de la armonía y la melodía, sin embargo, será mucho más difícil crear un enfoque verdaderamente único. Aquellos que no quieren imitar nada, no producen nada. ~ Salvador Dalí La innovación es el resultado directo de horas y horas de imitación y asimilación. Echa un vistazo a los grandes innovadores que esta música ya ha visto. Cada uno de ellos pasó incontables horas estudiando armonía, solos, la forma, canciones, etc., a fin de realizar su propio concepto personal. Woody Shaw estudió los solos de Clifford Brown y Lee Morgan, y se incorporan técnicas idiomáticas con el saxofón en su propia improvisación. Coltrane dominado cómo jugar sobre las normas antes de que él se adentró en lo desconocido con su cuarteto. Antes de poder cambiar la historia y trazar su propio curso, usted tiene que saber algunas cosas acerca de lo que precedió. Los pasos de la imitación, la asimilación y la innovación no se limitan a la música "jazz". Tome cualquier estilo o concepto que resuena con usted y que se incorpore su interpretación a través de este proceso. Es posible que como las armonías de Ravel o los ritmos que se encuentran en la música tradicional de la India. Escucharlos, descifrarlos, analizarlos, practicarlos, y finalmente utilizarlos en formas nuevas e innovadoras en sus improvisaciones.

El legado de Clark Terry Clark Terry es uno de los maestros de esta música y un trompetista legendaria, pero su legado en la educación de los jóvenes músicos es tan rica como sus contribuciones en la trompeta. Incluso a la edad de 90, Clark sigue para llegar a los músicos más jóvenes y compartir su conocimiento de lo que se necesita para aprender y jazz en vivo. Dondequiera que vaya, se dedica a la transmisión de la tradición de esta música para los jugadores de hoy en día. Echa un vistazo a este vídeo de Clark dar algunas palabras de sabiduría para uno de nuestros amigos y antiguos compañeros de clase, Justin Kauflin:

El arte de aprender a improvisar mentiras en tres palabras: Imitación, asimilación e Innovación. Tómelo de Clark Terry, un maestro que ha vivido esta música y sabe lo que se necesita. Si te dedicas a este proceso, usted verá una mejora en su jugar inmediatamente y estará en camino de convertirse en el jugador que siempre has querido ser.

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Dejar de huir de su creatividad Publicado por Eric En 10 de septiembre 2015 @ 24:43 En Consejos para todos, Inspiración | Comentarios movilidad

Escucha cuidadosamente… ¿Puedes oír eso? Debajo de los pensamientos acerca de su factura de tarjeta de crédito y planes de la cena del próximo martes ... Más allá de la ansiedad acerca de que la próxima entrevista de trabajo y la frustración con su progreso muy lento en la sala de la práctica. Un leve murmullo burbujeando en su subconsciente. Una voz tratando de romper a través del ruido de su vida cotidiana. Estoy hablando de su voz creativa! La misma voz interior que has tenido desde que eras un niño ... La que soñaba. Eso veían las cosas de manera diferente y no estaba avergonzado de ser original. La voz que es honesto y sincero y salir a descubrir nuevas posibilidades. Tómalo o déjalo, esta voz creativa es la clave para entrar en su cuenta como un

músico. Más de técnica, un nuevo instrumento brillante, o incluso años de escolaridad es la única cosa que le hace único. Y eso es exactamente por qué necesita para empezar a escuchar a él ...

Hey escuchen! Todos tenemos una voz interior. El único problema es que no todo el mundo lo escucha. Algunas personas simplemente ignoran, algunos tienen miedo de arriesgar, y algunos dejaron la voz ahogada por obtener los detalles de la vida diaria. Sin embargo, para los que toman una inmersión en lo desconocido y confían en su intuición las posibilidades son infinitas. Esta voz creativa es lo que llevó a Beethoven a su quinta sinfonía, es el impulso que hizo que Miles Davis a mantener la búsqueda de nuevos sonidos, y el llamado que empujó Coltrane hacer A Love Supreme.

Estos individuos creativos aprendieron a escuchar su voz interior, para nutrir y seguirlo. Desde una pequeña chispa llegó una implacable campaña para crear algo nuevo y un deseo de compartir algo personal. Y lo mismo debería ser cierto para usted. Puede no ser un músico profesional y es posible que se acaba de empezar en su viaje musical, pero el hecho es la música es parte de tu vida. Hay algo que te llama para recoger a un instrumento, para actuar frente a una audiencia, y crear algo todos los tuyos. No deje que esta voz quedar silenciados por el miedo o la frustración y no dejes que se consigue aplastado por la rutina de la vida cotidiana. Así es cómo…

Comience con las cosas que te hacen emocionado ¿Está obligando a ti mismo para aprender melodías que odias? ¿Está reduciendo la posibilidad de improvisación para unos escalas y normas teoría de la música?

¿Está asentando por los mismos carruajes antiguos y otra vez? Entonces deja! El primer paso para liberar su creatividad es la eliminación de las cosas que están ahogando él. Usted necesita conectar con la razón por la que se sintieron atraídos por la música en primer lugar. El sonido de sus discos favoritos, la chispa creativa de la improvisación y la colaboración, una progresión de acordes y la melodía que te hace cantar ... Cada vez que usted toma su instrumento que debe sentir una oleada de entusiasmo y posibilidad. La música debe inspirar esta chispa creativa. Porque, en realidad, ¿por qué más quieres para reproducir música ?? Cuando esté conectado a esta voz interior lo sabrás. Estarás lleno de inspiración y significado, y aquí es donde sucede la magia. Y si no está bien, esa pequeña voz le hará saber también. En el camino, es inevitable que se encontrará en medio de una sesión de práctica difícil y largo proyecto. En lugar de perder la esperanza o renunciar a la frustración, tome un momento para recordar por qué lo estás haciendo. Visualice el resultado final en su mente y verse a sí mismo actuando en el escenario. Vuelva a conectar con ese entusiasmo y propósito y seguir empujando por delante.

Quiet la voz de la crítica En actividades creativas que no es las presiones externas que tenemos que preocuparse, es a nosotros mismos. Nos guste o no, usted es su propio peor enemigo. Intente algo creativo y te vas a encontrar una voz interna que criticar a todos tus movimientos. "Ahh que solo era malísimo!" "No lo hagas lío. No tocar las notas equivocadas. ¿Qué pasa si me equivoco en el escenario? " "Mis composiciones no son lo suficientemente bueno ..." La superación de esta lucha interna es una de las principales barreras para su potencial creativo. Debido a crear en el momento en que se necesita para que las ideas se desarrollan libremente, sin juicio o consecuencia. "Cuando plantamos una semilla de rosa en la tierra, nos damos cuenta de que es pequeño, pero no criticamos como" sin raíces y sin tallo. "Nos tratamos como una semilla, que le da el agua y el alimento necesario de una semilla. Cuando primero se

dispara fuera de la tierra, no condenamos como inmaduros y subdesarrollados; ni tampoco criticamos los brotes por no ser abierta cuando aparecen. Estamos maravillados en el proceso de toma de su lugar y dar a la planta el cuidado que necesita en cada etapa de su desarrollo. La rosa es una rosa de las veces es una semilla a la vez que muere. Dentro de ella, en todo momento, que contiene todo su potencial. Parece estar constantemente en el proceso de cambio; sin embargo, en cada estado, en cada momento, es perfectamente correcto, ya que es ". ~ El juego interior del tenis Trate a sus ideas creativas como una semilla que has plantado. Claro que no se parecen mucho ahora, pero nutrirlos y pacientemente dejarlos crecer. Usted debe resistir la tentación de criticar a ti mismo y te compares con otras personas. Tu solo no puede sonar como los de sus discos favoritos, sus composiciones no pueden hacer frente a los clásicos, y usted puede tomar más tiempo que la mayoría de aprender lo básico. Pero ser paciente y darse tiempo para desarrollarse sin juicio. Porque si se le da a estas críticas, la verdad es que usted corre el riesgo de no crear nada ni intentar nada nuevo.

Recuerde, la creatividad no es sólo para la música ... Su voz creativa es vital para actividades musicales o artísticas. Pero eso no es todo lo que es bueno para .... Su voz interior le ayudará en su vida profesional, su vida personal, y cualquier otra cosa que te propongas. Cuando se conecta con la fuente de su creatividad eso te hace más feliz. Le ayudará a encontrar soluciones a los problemas y le mostrará cómo perseverar y tener éxito. Vas a tener un propósito que comienza dentro de sí mismo y no de una fuente externa. Recuerde, los seres humanos no están hechos en una cadena de montaje. Todos tenemos algo que ofrecer, una perspectiva única que es totalmente nuestra. Músicos, científicos, empresarios, diseñadores, escritores, profesores ... La creatividad es el impulso que lleva a la creación de grandes cosas. Y todo comienza con una vocecita que te está diciendo que ser diferente. Una voz que no quiere seguir las instrucciones y está buscando una nueva manera de acercarse a las mismas cosas. Su voz creativa está pidiendo a improvisar, sólo tienes que escuchar.

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Desarrollar un sentido más fuerte del Tiempo: El uso de un metrónomo, el 2 y 4 Publicado Por Forrest En 01 de marzo 2011 @ 12:39a.m. En Tiempo | 1 comentario

Los aspectos armónicos y melódicos de la práctica de la improvisación del jazz ocupan la mayor parte de nuestro tiempo. En consecuencia, el desarrollo de un fuerte sentido del tiempo queda en el camino. Soy tan culpable como cualquier otra persona, pensando que de alguna manera, sólo se haría cargo de sí mismo. Por desgracia, las cosas no funcionan de esa manera. Las personas que tienen "gran momento" no llegaron allí por casualidad. Se centraron intensamente en lograr una profunda comprensión y un conocimiento práctico de tiempo a través de horas de práctica dedicada. Siga estos pasos y usted estará bien en su manera.

Paso 1: Aprender a escuchar clics del metrónomo como 2 y 4 Establezca su metrónomo a 60 lpm. Después de un clic va por decirlo en voz alta, "1" Por lo tanto, será algo como esto: "haga clic en" ... "1". Esto obliga a vuestro oído para escuchar el siguiente clic del metrónomo como ganarle 2. A continuación, tratar de verbalizar todos los tiempos. Después de un clic, decir "1", y luego, durante el siguiente clic decir "2." Entonces decir "3", seguido de decir "4" al unísono con el clic del metrónomo. Se ve así: Oye un clic ... y luego decir "1", escuche un clic al mismo

tiempo que dice "2" ... Decir "3" ... oiga un clic al mismo tiempo diciendo "4." Una vez que obtenga confianza verbalizar con los clics, mover la voz en su mente. Así que, en vez de decir cada número de compás, oír los números y los clics en su mente. Practique escuchar los números de ritmo y los clics en su mente hasta que es una segunda naturaleza para escuchar los clics en los 2 y 4. Poco a poco, aumentar el ritmo de unos latidos por minuto a la vez. Si ha iniciado en 60bpm, progresar a 63 o 65, asegurándose de estar en un tempo que todavía se puede escuchar con confianza los clics en los 2 y 4. Mantenga aumentar el ritmo de juego, un poco a la vez, de pasar varios minutos en cada incremento hasta llegar a algún lugar alrededor de 104bpm. No es tan difícil como parece para empezar la audición de esta manera. A los pocos días de trabajar en él, será casi al fácil como escuchar los clics como 1 y 3.

Paso 2: Aprende a jugar con los clics del metrónomo los días 2 y 4

"Tengo a veces utilizan un metrónomo días 2 y 4. me deprimo cuando lo hago porque me apresuro. Es [jugando con un metrónomo los días 2 y 4] no ayudar. "-Michael Brecker Después se puede escuchar cómodamente los clics del metrónomo como late 2 y 4, seleccione una pieza de lenguaje del jazz que ha transcrito. Tal vez una línea V ii que usted ha adquirido de una de su jugador favorito. Ahora, ajustar el tempo de 60bpm y jugar la línea con el metrónomo 2 y 4. Utilice las mismas técnicas que utilizó anteriormente para escuchar los clics como 2 y 4. Si activa accidentalmente el ritmo en todo, por lo que los clics 1 y 3 , no te preocupes por eso. Sólo parar y volver a calibrar su oído para escucharlos de nuevo como 2 y 4. Al igual que hizo con el ejercicio audiencia, aumentar gradualmente el ritmo de juego unos pocos latidos por minuto a la vez hasta que llegue hasta 104bpm. Siempre se puede ir más rápido en el futuro, pero 104bpm es un buen lugar de partida para aspirar. Es difícil al principio, pero mantener a la misma. Practicar con 2 y 4 de esta manera le ayudará a bloquear con la sección rítmica y te darás cuenta de resultados positivos en su juego casi de inmediato. Y no se limita a la práctica de las líneas. He utilizado una línea por el bien de fines de ilustración, pero sólo pudiera ejercer como fácilmente escalas, una melodía, o

cualquier otra cosa tu estás trabajando en la misma forma. Como Brecker dicho, practicar con un metrónomo los días 2 y 4 ayuda. Si le ayudó, le ayudará a cualquier persona en el planeta.

Paso 3: Aprender a iniciar frases en cualquier lugar de una medida con el metrónomo los días 2 y 4

"He desarrollado la capacidad de iniciar cualquier lugar en el bar y se prestó a una nueva actitud entera de variación constante. Me gustaría empezar con la primera barra, que no empiezan en uno, sino ponerlo en marcha en la "y" de cuatro o de la "y" de tres ... "-Joe Henderson El siguiente paso en el desarrollo de un sentido más fuerte de tiempo es adquirir la capacidad de iniciar frases en diferentes partes de la barra. El desglose de la barra en corcheas es la forma más sencilla de acercarse a este. Para este ejercicio, seleccione de nuevo un pedazo de lengua de jazz que ha transcrita. Si no está ya, ajuste la línea para que se compone de 8 corcheas como en el ejemplo de la frase original a continuación. Ahora fijar su metrónomo a un ritmo lento, tal vez 60bpm-72bpm. Antes de jugar nada, escuchar los clics como late 2 y 4. A continuación, reproducir su frase original. Juega durante dos minutos seguidos. El uso de un temporizador ayuda a mantener el rumbo si usted tiende a la deriva. Después de 2 minutos, retire la primera corchea y jugar la nueva frase que comienza en la "y" de golpe 1 durante dos minutos, mientras que el metrónomo garrapatas lejos los días 2 y 4. Continuar para eliminar corcheas y pasar dos minutos en cada nuevo frase hasta que haya pasado por las ocho posibilidades, como se ilustra en el siguiente ejemplo.

En un mísero 16 minutos que has empezado a interiorizar lo que se siente al comenzar frases en todas las partes de la medida cuando se divide por corcheas. Después de trabajar en este ejercicio por un tiempo, será natural para que pueda generar frases de todas las partes de la barra.

El poder sutil de 2 y 4 Es muy sencillo en teoría, y frustrante en la práctica. Comience por aprender a escuchar los clics como 2 y 4. A continuación aprender a tocar una frase simple de ocho nota sobre ella. Entonces truncar la frase un octavo nota a la vez de aprender cómo iniciar líneas desde cualquier lugar de la medida. Aprender a practicar con un metrónomo los días 2 y 4 es un reto para todos. Algunos excelentes jugadores me han dicho que incluso después de años de práctica, todavía tienen problemas para no dar la vuelta al ritmo alrededor cuando practican esta forma. No se frustre

si es difícil al principio. Quédate con ella y te darás cuenta de enormes ganancias en el sentido del tiempo.

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Cómo no Suck al Acordes disminuidos HalfPublicado Por Forrest En 18 de mayo 2010 @ 08:49 am En Acordes, Consejos | 1 comentario

Acordes disminuidos mitad son generalmente pasan por alto. Son la hija abandonada de un acorde V7 en un menor de edad 2 y cinco años, que no recibe la atención que merece. El resultado: nos chupamos en ellos. Pensar en ello. ¿Es usted tan cómodo en Bb media disminuyó a medida Bb importante? No estoy adivinando. Pero realmente no hay razón por la que no puede ser.

Las formas más comunes que recibimos a través de ellos ahora Parte de la razón por la que no se desempeñan tan bien sobre este tipo de acordes que nos gustaría es que hemos adoptado formas estándar de conseguir a través de ellos y no hemos movido más allá de nuestros métodos probados y verdaderos. Estas técnicas de sonido correcto, se jugó por los maestros, y son legítimas, siendo el único problema ... consiguen aburrido. Esto es lo que yo llamo el "truco escala menor armónica. Simplemente juega el menor armónica de la tónica menor te diriges a sobre el menor desde dos hasta cinco. Pájaro utiliza este concepto en constante y es probable que también lo hacen.

Otra forma común de la gente consigue por medio de acordes es disminuido por arpeggiating el acorde. Una vez más, no es un mal lugar para comenzar, pero en algún momento vas a querer ir más allá de esto.

Sabiendo siempre algunas maneras infalibles de conseguir a través de un acorde o conjunto de acordes es importante, pero es sólo un punto de partida. La meta es la libertad. Si usted es verdaderamente libre sobre acordes, entonces usted no está limitado por el número de frases

que usted sabe que el "trabajo" sobre ellos. En otras palabras, que se han reunido una buena cantidad de conocimiento práctico que se puede poner en práctica, que le permite crear libremente.

Determinar dónde estás Haga una prueba rápida en su mente para ver donde te encuentras. Puede resultar sorprendente. Elija una media diminshed acorde que se siente bastante cómodo. Ahora, piensa en ti mismo jugando durante ese acorde particular. Continúe de esta manera durante unos diez segundos ... Ahora mueve un paso medio y repetir. Continuar de esta manera hasta que haya pasado por todas las doce llaves. ¿Qué notaste? Había algunas más fáciles que otros? ¿Cuál fue la transición como cuando te pedí que subir un medio paso? ¿Tuvo que parar por un segundo y pensar en lo que se jugar? Cuando hice este experimento, me di cuenta de que había cuatro o cinco que me sentí muy cómodo en y el resto fuera un disparo en la oscuridad. ¿Podría ser que más de la mitad de estos acordes que apenas conocía? La mayoría de las normas tienden a colgar alrededor de ciertas teclas y por lo tanto, utilizan los mismos pocos acordes medio disminuido. Lo terminamos con está viendo el mismo de cuatro y otra vez, mientras que rara vez encuentro con los otros ocho, para hacer un mundo de dolor cuando lo hacemos.

Empezando Al reproducir los siguientes ejercicios, no aprenden a reproducirlos cuando se realiza. A pesar de que pueden salir en algún momento, su objetivo es aumentar el nivel de comodidad que usted y la familiaridad con los sonidos y las digitaciones más de las cuerdas, lo que te da la libertad de los acordes para crear sus propias melodías originales. Como ustedes saben, soy un gran fan de la transcripción y le recomiendo que transcribir líneas que te gustan más acordes media disminuyó. Utilice los ejercicios para complementar sus líneas transcritas, no para reemplazarlos. Una buena manera de practicar estos ejercicios es para negociar por el acorde en el piano y mantenga presionado el pedal de sostenido, mientras que usted juega a través del ejercicio. Preste mucha atención a cómo las notas suenan contra el acorde. La práctica de esta forma de horas extras, oirá el acorde en su mente y cómo cada nota que está jugando funciones contra ese acorde, por lo que es necesario para tener el acorde sonaba mientras juegas al ejercicio.

Calentamientos básicos para los acordes disminuidos Medio Comience por jugar el modo Locrian desde la raíz hasta la raíz, y la marcha atrás de nuevo. Entrena tu oído para oír las notas en el contexto de la escala Locrian. En otras palabras, asegúrese de escuchar la tónica de la escala Locrian como la tónica, no la tónica de la escala mayor de los padres.

Ahora toca la gama completa escala de la bocina. Recuerde, esto es sólo para calentar y conseguir la sensación de la escala. Sólo pasar un minuto o dos refrescarse en estos. Siguiente juego 1234531. Tome este patrón hasta cromáticamente a través de todas las llaves. Este ejercicio le ayudará a familiarizarse con la tríada disminuida (es decir. BDF).

Después de reproducir el patrón anterior por un tiempo, siga inmediatamente por 5.432.135 en la misma clave. Luego tomar todo el patrón a través de todas las llaves.

Cuando hago este tipo de ejercicios, no sólo yo con frecuencia acompaño a mí mismo con el acorde en el piano, pero también me aseguro de visualizar el símbolo de acordes mientras estoy jugando a través de cada tecla.

Para llegar a la carne de la cuerda Este ejercicio le ayudará a solidificar las notas más importantes de la cuerda en su mente, el oído, y los dedos (El tercero, quinto, y 7º). También le ayudará a conseguir cómodo en medio disminuida acordes, que realmente es la clave para ser capaz de improvisar sobre cualquier acordes. Reproducir 3.456.753, seguido de 7654357. Esto es fácil si se piensa en el acorde menor basado en el terreno de juego inicial. Así que, para B disminuyó medio, piensa re menor. En primer lugar su cerebro construirá accesos directos como este pequeño menor-trick ', pero después de un tiempo las notas se traducirá a la cuerda que está trabajando y usted no tendrá el acceso directo ya.

Una vez más, intenta sostener el acorde en el piano mientras usted juega el ejercicio a través de las doce teclas y, finalmente, no será necesario el piano que dar marcha atrás. Los acordes naturalmente comenzará a funcionar en el oído, lo que le permite escuchar y crear tus propias melodías originales.

La transición al acorde dominante alterado Este ejercicio le ayudará a su oído aprender a conectar acordes media disminuyó a la cuerda que por lo general los sigue: el V7alt. acorde. Juega 34567537 en el medio disminuyó acorde, a 37 en el acorde V7. Continúe de esta manera, la resolución de cada acorde dominante. Esto te llevará a través de la mitad de las teclas, asegúrese de hacer la otra mitad.

No Chupar Acordes disminuidos a la mitad Aprender a no aspirar a estos acordes lleva tiempo. Practique estos ejercicios diligentemente durante veinte minutos al día y dentro de sólo un par de semanas se encontrará sintiéndose cómodo en todas las teclas en medio disminuida acordes. Recuerde, estas son ejercicios para ayudar en su capacidad para oír cómo estos acordes suenan en su contexto, al tiempo que sienta las bases para los dedos para saber donde estos sonidos ponen en su instrumento. Ellos no están destinados a ser reproducidos textualmente en sus solos. Vaya despacio y dejar que cada anillo de sonido en el oído, siempre que sea necesario para conseguir que se impregne en su mente musical. A dónde ir desde aquí: Invente sus propios ejercicios similares a estas usando varias combinaciones de tonos de acordes y piezas de escala y recordar su propósito. A menudo, el noveno piso de un medio acorde disminuido se trata como pasa el tono debido a su calidad disonante. Trate de usar lo natural 9 (C # en medio-dim B) en lugar de la plana nueve y ver si se puede integrar de una manera musical Pruebe a tocar otros tonos de acordes en la alteración dominante, tal vez el b5, b13, B9, o # 9 El trabajo sobre temas que hacen hincapié en medio disminuidos acordes tales como: Stella by Starlight, Woody'n Usted o impulso interno Entender cómo tocar acordes medio diminshed en diferentes contextos, por ejemplo, en "Woody'n You" los media disminuida acordes son una parte de un menor de edad ii-V,

mientras que en "Urge Interior" los media disminuida acordes son por su propia cuenta para un período prolongado de tiempo. Usted puede encontrar que usted necesita para acercarse a estas situaciones de manera diferente. Transcribir algunas líneas de sus jugadores favoritos jugando sobre acordes media disminuyó Estos acordes son una especie de puta, así que estad atentos y habrá un montón más sobre cómo no aspirar acordes al medio disminuyó en el futuro.

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Cómo utilizar ii Vs activar Progresiones estáticas Publicado Por Forrest En 24 de enero 2011 @ 09:28 am En Acordes, Conceptos | No Comments

ii Vs comprenden la mayor parte de las progresiones de acordes de jazz. Definen una sensación de tensión y liberación que prevalece en toda la música occidental. Una clave para entender cómo dar sus líneas un sentido de movimiento armónico, está en saber dónde insertar una ii V en una progresión estática.

La activación de medidas estáticas en un blues usando ii Vs Cuando la mayoría de la gente va a soplar sobre un blues, improvisan sobre los cambios que se ven algo como el siguiente ejemplo.

Esto es bastante básico y jugando estrictamente estos cambios que limitará sus líneas enormemente. La mayoría de las listas de jazz notate un blues con algunos acordes añadido que estoy seguro de que está familiarizado. Los acordes normalmente añadidos a la mayoría de las cartas de blues dan la progresión mucho mayor movimiento de avance. Vea cómo los acordes insertados empujan armónicamente hacia adelante, resolviendo a un acorde objetivo?

Sí, en la mayoría de los casos, estos cambios se escriben en tablas sin embargo, como estoy seguro de que es consciente de,, la comprensión de este concepto es crucial para entender cómo insertar ii Vs en lugares específicos que no están escritas en tablas, dando una sensación de movimiento armónico de las progresiones más bien estancadas. Antes de seguir, entender que: El agregado ii Vs objetivo de un acorde de destino (E -7b5 A7 se encamina a D, etc.) Puede insertar y jugar sobre estas progresiones con independencia de que la sección rítmica juega estos cambios. Usted debe jugar una línea sobre estos cambios insertados que expresa su armonía. Mantenlo simple. Ok, mirando el ejemplo anterior de los cambios azules típicos que se encuentran en las cartas, todavía hay puntos inactivos un par como se muestra a continuación.

El descubrimiento de estos puntos e insertando ii Vs que impulsar a un acorde de destino es lo que estamos tratando de desarrollar. Así que cuando la sección rítmica es desplumada de distancia el acorde IV en la medida 2, en su lugar puede optar por jugar un ii V (D-G7) que se mueve a C. Y de nuevo en la medida 6, cuando la sección rítmica de nuevo está jugando el acorde IV, usted puede insertar su ii V de nuevo a C de nuevo como se ilustra a continuación. blues invisible chords

Como ya he dicho, mantener su línea de simple. Usted está tratando de expresar la armonía que puede o no puede ser interpretado por el resto de la banda. Mantener su sencilla línea hará que la armonía implícita resuelve claramente al acorde de destino. He aquí un ejemplo de una línea insertada en estas medidas que nos empujan hacia los tónicos de destino. Trate de usar esta línea común y luego transcribir su propio de uno de sus héroes.

Activación de un grupo estático de medidas en una melodía utilizando ii Vs Cada vez que usted quiere empujar armónicamente hacia un acorde de destino, como la tónica en un blues, puede insertar un ii V antes. Cuando se inicie la aplicación de este concepto, que pronto se oye cuando mejor funciona, como en los ejemplos más de un blues. Otro gran lugar para utilizar este concepto es sobre un grupo estático de medida, como por

ejemplo los primeros compases de "voy a recordar de abril." Improvisando en el mismo acorde mayor para algunas medidas a veces puede sentir como que te da lugar a donde ir . Insertando ii Vs, se crea el movimiento hacia adelante armónica en sus líneas, sólo por jugar sobre los cambios introducidos. Por ejemplo, en lugar de cuatro barras de la tónica, se podía jugar sobre la progresión de la siguiente manera. Después de jugar el ejemplo de vainilla debe estar ejecutando para ir transcribir sus propias líneas !

Un montón de melodías tienen grupos estáticos de medidas como ésta: "Esta excavación I de Usted", "Green Dolphin Street", y todas las melodías modales.

Inserción ii Vs melodías modales Melodías modales son otro gran lugar para utilizar Vs. ii insertada Debido a que muchas melodías modales están en menor de edad, usted acaba de cambiar el ii V de importante, a menor, como se muestra en el siguiente ejemplo.

Un sinfín de lugares para insertar ii Vs Inserción ii Vs en lugares estáticos en una progresión, para empujar a un acorde de destino es una herramienta poderosa. A medida que experimente con este concepto, podrás averiguar rápidamente cuándo y dónde insertar ii vs. Siga su oído. Si no suena bien, no lo es. Sigue trabajando con él hasta que suena bien.

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Dos Cinco Progresiones Made Easy Publicado Por Forrest En 16 de mayo 2011 @ 07:32 am En Acordes, Jazz Idioma, Transcripción | No Comments

La progresión V ii constituye la gran mayoría de los cambios de acordes en el repertorio estándar de jazz. Gran parte de nuestro éxito o fracaso como improvisadores viene de ser capaz de navegar por este engañosamente simple progresión. Aprender a jugar más ii Vs es en realidad mucho más fácil de lo que piensas. El error que la mayoría de la gente es que tratan de jugar sobre ellos utilizando los conocimientos teóricos en lugar del lenguaje que utiliza y su oído. Se dará cuenta de que en este artículo no voy a estar hablando de 7 a 3 resoluciones, escalas dorian y Mixolidio, ni nada en ese sentido. Este tipo de cosas son excelentes puntos de la teoría del saber, pero en realidad proporcionan poca ayuda en comparación con el conocimiento que usted destello de la transcripción. Utilice la teoría a complementar lo que se aprende desde el estudio de cómo suena la música.

Obtener lenguaje V ii Todo comienza con un modelo. La observación de una manera definitiva de cómo hacer algo. Escuche a uno de sus héroes en una melodía que conoces los acordes cambia a. Tome nota del lugar donde se producen todo el ii Vs en la melodía. Centrarse en esas áreas y escuche una línea que llama su fantasía. Si usted tiene un programa como Transcribe, bucle de la línea y escuchar cuidadosamente para asegurarse de que es algo que te gusta de verdad. No descuidar lo importante que es esto. Muchas personas han estado escribiendo últimamente acerca de quiénes deben transcribir,

pidiendo específicamente para que les digamos lo solos y lo que los músicos deben transcribir. Para ser franco, eso es como pedirle a un extraño lo que debe hacer con el resto de su vida. No se preocupe, aunque. Yo solía hacer muchas profesionales preguntas similares, hasta que me di cuenta de que yo pudiera responder a estas para mí. Haga sus propias decisiones acerca de qué tipo de jugador que quiere llegar a ser. ¿Qué quieres sonar como? Una vez que determine que solo se va a extraer su ii Vs partir, hay dos instancias de un ii V: una métrica y una de dos medidas. Luego, vaya a las partes seleccionadas en el solo y aprender cada línea seleccionada 100% por el oído. Trate de no escribir nada hasta que averiguar toda la frase. Por ejemplo, me gusta mucho Dexter Gordon. También me he enterado de que en sintonía Confirmación de Charlie Parker, la sección "A" contiene un montón de un compás ii Vs, y el puente se hace de a dos compases ii vs. Por lo tanto, me puse el solo en Transcribe, encontrar una sola medida ii V y dos compases ii V que me gusta, y transcribir tanto por el oído.

Dexter Gordon sola medida ii V (@ 2: 30 en la grabación)

Dexter Gordon dos medida ii V (@ 1: 11 en la grabación)

Observe estas dos líneas en un sentido violan el modelo estándar de la teoría de jazz muy extendida. En ambas líneas, un tono no acorde es en el down ritmo ("A #" en la primera y "G #" en el segundo). Entienda que usted no acaba de toparse con estas líneas y que descubrir por ti mismo de una grabación es la ruta más directa para entender cualquier cosa que desees.

Aprende el ii Vs en todas las claves Ahora que tengo mis líneas, les perforar en todas las claves para que "Ab- Db7" es tan fácil como "G-7 D". Si usted hace esto, cada ii V será fácil. Ya no va a temer las teclas menos conocidas, pero en lugar de darles la bienvenida.

Haga esto todos por el oído, no escribir la línea en más de una clave. En un primer momento, su mente puede saber cómo navegar una línea base a lo que los tonos del acorde que contiene, pero poco a poco, vas a pensar en este tipo de cosas cada vez menos; la línea será sólo a su alcance en todas las teclas, listo para que usted pueda producir a voluntad.

Utilice la ii Vs melodías Entonces quiero integrar estas líneas en mi juego, por lo que aprender a utilizarlos en una melodía. En el siguiente ejemplo que he tomado una de mis Dexter ii Vs y la puse sobre el puente de todas las cosas que son:

Utilice sus opciones Ahora que he añadido este ii V para mi arsenal, tengo que aprender a distorsionar la línea, así como mezclar la línea V ii con otros conceptos e ideas que ya he pasado tiempo con. Aquí es donde usted debe aplicar su propia creatividad. La conexión de las líneas es sólo un punto de partida. Puede eliminar las notas de la línea, agregue un poco, cambiar el ritmo, alterar los tonos de acorde 5º y 9º sobre el acorde de dominante, o combinar la línea con otra línea que usted sabe. Estas son sólo algunas sugerencias de los innumerables caminos que podría tomar desde aquí. Decida cómo desarrollar su lenguaje en función de cómo las cosas suenan a usted. Si usted trabaja en ii Vs en el método prescrito presentado, se le confía en cada situación V ii te encuentres. Sí, es un montón de trabajo duro. Sí, usted tiene que ser creativo. Pero el proceso real es mucho más simple de lo que nunca has imaginado. Ahora ve a buscar sus líneas y ponerse en marcha. Con ii Vs que constituyen más del 90% de todos los acordes que te encuentras, te alegrarás de haberlo hecho.

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Jazz Educación Errores Publicado Por Forrest En 18 de marzo 2011 @ 21:32 En Perspectiva, Consejos | No Comments

La educación del jazz se ha convertido cada vez más popular y por una buena razón: tocando jazz es divertido! En un intento de hacer la improvisación del jazz accesible a todo el mundo, gran parte del material de aprendizaje se ha reducido y empaquetado de una manera para que la gente jugando a un nivel mediocre más rápidamente. El problema es que estos métodos se llega a mediocre, pero no mucho más. Muchos de estos conceptos se han hecho un hueco en el pilar de la educación del jazz. Están siendo enseñados incluso a través del nivel universitario, en todo el mundo. Recuerde la frase trillada "No creas todo lo que lees"? En términos de aprender jazz, esto no podría ser más cierto. Y podría decirse, además, "no creer todo lo que la gente te dice." ¿Por qué crees que hacemos referencia grabaciones tanto y constantemente instamos a nuestros lectores a ir a escuchar y transcribir por sí mismos? Ni siquiera tome nuestra palabra a ciegas. Haga su propia tarea. Pero en serio, por favor continúe leyendo nuestros artículos ! Es nuestra meta que le guiará en el proceso de averiguar estas cosas por ti mismo, compartiendo nuestra experiencia, por no decirte qué es necesariamente adecuado para usted, porque en última instancia en el aprendizaje de este arte, que tiene que ser su propio maestro. Sin más preámbulos, errores de educación de jazz que me costó años de frustración, que me podría haber quedado fuera de si me había dejado simplemente buscando la manera de tocar jazz y comenzó a escuchar en vez.

Dar escalas una importancia mayor que los acordes

En términos de estándares de jazz y melodías bebop, acordes son lo que realmente está sucediendo en una melodía, no escalas. Así que ¿por qué tanto material educativo jazz creo que se puede aprender las escalas correspondientes a cada acorde, sin entender la cuerda, y ser capaz de oír la armonía y construir frases en el idioma del jazz? No estoy seguro de cómo las personas llegaron a esa conclusión. En mi experiencia personal, he cometido este error y me estorbado por años. Yo atribuí a un modelo de teoría de jazz, construido sobre pensar en términos de escalas en lugar de acordes. Dejame darte un ejemplo. Si tuviera que encontrarse con un ii VI en la clave de C, (D- | G7 | Do mayor), me lo pensaría ... bueno esta progresión es D Dorian, G mixolydian y C Jónico. Todas estas notas están en C Jónico, así que básicamente puedo pensar en una escala de Do mayor para tres barras a partir de diferentes grados y estoy establecido. Esta es una receta para el desastre! Si eres un jugador de cuerno, que es especialmente malo. Pianistas y otros instrumentos chording tienen que aprender los acordes de poder comp, así que si ellos piensan de esta manera, lo más probable es todavía entender la composición de la cuerda y el sonido. Si usted tiene un conocimiento profundo de un acorde de entender lo que estás escuchando, saben donde los tonos de acordes son en su instrumento, escuchar cómo los tonos de acorde se refieren a la cuerda, etc, entonces el conocimiento de una escala correspondiente puede ser beneficioso. La comprensión de los acordes es primario. Escalas correspondientes a los acordes son suplementarios. No de la otra manera. Para ir un paso más allá, muchos recursos jazz estrés escalas aprender, hablar un poco acerca de los acordes, y apenas hablar la lengua. Un libro entero se dedica a la enseñanza de cómo se relacionan las escalas con acordes y habrá una sola frase en la introducción afirmando que, "el jazz es un lenguaje. No te olvides de escuchar a los maestros. "Esta actitud es al revés. Aunque importante, ambos acordes y escalas son suplementarios al lenguaje del jazz.

Llamar a la cuarta en un acorde mayor o dominante de una "nota evitar" Transcribir cualquier maestro y verá los utilizan el cuarto en un acorde mayor o dominante todo el tiempo, incluso en el tiempo fuerte, que a menudo se considera un no-no por muchos recursos de aprendizaje jazz. Los grandes lo usan de una manera muy particular, en conjunción con la tercera, que se escucha con mayor facilidad. Aquí hay un ejemplo básico de una manera:

Sí, si usted no entiende cómo usar este tono acorde y te sientas en él sin cesar sobre un acorde mayor o dominante, que chocará con el principal tercero, y usted sonar como basura.

Es por esa razón que los educadores de jazz decidieron que era más fácil llamarlo el hijastro pelirrojo y pretender que no existía, similar a cuando los pitagóricos descubrieron los números irracionales; este nuevo concepto no encajaba en su paradigma, por lo que desterró de su pensamiento. De hecho, se dice el hombre que descubrió los números irracionales fue arrojado por la borda y se ahogó. Te agradecería que si no me lo tiran por la borda para llamar la cuarta un tono musical que tiene un propósito importante en el lenguaje del jazz. En lugar de ello, espero que dejes de pensar en ello como una "nota evitar" y averiguar cómo los maestros utilizan con elegancia por lo que también puede hacerlo.

Decirle que no a copiar líneas Se supone que tienes que jugar lo que se oye, ¿no? Y se supone que crear todo en el momento de la elaboración de su cuerda y el conocimiento de escala, ¿verdad? No exactamente. Sí, sería genial para jugar lo que se oye, pero ¿cómo se empieza a oír estas ideas que quieres jugar? Las cosas que oyes y puede jugar están allí porque usted los pone allí. Por supuesto, cuando se improvisa, se oye nuevas ideas y jugar cosequently nuevas ideas; esa es la meta. Pero se necesita una base de ideas para ir de. Estas ideas son fragmentos de lenguaje. Usted quiere adquirir el lenguaje útil en una variedad de situaciones. Estos bits de acto lenguaje como un trampolín para su genio creativo que creo que todos tenemos.

Llamar a los tonos de acorde estructura superior emocionantes y los tonos de acordes menores aburridos La raíz, tercera, quinta y séptima son tan importantes como el noveno, 11, y 13. Todos son importantes. Incluso la raíz. Todos ellos pueden sonar increíble. Como estudiante, me acuerdo de un profesor que no pasé en cualquier momento con (todos mis profesores eran una maravilla!) Afirmo que se quiere evitar la raíz todo el tiempo. Vea el video de Coltrane continuación.

¿Qué tono acorde hace gran parte de los dos primeros coros giran en torno a? ¿Cómo sería Coltrane decir sobre evitando la raíz? (Para su información, que está jugando la raíz si no coges eso). Todos los tonos de acordes se pueden utilizar musicalmente.

Decirle a ustedes que transcribir y escuchar

Es difícil no decirle a la gente a amar a los mismos músicos que haces, pero parece que la educación del jazz se centra en jugadores específicos e ignora otras completamente. Usted debe transcribir Charlie Parker y luego proceder a Cannonball y luego ... Mira, me encanta Parker, y Cannonball casi me hace llorar hay tanta emoción en su juego, pero si usted no quiere sonar como ellos, entonces usted no debe se ven obligados a escuchar o transcribirlas. Escuchar y transcribir la música que te gusta. Las cosas que resuena con su ser interior. Aquí está el truco sin embargo. Mucha gente quiere entrar de lleno en un solo de Coltrane, o algo rápido y técnicamente exigente. Aunque no quiero que le diga qué y quién transcribir, averiguar dónde los jugadores que más te gustan vinieron y primero se aproxima a la música le ayudará a acercarse al jugador después. Así, por ejemplo, Trane fue influenciado por Lester Young y Dexter Gordon, sólo para nombrar unos pocos. Si quieres trabajar en un solo de Trane, tal vez un buen lugar para comenzar es con una Dexter solitario lugar. Pero bueno, es sólo una sugerencia; Algo sobre lo que pensar. ¿Quién escucha y quién te transcribir es un proceso extremadamente personal. Tome las sugerencias de la gente en cuenta, pero escucha a tu verdadero yo.

Evitar estos escollos En su búsqueda del aprendizaje, eres destine a correr en algunos errores de educación jazz. No soy tímido al respecto. Como se ha descrito, he caído en las trampas de muchos de estos errores. Si mantiene sus oídos abiertos, podrás dirigir capaces clara de estas falacias, mantenerse en un camino constante de mejora, y siempre mantenerse en contacto con la música.

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3 Ear Training Altamente Efectiva ejercicios que puede hacer todo por ti mismo Publicado Por Forrest En 04 de noviembre 2012 @ 23:23 En Oído, Consejos | Comentarios discapacitados

Nosotros hemos presentado un montón de ejercicios sobre cómo practicar el entrenamiento del oído, pero muchos requieren que usted tenga a alguien para entrenar. Entonces, ¿qué hacer cuando usted no tiene un socio? Cuando no tienes a nadie a practicar el entrenamiento del oído con el que hay la misma cantidad de ejercicios que puedes hacer, y mejor aún, que realmente puede tomar el tiempo para limar sus puntos débiles personales. He aquí algunas de mi ir a los ejercicios que son super simple y súper eficaz.

Ejercicio # 1: previa a la audiencia de intervalo

Me encanta este ejercicio, de hecho, creo que es aún más valioso para el aprendizaje de los intervalos que si tuviera un socio! Con un compañero, usted entra en un modo de pensar conjeturas y comprobación tal, prisa alguna y, a menudo hay que olvidar que el punto es para absorber el sonido que se oye en un nivel más profundo y más profundo. Por nosotros mismos, podemos tomar nuestro tiempo, relajarse y dejar que los sonidos se hacen eco sin fin. ¿Quieres grandes orejas? Obtener el método de entrenamiento del oído. Se le enseñará paso a paso. Aprende más… Para hacer ejercicio antes de la audiencia, el intervalo, Elija cualquier intervalo y la dirección para centrarse en, por ejemplo, vamos a elegir una tercera mayor, ascendente. A continuación, reproducir cualquier nota sobre un piano, o si usted no tiene uno, cualquier tono va a hacer, incluso si se golpea una cuchara contra un vaso! (Sí, se puede practicar el entrenamiento del oído en cualquier lugar, incluso con equipos muy mínimo). Una vez que toque la nota, escuchar en su mente tan claramente como sea posible ca. Deje que la resonancia de sonido en su cráneo. Entonces, antes de oír en su mente un tercio (nuestro intervalo seleccionado) importante por encima de la nota que está jugando en el piano Una vez que pre-escucha la nota una tercera mayor por encima de la nota que está jugando en el piano, cantar. ¿Lo tengo? Para recapitular, elige un intervalo, jugar cualquier nota, escucha la nota en su mente, antes de escuchar la nota de una tercera mayor (o cualquier intervalo que está trabajando) por encima de la nota que está jugando, y finalmente cantar esa nota que se encuentra una tercera mayor por encima de la nota que estás jugando. Esa es la esencia de este ejercicio. Pero no está. ¡Oh, no. Estás muy lejos de hecho! Así es como van las cosas más. Comienzan simple, y muy rápidamente la burbuja hasta algo complejo. Una vez que se sienta cómodo

con los sencillos pasos descritos, el siguiente paso es jugar una nota diferente en el piano y repita los pasos 1-5. Trate de cubrir toda su gama. Ir arriba y abajo del piano, tocar una nota, escucharlo, pre-escuchar la nota que vas a cantar que se encuentra en el intervalo que haya seleccionado, y cantarla. Continúe esto hasta que siente que puede jugar cualquier nota, inmediatamente pre-escuchar la nota que desea cantar, y cantar con precisión. Pero espera, todavía no estás listo. Eso es sólo un intervalo en una dirección. Usted tiene todas sus intervalos en ambas direcciones a la práctica. Ahora usted no necesita practicar todo en una sola sesión. Escoja unos pocos que se siente débil en y pasar unos minutos en cada uno. Si haces este ejercicio todos los días durante diez o quince minutos, verá grandes ganancias en la audición, el canto y la comprensión de los intervalos.

Ejercicio # 2: colores de tono de acordes

Tiempo por sí mismo es una excelente oportunidad para arraigar los colores distintivos de cada tono acorde en su mente. ¿Qué es este "color" que me refiero? Cada tono acorde de los sonidos de una manera particular. El tercero de una importante acorde de séptima tiene un sonido particular, al igual que la raíz, quinto y séptimo. Cada tono acorde en cada acorde tiene un cierto color a la misma. Este color se puede escuchar, pero no fácil de describir. Es como describir el color rojo. Yo podría tratar de describir a usted todo el día, pero hay que verlo y vivirlo para saber lo que es de color rojo. Para el ejercicio de color de tono acorde, Seleccione un acorde y un tono acorde. Por ejemplo, vamos a echar un Do mayor acorde de séptima, y ​el tono acorde de séptima (B). En el piano, tocar las notas de un acorde de Do mayor en estado fundamental (CEGB). Trate de aislar el sonido de la séptima en su mente. Toque el acorde de nuevo, pero esta vez después de jugar el acorde una vez, continuar de inmediato para mantener la CEG mientras juegas al B por segunda vez. En esencia lo que estás haciendo está jugando el acorde, pero jugar el tono de acordes que desea escuchar otra vez después de jugar el acorde así que mejor puede aislar ese sonido en su mente.

Mantenga golpeando a cabo la cuerda y jugar de forma independiente el séptimo tanto como sea necesario hasta que realmente se puede escuchar que el séptimo, ya que es una entidad en el contexto del resto de la cuerda. Escuche cómo el séptimo establece contra el resto de la cuerda? Escucha cómo encaja? Este sabor distinto es el color de la séptima. Grabar este sonido en su mente y luego siempre sabrás lo que el séptimo suena como una importante acorde de séptima. ¿Sabes dónde está este ejercicio va. Así como el primer ejercicio tenía un montón para que usted lo hace, también lo hace éste. Puede trabajar con cualquier acorde y cualquier tono acorde. Por ejemplo, ¿qué significa la quinta parte de un sonido acorde medio disminuido como? Es hora de que te vayas averiguarlo! O lo que hace un sonido agudo-elfa como en un acorde mayor? Escoja un sonido que quieres aprender e ir a por ella. Usted encontrará que algunos de los sonidos más esotéricas son realmente fáciles de escuchar porque suenan tan único. Si eres como yo, puede que tenga que trabajar más duro para escuchar algunos de los sonidos más básicos como, terceras y quintas. Usted verá rápidamente lo mucho que este ejercicio puede abrir sus oídos y mejorar su maestría musical en general.

Ejercicio # 3: Un acorde, de adentro hacia afuera

Se trata de un ejercicio final de recapitulación que se puede hacer en cualquier momento usted no sabe qué hacer. La idea: jugar un acorde y la leche para todos vale la pena. Juega un Do mayor acorde de séptima (CEGB) Ahora, como se oye el anillo acorde en su mente, canta la raíz. Repita hasta que esto es fácil. Una vez que tienes éxito, cantar la tercera, entonces el quinto, seguido por el séptimo. Una vez más, repita hasta que todo esto es fácil. Luego regresa a la quinta, la tercera, y la raíz. Luego saltar. Canta la raíz, canta el séptimo, canta la quinta, canta el tercero. Hangout en este paso por un tiempo, realmente se sienta cómodo con estos sonidos! A continuación, trabajar al oír los colores de cada tono acorde como lo hizo en el ejercicio anterior. Escucha el color de la tercera. ¿Cómo es el sonido de la tercera diferente a la quinta? El séptimo. ¿Cómo es el sonido de la séptima diferente a la quinta? Haga esto con todos los

tonos de acordes y tómese su tiempo. A continuación, intente cantar tonos de acorde que usted no está jugando. Por ejemplo, cante la fuerte once o el noveno. Si es necesario, siempre se puede jugar estas notas junto con su cuerda así que mejor puede oírlos. Siguiente tratar de escuchar los intervalos entre tonos de acordes. Escucha la tercera mayor entre la raíz y el tercero. Cantarlo. Entonces oír la tercera menor entre la tercera y la quinta. Cantarlo. Luego escuchar la tercera mayor entre el quinto y el séptimo. Cantarlo. Explora todas las relaciones. Canta ellos, entenderlos, sentirse cómodo con ellos. Qué más se puede practicar? Usa tu creatividad y estoy seguro de que va a llegar a todo tipo de maneras de abrir los oídos. Usted puede ver lo fácil que es y beneficioso que es para practicar el entrenamiento del oído por sí mismo. No tener un socio no es excusa. Los tres ejercicios de aquí son más que suficiente material desde hace bastante tiempo, así que escoja una pequeña cantidad de material que te excita, y empezar a mejorar! Recuerde, es sólo sonido organizado. La clave es ser capaz de escuchar cómo se organiza.

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Visualización de Jazz Improvisación Publicado Por Forrest En 14 de abril 2010 @ 08:25 am En Conceptos, Visualización | 3 Comentarios

Incontables horas en la sala de prácticas y cambios de ritmo o un puente sencillo de una melodía que todavía le da un mal momento? Esta es una situación familiar para todos de todos los niveles. Yo solía perder horas sin pensar en ejercicio, pensando que no era un secreto que me estaba perdiendo, o si yo seguí improvisando sobre los cambios, que eventualmente acaba de conseguirlo. O tal vez no fueron los cambios en absoluto, pero tal vez fue algo defectuoso con mi equipo. Oh, sí, que tenía que ser él. Si tan sólo pudiera tener en mis manos la boquilla derecha o que la última ligadura entonces ... que tenía que ser él !!! Esta actitud es completamente delirante, sin embargo, muchos de nosotros seguimos pensando de esta manera durante años! Jugando sobre una melodía constante, con la esperanza de que con el tiempo que va a jugar más de que es una búsqueda sin sentido, como es culpar a su equipo para sus deficiencias como un improvisador. En realidad, el problema no es externo. Tenemos en nuestra mente lo que vamos a jugar antes de que incluso recogemos nuestro cuerno, por lo tanto, para cambiar lo que vamos a jugar, tenemos que cambiar lo que está almacenado en nuestra mente. Claro, cuando la práctica su instrumento, su mente está alterando su información almacenada, pero lo que si usted puede simplemente ir directamente a su mente y empezar a arreglar los errores? Ahí es donde entra en la visualización de la imagen.

Visualización Definición El diccionario define la visualización como la formación de imágenes mentales. A los efectos de este artículo, pensar en ella como la creación de una imagen mental de tonos de acordes y progresiones en el ojo de la mente, acompañado de una sensación táctil y auditiva. No se preocupe si usted no entiende completamente todavía. Se convertirá muy clara a medida que avanzamos.

Obstáculos Mental Okay. Así que estás solos sobre una melodía familiar y todo va muy bien. Te sientes bien y luego, de repente, te dude por un momento. Usted piensa a sí mismo, "el acorde que estoy en?" Para cuando te diste cuenta, el acorde es cosa del pasado. Cuando su mente se topa con un obstáculo de esa manera, su flujo se rompe y todo sentido de la creatividad se pierde. Estos obstáculos que existen en nuestras mentes están formados por lapsos de tiempo. Podrían ser el tiempo que se necesita saber la cuerda que te encuentres, las notas correctas para jugar, donde se encuentra en una melodía etc. Podrían ser largos segundos o pueden ser

milisegundos. El punto es que si están ahí, eso es malo. La práctica de la visualización reduce el tiempo que se tarda en recuperar elementos de la melodía, hasta que están arraigados en su mente. Con el tiempo, estas barreras mentales desaparecerán. Entonces, cuando usted va a la sala de ensayo o el quiosco de música, se le armados con la confianza de tener una experiencia más productiva, positiva y divertida.

Extracción de Obstáculos Poco a poco, uno a uno estos obstáculos pueden ser eliminados, hasta que todo lo que queda es un super autopista de su propia creatividad. ¿Cómo haces esto? Comience con los ejercicios siguientes y practicar diligentemente todos los días. Ellos realmente no tienen mucho de un compromiso de tiempo y las recompensas son enormes. He escrito a cabo toda una serie de ejercicios que puse en mi mesita de noche y durante quince minutos antes de irme a la cama, simplemente correr a través de ellos. Una vez que obtenga competentes en la visualización, podrás hacerlo en cualquier lugar y tomar ventaja de los muchos segmentos a lo largo del día que usted tiene unos minutos para matar.

¿Por qué es tan eficaz Visualización Cuando usted está visualizando, su mente no sabe que su cuerpo no está hecho participando en la actividad real. Al trabajar directamente con su mente, a diferencia de su cuerpo y luego su mente, usted va directamente a la fuente. Checa lo que Jerry Bergonzi dice en su maravilloso libro que recomiendo encarecidamente para cualquier persona en cualquier nivel, estructuras melódicas: "Con el uso de la visualización, la mente realmente enseña el cuerpo y la mente se acuerda de lo que el cuerpo es más propenso a olvidar. La mente visualiza lo que el cuerpo hace de manera multidimensional. Practica las digitaciones y las notas, se oye el sonido y el contenido, se siente la intención, la emoción, y los matices de lo que se juega. Entonces, el cuerpo sigue su ejemplo. El cuerpo la enseñanza de la mente es en realidad un proceso de retroceso y por esta razón a través del uso de la visualización que son capaces de aprender más rápidamente. Dondequiera que usted tiene un momento difícil mentalmente es donde usted se encontrará con problemas que juega en su instrumento. Resolverlo mentalmente y usted ya no tendrá estos problemas. Con la práctica, lo que usted es capaz de visualizar a continuación, será capaz de jugar "(Bergonzi, 32). No está convencido todavía? Bien usted debe ser, pero si eso no es suficiente, Bergonzi añade que "Muy a menudo los diez minutos de la visualización es equivalente a dos horas de práctica física" (Bergonzi 32). Con un retorno de su tiempo así, ¿por qué no le gustaría pasar todo el tiempo haciendo esto posible ?!

Introducción a la visualización Se puede tomar un par de días para obtener la visualización cómoda, pero después de la fase inicial, que será fácil. Comience con este simple ejercicio:

Siéntese en un lugar cómodo en el que no será molestado. Más tarde, usted será capaz de hacer esto en cualquier lugar, pero en este momento toda la ayuda que pueda conseguir. En el ojo de su mente, ver el símbolo de acorde de Do Mayor (Trato de mantener las cosas lo más simple posible, por lo que incluso para Do mayor de siete, me acaba de visualizar la imagen de abajo)

Enhorabuena usted acaba visualizaron! Fácil ¿no? Ok suficiente, celebración que hemos hecho más que empezar. Ahora ver a un personal de la música debajo del símbolo de acorde

Una vez que pueda visualizar claramente el símbolo de acorde con el personal, añadir la raíz del acorde a la imagen.

Ahora que se va a añadir un sentido auditivo a la ecuación. Escucha cómo cree que la raíz de sonidos en que C acorde mayor. A menudo oigo piano y trato de escuchar un argumento sólido. No te preocupes por el oído absoluto. No tengo tono perfecto, sin embargo, a través de estos ejercicios, junto con el entrenamiento del oído diaria, usted desarrollará el oído relativo necesario escuchar el movimiento de acordes mientras visualizas. A medida que vaya más avanzado, tendrá que aprender a escuchar el acorde en el fondo de la cancha se están centrando en también. A continuación añadimos una sensación táctil. Siente exactamente cómo se sentiría a tocar esa nota en su instrumento. Si usted juega el saxofón como yo, en este momento que va a ver la imagen del símbolo de acorde de Do Mayor por encima de un personal con la nota "C" en él, mientras que está escuchando el anillo nota en su cabeza, y sintiendo cómo se haría ser como para empujar la llave hacia abajo con su dedo medio izquierdo. Así que es la visualización básica. Aquí hay algunas variaciones para probar antes de continuar: Ver, oír y sentir (todos al mismo tiempo) diferentes tonos de acorde sobre el acorde de Do Mayor. Por ejemplo, después de haber hecho la raíz, intente la tercera, y luego el quinto y así sucesivamente, hasta que haya visualizado todos los tonos de acordes. Trate de visualizar pares de notas. Un par valiosa como lo habría adivinado es de tres y siete. Se podía ver como un acorde bloque o tratar de ver un medio-nota de la tercera y medio-nota de la séptima.

Experimente con grupos de tres, cuatro o incluso cinco notas. Las posibilidades son infinitas. ¡Se creativo! Practique estos pasos hasta que es una segunda naturaleza para ser capaz de ver, oír y sentir los acordes y las notas del acorde en la cabeza al mismo tiempo. Cuando usted se sienta seguro, comenzar a aplicar estos pasos para algunas progresiones.

La aplicación de visualización de progresiones del acorde comunes Desde el ii-VI es tan común, que siempre es un buen lugar para empezar. En este ejercicio, vamos a visualizar un ii-VI en do mayor. Siga estos pasos para tener una idea de la visualización a través de progresiones: Una vez más, se sientan en algún lugar donde no le molestará para evitar distracciones mientras se está empezando a cabo primero. En primer lugar, ver los símbolos de acordes en el ojo de tu mente. A continuación añadimos el personal

Ahora agregue las raíces de los acordes a la imagen

Añadir el sonido de cada nota y esta vez tratan de escuchar el acorde en el fondo también. Mantenga la nota en el personal el sonido prominente embargo. Siente las notas debajo de sus dedos a medida que avanza de un acorde a la próxima en el tiempo. (Sí, con el tiempo que desea mantener un ritmo constante a través de la progresión) Ahora visualiza notas medias de la tercera y séptima de cada acorde, progresando en el tiempo de un acorde a otro. Preste especial atención a las transiciones como el séptimo de un acorde va a la tercera parte de la siguiente.

Paso Loop 7 hasta que puede "sentir" instantáneamente los tonos de acorde, incluso antes de llegar a ellos en el ejercicio. Por ejemplo, usted está pensando en D, pero se siente, ve, oye y G7 incluso antes de llegar allí. Visualizando el tercero y el séptimo como en el paso # 7 es esencial para escuchar una progresión operan en el oído de su mente. Después de la práctica de estas resoluciones, la oreja le guiará a través de los cambios mucho más suavemente. Su dependencia de las pistas de fondo o instrumentos comping disminuirá y usted se sentirá mucho más seguro.

Ejercicios de visualización basado en progresiones de acordes Común Aquí hay algunos ejercicios basados ​en progresiones de acordes se encuentran con frecuencia. Ellos son seleccionados a partir de los ejercicios que me encuentro a través de cada noche y continúan ayudarme enormemente.

Infinitas posibilidades de visualización Esto es sólo un punto de partida. Después de trabajar en estos ejercicios durante un tiempo, empezar a crear el suyo propio. Trate de experimentar con: Diferentes combinaciones de tonos acordes Tonos alterados de acordes, B9, # 9, B5, B13, etc. Otras progresiones de acordes que te encuentres con frecuencia Cualquier progresión que le da un tiempo difícil Azules cambios Cambios de ritmo Normas que está trabajando Las posibilidades de aplicación de visualización para ayudarle a convertirse en un mejor improvisador son literalmente infinitas. Diviértete probarlo y permanezca atento a un montón

más sobre la visualización en el futuro!

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El arte perdido de Buscando Nuance Publicado por Eric En 04 de mayo 2011 @ 08:44 am En Perspectiva, Transcripción | Comentarios discapacitados

Seamos sinceros. Como músicos improvisando, nos hemos convertido en obsesionado con notas. Obsesionado con armonía, acordes y escalas. Que escala a utilizar durante el cual progresiones del acorde, que disminuyeron escalas de jugar, más acordes dominantes, como jugar "afuera" como jugar "dentro", que los acordes pueden ser sustituidos por otros ... Incluso reducimos sonidos completos, llenos de sonoridades infinitas , hasta mísero escalas: "Oh, G7 # 9, solo tienes que jugar una escala alterada, trabaja cada vez!" Incluso cuando lleguemos en el buen camino y empezamos a transcribir solos de nuestros discos favoritos, puede ser fácil olvidar que estamos buscando algo más que las notas. Es a través de este proceso de imitación que absorbemos los estilos de nuestros héroes y comenzamos a crear nuestro propio sonido, pero esto implica mucho más que la simple determinación de los lanzamientos en un solista o la realización de un análisis teórico.

Más allá de las notas Libros de transcripción Innumerables han reducido solos enteros a meras sombras de lo que los regalos de grabación. Los tonos reales del solista son sólo una parte de la valiosa

información disponible en el expediente. Usted puede obtener las notas en la página, pero ¿qué pasa con la articulación, el tiempo, el tono, el tacto, el volumen, los acentos, sentir efectos idiomáticas, u otros "intangibles" del solitario que no se puede representar en forma impresa? Está escondido dentro de estos intangibles que encontrará la verdadera musicalidad del solitario. Los aspectos sutiles de expresión que hacen que sea personal, intrigante, y emocional. El entusiasmo audaz de Elvin, McCoy y Jimmy Garrison jugando detrás de Trane, la arrogancia en el sonido de Lee Morgan, la calidez y la alegría que emana de la campana de Clifford, el efecto de abrir los ojos de Miles y Wayne juega sobre bocetos de Herbie - éstas son las razones reales que escuchamos música. Si reduce todos estos aspectos para sólo las notas, ¿cuál es el punto de escuchar? Esto sería como un chef tratando de recrear un plato famoso y sólo la copia de los componentes básicos - los ingredientes - recrear el plato. El aspirante a chef tiene los bloques de construcción de la antena, sin embargo, la verdadera esencia del plato viene en la preparación y presentación. Cualquiera puede mirar una receta para encontrar los ingredientes, pero se necesita años de práctica para convertir esas piezas en una comida plenamente efectivos. Al final, es la técnica de la preparación, la personalización que viene con la experiencia, y las sutilezas de sabor que lo hacen único.

¿Qué falta en los libros de transcripción Todos nos hemos encontrado libros de solos transcritos o los compramos en un momento u otro. Por qué no? Usted puede obtener todas las notas y los secretos de los grandes con sólo mirar a una página, ¿verdad? El único problema es que estos libros no funcionan. No importa qué tan fácil o lógica parece, simplemente no puede aprender a improvisar con la lectura de una página. El verdadero beneficio de la transcripción viene de hacer la transcripción a ti mismo. Con el fin de estudiar las grandes voces del jazz y, finalmente, crear su propio concepto, tenemos que aprender directamente de los registros. El gran trompetista Clark Terry tiene que mucho codiciado calidad de muchos músicos maestros: la capacidad de crear la expresión musical y transmitir la personalidad con una sola nota. Después de escuchar una sola nota, se puede decir de inmediato que está la voz única de Clark Terry en el trumpet..but puede esto ser reflejado en el papel? Echa un vistazo a continuación en la apertura de 12 bares a su solo en un pie en el canal del álbum In Orbit. Sólo mirando a las notas, ¿cómo jugar este extracto ?:

Ahora, manteniendo su interpretación en mente, escuchar cómo suena realmente (en solitario comienza a las 1:19):

Como se puede ver en el ejemplo anterior, lo mejor que puedes hacer con una representación escrita de un solitario es una aproximación bien intencionado. Puede escribir las notas, trate por el ritmo, a averiguar las escalas y acordes, y llegar a un concepto basado únicamente en la teoría de la música, pero estas son todas de sentido sin la grabación. Pero ¿qué pasa con la lectura de un solo transcrito junto con la grabación? Si bien se puede aproximar el estilo del solo porque las notas son justo en frente de usted, el error principal, es que usted está dejando sus oídos totalmente fuera de la ecuación. Mediante la lectura de las notas, no está escuchando los intervalos de la solista, averiguar las progresiones de acordes, o la internalización de cómo las líneas se relacionan con los cambios. Puede imitar el estilo del solitario usted está leyendo desde un pedazo de papel a medida que

juega junto con un registro, pero cuando intenta crear su propio solista, podrás encontrarte golpear una pared.

Transcribir todo El primer paso para conseguir más por el proceso de transcripción, es transcribir absolutamente todos los aspectos del solitario. Aléjate de la costumbre de la transcripción que va directamente desde el registro de la nota de papel por la nota - el único fin de obtener los lanzamientos. Sí, cuando hayas terminado tendrás todas las notas de una página a la vista, pero ¿cuánto es que va a beneficiar a su juego? En su lugar, tomar una frase a la vez. Preste atención a la calidad del sonido, el tiempo y la sensación general de la solista. Emular cada articulación, cada acento, aunque cada respiración. Una forma rápida para absorber todos estos detalles sutiles es cantar antes te diste cuenta de su instrumento. Por cantar la frase, podrás imitar naturalmente, el tono, la articulación, la hora, y el volumen de su voz. A medida que aprenda el solo de esta manera, los matices de la musicalidad serán arraigados automáticamente en su juego.

Conseguir técnica pasado y teoría Por supuesto que hay que entender la armonía y las particularidades de la teoría de la música, pero esto por sí solo no es un medio para un fin. Debemos frenar nuestra obsesión con notas el tiempo suficiente para explorar los otros aspectos valiosos de la expresión musical, cosas como: Cómo hacer una declaración musical, cómo desarrollar una frase, las variedades tonales inherentes dentro de nuestros propios instrumentos y, posteriormente, dentro de nosotros mismos. En un entorno académico, se puede enseñar a los que señala el trabajo sobre un acorde y qué escalas son teóricamente "correcta", pero no se puede enseñar expresión. Esto debe venir de la imitación y estudio serio - inmersión total en los registros. Excelente técnica y conocimientos teóricos son necesarios, pero no son ningún sustituto para la musicalidad. Los matices de la expresión y la emoción en la música son lo que realmente significa crear para el oyente. Es una noción ampliamente aceptada entre los pintores que no importa lo que uno pinta, siempre y cuando esté bien pintado. Esta es la esencia del academicismo. No hay tal cosa como buena pintura de nada. ~ Mark Rothko

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F está para Esfuerzo: cómo jugar con el menor esfuerzo posible Publicado Por Forrest En 16 de septiembre 2011 @ 12:54a.m. En Inspiración, Perspectiva | No Comments

La máxima viejo "A es para el esfuerzo" no se aplica cuando se trata de la improvisación del jazz o tocar cualquier estilo de música. El esfuerzo es la última cosa que quieres. De hecho, buscamos sin esfuerzo. Cuando se trata de jugar a nuestros instrumentos, el objetivo final es ser lo más eficiente posible. Ningún movimiento o la mente en acciones en vano. Todo automática. Controlada y precisa. Por desgracia, a menudo pensamos que deberíamos estar ejerciendo esfuerzo para jugar a nuestros instrumentos. No se supone que ser fácil ¿no? Incorrecto. Se suponía que iba a ser fácil. El proceso físico y mental real de tocar nuestro instrumento debe ser tan fácil como sea humanamente posible.

¿Cuánto trabajo debería ser en realidad? Esto es completamente objetiva porque lo que ustedes llaman "fácil" siempre va a diferir de lo que yo llamo "fácil". Sin embargo, una buena regla general es que jugar nuestro instrumento no debe ser mucho más difícil que respirar. Si es así, usted está trabajando demasiado duro y su maestría musical tendrá mucho sufrir. Esto es válido para cualquier instrumento. Por ejemplo, si usted se sienta al piano y los dedos tropiezas y la tensión a la huelga las teclas, usted no está siendo eficaz, y que no será tan libre musicalmente como podría ser.

En un viento de madera como el saxofón, si toma un poco de esfuerzo para producir una nota, sólo pensar en la cantidad de esfuerzo que usted necesita para producir líneas? Todo: su mente, su cuerpo, su equipo ... todo debe estar alineada con la actitud de falta de esfuerzo y de ser lo más eficiente posible.

Pero los grandes ejercen mucho esfuerzo, ¿no? Esto es un mito, sin embargo, muchos lo creen. Han visto videos de sus jugadores favoritos o escucharon de los equipos extrema que utilizan y han determinado que sus héroes deben estar trabajando duro. Recuerdo a un chico que dijo que mientras que la escucha de Coltrane, se puede decir que él está jugando en las cañas muy duras, y por lo tanto, debería también. Esto es perjudicial en muchos niveles. No voy a discutir lo que era configuración particular de Coltrane, en lugar de eso, simplemente te ordeno que el vídeo a continuación. Respóndeme con honestidad. ¿Cree usted que Coltrane sería capaz de tocar lo que está jugando si tenía que ejercer mucho más esfuerzo que la respiración para tocar su instrumento?

Cualquiera que sea "fácil" fue definido por Coltrane, que logró. Para él, es como respirar. No importa cuál era su instalación porque no eres él. Lo que importa es que a lograr esto sin esfuerzo a través de lo que funciona para usted.

Relajar el cuerpo Cualquier movimiento que no está contribuyendo directamente a tocar el instrumento se desperdicia energía. ¿Esto significa que no pueda moverse o marcar con el pie? No, no es una regla que indica explícitamente que debe permanecer inmóvil. Es algo a tener en cuenta y pensar. Me muevo cuando juego y también lo hacen muchos jugadores. Lo importante es pensar en cómo su cuerpo se mueve cuando juegas y decidir qué movimientos que ayudan y que desperdician su energía. Por ejemplo, en el saxofón, cuando la gente juega cualquiera de las teclas de palma, alta D, Eb, E, y F, suelen cerrar de golpe con mano dura a estas claves, haciendo que toda la bocina para influir a cabo, mientras que su boca tensa y su dedos vuelan en el aire. En consecuencia, su sonido se cierra, su entonación agudiza, y la línea será disjunta. Es este movimiento o despilfarro desea? Mira Charlie Parker jugar. Sus dedos se ven como si apenas se mueven. Trabajar para desarrollar la eficiencia extrema con todas las operaciones mecánicas de su instrumento.

Recuerdo la escalada en roca con un escalador excepcional que me dijo que se estaba centrando en la cantidad de agarre que en realidad tenía que tener en la roca antes de que él se cayó. Se explayó diciendo que creemos que necesitamos un poco más de agarre bastante de lo que realmente necesitamos, y terminamos perdiendo un montón de energía en el proceso. Es lo mismo en el desempeño de nuestros instrumentos. Creemos que necesitamos para hacer estallar la forma más difícil de lo que realmente necesitamos, para alcanzar el volumen que deseamos, o pensamos que tenemos para mover nuestras manos vorazmente hacia arriba y abajo, atacando el teclado, cuando en verdad, podríamos flotar sin problemas en todo el todo rango del instrumento. Empieza a pensar más sobre el proceso físico de tocar el instrumento; entender que se trata de operar una máquina tan eficiente como sea posible y después de observar cómo se juega, (la forma de empujar hacia abajo las llaves de diferentes rangos, la forma de sujetar la boquilla, el modo de usar su aire, etc.) eliminar a la innecesaria y movimiento tenso.

La relajación de la mente No sólo ejercemos una enorme cantidad de esfuerzo perdido físicamente, sino también mentalmente. Nosotros ponderamos lo que la gente podría estar pensando en nuestro juego, o pensamos en el cambio de acorde acabamos fallido. Cuando la improvisación, nuestra mente debe estar en un estado de hiper-conciencia, en donde ambos estamos enfocados en nada y todo. Suena extraño, pero es este estado zen que muchos grandes improvisadores han descrito a mí. Es muy sencillo de detectar este estado cuando se ve una presentación en vivo de esta música jugado bien. El ambiente de este estado hiper-conciencia impregna todo el club. Aprender a relajar la mente y entrar en este estado requiere práctica. Un libro que me ha ayudado, así como muchos amigos y maestros, aprenden a entrar en este modo de pensar, es sin esfuerzo Maestría, escrito por el destacado pianista Kenny Werner. Enseña a un proceso de relajación profunda y clara de miras que ayudará a todos los que poner en el tiempo.

Deshacerse del esfuerzo La clave para la eliminación de esfuerzos innecesarios y llegar a un lugar de sin esfuerzo todo comienza con un cambio de paradigma, la transición de pensar que debe tomar una gran cantidad de esfuerzo para jugar uno de instrumento, en el entendimiento de que debería ser como la respiración, sin esfuerzo y sin problemas. A partir de ahí, se aprende a relajar el cuerpo y despejar la mente, al tiempo que permite el conocimiento almacenado en su mente a la superficie de forma orgánica.

Con un poco de simple observación de cómo mucho esfuerzo que necesita para desempeñar su instrumento y un poco de dedicación para eliminar este esfuerzo, que va a hacer grandes mejoras. Sé que este simple ejercicio, que toca el instrumento de un solo debe ser fácil, me ha tomado de no saber cómo sobresalir a un nuevo nivel, para entender cómo superar mis límites autoimpuestos. Pensar en ello durante un tiempo, lo pones en acción, y deberá definir nuevas alturas para ti también.

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El poder de uno Publicado por Eric En 04 de enero 2012 @ 02:11 am En Consejos para todos, inspiración, rutinas de práctica | No Comments

Es la época del año otra vez cuando hacemos listas ambiciosos de resoluciones y déjame decirte, 2012 se perfila a ser diferente. En serio ... todos esos años eran sólo practican carreras, este año estamos en realidad va a seguir adelante con nuestras resoluciones. Es muy fácil de hacer resoluciones de esperanza y la música no es una excepción. Para los músicos de jazz, esto significa hacer listas de canciones que queremos aprender, solos queremos transcribir, y el establecimiento de metas de práctica elevados. Hace un año, se recordará que hemos hecho una lista de las 100 resoluciones de los músicos de jazz. Piense de nuevo, qué intenta hacer ninguna de esas resoluciones? Más importante aún has de completar alguno de ellos? Usted no está solo si se cayó corto. La realidad es que la mayoría de los objetivos que nos planteamos musicalmente no se cumplen, esto es sólo cómo funcionan las cosas. Recibimos ambiciosa y establecer altas metas para nosotros mismos y luego nos apresuramos a la sala de prácticas. Sin embargo, después de unas semanas esta ambición se agota y la frustración lentamente establece en y todo lo que nos queda es esta meta inalcanzable que pende sobre nuestras cabezas. Esto en cuanto a establecer nuestro punto de mira a las estrellas.

No es un juego de números

Para muchos aspirantes a músicos, aprender a tocar jazz se convierte en un juego de números. Usted necesita saber más canciones, más líneas ii-V, transcribir más solos, tienen más técnica, el juego más rápido, jugar a lo más alto, etc. Más es mejor. Esta mentalidad se transfiere a la sala de ensayo y se refleja en nuestro proceso de fijación de metas. Hacemos una larga lista de canciones para aprender. Nosotros recogemos ambiciosamente decenas de solos para transcribir. Queremos sonar como nuestros héroes lo más rápido posible. La esos objetivos más irreal e inalcanzable, mejor nos sentimos acerca de hacer ellos. Cuando finalmente nos metemos en el cobertizo y ponerse a trabajar en el logro de estos objetivos, se obtiene rápidamente abrumado y terminamos abandonando nuestros objetivos. Esta más es mejor mentalidad puede funcionar para algunos para algunas metas en nuestra vida, sin embargo, cuando se trata de la práctica de la improvisación y la musicalidad, esta mentalidad está muy lejos. La gente no les importa cuántas canciones usted sabe ni cuántos solos has transcrito cuando escuchan a usted. Quieren escuchar música. Si conoces a un montón de melodías, pero no se puede improvisar más de alguna de esas canciones, buena suerte conseguir a alguien que te escuche. En lugar de la mentalidad de más, usted realmente va a mejorar por una vez mediante el establecimiento de una meta y dominarlo.

Escoge una cosa para trabajar en Ahora bien, esto no significa que usted puede escoger cualquier cosa o puede establecer cualquier meta y usted verá una mejora inmediata. Hay algunos factores importantes a tener en cuenta. Escoja algo que le interesa y musicalmente entusiasmado: El aprendizaje no debe sentirse como una tarea y el material que elija para trabajar en no debe sentirse como un proyecto de la escuela de que alguien más está forzando la garganta. Encuentra un objetivo que no se puede esperar para empezar a trabajar en en la sala de práctica y un tema que significa algo para usted Establezca una meta que se puede lograr en un período relativamente corto de tiempo: Cuanto más tiempo un proyecto toma y cuanto más grande es, más probabilidades hay de abandonarla. Elija algo que se puede hacer en unos pocos días o una semana. Partiendo de aprender una lista de 100 canciones o tratando de transcribir 20 de sus solos de favoritos se ve bien en el papel, pero cuando se trata de hacerlo, es una historia diferente. En vez elegir uno pequeño objetivo a la vez y completar cada una. Hacen de este un objetivo en el foco de su rutina de la práctica: Incorporar todos los elementos importantes de la práctica a través de este un objetivo - técnica, sonido, entrenamiento auditivo, tiempo, articulación, etc. Utilice esta melodía o en solitario para practicar todos los ejercicios musicales .

3 ideas meta alcanzable Cuando se trabaja en un pequeño objetivo, que no sólo está trabajando en un ejercicio aislado. Este objetivo puede abarcar todos sus ejercicios musicales. Es su billete de ida a la mejora - no parar hasta que lo termine. Aquí hay tres simples, pero las ideas desafiantes meta establecido para sí mismo en la sala de la práctica: I. Transcribe de un solitario Esta podría ser su primer trabajo en solitario nunca. Podría ser la primera que en realidad se complete todo el camino a través. Incluso podría ser el décimo transcribe en solitario, pero el primero que finalmente Ingrain auditivamente y se traducen en su juego. La parte difícil en cuanto a recoger un solo de transcribir es que hay tan muchos y cada solo parece mejor que el anterior. Una vez que finalmente elige un solitario te gusta, se escucha otra que podría ser mejor, es un solitario esencial que usted necesita aprender. La verdad es que no se puede aprender cada solo por ahí, así que ¿qué tal a partir de una sola? Lo mejor es escoger sus propios solos a transcribir, pero si usted está completamente atascado, esto no es un mal lugar para comenzar:

II. Aprender una balada Un punto débil para muchos jugadores es baladas. No sólo saber baladas, pero conociendo el arte de tocar la melodía y la elaboración de un solo en este estilo. Aquí está el truco: la memorización de las progresiones de acordes y melodía a más baladas no va a enseñarte a tocar una balada. Lo que va a conseguir es otra melodía y otra serie de cambios de acordes que usted tiene problemas para jugar otra vez.

En lugar de un ciclo sin fin de memorizar más melodías y progresiones de acordes, elegir una balada y aprender a tocar todos los aspectos de la misma. Melody, fraseo, progresiones de acordes, estilo, y así sucesivamente. Al acercarse a las melodías de esta manera podrás ver una diferencia drástica en su juego. III. Tome un pedazo de lengua a través de las 12 teclas El verdadero "poder" de un solo viene en su enfoque. En lugar de centrarse en varias líneas a la vez, apenas arañando la superficie, aquí vamos a hacer lo contrario. Centrarse en un pedazo de información hasta que lo domines. Nunca nos a través de nuestras listas de ambiciosos o beneficiarse de las numerosas transcripciones completamos porque no nos tomamos el tiempo para arraigar en realidad ellos y dominarlos. Es sólo más información que entra en nuestra memoria a corto plazo y se ha ido a los pocos días. Para mejorar, debe dominar pequeñas piezas de información como una línea, una melodía o una técnica. Me refiero a realmente dominarlas, hasta el punto de que nunca olvide. Esta es una de las claves para improvisar bien. Simplemente tome una línea que usted ha transcrito y llevarlo a través de las 12 teclas. Podría ser una línea II-V, un complejo de línea de tiempo doble, o incluso una idea breve sobre un acorde de los 7 principales. Una vez que tenga la línea original memorizado, lentamente llevarlo a través de cada tecla, el dominio de cada uno en el camino. Este simple ejercicio, si se hace constantemente, va a mejorar su juego más de lo que puedas imaginar.

¿Cuál es tu meta Estas son sólo algunas ideas para empezar. Estoy sugiriendo que usted escoja una meta, sino que uno de los objetivos es totalmente de usted. ¿Qué es lo que quiere lograr musicalmente? ¿Qué áreas de tu juego que están dando problemas? ¿Qué jugadores amaría a sonar como? Estas son las preguntas que usted necesita preguntarse a sí mismo al realizar sus metas. Su misión es empujarse hacia adelante y apuntar alto, pero como hemos dicho, el establecimiento de objetivos poco realistas en realidad le retroceder. Elige una meta alcanzable que usted definitivamente completo y en muy poco tiempo, se le superas esas viejas resoluciones que establezca fielmente año tras año.

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El propósito subyacente de Jazz Idioma Publicado Por Forrest En 02 de enero 2012 @ 12:00a.m. En Jazz Idioma | No Comments

El aprendizaje de idiomas es sin duda el aspecto más importante de aprender a improvisar. Cuando usted comienza a usar el idioma que has trabajado en sus solos, empiezas a darte cuenta de lo poderoso que realmente es. Te sientes como una nueva perspectiva se ha abierto a usted; que finalmente entienda. Pero luego, con el tiempo, este sentimiento se desvanece de forma natural ... En lugar de sentir que tienes algo descubierto, ahora se siente como todo lo que estamos haciendo es copiar e insertar en las mismas líneas, una y otra y otra vez. Esto puede ser la sensación de la frustración en el mundo, sobre todo si no tienes idea de cómo salir de esta situación y volver a mejorar. ¿A donde vas desde aquí? Un lector recientemente nos escribió que describe esta misma situación. Él agarró un montón de líneas de grabaciones que él ama y él incluso les aprendido en todas las claves. El problema: él se siente como todo lo que está haciendo es copiar y pegar la lengua. Está tan frustrado, escribe, que podía llorar. No te preocupes. Todos hemos estado allí. Esto puede ser muy frustrante y empuje casi cualquier persona a ese punto.

Por lo tanto, vamos a echar un paso a la vez.

Hacer su propio idioma Antes de profundizar en el propósito subyacente del lenguaje, no es un paso importante que usted debe tomar con todo el lenguaje se trabaja en. Tome la lengua y adecuarlo a tu gusto. Revise que el artículo y llevarlo al corazón. Adquiera el hábito de preguntarse, "¿qué podía hacer con este pedazo de la lengua?" Experimento, y tratar de llegar a algo que te gusta. Las diferencias no tienen que ser tan grande tampoco. Es tan fácil como la articulación de una o dos notas ligeramente diferentes, o el final de la línea un poco diferente, o el cambio de un solo campo. En realidad, no es tan difícil como usted piensa. Tome una línea que está trabajando y tratar de cambiarlo en un solo sentido. Hazlo tuyo. Esto es algo que se hace en la sala de la práctica, no en el escenario. Por supuesto, cuando estás realmente improvisar en el escenario, que va a cambiar todo lo que has trabajado en tiempo real. Pero en la sala de práctica, usted tiene el tiempo para pensar en cómo le gustaría modificar la línea dada su propia preferencia personal. ¿Por qué es esto tan importante? Bueno, es muy importante por varias razones. En primer lugar, este proceso le da una verdadera flexibilidad con la línea. Se aprende que la línea puede actuar como un trampolín para su propia creatividad, en lugar de algo que se reproduce la nota por nota todo el tiempo. Con la práctica, se hace más fácil y más fácil de modificar las líneas, en tiempo real, por lo que la línea de una herramienta increíblemente útil durante la ejecución. Y en segundo lugar, hacer su propio idioma impulsa hacia su propio estilo. Si usted tomó cada línea que transcribe y cambiado de una manera que refleja lo que quiere decir musicalmente, no podía dejar de estar más cerca de su verdadera voz, sin dejar de hablar en el idioma del jazz.

Use un lenguaje para escuchar los cambios Así que imagine que usted ha hecho un lenguaje propio, ¿y ahora qué? ¿No ser sólo copiar y pegar estas líneas ahora? Absolutamente no. No importa qué idioma que ha acumulado, y no importa si ha modificado de ninguna manera, el secreto está en la forma de ver el propósito del lenguaje. ¿Cuál es el propósito de la lengua? ¿Es para tener frases para jugar en cualquier situación armónica? ¿Es para saber lo señala el "trabajo" sobre diferentes acordes? ¿Es para saber tocar las notas en términos de articulación y se siente?

La respuesta es sí. Sí, sí y sí. Aprender el lenguaje es para todos estos propósitos y muchos más. Como he dicho al principio de este artículo, el lenguaje es sin duda el aspecto más importante del aprendizaje de esta música. El aprendizaje del lenguaje cubre tanto terreno porque estás aprendiendo a qué jugar, cómo jugar, y cuándo jugar, todos a la vez. Usted no puede conseguir mucho más directo que eso. Pero si cambiamos la pregunta un poco, podemos surgir en algo menos esperado. ¿Cuál es el propósito subyacente del lenguaje? O para aclarar lo que quiero saber, ¿cuál es el propósito no tan obvia de la lengua? En términos de aprendizaje de idiomas, usted está aprendiendo una frase que tiene melodía y el ritmo para una situación armónica específica. Lo que estás haciendo en un nivel profundo es aprender a escuchar unidades melódicas de información para los diferentes sonidos armónicos que se encontrará. Y no sólo está entrenando a su oído para oír cómo estas melodías expresan estas diversas armonías, usted está enseñando sus dedos dónde acceder a esta información. En otras palabras, usted está aprendiendo a escuchar lo que quieres jugar, y que está aprendiendo a tocar lo que se oye. Ese es el objetivo y todo es allí mismo, en el proceso de la transcripción y el aprendizaje de idiomas. Así que de vuelta a nuestra pregunta, ¿cuál es el propósito no tan obvia de aprendizaje de la lengua? El propósito no tan obvia de la lengua de aprendizaje es aprender a escuchar una línea continua sobre cualquier progresión. Si usted puede hacer esto, se puede escuchar cada acorde, usted sabe dónde usted está en la forma de la melodía en todo momento, y usted tiene un flujo constante de ideas para jugar. Siempre se puede tener más lenguaje, pero para llegar a este punto en el que tiene una línea continua que fluye a través de su mente sobre un blues o otra forma sencilla, en realidad no necesitas un montón de lenguaje. AIM a aprender menos, pero más a fondo y obtendrá allí. Ok, pero la pregunta de nuestro amigo está todavía parcialmente colgando. Quizás él comenzará a practicar haciendo líneas de su propia, pero ¿qué sigue?

Dejando notas cabo Una vez que entienda que el aprendizaje de la lengua es todo acerca de llegar a este punto en el que tiene una línea continua a su disposición, es el momento de aprender a no jugar todo lo que oyes. A tomar decisiones. Los realmente muy rápido. De hecho, la mayoría de ellos son tan espontánea e intuitiva que te das cuenta de que apenas se está haciendo ellos. Rich Perry siempre expresaría a mí que él es consciente de estas decisiones mientras los hace. Él oye mucho más de lo que su equipo juegue. Lo que usted elija para jugar y lo que decide no jugar definirá cada frase se juega: las notas reales, así como el espacio que les rodea. Para responder a la pregunta del lector directamente, una vez que tenga la lengua a su

disposición, deje de jugar todo. O, más precisamente, para cualquier pieza dada de la lengua, deje que se conecte con otras piezas de la lengua para formar un largo flujo continuo de información melódica que atraviesa el oído de su mente en el tiempo en los cambios de acordes, y sólo elegir algo de lo que ' re audiencia para jugar realmente. Tal vez más de una medida que escuche una cadena continua de corcheas, pero en vez de jugar todo, se oye toda la cadena de ejecutar a través de su mente, pero sólo elige jugar los primeros dos corcheas, y tal vez los dos últimos, ya que conectan a la siguiente frase. Elija lo que trae a la vida. Se oye todo, pero sólo selecciona parte de de lo que se oye a jugar realmente. Entonces una vez que usted practica todo escuchar y sólo jugando piezas de la misma, permitir que las piezas que decide jugar a variar en el momento así. Esto es bastante difícil de describir. Es algo que sólo tienes que trabajar y que sólo va a conseguirlo. Practique tomando unos trozos de lenguaje que conoce muy bien a través de una progresión de cuatro medidas. Escucha y jugar una línea continua a través de estas cuatro medidas tan lentamente como sea necesario. Entonces, escuchar al oído de su mente toda la línea, pero sólo tocar una pieza pequeña de ella. Luego, trate de jugar dos pequeñas piezas separadas de él. Sigue practicando de esta manera hasta que se vuelve fácil de escuchar toda la línea, pero sólo tocar partes de ella. Y después de eso, trabajar en dejar que los ritmos y melodías cambian en tiempo real de las partes de la línea que usted juega, o en su lugar, predeterminar estos cambios en la línea, si eso hace que sea más fácil de practicar para usted. La clave está en no sentir que tienes que jugar todo y aprender a elegir intuitivamente partes de la línea para jugar, y partes para excluir. Entre esta técnica y haciendo líneas su cuenta con su propio estilo, el poco creativo copia y pegar mentalidad nunca le perseguirá de nuevo.

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Visualizar Progreso Musical Publicado por Eric En 23 de septiembre 2011 @ 08:20 am En Consejos para todos, Visualización | No Comments

La visualización puede ser una herramienta muy poderosa cuando se trata de alcanzar sus metas. Todos, desde los atletas profesionales a los bailarines de ballet han utilizado esta técnica sencilla, pero eficaz en toda la formación y la competencia para alcanzar su nivel máximo de rendimiento. La simple tarea de prepararse mentalmente para los desafíos e imaginar el éxito puede transformar y mejorar drásticamente su interpretación musical. En la visualización de Jazz Improvisación, se discutió la idea de utilizar la visualización para cultivar las técnicas involucradas en la improvisación. Una vez que haya explorado los beneficios de la visualización de los tonos de acordes y la progresión, no se detienen ahí. La técnica de la visualización se puede utilizar para influir positivamente en cada aspecto de su juego y el rendimiento. A continuación se presentan cuatro ideas más para el uso de esta técnica para mejorar su musicalidad totales.

Visualizar el sonido Como músico, su sonido es uno de los aspectos más importantes de su juego. Si usted juega la trompeta clásica, guitarra popular, o el piano de jazz, su sonido es el primero que llega a un oyente; y es el único aspecto de su maestría musical que puede hablar directamente con las emociones del oyente. Sin embargo, contrariamente a lo que mucha gente piensa, su sonido no proviene de la boquilla que utiliza, el modelo de instrumento que toque en, o las cajas de pinturas que estudiar. Sí, estos factores pueden influir en su sonido, pero los orígenes del sonido que

producen ejecutar mucho más profundo. Es el concepto de sonido en su mente, el sonido que se oye en su cabeza, que determina lo que va a salir de su instrumento. Incluso antes de trabajar en tonos largos o cualquier otro ejercicio de sonido, "el sonido" ya está determinado en su mente. Las grabaciones que usted ha escuchado, los jugadores que he admirado, los conciertos que asista todo ello contribuye a una imagen mental del sonido que se va a producir en su instrumento. Si no estás contento con el sonido que tiene en este momento, en lugar de mirar a fuentes externas, estudiar el sonido en el interior de su mente. Comience por la visualización de su sonido ideal en su instrumento. Ponga en una grabación de su jugador favorito, alguien que desea que sonaba. Como usted está escuchando la grabación, cierra los ojos e imagina que eres tú es jugar; visualizar lo que se sentiría como para producir ese sonido increíble y arraigar en su mente. La próxima vez que usted toma su instrumento, recuerda este sonido y sentimiento y te garantizo que su sonido tendrá una nueva energía a la misma.

Visualización de superar las barreras Todos tenemos áreas en nuestro juego que nos dan problemas y ciertos aspectos de nuestro desempeño que deseamos eran mejores. Tal vez usted está luchando con la técnica de dedo o usted está teniendo dificultades para producir una articulación. O te encuentras pensando: "Si sólo tuviera una alta gama gritando yo sería capaz de ..." Muchas veces, sin siquiera saberlo, estas áreas problemáticas de nuestro juego se definen en nuestra mente como "duro". Antes de que jugamos una sola nota en nuestro instrumento, creamos esta barrera mental que detiene inmediatamente nuestro progreso. Llegamos a ser tensos, nuestra respiración se vuelve dificultosa, y nos encerramos previendo mentalmente esta difícil tarea que debemos soportar. En vez de ir a todos los días esperando una batalla cuesta arriba, intentar algo diferente. Imagine esas técnicas difíciles no como fuente de miedo y pavor, pero como ser sin esfuerzo y fácil. Comience con una respiración tranquila y relajada, liberando cualquier tensión en su cuerpo. Ahora en el ojo de tu mente imagínese a sí mismo sentado en su instrumento o recoger a su cuerno. Tome una profunda respiración completa como lo haría mientras toca su instrumento y asumir la posición como si estuviera a punto de jugar una nota. En su mente, imagínese a sí mismo sin esfuerzo de realizar esa técnica dedo previamente difícil y producir fácilmente esas notas altas imposibles. Siente la facilidad en su cuerpo y escuchar el sonido de las notas claramente en su mente. Si usted es un jugador de viento, soplar el aire hacia adelante como si estuviera jugando en realidad la bocina. O, si usted es un pianista, baterista o bajista, lleve sus manos hacia arriba y pensar que usted está puntear una cuerda, golpear una tecla, o golpear un platillo que como usted se centra en que la

visualización de esfuerzo. Al hacer este ejercicio de visualización sencilla, puede facilitar un cambio sorprendentemente positivo en su juego. Ahora bien, esto no quiere decir que el logro de estas técnicas no se tomó ninguna práctica o tiempo para desarrollarse, pero la eliminación de una barrera mental negativa puede ser la diferencia entre la consecución de sus objetivos y sin fin que lucha con una técnica difícil.

La corrección de malas prácticas A veces los días más duros como los músicos son cuando nuestra práctica es simplemente no va bien. Esos días en la sala de ensayo donde nada parece estar funcionando y el simple hecho de conseguir a través de un etude se convierte en una lucha dolorosa. Antes de bash instrumento contra la pared y la tormenta fuera de la habitación gritando de frustración, tomar un segundo para poner las cosas en perspectiva. Es inevitable que de vez en cuando todos tendremos días como este y aprender a superarlas pueden convertir un día frustrante en una sesión productiva. Cuando usted encuentra día como éste, puso todo y salir de la sala de ensayo para un rato. Salir a la calle, tomar un peso de encima, y ​cierra los ojos. Trate de recordar la última vez que jugaste cuando todo se sentía muy bien, donde jugando era fácil y divertido. Ahora centrarse en exactamente lo que hizo de esta manera: ¿Cómo se sintió físicamente para jugar de esa manera? ¿Qué se siente como el que estaba respirando? Recordemos el estado mental tranquilo, confiado de que estabas en. ¿Qué palabras o conceptos clave estabas pensando como jugaste esta manera? Recuerde que la facilidad con la que las notas salían y la emoción se sintió. Ahora, con esas ideas firmemente plantados en la mente y el cuerpo, volver a la sala de ensayo. Imagínese que usted está entrando en la sala por primera vez en el día. Con esos recuerdos frescos en su mente, volver a su instrumento y en lugar de la frustración y la tensión, el objetivo de la relajación y concentración.

Visualización de rendimiento sin esfuerzo El rendimiento puede ser una experiencia emocionante y gratificante. Y, como todos sabemos, también puede ser uno lleno de nervios y ansiedad. Las situaciones que realizamos en como músicos van desde partidos del patio trasero ocasionales a las audiciones del nervio-trasiego. Independientemente de la atmósfera, nuestro objetivo es estar tranquilo y confiado en todo el rendimiento que le damos. Sin embargo, esta es una tarea difícil de lograr, sobre todo cuando hay mucho en juego. Aquí es donde la visualización puede tener precio. Antes de cualquier actuación que pueda tener el uso de la técnica de la visualización para crear mentalmente una gran actuación. Al igual que con los otros ejercicios discutidos anteriormente, siga las mismas técnicas: la imagen de su

auto en el escenario, respira tranquilo y confiado, y escuchar el sonido enfocado de su primera nota hasta el final de la nota final. Cada paso del camino visualizar juego sin esfuerzo y un estado de calma y centrado de la mente. Cuando llega el tiempo de rendimiento y se siente un poco de nerviosismo en la fluencia, recordemos que visualiza el estado de éxito y entrar con confianza. El mismo concepto se aplica a una actuación improvisada. Visualice su sonido, su articulación, oír las melodías y acordes a las canciones en su lista de canciones, e imagínese jugando creativamente sobre esas melodías familiares. La visualización puede transformar su rendimiento, pero recuerde que la mejor apuesta para un sólido desempeño se debe a la confianza de horas y horas de práctica. Ya sea que esté realizando en una sala de conciertos, interpretando las normas en un club, o poner en el tiempo en la sala de la práctica, utilizar las técnicas descritas anteriormente para visualizar su máximo rendimiento.

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Claves para la Escala alterado Publicado Por Forrest En 16 de julio 2010 @ 21:59 En Acordes, Conceptos, Consejos | 1 comentario

La escala modificada permite el acceso a las hermosas tensiones de un acorde dominante en un instante. El uso efectivo de esta escala, sin embargo, no es fácil. En este artículo, hemos reunido lo que he encontrado que son las claves para la utilización de la escala alterada en todo su potencial.

Obtenga más allá del acceso directo a la escala modificada Para encontrar las notas apropiadas para una escala alterada, sólo tiene que ir un paso medio de la raíz del acorde y reproducir la forma ascendente de la escala menor melódica (una escala mayor con un tercer bemol). Así, en el G7, que jugaría Ab menor melódica a partir de la G, y voila, usted está jugando G alterada. Yo llamo a esto un atajo por una razón. ¡Porque es! Poco a poco, ir más allá de lo ... conociendo la escala ya que es propia entidad.

Conocer la escala como su propia entidad Recuerdo asistir a un campamento de jazz de Jamey Aebersold en Louisville, Kentucky, a los 18 años y tener una auténtica gozada! El jugar con los grandes músicos, aprender de los profesionales, he disfrutado de verdad cada minuto. Un caso relevante a la discusión de las escalas alteradas viene a la mente. Jerry Coker dijo a nuestra clase que él y Jamey no estuvo de acuerdo en un tema principal sobre la escala modificada. Jamey sentía que no es gran cosa para pensar en la escala modificada como un modo de la menor melódica, sin embargo, Jerry Coker con firmeza, pero con respeto, se opuso a Jamey, afirmando que el conocimiento de la escala como su 'propia cosa "era absolutamente necesaria para utilizarlo con eficacia . Jerry cree que el conocimiento de la escala de forma independiente de la escala menor melódica permitiría improvisadores para acceder a la escala más rápidamente, y por lo tanto, lo use con más facilidad. Lo sentimos Jamey, pero me tengo que ir con Jerry en este caso. Utilizando la escala menor melódica para derivar la escala alterada está bien para empezar, pero para utilizar la escala alterada en todo su potencial, es importante contar con la escala bajo los dedos y en su mente sin tener que pensar en su menor melódica relacionada.

Saber cuándo utilizar la escala alterada Símbolos de acordes que implican la escala alterada son G7alt., G7 # 9, b13 G7 y estoy seguro que existen otras variaciones. El uso de la escala alterado es de ninguna manera limitada a donde un gráfico llama explícitamente. En realidad, cualquier acorde dominante resolver por una quinta parte (G7 a Do mayor) puede tomar la escala modificada.

La única cosa a mirar para, sin embargo, es un acorde dominante que tiene un noveno alterado y un 13 natural, anotada comúnmente como G7b9. Si un acorde tiene un 13 natural (E en el caso de G7) incluido con 9ths alterados (AB y A # en el caso de G7), a continuación, que juegan Eb (o D #), el b13th (igual que # 5) entrará en conflicto con el armonía.

Sepa lo que las notas alteradas están en relación con el acorde Aún más importante que saber la escala, es saber cómo cada nota de la escala se relaciona con el acorde, por ejemplo, saber al instante que D # es el # 5 de G7, Ab es la B9, C # es el # 11, y A # (Bb ) es el # 9. Recuerde, la escala modificada es sólo una manera conveniente de conceptualizar los sonidos alterados en un acorde de dominante y ponerlos a disposición de forma rápida.

No se limite a correr arriba y abajo de la escala Suena obvio, así que ¿por qué insisten en continuar con la gente para funcionar simplemente subir y bajar escalas como si estuviera improvisando? No es. El aprendizaje de la escala es sólo el comienzo.

Obtener una idea de cómo los maestros hacen ¿Podría enumerar un montón de lame alterados aquí para que usted practique? Claro. ¿Le ayudará. No. No dude en desacuerdo. Por el contrario, Transcribe tus héroes a ti mismo para tener una idea de cómo se obtienen de la escala / sonidos alterados y se beneficiará inmensamente.

Entender todas las resoluciones en la escala modificada La escala alterada es un sólo una forma rápida de acceder a las tensiones alterados. Esto en sí mismo no es muy potente. Sin embargo, tener una base sólida de lenguaje del jazz para sacar de, junto con una comprensión de cómo resolver la perfección estas tensiones, le permitirá ejercer el poder de esta escala.

El b9 (Ab) resuelve a 'G', el 5 de Do mayor El # 9 (técnicamente A #, pero se muestra aquí como Bb) resuelve a 'A', el 13 de Do mayor El b5 (igual que # 4 y # 11, Db o C #) se resuelve con más fuerza hasta "D" el 9 de C, que hasta la raíz de Do mayor. El # 5 (igual que b6 y b13, Eb o D #) resuelve a 'D', el 9 de Do mayor. El b7 (F), se resuelve a E, el tercero de Do mayor. (Esto no es una tensión alterada) Hay una gran cantidad de información embalado en este pequeño ejemplo. Entender que sólo hay cuatro tensiones alteradas presentes en la escala modificada y que la gente con

frecuencia los llaman por nombres diferentes, para hacer un mundo de confusión. Familiarizarse con cada una de estas tensiones y cómo cada uno se resuelve. Conocer estas resoluciones no significa que usted necesita para jugar abiertamente en sus líneas. Sabiendo que le da un firme entendimiento de lo que está sucediendo armónicamente y le ayudará a guiar a su oído. Cuando la transcripción de sus jugadores favoritos, ver cómo se resuelven y se ocupan de estas tensiones.

Comprender la relación de sustitución tritono a la escala modificada El sub tritono del G7 es Db7. Levante el 11 de Db7 (Levante la F # G a lo que la escala no contiene la séptima mayor del G7) haciendo el acorde Db7 # 11 y tienes las mismas notas exactas como la escala alterada G. Sabiendo que la escala alterada y el sub tritono esencialmente dos formas de ver la misma cosa, usted podría elegir jugar el sub tritono (Db7 # 11), o en este caso el tritono sub pentatónica (Db / C # pentatónica) como Michael Brecker hace en medida cuatro de su solo en "Suspone."

Utilice segmentos escalares de la escala Al empezar a utilizar la escala alterada en sus solos, es posible que todavía tiene que pensar en el menor melódica relacionada. Segmentos escalares son una buena manera de empezar. Este ejemplo es 12345321 de Ab menor melódica. Invente sus propios segmentos escalares de una manera similar.

Poco a poco, tendrá estas notas en sus extremidades del dedo, sin tener que pensar en el menor melódica relacionados. Usted acaba de saber que Ab es la b9 del G7, y así sucesivamente y así sucesivamente.

Reproducción de un par de notas de la escala puede ser muy eficaz Sonny Rollins con frecuencia toma un par alterado notas y crea hermosas melodías y secuencias de ellos. Echa un vistazo a este ejemplo de su solo en "Tenor Madness" en el cambio del segundo coro.

Sonny utiliza el b9 y # 9 para crear una melodía secuenciado. Se produce a 2:39 en el video. Rich Perry tuvo a practicar el uso de un par de notas de la escala alterada pasando a través de canciones y seleccionando pares de notas alteradas para jugar en cada acorde, como en el siguiente ejemplo. Aquí Elegí # 5 y # 9 y volvería a través de una melodía entera jugando a este par donde pude. Usted puede hacer sus propios pares de la selección de las tensiones alterados: b9, # 9, # 11 (igual que el # 4 y b5), # 5 (igual que b6 y b13). Prueba esto más de un blues o un estándar que se está trabajando.

Es obvio Rich ha practicado y dominado estos sonidos alterados!

Utilice tonos cromáticos de paso entre las notas alteradas Adición de tonos cromáticos de paso entre notas alteradas es una manera eficaz para enfatizar las tensiones alterados específicos. Por ejemplo, tomemos el ejemplo de Michael Brecker:

Mediante la inserción de notas de paso cromático entre las notas alteradas, Brecker controla qué tensiones tierra en tiempos fuertes (las notas en los tiempos fuertes van a sugerir la estructura subyacente de la línea.) En esta línea sobre el G-7, Brecker pone el b7, b13, # 9 y b9 en latidos abajo. Mira cómo los grandes utilizan tonos que pasan a la tierra a propósito de las notas alteradas específicas sobre los tiempos fuertes. Una vez que se entiende la idea general de la inserción de tonos que pasan, usted puede crear sus propias escalas bebop alterados. Aquí hay unos ejemplos: Esta es la escala alterada con una nota de paso entre la raíz y séptima dominante, similar a la escala dominante bebop. Pone 1, b7, # 11 y # 9 en tiempos fuertes.

Esta es la escala modificada con una nota de paso entre el b13 y # 11. Pone 1, b13, # 11 y # 9 en tiempos fuertes.

Aquí está una escala bebop alterado nota de diez. Esta es la escala alterada con notas de paso en entre la raíz y b7, y entre b7 y # 11. Pone 1, b7, b13, # 11 y # 9 en tiempos fuertes.

También puede dejar notas de la escala como en este ejemplo. Inserté pasando tonos entre la raíz y b7, y entre b7 y # 11, y luego dejé el tercero (E) de la escala.

Lo más importante acerca del uso de estas escalas bebop es saber cómo integrarlos musicalmente en su juego. Para reiterar, no acaba de funcionar sin pensar hacia arriba y abajo escalas. Eso no es improvisar.

La incorporación de la escala alterada en su juego Esta es una combinación de la comprensión de la escala dentro y por fuera (resoluciones, relación de cada tensión a la cuerda, y el resto de los puntos discutidos previamente) y peinado que la comprensión del lenguaje. Una forma sencilla de hacerlo es el siguiente proceso: Aquí hay una mano Charlie Parker sobre una medida ii V

Esta es una situación frecuente: He transcribí una línea y ahora quiero hacer mi propia. En el siguiente ejemplo, me he impuesto la escala alterada sobre la línea.

Usted puede hacer esto con cualquier línea de transcribir. Trate de escribir algunas variaciones como lo hice aquí y luego tratar de improvisar (en lugar de la escritura) alrededor de la línea transcrito, usando los sonidos alterados, como base para la forma de cambiar la línea. Este método le ayudará a integrar rápidamente la escala alterado en su juego en una forma musical basado en el lenguaje de jazz.

Trascendiendo la escala alterada Al practicar todo esto alterada, se producirá un cambio de paradigma. Suponiendo que usted está aprendiendo G7alt. El proceso puede ser algo como esto: Juega Ab menor melódica Juega Ab menor melódica de G a G Juega un blues y jugar 12345321 de Ab menor melódica en cada acorde G7 Transcribir algún lenguaje alterado que se escucha en una grabación para tener una idea de cómo los maestros hacen Comienza a sentir y escuchar G alterada, ya que es una entidad propia Comienza saber instantáneamente que Ab es la B9, Bb (A #) es el # 9, D # es el # 5, y C # es el # 11 Comience a utilizar pares de notas alteradas más acordes dominantes, mientras que la comprensión de cada acuerdo. Ser capaz de pensar en Db7 # 11 (sub tritono) como otro punto de vista de los mismos sonidos alterados Transcribe un lenguaje más alterada que se escucha en una grabación (que podría insertarse como cualquier otra medida ;-)) Elija que alteró las tensiones que desee en tiempos fuertes mediante la inserción de medios pasos en varios lugares Ser capaz de tomar las líneas que transcribir e imponer el sonido alterado en la parte superior de ellos escribiendo una nueva línea Ser capaz de tomar las líneas que transcribir e imponer el sonido alterado en la parte superior de ellos mediante la improvisación alrededor de la forma y la estructura de la línea Libremente, comience con confianza, y musicalmente para aplicar los sonidos alterados con acordes dominantes en melodías que está trabajando Este proceso es una muestra. No es un paso a paso "cómo". El punto es, se empieza de manera muy sencilla con una pequeña cantidad de información y en un corto período de tiempo, usted acumula mucha información de mirar la misma cosa. El cambio de paradigma es la mezcla y combinación de toda esta información. Vas a trascender la idea de la escala alterada, sabiendo automáticamente el alterado sonidos que desea destacar y la mejor manera de hacerlo.

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Cómo Escalada me enseñó cómo abordar la improvisación Publicado Por Forrest En 20 de mayo 2011 @ 07:59 am En Perspectiva | No Comments

La lluvia torrencial no se detendrá. Día tras día se derrama, manteniéndonos dentro. Después de un invierno épica, el clima ilumina y el sol absorbe la humedad en las rocas. Por último, la temporada de escalada en roca está en pleno apogeo. Yo hago la caminata hasta las rocas, tiza mis manos, y me voy a la ciudad. Sé lo que estás pensando. ¿Qué hace la escalada en roca tiene que ver con aprender a improvisar? ¿Estoy aún en el lugar correcto? ¿Qué diablos está hablando? Relájese. Estás en el sitio correcto. Este es un sitio sobre la improvisación del jazz. Pero aprender a improvisar no es tan corta y seca. Y muchos aspectos de su vida proporcionarán sorprendente idea de cómo acercarse a sus esfuerzos musicales. He sido un ávido escalador de roca desde que estaba en mi adolescencia. La serenidad de la naturaleza combinada con el superhéroe-sensación de ascender torres verticales de roca; no hay nada que se le parezca. Constantemente mejorando a esta actividad engañosamente cerebral me ha llevado a algunas ideas únicas sobre cómo abordar la improvisación aprendizaje. No es necesario ser un

escalador o incluso haber sabido que era un deporte para ganar valor a partir de estos puntos. Y tal vez inspire a mirar a otras partes de su vida para perspectivas alternativas sobre cómo aprender música.

Volviendo a una base sólida La lluvia sin fin he descrito al principio de este artículo describe con precisión el clima de este año pasado en gran parte de los Estados. Por desgracia, la lluvia hace que para la escalada horrorosa. Después de mucho tiempo en el interior, el clima se aclaró, y finalmente conseguí fuera de las rocas. Uno pensaría que después de ocho meses de escalada que tendría que comenzar en un nivel significativamente más bajo que yo estaba acostumbrado, pero yo simplemente nos montamos en las mismas subidas que trabajé hasta la temporada pasada. ¿Cómo es esto posible? Ir meses sin hacer algo y sólo ser capaz de poner en marcha donde lo dejó. Es posible porque me he pasado años desarrollando una base sólida y inculcar los conceptos básicos de este deporte, los movimientos del cuerpo que componen muchas de las mismas situaciones se van a encontrar. He "Wired" los movimientos precisos de subidas particulares hasta el punto de que no tengo que pensar en ellos. Acabo de hacer ellos. Del mismo modo, a pesar del tiempo de distancia o menos tiempo dedicado a la práctica debido a un horario rendimiento ocupados, construyendo una base sólida en el ámbito de los resultados de improvisación en la capacidad de volver constantemente a un determinado nivel de competencia. Pensar en términos de desarrollo de una base sólida frena la sensación abrumadora de que el aprendizaje de la improvisación del jazz es interminable, ya que pone una cantidad finita de trabajo sobre la cantidad infinita de información que podría explorar. Comience por determinar lo que se consideraría una base sólida y centrarse en él hasta que lo tienes. He aquí una sugerencia para lo que esta base podría incluir: Un blues, conocido dentro y fuera, con fluidez en todas las claves Un ritmo cambia melodía, conocido dentro y fuera, con fluidez en todas las claves Una balada, conocido dentro y fuera, con fluidez en todas las claves Unos estándares en varios tempos, conocidos dentro y fuera, con fluidez en todas las claves 10 piezas de lenguaje del jazz, conocido dentro y por fuera, en todas las claves Una idea clara de lo que quiere que su sonido (tono) para ser Usted puede manejar eso, ¿verdad? Poniendo de esta manera, a primera vista no parece ser mucho trabajo, pero en realidad jugando como quieres con esta cantidad finita de material requiere de tiempo y dedicación. Basta pensar, aunque si pudiera siempre, en lo mínimo, volver a esta base de conocimientos cada vez que recoja su cuerno incluso si no has jugado en meses. Con la construcción de esta base, siempre tendrás algo para anexar sus nuevos conocimientos

a. Con el tiempo, su base se expande para incluir este nuevo conocimiento y usted constantemente volver a este nivel más alto en el futuro. Pensar en términos de desarrollo de una base y en constante expansión que le ayudará a aprender una menor cantidad de información de una manera más profunda. Te encontrarás retener más información y el aprendizaje de los conceptos con facilidad.

Acercarse melodías como "problemas de Boulder" Cada subida es sobre la resolución de problemas. Ya se trate de una "ruta" (una subida de pleno derecho, que implica normalmente cuerdas), o un "problema de roca." Aunque una vez utilizado estrictamente para fines de capacitación, en los últimos decenios, el boulder se ha convertido en su propio arte a partir. En lugar de utilizar cuerdas y ascendiendo cientos o miles de pies, bouldering utiliza típicamente no hay cuerdas y permanece mucho más cerca del suelo. Para diferenciar entre estas subidas de altura, el nombre de cada una subida en el género de búlder es un problema del canto rodado. La idea es exactamente lo que suena. Cada problema roca presenta algún tipo de desafío único, resuelto a través de la resolución de problemas críticos, no muy diferente de la elaboración de un problema de matemáticas. Tunes son similares a los problemas de boulder. Cada uno tiene sus propios problemas únicos que se aprende por regresar a una y otra vez, cada vez que se acercaba a ellos con una visión más clara que antes. A menudo, un escalador recogerá un problema roca y trabajar en él día tras día, pensando cada movimiento en la secuencia, y vincular lentamente juntos. Ellos lamen las secciones que les dan las mayores dificultades, hasta que se conectan las secciones extenuantes. Una vez más, el tratamiento de melodías de una manera similar producirá resultados satisfactorios: el trabajo en un día después de sintonizar día, aislar cada sección de bucle la más difícil, y, finalmente, unirlos. Acercarse a un problema del canto rodado a la vez también es llamada muy common.They esto un "proyecto". Enfocado esfuerzo Ellos tienen su circuito de nivel de problemas de boulder que atraviesan, pero también tienen algo que ellos están trabajando en eso es justo por encima de su nivel actual. Al centrarse esfuerzo concentrado en ese problema en particular, que, naturalmente, ampliar su capacidad. Del mismo modo, como músico, su circuito sería lo que se acumulan en su base como disscussed antes. Luego, el proyecto sería una melodía, progresiones, o técnica que es justo por encima de su nivel actual. Pensando en temas como los problemas de boulder puede parecer exagerado, pero la forma en que uno se completa con éxito un problema de roca y la forma en que un improvisador juega un coro con éxito en un recurso compartido estándar de un modo similar de

pensamiento.

Descubriendo beta Beta es la colección de pequeños trucos que ayudan a un escalador escalar un problema del canto rodado o ruta. A menudo, el más mínimo detalle, la forma en que agarrar un asidero o el ángulo de su pie, le mantendrá de completar un problema. Conocer la beta correcta es la diferencia entre "enviar" (medios que terminan en el escalador de rock vernáculo enviar) y cayendo. Al empezar a subir, se obtiene Beta de dos maneras: observando a otras personas suben o por otros escaladores compartirlo con ustedes. A medida que se familiarice con los diversos trucos que aparecen una y otra vez, es mucho más fácil para que usted descubra la versión beta de una subida por su cuenta. Lo mismo ocurre con cada acorde, la progresión y la melodía. Cada uno tiene su propio "beta musical", que cuando se sabe, hace que sea muy fácil. Por ejemplo, la primera vez que transcribí un ii V de Sonny Rollins, tuve una revelación. Pensé que sabía lo que estaba haciendo antes, pero en realidad, las cosas eran sólo un poco apagado. Estas ligeras discrepancias en la comprensión hacen toda la diferencia en el resultado final. Esto es igual que el descubrimiento de la beta a un problema de boulder. Todo está en la sutileza. Un dedo que aprieta una bodega de forma incorrecta y no estás enviando. Lo mismo con la improvisación; una manera sutil que frase o articulado, una cadena específica de notas ... estos pequeños detalles que parecen nada del otro mundo son la diferencia entre hacer sonar la forma que desee y hurgar en los cambios. Contrariamente a lo que dice la mayoría de los libros de autoayuda, en la escalada en roca y la improvisación, no se preocupe por las cosas pequeñas. Al igual que en la escalada, en la improvisación en un inicio se aprende esta beta de dos maneras: usted oye a alguien hacerlo y los copia (como ver a un escalador de hacer el problema que quieres hacer), o alguien que te guía paso a paso por el proceso. Y de nuevo, como escalada, cuanto más aprendes beta de las personas que saben lo que están haciendo (en este caso, las leyendas del jazz) cuanto más se puede averiguar la versión beta de un acorde, progresión o melodía, por sí mismo.

Mirando en lugares inverosímiles en busca de pistas Utilice este artículo como modelo. Llévelo a ti mismo para dibujar parrells de sus propias actividades en su vida a la música, averiguar cómo se puede influir en el otro. Tal vez usted es un pintor o un escritor. ¿Cómo podrían estas cosas conducir a avances en tu música? Podrían afectar la manera en que usted practica el jazz como la escalada en roca ha hecho por mí, o pueden cambiar la forma en que se realiza. Mire más allá de lo obvio para las nuevas perspectivas. Te sorprendes a ti mismo con la cantidad de su experiencia en una cosa puede ayudarle a aprender otra.

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Cómo practicar Scales for Speed Publicado Por Forrest En 24 de noviembre 2010 @ 23:44 En Escalas, Consejos | Comentarios discapacitados

Varios lectores han escrito nosotros últimamente preguntando cómo practicar escalas. Simplemente practicarlos no es difícil, pero el logro de un alto nivel de velocidad y precisión, manteniendo su sonido constante a través de todos los registros es una tarea difícil. Este artículo se supone que está familiarizado con las 12 teclas y las cualidades de escala mayor, menor (natural, armónica, y melódica), el tono general, y disminuido.

Práctica típica escala La mayoría de los programas de jazz de la universidad, así como la mayoría de los libros, tienen una forma estándar que tienen su práctica a los estudiantes. Aunque eficaz, su método prescrito se puede mejorar en gran medida para adquirir más rápidamente la velocidad que todos deseamos. Esto es lo que dicen: Practique su mayor, menor (todo 3 ... natural, armónica, y melódica), de tonos enteros, y las escalas disminuidas En todas las teclas Gama completa de su instrumento De la raíz a lo más alto que puede ir, de nuevo a un precio tan bajo como se puede ir, y luego

copia de seguridad de la raíz Un modo, el siguiente hacia abajo y así sucesivamente (arriba y abajo) La escala en 3as diatónicas (arriba y abajo) En 4ths diatónicas (arriba y abajo) En tríadas diatónicas (arriba y abajo) En séptimo acordes diatónicos (arriba y abajo) Estos son algunos ejemplos sencillos en la clave de C: La práctica básica de escala prescrita por los libros y colegios

Parece bastante simple, ¿verdad? Claro, suena fácil, pero eso es un montón de trabajo. Te puedo decir por experiencia, tratando de hacer frente a sus escalas de esta manera es abrumadora, tedioso e ineficiente. Sí, con el tiempo que usted quiere ser capaz de lograr todo en esta lista con facilidad, sin embargo, hay maneras más fáciles para llegar a este nivel de competencia que ejerce en la forma prescrita previamente.

Dos llaves de la maestría es mejor que todas las teclas a mediasGeneralmente nos enseña a practicar nuestras escalas en todas las llaves. En lugar de centrarse en el aprendizaje de una balanza muy bien, tratamos de golpear todas las teclas lo más rápido posible, dejándonos con no mucho mejor técnica que cuando empezamos. Entonces, ¿por qué dije "Dos llaves a la maestría ...?" Porque si usted se centra sus estudios

en dos claves particulares, 'F #' y 'Db', los otros vendrán naturalmente. La mayoría de la gente comienza con la clave de "C". Eso es simplemente tonto. Desde 'C', es una batalla cuesta arriba. De "F #", es todo cuesta abajo a las otras teclas afilados. Y a partir de 'Db' es viento en popa a través de las otras llaves planas. Claves para centrarse en

Práctica escalar y formas triádicas que permiten a la velocidad y la repetición Trate de jugar tercios diatónicas (como en la tercera línea de la práctica típica escala arriba) en la clave de la "F #". Observe que son difíciles de jugar rápido y sin problemas? Esto se debe a la forma natural de ellos no permite fácilmente para la velocidad o la repetición. Ahora, trata de jugar una 'F #' tríada de arriba abajo como en la primera línea del ejemplo a continuación. A continuación, intente rápidamente. Observe que es fácil de jugar rápido? Es ideal para la práctica de la escala, porque es una forma que permite una velocidad y repetición. Tenga esto en cuenta porque en el futuro no muy lejano, tendrá que crear ejercicios similares a los que yo estoy a punto de mostrar. Llamaremos a esto el Taladro velocidad triádico (abajo). Usted juega cada tríada en una escala, repitiendo una y otra vez hasta que ya es muy rápido y suave con un metrónomo. Si

alguna parte de la escala que es difícil, reducir la velocidad y elaborar las digitaciones hasta que sea sin esfuerzo. Taladro velocidad triádico en Fa #

Luego jugamos lo que vamos a llamar a toda la secuencia triádica de arriba abajo su instrumento (que se muestra a continuación). Después de perforar sus tríadas diatónicas para aumentar la velocidad a través del taladro de velocidad triádico, este será un pedazo de pastel. Secuencia Triádico entero en F #

El mismo enfoque puede ser utilizado para los segmentos de escalares. Llamaremos a esto el Taladro velocidad escalar (que se muestra a continuación) Taladro velocidad escalar en C #

Después de practicar el taladro de velocidad escalar con 3 notas (cada línea utiliza tres notas de la escala) intente usar 5 notas. Así que el primer grupo de cinco notas sería F # a C #, el segundo sería G # a D # y así sucesivamente. Trate de jugar toda la escala ahora también. Después de trabajar en estas pequeñas unidades escalares, toda la escala fluirá mucho mejor de lo que nunca lo ha hecho.

Articulación y escalas Comience siempre por arrastrando todo. Esto le obliga a centrarse en mantener su sonido compatible e incluso a través de los registros. Marque en cada nota. Una vez que hayas practicado arrastrando todo, trate de usar la luz, fuera tonguing ritmo, comúnmente conocida como "articulación jazz." Lea este artículo en la articulación, para una mejor idea de cómo ir haciendo esto.

Aislar las frecuencias agudas y graves Tanto el Taladro velocidad triádico y el Taladro velocidad escalar aislar secciones de su instrumento, lo que le permite perfeccionar partes olvidadas de lo contrario de una escala. Los rangos más difíciles de un instrumento tienden a ser el extremo bajo y el extremo alto. Por lo tanto, estas áreas requieren más trabajo. Pasar el doble del tiempo que pasa en el medio de su instrumento, en los rangos extremos.

Utilice un metrónomo

No puedo enfatizar el uso de un metrónomo suficiente. Comienzo con el metrónomo en torno negra = 72 latidos por minuto (más lento para las gamas altas y bajas). Me gusta jugar estos ejercicios en grupos de notas de 4, por lo que juego 4 notas para cada clic del metrónomo. Entonces puedo aumentar gradualmente el metrónomo hasta que me estoy jugando un ejercicio sólido a 104 bpm. Me quedo allí por un tiempo y luego aumentar el ritmo de juego, con el objetivo de más de 130 latidos por minuto. A veces voy a golpear una pared, traerlo de vuelta, y luego aumentar el ritmo de nuevo. Mantenga aumentar el ritmo de juego, pero se quedan en completo control, disminuyendo cuando sea necesario.

Práctica Escala envuelve para arriba Algunos de los lectores que escribieron en preguntaron qué libro deberían jugar escalas de. Guarda tu dinero. No hay necesidad de un libro. Comience centrándose en sólo dos llaves: F # y Db. ¿Los ejercicios de velocidad triádicas y escalares con un metrónomo hasta que los tiene dominados en esas llaves. Aislar las frecuencias agudas y graves. Luego practicar toda la secuencia triádica y toda la escala. Empieza despacio! Ajuste el metrónomo lenta suficiente para ejecutar todo a la perfección. Esto puede ser muy lento, pero eso está bien. Es mejor ser lento y perfecto que el rápido y fuera de control. Una vez que empiece con F # mayor, le garantizo que si mayor resulta ser muy fácil. Después de 'B' 'E' será una brisa, y así sucesivamente a través de todos los objetos punzantes hasta llegar a 'C'. Del mismo modo, tras el dominio de Db importante, Ab importante será un juego de niños, y entonces usted trabajar fácilmente por el resto de los pisos a 'F'. No pasar a cualquier otro cualidades escala hasta que siente que tiene una sólida base en las Grandes Ligas. Me paso varios meses en una cosa antes de pasar y me animo a hacer lo mismo. El dominio de las Grandes Ligas le permitirá moverse con facilidad por todas las otras cualidades mencionadas en el comienzo del artículo. Practique sus escalas de este tipo para los siguientes 3 meses y te prometo que su técnica se elevará a nuevas alturas!

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Está improvisando Realmente Improvisando? Publicado por Eric En 09 de abril 2012 @ 15:58 En Consejos para Todos, Inspiración, mito, Perspectiva | No Comments

Si hay una cosa acerca de jugar de jazz que está envuelto en el misterio, es la improvisación. Existe improvisación en otros tipos de música, incluso en las tradiciones musicales de los confines del mundo, pero en el jazz es mucho más profundo. Es de alguna manera vitalmente ligado al espíritu de la música, y no son sólo músicos que reconocen el poder del solo improvisado. Esta esencia ha sido capturado en todo, desde la literatura al cine a la cultura pop. Hay algo fascinante sobre la idea de que el músico de jazz; un alma creativa canalización de lo intangible a través de su instrumento, esencialmente creando algo de la nada. Sin embargo, a pesar de toda la atención, aún podemos no parece definir este esfuerzo creativo. Usted puede obtener un título en estudios de jazz, se puede estudiar la filosofía detrás de la improvisación y la creatividad, e incluso se puede escanear los cerebros de improvisar músicos para descubrir los caminos secretos de la mente en su estado más creativo, pero todavía parecen ser más preguntas que respuestas. Por desgracia, la improvisación sigue siendo un misterio difícil de alcanzar. Como músicos trabajando duro para desarrollar esta habilidad en la sala de la práctica, a menudo nos perdemos en la música. Puede ser muy fácil perder la capacidad de mirar a la

música objetiva desde una perspectiva exterior y después de un tiempo, ya no somos capaces de escuchar música con un oído no entrenado ingenuo. Llegamos a ser parte de la música y de repente vemos el mundo de una manera diferente. Es cierto que no podemos volver atrás y mirar a la música desde el punto de vista de un forastero, pero la forma en la improvisación es percibida afecta la forma en que nos acercamos a la mejora en la improvisación y la más importante que se realiza en el escenario.

Conceptos erróneos acerca de la improvisación La banda sube al escenario. Una melodía se cuenta rápidamente apagado. Después de una corta melodía, unos solistas pasos en el centro de atención y hasta el micrófono, los ojos cerrados en la concentración, y comienza a tocar las primeras notas de un solo. En el calor del momento la atención se centra, los oídos se abren, y la técnica se ponen a prueba. Pero son esas notas y líneas provienen de la solista completamente original? Es que solo improvisado improvisó en realidad? Bueno ... depende quién se le pregunte. Todo vale Un mito generalizado sobre la improvisación es que está hecho completamente en el acto. Sin preparación, ni la memorización, y nada de lo que no es completamente original. Para muchos, sobre todo los que miran desde la distancia con poca experiencia musical, esta es la explicación más lógica para la improvisación. Después de todo, ¿de qué otra se explica esos músicos tocando sin música? Sin embargo, como cualquier persona cuya intentado su mano en los solos más de un acorde de la progresión sabe, la improvisación de jazz no es un completamente al azar free-for-all. No se puede reproducir lo que quieras y sonar bien. Sin embargo, no todo está predeterminado tampoco. ¿Qué músicos presentes en el escenario se puede interpretar de muchas maneras diferentes por muchas personas diferentes. Echa un vistazo a esta charla Stefon Harris TED:

Desde ver este video, se tiene la impresión de que cualquier grupo de músicos se reúnen y simplemente comenzar a jugar, improvisando sin ninguna preparación. Lo que este público no iniciado (en sus trajes de negocios y etiquetas de nombre) es que falta es el calibre de los músicos que actuarán en esa etapa. Van a pie de esa presentación con la idea equivocada de que cualquier grupo de músicos apenas puede levantarse en el escenario e improvisar así. "No hay errores en el jazz, que parecía tan simple cuando inician la improvisación." Lo que no pueden ver es toda la preparación detrás de las escenas que llevaron a que la capacidad aparentemente sin esfuerzo, las "condiciones previas" para lograr ese tipo de creatividad libertad. Imagínese la misma presentación con un conjunto diferente de músicos. Digamos que en lugar de ese grupo de improvisadores consumados, Stefon Harris había recogido algunos jugadores aleatorios con técnica instrumental competentes, pero sin necesidad de conocimientos para los oídos de formación, sin conocimiento de la forma, y ​ningún estudio de la tradición del jazz. ¿El resultado será el mismo? ¿Habría hay errores en ese quiosco de música? No lo creo. Para el jugador que no está utilizando sus oídos, incluso las "notas correctas" puede sonar extraño desconocido y fuera de lugar. A falta de estudio, técnica o práctica puede destruir la creatividad en cualquier quiosco de música. Por otro lado, un improvisador con experiencia puede hacer que las "notas equivocadas" suenan naturales, incluso agradable al oído. Se juega con la musicalidad, el conocimiento, y la apertura al espíritu del momento, no hay realmente hay notas equivocadas, no hay errores.

Es la teoría de la música simplemente Junto con la vista de la libertad completa y el riesgo es la opinión contraria de la estructura y el conocimiento intelectual. Para este grupo, la improvisación sin esfuerzo se puede lograr únicamente a través de la práctica escala y análisis teórico. A menudo se oye la gente dice: "Si quieres que improvisar así, aprender todas sus escalas y arpegios" y muchos toman este consejo en serio, pasando horas en la sala de la práctica de cada día en las escalas y teoría. Pero el hecho es que miles de músicos saben todas sus escalas y arpegios. Ellos pueden jugar en cualquier tecla, en 3as y 4as y arpegios, pero ¿cuántos son grandes improvisadores? En su práctica, puede analizar los solos en el papel, se puede buscar la voz de ataque y las 3as y 7ths, y se puede practicar arpegios durante horas a la vez, pero si se detiene sólo con este conocimiento teórico se echa en falta el punto. Esta es la razón de que el acto de transcribir (escuchar y aprender de oído) es tan importante como el resultado final de la transcripción, los nombres de las notas. Armado con sólo el conocimiento teórico y escalas, improvisación seguirá siendo igual de difícil de alcanzar. Sin embargo, esta es la mentalidad que se penetra la educación de la improvisación. Si conoces a tus escamas, tienen la progresión de acordes memorizado, y conocer algunas líneas ii-V - entonces usted está improvisando. Puede ser fácil olvidar que el acto de improvisación tiene muchos factores y que todos ellos no implican teoría de la música.

Habilitación de la improvisación Ninguna de las teorías anteriores para la improvisación es del todo exacto. Sin embargo, cada explicación contiene una pieza del rompecabezas en la creación del ambiente para un gran solo. La verdad es que nuestro objetivo está en algún lugar entre estos dos polos, en la zona gris. No estamos realmente haciendo todo lo que jugamos de forma espontánea, pero también estamos no sólo un refrito de las líneas que hemos memorizado nota por nota. Uno de los inconvenientes de la práctica efectiva, es que puede llegar a ser creativa sofocante. Horas pasaron practicando la misma línea, el mismo ejercicio técnico, o los mismos tres acordes. Una y otra y otra vez hasta que ni siquiera tenemos que pensar para producir estos sonidos. Después de algún tiempo se puede sentir como si nosotros no estamos improvisando más, simplemente insertando las mismas viejas técnicas y conceptos que hemos perforados para semana en la sala de la práctica. El saxofonista Mark Turner habla de esta lucha en esta entrevista (echa un vistazo a los otros, así en esta página desde el Taller de Jazz de Stanford). Este tipo de práctica puede ser repetitiva, sin embargo, es necesario para alcanzar dicho nivel de libertad que deseamos en el quiosco de música. Sin embargo, muchos de nosotros no

ponen suficiente trabajo para llegar a este nivel de intuición creativa. A pesar de que sabemos mejor, dejarse atrapar por la creencia de que la improvisación es la magia. Claro, empezamos en la sala de la práctica y el estudio de inculcar las piezas de un buen solo improvisado, pero rara vez es suficiente. Nos detenemos con un par de escalas, arpegios, y lame memorizados y esperamos que algo mágico suceda cuando lleguemos al escenario. Con esta forma de pensar, es más como el público en general que no sabe nada de música, un jugador simplemente se levanta allí y crea grandes líneas de la nada. "Lo que más me importa? Para trabajar con mi modelo hasta que tenga lo suficiente en mí para ser capaz de improvisar, para que mi mano correr libre ... "~ Henri Matisse

La improvisación es una curiosa iniciativa. Es a la vez la preparación estudiosa y la toma de riesgos intuitiva. Usted necesita cada uno para preparar el escenario para un solo éxito. Un solo de que está planeado y memorizado es aburrido y no en el espíritu del momento. Y en el mismo sentido, un solo de que sigue sin reglas, hace caso omiso de la progresión, la forma, la armonía, la hora y otros jugadores en el escenario, es tan poco musical y contraproducente intuitiva al espíritu del momento.

Improvisar es como una conversación Una analogía apta para la mentalidad de la improvisación y de la lucha entre la estructura y la memorización frente a la espontaneidad y la libertad es la de una conversación cotidiana. En cualquier conversación hay un formato que sigue, una "forma" si se quiere. Es algo que todos aprendemos inconscientemente a través de la escucha y la imitación: un saludo, una respuesta, una pregunta, una respuesta, otra pregunta y así sucesivamente, de ida y vuelta. No sólo empezamos impulsivamente declaraciones o palabras inapropiadas, esto destruye el momento y bloquea la comunicación. Para cada una de estas partes de la forma que tenemos frases comunes que utilizamos para cualquier número de situaciones. Todo depende del momento. Podemos hacer preguntas, comentarios sobre un tema de interés cerca, o incluso una broma. Con cada declaración esperamos una reacción y calibrar nuestra siguiente dirección. No hay guión establecido para cualquier conversación, en lugar de un formato común que puede llevar en cualquier número de direcciones. Algunas conversaciones se adhieren estrechamente a las frases que conocemos y se espera que utilice. Algunos pueden ser

increíblemente aburrido, donde se comparte nada creativo o personal, mientras que otros pueden ir en direcciones que no esperábamos y ser increíblemente gratificante. Todo depende de su intención, su sentimiento, su apertura a la interacción, y, finalmente, la reacción de la otra persona.

Todo es cuestión de preparación y estar en el momento Al igual que un gran conversador, un improvisador consumado es la experiencia a partes iguales, la práctica y la inspiración creativa. Debe reaccionar y responder a los jugadores y situaciones que te rodean con sus conocimientos, los oídos, y se practica la técnica. En el desempeño de la totalidad de su maestría musical se pone a prueba a la vez. Cada habilidad está conectada y dependiente de la otra por la verdadera libertad creativa. Sin la técnica, el conocimiento armónico y grandes orejas que tiene una enorme barrera que bloquea su creatividad y la comunicación con los otros músicos en el escenario. Y, sin creatividad, uno se queda con la teoría de la música. Es práctica y experiencia que permiten la espontaneidad y crear el entorno adecuado para la improvisación. Y, la espontaneidad transforma esas escalas, técnicas y hora pasó transcribir solos en algo más grande que usted podría haber imaginado. "Por lo general toma más de tres semanas para preparar un buen discurso improvisado." ~ Mark Twain

Cuanto más se ha aprendido, más que has estudiado, más experiencia que usted ha solos, más se tiene que extraer de cuando se improvisa. Puede tomar riesgos más grandes y explorar territorios creativos inexplorados. Claro, usted podría jugar algunas líneas o ideas que usted ha trabajado en la sala de práctica, pero usted les está adaptándose al momento la música sucediendo ahora mismo. Al final, este es el tipo de improvisación que realmente está improvisando.

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Las etapas de Jazz Idioma Publicado Por Forrest En 12 de septiembre 2011 @ 12:38a.m. En Uncategorized | No Comments

Hablamos sobre el lenguaje del jazz mucho: lo que es, lo que no es, cómo conseguirlo, y qué hacer con él. Nos esforzamos constantemente para comunicar mejor estos aspectos del aprendizaje de idiomas por el papel vital que juega el lenguaje en la improvisación exitosa. Básicamente se trata de todo el material melódico prima se dibuja desde que se improvisa y no llegar allí por accidente. Se pone allí a través de la práctica dedicado durante un período prolongado de tiempo, un proceso distinto. Mediante la comprensión de este proceso de cómo acumulamos lenguaje y cómo evoluciona, podrás transformar la manera de pensar acerca de todo el ciclo de vida de la lengua, lo que hace más fácil de adquirir el lenguaje y el desarrollo de la lengua que tiene.

La etapa de descubrimiento La primera etapa es el descubrimiento. Idioma comienza como una idea. Una posibilidad. Un pequeño destello de algo que capta nuestra atención. Recibimos intrigado y preguntamos lo que acabamos de escuchar. Esta curiosidad nos lleva a pelar la joya fuera de la grabación, con la esperanza de entender la composición del fragmento melódico. Poco a poco nos enteramos de la línea, imitando cada pequeño matiz que escuchamos. No todos los matices que pensamos que escuchamos, pero cada pequeño detalle que es realmente allí. Una vez que captar toda la longitud de la línea y tenerlo operativo en nuestros oídos y dedos, una imagen mental de la línea comienza a formar en nuestra mente.

La forma, el ritmo, la articulación precisa ... todo esto empieza a incrustarse en nuestro subconsciente. Nosotros absorbemos mucho más que sólo las notas; absorbemos la verdadera magia de la línea. Las cosas que no puede ser escrito: los ritmos exactos exactos al microsegundo, las articulaciones sutiles, y las ligeras fluctuaciones en el color tonal. Esta etapa de descubrimiento es muy emocionante porque estamos aprendiendo lo que está pasando detrás de las escenas y echar un vistazo en el funcionamiento interno de algo que nos mueve. Pero la etapa de descubrimiento es sólo el comienzo. La comprensión de algo no significa que usted puede aplicar a su gusto, o que ha alcanzado incluso el poco ligera de la maestría con él. Otras etapas de aprendizaje de la lengua pueden no ser tan emocionante como éste, pero son igual de importantes.

La etapa de repetición Durante esta etapa se toma el pedazo de lengua descubrimos y repetimos sin cesar. Repetimos tanto que incluso si conscientemente intentamos, no pudimos jugar mal. Esto no es siempre una tarea divertida. Reproducción de la misma frase una y otra pone muy aburrido rápidamente. Stick con ella y aspirar a la perfección. Si usted está repitiendo algo equivocado una y otra vez, usted se está moviendo rápido en la dirección equivocada. Usted también puede ser que no practicar en absoluto. Practique con atención plena y precisa, sobre todo cuando se está enfocando su tiempo en algo repetitivo. Y, tener una idea clara de por qué usted está repitiendo algo una y otra. ¿Estás trabajando en golpear las notas correctas cada vez? ¿Su objetivo es no forzar físicamente? ¿Estás tratando de aumentar el ritmo? Puede ser un número de cosas, pero asegúrese de entender lo que estás tratando de lograr a través de la repetición y reproducir mucha atención a si usted se está moviendo en la dirección correcta. Debería ser más fácil de decir. Si se está haciendo más fácil el fluido, más rápido, y más, usted puede apostar que las cosas se mueven de la manera correcta.

La etapa de elaboración La repetición de una pieza de la lengua en una de las claves que pronto se cansan y usted quiere pasar a los otros once. En la fase de elaboración se está moviendo una línea a través de todas las llaves y averiguar dónde se producen los puntos problemáticos. Ciertas líneas se sienten bien en algunas llaves pero no en otros, o en algunos rangos y no otros. Averiguar qué teclas y rangos necesitan el trabajo extra, aislar estos, y limar las torceduras. Con un poco de trabajo, el trozo de lengua funcionará sin problemas en todas las claves y las áreas de su instrumento. Esta etapa de aprendizaje de idiomas tiene múltiples beneficios para su juego. Estás trabajando en el idioma obviamente, pero, al mismo tiempo, está mejorando su técnica, y se conecta esta técnica a la oreja.

Esta etapa le ayudará a avanzar hacia el objetivo final de jugar lo que se oye, y escuchar las cosas que quieres jugar.

La etapa de aplicación Al principio, es difícil conseguir un nuevo lenguaje para salir en su improvisación natural. Una forma sencilla de conseguir sus dedos y su oído para aprender a utilizar este nuevo lenguaje encontrado es aplicándolo a una medida específica en una canción en particular. Por ejemplo, si yo sólo transcribí un ii VI, tal vez yo improviso sobre todas las cosas que son, y decidir de antemano que cuando llego al puente, me inserto el V ii I. Es esta improvisación? No, pero es una manera de conseguir esta nueva pieza si el lenguaje para empezar a formar parte de su vocabulario de trabajo. Cuanto más usted hace esto con un pedazo de lengua, más se va a empezar a ser natural para que usted utilice este nuevo lenguaje. Entonces, usted se encontrará en realidad la improvisación con la línea, o algo similar a la línea. El objetivo no es estricta reproducción de material practicado. El objetivo es utilizar estas líneas para ayudar a conectar a la oreja y los dedos. Mediante la aplicación de las líneas de esta manera, a entrenar a su oído para oír estas líneas con mayor frecuencia y que enseña a sus dedos, donde para acceder a estos sonidos. Poco a poco, su oído comenzará a ser creativo y comenzar a explorar qué más se puede hacer con la nueva información que está proporcionando es ... lo que nos lleva a la etapa exploratoria.

La fase exploratoria En esta etapa, su propia creatividad va a trabajar, cambiando la línea de cualquier manera imaginable y combinándolo con otras líneas para producir algo construido sobre los sólidos cimientos de la lengua que aprendió, pero algo que es exclusivamente suyo también. Esta exploración puede ser algo consciente, haciendo ejercicios de práctica que alteran deliberadamente el lenguaje de formas prescritas, o podría ser más de un ejercicio de improvisación donde usted tiene una idea de lo que le gustaría cambiar la línea, pero permitir que el momento para determinar lo que ocurre más que cualquier noción predefinida. Esta etapa es muy importante. Se trata de tomar todo lo que has aprendido y lo que es el suyo propio.

¿Es el lineal proceso? Este esquema de las etapas de lenguas necesita un poco más de explicación porque es toda una simplificación excesiva decir que el lenguaje sigue este camino limpio y ordenado. No, el proceso no es necesariamente lineal. Por supuesto, todo comienza con la etapa de descubrimiento, pero la forma en que avanza desde allí es realmente depende de ti, sus metas, sus métodos y la forma en que su musical-mente trabaja. Por ejemplo, al descubrir y aprender una nueva pieza de lenguaje, puede inmediatamente

comenzar a aplicarlo a temas en lugar de aprender en todas las claves. Muchas veces me voy a hacer esto y me aseguraré de que elegir un tema que tiene varios lugares en los que puedo utilizar el nuevo idioma en diferentes claves. Pero, un día, me quedo con esa misma línea a través de todas las claves. O tal vez, usted acaba de conseguir una nueva línea, y al instante a encontrar nuevas formas de desarrollarla que se adapten a su fantasía, así que entrar de lleno en la fase exploratoria. No hay nada malo en ello. Puede saltar tanto como quieras, siempre que sea de su oído, la mente y la creatividad lo llevan. Así, lo más probable, siempre regresa a la etapa de la repetición, incluso si ya has practicado una línea en esta etapa previamente. Nunca se puede saber un pedazo de lengua bastante bien. El mejor que usted lo sepa, más fácil es tomar a través de todas las claves en la etapa de elaboración, y más libre que estará en la exploración de nuevas vías de la línea en la etapa exploratoria. El ciclo de vida de un trozo de la lengua está en curso y sólo se pone más emocionante si usted sólo tiene que utilizar su imaginación y disfrutar el proceso.

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Fijación de Metas 101 para el músico de jazz Publicado Por Forrest En 31 de diciembre 2015 @ 18:06 En Consejos para todos, Inspiración | Comentarios movilidad

Todo el mundo quiere establecer metas, y muchos realmente hacen los puso, pero sólo un puñado de personas alcanzarlos. Y de estas personas que logran sus objetivos, sólo una parte de ellos son realmente satisfechos con su logro. ¿Qué es este grupo ejemplar de personas que hacen de manera diferente que los demás y cómo podemos unirse a este grupo lograr satisfecho? Cuando se trata de la fijación de metas, no soy un extraño. Flashback a quinto grado, me recuerda el orador invitado decirnos la importancia de la fijación de metas y la forma en que podría llevarnos en cualquier lugar en la vida. Ella estaba en lo cierto! Ah, y el orador invitado? Mi madre. He estado orientado a objetivos desde el primer día. Después de docenas de preguntas aparentemente va en círculos, una reciente prueba de una personalidad amigo insistió tomo mí clasificado como "El triunfador".

Esta no fue una coincidencia. Dedico gran parte de mi tiempo pensando en qué es lo que realmente quiero y cómo conseguir mejor que hay, todo el tiempo, haciendo mi mejor esfuerzo para no pasar por alto la belleza, la alegría y la felicidad que es justo delante de mí, todos los días. ¿Soy el mejor en ella? Ciertamente no. Sé que un montón de gente que son mejores a poner en práctica lo que sé, en teoría, pero haré mi mejor esfuerzo para compartir con ustedes lo que he encontrado que funciona para mí y lo que veo trabajar para otros. Tenemos una sola vida (hasta donde sabemos) y tenemos la oportunidad de arquitecto es cómo cada vez nos parezca. Y como músico, estamos más suerte que el resto. Tenemos música. Tenemos la oportunidad de conectarse con el mundo creativo misterioso de la música a diario si así lo desea. Pero es difícil. Nuestro tiempo sólo permite tanto. La vida nos tira en diez direcciones diferentes a la vez. ¿Cómo podemos lograr lo que deseamos? ¿Cómo podemos llegar a donde queremos ir? Todo tiene que ver con su metas cómo pensamos acerca de ellos, cómo los ponemos, cómo ir sobre el logro de ellos, y no podemos mirar a nuestros objetivos como un músico de jazz, ya que están en última instancia, atados a nuestro tiempo disponible . Por lo tanto, tenemos que poner las cosas en contexto y averiguar cómo nuestras metas musicales encajan en el cuadro completo con todos nuestros objetivos. Bienvenido a la configuración 101 para el músico de jazz meta.

El propósito de la fijación de metas: no es exactamente lo que usted piensa

El establecimiento de objetivos es fácil, y es obvio por qué debe hacerlo, ¿no? No exactamente… El establecimiento de la manera correcta, lo que vamos a llegar a tarde Gol, no es tan fácil, y además de los aspectos básicos de planificación, no es tan obvio por qué debemos hacerlo incluso en el primer lugar.

Pero debemos hacerlo, y he aquí por qué .. Objetivos de darle dirección y ayudar a formular un plan de Al establecer una meta, cualquier meta, usted va automáticamente de no tener sentido para tener uno. En realidad para explicar mejor esto, déjame ponerlo de esta manera: usted siempre tiene una dirección en su vida, si usted elige o no. Puede ser tanto una botella en un océano, dejando que la corriente y las olas decidir dónde ir, o puede ser el capitán de su propio barco. No es el establecimiento de objetivos y no tener sentido todavía es elegir algo. Es la elección de cualquier situación que usted se encuentra en esa situación y aceptar como su vida. Y eso puede funcionar para algunos. Pero si se puede pintar una imagen clara de hacia dónde quiere ir, entonces usted tendrá una mejor oportunidad de llegar allí y se mueve en la dirección correcta. Objetivos te obligan a decidir lo que es importante y lo que no Todo lo que dices que sí a, sin darse cuenta, decir no a muchas otras. Este punto es mucho menos evidente que la anterior. Objetivos te obligan a priorizar su tiempo. Lo único que realmente tenemos en la vida es el tiempo. Y más aún, no "tenemos" el pasado o el futuro. Sólo tenemos el presente. Tenemos una sola lo que parece ser continua momento. Y eso es lo que tenemos que trabajar. Ahí es donde podemos lograr nuestras metas. Objetivos que inspiran y le consiguen entusiasmados con el futuro El propósito más alto de los objetivos es que están diseñados para inspirarte. Una meta que realmente quiere lograr debe hacerte sentir increíble cada vez que se piensa en ello. Las metas son allí para recogerlo cuando estás abajo. Te dan algo que esperar, algo que aspirar. Pero todo vuelve a como a determinar sus objetivos ...

La determinación de sus objetivos: instalando para el éxito

Aquí es donde la mayoría de la gente no. Consiguen tan abrumado con todas las posibilidades, que deciden quedarse en los confines de cualquiera que sea su vida, su conjunto de habilidades, o la felicidad es ahora. Y yo creo que es porque la gente se olvida de este un punto muy importante ... El número uno lo que hay que recordar cuando empiece a determinar sus objetivos es que siempre se puede cambiar. Eso es correcto. Usted es libre de cambiar de objetivos cada vez que quieras. Mañana, en un año, a 10 minutos a partir de ahora. Nada dice que tenemos que estar sujeto a nuestras metas. Recuerde, una meta debe inspirar a usted, ya que determina no sólo lo que va a lograr, pero cómo va a gastar su tiempo para llegar allí. Si un objetivo no te inspire, repensar por qué eligió en primer lugar, cambie, o deshacerse de él. ¿Qué te inspira hoy podría ser totalmente diferente a lo que te inspira mañana. Es por eso que usted necesita para mantenerse al tanto acerca de sus metas como usted está trabajando hacia ellos. Ajuste y generar opciones a medida que avanza Aquí está una estrategia que utilizo mucho para no quedar atrapado en la fase de "No sé qué hacer, así que me voy a hacer nada". Voy a elegir un objetivo, aunque yo sé que no es 100% correcto y, a continuación, voy a cualquiera generar otras opciones mientras empiezo a trabajar en ese objetivo, o voy a refinar esa meta más en la dirección que debería ser. Esto funciona en la vida o en la música. Por ejemplo, tal vez tengo una meta de estar en una determinada profesión y recibo una oportunidad de empleo que estoy un poco interesado. Lo tomo, mientras sigo en busca de más opciones, y al mismo tiempo veo si Puedo moldear ese trabajo en algo que funciona para mí.

O, en la música ... Decido que quiero aprender 10 canciones. Excelente. Empiezo a aprenderlas, pero luego voy a una jam session local y resulta que juegan los mismos 10 canciones todo el tiempo (esto sucede mucho por cierto). Decido, bueno tal vez mi objetivo es jugar en ese jam session. Así que refinar el objetivo de incluir las canciones que juegan en la jam session. No somos estática. Estamos dinámico y cambiante, y por lo tanto son objetivos deben ser así. No tenga miedo de ajustar, cambiar o metas de chatarra si ya no te inspiran. Visualice el producto final y trabajar hacia atrás Si su objetivo es llevar a cabo un gran conjunto en vivo, entonces ¿por qué te dejas llevar por aprender docenas de canciones al azar de una manera muy casual? ¿Por qué no realmente estudiar dos baladas, una melodía swing de medio tempo, y unos estándares más que usted ama, para crear su juego final? Así que pocas personas lo hacen. Ellos tratan de aprender cada melodía o prepararse para cada situación armónica. Luego van a realizar, y realizan su conjunto en el mismo nivel que habían realizan cualquier melodía. Éste no debería ser el caso. Usted debe poseer el material que se realiza. Al visualizar el producto final y trabajar hacia atrás se puede establecer una meta para un mejor resultado final. Es fácil, simplemente no pensamos así todo el tiempo. Adquiera el hábito de siempre entendiendo qué es lo que estamos tratando de lograr y luego trabajar hacia atrás.

Estructuración de sus objetivos: convertirse en el amo de su universo

Una gran parte de la consecución de sus objetivos es la forma en que piensas, estructura, y clasificarlos. Nuestras mentes encanta el orden y rechazan el caos. Una comprensión clara de todos nuestros objetivos y cómo encajan juntos ayuda a defenderse de la sensación de estar abrumado y nos mantiene en el camino.

Muchos expertos le dirán que escribir sus metas es la cosa más importante que puede hacer. Y escribir goles sin duda es importante. Pero mucha gente escribe sus objetivos hacia abajo y todavía no alcanzarlos. El otro día encontré una lista de metas que hice cuando tenía 16 años y varios de los objetivos de esa lista son todavía en mi lista de hoy! Así que si escribir las cosas no es suficiente, ¿qué es? ¿Dónde radica el problema? Un sistema simple de organizar sus metas Suponiendo que haya determinado sus metas correctamente-que te inspiran y te mueven en la dirección que desea ir, entonces lo que necesita es una manera fácil de pensar en ellos. El problema con simplemente anotando goles y llamar a un día es que no es probable que revisar esa hoja de papel cada día y pensar: "Está bien. Dónde estoy hoy en el logro de mis metas ". No, estamos simplemente no es tan ordenada. Necesitamos una manera de pensar acerca de nuestros objetivos que podemos tomar en cualquier lugar que queremos. Una forma que se pega en nuestra mente. Un sistema que hace que sea fácil de recordar qué es lo que vamos a ir. Después de años, de ahí mi 16 años lista de metas éxito parcial, he encontrado un método muy simple que uso que puede trabajar para usted, también. Es unos sencillos pasos: Anote todas sus metas - escribir todo lo que viene a la mente, una lluvia de ideas Etiquete sus 3 objetivos principales - sus 3 goles más importantes Encuentra las metas de su lista que caben dentro de estos 3 objetivos principales - puede ser cualquier sub metas de sus objetivos principales? Por ejemplo, si uno de sus objetivos principales es ser más atlético y otra meta es conseguir flexibilidad, a continuación, de forma flexible podría caber debajo ser más atlético Etiquetar objetivos secundarios - estos son objetivos que no son metas primarias o secundarias Utilice la reducción reflexivo para eliminar cualquier cosa que CAN- recortar la grasa, lo más probable es que van a ser objetivos secundarios Lo que se gana con este sistema: Una vista aérea de lo que es más importante para usted, qué dirección quieres que tu vida a la cabeza, y cómo usted desea pasar su tiempo. ¿Por qué funciona? Debido a que usted puede tomar la información con usted en su mente todo el tiempo. Una vez que pasa por el proceso verás lo fácil que es para que usted recuerde todas tus metas

como esta y darles sentido. Sin embargo, hacer que este sistema funcione para usted. Si no hay manera posible para que usted pueda llegar a sólo 3 objetivos principales, a continuación, añadir más. Que sea su sistema! La definición de sus objetivos Cómo definida o no, a hacer sus metas depende de usted. No hay reglas acerca de esto. Mucha gente le dirá a definir sus metas tanto como sea posible y en tiempo-fecha y medir todo. Puedes. O usted no tiene que hacerlo. La trampa que a menudo atrapados en está sacrificando calidad por la cantidad. Un ejemplo muy común: voy a aprender 10 canciones de este mes. Escribo mi objetivo y las 10 canciones que voy a aprender. Entonces voy imprimir la partitura, memorizar los cambios de acordes y aprender las melodías de la página. Qué está mal con esta imagen? Sacrifiqué melodías aprender la forma correcta de aprender en lugar de 10 canciones. Me concentré en la cantidad, no la calidad. Al definir sus metas, se centran en menos y aspirar a la maestría. En lugar de decir que quieres aprender 10 canciones de este mes, decir: "Voy a aprender 1 melodía, completamente de una grabación." Eso sí que es una meta. Y verás ... La cantidad a crecer después de haber alcanzado una meta es la verdadera medida de lo objetivo. Rompiendo metas más grandes en otros más pequeños Imagina que estás en una isla y su objetivo es otra isla cercana. Piense en este proceso como el puente que conduce de una isla a la otra. Con demasiada frecuencia, la gente trata de saltar directamente a la meta final así lo desean. Cuando se rompe cualquier cosa que parece complejo en una serie de pequeños pasos alcanzables, lo imposible se hace posible. Y si los pequeños pasos son todavía difícil entonces que los hacen más pequeños. Rompes los pasos en tareas realizables. Con cada tarea cumplida, se mueve hacia adelante. Un gran ejemplo de esto está transcribiendo su primer solo de jazz. En vez de acercarse a

todo el solista, romper en trozos pequeños alcanzables. Un coro es todavía demasiado difícil, ¿cómo combate 4 bares? 4 bares consiguieron usted perplejo, ¿cómo combate 1? Que sea una meta de hacer 1 medida de cada día y pronto se dará cuenta de que usted ha transcrito todo el solo de la memoria. Lo que parecía imposible al principio se hizo posible a través de una serie de pequeños pasos alcanzables.

El logro de sus metas: mantener los ojos en el premio

Ahora que usted ha determinado sus metas correctamente-que te inspire y te moverse en la dirección que desea ir, y usted tiene una manera sistemática fácil pensar en ellos, todo lo que necesita es la persistencia de llevarlas a cabo. Es más fácil decirlo que hacerlo. Pero, muy factible con algunos consejos .. Mantenerse constante Como se dice comúnmente en muchas industrias, el éxito es la sostenibilidad. Si no puede mantener el camino para alcanzar sus metas, entonces no va a alcanzarlos. Piense en el sobre-entrenamiento en atletismo o estudiar para un examen. Lento y constante hace ganar la carrera. Haga un plan moderado que puede verse a sí mismo se pegue a por un largo tiempo, no sólo unos pocos días o semanas. Recuerde que para mantenerse motivado, tienes que estar inspirado cada vez que se piensa en la meta, y que se inspira, no puede arder. Esa chispa inicial que tenía la primera vez que configura el objetivo debe permanecer con usted en algún nivel durante todo el tiempo de conducción hacia ella, de lo contrario perderá el foco y se preguntan por qué usted está incluso tratando de llegar a él en el primer lugar. El concepto de tiempo-boxing ayuda enormemente con la estructuración de su tiempo de estancia no sólo centrado en la tarea, pero para asegurarse de que usted no gasta demasiado tiempo en algo.

Todos los medios en tiempo el boxeo es la selección de una cantidad específica de tiempo, y diciendo que por esa cantidad de tiempo seleccionado, usted se centran en algo. Así, por ejemplo, podría decir, durante 15 minutos al día de esta semana, me centraré en el aprendizaje de una determinada pieza de lenguaje. El tiempo de la caja me puse asegura no me distraigo con otras cosas para practicar mientras me concentro en que el lenguaje y crea un espacio diario para mí trabajar en una cosa. Tener un plan diario de acción Tener un plan diario de acción es vital para el logro de metas. Un plan diario de acción viene de tener un plan semanal, mensual o anual de acción, y todos aquellos derivan de sus objetivos que estructuran antes. Tiendo a pensar sólo en bloques tanto como semanal porque eso funciona para mí. Pensar en términos de meses y años sólo parece demasiado lejos. Haz lo que te funcione. Así, en primer lugar, al inicio de cada semana, configure una breve plan semanal de alto nivel que se centra en los pasos que debes seguir para lograr sus metas. Luego, cada noche, anote el plan diario de acción específico que va a hacer mañana. Comience con el eslabón más débil cada día. Tenemos la tendencia a trabajar en lo que somos buenos y evitar lo que no somos buenos. La razón exacta que chupar algo es porque no trabajamos en él. Comience con el, más débil, lo más un-diversión más duro, y luego ir de allí. Lo que nos lleva al deber de basura .. Tratar con la basura No importa qué es lo que estamos tratando de lograr, siempre hay trabajo que no queremos hacer, o trabajo que no es creativo o divertido. Nada está hecho completamente de trabajo divertido. Cuando la gente dice que les encanta su trabajo, o que les gusta tocar el piano, o que les encanta correr .. Están pensando en las partes buenas. Los grandes compañeros de trabajo, la hermosa canción que acaban de aprender, la montaña que sólo exploran. Ellos no le están diciendo acerca de las innumerables horas de frustración que sufrieron debido a que el objetivo mayor es la pena para ellos. Y esa es la clave: usted tiene que tener suficiente deseo de perseguir el objetivo más grande para el trabajo no tan divertido importa a usted. Si el objetivo más amplio que importa en un nivel muy personal, entonces se puede obtener a

través de la basura para llegar allí y se puede replantear la forma de pensar acerca de la basura, incluso aprender a gustar. Para hablar o caminar? ¿Debemos compartir nuestras metas con los demás? Hay dos lados en este debate. El pensamiento común es que compartiendo sus metas con su familia y amigos, o incluso publicar públicamente que las personas hacen con frecuencia en Facebook, le ayudará a mantener a usted responsable, que usted va a esforzarse por actuar de acuerdo con lo que usted ha dicho que otros se quiere hacer. Y, definitivamente puedo ver la lógica aquí y por qué iba a trabajar. Pero en mi experiencia, tengo que ir con lo que Derek Sivers afirma en este Ted Talk acerca de mantener sus metas a ti mismo:

Él comparte investigación que ilustra lo que sucede en el cerebro cuando hablamos de nuestras metas, señalando que engaña nuestro cerebro para que piense que ya hemos logrado el objetivo, haciéndonos luego relajarse y dejar que la caída meta en el camino. No puedo decir si esto es correcto o no, o si se debe o no debe hablar sobre sus objetivos con los demás. Les puedo decir que el mantenimiento de sus metas a ti mismo, algo que suelo hacer, que permite total libertad. Al compartir sus metas, la gente le dará su opinión si desea o no. Ellos pueden decir que ellos piensan que es genial, o pueden decir un millón de razones por las que no lo logrará.

¿Por qué hacer frente a todo esto? ¿Por qué siquiera perder el esfuerzo de hablar de sus metas? Si usted no está pidiendo consejo y ya ha determinado que desea establecer y hacer de este objetivo, entonces eso es tiempo que podría haberse gastado centrado en cómo vas a alcanzarlos en su lugar. Por lo tanto, tratar de mantener sus metas a ti mismo y ver cómo funciona para usted.

Cerrando el círculo con sus metas

¿Que has aprendido? ¿Estás listo para hacer frente a 2.016 de frente? Recapitulemos algunos de los robos de balón más importantes: Objetivos de darle dirección y ayudar a formular un plan. Al no tener sentido sigue siendo una dirección, pero no de su elección. El establecimiento de objetivos obliga a determinar qué es lo más importante para usted y cómo va a dar prioridad a su tiempo. El hecho de que a alcanzar un objetivo no crea felicidad. Sus metas deben estar alineados con la forma en que desea pasar el tiempo, las experiencias que desea tener y lo que desea realmente lograr. Objetivos tienen el propósito de inspirar a usted! Usted puede cambiar sus metas en cualquier momento. Es tu vida. Siempre estar en la búsqueda de más opciones y tratar de redefinir sus metas. Nosotros y la vida somos dinámica, no estática. Utilice un sistema simple para organizar sus metas para que usted pueda pensar en ellas fácilmente en cualquier lugar que vaya. Utilizar los conceptos de objetivos principales, metas secundarias, metas secundarias, y la reducción reflexivo. La persistencia es de suma importancia. El éxito es la sostenibilidad. Establecer los tiempos de cajas para mantenerse en la tarea. Tener un plan de alto nivel semanal y planes de acción cotidiana Todo tiene basura que tiene que hacer frente. Hacer que el objetivo mayor pena y encontrar una manera de disfrutar incluso las peores partes. Trate de no compartir sus objetivos con los demás y ver si tiene más suerte en el cumplimiento de ellos A medida que avanzamos en el año 2016, utilizar todas las técnicas que hemos compartido con usted para averiguar sus objetivos, estructura sus metas y lograr sus objetivos. Como músico, tiene más goles que la mayoría de la gente, porque tienes todo este otro

mundo por explorar que la mayoría de la gente ni siquiera sabe que existe. Es por eso que es tan importante para que usted aprenda cómo configurar todas sus metas y para conceptualizar cómo sus metas musicales encajan en la imagen más grande. Adelante y hacia arriba. Le deseamos todo lo mejor en el nuevo año desde Jazzadvice!

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Domina tus intervalos de 28 días Publicado Por Forrest En 03 de junio 2010 @ 20:48 En Conceptos, Oreja | Comentarios discapacitados

Ser capaz de escuchar de forma rápida, cantar, y precisa identificar intervalos es esencial para el desarrollo de la oreja de improvisación. En este artículo, he juntado un plan para que usted pueda dominar sus intervalos en 28 días. Para los principiantes, esto le dará una base muy necesario. Y para los jugadores más avanzados, que le dará la oportunidad de poner al día sus intervalos y llenar los vacíos que podrían estar allí. El objetivo es ser tan familiarizados con estos sonidos, que requiere muy poco esfuerzo para procesarlos. Nunca se puede saber estas cosas demasiado bien!

Familiarizarse con los intervalos Una de las mejores maneras de conseguir familiarizados con todos los intervalos es encontrar una melodía que ya sabe que hace uso de cada uno. Hay 12 intervalos totales y tendrás que practicarlos tanto ascendente como descendente, haciendo para 24 totales. Usted puede encontrar sus propias melodías que hacen uso de cada intervalo en ambas direcciones si se quiere, o puede descargar este pequeño y práctico gráfico de intervalo de forma gratuita desde Jamey Aebersold. Enumera una serie de normas en las dos primeras notas de la melodía son el intervalo denotado. Y para su comodidad, aquí hay algunos clips para los 12 intervalos en ambas direcciones. En general, el intervalo es denotado las dos primeras notas de la melodía y el clip, pero en ocasiones se producen después de una breve introducción. Traté de seleccionar clips que juegan el intervalo alto y claro, por lo que no debería tener que trabajar para encontrar a ninguno de ellos. (Usted puede saltar sobre los clips por ahora y volver a ellos una vez que lea el plan de 28 días más adelante) Menor Segunda ascendente Ammons Gene sobre me acuerdo de ti, Miles de Bye Bye Blackbird, y Sinatra en Buen trabajo si puedes conseguirlo

Menor Segunda Descendente Miles juega Stella By Starlight, Sinatra canta The Lady Is A Tramp, y especialmente para Patrick Bateman tenemos Whitney Houston cantar Alegría al mundo (lo siento, no pude evitarlo)

Mayor Segundo ascendente Estoy asumiendo que usted sabe feliz cumpleaños. Y este clip es Benny Goodman en Cuerpo y Alma

Mayor Segundo Descendente Miles de Freddie Freeloader

Menor Tercera ascendente Parker en la Confirmación

Menor Tercera Descendente Sinatra canta Cuál es esta cosa llamada amor? Y otra que ya sabes es Frosty el muñeco de nieve

¿Quieres grandes orejas? Obtener el método de entrenamiento del oído. Se le enseñará paso a paso. Aprende más… Mayor Tercer ascendente Louis en Oh Cuando los santos, mareado y pájaro en la I Can not Get Started

Mayor Tercer Descendente Miles de I Summertime, Trane en blues de Bessie, y Trane en Giant Steps

Cuarta ascendente perfecto Aquí viene la novia, Desmond y Mulligan en todas las cosas que está

Perfecto Cuarto Descendente Parker en la I Yardbird Suite de

Cuarta aumentada (o quinta disminuida) Ascending Los Simpsons Theme Song

Cuarta aumentada (o quinta disminuida) Descendente Aquí hay un enlace al principio de Sonny Rollins jugando Azul Siete Quinto ascendente perfecto Milt Jackson en Bolsas Groove

Perfecto Quinta Descendente Scott Hamilton en ¿Has conocido a la señorita Jones?, Getz en Seven Steps To Heaven

Aumentada Quinta (o disminuida Sexta) Ascending Paul Desmond jugar mañana del Carnaval (De Orfeo Negro)

Aumentada Quinta (o disminuida Sexta) Descendente Benny Goodman en favor no habla de mí cuando me haya ido

Mayor Sexta ascendente Tony Bennett y Bill Evans juegan Días de vino y rosas, Joe Henderson en Take The A Train

Mayor Sexta Descendente Johnny Mathis canta que usted es un tejedor de sueños

Ascendente Séptimo Menor Reri Grist canta en alguna parte (de West Side Story)

Menor Séptima Descendente Herbie juega Watermelon Man. No es el mejor ejemplo de una séptima menor, pero se puede escuchar en el primer gran salto descendente de la melodía.

Mayor ascendente Séptimo Lee Morgan en Ceora

Mayor Séptima Descendente Keely Smith canta Te amo

Octave ascendente

Keith Jarrett jugando Somewhere Over The Rainbow

Octave Descendente Sarah Vaughn canta Willow Weep For Me

Oído Intervalo Ejercicio de Entrenamiento Puntos para recordar: Asegúrese de que usted escuche el intervalo en la cabeza antes y mientras cantas. A veces, te oigo en mi cabeza un par de veces y luego empiezo a cantar el intervalo en voz baja, mientras yo continúo escuchar el intervalo en mi cabeza tan fuerte como me sea posible. Poco a poco, voy a empezar a subir el volumen de mi voz, asegurándose de mantener el foco en el sonido en mi cabeza. Canta con brea exacta Apegarse al plan Ejercicio Intervalo: Juega la primera nota del intervalo en el piano (o un diapasón cromática). Deja de jugar la primera nota y cantar la segunda nota. Revise su lanzamiento para la exactitud. Ahora, asigne la primera nota que toque en el piano para '1' de una clave importante. Sing "1" mientras toca esa nota en el piano. Deja de jugar la primera nota y cantar el segundo número que corresponde a la nota en el intervalo dado, por ejemplo, para un segundo importante que le cantan '2'. (Ahora bien, esto no funciona para todos los intervalos, como una segunda menor de edad) También puede identificar todas las ocurrencias de un intervalo en una escala y cantar esos números en su lugar. Por ejemplo, para ascender segundo menores, podría cantar: '3-4', o '7 a 1' El objetivo de este ejercicio: Ser capaz de escuchar el intervalo en la cabeza antes de cantarla. Entender dónde ocurren estos intervalos en una escala mayor (se puede pasar a otras escalas más adelante). Ser capaz de cantar los números en la escala de cada intervalo, mientras continúa para escuchar los intervalos en la cabeza.

El plan Este plan está estructurado de tal manera que sólo se va a pasar 15 minutos al día trabajando activamente en sus intervalos. Cualquiera puede encontrar 15 minutos al día y las recompensas son enormes. El plan utiliza un concepto llamado aprendizaje espaciada. La idea detrás de aprendizaje espaciado es que desea activar la memoria a corto plazo en memoria a

largo plazo. Para ello, el aprendizaje espaciado prescribe tres períodos activos de aprendizaje, separadas por dos 10 minutos de descanso. Durante estas pausas, es importante no pensar en lo que estaba trabajando. Ir cocinar algo, hacer algunas flexiones, ve a leer un libro. Cualquier cosa para no pensar en lo que estaba trabajando. Ok, este es el plan: Cada día que vamos a trabajar en un intervalo en una dirección. Familiarizarse con el intervalo del día de los clips en la primera sección por unos minutos. Entonces, vamos a usar el aprendizaje espaciado mientras se hace el ejercicio de entrenamiento auditivo intervalo de describir anteriormente: a 5 minutos de la práctica de intervalo, 10 min. romper, 5 min. en, 10 min. romper, 5 min. en. ¿Lo tengo? Así que si el intervalo del día es una segunda mayor, voy a ver los clips durante unos minutos, y luego voy a jugar una nota en el piano, que coincida con el tono y cantar '1', dejar de tocar el piano, y luego oigo y cantar '2'. También puede elegir a cantar cualquiera de los otros números en la escala que constituyen un importante segundo intervalo ascendente. Para empezar, acaba de elegir uno y cantar para los 5 minutos completos. Luego romper 10 minutos. A continuación, realice el mismo ejercicio y el intervalo de 5 minutos. Luego romper 10 minutos. A continuación, realice una sesión de ejercicios 5 minutos final. El plan se divide en 4 semanas. En el séptimo día de cada semana, podrás revisar los 3 intervalos anteriores en ambas direcciones de la misma manera el aprendizaje espaciados. Sólo hacer el mismo ejercicio que has estado practicando, pero se alternan entre los diferentes intervalos. Utilice la siguiente lista para realizar un seguimiento de su progreso.

Bueno, ahí lo tienes. Todo lo que necesita para dominar sus intervalos de 28 días!

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Explorando el espacio Publicado Por Forrest En 27 de abril 2011 @ 08:52 am En el ritmo, tiempo | No Comments

La música es el espacio entre las notas -Claude Debussy El uso del espacio es lo que define nuestras líneas. Aprender a controlar el uso del espacio nos permite definir nuestras líneas con precisión cómo queremos. Para obtener este control, debemos centrar nuestra atención en donde descansamos. La mayor parte de nuestro tiempo de práctica se dedica a jugar y no descansar. Para muchos, en realidad es difícil no jugar. Es difícil, simplemente porque no hemos pasado mucho tiempo en él. Los siguientes ejercicios se centrarán en tres áreas de la utilización del espacio: El uso de espacio después de una línea El uso de espacio antes de una línea El uso de espacio dentro de una línea Con diligencia a practicar el uso de espacio en estas tres formas diferentes ampliarán la forma en que usted oye y juega.

El uso de espacio después de una línea El uso más simple del espacio es el uso del espacio directamente después de una línea. Espacio después de una línea da la definición idea y proporciona un punto de ruptura lógica para su próxima idea para empezar; que da a la habitación idea para respirar y eco en la

mente del oyente. Algunas veces estamos tan arrastrados jugando una idea tras otra que cada línea se encuentra con la siguiente, lo que hace que suene como una sentencia de funcionar-en-y luego añadir más material y tal vez añadir más y nada no habrá ningún espacio o incluso un la coma sólo más más más material que va y viene y sangra en la siguiente idea y .. No queremos sonar como eso. El uso de espacio después de una línea guartantees la separación de sus ideas musicales, a cada uno dando un área claramente definida para vivir. Cómo practicar el uso de espacio después de una línea Todos los ejercicios de este artículo utilizan la idea de la aplicación de concepto. La idea básica es: que va a retomar un tema que usted está trabajando en o un blues, imponer algunas restricciones, y en solitario sobre ella prestando mucha atención a la forma de utilizar el espacio. En cada ejercicio que va a utilizar el espacio de una manera diferente. A través de este proceso, usted aprenderá a utilizar el espacio de manera más eficaz en sus solos improvisados. Para este primer ejercicio, que está prestando mucha atención a la forma de utilizar el espacio después de una frase. Comience con grandes trozos de descanso. Vamos a echar un blues. A partir de la primera medida, jugar una idea de un compás seguido por tres barras de descanso. No te pongas demasiado artificial al respecto. Lo que quiero decir es artificial, sus ideas no tienen que empezar justo en una. Y no dude en jugar pick-ups antes de una idea o etiqueta notas en el extremo de una idea. He aquí un ejemplo de tocar una idea de un compás y luego en reposo durante tres medidas. Una vez más, utilizar estos números como directrices sueltos.

Una vez que se sienta cómodo con el juego de una frase de un compás y el uso de espacio para las tres medidas siguientes, probar otras combinaciones. Las combinaciones más sencillas de aplicar mantendrá el número de barras que estés descansando más el número de barras que estés jugando igual a 4 medidas totales. (Por ejemplo, jugar dos medidas, luego

descansar dos medidas). Después de experimentar con algunas otras combinaciones, trate de no limitar sus líneas a una cantidad determinada medida, pero aún así limitar la cantidad de descanso. Así que, tal vez usted elija y dos medidas como su cantidad para descansar después de una idea, en cuyo caso, después de cada idea melódica que juegues, el descanso en torno a dos medidas. Una vez más, lo utilizan como una guía y hacer que suene la música.

El uso de espacio antes de una línea Aprender a controlar el espacio antes de una frase crea un sentido de propósito en sus líneas. Una forma sencilla de practicar el uso de espacio antes de una frase es de práctica líneas de partida de diferentes partes de la barra. Hablé de esto en Desarrollar un sentido más fuerte de tiempo mediante el uso de un metrónomo los días 2 y 4. He aquí una manera de cómo usted podría tomar una frase e iniciarlo en diferentes partes de la barra, esencialmente variables cómo se utiliza el espacio al principio de una idea. .

Cómo practicar el uso de espacio antes de una línea Así como lo hicimos antes, voy a utilizar un blues para ilustrar cómo aplicar este concepto de uso de espacio antes de una línea. En primer lugar, seleccione una de las 7 variaciones del ejemplo anterior (no la frase original). Voy a utilizar la tercera línea del ejemplo (empiezo en '2'). Entonces, predeterminar dónde va a jugar una idea. Para el siguiente ejemplo he decidido que voy a jugar una idea a partir de las medidas de 2, 6 y 8. Esto es lo que parece:

A continuación, puede probar otras variaciones de dónde va a comenzar sus ideas dentro de la barra, y diferentes medidas de donde vas a jugar con ellos.

El uso de espacio dentro de una línea Cuando se utiliza el espacio dentro de una línea, usted quiere tener cuidado de no utilizar demasiado porque desea mantener la continuidad de la línea individual. Escuche a Coltrane en la Quinta Casa y prestar mucha atención a la forma en que utiliza pequeñas cantidades de espacio dentro de cada línea que juega.

Cómo practicar el uso de espacio dentro de una línea Para aprender a utilizar el espacio dentro de una línea, la práctica de la inserción de corchea y negra descansa en medio de una idea. Longitudes de descanso mayor que éstos tenderán a romper sus líneas a dos ideas distintas. Una vez más, voy a trabajar a través de un ejemplo con ustedes sobre un blues. Ayuda a predeterminar donde vas a jugar sus líneas, de esa manera usted puede simplemente centrarse en la tarea en cuestión: el uso de descanso en el medio de una línea. Vamos a decir que voy a empezar mis líneas en las medidas de 4 y 8. Se puede ir cualquier longitud, siempre y cuando utilizan el espacio dentro de la línea y pastillas son todavía bien. Y digamos que voy a usar sólo corchea-descansos (cuando se utiliza la aplicación concepto

como lo estamos haciendo en todos estos ejercicios, que ayuda a ser lo más específico posible con sus limitaciones. Siempre se puede eliminar más tarde.) He aquí un ejemplo del uso de corchea-restos dentro de las líneas:

Experimento con el lugar donde se coloca el resto dentro de la línea y tratar tanto corchea y negra descansa.

El estudio de los usos del Señor del espacio Invente sus propios ejercicios utilizando los conceptos ilustrados a través de este artículo para practicar el uso de espacio antes, después y dentro de una línea. A medida que comience a ser más conscientes de cómo controlar la cantidad de espacio que utiliza y donde usted lo utiliza, se escucha con mayor claridad cómo el espacio útil al Señor. El estudio de Miles, Ahmad Jamal, o cualquier otro maestro tomará su comprensión del espacio a nuevas alturas. Miles Davis era un maestro completa del espacio, ya que jugó rápido ...

O lenta

Ahmad Jamal se describe constantemente como el maestro de la utilización de espacio.

Y no hay necesidad de limitarse a los maestros del jazz. Escuchar a todos los maestros de la música y recordar lo que dijo Debussy, "La música es el espacio entre las notas."

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Pensando fraseo musical de improvisación Publicado por Eric En 21 de enero 2013 @ 18:45 En Conceptos, Jazz, Lengua Los jugadores, los Consejos, transcribiendo | No Comments

Recientemente he estado estudiando y transcribir una gran cantidad de Millas de alrededor 1956-1957. Discos como Cookin ', Relaxin y Workin'. Más de las notas o los dispositivos de armónicas en sus solos, lo único que sobresale sobre Miles es su sentido del fraseo. Esto es lo que lo diferencia y por qué tantos oyentes se conectan con su sonido. Miles podía jugar todo lo que quisiera, pero siempre juega musicalmente. Se necesita un músico avanzado y honesta que improvisar una melodía que se están escuchando en su cabeza en medio del lavado de los acordes y el tiempo en constante movimiento. Y se necesita un músico aún más maduros como para no jugar a todas las escalas, y los patrones y el lenguaje que han practicado durante horas. La mayoría de las personas no se dan cuenta de la cantidad de trabajo y el enfoque que se necesita para llegar al punto en que puede liberarse de la teoría y jugar algo que te está escuchando y sintiendo. Esta idea de fraseo y la creación de declaraciones musicales significativas es un aspecto de improvisación que no se encuentra en un montón de solos de los jugadores. Improvisar no es sólo el uso de escalas o insertar un patrón en una progresión de acordes, al final todo se trata de la creación de la música y la realización de melodías personales.

¿Qué es una frase musical? Al improvisar una frase musical, que esencialmente se convierte en un compositor, creando

nuevas melodías sobre el terreno a través de una progresión de acordes establecida. Por lo tanto, el estudio o por lo menos, para familiarizarse con los elementos de la composición es esencial para la creación de una frase musical exitosa. Vamos a consultar a algunos pasajes de la obra de Arnold Schoenberg Los Fundamentos de Composición Musical. Abre la discusión acerca de la composición, centrándose en la frase musical, y lo mismo se aplica a la improvisación: "La unidad estructural más pequeña es la frase, una especie de molécula musical que consiste en una serie de eventos musicales integrados, que posee una cierta integridad, y bien adaptado para combinación con otras unidades similares." "La frase término significa, estructuralmente, una unidad que se aproxima a lo que uno podría cantar en un solo aliento. Su final sugiere una forma de puntuacion como una coma ". "La adaptación mutua de la melodía y la armonía es difícil al principio. Pero el compositor nunca debe inventar una melodía sin tener conciencia de su armonía ". "El ritmo es particularmente importante en el moldeo de la frase. Contribuye al interés y variedad; establece carácter; y es a menudo el factor determinante en el establecimiento de la unidad de la frase ". De esto podemos deducir que la eficacia de una frase se reduce a tres elementos principales: 1) Pensar en términos de una declaración musical completa 2) El conocimiento de los antecedentes de armónicos 3) Jugando con definición rítmica La idea de la redacción es especialmente importante en la música de Schoenberg. Al abandonar la armonía convencional, la construcción de acordes, y haciendo caso omiso de la atracción de la V7 para que con su sistema de composición, la melodía y la frase de cada pieza son críticos para el oyente. Y esto era algo que Schoenberg era muy consciente. Al escuchar una frase musical que se indica a continuación, desarrollado es innato en cada oyente, ya sea consciente y estudiado por el músico ejecutante o inconscientemente siente el oyente casual. Para los no-músico, escuchar bebop puede ser tan desconcertante como el primer encuentro de un estudiante de música con 12 música de tono, pero en ambos casos la inclinación natural de la oreja hacia la melodía y la repetición es la tabla de salvación que nos salva a medida que dejarse arrastrar por desconocidos armonía.

No fraseo, no hay oyentes He visto cientos de presentaciones en vivo y sentado en esas audiencias, yo también he observado miles de oyentes. Al ver la reacción del público a un ejecutante puede revelar algunas pistas interesantes sobre la realización. Algunas noches se puede caminar en un club de jazz y podrás ver a la audiencia colgando del

solista cada nota, y en otras noches, el público es extrañamente indiferente, cambiando en sus asientos, mirando sus relojes, y susurrando entre sí . ¿Qué hace que un jugador tiene que el otro no? Cuando un artista no está recibiendo toda la atención del oyente, por lo general es porque uno de los tres elementos del fraseo musical desaparece: El solista no está haciendo declaraciones musicales o jugando ideas musicales. El solista no es capaz de navegar por la armonía, no está haciendo los cambios, o se está perdiendo en el formulario. El solista no está jugando con cualquier carácter rítmico, encadenar 8º notas o jugar sin tener en cuenta el tiempo o el contenido rítmico de la solista. Si las tres descripciones anteriores suenan como sus solos improvisados, entonces va a ser difícil encontrar a alguien que te escuche por todo un solitario. El mismo fenómeno ocurre con el público escuchando a un orador público. Si no está preparado el altavoz, no conoce el tema, y ​paseos en y sobre la audiencia inconscientemente comienza a apagarse. Tiene sentido: ¿Por qué invertir tiempo en escuchar cuando el intérprete claramente no ha invertido tiempo en la presentación de sus ideas? Todos hemos visto este tipo de actuaciones y muy probablemente hemos estado en ellos mismos. Todos estos factores destruir la conexión para el oyente. Fácilmente nos perdemos en la maraña de notas y acordes, cuando deberíamos estar comunicando con el público. Escalas y acordes son importantes, pero son para la sala de ensayo, no el escenario. Si quieres llegar al siguiente nivel de juego y si usted quiere comunicar su música y su mensaje de forma efectiva con el oyente necesita ir más allá de las notas. Tienes que hablar en frases musicales.

Requisitos previos fraseo Entender lo que suena una frase como es importante, pero hay algunas cosas que tienes que desarrollar musicalmente antes de poder empezar a improvisar sus propias frases. Enunciado no puede suceder si usted todavía está pensando en escalas y tonos de acordes. No va a suceder si usted tiene que parar y recordar el siguiente acorde en la progresión o la tecla que el puente va a. Si usted está pensando en cada nota de que juegas, es muy difícil pensar en frases que se conectan más de la forma más grande de toda la progresión y la melodía. Si desea elaborar frases musicales en sus solos de lo que necesita para comenzar por ser capaz de oír la diferencia de calidades de acordes (mayor, menor, V7, etc.), usted necesita saber sus tonos de acorde, es necesario internalizar el tiempo y sentir de una melodía y tienes que saber un tono hasta el punto donde se puede cantar la melodía y la progresión de acordes.

Frases musicales no vienen desde un punto intelectual de origen, provienen de su oído y su musicalidad interior. Comience por pensar en trozos más grandes de tiempo y el objetivo de entender la progresión de acordes auditivamente. Más allá de esos acordes individuales. Visualizar, mental y auditiva, lo que todo el coro Aspecto del producto y imaginar lo que su primera declaración podría ser y cómo se va a desarrollarlo. Elabore su mensaje musical para el oyente, no con notas individuales, pero con una frase musical completa.

El desarrollo de su fraseo El blues es el vehículo perfecto para trabajar en el fraseo, una forma 12 bar con poco movimiento armónico, I - IV - I - V7 - I. El movimiento de la cuerda que al acorde IV y de vuelta a la cuerda que es perfecto para el desarrollo de una sencilla frase musical. Juega una idea sobre el acorde I, luego desarrollarlo en el acorde IV y completarlo en el ii-V que se remonta a la cuerda yo. Una declaración y luego una respuesta a esa declaración. Por ejemplo, escuchar a Miles en solitario en "Blues de Cinco":

Echemos un vistazo a sólo el primer coro:

Ahora echemos un vistazo a los 12 bares, no desde el punto de análisis de acordes estándar de vista, pero a partir de la idea de fraseo. En lugar de pensar en todos y cada acorde, escuchar esas 12 bares en una sola pieza. Oíd lo que suena esa forma como en su conjunto y escuchar cómo Miles navega este formulario. En el primer coro de su solo de Miles juega tres frases distintas:

Una idea a la perfección y lógicamente conduce a la siguiente. Hay espacio para respirar después de cada frase y el oyente puede seguir fácilmente el desarrollo de la línea. Cuando analizamos solos en un pedazo de papel nos quedamos atascados en una nota a otra aproximación, pero esto no es la forma en que escuchamos. Encienda un registro y pronto te darás cuenta de que no se oye una sola nota a la vez, se oye frases e ideas musicales. Esta es la forma en que debe empezar a pensar en los solos que usted está transcribiendo y, finalmente, cómo se debe prever sus propios solos improvisados.

Juega lo que se canta Otra parte importante de la redacción es el objetivo de una calidad vocal en sus líneas, como si los tenga en cuenta que usted está jugando sería algo que, naturalmente, cantar. Chet Baker es un gran ejemplo de un jugador que siempre jugó lo que estaba oyendo o sintiendo. No importaba si estaba jugando sus ideas en la trompeta o cantando ellos, el mismo fraseo musical y sentimiento estaba allí. Echa un vistazo en solitario de Chet en "Te puede pasar a ti":

Gran fraseo musical es como una conversación. Hacer una declaración y luego seguir hasta que con una respuesta. Es lógico y tiene sentido y se puede seguir el desarrollo de la historia. Su declaración podría tener un motivo rítmico, o un conjunto de intervalos, o incluso un pequeño pedazo de la lengua que ha transcrita. Sea lo que sea, la frase debe comenzar con algo que estás escuchando. Fraseo musical es el resultado natural de escuchar cientos de registros, solos de transcripción y las melodías de canciones. Sin embargo, también es el resultado del desarrollo de las orejas, el estudio de la teoría y la inculcar progresiones de acordes y melodías hasta el punto que usted no tiene que pensar conscientemente acerca de ellos. Después de algún tiempo la idea de hacer una declaración musical que estás escuchando en su cabeza se sentirá natural para usted. De la misma manera que usted aprendió a hablar frases, usted comenzará a jugar frases musicales improvisados ​que tienen sentido y se desarrollan a través de su solitario. Tenga en cuenta que pensar en frases es sólo el comienzo. Una vez que te acostumbras a jugar frases, puede utilizar algunas ideas en este artículo, o este artículo para desarrollar aún más esta idea. Usted puede tomar esta idea tan lejos como desee, pero si vas a hacer una cosa, asegúrese de que se está haciendo en la mentalidad de fraseo cada vez que tome un solo.

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No se olvide de los conceptos básicos Publicado por Eric En 11 de mayo 2010 @ 04:38 am En Conceptos, inspiración, Consejos | No Comments

Para muchos de los músicos que están trabajando para mejorar, es fácil pasar la mayor parte de nuestro tiempo de práctica de trabajo en los conceptos armónicos y rítmicos muy complejas mientras que las habilidades fundamentales, que todos sabemos, básicamente, son empujados a un segundo plano. Esto ocurre fácilmente si se piensa en ello; después de pasar a y el logro de un nivel aceptable de técnica fundamental, a menudo nos dirigimos nuestra atención a las áreas que son más emocionante o nos hacen la cadera sonido cuando estamos solos. Este es probablemente el resultado de la forma en que aprendemos cosas en el sistema educativo. En situaciones como éstas, no hacemos más que presentaron a un concepto y luego encontramos moviéndose rápidamente al siguiente concepto sin realmente dominar la primera. Por ejemplo, al igual que aprendemos sobre ii-V de pasar a los dominantes alterados o sustituciones tri-tono, nuestra mente siempre dos pasos por delante de nuestra técnica. En un esfuerzo por ponerse al día, los fundamentos de nuestra musicalidad son a menudo ignorados como nos centramos únicamente en estos nuevos conceptos. Los fundamentos son la base de todo lo que nos jugamos y mantenerlos no sólo, sino mejorar a un nivel superior, debemos centrarnos en ellos todos los días. Aquí hay cuatro áreas fundamentales de su juego para centrarse en cada vez que usted entra en el cuarto de la práctica:

1. Sonido Su sonido es una de las herramientas más poderosas de expresión que tiene y una de las primeras cosas que un oyente se llevará lejos de su rendimiento. Piense en Freddie Hubbard, Clark Terry o Coltrane; para los maestros como éstos sonido era una parte integral de su identidad musical. No importaba si sólo jugaron algunas notas, simplemente escuchando ese sonido fue suficiente para transmitir su mensaje a la audiencia. Su sonido abarca todos los aspectos de su maestría musical y es un resultado directo de lo que está practicando. Concéntrese en el sonido cuando se trabaja en la técnica, entrenamiento auditivo, escalas o lo que sea que usted está derramando en la sala de la práctica. Al hacer esto, su sonido se convertirá arraigada en su concepto personal, convirtiéndose en una parte esencial del mensaje general que se está comunicando cuando se improvisa. En última instancia, si el sonido es deficiente, las otras áreas de su juego, sin embargo la cadera que son, están realmente perdidos en el oyente.

2. El tiempo y la Articulación Estos dos aspectos de nuestro juego están muy entrelazadas en el flujo de nuestras líneas improvisadas. Si la articulación no está sucediendo, el tiempo se ve directamente afectado y si el tiempo está fuera, es tan malo como escuchar notas incorrectas. El tiempo debe ser una parte de casi todos los aspectos de su práctica. Cuando usted trabaja en escalas, arpegios y cajas de pinturas, usted debe tener un metrónomo en marcha, o cuando se están revisando los cambios a una melodía que está tratando de aprender, usted debe estar sintiendo pasar el tiempo a medida que improvisar. En el mismo sentido, todo lo que ponemos en práctica debe incluir la articulación que queremos conseguir cuando estamos llevando a cabo. A medida que trabaja las líneas, escalas y patrones, también incluyen la articulación. Muchas veces es fácil sólo se centran en los aspectos armónicos y técnicos de un ejercicio y, olvidándose de articular, terminan arrastrando todo. Articulación también tiene un efecto enorme para los jugadores de viento, tanto en el flujo físico y musical de la línea, lo que afecta el flujo de aire y el sonido de cada nota, por lo que es un enfoque aún más grande. En pocas palabras, la articulación puede significar la diferencia entre movimientos de balanceo y no balanceo; la diferencia entre un jugador medio y un gran improvisador.

Entrenamiento 3. Oído En su nivel más básico, el entrenamiento del oído se utiliza para conectar el oído, cuerpo y mente con la música en sí. Cuando comenzamos a practicar el entrenamiento del oído apuntamos a cantar líneas que oímos jugamos y nos esforzamos para conectar a nuestros oídos con nuestros instrumentos. Nuestro objetivo final como improvisadores es poder jugar a las líneas de nuestros cuernos que estamos escuchando en nuestras cabezas, en esencia lo que el instrumento una extensión de nuestro cuerpo; una herramienta para la expresión que es eficaz como nuestra voz. Entrenamiento del oído es a menudo el área que necesita más trabajo para los jugadores de todos los niveles y es una de las habilidades más esenciales para improvisadores. Centrándose en esta habilidad cotidiana, ya sea a través de la transcripción, ejercicios o simplemente cantando líneas, tendrá un enorme impacto en su capacidad de reproducir las líneas que se están escuchando en su cabeza cuando en solitario.

4. Técnica Esta es una categoría que siempre puede utilizar la práctica, porque siempre hay margen de mejora. Escalas y acordes se pueden utilizar de diferentes maneras, emparejados en diferentes agrupaciones o metros, tríadas se pueden combinar con tríadas no relacionadas para crear nuevos sonidos, digitaciones alternativas se pueden utilizar para crear nuevos efectos ... las posibilidades son realmente infinitas. Recuerde que, como su conocimiento armónico y rítmico evoluciona y se expande, así que si tu técnica. Todos los conceptos anteriores son muy simples y algunas de las primeras cosas que aprendemos en un instrumento, pero también tienen el mayor impacto en nuestro juego. Una

cosa es entender un concepto mental como una cosa totalmente diferente para poder ejecutarlo técnicamente. El objetivo es dominar estas áreas fundamentales de su juego, lo que le permite liberar su mente de la técnica como solista y le permiten centrarse en ser creativo en el momento.

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Gestión del Tiempo para el improvisador Publicado por Eric En 02 de agosto 2011 @ 12:58a.m. En el asesoramiento para todo el mundo, las rutinas de práctica, Consejos | No Comments

Una de las preguntas más frecuentes que recibimos inquietudes encontrar tiempo para practicar o mejorar con una cantidad limitada de tiempo de práctica. "¿Qué debo hacer si no tengo suficiente tiempo para practicar todos los días? Quiero practicar más, pero no tengo tiempo para ". Si no lo ha hecho, en algún momento va a ser confrontado con una cantidad limitada de tiempo para entrar en la sala de ensayo. Conseguir ocupado y que lucha por encontrar tiempo para practicar es un hecho de la vida. En lugar de tratar de resolver el problema del tiempo de disminución, aprender a adaptar su horario para aprovechar al máximo el tiempo que tienen. A todos nos hubiera gustado tener más tiempo para practicar, pero la verdad es que no tenemos todo lo que queremos. Esto no significa que tengamos que renunciar y conformarse con la mediocridad, sin embargo. Usted puede lograr sus metas a pesar de la apretada agenda. Aquí hay siete maneras de optimizar su tiempo en la sala de ensayo:

1) Definir sus metas y hacer un plan Sin ambición uno empieza nada. Sin trabajo uno termina nada. El premio no será enviado a usted. Usted tiene que ganar. ~ Ralph Waldo Emerson Cuando usted tiene una cantidad limitada de tiempo para empezar, práctica sin sentido y fuera

de foco es algo que no se puede permitir. Si estás acostumbrado a entrar en la sala de ensayo y elegir ejercicios al azar o encender una jugada de un largo camino y llamar a un día, usted va a tener que hacer algunos cambios si quieres ver a largo plazo mejora. La solución es simple: Escriba sus metas musicales y hacer un plan de cómo vas a alcanzarlos. Específicamente definir lo que quiere lograr como músico y averiguar qué ejercicios, cajas de pinturas, y las técnicas para poder llegar a su meta; estas son las cosas que usted debe practicar. En lugar de simplemente pasar el tiempo en una habitación con su instrumento y sentirse satisfecho de que usted ha practicado durante el día, asegúrese de que en realidad estás logrando algo y se mueve en la dirección correcta. Por ejemplo, si usted quiere ser capaz de escuchar las progresiones de acordes a los estándares de jazz comunes, asegúrese de que los ejercicios de entrenamiento del oído son parte de su rutina. O, si usted desea adquirir un nuevo vocabulario y juega las líneas más largas en sus solos, usted debe estar transcribiendo sobre una base regular. Sean cuales sean sus objetivos son, asegúrese de que el contenido de su rutina de la práctica es la construcción hacia la realización de esa visión.

2) Crear un programa Ahora que ha definido sus objetivos e identificado los ejercicios y técnicas específicas que le permitirán alcanzar esos objetivos, es el momento de averiguar cómo encajar todo en una sola sesión de práctica. Esto tomará un poco de disciplina. Una forma de asegurarse de que cubre todo cuando estás presionado por el tiempo, es crear un horario de práctica. Digamos que tienes una hora para practicar y necesita cubrir cinco áreas clave. Creación de un calendario con plazos es una buena manera de asegurarse de que obtendrá en todo lo necesario. Para empezar, agarra un temporizador y lo utilizan para organizar su tiempo de práctica. Divida esa hora en esas cinco áreas clave y fijar un límite de tiempo para cada uno. Un programa de muestreo podría tener este aspecto: Warm-up / Sonido - 10 minutos Escalas / acordes en todas las 12 teclas - 10 mins Técnica / Articulación - 10 minutos Aprenda la melodía de una canción - 15 minutos Transcribe / Desarrollar idiomas en todas las teclas - 15 minutos Tener ese temporizador de apagarse, es una manera segura de mantenerse en el camino y se centró en cada categoría, asegúrese de que usted no está perdiendo ninguna de su valioso tiempo. Tenga en cuenta que el horario puede cambiar de un día para otro. Usted puede ser capaz de calentar en 5 minutos, puede que tenga que pasar 30 minutos para transcribir una línea, o

puede que quiera simplemente para pasar unos minutos más en una técnica específica. Cualquiera que sea el caso, crear un calendario antes de entrar en la sala de ensayo. Una hora puede parecer un período relativamente corto de tiempo, pero si usted está enfocada y tener un plan, usted puede lograr todo lo que necesita.

3) Combinar diferentes áreas de la práctica Un horario programado es ideal para la gestión de su tiempo, sin embargo, el gasto de diez o quince minutos en un aspecto de su rutina de la práctica puede no ser suficiente para lograr el progreso que usted está apuntando. Otra forma de cubrir todo lo que necesitas cuando estás perdiendo es la combinación de los aspectos técnicos de su práctica con los aspectos musicales de su práctica. Esta es una buena manera de practicar el doble en la mitad del tiempo. En lugar de centrarse en la articulación y digitación en una parte de su práctica y las líneas que ha transcrito en una parte separada, trabajar en ellos al mismo tiempo. Utilice ese idioma transcrito como base para su articulación y estudio de la digitación en lugar de cajas de pinturas no relacionados. Ahora se está desarrollando tanto el lenguaje del jazz y de la técnica al mismo tiempo y ahorro de tiempo de práctica valiosa que se puede usar para otras cosas.

4) Hacer uso de su tiempo fuera Uno de los aspectos de nuestro día que a menudo olvidamos es fuera de tiempo; tiempo en el que estamos atrapados en algún lugar y no a la práctica. Esto incluye cosas como los desplazamientos, a la espera para las citas, y caminar por la ciudad. En lugar de aceptar esta vez como desperdicia, ponerlo a trabajar por aprender a practicar en cualquier lugar. Escuchar una canción o en solitario que va a transcribir y cantar junto con el registro mientras conduce al trabajo y viceversa. Haga ejercicio algunos ejercicios metros impares como usted está esperando para reunirse con sus amigos. Planifique su rutina de práctica para el día que usted está comiendo el desayuno. Visualizar líneas o progresiones de acordes que usted está trabajando en como usted se acuesta en la cama por la noche. Las opciones son infinitas y usted se sorprenderá de lo mucho que se puede lograr musicalmente fuera de la sala de ensayo.

5) Alimentando su mente y cuerpo Esto puede sonar extraño viniendo de un artículo acerca de la mejora de su práctica como un músico de jazz, sino cómo tratar su cuerpo es más importante que usted puede pensar. Tu cuerpo es esencialmente una máquina; si no le dan el combustible, no va a funcionar. Para sacar el máximo provecho de su tiempo de práctica, usted necesita estar mentalmente en su mejor momento. A pesar de que es posible que no se den cuenta, la forma en que usted come afecta directamente su estado mental. Si hace malas elecciones de alimentos, o peor aún, saltarse las comidas se le saboteando su tiempo de práctica sin darse cuenta.

Durante la escuela de posgrado que estaba trabajando, asistiendo a clases, tocando en varios ensayos, y escribir una tesis. No hace falta decir, la búsqueda de tiempo de práctica tomó un poco de esfuerzo. Cada vez que me he saltado una comida o comí comida de baja calidad, que terminaría estrellándose mentalmente. Lo que podría haber sido una hora de práctica productiva terminó siendo gastado en una neblina mental donde fue una lucha sólo para mantenerse despierto. Si usted tiene una cantidad limitada de tiempo para la práctica, usted querrá evitar mental y emocionalmente estrellarse durante el tiempo destinado para las cosas que te gustan. Asegúrese de que usted está alimentando su mente y cuerpo para la productividad y el éxito.

6) Usted tiene más tiempo de lo que piensas Uno siempre tiene tiempo suficiente, si uno va a aplicarlo bien. ~ Johann Wolfgang von Goethe Muchas personas afirman que no tienen tiempo para practicar. Sin embargo, cuando usted toma una mirada más cercana en cuanto a la forma en que utilizan su tiempo, una historia diferente se revela. Tiempo que podría ser utilizado para la práctica se dedica a ver la televisión o desechar navegar por internet. Todo se reduce a una cuestión de prioridades y la disciplina. Muchas veces el culpable no es su horario, más bien cómo está utilizando su tiempo - en otras palabras, usted es su propio peor enemigo. Usted tiene que preguntarse: ¿Estoy usando mi tiempo de manera efectiva? ¿Dónde estoy perdiendo el tiempo y ser improductiva? ¿Qué tan importante es tocar jazz a mí? Si usted toma una mirada honesta a su tiempo y que realmente desea mejorar como improvisador, encontrará tiempo para entrar en la sala de ensayo.

7) Obtener en el espacio de cabeza a la derecha Tuviste un día horrible en el trabajo. Usted se quedó atascado en el tráfico de la hora punta. Te perdiste el tren. Tienes en una discusión con tus amigos. Todos estos factores se suman a una mentalidad que no es propicio para la práctica de calidad. Todos los días nos encontramos con algún tipo de distracción que amenaza nuestra concentración al entrar en la sala de ensayo. La solución a estas barreras mentales radica en la creación de un ambiente tranquilo y mentalidad enfocada cada vez que recoja su instrumento. La forma de crear esta claridad mental depende de usted. Pruebe algunos ejercicios de meditación para despejar su mente y centrar su atención en la tarea en cuestión. Algo así como diez minutos de meditación en silencio o música relajante puede lavar el estrés del día y estará listo para una sesión de práctica exitosa. Otro método para obtener la claridad mental es hacer ejercicio. Cuando se siente estresado o frustrado, trate de hacer ejercicio o salir a correr. Cuando vuelvas, usted encontrará que usted

está en mucho mejor estado para ser productivos en cualquier cosa que hagas. El método que se utiliza para entrar en el espacio de cabeza adecuado para practicar, no importa. El objetivo es encontrar un espacio en el que usted está en calma, centrado, y entusiasmados con el aprendizaje de esta música. En un mundo perfecto, tendríamos mucho tiempo para practicar, ya que necesitábamos. Desafortunadamente, este no es el caso. Mediante el uso de las ideas anteriores, se puede utilizar el tiempo que usted hace tener más eficacia e incluso encontrar tiempo para practicar que no sabía que tenía. La próxima vez que te sientes como si no tienen ningún tiempo de práctica o que no está progresando en la sala de práctica, echar un vistazo a los siete elementos de esta lista - la solución a sus problemas está más cerca de lo que piensas.

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Si usted puede cantar feliz cumpleaños ... Usted puede transcribir sus solitario Favorite Por Eric Share

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La transcripción puede ser una verdadera lucha a veces. Algunos días se siente como usted puede pasar una hora tratando de aprender algunas medidas, y después de una docena de intentos frustrados, que terminan en el mismo lugar de partida. Si este sentimiento suena una campana con usted, usted definitivamente no está solo. Muchas de las preguntas que recibimos cada semana tienen que ver con este problema exacto. ¿Cómo es exactamente lo que hace el proceso de transcripción más fácil? En una transcripción mundo perfecto sería una brisa. Usted escuchará un solo que llama la atención, lo pongo en la sala de ensayo, y la figura hacia fuera en cuestión de minutos. Todo el proceso sería perfecta y fácil: escuchar, cantar y jugar; traducir esas armonías y melodías derecho a su instrumento y a sus solos. Suena demasiado bueno para ser verdad, ¿no? Bueno, esto es en realidad más cerca de la realidad de lo que podría estar dispuesto a creer. Se puede llegar a este punto de su juego, sin embargo, el camino no es lo que usted puede estar esperando.

Conseguir sencilla con ella Con cualquier técnica compleja, habilidad avanzada, o en el profundo conocimiento armónico que usted desea adquirir como músico, el proceso tiene que comenzar con un concepto muy simple. Un pequeño ejercicio o idea que se expande, explorar y exponer sobre. Se toma esta simple idea y dominarlo; construirlo paso a paso, hasta que usted está jugando a un nivel completamente nuevo y el uso de las habilidades que usted nunca pensó posible. "Si tan sólo simplicidad no fuera la más difícil de todas las cosas. Se compone de ver objetivamente el

desarrollo de cualquier fragmento de la fantasía ". ~ Carl Jung

Esta secuencia es cierto para cualquier habilidad musical, y es especialmente relevante cuando se trata de entrenamiento del oído y de la transcripción. Pero por alguna razón, tendemos a pensar sobre estos aspectos de nuestra práctica en términos de blanco y negro - ya sea que usted los tiene o no se tiene. O usted tiene grandes orejas y se puede recoger al instante cualquier línea o melodía o no lo hace, y el simple hecho de aprender una melodía o la transcripción de un solo de esta lucha se vuelve insuperable. Pero, ¿realmente tiene que ser así? ¡Claro que no! De principios simples y habilidades limitadas usted puede producir resultados fantásticos. Sólo hace falta un poco de práctica enfocada y la voluntad de trabajar en las áreas correctas. Simplicidad antes de complejidad. Por lo tanto, si usted puede cantar feliz cumpleaños y se puede tocar de oído en su instrumento, que tiene todas las habilidades básicas que necesita para transcribir cualquier solista. Y sí, has oído bien ... feliz cumpleaños.

Comience en el origen del problema Si el proceso de transcripción se siente como la descripción anterior, una lucha constante y una fuente diaria de la frustración, el culpable obvio es el oído. Usted no está escuchando los intervalos, se echa en falta esas líneas y melodías, y hay una desconexión preocupante entre el oído y el instrumento. Llegar a esta conclusión no es la parte más difícil, probablemente has dado cuenta de esto ya. La parte difícil viene al tratar de solucionar el problema. Cuando llegamos a esa barrera habilidad, lo primero que tratamos de hacer es más de lo mismo repitiendo el mismo proceso rota que no está funcionando una y otra vez. Si no estamos obteniendo las notas de un solitario, seguimos martillar lejos en él la esperanza de cualquier signo de progreso. Si todavía parece que no puede resolver esto solo nos lanzamos a otro y empezar todo de nuevo. En estas situaciones, que hacen que parezca que se está centrando en sus áreas problemáticas iniciando la transcripción o proceso de aprendizaje de una y otra vez, pero en realidad usted está huyendo de sus debilidades musicales. Tan pronto como algo se vuelve difícil de saltar barco y empezar un nuevo proyecto. Esa debilidad siempre va a estar ahí a menos que usted se centra en él y llegar a la raíz del problema. Cuando las cosas se ponen difíciles y te sientes frustrado, dar un paso atrás de usted y de ver con objetividad lo que está pasando. En lugar de tratar de forzar a que en solitario por cualquier medio posible, buscar una mejor solución. "Todas las cosas están listas, si nuestras mentes sean tan." ~ William Shakespeare

La transcripción es un proceso que requiere algunas habilidades de usted como músico. Usted tiene que traer algo a la mesa tanto mental como auditivamente. Cuando usted no parece estar recibiendo las notas de un solo, todo se reduce al hecho de que usted está tratando de lograr el resultado final sin las habilidades o preparación necesarias. Usted está saltando al nivel final sin que ninguno de los trabajos preliminares. Esto es como tratar de correr un maratón después de la puesta en el sofá todo el invierno y una vez que estás en el medio de la carrera, preguntándose por qué usted está golpeando una pared después de la primera milla o así. Sin ningún tipo de formación, preparación, o la construcción no va a ver los resultados que desea habilidad, sólo se va a conseguir la frustración y el fracaso. Usted puede seguir tratando de iniciar ese maratón o en solitario la transcripción una y otra vez, con la esperanza de que esta vez será el que termine, pero hasta que prepararse para las demandas que este esfuerzo lugares en su cuerpo, usted va a llegar a ninguna parte . La transcripción puede ser una parte agradable de su rutina de práctica que conduce al crecimiento musical continua y el lenguaje o puede ser una lucha frustrante que siempre parece conducir a un callejón sin salida. Todo depende de las habilidades que ha desarrollado y su acercamiento a este proceso integral. La clave es empezar simple, construir sus habilidades, y entonces usted puede apuntar para el resultado final.

La construcción de sus habilidades paso a paso Puede no ser capaz de transcribir su solista favorito ahora mismo. Usted puede tener un tiempo duro aprendizaje de estándares de jazz. Pero una cosa estoy bastante seguro de que puedes hacer es cantar feliz cumpleaños. Si usted puede cantar esta melodía simple continuación, entonces usted no debería tener mucho problema tocando esa melodía en su instrumento. Y, si se puede averiguar feliz cumpleaños en su instrumento, entonces usted puede transcribir su solista favorito. Usted acaba de demostrar a mí. Allí mismo, en el proceso anterior, se encuentra el fundamento de la transcripción. El ciclo de la audición, el canto, y de juego. Todo se remonta a sus oídos. Vamos a suponer que usted ha hecho algunos ejercicios básicos de entrenamiento auditivo y puede identificar los intervalos básicos en un acorde o melodía. El primer paso en su camino para hacer el proceso de transcripción más fácil es escoger una melodía simple que usted sabe de memoria. No es algo que se tiene que pensar en cantar, pero algo arraigado tan bien que fácilmente puede cantar perfectamente en cualquier momento. Esto podría ser una canción preferida o una melodía que recordamos de nuestra infancia. Todos sabemos Feliz cumpleaños, así que por qué no empezamos con eso. El primer paso está cantando. No se aproxima, pero cantando cada nota perfectamente y el bloqueo en cada intervalo. Pruébalo ahora, canta cada nota de feliz cumpleaños.

Ahora poco a poco tomar algunas notas a la vez e identificar cada intervalo. El primer intervalo: importante segundo, segundo intervalo: cuarto perfecto, y así sucesivamente. Ir a través de la melodía y escuchar y cantar cada intervalo. Si arraigar la melodía de esta manera, se puede jugar en cualquier tecla y traducirlo a su instrumento será una brisa. Una vez que tenga la forma y los intervalos de la línea de abajo, tocar la melodía lenta en su instrumento. A continuación, tocar la melodía en las 12 teclas. Recuerde que debe escuchar primero, antes de intentar reproducirlo o adivinar las notas al azar. Si usted tiene la melodía como esto, entonces traducirlo a otras teclas debe ser sorprendentemente simple también. Con este proceso simple (teniendo una melodía familiar, cantarla, la identificación de los intervalos, y jugando en su instrumento) que ha sentado las bases para la transcripción de cualquier pieza de música que te encuentras ... todos con una melodía tan fácil como Feliz cumpleaños .

Inicios simples producen grandes resultados La gran cosa acerca de feliz cumpleaños es que ya está arraigada en nuestros oídos. Usted está comenzando con una melodía que ha internalizado y traduciendo esta melodía a nuestras voces y nuestros instrumentos, están fortaleciendo esa conexión vital entre el músico interno y su instrumento Feliz cumpleaños parece una fácil, melodía intrascendente porque hemos estado escuchando y cantando desde que éramos niños. Pero, es sólo una melodía como cualquier estándar de jazz en su disco favorito. Si usted puede cantar feliz cumpleaños y reproducirlo en su instrumento, puede hacer lo mismo con los innumerables estándares de jazz o solos que usted está tratando de añadir a su repertorio. Piensa en ello, todos los estándares de jazz o la línea musical que te encuentras es más que otra melodía. Si usted puede cantar feliz cumpleaños, usted puede definitivamente cantar There Will Never Be Another You, o cuerpo y alma, o Oleo. Si usted puede escuchar, identificar y cantar cada intervalo de feliz cumpleaños y se puede jugar en su instrumento, entonces no hay razón por la cual no se puede transcribir algunas líneas de solitario de Lee Morgan en Ceora:

Es sólo otra melodía - todo es una melodía. Una vez que usted lo tiene arraigado en su oído y se puede cantar, sólo hay que traducir esta melodía para

su instrumento. El proceso es el mismo para cualquier melodía o en solitario que se aprende, si se trata de una canción de cuna de su infancia o un coro de un solo de Charlie Parker. Sólo recuerde que usted no puede simplemente entrar de lleno en los solos de bebop o melodías cromáticas compleja la derecha del palo, que necesita para empezar simple y construir sus habilidades. Hay una progresión natural a seguir aquí: Feliz cumpleaños -> Jazz Standards simples -> cabezas Bebop -> Solos Transcripción La progresión se ve muy simple, ¿verdad? Usted comienza con una melodía básica y trabaja lentamente su camino hasta que usted está transcribiendo solos a partir de los registros de sus héroes musicales. Cada paso del camino a obtener y refinar las habilidades esenciales que le permitirán alcanzar su meta del esfuerzo de escuchar y transcribir líneas complejas. Creo que usted está comenzando a ver el proceso aquí. A medida que estas melodías consiguen más fácil de escuchar y cantar y tocar, empezar a introducir melodías más difíciles como cabezas bebop o melodías altamente cromáticos. Cada paso del camino, se utiliza el mismo proceso que utilizó para averiguar feliz cumpleaños. Canta, identificar el contenido, el ritmo y la dirección melódica interválica con tus oídos, y traducir esto a su instrumento.

Todo es lo mismo La clave para transcribir cualquier solista recae en su capacidad de aprender melodías. Sin embargo, a medida que avanzas musicalmente, estas melodías se vuelven mucho más complejo y rápido que el estándar de jazz promedio, pero todavía están aprendiendo una melodía. A medida que avances de melodías sencillas para los solos, no tenga miedo de frenar los tempos para que pueda escuchar y cantar cada intervalo claridad. Si el ritmo de juego del solitario o una sección de doble tiempo es demasiado rápido para escuchar, bajar la velocidad con un programa como Transcribe. Recuerde, si usted no puede oír la melodía o cantar nota por nota, la transcripción de esa línea va a ser terriblemente frustrante, así que hazte un favor y reducir la velocidad. Cuando nos fijamos en todo el proceso de esta manera, se hace evidente lo ridículo que es saltar desde la ausencia de habilidades de capacitación oreja a líneas de transcripción de un solo complejo. Por supuesto que no se puede ir de cero o limitadas habilidades de entrenamiento auditivo directamente a la transcripción de las líneas de sus solos de favoritos. Es necesario avanzar paso a paso y poco a poco mejorar, basándose en sus habilidades al día. Tomará algún tiempo para construir estas habilidades y todo el mundo comienza en un lugar diferente. Pero como un ejercicio preliminar, tómate un segundo y mirar sus propias habilidades musicales y el nivel de entrenamiento del oído. ¿Puedes cantar la melodía de Feliz cumpleaños a la perfección? ¿Se puede jugar esta melodía de oído en su instrumento? ¿Se puede jugar en los 12 llaves? Ahora ¿qué pasa con una sencilla estándar de jazz como nunca habrá otro usted? ¿Puedes cantar la melodía y luego tocar de oído en su instrumento? Si eso es fácil, ¡pruébalo con una cabeza bebop como confirmación o tratar la Confirmación en otra de las claves. Por último, escuchar el clip anterior de solitario de Lee Morgan en Ceora. Tome los primeros compases: cantar, bloqueo en todos los intervalos, y luego tratar de reproducirlo. Probablemente usted está empezando a ver un patrón aquí - es todo la misma habilidad! Cada paso del camino que está utilizando las mismas habilidades musicales básicas. A medida que las melodías se vuelven más complejos que se necesita más tiempo y esfuerzo para aprender de ellos, pero cada paso del camino que usted está utilizando los mismos aspectos de su musicalidad.

Si usted no puede hacer el primer paso, no vas a ser capaz de hacer el segundo o tercer paso. Si usted no ha construido su técnica o las orejas, que se está preparando para el fracaso. Si no puede cantar feliz cumpleaños ... no se puede transcribir solos.

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Improvisando Con cromatismo Publicado por Eric En 02 de mayo 2010 @ 19:05 En Conceptos | 1 comentario

Como improvisadores siempre estamos buscando para crear nuevos conceptos armónicos o para encontrar nuevas formas de los solos más cambios tradicionales que son innovadores y creativos. De hecho, durante los últimos sesenta años los músicos de jazz han estado jugando el mismo conjunto básico de melodías estándar, cada generación dejando huella estilística en la historia de la música. Se trata de un montón de desarrollo y después de las innovaciones de Parker, Trane, Miles y muchos otros que parece que todas las formas posibles para jugar sobre estas progresiones que ya se ha hecho ... dos veces. Un área dejó de explorar realmente, sin embargo, es la improvisación cromática y de escuchar a algunos de los grandes jugadores de hoy en día, parece que este concepto se está convirtiendo en una parte esencial del vocabulario para los modernos músicos de jazz. Ahora bien, esto no es sólo el uso de escalas cromáticas o tocando jazz libre, pero la construcción de líneas, patrones, tríadas y arpegios que se mueven en diferentes direcciones cromáticamente; un concepto que tiene infinitas posibilidades. Por ejemplo, mira la siguiente figura de una línea muy sencilla utilizando esta estructura:

En el ejemplo anterior, la línea se compone de medidas integrales que bajan cromáticamente. Esta misma idea se puede aplicar a intervalos más grandes (cuartos, sextos, tritones, etc.), las tríadas (mayores, menores, disminuidos, aumentados y invertidas) e incluso progresiones de acordes para crear nuevas posibilidades para la improvisación. Los jugadores actuales como Dave Liebman y George Garzone han explorado estos conceptos en profundidad e incluso han desarrollado sus propios métodos para la improvisación cromática. Esta tendencia comenzó realmente con Miles a mediados de los años 60 cuando estaba jugando con su segundo gran quinteto con Wayne, Herbie, Ron Carter y Tony Williams. Debido a la gratuidad y la audacia de este grupo, jugando líneas cromáticas complejas realmente funcionado bien, especialmente con una sección rítmica que podrían ir a cualquier lugar en cualquier momento. Echa un vistazo a este vídeo del quinteto tocando Josué y escuchar cómo Millas utiliza líneas cromáticas y patrones en toda su solo ... en realidad, echa un vistazo de juego de todo el mundo, toda esta banda es tan matando da miedo.

Donde empezar

Reproducción de estas estructuras cromáticas cierre funciona bien sobre las progresiones modales y complejos, así como los cambios convencionales simplemente por el hecho de que estos tipos de líneas no tienen fuerte centro tonal. Al utilizar estos dispositivos en lugares eficaces dentro de sus solos, sin embargo, que pueden añadir tensión armónica y el movimiento hacia adelante a sus líneas. El truco consiste en incorporar estos patrones en su juego y la técnica después de establecer una aproximación a la improvisación que se basa diatónicamente. Cuando nos enteramos de la teoría de la música y empezamos a improvisar, utilizamos material que se basa en gran medida en la construcción diatónica o modalidades de las escalas mayores. Poco a poco, a medida que avanzamos, añadimos algunas escalas alteradas o no tradicionales como el octatonic, disminuido, o tono entero escalas en nuestro vocabulario. Aún así, en el fondo, todo tiene sus raíces a los modos diatónicos y sus progresiones resultantes. Viniendo de este tipo de educación musical, líneas que se mueven en los intervalos y los patrones que no se encuentran en los modos tradicionales (es decir, el movimiento cromático) puede sentirse extraño al principio y tomará algo de trabajo para conseguir que en los oídos y en los dedos. Lo que debes hacer para ganar familiaridad y facilidad con el tiempo con estos patrones, es crear ejercicios destinados a la adquisición de esta técnica. Comience simple con ejercicios aislados y luego construir lentamente sobre esos conceptos hasta que va a crear su propio vocabulario.

Práctica en 4 direcciones Así como la práctica de sus escalas diatónicas en todas las cuatro direcciones cubre todas las variantes posibles, derramando estos patrones cromáticos en las cuatro direcciones se asegurará de que estas líneas estarán en los dedos. Para nuestros propósitos, vamos a echar un patrón interválico (pasos enteros móviles cromáticamente) y explorar 's variaciones. Comience con este ejemplo y llevarlo a través de las cuatro direcciones ascendiendo y descendiendo: Abajo abajo

Abajo Arriba

Subir Subir

Arriba abajo

Enfatizar Meta Notas Una vez que estos ejercicios se sientan cómodos, empezar a pensar en cómo se pueden utilizar estos dispositivos en su solos. Jugando con este tipo de líneas puede ser especialmente eficaz en la creación de impulso en sus líneas hacia una nota meta o punto fuerte de la llegada. Una de las razones de esta técnica es tan eficaz es que el cromatismo actúa como una tensión armónica, la construcción hacia una nota resolver. Pruebe con el objetivo de un tono acorde como el punto de su línea basada cromática llegada. En el siguiente ejemplo sobre el acorde E -7, el punto de cada estructura cromática resolución es de un tono acorde (la raíz, tercero y quinto):

Líneas cromáticas más ii-V de Continuando con la idea de aspirar a notas meta más de un acorde, tratar de escribir algunas líneas que funcionan a través de una progresión y resolver en el acorde final. Desde ii-V se producen en un sinnúmero de normas, que tiene algo de material nuevo para navegar esta progresión común va a ser muy beneficioso. Trate de construir una línea construida sobre ascendente y descendente cromatismo, por ejemplo:

A dónde ir desde aquí Acercarse a la improvisación de este tipo de mentalidad abre nuevas posibilidades porque la estructura de la línea y la relación de los intervalos de convertirse en el punto focal en lugar de los acordes de acompañamiento. Los ejemplos anteriores son sólo una visión de lo que es posible cuando usted incorpora estructuras cromáticas cercanos en sus líneas. Sólo sigue viendo ese clip de Miles para ver lo que es posible. Aquí hay algunas cosas que pensar y mirar en ampliar su técnica y el conocimiento de los conceptos cromáticos: Continuar los ejercicios cromáticos en 4 direcciones para todos los intervalos Elaborar frases cortas o lame y moverlos arriba y abajo cromáticamente en secuencia

Echa un vistazo a el libro de Dave Liebman Un enfoque cromático de Jazz Armonía y Melodía Busque DVD de George Garzone basado en su T riadic Enfoque Cromática Además, Jerry Bergonzi 's libro Tesauro de interválica Melodies es muy extensa y útil

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Jugar Líneas más tiempo en su Solos Publicado por Eric En 07 de julio 2010 @ 18:54 En Conceptos | No Comments

En un determinado momento de su desarrollo como un improvisador se hace necesario evolucionar más allá de simplemente jugar "notas correctas" y el uso de sus licks favoritos y pasar a jugar ya frases musicales coherentes que desarrollan a lo largo de tu solo. Esto puede ser un obstáculo especialmente frustrante para superar en que se necesita una gran cantidad de esfuerzo sólo para poder jugar a las "notas correctas" en el primer lugar. Entonces, ¿cómo es exactamente lo que van de pensar en qué escala de jugar, más que acorde a la creación de líneas de largo innovadores en el estilo de Bird y Trane? Bueno, la verdad que tiene que ver con la mejora de todos los aspectos de su maestría musical en general. Usted necesita tener su técnica desarrollada a un punto en el que no tienes que pensar en ello, mientras que los solos, debe ser capaz de escuchar progresiones de acordes y sus resoluciones inherentes en toda una melodía y, finalmente, tener un conocimiento armónico a fondo de la música. Todas estas habilidades llevan años de práctica dedicada y estudio constante para desarrollar y dominar, es por eso que es tan raro escuchar a las personas que están jugando realmente largas filas innovadores e interesantes en sus solos. Cuando empezamos a improvisar se nos enseña a jugar a ciertas escalas sobre ciertos acordes, por ejemplo una escala dorian D durante un re menor 7 acorde o una escala bebop G sobre un acorde G7. Esto es efectivo a un punto en que es un medio para un fin de conseguir un jugador que comienza a tocar las notas correctas correspondientes con cada acorde que pasa. La habilidad más importante para la creación de líneas, sin embargo, está desarrollando formas de conectar los acordes y resolver las armonías dentro de una frase improvisada. Al igual que con toda la música que suena agradable a la música "occidental", hay ciertas resoluciones que son inherentes dentro de progresiones de acordes que son necesarios para la línea suene lógico. La primera vez que estudiamos la teoría musical aprendemos cómo resolver el V7 a la cuerda que con las resoluciones de medio paso de la tercera y séptima de la V7 a la raíz y tercera del acorde I. Estos principios principales de voz son los componentes básicos de la armonía occidental y progresiones de acordes y escuchar estas conexiones y las resoluciones son el primer paso en la creación de líneas de largo improvisados. El verdadero arte de la improvisación radica en la creación de ideas musicales y frases dentro de este marco establecido en formas originales y únicas. Tome la música de un maestro como Bach, por ejemplo. Compuso, e improvisó, no sólo líneas sola elaboradas, pero varias líneas contrapuntísticas largos que eran complejos, pero siempre musical. Dentro de cada frase fueron los acuerdos necesarios y técnicas de voz líder de modo que, para el oyente, la

construcción compleja y técnica fueron enmascarados en última instancia por la musicalidad global de las frases. En la década de 1940, Charlie Parker y Dizzy Gillespie desarrollaron un estilo innovador y complejo de jazz que era essentialy un nuevo lenguaje que requiere en profundidad y estudio dedicado a aprender. Para todos los músicos que vinieron después de ellos, cada uno de ellos tuvo que dedicarse al aprendizaje de la lengua de bebop para hablar musicalmente y, finalmente, crear su propio sonido. Todos los jugadores que consideramos grandes primero encontraron una manera de dominar jugando líneas sobre los cambios y la navegación por todos los aspectos de la armonía. Piense en Miles y Coltrane, por ejemplo, a dos señores que realmente se puede escuchar evolucionar en los registros de los últimos años. Miles comenzó jugando con Parker y luego pasó un período de desarrollo de su sonido sobre las normas hasta que finalmente él estaba jugando líneas altamente cromáticos a mediados de los años 60. En el mismo sentido, cuando la gente piensa de Coltrane que piensan de "A Love Supreme" y sus hojas de sonido, pero antes de poder jugar de esa manera, pasó mucho tiempo intensamente la elaboración de líneas sobre las normas y averiguar formas de conectarse cambios de acordes comunes y armonías tradicionales de manera innovadora. Echa un vistazo a este vídeo de abajo de Coltrane practicar Cuatro y la elaboración de las líneas en los cambios: Tanto Miles y Coltrane no solo aprenden bebop y pasar a sus propios estilos, pero pasaron años desarrollando sus líneas y sonido sobre las normas, sin dejar de desarrollar su enfoque lineal, incluso después de que ya se consideraban grandes jugadores. Probablemente la mejor manera de aprender a tocar las líneas más largas es transcribir y estudiar los solos de los maestros; el análisis de la forma en que los grandes improvisadores navegar cambios y desarrollar líneas en sus solos. A continuación se presentan dos fragmentos de solos, uno de Bird y uno de Clifford Brown, que realmente demuestran cómo jugar líneas ya progresiones musicales más comunes.

Charlie Parker en Bloomido Esta cabeza de blues es de un pájaro titulado 1950 álbum y Diz. Transcribe a continuación es el segundo coro de solistas de Parker (que comienza en aproximadamente: 47 segundos en el clip) en la que interpreta a una línea que es casi doce compases. Aquí es una versión simplificada del coro utilizando sólo las escalas relacionadas y tonos de acordes:

Luego compare eso a lo que realmente se juega Parker:

Observe cómo Parker utiliza con frecuencia trillizos para variar la estructura rítmica del solista y también la forma en la cuarta y quinta de barras que utiliza el sub tritono de C7 (F # 7) para resolver el F7. Parker es capaz de continuar o ampliar sus líneas muchas veces a través de la utilización del cromatismo hacia una nota meta.

Clifford Brown en la Confirmación Probablemente no hay nadie mejor para estudiar para líneas melódicas largas luego Clifford Brown. Este solo fue tomado de una grabación en vivo 1954 con Art Blakey titula un Una noche en Birdland. A continuación transcribí segundo coro de Clifford (a partir de las 02:57 en el clip) en el tono de confirmación Parker.

Esta canción tiene muchas ii-V de navegar y Clifford crea un solitario, donde en vez de jugar lame para cada ii-V, desarrolla líneas y frases largas que fluyen entre sí independientemente de las barras de compás. Por ejemplo, tome su línea de entrar en el puente y que sale del puente. En ambos estas manchas, Clifford continúa sus líneas a través de la forma, en lugar de detener su frase al final de cada sección o progresión y comenzando de nuevo con la siguiente. De esta manera su solo tiene una gran cantidad de continuidad y movimiento hacia adelante que mantiene el solo impredecible e interesante para el oyente. Otra técnica Clifford era muy hábil para utilizaba recintos cromáticos alrededor de las notas de gol. Tome las primeras cuatro barras del puente, por ejemplo:

Aquí Clifford utiliza cada resolución 03/07 del ii-V progresión, pero utiliza recintos de tonos de acorde para retrasar la resolución de cada acorde de la creación de una línea mucho más interesante. Él no se resuelve a la tercera del acorde G7 directamente sobre vencieron, pero espera hasta el tercer tiempo y de la misma manera llega a la tercera parte de la C Maj.7 de

vencer a dos de la segunda cuerda medida. Con esta técnica Clifford es la creación de líneas de largo por el objetivo de encerrar y cromáticamente tonos acordes. Si nos fijamos en las dos barras de CMaj.7 anterior, que es en realidad encierra el quinto, tercero y fundamental del acorde con los tonos vecinos superiores e inferiores cromáticas.

Construya su Fundación Primera Con el fin de empezar a extender sus líneas, primero debe dominar la técnica y la teoría de su instrumento. Mientras que usted está improvisando, si usted todavía está pensando en qué escala para jugar o luchando por la siguiente nota o digitación en una escala que es muy difícil pensar en un sentido más amplio acerca de dónde su línea va, por no hablar de la creación de una frase conectada larga a través de su solitario. La técnica y la teoría debe ser una segunda naturaleza para que cuando escuchas algo que quieres jugar, usted será capaz de ejecutar de inmediato. La otra parte de su base musical son sus oídos. Para reproducir las líneas más largas también debe ser capaz de escuchar las resoluciones en los cambios de acordes más secciones más largas de una melodía en lugar de sólo una progresión a la vez. Audición líneas de tono de guía y los puntos de resolución en las progresiones de acordes de una melodía son la clave para la creación de líneas bien elaboradas como se improvisa. A medida que sus oídos se vuelven más desarrollados, que, naturalmente, escuchar donde sus líneas quieren resolver o crear tensión como solista.

Las técnicas para la creación de líneas más largas Después de estudiar los extractos anteriormente, unos dispositivos son evidentes tanto en los solos que realmente hacen largas filas interesantes: Retrasar la resolución de una línea o anticipar el siguiente acorde antes de que llegue. En otras palabras no resuelven previsiblemente en el golpe abajo de cada acorde. Incorporar variedad rítmica en sus líneas en lugar de simplemente jugar líneas de corcheas Use recintos y notas de aproximación cromáticas extender frases y tierra en las notas clave sobre partes específicas del ritmo Explora sustituciones armónicas para añadir interés y la tensión de sus líneas Encuentra las conexiones y resoluciones entre los acordes de las líneas que comienzan en todos los tonos del acorde (de raíz, tercera, séptima, etc.) Melodías de práctica sin acompañamiento de acordes y tratan de crear líneas que son interesantes y aún así delinear la armonía. Echa un vistazo a ese clip de Coltrane en Cuatro nuevo o escuchar este clip de Clifford Brown practicar para tener una idea: Nuestro objetivo como improvisadores debe ser no sólo para hacer los cambios, sino para crear líneas bien elaboradas únicas en todo el curso de nuestras solos. En la enseñanza de sus conjuntos, Mulgrew Miller menudo se dice que tomó la práctica extremadamente lento para descubrir los entresijos de la armonía y el desarrollo de las líneas que conectan a ella. Desarrollar el lenguaje del jazz toma práctica de calidad y estudio en profundidad, algo que lleva años de dedicación continua para desarrollar, pero en última instancia, este tipo de

estudio es el más beneficioso y gratificante para un improvisador.

Artículo impreso desde jazzadvice.com: http://www.jazzadvice.com URL del artículo: http://www.jazzadvice.com/playing-longer-lines-in-your-solos/ Copyright © 2015 jazzadvice.com. Todos los derechos reservados.

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Dos y Cinco sustituciones en un flash Publicado Por Forrest En 06 de junio 2011 @ 06:14 am En Acordes, Conceptos | No Comments

Todo el mundo quiere jugar "fuera" de los cambios de acordes. Ellos piensan que hay algo misterioso en conseguir fuera de los cambios. En mi experiencia, los jugadores fenomenales que yo he estudiado con junto con los jugadores legendarios que he aprendido de las grabaciones, de aproximación a jugar fuera de la armonía tanto en la misma forma en que enfoque de jugar dentro de la armonía: juegan más acordes específicos. Jugando otros acordes en lugar de los acordes originales a menudo se llama superposición. Superposición de estas sustituciones en la parte superior de la serie original de los cambios de acordes le permite mantener una estructura lógica a sus líneas, mientras escapaba de la trayectoria típica. Un punto de entrada fácil de utilizar estas sustituciones se acabó Vs. ii Es muy sencillo. En lugar de jugar el ii V en los cambios originales, podrás lugar juega un ii V a partir de una clave diferente. Lo importante a recordar es: usted todavía tiene que resolver el ii V a la llave original y hay que involucrar a su oído para que suene bien. Los conceptos teóricos que pueden dar ideas de lo que jugar, pero entonces usted debe utilizar su oído para adaptar el concepto de que la situación en particular.

Cuando estas sustituciones provienen de Los 3 sustituciones que se presentan en este artículo se presentan una y otra vez en el repertorio estándar del jazz; que son dispositivos que los compositores han utilizado durante siglos para agregar tensión directamente ante un punto de resolución (V7 a I).

El primer cambio es simplemente lo que los educadores de jazz llaman la "puerta trasera V ii" (IV- bVII7 I). Y usted lo puede encontrar en muchas canciones. El segundo sub es un sustituto V7 común, las Islas Vírgenes Británicas del dominante, por lo que más D7 sería Ab7. Esto también es muy común ver a las melodías. La tercera sub es simplemente un sub tritono, que de nuevo es muy común. El punto es que estas sustituciones no se utilizan exclusivamente en la improvisación y no son un poco de dispositivo moderno de la cadera; que se utilizaron para reharmonize los originales cambios pre-jazz de melodías para crear las versiones de canciones que músicos de jazz han estado jugando durante años. Son esencialmente herramientas de composición.

Sustituyendo una tercera menor arriba La tercera menor arriba de una ii V puede ser muy eficaz. Aquí está nuestra originales ii V:

Ahora, para jugar hasta una tercera menor, tendríamos vez jugamos C- F7 para sol mayor:

Esta línea Dexter Gordon particular, funciona bien para esta sustitución a causa de la resolución. Un latido antes de la tónica, estamos llegando al 9, entonces el b9, resolviendo perfectamente a la quinta del acorde mayor. Esto es tan importante, que voy a reiterarlo. Debe resolver la línea a la tónica original, no la tónica sustituto. En este caso, la resolución de al 3 de bemol mayor (D), que funciona porque es la quinta de sol mayor, pero en muchos casos no se resolverá de manera limpia. usted tiene que hacer ajustes a la línea de utilizar la sustitución efectiva, y resolver de una manera que suena correcto. Otro punto importante es que el oído tiene que aprender a escuchar estas sustituciones. Al principio, el Bb y Eb puede sonar extraño para ti sobre el acorde A-. Hacer un cambio más simplemente un acorde dominante puede ser más fácil para el oído de aceptar en un primer momento. Tal vez trate de hacer la sustitución anterior poco más de una medida de D7 como en el siguiente ejemplo:

Sustituyendo un importante tercer down Nuevamente aquí está nuestra ii V inicial:

Para restar importancia a una tercera mayor, jugar F- Ab7 al sol mayor:

Así como la sustitución tercio-up menor natural trabajó con esta línea Dexter Gordon, la sustitución-major tercera oportunidad juega muy bien con la línea. Pero la mayoría de las veces, una línea necesitarán algunos ajustes para hacer la sustitución sonido claro. Preste mucha atención a los puntos de resolución, recordando que su objetivo sigue siendo para resolver a la tónica inicial. Elabore sus líneas para reflejar lo que suena bien a usted.

La sustitución Tritone ii V Este es otro simple sustitución ii V para hacer así. Simplemente juega un tritono de distancia de la original ii V:

Observe que tenemos que ajustar la forma en que resolvemos un poco para hacer el trabajo de la línea de valores.

Primeros pasos con ii sustituciones V Elige una técnica de sustitución y seguir con ella hasta que cómodamente puede oír y utilizarlo. Trate de usar que poco más de un acorde de dominante al principio y luego aprender gradualmente a lo puso sobre toda una V. ii Entonces, explorar varias combinaciones.

No hay reglas. Nadie dice que tienes que utilizar estas técnicas en cualquier forma específica, por lo que explorar muchas opciones. He aquí algunas sugerencias: Reproduzca el acorde menor original para 2 golpes seguidos de subbing el acorde V7 con una V sub ii. He aquí una idea tritono de esa manera:

Juega un V sub ii durante los 3 primeros latidos y el V7 original durante latido 4. Aquí utilizo el sub-comandante de tercer intento:

Toque el acorde ii original para dos golpes, seguido por el acorde menor ii de un sub durante dos latidos. Aquí utilizo el acorde menor a un menor tercio:

Hay innumerables maneras de jugar estas sustituciones. Escuche a maestros como John Coltrane, Joe Henderson, y McCoy Tyner a escuchar estas cosas en acción. Busque la manera de compositores utilizan estos dispositivos también. Y para empezar, encontrar sólo una manera de utilizar una de las sustituciones que resuena con usted y aprender a utilizarlo en todas partes. Poco a poco encontrará más formas de aplicar estas sustituciones en su propia manera creativa, que le da nuevas vías para explorar más ii Vs que nunca parecía posible antes.

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Concepto de aplicación: un marco para la práctica de Tunes Publicado Por Forrest En 22 de abril 2011 @ 09:26 am En Conceptos | No Comments

A menudo hablamos de lenguaje jazzístico y como una forma primaria de integrarlo en tu forma de tocar es mediante la aplicación de ese idioma a partes específicas de melodías. Por forzarse a utilizar alguna pieza de lenguaje sobre una melodía en lugares predeterminados, el oído y los dedos aprenden cómo poner ese pedazo de lengua en su contexto. Poco a poco, la pieza de la lengua se convierte en algo que se puede escuchar, acceder y modificar a voluntad. Se convierte en una parte de ti. La aplicación de la lengua como esto es una forma de trabajar en las melodías, pero también se puede aplicar conceptos generales a partes específicas de melodías. Voy a etiqueto esta idea como "aplicación concepto." Bastante sofisticado, sé ! Tenemos un montón de mensajes de correo electrónico todos los días preguntando sobre cómo aprender canciones, cómo solista mejor, y cómo escuchar con más claridad. La táctica de la solicitud concepto parece haber deslizado la derecha por la mayoría de la gente. En realidad es muy simple y es probable que ya lo utilizan una parte del tiempo. Lo único que significa es tomar algún tipo de concepto y aplicarlo a partes específicas de una melodía. La última parte de esto es donde la mayoría de la gente va mal. Trabajan en un concepto de "aislamiento-mode" y nunca aprenden a aplicarla a las melodías. Por ejemplo, tal vez usted ha

trabajado en una idea rítmica fresca o algún tipo de alteración armónica, pero no se ha revelado cuando vas a improvisar. ¿Alguna vez se aplica a una melodía que está trabajando? ¿De qué sirve un concepto que no muestra a sí mismo cuando se juega una melodía? Ahí es donde entra en juego el concepto de aplicación.

Los diversos conceptos para aplicar Los conceptos se podría aplicar son prácticamente ilimitadas. En general, caen en: conceptos rítmicos, melódicos, conceptos o conceptos armónicos (Digo "en general" porque hay uno podría aplicar conceptos más abstractos, como jugar no estoy seguro exactamente lo que esto significaría "colores". , pero yo sólo quería que sepas que las cosas no se limitan necesariamente a lo que comúnmente consideramos como los aspectos de la música). Ellos no son mutuamente excluyentes, ya sea, lo que significa un concepto podría ser tanto rítmica y melódica. Un ejemplo de un concepto rítmico: Usando un ritmo específico Un ejemplo de un concepto armónico: Jugar el noveno piso sobre un acorde dominante Un ejemplo de un concepto melódico: Principalmente utilizando un intervalo particular, en sus líneas

Cómo solicitud concepto se refiere a temas de aprendizaje Conocer la cabeza y acordes a una melodía es un buen punto de partida, pero en realidad no proporciona todos modos para que usted solo sobre con éxito. Ahí es donde existe una gran confusión. La gente piensa que si se enteran de la cabeza, sabe lo que los cambios de acordes son, y pueden arrpegiate los acordes y tocar las escalas entonces son buenos para ir. De alguna manera, a partir de este conocimiento, usted escuchará bellas melodías y ellos inmediatamente salen de su cuerno, ¿verdad? Nope. Lo lamento. Desearía que fuera asi de fácil. A menos, por supuesto, usted ha pasado el tiempo en temas que son similares a la nueva te estás acercando, en cuyo caso todos sus conocimientos de su trabajo anterior se traducirá en la melodía actual que está trabajando. Es por eso que Eric escribió acerca de cómo trabajar en estos temas específicos, porque si trabajas duro en un tema que tiene muchas progresiones que es probable encontrar en el futuro, usted será capaz de abordar todas estas situaciones futuras con éxito con un esfuerzo adicional mínimo. Este trabajo que hablé de tanto en el párrafo anterior es la práctica real de la aplicación de concepto. Se averiguar lo que los conceptos que desea explorar, experimentar con ellos por su cuenta, y luego experimentar con ellos más aplicándolos a las melodías. Por lo tanto, para aclarar, melodías aprendiendo, practicando melodías, solos o bien sobre una melodía (esos son todos sinónimos) NO se logra memorizar la cabeza, los cambios de acordes, el aprendizaje de las escalas y arpegios, y yendo fines de la misma. Ese es el conocimiento de fondo para una melodía. Un punto de partida. Un determinado.

Lo que realmente tenemos que hacer es averiguar cómo nuestros héroes trabajaron a través de estas progresiones. Tenemos que aprender las ideas (lenguaje) y aplicar los conceptos que utilizan (aplicación concepto), y luego integrarlos en nuestro juego y construir sobre ellos.

La importancia del lenguaje en la aplicación de conceptos Aquí hay otro obstáculo que he encontrado al comenzar a aplicar los conceptos a melodías. Sin tener el lenguaje, es difícil formular líneas utilizando conceptos. En otras palabras, utilizar conceptos efectivamente, usted todavía tiene una idea sólida del funcionamiento interno de las grandes líneas de jazz. Sin esa comprensión, adquirida en el aprendizaje y el estudio de la lengua, que sonará como un teórico cuando se utiliza algún tipo de concepto que desea que improvisar a partir. Si usted puede crear líneas de fluidos en el idioma del jazz, porque usted ha estudiado cómo los maestros hicieron, cuando se empieza a improvisar a partir de una base más conceptual, usted continuará para crear líneas de fluido que todavía ponen así en el género.

Cómo utilizar la aplicación concepto: paso a paso Paso # 1: elegir un concepto Sus conceptos pueden venir de cualquier parte. Si eres como yo, lo más probable provienen de una de las dos fuentes. Cualquiera de sí mismo o una grabación. A veces voy a estar practicando y algo apenas amanece en mí. Voy a escribir hacia abajo y añadir un poco de texto a él, así que sé lo que estaba pensando cuando me miro adelante y volver a practicar. Otras veces, voy a averiguar lo que uno de mis héroes estaba jugando y extraer un concepto basado en eso. Paso # 2: imponer restricciones Una de las limitaciones que se le imponen es el mero uso de un concepto. La otra limitación es donde lo va a usar dentro de una melodía. Por ejemplo, tal vez el concepto queremos aplicar es un concepto melódico: Improvisar basada en la melodía. Sé que suena simple, pero a menudo es pasado por alto y muy poderoso. Ahora tenemos nuestro concepto. Entonces, todo lo que necesitamos hacer es elegir una melodía y donde queremos aplicar el concepto. Una gran melodía probar este concepto en particular en es todas las cosas que son ... y se podía aplicar este concepto a toda la melodía. O tal vez tratar de aplicarlo cada 8 bares, o cada 4 bares. Cuando usted no está aplicando el concepto de probar una de dos cosas. De cualquier resto (jugar a nada), o improvisar. Cuando usted está primero la aplicación de un concepto a bares específicos en una melodía y no a otros, es bueno para descansar a los demás para que pueda concentrarse intensamente en las medidas que está trabajando. Una vez que se sienta cómodo aplicar el concepto, entonces usted puede comenzar a improvisar cuando no se está aplicando el concepto.

Otro claro ejemplo de la aplicación de concepto proviene de la integración de nuevos ritmos Into Your Reproducción. De hecho, ese artículo es el proceso de aplicación exacto concepto, y más concretamente, la aplicación concepto rítmico. El proceso como se ilustra en este artículo es bastante sencillo. Usted transcribir algo de sus héroes, a entender lo que estaban haciendo, extraer un concepto, y lo aplica a las medidas específicas de una melodía. Así, a partir de las ideas en este artículo, usted podría tomar un Millas en solitario, transcribir los ritmos, buscar algo que despierte su interés (este es el concepto), y aplicarlo a una melodía que está trabajando. A partir de ese solitario, me gusta la forma en que utiliza un medio-nota que ocupa latidos 2-3 como se muestra en el siguiente ejemplo. Puede que luego tomar esa idea, jugando una media nota en los tiempos 2 y 3, y practicar una melodía utilizando ese concepto en lugares predeterminados en toda la melodía.

Paso # 3: variar sus limitaciones Apenas cómo los conceptos se podría aplicar son ilimitadas, por lo que son las formas en que las aplican. Usted podría limitar a ti mismo a la utilización de un concepto para una sola medida en una melodía, o puede utilizar por todas partes en una melodía. Usted podría limitar a ti mismo armónicamente, rítmica y melódicamente, todo al mismo tiempo, si quieres. Es bueno empezar por ir por la borda. Utilice el concepto tanto como sea posible y luego, gradualmente, de marcha atrás hasta que usted lo está utilizando de una manera más natural y realista. La clave es experimentar y cambiar hasta la forma de aplicar los conceptos a melodías hasta que los posee, al igual que la forma en que hablamos de ser dueño de idioma. Y al igual que el aprendizaje de idiomas, es mejor saber algunos conceptos dentro y fuera que docenas de una manera superficial.

La aplicación del concepto de marco para la práctica de canciones Aplicación Concept ofrece un marco para pensar acerca de cómo tomar lo que está trabajando, aplicarlo a las melodías, e integrarlo en su juego. Profundizar en el conocimiento de la simple idea de aplicación concepto le ayudará a pensar con claridad acerca de cómo se

va a trabajar en sus nuevas ideas en su juego.

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Conexión de sus oídos a su instrumento Publicado por Eric En 12 de junio 2010 @ 21:31 En el oído, perspectiva, Consejos | 2 Comentarios

En realidad, hay dos áreas de la maestría musical, aparte de la técnica en un instrumento, que un músico de jazz requiere ser un improvisador completa. Uno es el desarrollo de grandes orejas y la otra es una comprensión intelectual de la armonía. Estas dos cualidades sobre todo se pueden encontrar entre las innumerables innovadores de la música. Tome los músicos de la era Bebop, por ejemplo. Músicos como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Bud Powell aprendieron la música de una generación anterior de oído y a medida que avanzaban, utilizan su conocimiento armónico para analizar lo que escuchaban y aplicarlo a su propio juego, alterando escalas y sustituyendo acordes para crear un nuevo estilo. Este es el modelo para el moderno músico de jazz; improvisador que tiene el control de la música, tanto auditiva e intelectualmente. La mayoría de los músicos mientras estudian la música, sin embargo, son más fuertes en un área u otra en función de cómo aprendieron a jugar. Si usted aprendió jazz escuchando discos Usted es probable que va a tener grandes orejas, pero poca habilidad para explicar por qué las líneas de trabajo y si aprendió a leer música primero y estudiado láminas de plomo, usted intelectualmente entender la música, pero tienen menos habilidad para escucharlo. Eventualmente tendrá que trabajar en uno u otro,

probablemente ambos, para llegar al siguiente nivel de juego. En la universidad empecé a darme cuenta de mi propio juego que mi comprensión intelectual de la música estaba muy por delante de mis oídos y que tenía que encontrar una manera de llegar a mis oídos a la velocidad. En ciertas canciones que podía ver los acordes en mi mente y pensar en lo lame o líneas para jugar sin hacer referencia a mis oídos en todos, en lugar de escuchar lo que jugar en base a lo que vino antes. Después de pensarlo, me di cuenta que esto era realmente un producto de la manera que aprendí en la escuela de música. Para la mayoría de nosotros, cuando empezamos un instrumento, desde la primera nota que jugamos tenemos una pieza de música en frente de nosotros y en la mayoría de los casos no tienen una clase de entrenamiento del oído hasta que lleguemos a la universidad. En ese momento nuestros oídos son esencialmente a un nivel principiante mientras intelectualmente comprendemos conceptos musicales muy avanzados. Por ejemplo, intelectualmente, puede ser capaz de reharmonize una norma con los cambios Coltrane, pero al mismo tiempo todavía dificultades para cantar las raíces y los tonos acordes de cada acorde en los cambios en un estándar. En esencia, porque su mente está muy por delante de los oídos, la improvisación se convierte en una especie de ejercicio intelectual en lugar de una combinación de los oídos y la mente. Qué jazz músicos requieren es un uso práctico de entrenamiento del oído, la conexión de la percepción auditiva a improvisar. Entrenamiento del oído es un concepto muy útil y como improvisadores el siguiente paso es transferir esta habilidad a nuestros instrumentos. Además de ser capaz de cantar lo que oímos, queremos ser capaces de jugar lo que escuchamos en nuestros cuernos.

4 ejercicios "conexión" Después de haber trabajado en el entrenamiento del oído y de intervalos de identificación, es el momento de ir al siguiente paso. Aquí hay algunos ejercicios que ayudan a jugar realmente en la bocina lo que está escuchando en su cabeza. Trabajar en la identificación de las notas que se escuchan a jugar con ellos en su instrumento. Este ejercicio se puede hacer con un compañero. Haga que otra persona toque una nota en el piano o el claxon y tratar de repetir esa nota en su instrumento utilizando sólo sus oídos para averiguarlo. Al escuchar la nota, la canto en la cabeza y luego jugar sin pensar en lo que es intelectualmente. Al principio esto puede ser difícil, pero después de un tiempo usted comenzará a confiar en tus oídos. Transcripción es la mejor manera de aprender el idioma, así como aprender las complejidades armónicas de la música. Elija una línea que usted ha estado deseando aprender y primera conseguirlo en los oídos. Canta unas cuantas veces hasta que lo tienes, entonces probarlo en la bocina. Por la transcripción de esta manera usted está jugando algo que ya está en su oído y no tratar de resolverlo mentalmente en su instrumento solo. Tome una línea que se está trabajando en el dedo y las notas de su instrumento mientras

canta en voz alta. Esto reforzará una conexión física con el instrumento con las notas que están cantando y audiencia. Además, después de haber transcrito un solo, cantar junto con el registro mientras haces la digitación de su instrumento. Escoja un blues o norma simple que usted ha estado trabajando. En primer lugar tratar sólo cantar un coro sin su instrumento, usando su oído como su guía. Siguiente intentar jugar una línea de cuatro barras en su instrumento y luego cantando o scatting por cuatro barras continuas esa misma línea que estaba jugando en su instrumento. Continúe alternando un lado a otro cada cuatro o dos barras entre la voz y el instrumento, manteniendo su frase constante. El objetivo es seguir la línea que se está escuchando en su cabeza, sin importar si usted está utilizando su voz o su instrumento, para todo el coro. Forjar esa conexión entre sus oídos y su instrumento es algo que lleva años de práctica para dominar. Esto puede sonar como un montón de trabajo al principio, pero si se incorporan estos cuatro sencillos ejercicios en su rutina diaria, usted estará bien en su manera de jugar, finalmente, en su instrumento lo que estás escuchando en su cabeza.

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Ejercicios de entrenamiento del oído Fundamental Publicado Por Forrest En 18 de febrero 2011 @ 08:32 am En Oído | Comentarios discapacitados

Mantenga sus ojos en las estrellas, sino mantener los pies en el suelo. Theodore Roosevelt Los fundamentos del entrenamiento del oído se glosan en gran medida sobre. El desarrollo de la oreja es visto como una pista lineal: aprender sus intervalos, a continuación, sus tríadas ... y así sucesivamente. Pero el desarrollo de su oído no es una búsqueda lineal. Al igual que la improvisación, es una búsqueda constante de impulsar, al mismo tiempo fortalecer sus raíces.

Elige tu compañero de entrenamiento del oído sabiamente Encontrar a alguien para practicar el entrenamiento del oído con hace que sea más beneficiosa y más divertido. Encuentre a alguien alrededor de su nivel y que está dispuesto a practicar con usted por lo menos tres veces a la semana. Idealmente, usted tendría un compañero o vecino que esté dispuesto a practicar todos los días. El aspecto más importante de elegir a alguien para practicar el entrenamiento del oído con el que tiene que ver con la actitud. Usted quiere trabajar con alguien que no va a criticar o juzgar porque se cometen errores. Y del mismo modo, se debe adoptar una actitud de comprensión y respeto por el nivel actual de la persona con la que está trabajando.

¿Quieres grandes orejas? Obtener el método de entrenamiento del oído. Se le enseñará paso a paso. Aprende más… He practicado con la gente antes, donde me he sentido que si decía la respuesta equivocada, se podría pensar mal de mí como músico, o burlarse de mí porque me cagué un ejercicio básico. Esta situación va a paralizar su aprendizaje, haciendo que sus sesiones de entrenamiento del oído prácticamente inútil. Elige tu compañero de entrenamiento del oído sabiamente. Tienen como objetivo desarrollar una relación de aliento mutuo y sus prácticas será agradable y gratificante.

Oído mentalidad de formación Muchas personas practican el entrenamiento del oído, como si estuvieran jugando un juego. Ellos supongo y espero lo mejor, o utilizar el proceso de eliminación en base a lo que saben un sonido particular no ser. La formación del oído no es un juego, o una especie toma-su-mejor-suposición de una cosa. Se trata de desarrollar a sí mismo como un músico. Se trata de cambiar la forma en que se escucha el sonido y la música; ser capaz de escuchar en un nivel más profundo. Tómese su tiempo y constantemente repetir los intervalos y tríadas que le dan la mayoría de los problemas. Oír y cantar con precisión en términos de tono. Enfoque y escuchar atentamente al sonido en su mente. Si nota cambios drásticos en la forma en que estás escuchando y tocando música, entonces usted sabe que usted está practicando el entrenamiento del oído correctamente.

Centrarse en los fundamentos y cantar! En la escuela, nuestro profesor entrenamiento del oído desempeñaría un intervalo de un par de veces durante un período de treinta segundos o menos y que anotaría el intervalo en un pedazo de papel, que más tarde se graduó. La mayoría de las clases de entrenamiento del oído (no todos, sin embargo. Yo estaba celoso de los cursos de formación del oído de pregrado en William Paterson con Armen Donelian. Echa un vistazo a su impresionante libro de entrenamiento del oído) apresurarse a través de los fundamentos del entrenamiento del oído porque están en un horario. Esta forma de pensar hacia el entrenamiento del oído se opone diametralmente la mentalidad que se establece en los últimos párrafos. Usted no puede apresurarse a través de estos elementos esenciales, porque todo lo que después se construye sobre ellos. ¿Cómo se puede escuchar acordes de séptima, si no puede escuchar a las tríadas? ¿Cómo se puede oír las complejidades de una sonoridad acorde sin conocer sus intervalos sólidamente?

Estos fundamentos de la audiencia - Intervalos y tríadas - deben practicarse en un grado mucho mayor que el simple reconocimiento. Ellos deben ser internalizados y conocidos dentro y por fuera. Usted debe saber que cada uno como un viejo amigo. Para adquirir esta familiaridad con rapidez, cantar todo. Cantando cada ejercicio le ayudará a desarrollar su oído con mucha más rapidez. Se fortalecerá en gran medida su relación con lo que cada vez el sonido que estás aprendiendo. Se hace más fácil cuanto más lo haces.

Ejercicios de entrenamiento del oído Fundamental Lo que usted necesita: un socio sabiamente elegido entrenamiento del oído, un piano o el teclado, a 20 minutos de tiempo ininterrumpido, una mente clara Ejercicio Intervalo Compañero Reproduce un intervalo aleatorio, dos notas, uno inmediatamente seguida de la otra. usted Escucha el intervalo en su mente. Cante la primera nota y luego la segunda nota. Luego indicar el intervalo y dirección. Si necesita que se repita antes de intentar cantar y identificarlo, solicitar que su pareja juega de nuevo. Compañero Verifica exactitud tono de su canto y si usted identificó el intervalo correctamente. Si usted es incorrecta, haga que su pareja jugar de nuevo, escucha aún más estrechamente y vuelva a intentarlo. No continúe con el siguiente intervalo hasta que cantarla con precisión e identificar correctamente. Repita este proceso hasta que su pareja ha jugado al azar todos los intervalos ascendente y descendente. Eso es todos los siguientes intervalos, interpretada al azar al menos una vez, arriba y abajo: 2ª menor, mayor 2do, menor de edad 3ro, comandante 3ro, 4to perfecto, quinta disminuida (tritono), 5to perfecto, menor 6th, importante 6ª, 7ª menor, principales séptima, octava. Usted puede agregar una novena mayor (una octava más un paso entero) y la novena menor (una octava más un medio paso) si te gusta también. Armónica Intervalo Ejercicio Este es el mismo que el ejercicio anterior, pero las notas se juegan juntos en lugar de una tras otra. Asi que… Compañero Reproduce un intervalo aleatorio, dos notas, esta vez jugado simultáneamente. usted Escucha el intervalo armónico en su mente. Cante la primera nota y luego la segunda nota. Luego indicar el intervalo. Si necesita que se repita antes de intentar cantar y identificarlo,

solicitar que su pareja juega de nuevo. Compañero Verifica exactitud tono de su canto y si usted identificó el intervalo correctamente. Si usted es incorrecta, haga que su pareja jugar de nuevo, escucha aún más estrechamente y vuelva a intentarlo. No continúe con el siguiente intervalo hasta que cantarla con precisión e identificar correctamente. Repita hasta que haya pasado por todos los intervalos de al menos una vez Tríada Ejercicio Compañero Reproduce una tríada aleatoria en estado fundamental, tres notas de una tríada jugado juntos (es decir, CEG, C tríada mayor) usted Escucha la tríada en su mente. Canta la tríada a partir de la raíz. A continuación, indicar la calidad de la tríada. Si necesita que se repita antes de intentar cantar y identificarlo, solicitar que su pareja juega de nuevo. Compañero Verifica exactitud tono de su canto y si usted identificó la tríada correctamente. Si usted es incorrecta, haga que su pareja jugar de nuevo, escucha aún más estrechamente y vuelva a intentarlo. No pasar a la siguiente tríada hasta que cantarla con precisión e identificar correctamente. Repita hasta que haya pasado por todas las tríadas al menos una vez: mayor (135), menor (1b35), aumentada (13 # 5), disminuido (1b3b5), SUS 4 (145)

Entrenamiento del oído Fundamental Ir a través de cada uno de los tres ejercicios y luego negociar puntos y jugar los ejercicios para su pareja. Práctica de esta manera por lo menos 3 veces a la semana durante un mes y te darás cuenta de la enorme mejora en la forma en que usted oye y jugar. La clave con cualquier práctica de entrenamiento del oído es escuchar el sonido en su mente y reproducirlo con su voz con precisión mientras continúa escucharlo en tu mente. El dominio de estos sonidos esenciales le dará una base sólida. Incluso después de que usted se convierte en bastante confianza con estos ejercicios, volver a ellos. Cuando inicie puede tardar algunas audiencias repetidas. Luego, en una semana o dos, tal vez usted sólo necesita una reproducción del sonido, pero va a tomar un momento para cantar e identificarlo. Mantenga disminuir el tiempo entre oír el intervalo o tríada y cantando / identificarlo hasta que usted sepa exactamente lo que el sonido es inmediato y puede cantarla. Luego trabajar en él algunos más !

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Audición en Color: tonos de acordes en su contexto Publicado Por Forrest En 02 de mayo 2011 @ 07:44 am En Oído | No Comments

Cada tono acorde tiene su propio sonido único, su propio color único. Aprender a escuchar estos colores trae estos sonidos a la vida.

El piano Partido lanza con precisión El primer paso para escuchar estos colores es escuchar un sonido, repetirlo en su oído mentes, y precisa reproducirlo con tu voz en su primer intento. Ir al piano. Toque una nota cerca del Do central, o donde se puede cantar cómodamente dentro de su rango. Escuchar claramente la nota resonar en su mente. Piense en cantar ese lanzamiento y preparar sus cuerdas vocales. Conseguir que, precisamente, donde tienen que estar a cantar la nota. Su objetivo es cantar la nota perfectamente la primera vez. Usted no quiere ser agudo o grave. ¿Quieres ser el centro absolutamente muerto en su primer intento. Cante la nota, prestando especial atención que usted es realmente justo en el terreno de juego. Pase 15 minutos al día durante unas semanas en este ejercicio y no importa cuán pobres su canto, te darás cuenta de una mejora dramática en golpear el centro de una nota en su

primer intento.

Entender colores de tono de acordes El segundo paso en escuchar estos colores de tono de acordes es entender claramente lo que son. Es una cosa difícil de describir. Es como tratar de describir el color verde. Yo podría decir cosas como exuberante o naturaleza, pero ¿cómo de cerca ¿eso representan el color verde? No hay manera real y tangible que yo podría describir a alguien que lo verde en realidad se parece. Con el sonido, que es de la misma manera. En un importante acorde de séptima, definitivamente hay una clara diferencia entre la forma en la principal tercera del acorde suena y cómo los principales 7º sonidos. Cualquier persona puede aprender a discernir estas diferencias. Es como saber la diferencia entre rojo y azul. Usted acaba de ver que ellos son diferentes. Ese es el tipo de la oreja que queremos desarrollar, en el que sólo escuchamos de forma automática las diferencias. Para tener una idea de estos distintos colores de tono de acordes que queremos oír, ir al piano. En su mano izquierda, jugar un Do mayor acorde de séptima (CEGB). En su mano derecha, jugar un F # (el # 11). Note el sonido distintivo de la # 11? Esta característica que es muy evidente cuando se juega el # 11 en un acorde mayor se refiere a todos los tonos de acorde, en cada contexto. En otras palabras, cada tono acorde dentro de un acorde determinado suena de una manera particular. Cada uno tiene su propio color que usted puede aprender a escuchar. Con el # 11 en un sonido importante que es fácil de escuchar porque el sonido es tan distintivo. Intente tocar un acorde de séptima Do mayor en su mano izquierda (CEGB) y una E (el principal tercero) en la mano derecha. Para muchos, este color es más difícil escuchar porque el sonido de un tono importante tercera cuerda no es tan única como # 11. Lo más probable es necesario dedicar más tiempo a los tonos más bajos de acordes (1-3-5-7) que el superior (09/11/13).

Comenzar con tríadas El mejor lugar para empezar a escuchar estos colores es en una tríada mayor. Juega una tríada mayor (CEG). Escucha el acorde en su mente. Reproducir la tríada y otra vez. Observe cómo se puede cambiar conscientemente su atención a los distintos tonos de acorde en la cuerda? Si no te das cuenta de esto, seguir jugando la tríada hasta que lo haga. Una vez que usted observa que usted puede controlar donde usted pone su atención en la tríada, afinar su enfoque en la raíz de la tríada. Continuar oír el resto de la cuerda, pero aislar la raíz en su mente. Un visual de esto sería: C EG Una vez que pueda afinar en la raíz y oír con claridad, cantarlo, prestando especial atención a su terreno de juego al igual que lo hizo cuando emparejado lanzamientos en la sección

anterior. Todas las notas están ahí y que son conscientes de ellos, pero el que está centrado en los saltos a la vista. Después de que has logrado este aislamiento con la raíz, pasar a la tercera. Enfoque con atención en él, repitiendo la tríada una y otra vez hasta que el tercero simplemente salta a usted y usted puede cantarlo. Luego, haga el mismo ejercicio con la quinta. Si usted está teniendo problemas para escuchar o cantar cualquiera de los tonos de acorde en la tríada o si usted está teniendo dificultades en el futuro, utilizar este truco: jugar a la cuerda por un momento, y luego viniese a jugar el tono acorde que desea enfocar , y luego jugar inmediatamente el acorde de nuevo. Por ejemplo, si quería centrarse en el principal tono tercera cuerda de una tríada, podría jugar la tríada para una nota trimestre, entonces el gran tono tercero acorde para una negra, seguido jugando el acorde de nuevo por un medio-note como se ilustra en el siguiente ejemplo.

Una vez que ha pasado algún tiempo haciendo esto en la raíz, el tercero y el quinto, repita la tríada de nuevo y cada vez, cambiar su atención a la siguiente nota del acorde y cantarla. Así, podrás jugar a la tríada, concentre su atención en la raíz, oír, entonces cantarla. A continuación, reproducir la tríada, se centran en el tercero, escucharla y cantarla. Reproducir la tríada, se centran en la quinta, escuchar, cantar. Luego volver a empezar en la raíz y seguir haciendo una y otra vez. Por cambia constantemente su atención de esta manera pronto se dará cuenta lo diferente que cada uno de estos tonos de acordes suena y que cada realidad tiene su propio color. Al escuchar estos colores, usted puede escoger al instante cualquier tono acorde que desea. Lo contrario de esto sería escuchar la fundamental del acorde y luego de escuchar el intervalo al tono acorde que quieres cantar. Por ejemplo, si quiero escuchar el gran tono tercera cuerda en un gran acorde de séptima y yo primero escuché la raíz y luego cantar una tercera mayor por encima de ella para encontrar la tercera mayor, seguro de que estoy cantando la tercera mayor de la cuerda, pero yo no estoy escuchando el sonido único del tono acorde. Esto es tan importante que voy a repetirlo. Si estás escuchando los tonos de acorde por primera oír la raíz y la medición de la distancia interválica a un tono acorde dado, que está haciendo estos ejercicios mal. El objetivo de estos ejercicios es escuchar al instante el color del tono de la cuerda que desea afinar, no oír un intervalo entre la raíz y el tono acorde. Esta idea puede parecer confuso al

principio, pero sigue practicando. Cada tono acorde tiene su propio color y cuanto más se trabaja en ellos, el más cada singularidad se revelará.

Explora colores de tono acorde Una vez que estés cómodo con grandes tríadas, agregue la séptima mayor a la cuerda (1-3-57, en clave de C sería CEGB) y trabajar al oír el color de la séptima mayor tono acorde, seguido por el canto ello. Si usted está teniendo problemas, utilice el truco de repetir el acorde y acorde tono que ilustré antes. Después de la importante séptima, puede continuar a lo largo de la cuerda a la 9, la nº 11 y la 13. Y no es necesario reproducirlos en el piano para escuchar y cantar. Por ejemplo, tal vez estoy aprendiendo a escuchar el sonido de la # 11 en una de las principales acorde de séptima. Podía tocar las notas CEGB (un Do mayor séptimo acorde) y luego escuchar y cantar la # 11 sin incluirla en mi sonoridad del piano. Cuando lo haga llegar hasta aquí, en lugar de trasladarse a otros acordes, revise todos los principales tonos de acorde para un tiempo, quizás varias semanas. De hecho, creo que una vez que llegue a este punto, la cosa más fácil porque ahora usted tiene un buen número de tonos de acorde para comparar entre sí. Otra analogía al color viendo transmitirá esta idea abstracta. Imagínese que el único color que existía era de color rojo, por lo que nunca pasó mucho tiempo aprendiendo a ver el color. Roja de todo. ¿Qué hay que ver? Todo tiene el mismo aspecto. Pero entonces alguien te dice que existen otros colores si usted aprende a enfocar su atención en ellos. Debido a que usted nunca ha centrado su atención en el color en nuestro mundo imaginario, que va a ser toda una hazaña. Supongamos que usted comenzará a ver el verde. A continuación, puede volver a rojo y decir ... ohhhh ... es diferente a verde. Y luego a medida que aprende más colores, más diferencias entre cada uno de ellos se manifiestan, la creación de una idea definitiva de lo que cada color es. Eso es básicamente lo que estamos apuntando que ver con tonos de acordes. Hay muchos tonos de acorde a la práctica durante muchos acordes, así que aquí es una sugerencia para acercarse a todos estos tonos de acordes. Comience con oír los colores únicos de cada uno de los tonos de acorde inferiores (1-3-5-7) en cada uno de estos acordes Séptimo Major Séptimo Menor Séptima dominante La mitad de séptima disminuida A continuación, trabajar en los tonos acordes superiores de cada uno de los acordes anteriores (9-11-13. Recuerde, en un acorde mayor y dominante para elevar la 11ª) Luego trabajar en estas diversas alteraciones para cada categoría:

Las principales alteraciones 7º - # 5 7º alteraciones menores - # 7 7º alteraciones dominantes - # 5, B9, nº 9 Trabajando a través de todos estos acordes es una tarea difícil. Comience simplemente y construir una base sólida. No tener prisa para trabajar en todos estos acordes. Si usted pasa mucho tiempo en desarrollar la capacidad de oír los colores únicos de cada tono acorde en un importante séptima cuerda, podrás allanar su camino a oír el color único de cualquier tono acorde en cualquier acorde.

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Cómo Frase como un profesional Publicado Por Forrest En 07 de octubre 2011 @ 12:35a.m. En Conceptos, ritmo, tiempo | No Comments

Amateurs frase de una manera que suena aburrido y cuadrado. Por el contrario, los profesionales de la frase de una manera que da emoción y el movimiento hacia adelante a su juego. En este artículo voy a explorar algunas tendencias que yo he observado en las grabaciones de mis héroes. Por supuesto, sus observaciones personales se dan como resultado conclusiones diferentes, por lo que le recomiendo que transcribir y encontrar tendencias que usted observa. Una cosa para recordar así: Estas no son reglas. Sólo son cosas a tener en cuenta y experimentar. Para ilustrar las técnicas, voy a utilizar el siguiente ejemplo:

No se trata de una línea de "malo" y encontrará líneas similares en todo el vocabulario del

jazz, sin embargo, lo que nos preocupa hoy es cómo expresar de una manera emocionante y esta línea de forma aislada, como se muestra, es bastante aburrido. Si se va a etiquetar en una idea en frente de ella, o conectarlo a otra cosa, inmediatamente sería asumir una nueva vida, y eso es exactamente lo que vamos a estar hablando de: cómo tomar lo ordinario y lo utilizan como un Pro.

Evite arrancar frases en un solo latido Amateurs constantemente comienzan frases en ritmo una. Esta forma común de iniciar una línea permite al oyente a predecir dónde la siguiente línea, se iniciará. En consecuencia, no hay interés para mantener su atención y dejar de escuchar. Pros, mientras que de vez en cuando a partir frases en ritmo uno, van más a menudo que no se inicie frases en los tiempos más de uno. En lugar de la línea original, podrían agregar pick ups a ella o comenzar más tarde en la medida:

Observe cómo en todos estos ejemplos la línea parece tener mayor movimiento de avance? La razón por la que tiene esta fuerza de avance se debe a que las frases comienzan en otros ritmos que una. Hay muchas maneras de hacer esto, así que seguir experimentando. Y para reiterar, esto no es una regla. No estoy afirmando que no hay que empezar alguna vez frases sobre uno. De hecho, usted encontrará un montón de frases de los profesionales que se inician en uno, pero es el equilibrio entre las frases que comienzan en una y frases que no comienzan en uno que dan interés.

Romper las corcheas Todos fácilmente caemos en el hábito de jugar corcheas continuas. Amateurs especialmente les gusta subir y bajar escalas en ocho notas, ya que el oyente se queda dormido. Nadie quiere escuchar a practicar escalas en corcheas. Es una solución simple fraseo. Deja una nota en el centro de la línea y le da a la frase un carácter completamente nuevo:

Juega a más de la línea de la barra Para los aficionados de la línea de la barra es un separador definido para ser obedecido. Profesionales juegan justo en medio de ella. Las ideas que están escuchando dictan la frase, no las líneas de barras.

Ahora la línea original viene realmente vivo!

Conecte una idea a la siguiente Una idea en forma aislada es como una isla, desconectado del conjunto. Amateurs juegan muchas ideas que están desconectados. Pros juegan una idea que fluye a la perfección en la siguiente. Por ejemplo, suponiendo que la línea original A- D7 iba a G-C7:

Siempre estar en la búsqueda de ajustar una línea por lo que sin esfuerzo se conectará y la transición a la siguiente idea.

Juega en un solo ritmo y más allá ¿Qué ritmo es el fin de la medida? ¿Dijiste cuatro? ¿Dijo el y de cuatro? Oigo una de las siguientes medidas como el fin de un bar. Conduzca sus ideas a través de golpe una de las siguientes medidas y más allá. Es similar a jugar sobre la línea de la barra, pero pensando en las cosas de esta manera, la conducción hacia uno, será conceptualmente cambiar la forma en que se oye.

Fraseo como un profesional Pros saben cómo hacer que sus ideas suenan emocionante y lleno de movimiento. Utilice las ideas expuestas en este artículo para tomar su fraseo al siguiente nivel. Y, por supuesto, a su vez a los registros. Al pasar algún tiempo la transcripción y observando cuidadosamente la forma precisa su frase de héroes, podrás recoger más información sobre lo que hace que su sonido fraseo tan bueno. Deshazte de cualquier hábito fraseo de aficionados que tiene. Es el momento de la frase como un profesional.

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Jazz es un lenguaje ... o es él? Publicado Por Forrest En 29 de julio 2011 @ 01 a.m. En Jazz Educación, Jazz Idioma, Perspectiva | No Comments

La idea de que el jazz es un lenguaje puede ser bastante confuso y ambiguo. A menudo hacemos esta declaración, al igual que muchos profesores y profesionales, pero se necesita tiempo para entender lo que esta frase significa en realidad y lo que no quiere decir. Estamos acostumbrados a un lenguaje de ser algo así como Inglés; un cuerpo de las palabras, las frases, las reglas gramaticales ... Y en el jazz, lo mismo puede decirse, sin embargo no es tan corta y seca.

Cómo jazz es un lenguaje Jazz tiene un vocabulario que se ha construido sobre desde su creación. Es una entidad siempre en evolución, transmitido auditivamente de generación en generación. En cualquier momento de la historia de la música, los artistas buscaron a lo que vino antes que ellos para desarrollar lo que estaban creando; aprenden este vocabulario, este lenguaje, de sus predecesores y luego expandirlo basa en sus propias preferencias, experiencias e ideas. Por ejemplo, Charlie Parker revolucionó la música, pero para hacerlo, absorbió las frases, el sonido, la articulación, el ambiente, y la sensación ... de Lester Young. Este "cosas" se centró en era la lengua de Lester Young, el lenguaje del jazz en el momento. Del mismo modo, Lester Young basa en el lenguaje de los jugadores que vinieron antes que

él. En efecto, cada generación pasa por su lengua fonéticamente a la siguiente generación, por lo que el lenguaje del jazz es una entidad viva, en constante transmite. ¿Por qué son los acordes y escalas no el lenguaje del jazz? Acordes y escalas se utilizan en toda la música occidental. Por otra parte, los mismos acordes, escalas y progresiones se utilizan en toda la música occidental. Recuerdo un artículo en una prestigiosa revista de jazz afirmando que lo que hace "jazz" es el acorde de séptima. Se pasó a explicar que la música pop siempre utiliza tríadas (acordes sin 7ths) y el jazz se distingue de la música pop, ya que añade otro tono acorde, el día 7, a cada acorde de la progresión. Sí, no tanto. Se oye un montón de acordes de séptima en la música pop. Echa un vistazo a John Mayer jamming continuación. Casi toda esta melodía se compone de grandes acordes de séptima.

Así, los acordes y escalas podrían ser incluidos como bloques de construcción en el lenguaje de la música occidental, pero no exclusivamente como elementos que configuran el lenguaje del jazz. El idioma es: las frases que la gente jugar y la forma en que ellos juegan.

Cómo el lenguaje del jazz difiere de nuestro concepto normal del lenguaje Si el jazz es un lenguaje, ¿existe un diccionario de jazz? ¿Hay establecer reglas de tipo de gramática? Este es un lugar donde la mayor parte de la educación del jazz ha llevado a la gente por mal camino. Se les ha llevado a pensar que hay un conjunto de lame lo que necesitan saber, formas específicas que necesitan para jugar con ellos, y las reglas particulares que necesitan

para seguir a la hora de hablar el lenguaje del jazz. Esto está mal. No hay licks que es absolutamente necesario jugar a tocar jazz. No hay una manera que usted necesita para jugar líneas. No hay reglas cementadas en piedra que debe seguir. Estos lame y reglas fueron creadas para ayudar a la gente una idea de jazz, pero, por desgracia, en el largo plazo, que paralizan el estudiante serio del jazz. Un ejemplo de una de estas reglas: en lo que respecta a las líneas melódicas, el séptimo en un acorde dominante siempre se resuelve a la tercera del acorde mayor. Sí, esta es una tendencia común, pero eso es todo lo que es. Es un gran detalle para observar dentro de las líneas que transcribo, sin embargo, no es una regla. Ahí es donde el aprendizaje del jazz langugae difiere de aprender algo así como Inglés. En el aprendizaje de la lengua de jazz, se llega a desarrollar sus propias frases, así como las "reglas" que se utiliza para gobernar estas frases y estas reglas no son reglas en absoluto, que realmente están las tendencias que ha observado. La forma en un tono acorde resuelve. La forma de un tipo de frase lleva a la otra. Usted desarrolla estas cosas en base a lo que aprende de sumergirse en el lenguaje del jazz: la música de sus héroes. Tienes la oportunidad de elegir el idioma que desea construir. No hay ningún diccionario. Ningún conjunto vocabulario o reglas. Esta es una diferencia importante en nuestra comprensión típica de una lengua. Esencialmente a crear su propio diccionario de vocabulario (frases / líneas que amas) y determinar sus propias reglas gramaticales, (conceptos que has brillaba o creado) a partir del estudio de sus músicos favoritos. Así, este lenguaje se desarrolla no viene de la nada. Viene de la lengua de jazz como se define anteriormente. De esta forma, se aprende a hablar el lenguaje del jazz y añadir su huella en ella también.

Aprender a pensar en el jazz como lenguaje Usted no tiene que pensar en el jazz como lenguaje. Puede, por supuesto, elegir creer que se trata de nada de eso. Abierto todo, no es un hecho frío y duro que el jazz es un lenguaje, mientras que es un hecho que algo como Inglés es un idioma. Llamando jazz una lengua es más de una analogía útil que un hecho frío duro. Si usted toma esta manera, y elegir a pensar en el jazz como lenguaje, obtendrá una perspectiva hacia la música que beneficia en gran medida el aprendizaje de esta música. ¿Cómo es un lenguaje aprende mejor? Por inmersión total con la cultura de las personas que hablan ese idioma. Todo el conocimiento teórico es compatible con su comprensión de lo que se aprende en el "mundo real". Al observar el jazz a través de esta ventana, en lugar de atribuir a la forma comúnmente aceptada de aprender a improvisar en la teoría, las reglas, y transmitido lame-usted sumergirse en la cultura del jazz. Te rodeas de los oradores más prósperos de la lengua y de

imitar todos los matices que se oye. Por entender verdaderamente lo que significa decir "El jazz es un lenguaje", muchas de las respuestas a sus preguntas sobre cómo aprender la improvisación del jazz, naturalmente, caer en su lugar.

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10 maneras de hacer una línea de su propia Publicado Por Forrest En 24 de junio 2011 @ 02:18 am En Conceptos, Jazz idiomas, Consejos, Transcripción | No Comments

Así que ha transcrito algunas líneas y usted les está aprendizaje en todas las llaves. Usted incluso ha comenzado a aplicarlos a melodías que está trabajando, pero después de varias semanas, la línea que transcrito, que comenzó como suena mágico para ti, ahora suena aburrido. Y encima de eso, estás jugando la misma línea en todas partes. No se preocupe. Si está familiarizado con esta situación descrita, estás en el camino correcto. Sin embargo, es en este punto que la mayoría de las personas dejan. Una vez que se sienta cómodo con la línea en todas las llaves y lo está utilizando en su juego, es el momento de tomar la línea al siguiente nivel: la transición de la línea de un corte y pegar elementos simples y poco creativo, a algo que realmente propio. Algo que inspira su creatividad dentro. Es hora de que sea el suyo propio.

Hacer una línea de su propio "El acto creativo no crea algo de la nada. Se descubre, selecciona, reorganiza, combina, sintetiza hechos ya existentes, ideas, facultades, [y] las habilidades. "Arthur Koestler Copia de una frase de uno de sus héroes y reproducción es sólo un punto de partida para el aprendizaje del idioma del jazz. El objetivo: escuchar, comprender y construir sobre estas líneas, combinándolas con otras líneas y conceptos para producir algo suyo propio.

Hacer líneas comienza justo de jugar una y otra vez. Hay algunas líneas que he aprendido que suenan completamente diferente cuando les toco que cuando escucho a la fuente original de donde vinieron. Estas diferencias son el resultado de mi sonido, articulación, el concepto de tiempo, y otras sutilezas que son únicos para mí. Incluso he transcrito líneas de dos jugadores que son idénticos en las notas, pero suena totalmente diferente. Del mismo modo, este es el resultado de las diferencias entre los conceptos de juego en general del jugador. El punto es que si juegas una línea de tiempo suficiente y darle el tiempo para crecer en su mente, dejar que se convierta en una parte de ti, entonces, naturalmente, comienzan a tomar en su voz individual. Ahora, más allá de este desarrollo natural, no son específicos de armónicos, melódicos y rítmicos conceptos se pueden aplicar a una línea para cambiar en algo más. El proceso le permite realizar de forma rápida y directamente cualquier línea de su cuenta. La aplicación obvia: estas nuevas líneas se pueden estudiar, entendidos, y se aplican a las melodías. Pero el propósito subyacente de la práctica de la modificación de las líneas es la formación de la oreja y los dedos para aprender a improvisar creativamente con el lenguaje, en vez de reproducir textualmente todo el tiempo. Para enfatizar, no es sólo el nuevo material que vamos a crear, pero el proceso que es importante. Lo que sigue son 10 maneras fáciles de modificar una línea para hacer rápidamente a tu gusto. Para todos los ejemplos de este artículo vamos a utilizar una Dexter Gordon línea de su solo en la Confirmación:

Adición de notas al principio de una línea Comience por la adición de una nota en la 'y 4' a la medida anterior, como se ilustra en el siguiente ejemplo:

Observe cómo sólo la adición de una sola nota que ya puede empezar a cambiar el sonido de la línea? La posición de la nota en relación a donde vas tiene un efecto dramático en cómo suena la línea también.

Observe cómo esta segunda línea con su único enfoque de la nota por encima de la primera nota de la línea crea una forma diferente para la línea como el ejemplo anterior lo hizo, y por lo tanto, suena muy diferente.

Tonos cromáticos de aproximación dan otra cualidad a la línea de los dos ejemplos anteriores.

Como se puede ver, hay muchas maneras de utilizar sólo una nota antes de una línea. Sabiendo esto, imagine las posibilidades. Después de utilizar uno enfoques nota, utilice dos:

Seguido por 3:

Puede seguir añadiendo tantas notas como quieras de esta manera. Como siempre, utilice su oído y ser creativos.

Conexión de una idea hasta el comienzo de una línea Otro concepto simple que tiene que ver con la adición de notas antes de la línea es la adición de otra idea que ha transcrito antes. Una progresión verás con frecuencia pasa de un acorde dominante II del ii V de la llave. (E7 a E- A7). Puede conectar otra línea que ha estado trabajando en la nueva línea que está trabajando. Por ejemplo, en este ejemplo, me conecto una idea E7 con el original ii V:

Adición de notas al final de una línea

Así como usted puede agregar notas al principio de una línea, puede agregarlos a la final como en este ejemplo:

Experimentar con la variación de la cantidad de notas y ritmos.

Conexión de una idea hasta el final de una línea Y, al igual que hemos añadido una idea distinta al comienzo de una línea, podemos conectar una idea hasta el final de una línea. Aquí me tomo una idea re mayor y añadirlo al final de la II V:

Dejando notas de una línea Una forma efectiva para variar el contenido rítmico de una línea es simplemente dejar notas a cabo:

Observe cómo dejar de lado las diferentes notas de la línea cambia el carácter de la línea resultante:

Experimentar con dejar de lado varias notas de una línea, la utilización de su oído para juzgar lo que se traduce en una frase melódica clara.

Modificar el ritmo de una línea Dejando notas cabo es sólo una manera de modificar el ritmo de una línea. Usted puede cambiar libremente el ritmo de una línea sin embargo le parezca. En este ejemplo todo lo que he hecho es dejar una nota fuera de la línea y convertir otra nota a una negra. No se sienta obligado a mantener la línea completamente intacto. Cambie la línea sin embargo es necesario, para conseguir que suene correcto a la oreja. No hay reglas que hay que seguir.

Utilizando ritmos triplete en línea La conversión de parte de la línea a un ritmo triplete puede hacer que sea más pop, dando una sensación de inmediatez. Trate de añadir trillizos a varias partes de la línea, el ajuste de la línea, según sea necesario, como lo hice aquí:

Usando las tensiones alterados en línea La alteración de la quinta (b5 y # 5, mismo que # 11 y b13) o el noveno (b9 y # 9) son maneras fáciles de hacer una línea de su cuenta. En este ejemplo me he saltado hasta el # 9, entonces el b9, y luego resuelvo el quinto de la tónica. Haz lo que tienes que hacer para la línea, para obtener el concepto que usted está solicitando para trabajar.

Cambio de la resolución de una línea Así como en el último ejemplo, puede centrarse en el cambio en el que resolver a. En el siguiente ejemplo, resuelvo el nº 11 de Re mayor, algo que si se hace con prudencia en el contexto adecuado, puede sonar muy bien:

La demora en la resolución de una línea Otro concepto se puede aplicar a la resolución que está retrasando. Aquí me demoro la resolución de un golpe:

Clifford Brown constantemente hace esto. Escuche a su solo en la Confirmación y de

inmediato lo escuchará.

Aprender a hacer líneas de su propia Los conceptos que se dan aquí no son mutuamente excluyentes. Por ejemplo, se puede modificar el ritmo de una línea, añadir tensiones alterados a la misma, y ​añadir notas al comienzo de la misma, todo al mismo tiempo, la creación de algo totalmente diferente que el original. Pero, como se ilustra con los ejemplos de la adición de unas pocas notas al principio de una línea, se necesita muy poco para cambiar el sonido y el carácter de una línea. No hay que subestimar el poder que cada uno de estos conceptos se puede tener en el cambio de una línea. Lo más importante es usar el oído para determinar lo que suena bien. Con sólo tocar una línea en varias ocasiones durante varias semanas, una línea transcrito comienza naturalmente a convertirse en su cuenta a través de su sonido y su concepto de juego en general. Entonces, cuando se aprende a modificarlo añadiendo notas o ideas para la mendicidad y al final de la frase, cambie el ritmo, altera la armonía, y variar las resoluciones, la línea realmente se convierte en una parte de ti. Usted se convierte en libre con él y que realmente se convierte en su propio, que emerge de forma natural en nuevas formas creativas dentro de sus solos improvisados. Tome las líneas a través de este proceso y que van a la transición de ser entidades estáticas a trampolines para su propia creatividad.

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Una Palabra De Investors Business Daily Publicado Por Forrest En 02 de agosto 2010 @ 07:20 am En consejo para cada uno | No Comments

Cuando era más joven, mi padre constantemente recortar artículos de Investors Business Daily que encontró interesante o inspirador, y casualmente los colocó en toda la casa donde me tropezar con ellos. No queriendo seguir el consejo de los padres, al igual que cualquier otro niño, la mayoría de estos artículos terminaron en el gabinete de archivo circular, sin embargo, aunque esta actitud infantil, uno en particular, lograron sobrevivir para vivir otro día. De hecho, no sólo a sobrevivir, pero hizo su camino en mi pared donde recibiría atención diaria. Obviamente, éste tenía para comunicarse valor real. Estas palabras de consejo de diario del Inversor negocios (de la edición de febrero de 2002) actúan como recordatorios diarios simples que cualquier persona en un camino creativo beneficiarse. Tal vez incluso lo harán para arriba en su pared ... Investors Business Daily lleva años analizando los líderes y personas de éxito en todos los ámbitos de la vida. La mayoría tienen 10 rasgos que, al combinarse, pueden convertir los sueños en realidad. ¿Cómo crees que lo es todo: Siempre será positivo. Piense en el éxito, no el fracaso. Tenga cuidado con un ambiente negativo. Decidir sobre tus verdaderos sueños y metas: Escriba sus metas específicas y desarrollar un plan para llegar a ellos. Tome acción: Las metas son nada sin la acción. No tenga miedo de empezar. Simplemente hazlo. Nunca dejes de aprender: Volver a la escuela o leer libros. Obtener capacitación y Aquire habilidades. Sea persistente y trabaja duro: El éxito es un maratón, no un sprint. Nunca te rindas. Aprender a analizar los detalles: Obtener todos los hechos, toda la entrada. Aprende de tus errores. Enfoque su tiempo y dinero: No deje que otras personas o cosas que te distraigan. No tenga miedo de innovar; Sé diferente: A raíz de la manada es una forma segura de la mediocridad. Deal y comunicarse con la gente con eficacia: Ninguna persona es una isla. Aprender a comprender y motivar a los demás. Sea honesto y confiable; Asumir la responsabilidad: De lo contrario, los números 1 a 9 no importa.

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Jazz Improvisación es duro ... y por qué eso es una buena cosa! Publicado por Eric En 17 de agosto 2015 @ 24:45 En Perspectiva | Comentarios discapacitados

Piensalo por un momento. Sus músicos favoritos. Michael Brecker Freddie Hubbard Chick Corea Sonny Rollins Todos y cada uno de ellos comenzó en la parte inferior. Todos y cada uno de ellos comenzaron sin ningún conocimiento musical o técnica de su instrumento. Y todos ellos trabajaban duro durante años antes de que nadie sabía sus nombres. Es difícil de imaginar ahora escuchando sus discos y leer acerca de sus logros musicales ... Pero al principio tuvieron que comenzar con sus primeras notas. Ellos escucharon atentamente a los registros de sus héroes y se preguntó con incredulidad "# $ @ * !, ¿cómo voy alguna

vez iba a jugar de esa manera?" Ellos tenían que ir a la sala de la práctica cotidiana y hacen todo lo posible para mejorar. Y la verdad es que no eres diferente.

Aprender a improvisar es un reto No hay manera de evitarlo. Partiendo en un camino para crear música - su propia música - no es fácil. Significa levantarse en el escenario delante de la gente y compartir algo personal. Tomando una oportunidad con ninguna garantía de que va a tener éxito. Y pasar horas solo en una sala de ensayo de afilar sus habilidades. Eso es difícil para cualquier persona que realice una habilidad frente a un público, y mucho menos a alguien que está improvisando sobre el terreno! Pero lo que es posible que no se dan cuenta es que este desafío es crucial para su desarrollo. Es la única barrera se interpone entre usted y sus metas musicales. Al empujar a ti mismo para hacer frente a estas áreas difíciles en su juego, va a configurar el escenario para su próximo gran avance musical. Sin embargo, siempre se puede tomar la ruta segura como músico y estar contentos con sólo leer las notas en la página y llamar a un día. Sin embargo, eso no es usted ... Si usted está leyendo esto supongo que usted desea algo más de la música. Ya se trate de improvisar, componer, o al hacer que desea agregar algo propio a la música. El más difícil es alcanzar una meta, más querrás para lograrlo. Cuanto más esfuerzo que se necesita, más satisfacción que obtendrá al realizar avances. La misma regla se aplica a la música como lo hace cualquier otra habilidad: cuanto más se pone en él, más que vamos a salir de ella. La gran cosa acerca de una búsqueda artística como tocar un instrumento y crear su propia

música es que no hay fin a su viaje. Sigue aprendiendo nuevas ideas y te guarde desarrollo de sí mismo. El límite a lo que descubre es totalmente de usted.

Así que lo que diferencia a estos grandes jugadores aparte del resto de nosotros? Todos hemos experimentado esos momentos cuando te quedas sin ideas en la sala de la práctica ... Cuando el instrumento no está funcionando. Cuando te caes a pedazos en una ejecución o tropieza con acordes en una jam session. Cuando eres el peor jugador de la habitación y lo sabes. Todos los músicos se encuentran con estas barreras en algún momento de su vida. Sin excepciones. Pero aquí está el truco: Lo que diferencia a grandes jugadores, aparte de todos los demás es que seguir adelante. Empujan a través del dolor y la frustración. Empujan a través de los bloques de aburrimiento y mentales, ya que les encanta. Simplemente no hay otra manera.

¿Cuáles son sus barreras musicales? En este momento es probable que tenga algunas barreras musicales colgando sobre su cabeza. Dificultad para improvisar en todas las teclas, con el deseo de una mejor técnica, dificultad para aprender melodías de oído, la frustración con el lenguaje transcribir ... O tal vez usted ha construido una sólida base de conocimientos, pero está aburrido con su juego y no sabe a dónde ir después. Estos son todos los desafíos que impulsará a mejorar. Y la verdad es que muchas de estas habilidades tendrá un montón de trabajo, pero la clave está comenzando con los recursos adecuados. Tomando disparos en la oscuridad será un desperdicio de una gran cantidad de tiempo y energía. Tratando de aprender melodías de oído o transcribir solos y sin el entrenamiento del oído va a ser dolorosamente frustrante. Y tratando de improvisar sobre melodías sin lenguaje

es confuso y desalentador. No pasar horas practicando las cosas mal, asegúrese de tener un plan antes de empezar - es por eso que estamos aquí para ayudar. Claro, la improvisación es difícil para cualquier músico, pero recuerda, es porque de este desafío que va a convertirse en una de las actividades más valiosas en su vida.

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Cómo pensativo Off Time puede ayudarle a convertirse en el jugador desea recibir Publicado Por Forrest En 17 de junio 2011 @ 08:08 am En Inspiración, Perspectiva, Consejos | No Comments

La práctica diaria es la clave para el crecimiento en el reproductor que desea llegar a ser. Todos los días, basándose en el conocimiento que ha aprendido el día anterior, de seguir adelante, cada vez más cerca ... esa es la meta. Pero lo que si cada día, no eres más que cada vez más frustrado? ¿Qué pasa si usted es simplemente aburrido con su sonido y todo lo que más se juega? Hemos recibido docenas de correos electrónicos de gente que sienten de esta manera, sin motivación y sin inspiración. Si bien la práctica diaria es una necesidad, practicando con una mentalidad tan negativa causará más daño que mejora. Se le inculcar un sonido que no le gusta, con líneas que no eres aficionado, jugando de una manera que simplemente no es usted. ¿Quieres jugar de la manera que quieres jugar, jugando con un sonido y el vocabulario que constituye el ideal? Si se hace cuidadosamente e intencionalmente, tomando tiempo lejos de su instrumento en realidad puede ayudar a lograr esto. Se le puede dar el tiempo necesario tanto para detenerse y reflexionar sobre lo que realmente quieren sonar como. Y cuando vuelva a practicar todos los días, usted puede comenzar con un borrón y cuenta nueva, como si restablece a ti mismo, empezar de nuevo y sentir re-energizado.

Tomar tiempo libre En caso de que realmente tomar tiempo libre? ¿Por cuanto tiempo? Si lo haces, no te perder todo lo que has trabajado? Estas son todas las preguntas y las cosas en que pensar antes de decidirse a poner su cuerno para un poco válidos. Al igual que con todo lo que tenga que ver con el aprendizaje de esta música, no hay una talla única para todos respuesta. Desde mi propia experiencia, cuando estoy muy abajo en mi forma de tocar, tomar varios días ayuda fuera clara mi mente y el cuerpo de los hábitos negativos, lo que me permite empezar de nuevo cuando vuelva. Evaluar donde estás y si no te sientes como si estuvieras mejorar, entonces algo está mal y tal vez un poco de tiempo de le ayudará a recuperar su enfoque. ¿Cuánto tiempo debe despegar? Una vez más, eso depende de ti. Me he tomado tan poco como un día para tanto como varios meses de vacaciones. Todo depende de lo que está pasando con usted en el momento. Cuando tomé un par de meses de descanso, fue porque me di cuenta que estaba completa y absolutamente harto de la forma en que estaba jugando. Sabía que si seguía practicando y pensando en la forma en que estaba, me gustaría seguir por el mismo camino sin salida negativa. "Locura es hacer la misma cosa una y otra vez y esperar resultados diferentes. Albert Einstein" La práctica de la improvisación de jazz realmente puede hacer que usted va loco. Jugar jazz es mucho más parecido a la práctica del golf que el fútbol: Tienes toda la vida para jugar y mejorar. Tomar una pequeña cantidad de tiempo para reflexionar sobre lo que quiere lograr será beneficioso. Y va a perder todo lo que ha trabajado? Bueno, en mi experiencia, si no se pierden las cosas que realmente nunca aprendiste: melodías que brillaba desde el RealBook, transcripciones memorizado de un libro de la transcripción, o líneas que aprendió de un pedazo de papel. Las cosas que realmente se aprenden mediante la participación de sus oídos: transcrita solos a través de la emulación de la grabación de oído, líneas aprendidas de oído en todos los tonos, melodías aprendidas de las grabaciones ... estas cosas se quedan. Ellos pueden necesitar un día de refrigerio, pero van a estar ahí. Todo se remonta al desarrollo de una base sólida, que después de tomar un tiempo de descanso y volver a practicar todos los días, usted puede comenzar a construir. Por lo tanto, si se determina que, en su actual estado de ser que el tomar un tiempo de descanso es el adecuado para usted, asegúrese de que tiene una visión clara de lo que espera lograr durante su descanso. Utilizarlo como un tiempo para reevaluar sus metas, reinventar el jugador desea convertirse en su mente (visualización en la que desea ser), y lo utilizan como tiempo para repostar su oído con sus sonidos favoritos.

Reevaluar sus metas Cuando usted toma un descanso del juego, un paso atrás y pensar en lo que realmente

quieres hacer con esta música. Muchas veces, estamos tan atrapados en la mecánica de la música y la técnica instrumental que perdemos de vista lo que estamos buscando. Sólo cuando no estamos donde queríamos estar hacerlo nos damos cuenta de que nuestro tiempo podría haber sido mejor gastado. ¿Qué es lo que realmente quiero sonar como? ¿Ha sido transcribir los jugadores que realmente desea emular y crear su propio estilo sobre, o ha estado centrada en la gente que cree que debería transcribir? Pasa algún tiempo sólo pensando en que te gusta escuchar y por qué. ¿Qué es lo que te atrae a un solista o en solitario específico? Tener una idea clara de lo que desea transmitir con su música hará que sea mucho más fácil saber dónde enfocar su tiempo de práctica. ¿Qué es lo que realmente desea lograr en términos de la reproducción y la realización de jazz? ¿Es un calmante para el estrés, una afición simplemente por diversión, una afición seria, o tienes aspiraciones para jugar en la Vanguardia algún día? Es posible que ni siquiera han pensado en lo de juego y la práctica de esta música significa para usted. Dedique su tiempo fuera de pensar en sus metas. Usted puede darse cuenta rápidamente las raíces de su frustración. Tal vez usted ha estado trabajando solos que no resuenan con usted. Tal vez usted ha estado tratando de hacer frente tanto a causa de su deseo de ser un músico profesional que te hace sentir prisa por aprender todo. Vuelva a evaluar sus metas y usted puede ser sorprendido con lo que encuentre.

Reinventando a ti mismo en tu mente La forma en que jugamos está inexorablemente ligada a la forma en que se siente al jugar en nuestra mente y cuerpo. Lejos de su instrumento, puede cambiar la manera en que se siente al tocar su instrumento. Suena un poco extraño? Sí, es un poco por ahí, pero es la verdad. Según informes, los grandes jugadores razón se conocen a sonar como a sí mismos, a pesar de las diferencias en el equipo o el medio ambiente, es porque tienen su definición sólida de lo que se siente gusta jugar almacenado en su mente y cuerpo. Esta definición está compuesta por: el sonido del instrumento, la forma en que el instrumento se siente en las manos, la forma en que las notas se articulan, la forma en la columna de aire se siente ... literalmente todo. En esencia, el instrumento es simplemente amplificando esta cosa que estoy describiendo. Si te sientas en silencio por ti mismo por un momento y pensar en lo que se siente al juego, te darás cuenta de que usted tiene su propia definición de lo que se siente gusta jugar almacenado dentro de ti mismo. Una forma sencilla de modificar esta información almacenada es pensando acerca de lo que se siente al jugar si fueras otra persona. El proceso de transcripción hace precisamente esto: que

estés sintiendo cómo sería jugar si usted fuera uno de sus héroes. Lo mismo se puede hacer fuera del instrumento. Basta escuchar a uno de sus héroes en su cabeza y pensar: ¿qué se siente al articular así? ¿Qué se siente al sonar como eso? ¿Cómo mis dedos se sienten a jugar así? No es necesario analizarlo, por ejemplo, usted no tendría que pensar, "tengo que hacer mi aire como esta para lograr ese sonido ..." Su cuerpo va a responder automáticamente a sólo pensar en ello. Sí, sólo por oír Dexter o Trane en su mente, y pensando en lo que se siente al jugar como que va a cambiar su definición de lo que se siente para que usted juegue. Durante cualquier descanso de su cuerno, si un día, o un par de semanas, usted puede comenzar a reinventarse a sí mismo en su mente.

Reabastecimiento de combustible de su oído y la mente El tiempo fuera de su instrumento puede ser tan productivo como el tiempo en el cuerno. Armen Donelian en su excelente libro entrenamiento del oído jazz, Formación del Oído, recomienda que usted practica el entrenamiento del oído para todo el tiempo que usted pasa en su instrumento. ¿Cuándo fue la última vez que pasó tanto tiempo trabajando en su oído como lo hace en el cobertizo? No te preocupes. No estas solo. Todo el mundo deja de lado esta práctica fundamental. Utilice su tiempo libre para ir a través de algunos ejercicios de entrenamiento del oído que siempre ha tenido la intención de moverse, pero nunca he encontrado el tiempo para. He aquí algunas de revisar: Entrenamiento del oído Fundamental Séptimos acordes Aprenda sus tríadas Al oír los tonos de acordes Domina tus intervalos Conseguir una imaginación vívida aural Además de entrenamiento del oído, simplemente escuchar la música que te gusta de una manera más profunda que nunca. Aumente sus poderes de escucha, así como su tiempo de escucha. Aunque tengo un momento difícil creerlo, dijo Freddie Hubbard en una entrevista que pasó más tiempo escuchando que practicar. Tome una pizca de Freddie y escuchar cada vez más, especialmente cuando usted está tomando un descanso de jugar. No sólo se puede repostar su oído lejos de su instrumento, pero su mente también. El proceso de visualización ayuda mucho en su progresión de acordes, línea melódica, y el recuerdo de tono acorde. Utilice su descanso para comenzar una práctica de visualización diaria. Utilice estos para empezar: Visualización de Jazz Improvisación 10 ejercicios de visualización

5 maneras de practicar en cualquier lugar ¿Cómo poner tonos de acorde a su alcance

Aproveche el tiempo de distancia Siempre tome ventaja de tiempo lejos de su cuerno. La música es maravillosa porque te lo puedes llevar donde quiera que vaya, pensando en ello, y jugando en su mente. Incluso si usted está mejorando diariamente y práctica amorosa, estas pausas en última instancia surgen en nuestras vidas. La próxima vez que estés en un vuelo de avión, o durante la próxima semana-largo familia reunión, usted tendrá mucho que pensar: reevaluar sus metas, reinventar el concepto en su mente, y repostar a ti mismo con un montón de oído la formación y la visualización. Si usted hace esto, volverá diez veces más fuerte.

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FAQ: Las preguntas que ponen una y otra Publicado Por Forrest En 30 de mayo 2011 @ 21:12 En la inspiración, las rutinas de práctica, Consejos | 1 comentario

Recibimos cientos de preguntas cada mes. Hacemos nuestro mejor esfuerzo para responder a todos los que nos sea posible y escribir artículos sobre los más provocativos. A continuación están las respuestas a las preguntas más comunes, que apunten a los muchos artículos que le ayudarán a resolver la cuestión. Disfrutar.

¿A quién debo transcribir? Transcripción es un proceso extremadamente personal. Recuerdo haberle preguntado a uno de la gran saxofonista tenor de una pregunta similar hoy cuando tenía 19. Me dijo que nadie le puede decir que transcribir porque eso es básicamente que usted va a ser influenciado por la mayoría. Me pidió que me escuchaba mucho. ¿Quién podría no puedo conseguir suficiente. Y dijo: "Eso es lo que usted debe transcribir." Esperemos que le da una mejor comprensión de lo que significa la transcripción a su desarrollo y lo importante que es hacer sus propias decisiones al respecto. Lista de todos de que transcribir sería completamente diferente, porque todos tenemos diferentes ideas de lo que queremos sonar como y qué tipo de lenguaje que queremos absorber. Consulte estos artículos: Transcripción no está transcribiendo Transcribir con un propósito Cómo transcribir Uno Solo puede cambiar su enfoque Practicar menos y mejorar más a través de la transcripción Superar obstáculos en la transcripción Aislar Cada Coro en una transcripción Cómo obtener más de la transcripción

Estoy aprendiendo el idioma, pero ahora siento que estoy jugando material de practica. ¿Cómo puedo conseguir más allá de esto? El aprendizaje del lenguaje a menudo comienza como esto. A memorizar una línea. Usted perforar una y otra vez en todas las llaves. Y entonces usted comienza a aplicarlo a las melodías. Se siente como que estás siendo poco original y no improvisar, pero la clave está en seguir adelante. Hay un punto en el que trascender esta mentalidad de cortar y pegar y te empiezan a combinar su nuevo idioma con otro lenguaje y los conceptos de nuevas maneras. Lee esto: Licks Versus Idioma La importancia de Jazz Idioma La adquisición de Jazz Idioma

Mi fraseo y el sentido del tiempo son horribles. ¿Cómo puedo mejorar ellos? Si su fraseo y el sentido del tiempo es inestable, todo lo demás suena temblorosa. Transcripción automática le ayuda a mejorar en estas áreas. Trabajar con un metrónomo los días 2 y 4 ayuda. Y variando su frase de longitudes, o comenzar en diferentes partes de la medida le ayudará a ganar la libertad. Compruebe éstos hacia fuera: Aprenda a usar el espacio en su Solos Practicar con un metrónomo en Beats 2 y 4 La integración de nuevos ritmos en su jugar

¿Qué debo practicar? Recibimos esta pregunta mucho. Todo el sitio se dedica esencialmente a esta pregunta, pero creo que lo que la gente realmente quiere saber es cómo dividir su tiempo sobre diversos temas de la práctica. También ayuda a saber lo que no a la práctica. Estos le ayudarán a que: Tiempo para revisar su rutina Práctica Practique Menos y Mejore Más 10 consejos de jazz para recordar No incurra en estas 6 errores Cómo Jugar Alongs puede desperdiciar su tiempo

¿Cómo juego rápido? Para jugar rápido, tienes que aprender a jugar lento y fijar con el tiempo. También necesita tener una base sólida de lenguaje para sacar de manera que usted no está solo sin pensar que corrían por las escalas. Consulte los siguientes: Tempos rápidos Hecho Fácil

Práctica Scales for Speed Desarrollar Tiempo Sólido La adquisición de Jazz Idioma

¿Cómo debo aprender melodías? Melodías de aprendizaje es lo que se trata todo esto. Pero es más que simplemente saber su manera alrededor de una melodía. ¿Quieres ser libre cuando en solitario sobre una melodía, tiene una gran variedad de opciones a su disposición, dejar que su creatividad se haga cargo. Compruebe éstos hacia fuera: 5 Tunes que debe saber y por qué Nunca olvide una vez más Tune La construcción de su repertorio 10 Más Tunes que debe saber La aplicación de los conceptos de Tunes

¿Cómo debo entrenar a mi oído? Entrenamiento del oído es arrojado a la cuneta a favor de la práctica de la técnica o conceptos armónicos. Entrenamiento del oído práctica diaria. Es divertido y las recompensas son enormes. Si los ejercicios que usted necesita una pareja y usted no tiene uno, simplemente jugar ambos roles y prestar aún más atención a los matices de cada sonido. Vea éstas: Jazz Fundamental Ear Training Fundamental Formación Jazz Oído Con Séptimos acordes 3 razones para cantar todos los días Al escuchar los cambios de acordes Conexión de sus oídos a su instrumento Conseguir un Imaginación Aural Vivid Domina tus intervalos de 28 días Audición de acordes Tonos

Conozco todas las escalas y arpegios a una melodía. ¿Por qué puedo yo todavía no improvisar más de él? Escalas y arpegios son una pequeña pieza del rompecabezas. El ingrediente principal que cerrar la brecha entre el conocimiento teórico y el conocimiento práctico es el lenguaje. Transcribir y aprender el lenguaje. Lee esto: Licks Versus Idioma La importancia de Jazz Idioma La adquisición de Jazz Idioma Transcripción no está transcribiendo Transcribir con un propósito

Cómo transcribir Uno Solo puede cambiar su enfoque Aplicación Concepto

Transcribí un solitario y cuenta de un montón de notas "incorrectas". ¿Cómo es el solista tocando estas notas incorrectas y todavía suena bien? Estas notas "incorrectas" no son realmente mal. Mediante el estudio de la teoría más que estudiar lo jugaron los grandes músicos, formamos un modelo falso de lo que es posible. Entonces, si algo no encaja perfectamente en este modelo teórico, se supone que debe estar mal. En general, estas notas equivocadas son parte de una estructura armónica lógico que el solista superpone en la parte superior de la estructura original. Referirse a: Cómo activar Progresiones estáticas Básicos Bebop rearmonizaciones

¿Cuáles son más valiosos, escalas o acordes? Ambas escalas y acordes son valiosos. La comprensión de los acordes es primario. Escalas correspondientes a los acordes son suplementarios. No de la otra manera. Ambos acordes y escalas son suplementarios al lenguaje del jazz. Consulte los siguientes: Jazz Educación Errores Juego Alongs puede desperdiciar su tiempo ¿Por Jazz Educación no se ajusta al moho

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Lidiando con progresiones no estándar Publicado Por Forrest En 04 de agosto 2011 @ 12:17a.m. En Acordes, Conceptos, Jazz Idioma | No Comments

Recientemente recibimos una pregunta sobre progresiones no estándar, específicamente el tipo de progresiones que se ve en Wayne Shorter y Joe Henderson melodías: Cuando estamos aprendiendo, vamos a través de una gran cantidad de progresiones bebop y ii-Vs. Pero cuando se trata de jugar melodías más modernas (como algunos Joe Henderson y Wayne Shorter melodías), me siento como una buena cantidad de mi lengua bop empieza a descomponerse. Con esto quiero decir, ¿cómo se conecta remotamente (en su caso) relacionados con los acordes sin dejar de ser melódico? El tratamiento de estos aparentemente diferentes progresiones de acordes representa un desafío para los que no se han encontrado con cosas de este tipo antes. Afortunadamente, tras una investigación complementaria vas a entender cómo usar lo que ya sabe para deslizarse sin esfuerzo a través de estos cambios.

Los acordes tienen sentido en un examen minucioso En general, las progresiones de acordes que tener algún tipo de lógica detrás de ellos para hacerlos sonar la forma particular en que lo hacen. A primera vista, puede ser difícil de entender cómo se construyen estas progresiones menos familiares, sin embargo, trabajar para simplificarlos y van a llegar a ser clara.

Escuche a Wayne Shorter Nefertiti:

Aquí está la primera de ocho medida de Nefertiti:

Confuso? Echemos un vistazo más de cerca. Los dos primeros acordes son simplemente progresando en movimiento ciclo. Las cualidades de los acordes, importante 7B5 y Sus, y voces únicas de Herbie son los que les dan su sonido único, pero aparte de eso, nada fuera de lo común. Medidas 3 y 4 consisten de una progresión menor ii V situado a medio paso por debajo de los dos primeros acordes (medidas 1 y 2). Una vez más, es la calidad de los acordes, combinado con voces específicas de Herbie que dan estos acordes su color. El C7b5b9 mueve a BMaj9. Esto es sólo la sustitución tritono. Así que, volviendo, vemos que las medidas 3 y 4 son un tritono-sub de C # menor F # 7 resolver a B en la medida 5. Medida 6 cambia ligeramente el sonido de la cuerda de la medida 5 por aplanamiento de la quinta.

Entonces nos movemos por un medio paso en la medida 7 de jugar una progresión V ii menor con voces similares a los utilizados en los compases 3 y 4. Esta menor ii V naturalmente resolver a Ab menor. En el caso de Nefertiti, que se resuelve a e importante (en el compás 9, no representado). Ab menor siete es mi mayor de siete empezando en la tercera (Ab Cb Eb Gb es 3-5-7-9 de EG # BD # F #). En términos de composición, este hecho permite que los acordes para ser intercambiados. Empezar a ver cómo los acordes en realidad tienen sentido? A veces se necesita un tiempo para entender lo que está pasando, pero tómelo de un acorde a la vez y tratar de entender la progresión a través de los conocimientos que ya está familiarizado con; cosas como: movimiento de ciclo, de sustitución de tritono, ii Vs, y el movimiento por semitonos.

Utilice la melodía "Deja que la melodía sea su guía" viejo refrán Los consejos para jugar melodías líricas sobre virtualmente cualquier melodía se ocultan en la melodía. Aprenda dentro y por fuera. Cantarlo. Internalizar ella. Entender que teóricamente y conecte que esa teoría a sus oídos. Echa un vistazo a los 8 primeros compases de la melodía de Nefertiti:

Ir a través de ella y determinar qué tonos de acordes que está usando. Entonces, entrenar a su oído para oír los colores sutiles tonos de acordes. Una vez hecho esto, empezar a improvisar sobre estos 8 medidas, basando sus ideas sobre la melodía. Juega casi textualmente en un primer momento, sólo añadir algunas notas, o cambiar un poco el ritmo. Escuche a cualquiera de los maestros juegan progresiones más esotéricos. Wayne Shorter, Joe Henderson, Thelonious Monk. Todos ellos utilizan la melodía tremendamente en sus solos.

Simplemente juega los cambios Lo bueno de estas progresiones de colores es que hacen una gran parte del trabajo por usted. Todo lo que tienes que hacer es expresar la armonía que ya existe de una manera clara. En un estándar como todas las cosas que son, o un blues, estamos constantemente buscando la manera de darle vida a la progresión y hacerlo más interesante. Aquí, no hay mucho que necesita cambiar. Simplemente juega los cambios. Por supuesto, usted necesita saber cómo jugar los cambios de una manera clara de hacer eso,

pero si se puede hacer eso, entonces intenta acercarse a estas melodías más complejas de una manera muy simple. Simplemente juega una nota o dos por medida que expresa los colores interesantes del acorde. Por ejemplo, escuchar a Bobby Hutcherson y Herbie Hancock juegan sobre Maiden Voyage. Observe cómo utilizan sólo unas pocas notas para expresar cada acorde. No están corriendo por las escalas. Sólo están seleccionando algunas notas de elección dentro de cada acorde.

Juega a más de la línea de bar y anticipar acordes En el vídeo anterior, te darás cuenta de que habitualmente juegan sobre la línea de barras. Esta táctica mueve sus líneas hacia adelante y ayuda a conectar a los acordes de una manera lírica suave, incluso si los acordes no están relacionados de manera directa, como una V. ii Una forma de jugar a través de la línea de la barra es mediante la previsión de los acordes. Una vez le pregunté Mulgrew Miller acerca de cómo conectar acordes que no parecen lo relacionado. Se utiliza un enfoque de anticipar la próxima acorde de tres corcheas como en este ejemplo:

Esta técnica efectiva ayudará a conectar las cuerdas no relacionados. Lo puedes encontrar en prácticamente toda la música de los maestros. No subestime el poder de este consejo. Viene directamente de Mulgrew.

Use un lenguaje estándar en una nueva forma El mismo lenguaje a desarrollar para ii Vs, acordes mayores, menores ii Vs, acordes menores, acordes dominantes, y cualesquiera otras situaciones comunes, puede utilizar más de acordes más complejos también. Todo lo que tienes que hacer es modificar su idioma para adaptarse a estas nuevas situaciones. Por ejemplo, usted podría tomar una línea dominante básica y adaptarlo a una situación b5 dominante mediante la aplicación de un poco de creatividad:

No hay reglas. Usted puede modificar una línea tanto o tan poco como desee para adaptarse a esta nueva situación. Cambie los intervalos, cambia el ritmo, la articulación ... lo que quieras. Deja que tus oído juzgue. En lugar de modificar su langugae, otra manera de utilizar el lenguaje de un modo nuevo es aplicarla a un acorde diferente en estos dos ejemplos:

Utilice tonos comunes como puntos de giro Tonos comunes pueden actuar como un punto de giro entre con acordes no relacionadas, formando un enlace para obtener suavemente de una a otra. En este ejemplo, el Bb es un tono común entre BbMaj7 (la raíz) y F # Maj7 (la tercera). Se utiliza para hacer la transición sin problemas entre los dos acordes.

Al igual que la anticipación, utilizando tonos comunes como un punto de giro entre los acordes sin relación es una técnica muy útil y potente. Dedique tiempo a aprender a usar los tonos comunes y las otras técnicas descritas en este idioma artículo-usando la melodía, que se pega a los cambios, la anticipación, y el uso de una nueva manera de navegar progresiones de acordes no estándar con facilidad. Poco a poco, con la práctica reflexiva de estos conceptos, se sentirá igual de cómodo en progresiones no estándar como lo hace en las progresiones más básicas.

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Desde el exterior que mira adentro: Perspectiva de Jazz Improvisación Publicado por Eric En 05 de marzo 2011 @ 12:17a.m. En Consejos para todos, Perspectiva | No Comments

La perspectiva es una herramienta poderosa. A veces sirve como un llamado de atención inesperada, descubriendo una visión de las posibilidades ocultas. Un catalizador nosotros insistencia para llegar al siguiente nivel a través de una ética de trabajo renovado. En otros, nos hace dar un paso atrás y echar un vistazo a la imagen grande. Momentáneamente obligándonos fuera de nuestro diario visión del mundo de rutina y estrecho, con una buena dosis de realidad. Una poderosa herramienta en ambos casos, la perspectiva es a menudo olvidado hasta que ha experimentado y rara vez controlada. Es muy fácil caer en una cierta mentalidad, donde nos centramos sólo en nuestras deficiencias y las barreras musicales o habitamos únicamente en el talento y el éxito de los demás. Dondequiera que se encuentren en su desarrollo musical, un cambio de perspectiva puede ayudar a superar un obstáculo y se pone de nuevo en el camino correcto.

Desde la perspectiva de un maestro Una memoria que sigue siendo conmigo desde la escuela de posgrado, son las palabras de Mulgrew Miller cuando se dirigió al alumnado al inicio del semestre:

"Tira la tecla de distancia! Entra en la sala de ensayo y tirar la llave. Si pudiera hacerlo todo de nuevo, me gustaría que se han practicado más. Apenas entrado en la sala de ensayo y tirado la llave. "~ Mulgrew Miller Recuerdo sentado allí en shock. Aquí fue uno de los mejores pianistas, o improvisadores para el caso, en el planeta diciendo que deseaba que hubiera practicado más. Un músico con más técnica, el conocimiento armónico, y la experiencia de rendimiento que la mayoría puede soñar, expresando el deseo de llegar a otro nivel - casi una punzada de pesar por no haber esforzado más. Este fue un infierno de una manera de comenzar un semestre y comenzó una cascada de pensamientos: "Espera, Mulgrew Miller tiene que practicar !? Si Mulgrew desea que él hubiera practicado más, ¿qué significa esto para el resto de nosotros? ¿Por qué un músico de su calibre tiene remordimientos o un deseo de mejorar lo que ya está en el nivel más alto? " Esas palabras realmente ofrecen perspicacia en lo que lo convirtió en uno de los mejores jugadores de todo hace. Oímos grandes músicos y pensamos que lograron de forma natural su nivel de habilidad o agilidad armónica, pero cuando usted cava un poco más profundo, verás que las cosas no siempre son lo que parecen ser a primera vista. Con demasiada frecuencia nos vemos atrapados en nuestra propia vista aislada de la música y perdemos de vista en cuanto a la realidad de lo que se necesita para jugar esta música. A veces, por lo general después de avanzar un poco, nos convertimos en un exceso de confianza en nuestras capacidades y en momentos más difíciles, la mejora o incluso el éxito puede parecer desesperada. Simplemente cambiando su perspectiva, puede volver a ver claramente el camino que conduce hacia sus metas.

Subestimar el trabajo duro Mirando desde un punto de ingenuidad pura de vista, muchas cosas no son lo que parecen - a veces, incluso el exacto opuesto de lo que parecen ser. Inconscientemente hacemos suposiciones sobre lo que se necesita para llevar a cabo determinadas tareas o habilidades cuando nos encontramos con ellos. Piense en la primera vez que vio a alguien hablar en público. Desde el punto de vista de la audiencia, hablando ante una multitud parece una obviedad, tan simple como conversar con sus amigos o familiares.

Sin embargo, una vez que llegue allí por ti mismo, te das cuenta de las cosas son un poco diferente de la perspectiva del hablante como usted mira fijamente abajo de un cuarto lleno de ojos expectantes y de juicio. Hablar en público, improvisando, y una multitud de cosas parecen fáciles a primera vista, pero cuando realmente se intenta por sí mismo, la realización de la habilidad requerida que impacta contra la inmediatez de una colisión de frente. Es muy común subestimar la habilidad y dedicación necesaria para una tarea, especialmente cuando se trata de músicos. Tanto si se está subestimando el arte de la improvisación desde el primer encuentro o esperando para dominar una técnica o concepto armónico durante años y suponiendo que se puede obtener el mismo resultado con poco trabajo. Esta arrogancia mental puede ser muy peligroso en la música y puede dar lugar a una barrera para su progreso como improvisador. A pesar de que sí sabemos que el aprendizaje de la habilidad de la improvisación lleva años de trabajo, se necesita poco para asumir que se puede jugar de la manera que otros hacen. A veces, por avanzar en un aspecto de la música tenemos exceso de confianza y asumimos que podemos jugar cualquier cosa o no tenemos que trabajar más, lo que lleva a un ciclo de ignorancia que queda al mismo nivel de habilidad. Pero, a través del simple acto de examen honesto, un cambio de perspectiva puede traer de vuelta a la realidad en muy poco tiempo.

Sobreestimar "talento" Esta mentalidad persiste con demasiada frecuencia en la música: Escuchamos la actuación de uno de nuestros héroes musicales y atónitos, pensar a nosotros mismos de que tienen algún don especial que les permite realizar así. Un talento sin esfuerzo natural que los diferencia de los demás, que de alguna manera es inalcanzable para nosotros no importa lo duro que practicamos. La ironía, sin embargo, es que los mejores improvisadores de hoy son los que tenían que trabajar el más duro, no los jugadores que poseían los "talentos" más. Existe una mitología en el jazz, en el que jugadores como Bird, Miles, y 'Trane telar como dioses sobre nosotros músicos mortales. Es como si ellos poseían un talento secreto o inalcanzable que era inaccesible para el resto de la humanidad, en última instancia, lo que les permite ascender a estas grandes alturas. La verdadera calidad excepcional de estas leyendas fue su devoción fanática a la práctica y su búsqueda de la mejora continua. Esta actitud del músico de jazz con talento innato persiste aún hoy en día. Como se muestra en la cita de Mulgrew anteriormente, es casi chocante descubrir que los mejores improvisadores en realidad tenían que trabajar por lo que han logrado. Lo que tenemos que recordar cuando vemos un improvisador increíble es que estamos escuchando el resultado de horas de práctica. Escondidos son las horas y horas de vertimiento que van detrás de las escenas. Lo que el público ve es el resultado final, el producto de años de trabajo, no una pantalla improvisada de un genio. Al escuchar a grandes músicos de jazz, a menudo vemos a través de los lentes de nuestra propia experiencia. Lo que no se ejecute técnicamente por el momento, que vemos como

prodigiosa, y lo que todavía tenemos que contemplar, vemos como genios. Conozca a algunos de sus músicos favoritos y verá que la realidad es muy diferente de lo que has imaginado.

Encontrar el equilibrio Cada hombre lleva los límites de su propio campo de visión de los límites del mundo. ~ Arthur Schopenhauer La clave está en encontrar un equilibrio entre estos dos modos de pensar, el uso de cada tipo de perspectiva cuando lo necesite. Subestimar dará lugar a un exceso de confianza y la reducción de la ética de trabajo, mientras que la sobreestimación de talento a menudo dará lugar al desaliento y la frustración. Medidor de donde estás en y luego aplicar el tipo necesario de la perspectiva en consecuencia. Esfuércese por mantener su ego bajo control por el control de algunos de sus jugadores o grabaciones favoritas y del mismo modo, no se desanime o intimidado cada vez que oiga un improvisador increíble. Tenga en cuenta que su punto de vista nunca es permanente y puede cambiar por completo en un instante. Muchas cosas son posibles dentro de esta música y los únicos límites reales que son los que se crean con la mente.

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Llevar un Diario Línea Publicado Por Forrest En 29 de septiembre 2011 @ 23:05 En Uncategorized | No Comments

En un instante, las ideas musicales vienen a la vida. Usted podría estar transcribiendo y tropiezas con algo que te gusta, o tal vez de repente juega una idea que parecía venir a usted de la nada. Apuesto a que esto sucede todo el tiempo. De hecho, apuesto a subir con algo que te gusta casi cada vez que usted practica. ¿Qué hacer cuando se descubre o crea las ideas que te gustan? Yo solía jugar sólo la idea de un grupo, pensando, wow ... esto es una gran línea. Al día siguiente, no hace falta decir, que tendría dificultades para recordar la línea, y una semana más tarde, me olvide de la línea por completo. Llevar un diario de línea no es sólo una gran manera de recordar las líneas que recogemos de transcribir o crear usted mismo, pero es una herramienta esencial para mantener un registro de la base de conocimientos que espera ampliar en toda su vida.

Sea lo que sea, anótelo Cuando estás practicando, estás en la zona. Usted no quiere interrumpir por cualquier razón. Este es su tiempo y quiere gastarlo jugar, no escribir. Esa actitud me impedía escribir un montón de cosas que podrían tener potencialmente sido gemas. A veces voy a jugar algo y creo que, hmmm, eso es algo bonito, pero es lo suficientemente bueno como para escribir?

Sea lo que sea, anótelo. Durante su práctica, mantener manuscrito del papel y un bolígrafo a mano en todo momento. Considere esto su papel borrador, donde puedes anotar cualquier cosa que viene a la mente. Sabiendo que este no es su revista oficial de línea, que no tienen necesidad de mantenerlo limpio y organizado, lo que le permite garabatear algo rápidamente y volver a su práctica. Escribo literalmente, cualquier cosa y todo lo que pienso es en lo más mínimo la calma cuando estoy practicando. Podría ser una línea, un concepto armónico, una idea rítmica. Cualquier cosa. Sigo estas ideas en este papel borrador en su propia pila y cuando una página llena, Dejé otro. Cuando tengo tiempo, me revise la pila, en busca de cualquier cosa que pueda ser de valor. Mientras que usted está viendo la televisión o no tienen nada que hacer, sólo tamizar a través de estas páginas sueltas y con valentía un círculo o resaltar cualquier cosa que usted podría considerar la puesta en línea de su diario. Su diario es la línea donde los guardianes irán. Sé discriminante y decisiva.

Mantenerse organizado La clave para una revista línea de calidad es lo que es organizado de manera que se puede acceder fácilmente al material. ¿Cuántas veces has escrito algo abajo, sólo para encontrar que unos días más tarde, parece que no puede encontrar en donde lo escribiste? Mantener todas sus ideas en papel rayado y la transición de los mejores para su diario oficial le ayudará con eso, como voluntad mantener su revista ordenó de una manera que tenga sentido para usted. Hay muchas maneras que usted podría pedir. Me recuerda a la escena en la de Nick Hornby alta fidelidad en el que el personaje principal, interpretado por John Cusack en la película, es compartir con su compañero de trabajo cómo se organiza su colección de discos: autobiográfica. Es probable que no desea mantener su diario línea ordenó autobiográfica. Lo que funciona para mí y lo que la mayoría de los jugadores que conozco hacen es poner las líneas en diferentes secciones de tipos de acordes. Por ejemplo, usted podría tener una sección donde se escribe cualquier cosa que funciona sobre dominante. Y otra sección para mayor. Y otra de menor importancia. Mantener las secciones bastante básico es un buen camino a seguir: Mayor Menor Dominante ii Vs Algunas personas les gusta tener una sección iii Vi ii Vs y menor ii Vs también. Dependiendo

del material de que está tratando de clasificar, es posible que desee tener menos o más categorías. Me propongo mantener las cosas simples y tienen el menor número de secciones como sea posible. A medida que avances, lo más probable es encontrar que algunas líneas que usted pensaba que tenía que crear una nueva categoría para, podrían tener realmente encajar en algo que ya tenías. Usted también encontrará que una línea puede encajar en varios lugares, así que ¿qué hacer al respecto que cuando usted está tratando de mantener las cosas tan ordenada como sea posible? Lo que hago es poner la línea en la sección de dónde viene ni a dónde parece ser el lugar más obvio para él. Por ejemplo, si yo transcribí una línea sobre un acorde mayor G, pero también podría trabajar bien sobre mi menor, me gustaría escribir en la sección importante porque ahí es donde originalmente vino. Entonces haría una nota a mí mismo acerca de esa línea particular y la forma en que funciona bien para mi menor también. De hecho, mantener notas para todas las líneas es una buena idea, ya que le permite entender la línea más profundamente cuando usted echa un vistazo a la línea en el futuro. Y, obviamente, hay más de notas para mantener la línea. He aquí un esbozo de lo que cada línea en el diario de la línea podría incluir: El ejemplo musical, con los acordes escritos sobre cada medida El álbum, canción, de marca de tiempo, y solista de donde lo encontraste. Si lo creó, en pocas palabras "yo" El tipo de línea es, como un ii V, o una línea principal Espacio para un párrafo de notas sobre la línea ... lo que hace grande, los usos alternativos, variaciones

Sigue así hasta la fecha Empieza a practicar con un trozo de papel cero frente a ti la próxima vez que usted practica. Anote todo lo que crees que es interesante sin juzgar en ese momento si se trata de algo que realmente importa. Entonces, la transición de las mejores líneas que encuentre en este papel de borrador a su diario de línea. Una vez que inicie este proceso, el diario de la línea crecerá rápidamente. Mantenga organizado y mantenerlo al día. No caiga detrás dejando líneas que realmente gusta en el lío de papel borrador. Conseguir que en su diario la línea tan pronto como sepa que los quiere allí. Por el contrario, pasar algún tiempo en averiguar lo que realmente quieren allí, incluso si le toma varios exámenes de una línea para aceptarla o rechazarla. Dejar de vivir en un lío de notas y garabatos. Comience un diario formal de la línea y sigue así!

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6 Más errores que estamos haciendo para aprender a improvisar Publicado Por Forrest En 12 de agosto 2011 @ 12:32a.m. En Jazz Educación, Perspectiva, Consejos | No Comments

En 6 errores desastrosos que está haciendo para aprender a improvisar, detallamos algunas trampas que hacen que las personas a perder un montón de tiempo y causar años de frustración. Aquí hay seis más que obstaculizar el éxito si se les deja:

1.) Haciendo caso omiso de los fundamentos ¿Por qué estás tratando de superponer Giant Steps cambios durante una melodía 7.8 en F # mientras jugaba hexatonics en grupos de cinco, cuando tiene problemas con ii Vs en todas las llaves? Es terriblemente tentador para saltar sobre los fundamentos y la práctica de todos estos conceptos esotéricos que usted piensa que toda la cadera y los jugadores modernos de hoy en día están poniendo en práctica, pero la verdad es que usted va a sonar mucho más moderno si tiene fundamentos sólidos. ¿Por qué? Debido a que los llamados conceptos "avanzadas" son simplemente ligeras variaciones de conceptos fundamentales simples. Por ejemplo, tomemos la sustitución tritono. En teoría, es muy simple. Usted acaba de sustituir un acorde dominante con un acorde dominante un tritono de distancia, sin embargo, cuántas personas suenan muy bien cuando hacen esto? No es fácil, porque para hacerlo con eficacia lo que tiene que ser súper sólido sobre ii Vs regular, que comprenden más del 80% de las progresiones de acordes de jazz estándar. Dicho

esto, si usted era fuerte en ii Vs, súper seguro, y sonaba muy bien en ellos, entonces tritonosubmarinos tendrían muy poco tiempo para agregar a su arsenal. Vuelve a esos fundamentos. Se le alegra que usted lo hizo.

2.) El olvido de desarrollar una clara sensación swingPuedo oír la voz de un típico-educación-modelo de jazz de oscilación haciendo eco en mi mente ... "Está bien, tienes que trabajar en su sensación de swing. Doo-Dah-Doo-Dah-DooDah. Vamos, acentuar los tiempos débiles por tonguing ellos! Y hacer esos tiempos fuertes de más de los tiempos débiles! Eso es apogeo! " John Coltrane se balancea. Cannonball Adderley Swings. Miles Davis se balancea. ¿Están todos haciendo lo mismo? ¿Puede incluso definir lo oscilación en realidad es? No se puede definir con precisión en palabras o notas escritas. Escuchar a cada uno de estos jugadores, su concepto particular del swing irradia a través del aire para que todos oigan. Encuentra los jugadores cuyo concepto oscilación partidos mejor su gusto y empezar a imitar, transcribir y estudiar. No seguir tratando de practicar la sensación en concepto de oscilación como aguado por libros o teorías. Ir a la fuente, escuchar y absorber.

3.) Deslizamiento sobre temas "fáciles" Lo que la gente llama "Easy" melodías son unos como todas las cosas que son por lo general, ¿Qué es esta cosa llamada amor, o ¿Has conocido a la señorita Jones. ¿Cuánta gente puede recordar que juega sobre estos temas de una manera que sólo te impactó? Sí, no tantos. La gente parece pensar estas melodías son fáciles, pero muy pocos pueden hacer una declaración hermosa melódica clara en ninguno de ellos. Claro, melodías Monje y melodías Wayne son "más duro" en el sentido de que tienen acordes más oscuros y progresiones menos familiares (y ellos tienen sus propios desafíos por cierto), sin embargo, la armonía a muchas de estas canciones es tan complejo y precioso , que crea automáticamente el interés en su solitario. Con melodías "fáciles" como se mencionó antes, no tienes nada que le ayuda a cabo. Todo está en ti.

4.) No conectar sus oídos con su instrumento Sus líneas no deben ser determinados por lo que los dedos se siente cómodo jugando. Escucha lo que quieres jugar, y apunta a jugar lo que estás escuchando. Su instrumento es como un amplificador para lo que estás cantando en su mente. Así que gran parte del tiempo nos olvidemos que el juego es tan interconectada con lo que está sucediendo en el oído de nuestra mente. Dejamos que nuestros dedos mayal todo, dejar que ellos crean melodías al azar. Escuche atentamente el canto de voz en su mente y mantener los dedos de ir en piloto automático.

5.) Dejar que los demás determinan qué tipo de jugador te conviertes Sólo que realmente sabe cómo quieres que suene. Conseguimos un sinnúmero de correos electrónicos cada semana nos preguntaban, "¿A quién debo transcribir?" O "¿Qué solitario debo aprender?" ¿Por qué seguir buscando afuera de las respuestas a estas preguntas cuando mienten hacia adentro? ¿Sabes quién te gustaría sonar más similares. Así que, usted sabe que usted debe transcribir. Si es demasiado avanzada, averiguar donde ese jugador en particular viene, sus raíces, y el alcance a cabo grabaciones de esos jugadores a transcribir. En una entrevista en el NY Times, excelente saxofonista Mark Turner habló de cómo él pasó tiempo con las grabaciones de los distintos pioneros de su instrumento, pero cuando descubrió Warne Marsh, que estaba impresionado. La mayoría de los jugadores de tenor, incluso hoy en día apenas se han comprobado Warne Marsh, pero Mark pasado años estudiando su música porque le afectaba personalmente. En consecuencia, la marca ha desarrollado un sonido y concepto bastante único de otros jugadores tenor hoy. No transcribir a alguien porque usted debe. El trabajo en los solos y las ideas que resuenan con usted. Es su acercamiento único a la música en juego. Haga sus propias decisiones y pasar tiempo con la música que te gusta.

6.) La práctica de las cosas que es bueno e ignorar las cosas que usted chupa en Cuando te paras a pensar por qué juegas mal durante un determinado acorde, clave, el estilo, o el tempo, probablemente lo es bastante simple: Usted no ha trabajado en él. La próxima vez que usted se encuentra abajo-en-el-vertederos, quejándose de que usted aspira a algo, pregúntate: "¿He pasado gran esfuerzo trabajando para mejorar en esta área?" La respuesta será un rotundo "No" Comience por identificar claramente el problema. A menudo pensamos que sabemos cuál es el problema, pero no estamos en realidad la identificación del problema, estamos identificando un síntoma. Por ejemplo, usted podría pensar que usted tiene un problema jugar rápido. Pero, en realidad, usted carece de lenguas a todos los tempos que hace jugando rápido casi un imposible, que te hace correr arriba y abajo de escama, interminablemente y sonido aburrido; el síntoma está jugando rápido, pero el verdadero problema es la falta de lenguaje. Una vez que haya descubierto el problema, desarrollar una estrategia práctica para mejorar. Escríbelo, con ejercicios, asignaciones de tiempo, y cosas para recordar. Entonces, su plan de trabajo, manteniendo un registro de su progreso. Pronto, usted se preguntará cómo usted era siempre incapaz de ejecutar la habilidad ahora tiene.

Al igual que los 6 errores desastrosos que está haciendo para aprender a improvisar, estos 6 puntos le ahorrará una gran cantidad de tiempo si se les da la atención y el pensamiento reflexivo que se merecen. Haga un poco honesta critiquing todavía tipo de ti mismo para mantener lejos de cualquiera de estos errores, manteniendo el rumbo y la mejora constante hacia sus metas musicales.

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Tiempo para revisar su rutina Práctica Publicado por Eric En 22 de febrero 2011 @ 22:02 En las rutinas de práctica | No Comments

Uno de los mayores obstáculos para los músicos que trabajan para mejorar como improvisadores radica en el desarrollo de una sólida rutina de la práctica diaria. Todos sabemos que debemos entrar en la sala de ensayo y diligentemente pasar horas trabajando duro, pero ¿ese tiempo se gasta es crucial para ver el desarrollo musical. En nuestra práctica diaria, con frecuencia nos encontramos con barreras para el progreso: luchando para averiguar el mejor método de práctica, la frustración de por qué el contenido de una rutina de práctica no está dando lugar a una mejora, o incluso encontrar la motivación para poner un pie en la práctica cuarto. Al llegar a la parte inferior de la misma, la clave para la creación de la práctica de la calidad no se puede encontrar buscando una excusa externa. El verdadero culpable está en la superación de la oponente dentro de nosotros mismos. Nosotros no impedimos conscientemente a nosotros mismos de mejorar, pero los hábitos cotidianos que creamos determinamos nuestra tasa de mejora como músico. Ya se trate de la pereza, la dilación, una mentalidad derrotista, o una falta de voluntad para hacer frente a las áreas problemáticas, hay una serie de factores que pueden impedir la mejora y la eventual realización de sus metas. Encontrar un método para activar este ciclo en torno hará toda la diferencia en los resultados de su tiempo de práctica.

Establecer metas específicas Tener metas conduce a la consecución de los objetivos, es tan simple como eso. Sin tener un

objetivo definido, su tiempo en la sala de ensayo, cómo cada vez bien gastado, será finalmente guiando por mal camino. Para poner fin a esta rutina de la práctica fuera de foco, crear una mentalidad de la productividad y los resultados. Escriba una lista de las metas que desea alcanzar musicalmente, tanto en el corto plazo, así como a largo plazo. En lugar de decir "quiero mejorar" o "necesito técnica asombrosa," identificar qué es exactamente lo que desea mejorar en o qué aspectos de la técnica que desee mejorar específico. Esto puede parecer una tarea importante o trivial, pero si no puede responder a estas preguntas con una respuesta específica, ¿cómo esperas para mejorar o resolver problemas bien definidos? Al examinar los detalles de lo que quiere lograr musicalmente, podrás identificar lo que necesita para centrarse en cuando se está derramando. Tome un minuto y hágase las siguientes preguntas: ¿Qué es lo que quiere lograr en la sala de la práctica de hoy? ¿Qué vas a centrarse en vista técnico esta semana? Qué hacer canciones que desea tener abajo a finales de este mes? ¿Qué parte de su maestría musical es lo que quieres haber mejorado seis meses a partir de ahora (tiempo, distancia, metros impares, entrenamiento del oído, etc.)? Lo que no quiere haber dominado en su instrumento dentro de un año? ¿Cuál es su visión de sí mismo como un improvisador cinco años a partir de ahora? Después de haber reflexionado estas preguntas y escrito tus metas, tener una mirada honesta a su rutina de práctica. Son las cosas que usted está trabajando en la sala de prácticas que ayudan a lograr estos objetivos? Si la respuesta es no, es el momento de hacer algunos cambios serios.

Eliminar las pérdidas de tiempo Cada minuto en la sala de la práctica es importante. Las actividades que fomenten el crecimiento y permitir la mejora en su juego son los que requieren atención y perseverancia. No es tan fácil como parece, sin embargo, tener un enfoque total cada vez que vaya a la sala de prácticas. Con el fin de formar de nuevo su rutina de la práctica de mejora, debe identificar y eliminar las partes de su práctica diaria que están obstaculizando su progreso. Poner fin a actividades como la práctica sin sentido y la dilación que están perdiendo su valioso tiempo. Este es un esfuerzo diario que requiere evaluación continua. Dese cuenta cuando usted está perdiendo el tiempo jugando con pistas de juego de una larga o está posponiendo ejercicios difíciles para otro día. Como se muestra en este artículo sobre cómo

jugar a coro están desperdiciando su tiempo, es sorprendentemente fácil de perder una hora con un juego una larga, no sólo se cale su progreso, pero a veces incluso reforzar malos hábitos. El tiempo dedicado ineficaz o improductivamente es esencialmente retrasar o incluso impedir su progreso. Si un ejercicio o práctica hábito tiene poca relevancia musical, no se centra en las áreas problemáticas, y no está contribuyendo a su objetivo final, corte fuera de su rutina y reemplazarlo con algo que hace.

Hacer un plan Ahora que ha reconocido metas específicas y se elimina la pérdida de tiempo en la sala de la práctica, es el momento para formular un plan para alcanzar estas metas. Si su objetivo es a corto plazo, como el aprendizaje de una melodía o transcribir un coro de azules, planificar un horario semanal con el fin de no sólo aprender el material, sino también de interiorizar a través de la repetición. Recuerde que una técnica, melodía, o en solitario no pueden ser internalizados en su juego en una sola sesión. Después de haber aprendido inicialmente una melodía o línea, revisar con frecuencia para asegurar que permanece arraigado en su juego. La tarea más difícil viene en el establecimiento de objetivos a largo plazo y en realidad quedarse con ellos. Hacemos resoluciones de deseo todo el tiempo: "Quiero saber 100 melodías, necesito transcribir más solos, quiero tener un mejor alcance y más técnica", y así sucesivamente. Pero, la verdad del asunto es que lo que es fácilmente deseaba es a menudo muy difícil de llevar a cabo. La clave para realmente lograr estos objetivos a largo plazo es trabajar en ellos todos los días durante un largo período de tiempo. No es que yo soy tan inteligente, es sólo que me quedo con problemas más largos. ~ Albert Einstein Mira en la que desea ser de un año a partir de ahora musicalmente. Objetivos como la construcción de un repertorio de melodías o el dominio de cambios de ritmo en todas las teclas no se pueden hacer en un corto período de tiempo. Establezca sus metas ahora e incorporar piezas de estos objetivos en su práctica diaria. Ayuda a fijar una fecha de un mes o incluso seis meses a partir de ahora, cuando usted aspirar a conseguir estos objetivos completados por. En lugar de establecer una meta y trabajar en él durante una semana, hacer un plan a largo plazo y seguir con ella hasta que se domina.

Vuelva a evaluar con frecuencia Tenga en cuenta que una vez que has mejorado tu rutina de la práctica, no está garantizado también permanecer así para siempre. Sus metas musicales pueden cambiar. Su tiempo disponible para entrar en la sala de ensayo puede disminuir. Puede que incluso han dominado una técnica difícil sólo para volver a caer en el hábito de no reto a ti mismo. Sea lo que sea, asegúrese de que su rutina de la práctica actual está alineado con sus objetivos actuales. La clave para la mejora continua va de la mano con una evaluación constante de sus hábitos

de práctica. Sea honesto con usted mismo y centrarse en áreas que realmente lo necesitan. Siguiendo esta sencilla receta, usted continuará mejorando a diario en la sala de ensayo.

Empezar hoy He escuchado un sinnúmero de personas dicen que quieren saber más canciones, o que desean que estaban transcribiendo más solos. Si deseas algo, empezar a trabajar para él en este momento. No continúe a posponer sus objetivos hasta que se sienta listo, poner en práctica un plan para mejorar la actualidad. Este paso requiere mucha motivación, pero puso un disco de uno de sus jugadores favoritos y voy a garantizar que usted encontrará una fuente inagotable de motivación. Consigue excitado por esta música, ya que con el trabajo duro y la práctica inteligente, va a ver una mejoría.

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Aprender a dejar ir: El logro de su forma de pensar óptimo rendimiento Publicado Por Forrest En 06 de mayo 2011 @ 09:24 am En la inspiración, la perspectiva, Uncategorized | No Comments

Cuando pienso en lo que significa "dejar ir," escenas detalladas de éxitos de Hollywood vienen a la mente. Escenas como Neo en Matrix aprendiendo que "no hay cuchara", y Tom Cruise en el último samurai se les enseña a pensar "Ninguna mente." Hay una buena razón por la que este tipo de escenas tienen lugar en tantas películas: para alcanzar nuestro potencial en las actividades que se producen en el momento (cosas como combate, hablar en público, y la improvisación), que deben entregarse al momento. Escritores de cine saben que este mensaje tiene un papel importante en la realidad y que nos relacionamos con ella en un nivel íntimo, de ahí que lo incluyen en muchas películas. Al igual que Neo en The Matrix y Tom Cruise en El último samurai, nosotros también podemos aprender a controlar nuestros pensamientos y libre de nuestra mente para dar paso a nuestra creatividad.

Dejar ir: el rendimiento en comparación con la práctica El exceso de pensamiento consciente durante la ejecución impide nuestra capacidad para llevar a cabo en nuestro nivel óptimo. Por esta razón, es importante aprender a no pensar mucho mientras realizamos.

Lo creas o no, esta habilidad es algo que en realidad todos tendemos a hacer con toda naturalidad. ¿Cuántas veces has ido a la sala de la práctica y el mejor jugador durante horas sin dirección definida? Si su respuesta es "sí", entonces usted es humano. El problema es que cuando estás solo en la sala de la práctica, la mayor parte de la sesión de práctica, que es un mal momento para jugar con la mentalidad de dejar-ir. Al final de la sesión de práctica, luego de que has logrado todo lo que se propuso hacer, entonces usted puede pasar veinte minutos más o menos libre de juego, la observación de cómo lo que usted acaba practicado afecta a su improvisación. Si no aprendes a gestionar este tiempo de juego libre, se puede consumir fácilmente toda su práctica y usted mejorará mucho más lentamente de lo que usted desea. La mentalidad de let-ir es su forma de pensar óptimo rendimiento. Ahora, esto no quiere decir que no eres consciente de los acordes, o consciente de lo que estás jugando. De hecho, todo lo contrario. Es más bien un estado de hiper-consciente, en el que está centrado en todo lo que todavía hay una cosa en particular, al mismo tiempo. En su excelente libro, El desarrollo de un Jazz Idioma, Jerry Bergonzi llama a esto la diferencia entre spotlight-conciencia y reflector-conciencia. Spotlight conciencia pone de relieve un concepto o idea específica, mientras que el reflector conciencia ilumina a todos ellos por igual. Él sugiere que utilice spotlight-conciencia durante la práctica y proyector de conciencia durante la ejecución. De esta manera, usted profundamente explorar conceptos que desea integrar en su juego, y al momento de realizar, que espontáneamente surgen.

¿Por qué la mayoría de las personas fracasan cuando "dejar ir" La mayoría de la gente cae plana en su cara cuando se entregan al momento y dejar ir porque carecen de la preparación necesaria. Tiene perfecto sentido: no pensar en el rendimiento, hay que pensar mucho durante la práctica. Pasar demasiado tiempo sin pensar en sus sesiones de práctica y no habrá nada de su creatividad para aprovechar. El lenguaje del jazz y conceptos son combustible para su creatividad. Sin estos elementos, ¿qué vas a sacar de? Acordes? ¿Escamas? Hay muy poco tiempo para pensar en nada durante la ejecución. Todo este pensamiento debe realizarse por adelantado. Dedique tiempo a pensar en cambios de acordes, el lenguaje del jazz y conceptos durante sus sesiones de práctica, hasta el punto de que están arraigados en su mente. Esa es la razón fundamental por que la práctica: para pensar en las cosas tanto que usted no tiene que pensar en ellos más y es natural que se presenten en su juego en nuevas formas creativas. Estar preparado. Practique lo que necesita por adelantado y usted siente que tiene un montón de opciones a su disposición.

Aprender a dejar ir durante la ejecución

Nosotros no suelen tener demasiado problemas para relajarse y liberar nuestra mente en la sala de la práctica, pero el segundo salimos en el escenario es una historia diferente. Estamos nerviosos y con miedo vamos a la pata. Esperamos que recordamos todos los cambios de acordes y usamos el lenguaje que hemos practicado. Como se ha descrito antes, la preparación de los elementos necesarios para el desempeño con la conciencia-punto de luz es el primer paso necesario para liberar su mente durante la ejecución. El segundo paso es saber cómo mantener su mente y cuerpo en un estado relajado durante situaciones de estrés. El levantarse delante de nadie, sea de 10 personas o 1.000, es estresante, incluso si usted no está tocando un instrumento en frente de ellos. Añadir a tocar música a la ecuación y tienes una receta para una situación estresante. Aprender a lograr una mente tranquila y estado corporal durante la interpretación es una habilidad que se puede practicar al igual que la práctica de su instrumento, o entrenamiento del oído diaria. Comienza por aprender a prestar atención a su respiración. Simplemente darse cuenta y tomar conciencia de que está ahí. Una técnica simple que Thich Nhat Hanh sugiere en su libro El milagro de la Atención: cuando usted respiración, dicen en su mente: "Yo soy consciente que estoy respirando", y al exhalar, digo en tu mente " Soy consciente de que estoy respirando ". A medida que se consciente de tu respiración, se convertirá en más consciente de cada momento y, en consecuencia, será capaz de mantener su mente y cuerpo más calma. Thich Nhat Hanh, así como muchos otros escritores budistas enseñan muchas técnicas excelentes y enfoques para calmar la mente, que es posible que desee explorar más a fondo. Al entender lo mucho budismo hace hincapié en aprender a vivir tranquilamente en el momento, tiene sentido que tanto Wayne Shorter y Herbie Hancock especifican una filiación budista. En la última década, más y más músicos han adoptado estas técnicas para ayudar a liberar su mente durante la ejecución. Dos recursos que sigo usando aún hoy en día son de Kenny Warner esfuerzo Maestría y de Harry Picken Imágenes Guiadas por Jazz Maestría. Ambos son excelentes. Incluso con todos los grandes recursos disponibles, usted no necesita nada para empezar este camino de control mental. Cada día, trate de estar sentado o acostado en silencio durante 10 minutos, cierra los ojos y relajarse. Concéntrese en su respiración y estar al tanto de cada inhalar y exhalar. Cada vez que un pensamiento aparece, observarlo sin juicio, y volver a la respiración. Eso es. Es súper simple en teoría, muy difícil en la práctica. Usted podría pasar toda tu vida tratando de dominar su mente, y nunca va a dejar de producir pensamientos.

La mente está constantemente en busca de estímulos, incluso cuando dormimos! Nunca se detiene porque eso es su trabajo. Pero hacer algo tan simple como sentarse en silencio durante diez minutos al día y observando sus pensamientos cuando regresaba a su respiración, se produce un cambio. Su mente se vuelve más todavía. Usted no detenerse en pensamientos negativos. Usted acaba de observar cada pensamiento, bueno o malo, y lo deja ir. Aprender a relajar la mente y el cuerpo de esta manera, junto con diligente prep-trabajo en la sala de ensayo, dará lugar a su capacidad de dejar ir realmente durante la ejecución: el estado óptimo de rendimiento.

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La integración de nuevos ritmos Into Your Reproducción Publicado Por Forrest En 11 de abril 2011 @ 23:29 En Ritmo, Transcripción | No Comments

El ritmo es a menudo arrojado a la cuneta, a favor de trabajar en armonía y melodía. Tal vez este desconocimiento se debe a una falta de comprensión sobre la forma de abordar este aspecto de la improvisación. Esto es un proceso sencillo y eficaz para encontrar e incorporar nuevos ritmos en su juego.

Paso 1: Elija un coro Usted necesitará un coro de un solo. A lo largo del artículo usaré el primer coro de Miles Davis solos en "So What" para ilustrar los conceptos discutidos. Elija algo que es a un ritmo medio, donde el solista interpreta frases distintas con ideas rítmicas claras e interesantes. Solos de Miles son candidatos perfectos.

Paso 2: Transcribir los ritmos Al transcribir, usted no desea escribir el solo por lo que te aprenderlo. Si escribo un solo de abajo, a menudo será meses después de haber interiorizado todo el solista y puedo jugar sin problemas. Uno siempre quiere asegurarse de que usted no está en función de una copia escrita del solo de recordarlo o para jugar; usted está escribiendo el solo por fortalecer su capacidad para anotar lo que se oye y analizar más de cerca. En este ejercicio que realmente va a escribir lo que estás transcribiendo como lo haces porque sus razones para la transcripción son muy específicos: identificar cada ritmo utiliza el solista, entiende, anotar ellos, e integrarlos en su juego. Usted no está tratando de aprender el idioma. Usted no está preocupado acerca de los componentes melódicos o armónicos. Todo lo que usted está preocupado con es los ritmos. Por eso, en este caso en particular, se está escribiendo cosas por como lo estás haciendo. Transcribir sólo los ritmos de un solo ayudará a fortalecer su conciencia rítmica. Debido a que no es necesario conocer los lanzamientos, es algo que se puede hacer, mientras que en el metro o en espera de una cita, así que no hay necesidad de gastar su tiempo de práctica valiosa. Escuche la primera frase del estribillo. Escucha en tu mente y repetir un par de veces en la cabeza. Luego reducir la velocidad en su mente y escuchar con más claridad. Ahora pregúntese: ¿Qué venció empieza la frase en? ¿Qué ritmo no termina en? ¿Cuáles son los valores rítmicos de cada nota en la frase? Una vez que pueda responder con confianza a estas preguntas, visualizar el ritmo de la frase en su mente; sólo tienes que seleccionar cualquier terreno de juego para todo el ritmo. Y, por último, anótelo. Por ejemplo, desde el coro Miles, la primera frase se inicia el latido 3. Se termina el latido 3 de la siguiente medida. Se compone de un puntillo trimestre, una corchea, y una blanca.

Entonces yo visualizo la frase, viéndolo claramente en mi mente, y luego lo apunto. Así, notating sólo el ritmo, me gustaría escribir:

Continúe a través de todo el coro de esta manera, escribir cada frase abajo como se ilustra en el siguiente ejemplo. He incluido el vídeo de nuevo para que pueda escuchar mientras nos fijamos en la transcripción. Anotar los ritmos lo mejor que pueda. A menudo, los ritmos tocados son un poco diferente de lo que es posible para anotar. Es por esto que es imprescindible para mantenerse estrechamente relacionada con la grabación, incluso después de escribir todo abajo.

Paso 3: Seleccione sus ritmos favoritos Una vez que haya transcrito ritmos del coro en la forma prescrita en el paso 2, mirar a través de su trabajo y encontrar los ritmos que atraen más a usted. A menudo nos olvidamos de lo importante que este paso es. Tenemos la libertad de seleccionar exactamente lo que queremos incorporar a nuestro juego. Estas decisiones son las que hacen las personas suenan como lo hacen. Sea consciente de este proceso de selección y elegir lo que resuena con usted. Elija su tres primeros, de la que saltan a la mayoría, y utilizar sólo aquellos por ahora en los siguientes ejercicios. Siempre se puede volver atrás y incorporar más. Siempre es mejor trabajar con una pequeña cantidad de información, realmente dominarlo y hacer que una parte de ti. Aquí hay tres ritmos que parecen interesantes a mí desde el Miles solitario.

Paso 4: Integrar un nuevo ritmo en su juego Desde su tres primeros, elegir uno. Ahora, jugando más de un blues o una melodía que está trabajando, utilice el ritmo exclusivamente en su improvisación. He aquí un ejemplo más de un G azules con el segundo ritmo de mi seleccionado tres. El segundo es el ritmo:

Ahora tomo eso y utilizarlo durante un blues:

Una vez que usted practica utilizando el ritmo exclusivamente, practicar el uso de cada otra frase. A continuación, intente usarlo dos veces en un coro en los bares predeterminados. Y, finalmente, lo utilizan al azar, mezclándolo libremente con otro material y los conceptos. Emulando el concepto detrás del ritmo es otra manera de comenzar a incorporar estos nuevos ritmos en su juego. Pregúntese por qué usted encuentra los ritmos particulares que usted eligió interesante. Por ejemplo, encontré el último ritmo interesante debido a la nota media en el medio de la frase, ocupando latidos 2 y 3.

Sabiendo eso, podría luego trabajar en la creación de las frases que utilizan este medio-nota en el medio de la línea. Siempre es beneficioso para saber lo que atrae a una frase o ritmo particular, porque entonces usted puede simplemente emular el concepto detrás de la línea.

Encontrar e integrando nuevos ritmos El proceso sencillo descrito en este artículo le ayudará a encontrar fácilmente e integrar nuevas ideas y conceptos rítmicos en su juego. Elige un coro que contiene un montón de ideas rítmicas definidos Transcribir todos los ritmos y anotarlas Selecciona tus favoritos Juega a más de un blues o utilizando sus ritmos seleccionados estándar de manera creativa Después de este proceso, en sólo unas pocas horas, es posible desgarrar el funcionamiento interno de Miles Davis o otros maestros ritmos intrincados, entendido ellos, notate ellos, y comenzó a integrarlos en su juego. Estoy seguro de que va a través de esta práctica rítmica le convencerá de lo importante ritmo verdaderamente es y que es muy fácil de trabajar.

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Jazz es el momento Publicado Por Forrest En 29 de noviembre 2011 @ 23:08 En Inspiración, Perspectiva | No Comments

"El jazz es acerca de estar en el momento" Herbie Hancock

Si el jazz es todo acerca de estar en el momento, pero todo el tiempo nuestra práctica se dedica a averiguar lo que queremos jugar cuando realizamos, entonces, ¿cómo se supone que debemos estar en el momento en que llevamos a cabo? Hay una extraña dicotomía ... Por un lado, la improvisación de jazz está muy ensayado. Y en el otro, es muy espontánea. En medio de estos dos lados es un área gris descomunal. Es esta zona gris en el medio donde la gente se pierde.

Confía en el proceso Jazz se trata de estar en el momento. Al igual que Herbie dice, no se trata de jugar lo que has practicado, se trata aquí. Ahora. Este momento. Eso es lo que el jazz es. Pero, ¿por qué son nuestros esfuerzos en la sala de ensayo de modo pensado, así calculado, por lo que sin inspiración, cuando estamos tratando de lograr algo en el escenario que suena como si hubiera sido creado en el momento?

Parece contra-intuitivas: ensayar conceptos y el lenguaje una y otra vez con el objetivo de improvisar en el momento en que se realiza. Debido a esto suena tan contrario a la intuición, la mayoría de las personas no practican esta forma. Ellos asumen que porque están tratando de evocar una actuación puramente improvisado, deben practicar esta manera también. Esto no podría estar mas alejado de la verdad. El proceso de lograr resultados exitosos en la improvisación del jazz está pensada, repetitivo y lento. Como leerá más adelante, hay infinitas maneras de inculcar un montón de creatividad y espontaneidad en este proceso aparentemente seca, lo que ayudará a prepararte mejor para el estado de improvisación pura de jugar el momento. Confía en el proceso.

Ser mayor de preparados y dejar ir Para estar en el momento y jugar el momento por así decirlo, debe ser sobre-preparado. Esto significa conocer todo el material que se va a realizar dentro y por fuera. Su objetivo no es ser mediocre. Para ser mejor que mediocre, que no sólo tiene que estar preparado, tiene que ser sobrepreparado. Si usted está preparado demasiado, el genio creativo dentro de usted tendrá la oportunidad de presentarse en el mismo momento de la actuación. ¿Qué significa estar preparado sobre-? Significa que eres súper confiado con el material que se está realizando. Usted sabe y puede cantar todas las melodías. Todas las progresiones de acordes tienen sentido lógico a usted y le han aplicado el lenguaje para ellos. Usted ha trabajado en las áreas de "alto mantenimiento" de las canciones, dándoles la especial atención que merecen por lo que es fluido en estas secciones más difíciles. Y usted ha hecho una conexión personal con lo que estás realizando. Con frecuencia nos olvidamos de este paso sutil pero importante. Para conectar realmente y disfrutar de lo que estamos jugando, lo que permite que sea un vehículo para nuestra propia expresión personal. Sí, usted debe recibir realmente las melodías que estés realizando y usted debe trabajar con diligencia para desarrollar esta relación con cada pieza que se está realizando. El público siempre se puede saber si usted está en él. Para jugar el momento, no sólo tienes que ser sobre-preparado, tiene que dejar ir, permitiendo que el momento presente para afectar lo que sucede. Para dejar ir, tienes que estar dispuesto a caer de bruces. De hecho, esa es la razón por la que no lo dejes ir: porque tienes miedo de meter la pata. En una reciente entrevista con Keith Jarrett, habló a este mismo punto: "Pero tienes que estar dispuesto a caer en su cara - plana en su cara - y han fallado miserablemente ... como Jennifer Beals en Flashdance: Ella se cae; que es su peor pesadilla

hecha realidad. Pero ¿qué se puede hacer peor que que si estás bailando? Lo mismo con esto. "-Keith Jarrett Keith Jarrett se está refiriendo a un concierto en solitario reciente que fue completamente improvisada. Él afirma haber tenido ni idea antes de realizar lo que podría suceder. Esta situación podría ser desastroso para él, pero en su lugar, se produce una música increíblemente hermoso. Él es capaz de esto porque ha practicado un sinnúmero de horas, el exceso de prepararse para prácticamente cualquier situación musical, incluso uno donde es crear melodías puramente improvisados, progresiones, y solos, por sí mismo. Estas notas no salen de la nada. Él tiene un profundo pozo de conocimiento para sacar de, construido a partir de años de práctica. Pero entonces, no tiene miedo a dejar ir por completo, dejar que el momento se haga cargo, y ver qué pasa. Puede jugar el momento porque es sobre-preparado y no tiene miedo de caer de bruces.

Integrar una mentalidad de rendimiento en su práctica Es posible integrar una mentalidad de rendimiento en su práctica sin mindlessly improvisando coro después de coros con un play-largo de la pista. Esta es la zona gris descomunal que estoy hablando. No es blanco y negro. No siempre se tiene que operar en la "práctica-mode" o "modo de rendimiento", sino más bien puede optar por explorar la zona gris en el medio. Hay, por supuesto, razones por las que me gustaría estar en uno de estos dos extremos: al realizar usted querrá tratar de estar en completa "de modo de rendimiento", y cuando se está introduciendo una idea completamente nueva en su juego concepto, es posible que deseen estar en completa "de modo de práctica", por lo que no descartan cualquiera de estos estados. Simplemente darse cuenta de que hay un montón de tierra en medio de ellos para explorar. Mezcla improvisando con el lenguaje o conceptos Para comenzar a explorar esta área gris, muy deliberada en la forma en que combina una mentalidad rendimiento y una mentalidad práctica. Por ejemplo, podría ser muy pensado: voy a improvisar tres bares, y luego voy a jugar esta línea sobre estos acordes. Sencillo. Sería algo parecido a esto:

Mediante la mezcla de acicate pura de la improvisación momento con una idea que ha trabajado a cabo, de empezar a trabajar la idea en su concepto. Poco a poco, usted aprenderá cómo improvisar utilizando parte de la línea, la forma de la línea, o simplemente una idea suelta de ella, todo inconscientemente. El objetivo es que estas nuevas piezas del lenguaje se convierten en algo que naturalmente surgen porque se empieza a oír (o fragmentos de los mismos) en el momento ... lo que nos lleva a nuestro siguiente punto ... Improvisando con las ideas que surjan de forma natural practicadas Supongamos que usted está trabajando en un un pedazo de la lengua como la que en el ejemplo anterior y que ha jugado decenas de veces en todas las llaves. Usted no tiene que pensar en ello. Es sin esfuerzo. Y después de eso, tal vez usted ha solicitado que el lenguaje de una melodía. Así que ya sabes esta idea bastante bien ... Ahora, improvisar sobre una melodía con una mente clara, escuchando atentamente lo que se oye en su mente. Trate de jugar lo que se oye. Pero, mantener esa idea en el fondo de tu mente, y cuando se la oye o un pedazo de él, dejar que se salga. El objetivo no es a la fuerza, pero dejar que naturalmente surgen mientras se improvisa. Me parece un poco esotérica al principio, simplemente improvisando, sin embargo, poco a pensar en una idea. Sólo tienes que darle una oportunidad. Pronto entiende que una vez que usted ha trabajado en una idea o concepto, que sólo la celebración de una ligera sensación de la idea en su mente mientras se improvisa, aparecerá facilidad. Al hacer esto con una idea cada vez más, que comenzará a surgir de forma natural todo el tiempo, y va a sonar como se crea en el momento porque vas a estar escuchando en el momento. Pensar en ello. Pájaro jugó una gran cantidad de la misma línea todo el tiempo, pero siempre sonaba fresca, cada vez que les tocaba. ¿Por qué? Sonaban fresca cada vez porque estaba oyendo esas líneas particulares en ese momento en particular. Esa es la clave. Simular el rendimiento Establezca un tiempo de lado todos los días en el que finge que está realizando. Trate de conseguir que la gente te escuche, o jugar donde se sabe que la gente puede escucharte. Esto puede ser molesto, pero sólo les digo que estés practicando realizar. Pero en serio, Bromas aparte, es genial para jugar delante de la gente, incluso si es su madre. Jugar cuando se sabe que otras personas están escuchando cambia por completo su forma de pensar. Adaptarse a esta forma de pensar y llevar a ti mismo de nuevo a su centro donde se siente centrado, confiado y creativa es esencial.

Acostumbrarse a jugar delante de la gente le ayudará a la transición a una mentalidad de rendimiento, y le ayudará a estar en el momento en que se realiza, no dejar que los nervios arruinen su capacidad de jugar el momento.

El jazz es el momento Aquí. Ahora. Ahora. En este mismo momento. Eso es lo que esta música se trata. No ayer, no mañana. Se trata ahora. Viniendo a esta realización es bastante miedo. Usted podría caer de bruces. Pero eso está bien. Le pasa a todo el mundo. Preparar más la próxima vez y hacerlo de nuevo. Confía en el proceso, ser más preparado, pero dejar ir, y comenzar a integrar un rendimiento de pensar en su régimen de práctica. Tenga confianza y jugar el momento.

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5 Habilidades por alto que importan más que cualquier línea que usted se Juega Publicado Por Forrest En 11 de mayo 2011 @ 08:35 am En Consejos | No Comments

Hay ciertos componentes a tocar jazz que debe estar pasando para cualquier línea que suene bien. Estas habilidades se pasa por alto son los que hacen un brillo línea. Si usted consigue estas cosas juntas, de pronto te darás cuenta de que todo lo que usted juega suena mucho mejor.

El logro de la entonación sólido Por alguna razón, jazzistas sienten que la entonación es de importancia secundaria. Esto es un gran error. No estoy muy seguro de cómo llegaron a esta conclusión, pero yo no lo entiendo, porque cuando yo era un estudiante de primer año en la universidad me acuerdo de tener una actitud similar. "¡¡¡¡¿¿¿Entonación???!!!! ¿Por qué demonios hacer tengo que preocuparme por eso? !!! Quiero saber qué juego de Kenny Garret, no cómo mantener una "A" en sintonía ". Recuerdo discutir con mi impresionante del profesor de arte Bouton sobre estas cuestiones, afirmando que las cosas como la entonación no importaban mucho, y que un saxofón Nunca se debe utilizar para reproducir música clásica. El arte era 100% correcto y yo era un ignorante de 18 años. La entonación es más importante que cualquier idea genial que nunca podría jugar y una gran manera de trabajar en cosas

como la entonación es mediante la práctica de cajas de pinturas clásicas con un sintonizador. Así que ¿por qué entonación importa tanto? Si no estás en sintonía, terceras mayores no son terceras mayores y cuartos perfectos terminan siendo no tan perfecto. Para cualquier línea para sentar correctamente en contra de la armonía, estos intervalos deben ser precisos. Utilice el sintonizador para algo más que la sintonización en marcha al inicio de la sesión de práctica. Póngalo en el stand y jugar a través de un etude clásica como se sugirió anteriormente. O jugar a través de una melodía simple que contiene muchos saltos, como todas las cosas que son y marcar en cada nota. No hace falta mucho para llegar a ser más consciente de estar en sintonía. Sólo sigue practicando como siempre, pero conseguir que el sintonizador de fuera y lo más importante, en realidad usarlo.

Jugando con una voz coherente ¿Alguna vez has oído a un jugador que suena como Coltrane de un minuto, Dexter el siguiente, y luego poco después que sonar como un-studio-tenor jugadores blues? Jugar con múltiples voces durante un solo confunde al oyente. Es como si a mediados de conversión que empecé a hablar con un acento Inglés. Podría obtener un poco de risa, pero sin duda sería confundir a quien alguna vez que estoy conversando con. Trate de jugar con una voz consistente a través de todos los rangos de su instrumento, a través de un solo, y lo ideal sería ... a través de los muchos solos que toma. Cuando pienso en jugar con una voz coherente, tenor gran Mark Turner viene a la mente. No importa qué estilo que está jugando, ya se trate de una norma o una canción funk, él juega con su voz. Echa un vistazo a este video de él, por la que en un entorno de big band.

El uso de flujo de aire constante Si eres un jugador de cuerno, el flujo de aire es como una fuente de alimentación: debe ser en todo el tiempo, emitiendo energía para hacer funcionar el instrumento, no vacilando en lo más mínimo. Un flujo constante de aire enfocado es lo que hace que sus líneas, sonido y articulación todos se unen para crear líneas fluidas melódicas. Sin una corriente sólida del flujo de aire constante, líneas suenan entrecortado y disyunción. Si usted no es un jugador de cuerno, este concepto sigue siendo válida, pero en un sentido más abstracto. Por ejemplo, si usted es un pianista, imagine que usted es un jugador de cuerno y que tienes que empujar una columna continua de aire a través de su línea. Pensar de esta manera va a cambiar la forma de jugar de la línea, dándole más sentido e impacto.

Estar cómodo no jugar Recuerdo que cuando era más joven tiene que jugar en cada cambio de acorde. Si no jugué en cada cambio de acorde, me pierdo o por lo menos creo que me pierdo. Aprender a ser cómodo con el paso del tiempo, ya que no juega, usted libera. Su relación con el tiempo y el fraseo completamente cambios. Uno aprende a interactuar con el tiempo en lugar de ser un esclavo de ella. Para obtener más información sobre esta habilidad, leer acerca de la exploración del espacio.

Aprender el verdadero concepto de oscilación Paul Desmond balancea y lo mismo ocurre con John Coltrane, pero suena completamente diferente. El concepto de oscilación tiene que ver con la articulación, el acento, el flujo de aire, cómo te mueves tus dedos, y otros factores sutiles que no se pueden escribir con precisión hacia abajo. La única manera confiable de aprender el verdadero concepto de oscilación es de imitarlo y asimilarla de los maestros. Yo solía trabajar en todo tipo de ejercicios de articulación, lamiendo la UP-beats, acentuando ellos, tratando todo tipo de ejercicios ... nada funcionó. Deje de perder su tiempo. Ir transcribir un solo y que, naturalmente, se aprende a oscilar.

Habilidades necesarias para hacer sus líneas cobran vida Entonación Sólido Jugando con una voz coherente El uso de flujo de aire constante Estar cómodo no jugar Aprender el verdadero concepto de oscilación La práctica de estas 5 habilidades dará resultados sorprendentes. Usted entenderá cómo Stan Getz puede tocar dos notas y sonido increíble. Líneas que has estado jugando durante años sonarán nuevo y fresco. Y usted sabrá por experiencia personal que es menos de lo que se juega de la forma que lo juegas.

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Superar obstáculos en la transcripción Publicado por Eric En 10 de noviembre 2010 @ 19:31 En Transcribir | No Comments

Ya se trate de averiguar difíciles pasajes en tiempo doble, navegar líneas técnicas avanzadas, o incluso encontrar la motivación para hacerlo todos los días, la transcripción puede ser difícil. Transcribir, mientras esencial para aprender a tocar el lenguaje del jazz, es a menudo una de las tareas más exigentes para completar de forma regular para improvisadores. Dos lectores recientemente hicieron preguntas relativas a las dificultades de la transcripción. Un lector escribe: "Yo quería transcribir un Wes Montgomery en solitario y hay algunos momentos en los que no puedo escuchar lo que se está reproduciendo. ¿Qué debo hacer, pruebe con otro en solitario? Además, ¿cómo superar momentos en los que no estoy de humor para la práctica? "

Ralentizarlo, escuchar y cantar todas las notas Sé que esto se siente bien: a partir de una transcripción, avanzando rápidamente, y luego llegar a un punto en el que no se puede averiguar las notas. Como resultado, la concentración cae rápidamente a pedazos y la frustración se produce. En momentos como estos, no pasar a otro solo, especialmente si usted realmente ama el solo. En la mayoría de los solos hay una sección que es difícil de transcribir, si se trata de una sección de doble tiempo rápido o una pista de la mala calidad de la grabación. Mantén esa versión. En estos casos, yo uso un programa para reducir la velocidad de la grabación para que pueda escuchar precisamente lo que está jugando el solista nota a nota. No tenga miedo de frenar la

grabación camino hacia abajo o sentir que se está engañando al hacerlo. Una vez que hayas ralentizó, escuchar cada nota en su mente. Conserve las notas en su mente y luego tratar de cantar con la grabación. Trate de que la precisión de la cancha con su voz. Canta una y otra vez, aumentando gradualmente el tempo. Después de cantar, tocar la línea será mucho más fácil. Con el tiempo, sus oídos se mejoran y usted será capaz de elegir las líneas a un ritmo mucho más rápido. También, pregúntese por qué elegiste ese particular en solitario para transcribir. Tal vez es por una cierta línea Wes Montgomery que realmente llama a sus oídos o es entender cómo jugar más de una progresión en particular. Cualquiera que sea su objetivo, asegúrese de que está transcribiendo con un propósito y salir de su sesión de transcribir la información que pretende obtener.

Los buenos hábitos con los mínimos diarios Todo el mundo tiene momentos donde se sienten desmotivados a la práctica, por lo que no se sienten como que están solos en esto. Parte de ser un músico es encontrar el tiempo y la motivación para la práctica cotidiana. Somos criaturas de hábito. Los buenos hábitos son iguales a buenos resultados. La decisión diaria para empezar es el más difícil. Al igual que el actor Matt McConaughey dice, "Ata sus zapatos ... Se ata a tu hombre zapatos y sabes que vas a hacerlo." Se refiere a sus hábitos adictivos de funcionamiento. Expresa que la parte más difícil es el impulso inicial para empezar, pero una vez que llegue a superar ese bache, navega. Una manera me quedo en la parte superior de las cosas es tener un mínimo esfuerzo diario para una tarea determinada. Es mucho más fácil decir: "Hoy voy a practicar por lo menos 20 minutos", luego de decir "voy a practicar 4 horas todos los días." Haga un compromiso diario con un mínimo determinado. Algunos días usted conseguirá en la sala de la práctica y sólo hay que poner en sus 20 minutos. Otros días, se sentirá tan amplificado y conectado a la música, usted pasará de 4 horas de pura diversión en el cobertizo. Lo importante es que usted está recibiendo allí todos los días y hacer la mayor parte de su tiempo de práctica. Puede no ser capaz de transcribir todo un solitario en una sola sesión, sino como parte de una rutina diaria que puede lograr pequeñas metas específicas que más cantidad de tiempo a grandes logros.

Conseguir un solista hasta la velocidad Otro lector escribe: "Uno de los mayores obstáculos que he encontrado durante la práctica y la transcripción es el desafío técnico más solos presentes. Por ejemplo, a menudo aprendo el solo en el medio tiempo y luego trabajar en acelerarlo. Puedo jugar bien en decir, el 70%, pero para llegar más allá de la barrera de la velocidad que parece imposible. Rango es otro gran problema para el comienzo de trompetistas. He estado jugando durante cuatro años y cualquier cosa por

encima del personal es agotador y picar degradantes. Siempre se puede transponer esas notas al final de la octava, pero todavía no es muy satisfactorio, ya que registro superior es lo que estamos tratando de lograr. ¿Algún consejo sobre cómo trabajar con estos problemas de alcance, velocidad y técnica general? " Una de las razones por las que transcribimos es aprender directamente de la fuente, la copia de las líneas e imitando los estilos de los maestros. Se les llama maestros por una razón. Los grandes de todos los instrumentos son algunos de los músicos más técnicamente y armónicamente avanzadas del planeta, por lo que no hace falta decir, la transcripción de sus líneas puede ser muy difícil! A menudo, un gran beneficio de la transcripción de un solitario es ganar técnica que usted no tenía antes. Una gran manera de conseguir un solitario hasta la velocidad es comenzar muy lentamente con un metrónomo y luego gradualmente acelerarlo en pequeños incrementos hasta que pueda jugar junto con la grabación. En algunos puntos, aunque, como el lector señala, ciertas líneas no parecen estar cada vez más fácil o más rápido, debido a exigencias técnicas increíbles. Si usted ha conseguido la velocidad de la línea a 70%, que está en el camino correcto. A menudo, voy a conseguir una línea a la velocidad de 70% y no puedo hacerlo más rápido. ¿Qué debo hacer? Voy más lento. Traer de vuelta hasta el 50% y jugar allí durante 20 minutos seguidos. Todavía no puede jugar? Hazlo de nuevo, aún más lento. Aclarar y repetir a la perfección. De esta manera, obtendrá la línea para acelerar. Haga su mantra para aprender pasajes técnicamente difíciles "El doble de tiempo, la mitad de la velocidad."

Técnica de la trompeta y la transcripción Como trompetista esto puede ser especialmente difícil. La trompeta es un instrumento que lleva años de práctica sostenida para conseguir incluso a un nivel competente. El intento de transcribir los solos de maestros como Freddie Hubbard y Woody Shaw puede ser muy exigente técnicamente. En primer lugar, asegúrese de que tiene una rutina de la práctica diaria que se centra en los fundamentos y la técnica. Libros como los Estudios Técnicos de Clark, los Schlossberg diarias Taladros y mejores Tonos de Walter Smith son un buen recurso para trabajar fuera de ejercicios de técnica y creación de gama. Sea paciente con rango y no lo fuerce. schlossberg

Smith

Una vez que haya transcrito un solo, incluir las áreas técnicas difíciles en su calentamiento. Si el pasaje transcrito contiene algunos patrones dactilares difíciles, pruebe a utilizar algunos de estos patrones en lugar de escalas o arpegios cuando se está calentando. O, si el solo está en una clave que no está familiarizado con sólo usar esa tonalidad como lo hace ejercicios de flexibilidad, por lo que están inculcar ese sonido y el patrón de dedo en su juego. Mientras estaba en la escuela de posgrado, yo estaba trabajando en la transcripción de una serie de solos de Woody Shaw que era extremadamente difícil y tuve la misma sensación de no poder jugar los solos a toda velocidad. Hubo incluso algunas secciones que no podía jugar en absoluto, así que sólo figuraban las notas sobre mi cuerno y les escribieron. El siguiente pasaje era la línea rápida en tiempo doble que tenía problemas para jugar en incluso mediavelocidad:

Para superar esto, tomé la línea aparte medida por medida, partiendo siempre lento y con un metrónomo. Comencé lentamente con la primera medida y repetí docenas de veces, aumentando gradualmente la velocidad hasta que sintió fácil. Luego practiqué la segunda medida de la misma manera. Después tuve las medidas de 1º y 2º en mi haber, yo los combinados. Después de eso, me enteré de la tercera medida de la perfección, a continuación, añade la tercera medida para los dos primeros. Luego seguí a través de todo el pasaje de una manera similar: 4 medida perfecta, añadir a la medida anterior ... 5 medida perfecta, se suman a las medidas anteriores ... y así sucesivamente, hasta que llegué a dominar todo el pasaje. Me aseguré de jugar estas líneas cada vez que me tomé mi cuerno, así que estaba mejorando un poco cada vez. Finalmente, después de semanas de práctica lenta y enfocada, tuve la oportunidad de ejecutar las líneas con facilidad. Jugando a través de pasajes de esta manera le permitirá dominar las partes más difíciles de cualquier solista

Dave Liebman en la transcripción Para algunas personas, tener un método de transcripción hace que todo el proceso sea más fácil. En su página web, el saxofonista Dave Liebman analiza el arte de transcribir en profundidad. Aquí se describen tres áreas de la conciencia musical que se engloban en el proceso de la transcripción: notación, Juego y Análisis.

Liebman elabora que el estudiante debe primero internalizar el solo a través de la escucha repetida y cantando, anotar el solo, jugar junto con la grabación y, finalmente, analizar y crear nuevo material de la misma. En esencia, un método de aprendizaje que requiere que todos los aspectos de la musicalidad. Él tiene un método detallado de cómo transcribir y crear su propio lenguaje basado en lo que has aprendido, que es definitivamente vale la pena echarle un vistazo.

Ir a su propio ritmo En general, su objetivo en la transcripción debe ser aprender el lenguaje del jazz de primera mano a través de la inmersión en grandes grabaciones. La calidad es mejor que la cantidad, especialmente cuando se trata de la transcripción. No se sienta como si tuviera que transcribir cientos de solos de ser un gran improvisador. Sólo mediante el aprendizaje de un solista muy bien, se puede hacer un gran salto en la mejora. Cuando usted comienza, se centran en la transcripción de los solos que están alrededor de su nivel técnico actual, pero son todavía desafiante e interesante a su gusto personal. Con el tiempo, se encontrará con los solos que están más allá de su nivel técnico. Cuando te encuentras con estos solos difíciles, hacer goles a largo plazo y en la media hora, usted todavía puede obtener una gran cantidad de valor a partir de ellas. En el extracto de madera Shaw, a pesar de que no podía jugar algunas de las líneas o hacer que a la velocidad de inmediato, me beneficié de la técnicas y dispositivos armónica Woody utilizado en sus líneas. En total, la transcripción es un proceso difícil que tiene beneficios incalculables para los músicos de todos los estilos. A pesar de que se encontrará con algunos obstáculos en el camino, sólo sé que transcribiendo usted ya está en el camino correcto.

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Primeros pasos con la transcripción Publicado Por Forrest En 01 de julio 2011 @ 02:09 am En Jazz Idioma, rutinas de práctica, Transcripción | No Comments

Recibimos preguntas todo el tiempo sobre la manera de ir sobre la transcripción. A menudo, las personas que escriben en decir que lo intentaron transcripción, pero simplemente no funcionó para ellos, o que era demasiado difícil. Sí, la transcripción no es fácil, pero el problema no radica en la dificultad inherente a esta actividad, pero en la selección y el enfoque por el médico. La manera de empezar la transcripción es comenzando por cosas pequeñas. Usted no tiene que hacer frente a un solitario completo o incluso un coro completo. No hay razón para ser intimidado. Es un proceso mucho más fácil de lo que piensas.

Encontrar algo para transcribir Cuando te metes en tu coche, ¿qué álbum de jazz no coges? ¿A quién escucha cuando llegue a casa desde el trabajo? ¿Qué jugador te gustaría que sonaba como el más? Las respuestas a estas sencillas preguntas te dirán que usted debe transcribir. Si tus respuestas son todos los jugadores modernos, entonces usted necesita para hacer algunas tareas. En lugar de saltar a transcribirlas, averiguar de dónde venían. Leer entrevistas, pregunte a sus amigos, escuchar más de cerca. ¿Quién les influyó y ayudó a convertirse en el jugador que en la actualidad? A pesar de lo que puedas pensar, que robaron el lenguaje y construidas sobre ella tal como lo está haciendo. Mark Turner me parece uno de los músicos más innovadores de todo hoy. Él

pone a sí mismo, aparte de muchos otros jugadores de tenor, jugando con su propio sonido y concepto que varía mucho de la norma. Pero en este artículo del New York Time, el mejor jugador de Jazz que usted nunca ha oído hablar de, Mark admite libremente su deuda con jugadores como Warne Marsh y John Coltrane, para construir lo que es tan identificable suya. Por lo tanto, si su respuesta a quien lo escucha en el coche es Mark Turner, a continuación, el siguiente paso sería la de recoger algunos registros Warne Marsh o Coltrane, si usted no es dueño de ellos ya. Una vez que sepa con quién está la transcripción, es el momento de hacer su selección. Para su primera selección de algo para transcribir, para que sea la suciedad simple para usted, elija una línea corta, cualquier cosa menos de cuatro medidas, a través de una progresión de acordes que es familiar para usted. Por ejemplo, si usted sabe los acordes cambios en todas las cosas que son, y te encuentras con una grabación de su jugador preferido jugar sobre ella en plena forma, usted tiene un candidato perfecto para robar. Escucha la grabación y hacer una nota mental de todas las líneas que captar el oído, líneas que usted desea jugar, después de todo, eso es lo que va a hacer. En una situación ideal, una de estas líneas habrá más de una progresión de acordes que usted verá una y otra vez, como una V. ii En todas las cosas que usted es, si usted encuentra una línea que te gusta más de las primeras medidas del puente, podrás aprender esa línea e inmediatamente aplicarlo a cualquier situación V ii encuentra, por lo tanto, eso sería un línea valiosa para aprender. En resumen, es muy simple: Encuentra una línea corta por un jugador que te gusta escuchar, sobre una melodía familiar, en una progresión típica armónica te vas a encontrar en varias ocasiones tales como ii V, y abrir los oídos para arriba.

Cómo transcribir su selección Hablamos de esto en detalle en todo el sitio, pero aquí está un resumen rápido. Ponga su selección en un programa como Transcribe. No se trata de la colocación de productos de inactividad. Esta es una herramienta que usamos todos los días. Literalmente, todos los días. Hace que aprender estas cosas mucho más divertido y accesible. Es una excelente inversión. Una vez que tenga su selección con claves de hasta, bucle y reducir la velocidad a 50%. Oír claramente cada nota de la frase en el oído de su mente. Luego, sin dejar de escuchar cada nota, cantar la línea junto con la grabación, marcando en cada nota perfectamente. Repetir, repetir, repetir ... El objetivo es escuchar y cantar toda la línea como una frase continua, no seleccionar cada nota y pieza juntos.

Poco a poco aumentar el ritmo de juego, asegurándose de que todavía se puede escuchar y cantar la línea precisa. Una vez que usted puede escuchar y cantar, reducir la velocidad de nuevo de nuevo a medio, y jugar con la grabación de la perfección. Repetir y repetir un poco más. Ah, y entonces ... repetirlo un poco más, al tiempo que aumenta gradualmente el ritmo hasta el completo dominio. Aquí hay algunos otros artículos a la comprobación sobre la transcripción: Transcripción es No transcribir Transcribir con un propósito Transcribe Uno Solo, cambiar su enfoque

Una vez que haya transcrito su selección ... El siguiente paso es entender cómo se construye la línea. ¿Qué tono acorde Qué se inicia en? ¿De dónde ha ido? ¿Qué tipo de conceptos se aplicaron a la construcción de la línea? Tener una idea clara de cómo la línea se relaciona con la armonía y la forma en que fue construido le ayudará a moverse sin esfuerzo en otras teclas. Al hacer entender el funcionamiento interno de la línea, comenzar a jugar en los otros 11 teclas. Este es un proceso que lleva mucho tiempo al principio, pero cuanto más lo haces, más fácil es tomar nada a través de todas las claves. Mientras trabaja en la consideración de la línea a través de todas las llaves, otra cosa es centrarse en su aplicación a las melodías. Tome la melodía que se está trabajando y aplicar su línea asentados en cada situación armónica dónde encaja en la melodía. Este ejercicio le ayudará a tener la línea a su alcance cuando lo necesite. Para más información sobre lo que con su línea, leer acerca de las diferencias entre Licks y Lenguaje, y cómo hacer una línea de su propia.

Introducción a la transcripción Para iniciar la transcripción, hacer 10 veces más fácil que usted piensa que necesita que sea. ¿Crees que puedes transcribir un coro de Miles? Excelente. Empiece por encontrar una sola línea V ii que Miles juega y empezar allí. Comience con algo mucho más fácil de lo que crees que eres capaz de hacer y que le ayudará a transcribir de manera exhaustiva como se describió anteriormente, así como le da la confianza para seguir transcribiendo en el futuro. No hay ninguna razón para intentar algo demasiado difícil, se sienten frustrados y dejar de transcribir. Que sea fácil para ti. Una vez hecho empezar transcribir y obtener su primera línea de abajo, se entusiasma y la palmadita en la espalda, pero se dan cuenta de que la transcripción no es un fin en sí mismo. Tienes que tomar lo que transcribir y entender la forma en que fue hecha a mano, y luego averiguar cómo usted quiere construir sobre ella, mientras que la usa en melodías que estés

trabajando. De esta manera, se convertirá en una parte de su vocabulario. Mantén esa versión. Con cada línea melódica se aprende, se hará más fácil y si usted puede aprender a transcribir sólo una medida, no hay razón por la que no puede aprender a transcribir solos enteros. Conseguir transcripción comenzado es mucho más simple de lo que piensas y una vez que las respuestas a sus preguntas comienzan a revelarse a través de este proceso, se le enganchó.

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Visualización Una tecla a la vez Publicado Por Forrest En 06 de enero 2012 @ 12:57a.m. En Acordes, Visualización | No Comments

Coge una hoja de papel o tomar el siguiente cuestionario mental y grabar su tiempo de respuesta para cada uno: ¿Qué es un ii V en la tonalidad de Fa # mayor? Si el V7 de una progresión V ii es Ab7, ¿cuál es el acorde ii? ¿Qué es un iii Vi en la tonalidad de Db importante? Si el acorde ii de una progresión V ii es C # menor, ¿cuál es el acorde V7? Si el ii V de una clave es F- Ab7, ¿cuál es el VI7 de la llave? Ahora, juzgar sus respuestas basado en la corrección y velocidad de respuesta. ¿Alguno de ellos te llevan más de una fracción de segundo? Se honesto contigo mismo. Es probable que un par de estas preguntas nos llevó al menos un par de segundos para que usted conteste. Usted no puede pensar que unos pocos segundos es una gran cosa, quiero decir, tienes la respuesta correcta, ¿no? El problema es que después ni un segundo de pensamiento podemos perder totalmente nuestro enfoque creativo. Los más arraigadas estas progresiones fundamentales son, menos tenemos que pensar, y más libre que convertirse.

La independencia de acordes ¿Por qué es difícil evocar rápidamente algunos acordes, mientras que otros son de fácil? Estamos muy acostumbrados a encontrarse con los acordes de un modo conjunto. Por

ejemplo, después A- esperamos D7. O después de D7, esperamos sol mayor. Pero incluso los estándares de mezclar y combinar estas progresiones de acordes básicos. Estas ligeras reordenamientos de los acordes pueden cambiar nosotros lo suficiente como para hacerlo de modo que meter la pata. Por ejemplo, después D7, la progresión puede continuar a una iii Vi de la llave en lugar de resolver a la tónica. O tal vez, usted está jugando sobre una barra de D7 y quiere jugar un ii V (A-D7) sobre la barra en su lugar. Bueno, mejor será capaz de tener todo el conocimiento adecuado para hacer esto a su alcance. La independencia de acordes tiene que ver con la comprensión de cómo cada acorde encaja en la progresión, mientras que al mismo tiempo la comprensión de cómo se relaciona con la tecla. Así que para E7 en sol mayor, que se sabe que es el acorde VI7, y usted también saber que es parte de la iii VI progresión. Más allá de eso, usted sabe que la cuerda iii que los pares con el E7 es B- y que el ii V que avanza a es F # - B7. Me entiende? Esta es toda la materia que debería ser tan accesible a su mente que usted podría estar viendo la televisión mientras se recita el alfabeto y hacer saltos, y aún así ser capaz de tener todo este conocimiento a la derecha en su disposición.

Visualización clave por clave Hablamos mucho sobre la visualización, de hecho, incluso dimos una distancia de un impresionante ebook visualización. La visualización es el secreto para conseguir los acordes que operan en la mente y el cuerpo en un nivel visceral. Sin embargo, hay una manera particular, a utilizar la visualización para absorber las progresiones de acordes fundamentales. La forma es centrarse en una de las claves a la vez. A continuación he enumerado diez ejercicios para perfeccionar sus fundamentos. Por perforar estos diez ejercicios, podrás fortalecer enormemente la tecla que está trabajando y luego debe ser capaz de recordar cualquier parte de las progresiones fundamentales en cualquier orden o cualquier contexto. Es realmente muy fácil de empezar a trabajar en ellos. Como usted se acuesta en la cama, justo antes de ir a dormir, elegir una clave. A continuación, ejecute a través de los ejercicios. Con el tiempo usted ni siquiera necesita la hoja de trabajo delante de usted. Usted acaba de seleccionar una clave y empezar a trabajar en él. 1.) Visualice una progresión V ii claramente en el ojo de tu mente.

2.) Visualizar simplemente el acorde V7 resolver a la tónica

3.) Visualizar el iii VI

4.) Visualizar el VI mudarse a un ii V

5.) Visualice la tónica de trasladarse a V7

6.) Visualice la tónica de trasladarse a VI7

7.) Visualice la tónica en movimiento a un ii V

8.) Visualice la tónica de trasladarse a iii VI

9.) Visualiza una iii VI ii V

10.) Visualiza una ii V iii Vi

Hacerse la prueba Una vez que se trabaja en estos ejercicios de visualización clave por clave para un tiempo, empezar a probar a sí mismo sobre la marcha de una manera similar a la del cuestionario presentado al comienzo de este artículo. Nombre el primer acorde que le viene a tu mente y te preguntas por alguna especie de acorde relacionada. Por ejemplo, tal vez B7 viene a la mente, así que pregunte a sí mismo lo que el acorde ii sería si el B7 eran el acorde V7? O tal vez Db grandes estallidos en su mente, así que pregunte a ti mismo, ¿cuál es el acorde V7? Usted puede hacer estas pruebas sencillas en cualquier lugar y van a hacer que su recuperación mucho más rápido y su comprensión de las progresiones mucho más profundo. La próxima vez que estés en la oficina del dentista, en el autobús, o simplemente ir a la cama, ejecute a través de alguna de visualización clave por clave con algunas pruebas tirado allí. A pocos minutos al día y usted se sentirá mucho más sólido en todas las llaves.

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Jazz Contrafacts y rearmonización: un enfoque creativo para Jazz Standards Publicado por Eric En 27 de mayo 2013 @ 15:59 En Consejos para todos, Conceptos, jugadores, consejos, Tunes | Comentarios movilidad

La creatividad en su forma más básica es simplemente el acto de tomar algo viejo y lo que es nuevo ... Si usted es un novelista, un arquitecto, un ingeniero o un improvisador, la creación artística surge de un deseo de hacer algo nuevo dentro de los límites existentes de su arte. Para poner un sello personal en su forma de arte y tener su voz se escuche en alguna manera. Para los músicos esto gira en torno a nuestra interpretación personal de los fundamentos de la música: el sonido, melodía, ritmo y armonía. Sin embargo, la inspiración creativa no sólo aparecen de la nada, como un rayo, sino que se revela lentamente a través del estudio diligente de las generaciones anteriores y el dominio de las competencias establecidas. Escuelas de pensamiento deben ser estudiados, los estilos son a imitar, y tendrán que ser arraigado técnicas. "La creatividad es saber esconder tus fuentes." ~ Albert Einstein El estudio de la improvisación de jazz es un perfecto ejemplo de la progresión de la creación

de lo nuevo de lo viejo. Esta idea de la continua reinvención y la libre expresión prevalece en toda la historia de esta música y que estaría en apuros para encontrar una pieza duradera de la música o estilo que no tenía una línea directa de vuelta al trabajo creativo que vino antes. Tome el proceso de la transcripción de un solo de por ejemplo: empezando por el lenguaje musical de una generación anterior, aprendiendo poco a poco y con el tiempo por lo que es el suyo propio. Un lenguaje musical antigua arraigada e interpretado en un nuevo lenguaje musical. Sin embargo, este concepto de reinvención musical y la adaptación no se limita sólo a la práctica de los solos de aprendizaje, la creatividad también puede ser aplicado a la Great American Songbook. A continuación vamos a ver dos técnicas comunes utilizadas por los grandes improvisadores en expresar su creatividad interna a través del libro de canciones populares: la Contrafact y rearmonización.

Contrafacts Jazz Un contrafact es una nueva composición melódica escrita sobre la progresión de acordes de una melodía preexistente. Por ejemplo, sintonice Ornitología de Charlie Parker es un contrafact de la norma How High the Moon - una nueva melodía compuesta a través de una progresión de acordes existente.

El contrafact deriva de un deseo de crear algo nuevo, una inclinación creativa para tomar un enfoque diferente en un marco existente. Sin embargo, el contrafact no es un fenómeno exclusivamente el jazz, la tradición de tomar

una canción existente y la modificación que comenzó en el siglo 16. Durante este tiempo, las letras de las canciones seculares a menudo eran reemplazados con el texto religioso. De este modo se conserva el contexto armónico mientras se aplicó un texto más "significativa". Esta técnica fue adoptada por y especialmente adecuado para los músicos de improvisación de la década de 1940. Estos músicos comenzaron la exploración y la realización de una colección de melodías populares que todavía jugamos hoy. En sesiones de improvisación informales y club de fechas estas melodías pop fueron utilizados como "campo de pruebas" para nuevas ideas musicales. Músicos como Parker y Dizzy Gillespie, no se trataba de la letra, sino melodías pop sencillas que reemplazan con sus propias invenciones creativas. "He descubierto que mediante el uso de los intervalos mayores de un acorde como una línea de melodía y les respaldan con los cambios debidamente relacionados, que podría jugar la cosa que había estado escuchando." ~ Charlie Parker Parker expresa este sentimiento musical en referencia a su experimentación sobre estándar Cherokee de Ray Noble Tome un escuchar contrafact de Parker KoKo en Cherokee.:

Echa un vistazo a esta historia de NPR en KoKo un poco más de comprensión. Tunes como Ornitología, Koko y Donna Lee fueron el resultado natural de la experimentación y el estudio de estas normas. Es importante tener en cuenta, sin embargo, que un contrafact efectiva no es más que otra cabeza o el ritmo de blues cambia tono o melodía al azar sobre una progresión familiar. Para los más grandes improvisadores, el contrafact era una manera de explorar un nuevo concepto armónico, melódico o rítmico - pegar instantáneamente con la tradición y moverlo hacia adelante. Aquí están algunos de jazz común contrafacts que usted es encontrado probablemente: ¿Qué es esta cosa llamada Love = Hot House Cómo High the Moon = Ornitología Indiana = Donna Lee Sweet Georgia Brown = Dig Usted salió de Tune un Sueño = de Chick Just You, Just Me (Just Us -> Justicia) = Evidencia Lady Bird = Half Nelson

Todas las cosas que está = Esto es para Albert

Charlie Parker Contrafacts Charlie Parker es sin duda uno de los innovadores más importantes de la música americana. Incluso hoy en día muchas de sus canciones continúan siendo estudiado y realizado por improvisadores de todo el mundo. Sin embargo la mayoría de estas canciones no son libres de pie a través de piezas musicales compuestas, son contrafacts o "cartas en la cabeza", escrita en la parte superior de los azules cambios y cambios de ritmo y otros estándares populares. Pájaro utiliza los estándares populares de su tiempo como un vehículo para su visión musical, una manera de traer a la vida las ideas musicales que escuchaba en su cabeza. Viniendo a través de las progresiones de acordes preexistentes de estas canciones que oyen las señas de identidad de estilo musical de Parker: su agudeza rítmica, sofisticación armónica y una facilidad melódica lineal. Éstos son algunos de los contrafacts que Bird escribió sobre las progresiones de acordes a los cambios y de los azules del ritmo: Rhythm Cambios: Antropología Hombre destacado Persiguiendo el pájaro Constelación Kim

Alces del Mooch Un Oscar para Treadwell Cruz Roja Shaw Nuff Carrera de obstáculos Prosperar de un Riff Blues: Au Privave Rebote de Billie Bloomdido Cheryl Frescos de los azules Laird Baird Mohawk Ahora es el Tiempo Mood de Parker Relaxin en Camarillo Si Si

Lennie Tristano Contrafacts Otra improvisador la búsqueda de un nuevo sonido dentro del repertorio popular de la década de 1940 fue el pianista Lennie Tristano. Como pájaro que tomó las progresiones de acordes de canciones populares y creado nuevas melodías que incorporaron los conceptos musicales que estaba trabajando. Escuchar las canciones de ambos jugadores, el concepto de la contrafact es el mismo, sin embargo se puede escuchar de inmediato cómo las melodías de Tristano reflejan un estilo musical único y pájaro de otro.

A continuación se presentan algunos contrafacts Tristano comunes compuestas sobre las progresiones de acordes a algunas normas bien conocidas: Ablución = Todas las cosas que son Abril = voy a recordar abril Contracorriente = I Got Rhythm Lennie-Bird = Cómo High the Moon 317 East 32nd = Fuera de ninguna parte Además, echa un vistazo a esta grabación dúo informal de Charlie Parker y Lennie Tristano jugando "No puedo creer que estás enamorada de mí" para escuchar estos dos estilos espalda con espalda.

Rearmonización La segunda técnica de reinventar el cancionero estándar utilizado por los improvisadores es rearmonización - alteración de un acorde o una secuencia de acordes en la progresión de una canción al tiempo que conserva la melodía original y el esquema estructural de la melodía. Después de experimentar con la alteración de la melodía a través de la contrafact, el siguiente paso lógico es cambiar realmente la progresión de acordes de una melodía - rearmonización. Por ejemplo, echar un vistazo a la progresión normal blues de 12 compases y rearmonización de pájaro de los azules: 12 Bar Blues

Pájaro de los azules

Algunos acordes se han modificado o sustituido para crear un movimiento armónico más densa, pero la forma general de la melodía sigue siendo el mismo. También puede consultar este artículo, Básico Bebop rearmonización, para más información sobre este concepto. Aquí están algunas rearmonizaciones comunes que es probable que encuentres en algún momento de su viaje musical: Azules = Blues for Alice Ritmo Cambios = Eterno Triángulo Cómo High the Moon = Satélite Rosetta = Yardbird Suite de

Coltrane rearmonizaciones "He encontrado que tienes que mirar hacia atrás en las cosas viejas y verlos en una nueva luz." ~ John Coltrane

En los finales de los cincuenta John Coltrane comenzó a experimentar con rearmonización y el concepto de terceros relaciones no diatónicos o cromáticos. A continuación se muestra un ejemplo de esta técnica rearmonización creó en un ii-V7-I en la clave de C.

En rearmonización de Coltrane de la norma ii-V7 -I progresión muestra arriba, los nuevos centros clave son Ab, E y C. El esquema básico sigue siendo D-7 al G-7 a C, pero duplica el movimiento armónico e introduce nuevos centros clave moverse por tercios cromáticas.

Además, acorde dominante relacionados (V7) se coloca a continuación antes de cada uno de los centros clave para acentuar su llegada.

A continuación se muestra una lista de canciones que melodías Coltrane y rearmonizaciones que utilizan la relación acorde de arriba: Cuerpo y alma Pero no para mí

Quinta Casa = Hot House Cuenta atrás = Tune Up La primavera está aquí Satélite = Cómo High the Moon 26-2 = Confirmación

Un estándar en evolución Tal vez la mejor manera de ilustrar el uso de contrafacts y rearmonización es tomar un estándar y mirar cómo los diferentes músicos han jugado. Echemos canción de Cole Porter "¿Qué es esa cosa llamada amor." ¿Qué es esta cosa llamada amor: Cole Porter, 1930 Aquí está la disposición Clifford Brown y Max Roach de ¿Qué es esta cosa llamada Love.

a) Hot House: Tadd Dameron, 1945 Esta melodía compuesta por Tadd Dameron refleja las señas de identidad del movimiento bebop, una melodía cromática, complejidad rítmica, y los tonos de acordes alterados.

b) Subconsciente-lee: Lee Konitz, 1949 Lee Konitz estudió con Tristano y la influencia del pianista es evidente en su composición.

c) Quinta Casa: John Coltrane, 1959 Coltrane tomó la progresión a lo que es esta cosa llamada Love? Y aplicó su cromática tercera rearmonización.

A continuación se muestra un extracto del cuaderno de Coltrane mostrando su rearmonización Quinta Casa. Aquí se puede ver claramente la 3ª relaciones cromáticas que está implicando en su solo sobre la línea de bajo ostinato en la sección A y otra vez la misma rearmonización en el puente.

Los cuatro de las canciones anteriores se basan en que la progresión de acordes Cole Porter original y melodía. Con de Tadd Dameron Hot House y de Lee Konitz subconsciente-lee se puede escuchar el enfoque creativo del contrafact - nuevo contenido melódico a través de una progresión de acordes existente. Sin embargo, en la Quinta Casa Coltrane puedes Golden Retriever oír cómo un rearmonización puede cambiar completamente el carácter de la melodía original, conservando la forma melodía original. El mismo proceso, por ejemplo, también podría hacerse con How High the Luna:

a) Ornitología b) Lennie - Bird c) Satélite

¿Cómo acercarse a contrafacts y rearmonizaciones Improvisadores han estado jugando el mismo grupo básico de normas para los últimos sesenta o más años. En ese momento, una gran cantidad de innovación musical ha ocurrido y gran parte de ella ha sido aplicada al cancionero estándar. Muchas veces cuando nos metemos en el jazz que escuchamos los más nuevos álbumes, los nuevos artistas y las más nuevas melodías. Vamos directamente para las cosas más de moda (como contrafacts y rearmonizaciones) y tratar de empezar a aprender la improvisación en ese mismo momento. Es fácil olvidar que todo lo nuevo y creativo tiene un punto de origen. Tratando de iniciar su educación musical con un rearmonización o una contrafact es como saltar en una trilogía de películas y comenzando con la tercera entrega. Es confuso y exasperante para mantenerse al día con la historia. ¿Qué está pasando? ¿Quién es ese chico? ¿¿Esperar lo?? Si se salta la historia de fondo que va a estar muy confundido y desanimado. Lo mismo es cierto si saltas derecho de satélite sin entender o saber cómo High the Moon. Se acercó como esto ambas melodías fácilmente parecen no relacionada y completamente diferente. En realidad, el grupo de normas que los músicos a menudo juegan son más conectados y relacionados de lo que pensamos. Una y otra vez nos encontramos con las mismas progresiones y tipos de movimiento armónico en las canciones que estamos aprendiendo y escénicas. A través de los años como la música evolucionó también lo hizo el acercamiento a la colección de canciones populares. Para entender realmente la evolución del Great American Songbook que necesita para empezar por el principio, y esto significa entender dónde están sus contrafacts y rearmonizaciones favoritas vienen.

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Transcripción NO está transcribiendo: ¿Cómo este Término Equivocado Usted ha extraviado Publicado por Eric En 07 de enero 2011 @ 03:10 am En Oído, Perspectiva, Transcripción | No Comments

transcribir verbo transitivo R: Para hacer una copia por escrito de b: para hacer una copia de (dictada o grabado materia) en escritura a mano o en una máquina c: para parafrasear o resumir por escrito d: representar (sonido) por medio de símbolos fonéticos Esta es la definición que encontré para transcribir la palabra cuando lo busqué en el diccionario Merriam-Webster recientemente. Tenía curiosidad por llegar al fondo de lo que realmente significa la transcripción, una palabra que había oído durante años como yo estaba aprendiendo a improvisar. Desde que empecé a interesarme en el jazz, transcribir solos se promociona continuamente a

medida que el "secreto" para el aprendizaje de la improvisación. Los músicos de jazz y los educadores constantemente hablaban de la transcripción, pero parecía que había un conflicto en lo que se entiende realmente por la palabra transcribir, así como la razón detrás de hacerlo. A lo largo de los años he conocido a improvisadores increíbles que afirmaban que nunca han transcriben un solitario y han encontrado otros que dicen que han transcriben cientos de solos. He tenido profesores que no escriben solos de abajo, pero tuvo numerosos solos memorizados hasta el punto en que podían cantar sin sus instrumentos. Por otro lado, me he encontrado con jugadores que tenían decenas de solos escritas, pero no parecían retener nada de eso o mejorar al hacerlo. Entonces, ¿quién es el adecuado y por qué hay tantas discrepancias si todo el mundo es "transcribir"? A pesar de que no siempre podemos creerlo, las palabras y el lenguaje que utilizamos, tienen una conexión directa con la forma en que pensamos y las acciones que llevamos a cabo. Para mí, la transcripción significaba inicialmente encender un registro, calcular una nota en solitario de nota, anotando cada nota, y acabado satisfecho con un solo anotada en un pedazo de papel. Yo había oído varias veces la palabra transcribir de numerosas fuentes y pensó inmediatamente en un proceso que culminó con un producto escrito. No es demasiado descabellada, porque para transcribir, como lo demuestra la definición anterior, implica directamente algo que implica la escritura. Como he madurado y comenzó a sumergirse en serio a mí mismo en la música y estudiar cómo los maestros aprendieron la música, empecé a ver que "transcribir" significaba algo mucho más amplio que la definición real o implícita de la palabra.

¿Qué es lo que quiere lograr mediante la transcripción? Antes de decidirse a transcribir, pregúntese por qué usted está aprendiendo un solo particular y lo que espera salir de ella: ¿Estás escribiendo hasta un solo de robar una línea? ¿Necesita un ii-V lamer en F #? ¿Está buscando algo para jugar a través de la sección A de cambios de ritmo Bb? ¿Necesita un lamer "fuera" para insertar en sus solos? ¿Usted está transcribiendo como una forma rápida para convertirse en un gran improvisador? Estas fueron todas las razones que he dado a mí mismo para transcribir solos en el pasado. Durante años me había estado escribiendo abajo solos y preguntándose por qué yo no estaba viendo la mejora. Después de correr en piedra de tropiezo tras tropiezo, me he dado cuenta que escribir una sola línea de un solo y esperando resultados drásticos, como las razones anteriores, es un error enorme. El simple acto de escribir una nota en solitario para la nota o el aprendizaje de una mano en una clave no automáticamente hará un mejor músico de jazz. Sí, se puede obtener información de un registro por escrito a cabo un solo en el papel, pero en

el largo plazo que está ganando muy poco en comparación con lo que es posible. Tal vez la pregunta que usted debe preguntarse es: ¿Qué es lo que planeo hacer una vez que haya esa línea escrita a cabo y cómo voy a hacer que una parte de mi juego? El problema para mí no era que yo estaba tratando de aprender solos, pero el método en el que me estaba poniendo la información y lo que hice con esa información una vez que lo tenía.

No es W sombrero que estés transcribir, pero ¿Cómo transcribir El único aspecto de la transcripción que mejora enormemente su musicalidad es el proceso de averiguar el solo de oído. Verdaderamente oír los intervalos, acordes, y la articulación de un solo y la internalización de ellos. En lugar de encontrar la línea de una nota por nota y va directamente al papel, usted debe cantar la línea y juega con él en su instrumento en varias ocasiones. No sólo va a comenzar inmediatamente a memorizar el solitario, pero vas a comenzar a mejorar sus oídos; aprender a escuchar los tonos de acordes, progresiones y los intervalos a lo largo del camino. En esencia, el desarrollo de una habilidad necesaria para todos los improvisadores: aprender a tocar lo que estás escuchando. Si el aprendizaje por el oído, mientras que la transcripción es tan beneficioso, ¿por qué no son más educadores hincapié en esto? Muchas veces el foco de la transcripción en un entorno educativo está en el producto final escrito. El objetivo de un ser tarea de transcripción: para ver lo que los maestros están jugando en los cambios, para ver cómo están navegando ii-V, para ver lo que hacen cuando están jugando "fuera", etc. Todas las acciones que involucran interactuar visualmente con el solo, viendo las notas escritas en papel. Mientras informativa, esto es simplemente un análisis y comprensión del solo nivel de la superficie; usted tiene el solo escrito, pero se puede jugar? Debido a esta forma de pensar, esperamos resultados inmediatos de escribir el solo y verlo en un pedazo de papel, cuando, en realidad, el verdadero beneficio viene a través del proceso de aprendizaje que en solitario por el oído. Idealmente, los educadores deben promover la transcripción como una manera de desarrollar sus oídos, una forma segura de oír las progresiones de acordes, un método para aprender a articular, la mejor manera de memorizar rápidamente melodías, etc. Al conocer los beneficios de la transcripción antes de empezar, obtendrá mucho más fuera del proceso. A través de mi propia prueba y error, me he dado cuenta de que, aparte del beneficio del entrenamiento del oído, la razón más importante para transcribir es aprender el lenguaje del jazz, desde su estructura y frases para que es la inflexión y la articulación. Escúchalo, imitarlo, interiorizarlo, y, finalmente, innovar sobre ella. Comúnmente referimos a este proceso como "transcripción", pero la dolorosa ironía es que todos los pasos anteriores no implican la escritura - ni siquiera un solo trazo de lápiz. Entonces ¿por qué llamarlo transcribir?

¿Cómo se aprende una lengua? Piense acerca de cómo aprendió a hablar. Cuando inicialmente aprendido un idioma, no lo escribes o lees de un pedazo de papel. Nos enteramos por el oír sílabas fonéticas lentamente, repetirlos, ampliando en palabras, y, finalmente, expresarnos a través de este medio de

sílabas habladas. En resumen, tomando la información a través de nuestros oídos y recreando con nuestras voces. Poco a poco hemos dominado esta técnica y pudimos crear nuestras propias frases y comunicarse con este lenguaje. No es hasta que ya estamos hablando con fluidez, que vemos este lenguaje escrito. Aprender el lenguaje del jazz debe ser abordado de la misma manera. El jazz es esencialmente un segundo idioma que está aprendiendo a improvisar con. La manera más eficaz de aprender un nuevo idioma, si se trata de un lenguaje musical o hablada, es escucharlo y repetirlo. Digamos que usted está tratando de aprender algunas frases en francés, que tiene están escuchando el CD y el de instrucción con atención a cada palabra y frase. Cuando usted oye las palabras pronunciadas desde la grabación, vas a escribir las palabras antes de tratar de hablar de ellos, volver más tarde para tratar de recrear las frases de la hoja de papel? Absolutamente no. Esto es equivalente a "transcribir", escribiendo una nota en solitario para la nota y luego reproducirlo desde el trozo de papel. La información que estamos buscando es en el sonido y nuestra tarea es desarrollar nuestra técnica para recrear ese sonido.

Crea tu propio vocabulario Cuando escribes un solo antes de que usted lo tiene memorizado, se puede sentir como que está escrito en piedra. Una vez que vemos esa línea en un pedazo de papel, que son menos propensos a desviarse de él. Transcripción debe ser un proceso que aviva el fuego de nuestra creatividad en lugar de un proceso que limita nuestras opciones. Al aprender e interiorizar un solo con los oídos y los instrumentos, no nuestros ojos, estamos invitando a la posibilidad de la innovación y la personalización; haciendo nuestro propio vocabulario personal de lo que hemos absorbido. Para evitar jugar una línea que ha aprendido de la misma manera cada vez, debe cambiar su forma de pensar cuando se acerca el proceso de transcripción. En lugar de apuntar a transcribir un solo lamer en una de las claves para insertar en tu forma de tocar, su proceso de pensamiento con respecto a la transcripción debe promover la internalización y embellecimiento. Cuando se inicie la transcripción, el objetivo de un proceso que le anima a crear sus propias líneas, por ejemplo: Tome una línea o frase de un solo que te interese Canta cada nota en la línea de todo lo que suena Juega esa línea en su instrumento, copiando cada articulación e inflexión Transponer esa línea para todas las doce teclas, repitiendo cada tecla hasta que sea cómodo y fácil Comience a crear sus propias líneas cambiando una nota (p. 9 a b9) o cambiar el ritmo

Transcribir ... o aprender de oído ?? Está claro que tenemos que redefinir lo que entendemos por la palabra "transcribir". Mientras que muchos grandes músicos de jazz dicen que no transcribir o escriben solos, están definitivamente sumergirse en la música auditivamente. Algunos músicos ver la transcripción

como un proceso por escrito, mientras que otros lo ven como un proceso auditivo. Buscando a los mejores músicos de todo hoy en día, se ha vuelto evidente para mí que ellos han aprendido la música de oído, independientemente de si se han escrito que después de aprenderlo. Desde el estudio con muchos grandes maestros, lo importante que han destacaron es que el jazz es un lenguaje. El lenguaje se vive cuando se habla, se utiliza para comunicar ideas, evolucionando a diario para reflejar las emociones y los pensamientos de las personas que hablan la misma. Cuando existe el lenguaje sólo en la escritura no puede evolucionar, está escrito en piedra, perdiendo lo visceral lo que significa que una vez tuvieron. Debemos recordarnos a nosotros mismos que el jazz sigue siendo una lengua viva, una de las pocas "tradiciones orales" que queda en nuestra cultura. Acercarse a la improvisación de una manera analítica o académica (estudiándolo en la impresión), mientras informativa, es sólo arañando la superficie de lo que el jazz es realmente. A medida que aprendemos la música, hay que tratar de disfrutar de la información auditiva y comunicarse con ella musicalmente. El aprendizaje de la música de oído de los registros es, sin duda, la mejor manera de lograr esto. Una vez que haya interiorizado que fonéticamente, es de usted si usted lo llama "la transcripción, el" aprendizaje por el oído, o lo que quieras. De cualquier manera el puede estar seguro de que la parte más importante está hecho, así que deje la semántica para todos los demás que preocuparse!

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Fórmulas para aplicar Jazz Idioma a diferentes situaciones armónicas Publicado Por Forrest En 11 de noviembre 2011 @ 12:00a.m. En Acordes, Jazz Idioma, Consejos | No Comments

Como el artículo pasado miércoles discutió, aprender a aplicar el lenguaje de melodías es crucial, ya que pone la lengua en su contexto, permitiendo que sus orejas y los dedos para obtener una comprensión de cómo integrar el lenguaje en su concepto general. Con el tiempo, el lenguaje que la práctica de esta forma se materializará de forma espontánea en nueva forma, sorprendiendo incluso usted. Vas a cambiar el idioma de forma natural, lo combina con otras cosas que usted sabe, o incluso utilizarlo en un lugar totalmente diferente de lo que era originalmente. Eso es lo que estamos hablando hoy en día: el uso de la lengua en un lugar diferente al de su contexto original, armónica. Existen muchas fórmulas, que una vez conocidos parecerá obvio, que le ayudarán en la transferencia de una idea musical para una variedad de situaciones nuevas. Por supuesto que no puede utilizar estas fórmulas a ciegas. Usted debe entender completamente el material melódico que está trabajando y experimentar con lo que funciona mejor con esas líneas específicas. Algunas líneas funcionarán a la perfección con una fórmula especial, mientras que otros no funcionan en absoluto. Estas fórmulas están destinadas a hacerle pensar sobre lugares comunes que usted puede tomar un pedazo de lengua. Utilizarlos como un punto de partida para descubrir otros puntos de transformación de la lengua que usted puede seguir para sacar de medida que adquieren más y más idiomas.

Línea de Major: utilizar el acorde menor de una tercera menor abajo Esto sería: fa mayor para re menor. Este es uno de mis favoritos porque es tan simple y tan eficaz. Funciona bien con líneas que subrayan la tríada mayor porque esas notas (FAC) son el 3-5-7 del acorde menor. Aquí hay una línea que oigo George Coleman jugar de vez en cuando en alguna forma u otra.

Usted puede escuchar en torno a 2:40 que él utiliza una línea similar. Si usted comienza a escucharlo más, se escucha que use las ideas como esta con bastante frecuencia. Esta línea, que funciona de maravilla más importante, solo puede trabajar con la misma facilidad en un acorde menor, una tercera menor abajo:

Línea de Major: utilizar el acorde mayor de un quinto por debajo Un ejemplo de esto es: C mayor a F mayor. Esta fórmula y el siguiente (dominante, por toda una etapa de gran # 11) se relacionan con el acorde original en quintas. Con cada quinta, se obtiene más alto en el acorde original y eso es por qué funciona. Esto es lo que quiero decir:

Si apila tríadas en quintas partes continuas, por partida doble, se obtiene todos los tonos de acordes del primer acorde. Echa un vistazo de cerca y verás. Hay 1-3-5-7-9- # 11-13 de fa mayor. Esto no es por casualidad. La música está muy estructurado. Así que en esta fórmula, cuando se juega una importante idea de C en fa mayor, simplemente está jugando la parte superior del acorde original. Un simple do mayor idea:

La misma idea jugado más de fa mayor es la parte superior de la cuerda:

Línea dominante: utilizar el acorde mayor todo un escalón por debajo de G dominante para fa mayor. Esta fórmula es bastante similar a la última. Es sólo la parte superior del acorde original. Pero la idea es, el lenguaje se juega sobre G7 será diferente de C o F, por lo que le puede dar una nueva perspectiva de cómo este lenguaje puede sonar. He aquí una idea G7 tipo bebop:

Ahora, podemos aprovechar esta misma idea y utilizarla durante un F Major 7 # 11

Una cosa que usted debe darse cuenta de este ejemplo es que usted no necesariamente tiene

que aprender el lenguaje de cada situación poco armónica detallada. Lo básico tiene todo cubierto, siempre y cuando usted entienda cómo aplicarla a estos sonidos ligeramente diferentes.

Línea Menor: usar el acorde de dominante quinta abajo Este es otro de mis favoritos porque es tan simple, pero tan poderoso. Tome un pedazo de lengua que tiene sobre un acorde menor y aplicarlo a que es pareja dominante. Un par dominante es el acorde de dominante que el acorde menor sería emparejar con una progresión V ii, así por ejemplo, F7 es par C de menor importancia. He aquí una idea menor C:

... Ahora sólo tienes que jugar a lo largo de su pareja dominante de esta manera:

No hay que subestimar lo poderoso que es esto. Si usted tiene una serie de acordes dominantes, que podría fácilmente jugar lengua menor.

Línea Menor: utilizar más de un acorde de media disminuida por una tercera menor Para todos ustedes que leen Cómo no Suck A Acordes-Disminución de la mitad y necesita un poco de ayuda extra, esto es para ti. Toda su lengua menor puede aplicarse fácilmente a los acordes medio-diminutos. He aquí una idea menor C:

La misma idea en la A-media disminuida:

Se trata de una transformación tan sutil que puede empezar a tomar ventaja de hoy. Acordes disminuidos medio es ahora mucho más fácil.

ii línea de V: el uso como un menor de edad ii V por una tercera menor Esta fórmula tiene la fórmula anterior al siguiente nivel y le ayudará a no aspirar a los acordes medio-disminuido también. Sé lo que estás pensando. ¿Se puede realmente transferir toda una V ii una tercera menor y que sea menor de edad ii V? ¡Por supuesto que puede! Original ii V:

Ahora más de un menor ii V:

Fórmulas para la aplicación de la lengua Esto ciertamente no es todas las posibles fórmulas para aplicar el lenguaje. Estas son sólo algunas que cubren mucho terreno y parece ser el más útil la mayor parte del tiempo (otro ejemplo de aplicación del principio de Pareto a Practicar), pero se puede llegar a muchos más. Algo a destacar: estas relaciones existen en ambas direcciones, por ejemplo, al igual que una gran idea F podría trabajar sobre Re menor, una idea re menor podría trabajar sobre fa mayor. Cuando usted tiene un puñado de maneras conjunto para transformar un trozo de la lengua de una situación armónica a otro, su paleta armónica amplía enormemente. Estudiar las fórmulas presentadas en este artículo y pronto verás la inmensa flexibilidad en cada pieza de la lengua que se aprende. Una idea ... situaciones armónicas interminables para explorar.

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La comprensión de acordes Tonos Publicado por Eric En 08 de febrero 2012 @ 07:57 am En Acordes, Conceptos, Oreja | No Comments

Recientemente hemos recibido algunas preguntas con respecto a los tonos de acordes: cómo trabajar en escucharlos, cómo apuntar para ellos en sus líneas, y la forma de conectarlos cuando estás improvisando sobre una progresión de acordes. Entendiendo el sonido y la función de los tonos de acordes es importante para su éxito como improvisador. Sin embargo, es importante recordar que los tonos de acordes no son el único aspecto de la improvisación que tiene que preocuparse. De hecho, al centrarse sólo en estas notas o formas específicas para conectarlos cuando improvisa te puede llevar en la dirección opuesta, entonces usted está apuntando. Piense en esta capacidad de escuchar, comprender y utilizar los tonos de acorde en sus solos como otra habilidad en su arsenal de improvisación, uno de los muchos que se utiliza a diario para crear las líneas que estás escuchando en su cabeza. En otras palabras, los tonos de acordes debe ser sólo una pieza del rompecabezas, no su única manera de construir material a improvisar con. Con esto en mente, aquí son conceptos que pensar que va a poner en camino de la comprensión y el uso de tonos de acorde a su ventaja. Junto con cada idea práctica, he incluido algunos enlaces a algunos de nuestros artículos que le guiará a través del proceso de adquisición de estas habilidades.

I) El ajuste de su acercamiento mental

Aunque el foco de la improvisación debe ser el sonido de la música, la forma en que usted piensa acerca de los acordes y sus respectivas notas del acorde puede tener un gran impacto en la forma de jugar. La forma en que usted visualiza un acorde afecta directamente a la forma en que usted va a improvisar sobre ese acorde. Esto es lo que la mayoría de la gente piensa cuando ven un símbolo CMaj7chord:

Una escala mayor. En realidad no es una sorpresa, porque así es como se enseña la teoría y la improvisación en todas partes. Sin embargo, esta forma de pensar limita su musicalidad y no le permite. En lugar de pensar en cada acorde como una escala, ver cada acorde como, bueno ... un acorde. Una pila de terceras partes construidas sobre la raíz del acorde. Con esta mentalidad, no hay "notas correctas" y no hay "notas equivocadas." Algunos de los tonos de acordes son más consonante y tienen un fuerte tirón tonal, mientras que otros son más disonante y, naturalmente, quieren resolver. Cada nota tiene su propio sonido distintivo. Cuando ves a un acorde, trate de pensar en ella como una pila o una línea de tonos de acorde:

En el ejemplo anterior, se utiliza cada nota de la escala mayor, sólo están mentalmente organizados para que pueda aislar cada tono acorde con gran rapidez. Jugar a estos en el piano para arraigar el sonido, así como el aspecto estructural de estos acordes. Si usted no tiene experiencia con el piano, entonces es el momento de revisar algunos conceptos básicos de piano. Al reproducir estos acordes en el piano, se puede captar visualmente la estructura lógica de cada acorde y escuchar el sonido de ambos toda la cuerda y el tono acorde individual. Ir a través de todos los tipos de acordes en el piano:. Mayor 7, V7, menor 7, disminuido, Maj 7 5, etc. Juega la sonorización básica en la mano izquierda (1, 3, 5, 7) y reproducir los tonos de acorde individuales uno a la vez con la mano derecha. Si usted hace este ejercicio en todos los tonos, podrás pensar en cualquier tono acorde en cualquier tecla cuando se está improvisando.

La visualización de acordes Tonos Esto puede ser una gran cantidad para hacer frente a la vez, por lo que hace un algunos ejercicios de visualización simples puede ser muy eficaz con un concepto como tonos de acordes. A veces sólo se reduce a la memorización pura. La realidad de la improvisación es que en una fracción de segundo, lo que necesita saber el tercero de un # -7 acorde de F, el B9 de un acorde G7, el día 13 de un acorde C-7, y así sucesivamente. Para algunas ideas sobre la práctica de la visualización, echa un vistazo a estos artículos: ¿Cómo poner tonos de acorde a su alcance JazzAdvice visualización de libros electrónicos

II) Conseguir tus oídos a la velocidad Usted puede ser capaz de entender intelectualmente la idea de la estructura de acordes y la voz líder, pero al escuchar estas ideas es un mundo completamente diferente. Para ser un verdadero éxito con este concepto, es necesario escuchar lo que has captado mentalmente. Esto significa hacer algunos ejercicios de entrenamiento auditivo. Entrenamiento del oído es una de las habilidades más importantes que debe tener como improvisador e irónicamente, es una habilidad que la mayoría de los jugadores ignoran. No ser parte de esta mayoría mediocre. Todo lo que necesita es de 10-20 minutos al día, y se puede mejorar drásticamente su éxito con la improvisación. Como he dicho antes, que todos podemos entender la teoría relativa rapidez, sin embargo conseguir nuestros oídos a la velocidad toma un poco de trabajo. Si no lo ha hecho así, echa un vistazo a estos tres artículos sobre el entrenamiento del oído para conseguir un comienzo al oír las cosas que desea jugar. Ejercicios de entrenamiento del oído Fundamental Ear Training Séptimos acordes Las cuatro tríadas básicas Usted puede estudiar la teoría todo lo que quieren, pero hasta que llegue a sus oídos involucrados y hasta la velocidad, usted va a estar en ejecución en los mismos problemas una y otra vez. Comenzar a entrenar a su oído hoy y en un lapso muy corto de tiempo, usted estará escuchando los tonos de acorde individuales de cada acorde o progresión que se juega sobre.

III) Aprenda a escuchar en el color El paso final y más importante paso en la comprensión de los tonos de acordes está aprendiendo a escuchar en color. Ahora bien, esto puede parecer extraño al principio, pero pensar en ello por un segundo. Usted ve el mundo en color, las imágenes, la luz y la oscuridad. Usted no ve con las palabras, que se ve en color. Debe ser la misma con la música. No escuchamos tríadas o terceras partes o de B9, escuchamos el sonido real de que esos

términos musicales están tratando de describir. El problema que muchos de nosotros topan con improvisación es que estamos tratando de improvisar con la terminología. Tonos de acordes, resoluciones, acordes ii, acordes V, escalas alteradas, sustituciones, etc. Tenemos estas palabras en nuestra mente, entendemos el concepto teórico sobre el papel, pero cuando se trata de aplicarlos musicalmente, que están a la altura. La razón es que no reconocemos estos conceptos auditivamente, sólo existen como palabras en nuestra mente. Para salir de este cuadro teórico, tiene que lidiar con el sonido real de estos conceptos, no sólo las palabras. El verdadero aspecto de la comprensión de los tonos de acordes, viene cuando usted puede transformar su comprensión desde el punto de vista verbal a uno auditiva. Lo bueno de tonos de acordes es que todos y cada uno tiene un color muy distinto. El tercero tiene un cierto color, el # 11 tiene un sonido inmediatamente reconocible, un tono de tri tiene una disonancia único. Audición de color sólo requiere un simple cambio en su mente. Echa un vistazo a este artículo y aplicar estos conceptos la próxima vez que escuche un acorde: Audición en Color: Tonos de acordes en su contexto Con un poco de práctica, tanto mental como auditivamente, el concepto y la aplicación de tonos de acordes pueden llegar a ser una parte útil de su arsenal musical.

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Un programa para la construcción de su repertorio Publicado por Eric En 14 de abril 2011 @ 08:16 am En Perspectiva, Tunes | No Comments

Aprender canciones. Memorización de las normas. La construcción de un repertorio sólido que continúa creciendo. Estas ideas están siempre rondando en el fondo de la mente de un improvisador. Hacemos listas de canciones, imprimimos láminas de plomo para estudiar, establecer plazos para aprender un montón de melodías por y así sucesivamente y así sucesivamente. Durante años, he hecho todo esto y más, y te puedo decir por experiencia que estos métodos son simplemente ineficaces. Tratar de memorizar rápidamente una melodía de una lámina de plomo o corriendo a meter tantas canciones como sea posible se llevará a ninguna parte. El proceso de construcción de un repertorio de melodías duradera, sin embargo, es realmente un esfuerzo diario. Para aprender y arraigar correctamente las normas, es necesario reservar un tiempo e incorporar habilidades relacionadas en su rutina de la práctica diaria, en lugar de tratar periódicamente para abastecerse de normas. Mientras que algunos aspectos de la práctica de un enfoque músico de jazz en la creatividad y la libertad, esta es un área que requiere tiempo y disciplina dedicada - sentarse con los registros y lentamente inculcar melodías y progresiones auditiva, así como mentalmente. Usted encontrará rápidamente que este enfoque es mucho más beneficioso que hacer una lista enorme y tratando de atacar diez canciones a la vez. Aquí hay algunos conceptos clave a tener en cuenta como se llega a trabajar en la construcción de su repertorio:

Sólo hay tantas canciones La primera vez que se enfrentan a temas de aprendizaje, el gran número de normas de

aprender es francamente abrumadora. Recoge un libro real o mirar una lista de estándares de jazz y que da gusto ver que ahora se espera que conozca cientos de canciones. A pesar de lo que se ve, trate de no desanimarse inmediato. Si lo piensas bien, el número de canciones consideradas "normas" de jazz no ha cambiado significativamente desde la década de 1960. Los músicos siguen tocando las melodías, como todas las cosas que son, Cuerpo y Alma, Stella, etc. noche tras noche. Míralo de esta manera. Esa lista de canciones que estás mirando en este momento, será la misma lista de canciones que mirando a la cara de cinco años a partir de ahora. Dentro de diez años - lo mismo. El "Great American Songbook" se ha establecido y el núcleo melodías que se espera que un músico de jazz saber sigue siendo el mismo. En lugar de ver una lista de las canciones que se expanden infinitamente y perdiendo la fe en su capacidad o darse por vencido, se dan cuenta de que hay un número finito de canciones con las que usted puede hacer progreso notable. Tenemos más tiempo de lo que pensamos para trabajar en estos temas y usted puede hacer grandes progresos en el espacio de un año. Asumir este reto una melodía a la vez. Esforzarse para mejorar un poco y aprender más cada día.

Usted sabe que el tono? ¿Qué significa realmente "conocer" una melodía? Hay una idea común de que el conocimiento de una melodía consiste en el hecho de saber la melodía y ser capaz de recitar los cambios de acordes. Esto es algo que puede hacer mirando una hoja de plomo, pero ¿cuánto tiempo le recuerda que para? ¿Realmente tienes el control de esa melodía? Recuerdo que tratando de memorizar los estándares de esta manera: mirando a una página del libro de verdad y recitando los cambios de acordes y otra vez, hasta que tuve los nombres de los acordes memorizados. Como fui a realizar estas melodías, rápidamente me di cuenta de que yo estaba luchando para recordar los nombres de acordes y no en el control de la melodía o improvisar en el momento en absoluto. Nota al pasado-auto: La música no es un ejercicio mental, usted tiene que utilizar su oído! Uno de los subproductos de tratar de aprender tantas canciones como sea posible, es que en su prisa que nunca dominar una melodía o las habilidades que vienen con el aprendizaje totalmente la melodía. En realidad sólo está arañando la superficie de lo que la melodía es realmente. En lugar de memorizar melodías y cambios de acordes, que debería haber estado cultivando la capacidad de oír las melodías y los cambios y el desarrollo de la lengua para jugar sobre estos temas. Ponerse de acuerdo con este hecho condujo a un punto de inflexión muy importante para mí. Como mejorar mis oídos, melodías de aprendizaje se convirtió en papilla más fácil y

realmente divertido, en lugar de una tarea difícil que pesa sobre mi cabeza. Si no puede escuchar lo que está pasando con una melodía y si usted no tiene nada para jugar sobre ella, todas las canciones van a ser igualmente frustrante para usted. Cuál es el punto de memorizar otra serie de la melodía y los acordes cambios si usted está teniendo problemas para reproducir más de los que usted acaba de aprender. Hágase un favor y pasar suficiente tiempo en una melodía para que usted realmente dominarlo y puede hacer algo musicalmente con ella.

¿Cómo se aprende es vital En realidad, hay dos áreas de la construcción de un repertorio que es esencial: sus oídos y su acercamiento a aprendizaje- y ambos están conectados fundamentalmente. Aprender a escuchar Si nos fijamos en los mejores improvisadores por ahí y los músicos que saben un montón de canciones, todos ellos tienen algo en común: tienen grandes orejas. Han trabajado durante años en el desarrollo de sus oídos y melodías y progresiones de acordes de la audición, tanto en la sala de ensayo y en el quiosco de música. El desarrollo de su oído es esencial para el aprendizaje de manera efectiva las melodías y la construcción de un repertorio sólido. Cuanto más rápido que eres capaz de escuchar progresiones de acordes y averiguar melodías, más rápido será capaz de memorizarlos. Si no lo están haciendo ya, hacer el entrenamiento del oído ejerce una parte de su rutina diaria y se centran en la mejora de su capacidad para oír los cambios de acordes. Aprende a aprender La forma en que se aprende una canción es el factor más importante en la construcción de su repertorio. Su objetivo debe ser no olvidar nunca la melodía que está aprendiendo y el método que utilice determinará esto. Utilice sus oídos y tómese su tiempo. Si usted aprende una canción correctamente, no sólo va a estar permanentemente arraigado, pero usted también mejorar sus oídos y musicalidad global al mismo tiempo.

Pasar de ilimitado a específica Una de las habilidades más útiles en el aprendizaje es ver similitudes y conexiones en nuevos temas que te encuentres. En otras palabras, la conexión de lo que usted sabe con algo que usted no está familiarizado con. Esto no podría ser más cierto para melodías aprendizaje y después de haber trabajado en la mejora de su oído, esto se convertirá inmediatamente aparente y mucho más fácil. El primer paso es darse cuenta de que con cada nueva canción, usted no tiene que volver a inventar la rueda. La mayoría de las normas tiene los mismos componentes fundamentales: Mayor y tonalidades

menores, mayores y menores ii-V, plazos de entrega, etc. Al ser capaz de escuchar estas progresiones y que tiene el lenguaje para cada uno de estos sonidos, usted será capaz de jugar más cualquier punto de vista, si usted ha memorizado o no. Entendiendo que usted no tiene que aprender cientos de canciones completamente separados y no relacionados es crucial para la formulación de un plan de acción. La mayor parte de las "normas" que estamos esperábamos aprender son más similares que es inicialmente evidente. Ver las similitudes en la construcción melódica, tipos de acordes, progresiones armónicas, y la forma entre todos los temas que usted está aprendiendo.

Toda una vida de trabajo Algunas canciones que nunca van a hacer con, porque siempre hay margen de mejora o la creatividad. El blues, cambios de ritmo, y todas las cosas que son, por ejemplo, son interpretados por músicos de toda su carrera. Nunca se haya terminado con una melodía. A medida que su vocabulario armónico, técnica instrumental, y la oreja mejora, podrás acerque a estas normas en una forma completamente nueva, con lo que estos nuevos conceptos y habilidades para la misma melodía de edad. Cuando te acercas a ella con esta actitud, cada melodía puede tener infinitas posibilidades armónicas y avenidas creativas. Si quieres pasar a escuchar a alguien decir que se aburren con una melodía en el futuro, usted puede estar seguro de que la melodía no es el problema.

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La superación de bloqueos creativos como improvisador Publicado por Eric En 27 de agosto 2012 @ 14:27 En Consejos para todos, Perspectiva, rutinas de práctica, Consejos | No Comments

A pesar de lo que todos piensan, ser creativo no es fácil. Usted no sólo se encuentra repentinamente con el talento de un día y empezar inmediatamente a crear grandes obras de arte. Se necesitan años de duro trabajo para desarrollar las habilidades artísticas y una vez que tenga estas habilidades, no es ninguna garantía de que su visión artística siempre encontrará una manera de expresarse. Las personas creativas de todo tipo se encuentran con un bloque en algún momento de su trabajo. Hay una serie de fuentes externas que pueden causar este bloque: los nervios, la presión, el miedo, el cansancio, etc. Pero, los que realmente nos sostienen son los obstáculos que vienen de dentro de nosotros mismos. Todos hemos oído hablar del bloqueo del escritor, sin embargo los problemas creativos no sólo afectan a ese escritor desesperada lucha para comenzar la primera palabra de esa primera frase, que afectan a los artistas de todo tipo. El compositor abatido sentado al piano en medio de una montaña de papel personal en blanco. La falta de sueño pintor con una mirada vidriosa en off, mirando a un lienzo en blanco sin remedio. Y familiar para todos nosotros, el improvisador luchando corriendo por la progresión de acordes a todas las cosas por el momento bazillionth la búsqueda de una nueva línea, un nuevo sonido, un nuevo enfoque ... nada nuevo para jugar.

A veces, esta es la manera que es, usted acaba de golpear una pared. Ser inventiva, imaginación y espontánea a diario no es fácil y cuando finalmente golpeó la pared puede ser un gran obstáculo para superarlo. Sin las ideas, la frustración, el aburrimiento y un estancamiento creativo completo. En un momento u otro todos nos golpeamos una pared creativo y si se está trabajando en el desarrollo como improvisador, esto sucede con más frecuencia de lo que piensas. "Todo en la vida se puede escribir acerca de si tiene las agallas salientes para hacerlo, y la imaginación para improvisar. El peor enemigo de la creatividad es la duda ". Sylvia Plath ~

En lugar de tratar de evitar este bloqueo creativo, es más realista para encontrar la manera de superar este muro inevitable. Si usted aprende algunas tácticas clave para superar esta congelación de cerebro musical, se puede encontrar una manera de estar todos los días creativos y productivos. Aquí hay 5 trucos para desbloquear el flujo creativo como improvisador:

1) Elija una idea y seguir con ella Si usted se encuentra atascado en una melodía, aburre con su juego, o en una pérdida en cuanto a lo que usted debe practicar primero, el problema es simple, pero uno que es difícil de ver. Usted está tratando de hacer frente a demasiado a la vez: demasiadas canciones, demasiados acordes, demasiados conceptos armónicos, demasiadas escalas, demasiadas líneas, demasiadas transcripciones ... Es simple sobrecarga de información. Cuando su mente se enfrenta con posibilidades ilimitadas, se asusta y se apaga. Con demasiadas opciones para pensar en como se improvisa su mente dibuja un espacio en blanco y vuelve a él es los viejos hábitos. Cuando esto sucede, vuelta a las tablas en el proceso creativo. En lugar de ver que la progresión de acordes como tener posibilidades ilimitadas, elegir una idea simple para enfocar. Con esta idea singular, su mente se iniciará automáticamente al llegar a nuevas ideas. Otras opciones, otras permutaciones, otras maneras a - ahora el motor creativo ha empezado a correr. Usted puede incluso hacer un juego fuera de este concepto. Tome la melodía que se está trabajando en - aquel en el que se le han acabado por completo de ideas y está atascado en un bache importante en. Tal vez es todo lo que eres.

En una hoja de papel que se va a escribir "ideas creativas." Esto podría ser diferentes ritmos, podría ser el lenguaje que has transcrita, que podría ser un concepto armónico, podría ser una articulación, o incluso un modo de pensar. Una lista de ejemplos podría tener este aspecto: "Ideas creativas" Juega trillizos en vez de corcheas Sustitución Tri-tono en acordes V7 Utilice una línea Mayor de un solo transcrito en importantes acordes Comience líneas en los tiempos débiles - no hay tiempos fuertes Juega en el registro grave Comenzar o terminar sus líneas el día 3 de cada acorde Canta un coro en vez de jugar en tu instrumento Use más espacio: jugar por cuatro barras, descansar durante cuatro barras Utilice los intervalos o el ritmo de una línea transcrito como un motivo para su solitario Ponga todos estos elementos en fichas separadas. Cuando estás practicando una canción y te sientes como si te has quedado sin ideas, elegir una de estas tarjetas de nota de la pila al azar. Esta será la única idea que vas a utilizar para su solitario. Digamos que usted escogió "sustitución tritono en V7." Para su próxima solitario que sólo va a centrarse en la sustitución de esos acordes V7. O dice usted escogió "utiliza más espacio," juega una idea luego descansar durante cuatro barras, y luego jugar otra idea. Este simple ejercicio se romperá liberarte de tus hábitos arraigados y mentalidad rancio. Una idea provocará nuevas ideas y diferentes posibilidades. En lugar de tratar de incorporar todas las ideas armónica, rítmica, melódica y jamás se haya creado en su solo, tomar esa una idea y variar un poco. Esto es lo que nuestras mentes son buenos, se trata de la creatividad en el trabajo.

2) Imagina que eres otro músico de jazz y jugar en su estilo ¿Recuerdas cuando eras un niño y jugabas de vestir? Con la imaginación de un niño, se puede poner en un traje y convertirse en un personaje, puede crear un nuevo mundo lleno de posibilidades. Incluso un apoyo simple como un sombrero, una capa hecha de una manta vieja, o un par de lentes de sus padres fue suficiente para alimentar la imaginación para crear otro personaje. Cuando sus propios jugos creativos se han secado, este juego de la infancia puede ser justo la cosa para encontrar su creatividad otra vez. Su tiempo de dar un paso fuera de ti mismo por un momento. ¡Conviértete en un personaje más, otra personalidad, otro improvisador. Tome uno de sus héroes musicales y entrar en sus zapatos por un momento. En lugar de enfoque de los solos de su forma de pensar rancio, abordarlo desde la perspectiva

completamente diferente - la de un maestro musical. Esto es fácil de hacer, sólo encender un registro de un improvisador con un enfoque único e imitar ese estilo. Usted no tiene que transcribir la nota en solitario para la nota, sólo tienes que copiar su sonido, su articulación, el estilo de la forma en que el swing. Consigue que el sonido en el oído y luego tratar de llegar a ser ese jugador. Como trompetista que podría poner en un registro Clark Terry y imitar su articulación, su estilo de swing, y su sonido. Una vez más, usted no tiene que transcribir durante horas, simplemente escuchando una melodía te llevará a ese espacio. Es todo acerca de las sutilezas.

Después de sumergirse volver a esa melodía que estaban teniendo problemas con el. Ponte el sombrero de Clark Terry, probar las gafas de Chet, o hablar con acento de Freddie. Conviértase en que la personalidad musical y ver la música a través de sus ojos y oídos. Ahora trata de improvisar otro coro. Usted será sorprendido por lo que un poco de rol musical puede hacer por su creatividad.

3) Practique con un amigo Cuando estamos practicando solo, completamente dejado a nuestros propios dispositivos, tendemos a caer en el mismo patrón una y otra vez. Jugamos a lo seguro y se adhieren a lo que es familiar y cómodo. Esto a su vez, conduce a reforzar el mismo material una y otra vez. No es que lo divertido de tener una conversación con uno mismo, créeme que he probado. Sin embargo, esto es lo que improvisar con una obra de teatro-a-long en la sala de práctica es como - una conversación unilateral donde usted sabe exactamente lo que va a decir palabra por palabra. Para ser creativo, necesitamos de entrada exterior, otra mente o mentes que proporcionan la

entrada de música. Las ideas frescas y una caja de resonancia de las ideas que están subiendo con. La solución es simple, encontrar a alguien más para practicar. Podría ser alguien en su instrumento, un baterista, un bajista, cantante - nadie. Hay una serie de ejercicios por ahí para despertar la creatividad al jugar con otro músico o incluso por usted mismo. Al escuchar a alguien más improvisar provocará ideas en su mente. Usted verá obligado a llegar a algo nuevo. Es como un tipo de rendimiento, que no quiere jugar el mismo cosas en frente de una audiencia, usted necesita encontrar algo original. Esos viejos lame y los patrones tienen que ser echada fuera, es hora de improvisar de verdad.

4) Deje de jugar Sí leyó usted bien. Deja de jugar en estos momentos. Salir de la sala de ensayo y alejarse de su instrumento. Si te sientes creativo atascado, jugando los mismos solos sobre las mismas canciones todos los días y no se puede llegar a nada nuevo - usted tenga que pulsar el botón de reinicio. Es hora de pensar en algo que no sea la música y los acordes y melodías y escalas. Es fácil para nuestras mentes se atascan en el mismo patrón de pensamiento, especialmente cuando hacemos algo todos los días. Las rutinas y patrones de pensamiento se vuelven cableada en nuestros cerebros. Día tras día estamos reforzando estos patrones y líneas y finalmente desarrollamos una visión de túnel musical. La improvisación se convierte en lame memorizados y patrones predecibles. Si esto suena como usted, se trata de una llamada de atención que usted necesita un descanso de su rutina rancio. Salir de la sala de ensayo, escuchar algo de música nueva, algo que no es jazz. Rompa su rutina, ir para un viaje de fin de semana, ir a ver una película, lo que sea necesario para refrescar la mente y el enfoque musical. Cuando vuelvas, usted encontrará que usted puede ver estos acordes familiares bajo una nueva luz. Se le han recargado la batería creativa.

5) Encuentra un poco de inspiración Ser creativo es sobre la búsqueda de esa mentalidad creativa, ese espacio donde se puede estar libre de todos los días y productivo. Piense en la creatividad como una fuente interna que usted puede aprovechar; somedays estás nadando en las ideas y otros días es como si el pozo se ha secado totalmente. El día difícil encontrar esa inspiración creativa puede ser especialmente difícil y aparentemente imposible, pero en los días buenos que apenas podemos seguir el ritmo de todas las ideas que se están vertiendo a cabo. Cuando se encuentre con un día particularmente difícil, sólo recuerda que siempre puedes aprovechar ese flujo de la creatividad si usted sabe cómo

buscarlo. Todo es cuestión de entrar en el espacio mental donde usted está emocionado y excitado sobre ser creativo. Recuerde cómo se sentía cuando se descubrió por primera vez su disco favorito o improvisador o vio un concierto que totalmente le impactó. No se podía esperar para entrar en la sala de ensayo y no podía dejar de pensar en jugar. Esto es lo que usted está apuntando a medida que avanza a practicar la improvisación. Sin embargo la transición a esta mentalidad musical creativa a veces es un logro en sí mismo. Usted no está en el espacio más creativo después de un día estresante larga de trabajo y cuando se tiene una fecha límite se acerca, parece que el proceso creativo se detiene. La mayoría de los músicos que conozco tiene una cantidad limitada de tiempo para practicar. Esto es sólo la realidad de vivir como músico. Casi tienes que ser creativo en la demanda, de encender la creatividad cuando se puede encontrar unos pocos minutos libres para entrar en la sala de ensayo. Esto puede ser un zumbido artística matar, pero si usted sabe cómo aprovechar su flujo creativo intrínseca que puede ser productivo, incluso en los más difíciles de los tiempos. La solución puede ser tan simple como algunos centró escuchando la música que te mueve, ver un video que te inspira, o estar cerca de los músicos que empujan a ser mejor. El potencial para una sesión de gran práctica siempre está ahí. Contactar con que a partir músico dentro de sí mismo que es un entusiasta de la música, donde no hay limitaciones y posibilidades infinitas.

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Lidiando con la frustración en la práctica de Jazz Improvisación Publicado Por Forrest En 31 de agosto 2011 @ 12:50a.m. En la inspiración, Jazz Educación, Perspectiva | 1 comentario

Cuando usted está frustrado con su juego es difícil sobresalir en absoluto. Es difícil hacer una declaración musical coherente, y mucho menos aún escuchar a ti mismo. Estos ataques suceden a todo el mundo. La clave está en no demasiado desanimado y pulse el ...

Apague los play-alongs A todos nos gusta tocar con una jugada de largo, pero en tiempos de frustración, que puede ser muy perjudicial para su progreso. Lo que pasa es que estás solos con una para acompañar y no estás contento con el resultado, así que hacer clic en el botón en el reproductor y darle otra oportunidad. La segunda pasada por todavía no es muy allá, por lo que hacerlo de nuevo. Este comportamiento que se vuelve más y más frustrado, sin embargo, con cada intento, se siente una mayor necesidad de intentarlo una vez más para "arreglar" el problema. Este escenario es como golpear su cabeza contra una pared, y luego olvidar lo mucho que duele, y hacerlo una y otra vez. Es la naturaleza humana querer solucionar nuestros problemas de inmediato; nada puede esperar, hay que arreglarlo ahora, y estamos ajenos que nuestras frustraciones nos consumen en el proceso, pero hay que superar esta tendencia natural. Al tratar de solucionar los problemas que está frustrado con tomando coro después de coro

con una para acompañar, podrás arraigar hábitos horrendos y cavar más profundo a ti mismo en las profundidades de la frustración. Cuando usted está frustrado con su juego, gire los play-off a coro.

Encienda sus favoritos Cuando estás frustrado, qué mejor lugar para girar luego a sus héroes? Mira a ellos para pedir consejo y orientación a través de las grabaciones que han dejado atrás. Siempre están ahí, dispuestos y listos para impartir sus conocimientos a nosotros. De hecho, tengo mi go-tograbaciones para cuando me siento como mi sonido y el concepto es totalmente apagado. Estas grabaciones go-a-son los solos que he transcrito y trabajaron durante bastante tiempo. Yo las conozco en mi sueño. Yo les enciendo y aminore su velocidad a la velocidad del 70% en software Transcribe lo oigo todo de cerca. Entonces yo juego con la grabación, escuchar y hacer coincidir todos los matices. Este proceso de retorno a un sonido y el concepto que usted ama le trae de vuelta a su entorno de audición óptima. Restablece una base sólida de sonido, el sentimiento y el concepto en su mente.

Tomar un descanso Una vez que jugar con uno de sus grabaciones favoritas para traer a su oído y mente de nuevo en sintonía con un sonido que te gusta, tomar un descanso. Con la música de uno de sus héroes haciendo eco en su mente, es el momento perfecto para hacer las maletas y salir de la sala de ensayo. Ir a correr. Ir cocinar algo. O incluso ir a ver la televisión! Normalmente yo nunca te sugeriría a cualquiera a ver la televisión, pero bueno ... mejor que ver la televisión de arruinar su juego, ¿no? Simplemente alejarse de la música y jugar por un tiempo, darse un poco de tiempo para recargar.

Identificar la fuente de la frustración Mientras toma este descanso de juego que podría ser de unas horas o un día más o menos, una vez que te sientes más objetivo, pensar un poco honesta a la verdadera fuente de su frustración. ¿Es tu sonido? ¿Es sus líneas? ¿No estás cómodo en su equipo? ¿No estás jugando lo que escuchas en tu cabeza? ¿No estás escuchando lo que desea en su cabeza? Una cierta melodía o progresión que le da un mal momento? Realmente tratar de precisar lo que te molesta. Escriba sus pensamientos si eso ayuda. Y entonces, averiguar cuál es la fuente fundamental de toda su frustración es. Por ejemplo, si mis frustraciones incluyen: me suena aburrido jugando todas las cosas que son, me suena como que estoy divagando cuando yo solo, y yo Botch la segunda parte del puente cada vez

... entonces ¿cuál es la fuente de frustración? Teniendo en cuenta que muchas de las normas tienen un material similar, que es un problema más grande que esta melodía. Tiene que ver con las frustraciones con el lenguaje, el concepto rítmico, la comprensión armónica, así como la melodía particular. Una vez que entienda cuando las cuestiones son, entonces usted puede hacer frente a ellos.

Curas Escuchar todo Muchas veces creemos que, como en el ejemplo latido de su cabeza contra-una-pared, que con sólo dar algo más intentos que vamos a llegar de forma natural el resultado deseado. ¿Por qué te rindas cuando alguien ya ha hecho mucho trabajo para usted? Para arreglar sus frustraciones, durante su hora de pasar algún tiempo profundamente escuchando y observando. Así que para arreglar mis frustraciones en el ejemplo anterior, me gustaría hacer algo de audición grave. La primera vez que iba a encontrar cada grabación me fuera posible de la melodía. Para ideas conceptuales rítmicos, me escucho atentamente el fraseo y el contenido rítmico de cada solista. Yo no restringir mi escucha a sólo estas grabaciones ya sea (que es sólo un buen lugar para empezar). Me gustaría ampliar mi alcance y miro para cualquier persona con conceptos rítmicos e ideas fraseo que pueden estar interesados ​en la comprensión, tomando nota de cada uno de ellos a medida que avanzo. Para mis frustraciones con la segunda parte del puente, yo escucho las grabaciones de nuevo y escuchar atentamente lo que la sección rítmica juegue. Yo escucho las notas graves y las voces de piano con claridad para entender y arraigar los sonidos de estas medidas en mi oído. Entonces me gustaría volver a todas las grabaciones que he encontrado de la melodía y la búsqueda de frases en estas altas-mantenimiento-secciones que me llamó la atención, hacer el seguimiento de dónde se producen estos casos. Ahora que la fuente de mi frustración es identificado y he elegido lugares donde los jugadores consiguen lo que busco, entonces podría volver al trabajo, sabiendo exactamente qué es lo que tengo que estudiar y comprender a mejorar en estas áreas, y no estar frustrado en el futuro.

Vuelve de nuevo, enfocado y positivo La próxima vez que juegue, debe ser igual que la pizarra se limpia, lista para comenzar de nuevo. Usted ha hecho una reflexión honesta y pasado mucho tiempo escuchando. Usted ha identificado la verdadera fuente de su frustración y desarrolló un plan de acción para remediarlo. Cada vez que toque el instrumento es una oportunidad para mejorar y la oportunidad de aprender a expresarse un poco más. Utilice las tácticas en este artículo y te vas de la

frustración a mejorar en poco tiempo.

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La superación de limitaciones mentales en Música Publicado por Eric En 27 de noviembre 2013 @ 17:17 En Consejos para Todos, Conceptos, del oído, de la inspiración, Jazz Educación, Perspectiva, rutinas de práctica, consejos, Visualización | No Comments

No puedo. Todos hemos dicho estas palabras fatídicas en un momento u otro. Llena el espacio en blanco para su propia situación. "No puedo (____)" ... dibujar, las largas distancias correr, levantarse temprano, dejar de comer pastel de queso. Todos los días hay literalmente docenas de cosas que nos convencemos de que simplemente no podemos hacer, y la reproducción de música y la improvisación no son una excepción. De las tareas en la sala de ensayo que se sienten como demasiado trabajo, a las habilidades que no tenemos experiencia con, a esos momentos temidos que infundir miedo en nuestros corazones, es muy fácil decir que no puede y darse por vencido. Parece natural, fácil, e incluso trivial decir estas palabras, pero ¿alguna vez has dejado de preguntarse a sí mismo: Yo s esto realmente cierto? Por el momento estas declaraciones sólo podría ser verdad - que le dio una oportunidad, usted no pudo, y simplemente no funcionó. Sin embargo, las consecuencias de aferrarse a esta forma de pensar limitar pueden correr más profundo de lo que cabría esperar, sobre todo como músico, y yo voy a mostrar por qué.

Con los años, he enseñado en varios campamentos de jazz y talleres y ha instruido a cientos de estudiantes en clases particulares. Una cosa curiosa que he notado sobre los nuevos estudiantes es que muchos vienen con una creencia preestablecida acerca de sí mismos o de la música realizando. Viejo, principiante, jugador de remontada, fin de semana jugador joven, - no importa. Parece que esta creencia cargar a que todos los jugadores llevar a todas partes con ellos acerca de algún aspecto de su juego. En algún momento estos jugadores comenzaron a creer que no podían realizar algún aspecto de la música, que algún área de sí mismos era deficiente. No sólo creen que sí, que se sintió obligado a decirle a la gente que se acaban de conocer este elemento "definición" de sí mismos. Al inicio de una lección o ensayo que proclamarían inmediato "No puedo improvisar. No entiendo la teoría musical. Soy un mal lector. No puedo alcanzar las notas altas. No puedo jugar rápido. Yo no voy a solas en esta melodía. "Honestamente, todos hemos hecho esto en un momento u otro. Cuando algún aspecto de una habilidad es difícil etiquetamos a nosotros mismos de una manera negativa, en un primer momento como una excusa y, finalmente, como una muleta para que podamos evitar estas situaciones por completo. Más de obstáculos técnicos o problemas de teoría de la música, el mayor obstáculo para el logro de sus metas como improvisador puede ser una mentalidad arraigada. Una mentalidad que está limitando o que nos impida avanzar. Incluso a medida que avanza, creencias limitantes pueden surgir cuando se encuentra con situaciones difíciles. La clave para mejorar es saber qué hacer cuando se encuentra con la limitación de pensamientos a aparecer en su mente. Una vez que las semillas de limitación o duda se siembra y se arraiga, es extremadamente difícil de tomar las medidas necesarias para mejorar.

El mito de que soy malo para las matemáticas Hace dos profesores de matemáticas unas semanas escribí un artículo en el Atlántico titulado El mito de 'Soy malo para las matemáticas. "Mientras que el artículo habla del fenómeno de la limitación mental en la educación de las matemáticas, la información solo se puede aplicar la misma facilidad al proceso de aprendizaje de la improvisación. El tema del artículo se centra en los efectos de la idea ampliamente adoptado, pero equivocada de que la inteligencia matemática es principalmente genética. El pensamiento popular dice que usted es ya sea naturalmente una persona matemáticas o alguien que es malo para las matemáticas, no en el medio. En cualquier escenario educativo que tiene estudiantes de diversos orígenes que entra y que compiten en el mismo salón de clases. Como explican los autores, algunos estudiantes llegan con experiencia previa en matemáticas, mientras que otros son principiantes. Aquellos

estudiantes que tuvieron exposición o la práctica con las matemáticas antes de la instrucción en la escuela inicialmente sobresalen, mientras que los principiantes a veces encuentran dificultades ya que están tratando por primera vez. Como resultado, los estudiantes "preparadas" construir la confianza y la creencia de auto-afirmación de la capacidad, mientras que los principiantes comienzan a desarrollar creencias limitantes acerca de sus habilidades. El artículo tenía dos puntos importantes relacionados con los aspectos mentales de aprendizaje de nuevas habilidades: La idea de que hay dos tipos básicos de los enfoques que se producen cuando el aprendizaje: la orientación Incremental vs orientación Entidad Estudiantes con Incremental Orientación creen que la inteligencia es maleable y se puede mejorar mientras los alumnos con Entidad Orientación creen que la inteligencia es fija y no puede cambiar.. Uno de los problemas con las matemáticas o la música es que muchas personas se atascan en la Entidad Orientación. La enseñanza de la mentalidad de que usted puede cambiar su nivel de habilidad puede ser muy eficaz en la producción de resultados positivos en los estudiantes de todos los niveles. Sabiendo que usted puede mejorar su inteligencia o aptitud para una tarea es fundamental en la adquisición de nuevas habilidades. "... La creencia de la gente que la habilidad matemática no puede cambiar convierte en una profecía autocumplida." ¿Cuántas veces has oído a la gente decir: "Yo no soy una persona de matemáticas" o "no tengo oído para la música?" Cuando la gente trata de una nueva habilidad y ven que no están a la par con el grupo, inmediatamente piensan que no tienen aptitudes para ello, de que algo esencial dentro de sí mismos es deficiente. Todo esto bagaje mental se deriva de su primera experiencia. Intenta una nueva habilidad en un grupo, ya sea un aula o un conjunto de realizar, y se compara de inmediato a sí mismo a sus compañeros. Esta experiencia se puede definir porque como un principiante, usted no tiene ningún marco de referencia o la historia pasada para poner este evento en perspectiva. Al igual que con la habilidad matemática, la misma creencia persiste hoy en la música alrededor de la capacidad de improvisar. Muchas personas creen que la capacidad de improvisar es genética, que usted puede improvisar o no se puede, que tiene un oído para la música o que eres sordo. Como resultado, los músicos que no sobresalen de inmediato con improvisando a menudo comienzan a asumir creencias limitantes. Cuando usted falla en algo nuevo, se siente como que ha fracasado una vez por todas. Es natural tener esta reacción, pero esto no significa que usted tiene que ser pegado con esta barrera mental para siempre. En el aprendizaje de la música o cualquier otra habilidad que se está trabajando para aprender, es necesario pasar de una "cuestión de suerte" mentalidad a uno que gira en torno a su esfuerzo invertido. Su capacidad no depende de un talento nato, que depende de la

cantidad de trabajo que usted está dispuesto a invertir para lograr sus objetivos. "En el debate entre" naturaleza versus crianza ", un tercer elemento crítico - la perseverancia y esfuerzo personal - parece haber sido dejado de lado. Recuerde que todo lo que hemos aprendido de la música para la elaboración de las matemáticas es una habilidad ... la capacidad aprendido a llevar a cabo una tarea con resultados predeterminados a menudo dentro de una determinada cantidad de tiempo, energía, o ambos. Si usted no puede hacer algo, simplemente significa que usted no ha aprendido todavía, no es que usted nunca será capaz de hacerlo. Sus creencias acerca de ti mismo puede ser muy poderoso. La forma de pensar muchas veces se convierte en una profecía autocumplida. Si usted cree que no se puede improvisar o tienen terribles oídos, a trazar un curso de acción que hará que estas cosas ciertas. "El mito de que soy malo para las matemáticas" podría haber sido fácilmente titulado "El mito de que soy malo en la improvisación. Ya sea que usted está luchando con el álgebra o un solo de más cambios de ritmo, su forma de pensar puede hacer toda la diferencia.

4 pasos para cambiar una creencia limitante La práctica de la improvisación y actuar delante de un público están desafiando lo suficiente sin tener que librar una batalla mental cada vez que recoja su instrumento. Aquí hay cuatro pasos a seguir para superar creencias limitantes en su mente a medida que trabaja para alcanzar sus metas como improvisador:

I. Identificar la creencia limitante El primer paso para superar una creencia limitante es reconocer que usted tiene uno en el primer lugar. Todos los tenemos, la clave es ser consciente de ellos cuando se producen. Piense en su propia forma de pensar mientras se dirige a la sala de práctica o realizar cualquier otra actividad que usted está luchando cada día para mejorar. ¿Es usted comienza con un pensamiento limitante incluso antes de empezar? ¿Estás diciendo "no puedo, no soy bueno en, o No es lo mío" aún antes de haber intentado? Es sorprendente la frecuencia con que inconscientemente caemos en esta trampa mental, especialmente en situaciones que son nuevas o difíciles. Estas son las creencias limitantes, y si se deja sin cambios, que pueden obstaculizar su progreso y desarrollo, especialmente como improvisador. Fíjate bien en su propio acercamiento a la música en la sala de la práctica. Al recoger su instrumento o sentarse para comenzar la transcripción de un solo, es lo que se encuentra el tener pensamientos como estos ?:

"Yo no soy bueno en improvisar. Tengo terribles oídos. No hay manera de que pueda salir de esto solo. Soy muy malo en los cambios de ritmo. Yo no soy tan bueno como los otros jugadores que hay. No puedo alcanzar las notas altas ... " Pensamientos limitantes pueden afectar a todos los aspectos de ser un músico, y no sólo en la sala de ensayo. Por ejemplo: En una sesión de improvisación: No puedo jugar sobre esa melodía perfectamente, así que no voy a sentarme en Yo no soy tan bueno como los otros jugadores allí Yo no debería estar ahí arriba jugando Podría perderme en forma o hacer el ridículo Me sentaré éste hacia fuera y dejar que otros juegan Voy a esperar hasta una melodía sé perfectamente se llama Antes de actuar delante de un público: Si cometo un error que será desastroso Todo está en juego en este rendimiento, no correr ningún riesgo No estoy preparado plenamente Voy a desmoronarse en algún momento Antes de solicitar una lección con un gran maestro: Yo no soy lo suficientemente bueno para estudiar con este profesor Tengo que mejorar antes de que pido una lección ¿Por qué se me enseñe? Probablemente no me enseñarán todos modos, voy a esperar Antes de conseguir un grupo juntos: Yo no soy lo suficientemente bueno para llevar a cabo delante de la gente Necesito saber más canciones antes de que yo realizo Yo sólo voy a esperar hasta que llegue mejor Nadie va a venir a escucharme tocar He tenido todos estos pensamientos antes en situaciones como estas. Los tiempos donde yo evité sesiones de improvisación, donde yo mentalmente puse para el fracaso antes de realizar, en el que no busco grandes maestros, y mantuvo a raya a actuar delante de un público. Estos pensamientos te ponen en la mentalidad completamente equivocado. Te quedas atascado, a evitar a alta presión o situaciones difíciles, usted no toma ningún riesgo, y te escondes tu creatividad y personalidad única. En vez de levantarse allí y tomar una oportunidad, dejas que estos pensamientos lo mejor de ti, y ¿sabes qué pasa? Nada. Congelar y permanecer en su nivel actual. A veces, el fracaso puede ser algo positivo y, a veces el fracaso es aún una herramienta de motivación necesario. Si el flop en una jam session o no sabe muchas canciones, que vamos a

trabajar aún más duro en la sala de la práctica por lo que no volverá a suceder. Aprende a ver el fracaso como una valiosa herramienta de aprendizaje. Tome en cuenta cuando los pensamientos limitantes como estos surgen en su mente. Estos modos de pensar pueden impedirle ganar experiencia valiosa y usted puede dejar de moverse en la dirección correcta como improvisador. "Tanto si piensas que puedes, o si usted piensa que la derecha-no puede eres." ~ Henry Ford Al principio algunas de estas creencias o miedos limitantes pueden basarse en la realidad. Puede que nunca han improvisado un solo de antes, sus oídos no podría ser de hasta la velocidad, y su improvisación puede no ser tan bueno como sus compañeros. Sin embargo, todas estas cosas se pueden cambiar. Ellos no están grabados en piedra y no tienen que definir usted. Puede ser difícil y tomar algún tiempo para llegar a su meta, pero ponerse a cabo allí y luego altura de las circunstancias. Lo más que se adhieren a este patrón de pensamiento negativo, más usted comenzará creerlo. Como una profecía autocumplida, podrás cerrar la posibilidad de que cualquier otra cosa en su mente y con el tiempo se convertirá en realidad. Darse cuenta de que puede detener este patrón en este momento. El primer paso para superar estas barreras mentales es identificar estas declaraciones limitantes dentro de su mente. Recuerde, usted no puede cambiar un mal hábito hasta que darse cuenta de que usted tiene un mal hábito en el primer lugar.

II. Acepte a su nivel actual Usted está donde está hoy en día debido a las experiencias musicales que usted tenía en su pasado. Ahora aceptarlo - es lo que es. No se puede cambiar el pasado, pero se puede aprender de ella, y que sin duda puede dar forma a la dirección que va a tomar en el futuro. Al conocer y jugar con otros músicos, pronto te darás cuenta de que siempre va a haber alguien mejor que tú. La clave es conseguir inspirado por estos jugadores en lugar de sentirse detrás o inadecuada con su propia capacidad. Al igual que con el ejemplo de los estudiantes de matemáticas, no dejes que el hecho de que usted no tenga éxito en su primera parada que intento de hacerlo de nuevo en el futuro. Todo el mundo tiene diferentes experiencias de aprendizaje y oportunidades a la hora de desarrollar como músico. Algunos jugadores tuvieron las primeras oportunidades para aprender y practicar la improvisación, mientras que otros tuvieron que empezar más tarde completamente desde cero. A la larga, su nivel actual no importa tanto como lo difícil que está dispuesto a trabajar en la mejora de este momento en adelante. En lugar de comparar a ti mismo a estos jugadores y bajar en ti mismo, los utilizan como fuente de inspiración. Obtener motivado para conseguir en el mismo nivel que sus

compañeros. Elevar el listón en términos de lo que piensa de como "buena improvisación" y se esfuerzan por mejorar. Recuerde, usted va a crecer mucho más en una situación en la que no eres el mejor jugador. Al dirigirse a la sala de la práctica no se preocupe por su pasado o actual nivel de maestría musical y no dejes que el hecho de que usted no es uno de los mejores jugadores en la sala de dejar de intentarlo. En vez mirar hacia adelante y centrarse en dónde va musicalmente de aquí en adelante.

III. Visualice el éxito Como músico, la visualización puede ser una de las herramientas más útiles que tiene para la superación técnica, musical o barreras mentales. (Hemos incluso sacamos una visualización ebook free jazz.) Una vez que haya identificado esta creencia limitante en su mente, deje de ti mismo y comenzar por reemplazarlo con algo positivo. Decir algo tan simple como "Soy un improvisador." "Puedo sonar bien sobre esta melodía." "Puedo buen desempeño frente a esta audiencia" "Yo merezco tener un solo en esta jam session". Puede hacer una gran diferencia. Ahora vas a empezar con una mentalidad positiva y dando un paso para hacer frente a esas áreas de su juego que necesitan trabajo. Usted está permitiendo que se produzca el cambio en lugar de evitar la situación por completo. La siguiente parte de este proceso es en realidad visualizándose tener éxito en esta difícil tarea. Elija un área de su juego que le está dando problemas. Se podría realizando en frente de una audiencia o pasaje técnica rápida o incluso los tonos de acorde de un séptimo acorde mayor. Ahora relájate, cierra los ojos, y despejar su mente. Imagínese realizar con facilidad y confianza. Imagínate a ti mismo no sólo la realización de esta tarea, pero tener éxito en ella. Conseguir en el escenario y jugar bien en frente de una audiencia. Véase a sí mismo confiado y tranquilo a medida que juega un solo con la técnica sin esfuerzo y la facilidad de su instrumento. Esta es una imagen que usted está con el tiempo va a hacer en una realidad y el primer paso no es creer en tu mente. Recuerde que sus habilidades actuales no le definen, es su actitud acerca de dónde quiere ir. Tome nota de sus fortalezas y debilidades, ya que hoy en día, a continuación, entrar en la sala de prácticas y trabajar en esas áreas de su juego. Cuando usted puede imaginar el jugador que quiere llegar a ser que será mucho más éxito en el logro de sus metas.

IV. Aprender a través de la experiencia

La mejor manera de aprender un oficio es por hacerlo, y punto. Horas de práctica son esenciales y el aprendizaje de la teoría detrás de algo que es importante, pero con el tiempo van a tener que salir y poner tus habilidades a prueba. La próxima vez que te encuentres diciendo "no puedo jugar sobre esta melodía! O Mis oídos chupar!" Parada y te preguntas, "¿Cuánto tiempo tiene que pasé en realidad la práctica y la realización de estas zonas difíciles?" Si usted está teniendo problemas, apuesto a que la respuesta va a ser no mucho. El proceso es en realidad muy simple: si una actividad es difícil al principio, seguir haciéndolo hasta que se mejore. Si usted se encuentra poniendo nervioso actuar delante de un público, trate de aprovechar todas las oportunidades de llegar a jugar frente a una multitud. Cuanto más que usted está en el centro de atención, más fácil va a conseguir. Si usted se siente limitado por su oído o cree que tiene "malos" los oídos, incorporar algún entrenamiento del oído en su rutina de la práctica diaria. Ir a una jam session y sentarse en una canción o tocar algunas canciones con unos amigos. Esos momentos en los que usted no está realmente seguro de una melodía o una progresión de acordes son cuando sus oídos son los más probados. Si no está seguro de su capacidad para improvisar o no tiene mucha experiencia de tomar solos, a trabajar en algunos ejercicios que le permitirán improvisar (echa un vistazo a este artículo para empezar) y luego tomar la mayor cantidad de solos de lo que pueda. El proceso es el mismo para cualquier bloqueo mental que tienes sobre ti mismo o tus habilidades musicales. Identificar las partes débiles de su juego y centrarse en aquellas áreas en su práctica, a continuación, probar estas habilidades en el campo. Con la práctica y la experiencia, que el miedo y la creencia limitante finalmente desaparecerá. Será reemplazado por una nueva forma de pensar y las nuevas habilidades que has adquirido.

La creación de su propio camino "En un momento pensé que lo más importante era el talento. Creo que ahora que - el joven o la joven debe poseer o aprender por sí mismo, se entrenan a sí mismo, en la paciencia infinita, que es para tratar de intentar e intentar hasta que sale a la derecha. Él debe entrenarse en la intolerancia despiadado. Es decir, que tirar todo lo que es falso, no importa lo mucho que podría amar a esa página o dicho apartado. Lo más importante es la penetración, es decir ... la curiosidad de preguntarse, para reflexionar y para reflexionar por qué es que el hombre hace lo que hace. Y si tienes eso, entonces no creo que el talento hace mucha diferencia, si tienes o no. "~ William Faulkner Un cambio que sucede cuando te das cuenta de que puede alterar su forma de pensar y su identidad. Es un cambio sutil que puede producir grandes resultados. Cuando piensas en ti

mismo como un gran improvisador usted abre un mundo de oportunidades. Usted no puede mejorar de inmediato, pero usted está abriendo la puerta a la mejora. Con demasiada frecuencia hablamos de talento y lo que la escuela que asistieron o lo que el profesor le estudió con. pero dejamos de lado ese tercer factor crucial: lo duro que está trabajando en la sala de ensayo. Como improvisador que puede haber comenzado temprano y tenía padres musicales o que podría haber descubierto el jazz más adelante por su cuenta. Es posible que escuche de forma natural acordes y tonos o puede que tenga que trabajar con diligencia en los ejercicios de entrenamiento del oído, pero nada de esto realmente importa tanto como lo difícil que está dispuesto a trabajar en la sala de ensayo. Sean cuales sean sus capacidades naturales o la experiencia del pasado, estos factores en realidad no importa tanto como lo duro que trabaja y persevera para lograr sus objetivos. La habilidad musical no está predeterminado o escrito en piedra, es maleable y puede ser moldeada por ti. Usted tiene una opción, puede ser una parte del grupo que cree que su capacidad musical está predeterminado y escrito en piedra o puede creer que su trabajo en la sala de la práctica hace la diferencia, que en un futuro próximo puede ser una diferente jugador de lo que son hoy. La próxima vez que entras en la sala de práctica o al salir al escenario, recuerde deshacerse de esas creencias limitantes y crecer a partir de las experiencias musicales que está teniendo todos los días.

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La trampa escondida en el Camino de Mejora Publicado por Eric En 09 de diciembre 2011 @ 01:05 am En Consejos para Todos, las rutinas de práctica, Consejos | 1 comentario

Al hablar, practicar y tocar con muchos músicos en los últimos años, parece que un número de jugadores están teniendo problemas para conseguir comenzado con la improvisación. Aún más tienen dificultades para seguir adelante, pero parece que no puede entender por qué. El tiempo se pasó en el día cuarto de la práctica tras día, sin embargo, no hay resultados. Parece que hay una trampa oculta que muchos músicos inconscientemente entran cada día que paso en la sala de ensayo. Es algo que todos somos susceptibles a, y una trampa que entramos voluntariamente otra vez. No podemos verlo porque está disfrazado de ambición. Se desarrolla como resultado de nuestros intentos de defender una imagen como un improvisador serio y aunque sabemos mejor, son víctimas de la seducción de esta trampa una y otra vez.

Comience simple, mantenerse sencilla Entonces, ¿qué es esta trampa? ¿Por qué, es tan simple que ni siquiera parece tan grande de un trato: saltando sobre los conceptos básicos. La razón principal de que tantos jugadores tienen problemas para aprender o progresar con la improvisación años tras año es que sigan saltar sobre los fundamentos. Es tan simple como eso. No tiene nada que ver con el talento o la disposición a entrar en la sala de ensayo, el

problema radica en el contenido real de la sesión de práctica en sí. Vaya a cualquier sala de ensayo en cualquier escuela de música y escuchará jugadores tratando de jugar tan rápido como sea posible sobre los temas más duros que pueden encontrar. Rara vez se oye a alguien tomando un pedazo de lengua a través de las 12 teclas o trabajando poco a poco en el sonido y articulación. En lugar de pasar el tiempo para dominar realmente una melodía, un etude técnica, o una línea transcrito a partir de un registro, la mayoría de los jugadores pasan rápidamente sobre estos llamados "básico" para hacer frente a la siempre tentadora avanzado o conceptos "modernos". Todos queremos avanzar lo más rápidamente posible y en nuestros esfuerzos, inevitablemente nos saltamos por delante de las cosas más difíciles que podemos encontrar. ¿Por qué perder el tiempo en las cosas fáciles? Amateurs trabajar en lo básico y profesionales trabajan en conceptos avanzados, y nuestro objetivo es ser profesionales, ¿no? A pesar de que la lógica defectuosa es obvio en la afirmación anterior, es que es sorprendentemente fácil caer en esta trampa. Piensa en ello, ¿ha salido y compró un libro sobre cómo improvisar con un nuevo enfoque cromática antes de poder siquiera jugar bien diatónicamente? ¿Ha intentado trabajar en una melodía en 4/5 o 7/4 antes de poder jugar sobre ella decentemente en regular de edad 4/4? ¿Alguna vez has intentado reharmonize los cambios a una norma o el trabajo en jugar "fuera" antes de poder improvisar con soltura sobre la progresión normal de acordes? Podemos clasificar a nosotros mismos como principiantes o jugadores intermedios con el mundo exterior, pero si te fijas bien en los contenidos de nuestra rutina de la práctica, es evidente que pensamos de nosotros mismos es mucho más avanzada a continuación, que realmente somos.

Todo el mundo lo está haciendo ... Si esto suena familiar, relajarse, eres normal. Es natural querer saltar hacia adelante cuando se está tratando de mejorar rápidamente. Hacemos esto porque queremos desesperadamente sonar moderno y progresista. Sin embargo, a pesar de nuestra ambición, estamos inconscientemente dirigiéndose directamente hacia la mediocridad. Esto es algo que todos podemos caen víctimas en un momento u otro para una serie de razones. En ciertos puntos que pensamos que somos más avanzada de lo que realmente somos y por lo demás estamos tratando desesperadamente de mantener la imagen del músico de hip jazz. Cuando alguien le pregunta lo que está trabajando, es mucho más fresco que decir "Oh, estoy tomando la cabeza de Donna Lee a través de cada clave, cambios súper imponer Giant Steps, y trabajando en jugar en 7/4" de diciendo "Estoy trabajando en importantes acordes, el desarrollo de un lenguaje más suena V7, y la formación del oído."

Recuerde que usted es nunca por encima de los fundamentos. Por alguna razón la práctica poco a poco, trabajando en melodías simples, y derramando los fundamentos absolutos se ha convertido en estigmatizado en la sala de la práctica. No queremos ser atrapado trabajando en esa melodía fácil o derramar ese patrón simple cuando otros jugadores pueden oírnos. Este es el obstáculo que debemos superar si queremos mejorar. Está bien para trabajar en los fundamentos o incluso a sonar mal en la sala de la práctica; tenga en cuenta que su objetivo es mejorar, no para impresionar a la gente que te rodea.

Lo que funcionan en los profesionales? Si quieres ver lo que funciona, eche un vistazo de cerca a los mejores que hay. ¿Qué hacen los maestros en cualquier campo de trabajo en forma consistente? Es lo básico. Los fundamentos. La construcción de una base sólida y infalible. Este es el camino que conduce a la maestría. Pro golfistas trabajan en los rudimentos de su swing de todos los días. Los grandes escritores están constantemente ampliando su vocabulario y el perfeccionamiento de la estructura de sus frases. Caminar por un músico de orquesta en el trabajo en la sala de ensayo y escuchará tonos largos, ejercicios de articulación, y extremadamente lento y concentrado práctica. Esto no es casualidad. Los profesionales en cualquier campo, llegar a la cima, trabajando en los fundamentos cotidiana, tratando de mejorar en algún aspecto de su oficio. Para los músicos, esto significa el dominio de su sonido, su tiempo, y su técnica. En el ámbito de la improvisación, esto significa adquirir algún lenguaje, el dominio de las progresiones de acordes básicos (de ii-V), y la práctica de la mierda de los azules y cambios de ritmo en todas las claves. Lo curioso es que la mayoría de los principiantes trabajan en las cosas difíciles, mientras que los profesionales trabajan en lo básico. No han comenzado a dominar los fundamentos de la técnica instrumental, entrenamiento del oído, o la armonía, sin embargo, están tratando temas avanzados, ritmos complejos y conceptos armónicos difíciles. Prueba tus límites es una cosa, pero haciendo caso omiso de los fundamentos es sólo va a celebrar de nuevo.

En cuanto a su rutina de práctica Como se mencionó anteriormente, puede ser muy difícil identificar este tipo de mentalidad en su propia práctica. El primer paso para evitar esta trampa es la capacidad de ser honesto con uno mismo y para identificar las áreas que usted está ignorando. Aquí hay dos zonas para mantener un puesto de observación en la sala de ensayo: Lengua y técnica

Cuando usted está tratando de aprender los fundamentos de esta música y trabajando para adquirir algún lenguaje básico debe ser muy selectivo en cuanto a dónde empezar. Puede ser tentador para obtener los últimos métodos y videos sobre la improvisación moderna, pero son estas fuentes va a enseñar lo que necesita? Echa un vistazo de cerca a los recursos que está utilizando para arraigar la técnica de la improvisación. Un libro de patrones Hexatónicas no debe ser el primer lugar donde buscar para obtener una base sólida en la audición y la comprensión de las progresiones de acordes. Usted no se va a arraigar los conceptos básicos de la lengua de un libro de transcritos solos de Michael Brecker, y un DVD de los conceptos modernos de improvisación no va a enseñar lo básico de entrenamiento del oído o la construcción melódica. Sin embargo, el atractivo de estos recursos está siempre presente. Eche una mirada a los solos que se está transcribiendo. ¿Estás tratando de obtener las bases de la lengua por transcribir algo muy por encima de su cabeza como finales Trane o estás empezando con solos que en realidad se puede reunir el lenguaje y la técnica de? A partir simple de lo que piensa, aunque decepcionante para su ego, proporcionará beneficios ilimitados para usted. Tunes ¿Qué tipos de melodías estás trabajando cuando usted practica? Al igual que el método en el que se practica la técnica y el lenguaje de la improvisación es crucial para su desarrollo, también lo son las canciones, progresiones, y formas que usted está trabajando. Piense en las canciones que usted ha estado derramando: ¿Está gastando su tiempo de práctica apenas lo que es a través de Giant Steps o Aviso de momento o estás trabajando en las normas que son fundamentales en la construcción de un repertorio duradera? Si usted todavía no puede jugar más de un blues por qué estás intentando melodías que son aún más difícil y participar? Puede que no lo parezca, pero la clave para estas melodías avanzada se encuentra en el dominio de elementos muy simples de la música: VI, ii-VI, y la incorporación de la lengua que ha aprendido durante estos sonidos. Todas las canciones se construyen a partir de los mismos básicos bloques de construcción, y una vez que hayas dominado estos, improvisación será una experiencia mucho más agradable y satisfactoria.

Bajando por el camino correcto Recuerda el principio de los opuestos en la sala de la práctica: los plomos lento a rápido y simple a lo complejo. Comience con los fundamentos y construir su fundación. Siempre será

tentador para deshacerse de los elementos básicos para aquellos conceptos de la cadera y moderno por ahí, pero tenga en cuenta que los fundamentos son un primer paso necesario. No es glamoroso para trabajar en el entrenamiento del oído o la técnica cotidiana. Usted no se va a impresionar a la gente mediante la adopción de una simple línea a través de las 12 teclas o escuchando una canción cientos de veces para arraigar la progresión de acordes y la melodía de oído. Pero, esto es lo que se necesita para aprender esta música y para llegar a tiempo a sus objetivos. ¿Quieres sonar cadera en la sala de ensayo o usted realmente quiere lograr algún progreso real? Salto adelante y trabajar en las cosas más difíciles que usted puede encontrar es una trampa sin fin en la mediocridad que muchos caen en, por lo que dejo a todos los demás. Construye tu base de la técnica, el lenguaje y temas clave y usted avanza más rápido de lo que podría haber imaginado.

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La diferencia entre el Jazz Licks y Lenguaje Publicado Por Forrest En 08 de marzo 2011 @ 22:28 En Jazz Idioma | No Comments

Los músicos de jazz y los educadores discuten constantemente el tema de lame. Debaten preguntas tales como: ¿Debes aprender de ellos? ¿Está bien para jugar una y otra vez? ¿Importa cuando obtiene estos licks de? Y un puñado de otros temas. Si usted está discutiendo lame, que ya ha perdido el tren. Usted no quiere saber una sola lama. ¿Quieres saber el idioma.

Licks Jazz Aunque existen muchas interpretaciones de una mano, yo te voy a dar mi mejor definición en base a lo que he escuchado con más frecuencia la palabra usada y aplicada al conocimiento del jazz. Es una línea melódica que un improvisador ha adquirido por los medios de reproducirla nota por nota en su solitario improvisada. La línea se pudo haber aprendido de una grabación, pero lo más probable fue adquirida a través de material impreso, o de otras fuentes secundarias. La línea se pudo haber jugado brevemente en todas las llaves, sin embargo, más de las veces una mano se limita a una sola tecla. Eso es todo lo que hay una mano. Usted no sabe cómo varía rítmicamente o acercarse a ella con un grupo de notas. No se puede alterar la línea o combinarlo con otras líneas que conoces. Los conceptos que han practicado no se pueden aplicar a esta entidad estática. Nada afecta. Cabe en un solo lugar y se queda allí por su miserable vida. A partir de entender lo que quiero decir con una mano?

He aquí una analogía. Supongamos que usted va a viajar a un país extranjero donde no hablas el idioma. Usted estará allí por varias semanas y que le gustaría explorar la cultura tanto como sea posible. Obviamente para operar dentro de la cultura de este corto período de tiempo, usted tiene que saber algunas frases para salir adelante. Usted toma un "libro de frases comunes", que asegura en su portada que le ayudará en sus viajes ... Continuando con la analogía, digamos que usted pasa varias semanas a su destino en el extranjero y lo amas tanto, decide irse a vivir allí permanentemente. Siendo un ávido aprendiz, lo desea, en el tiempo, para ganar fluidez con el idioma. ¿Todavía vas a confiar en su libro de frases para aprender el idioma? ¿Podría haber una mejor manera, de una manera más profunda y duradera, de manera que asegure su aprendizaje del verdadero lenguaje de los lugareños? Por supuesto que hay, y si hablas con casi cualquier persona que ha ido al extranjero, que recogió el lenguaje de esta manera. Ellos se integraron con los lugareños y se sumergieron en la cultura. A partir de esta analogía, podemos sacar algunos paralelismos entre el libro y lame frase común: libro de frases - Usted no entiende cómo se construye la frase. lamen - Usted no entiende realmente cómo se construye la línea, o por qué funciona. libro de frases - Sólo sé la frase en una tensa. lamen - Sólo sabes cómo sabe la línea para una situación armónica específica. libro de frases - Le ayuda a duras penas "salir adelante." Es una muleta. lamen - Le ayuda a duras penas "salir adelante." Es una muleta. libro de frases - Usted no puede combinar libremente una frase con otra lamen - No se pueden combinar libremente el lamer con otras líneas que conoces libro de frases - Usted no sabe cómo pronunciar las palabras por lo que suena como un extranjero. lamen - Usted no sabe cómo articular la línea de lo que suena como un extranjero al idioma del jazz. libro de frases - No se oye la frase en tu cabeza. lamen - No se oye la línea en la cabeza. Se produce mentalmente. Creo que usted me entiende.

Jazz Idioma Ahora que tiene una idea sólida de lo lame son, vamos a profundizar en el lenguaje. El lenguaje, al igual que una mano, se compone de líneas melódicas. La diferencia radica en dónde aprendiste estas líneas, cómo usted los aprendió, y lo que puede hacer con ellos. Dónde aprendió el lenguaje A diferencia de su aprendizaje de un libro o de la web, a aprender la lengua con su oído. Se oye e imitar hasta que usted lo sepa. Usted no se sienta allí rasgadura de una nota fuera, escribirlo, rasga la siguiente nota fuera, escribirlo ... así es como se aprende lame, no el lenguaje. Usted desea tomar el lenguaje de sus héroes. No es la gente que se supone que les gusta; emular a la gente que realmente te gustan. Si no te gusta John Coltrane o Stan Getz, no aprender el lenguaje de ellos. Si ese es el caso, lo siento por ti, pero eso no importa. Aprenda de sus héroes personales. ¿Cómo se aprende el lenguaje Cuando un niño empieza a hablar, ellos tienen sus palabras favoritas. Ellos les dicen una y otra y otra vez ... Así es como se aprende el lenguaje. Al igual que un niño, que copia sus héroes (en el caso del niño, estos son sus padres), encontrar algo que dicen que te amo y jugar una y otra y otra vez. Usted es, por supuesto, familiarizado con el dicho: "No descubrirse a uno mismo. Crear uno mismo. "Esto es lo que estás haciendo. Usted está creando a sí mismo desde cero. Tienes la oportunidad de elegir a todos y cada poca influencia. Escoge sabiamente. A continuación, poner en su tiempo de poseer cada pieza de idioma que seleccione. Escuchar en tu cabeza durante todo este tiempo. Cantarlo Aprenda en todas las claves Reproducir las cosas con calma con un metrónomo en todas las claves Jugar más rápido con un metrónomo en todas las claves Tenga en varios movimientos de raíz. Por ejemplo, el juego de la línea descendente pasos enteros y después de ascender terceras menores, entonces terceras mayores etc. Aprende a variar el ritmo de la línea a voluntad Aprender a acercarse a la línea con una corchea, luego dos corcheas, luego tres, etc. De manera similar, Aprende a añadir notas al final de la línea Integrar trillizos en la línea Comience la línea en diferentes ritmos Combine la línea con otras líneas que has aprendido Combine la mitad de la línea con otro medio de una línea que sabes Añadir alteraciones, como el # 9, b9, # 11 (misma nota como # 4 o b5) o B13 (misma nota

que b6 o # 5) a la línea Usted no tiene que hacer todas las variaciones mencionadas. El punto es, hay infinitas maneras de variar la línea con el propósito de obtener un dominio completo de la misma. Tu objetivo es usar un pedazo de la lengua como un trampolín para su propio pensamiento creativo en el momento, no como una frase de copiar y pegar como si se tratara de un libro de frases. Del mismo modo que no tenemos que pensar en cada letra, palabra o regla gramatical cuando hablamos, nuestro objetivo es desarrollar una fluidez similar con el lenguaje del jazz. Lo que puede hacer con el lenguaje Esta es la diferencia más importante entre lame y lenguaje. Licks son estáticos. El lenguaje es dinámico. Licks son limitadas. El lenguaje es ilimitada. Practicar material melódico de la manera antes mencionada convierte líneas en lenguaje. Muchas de las cosas que puedes hacer con el lenguaje son similares a las sugerencias de cómo practicarlo. Usted puede hacer estas cosas con el lenguaje Mientras toca una melodía en tiempo real: Escucha la línea perfectamente en la cabeza Tener la línea a su alcance para cualquier tecla se encuentra con Ser capaz de variar la línea rítmica Agregar notas a la línea o quitar a voluntad Combine una pieza o parte del lenguaje con otro Aplicar conceptos rítmicos, armónicos o melódicos en pedazos del lenguaje Utilice la línea de base o punto de partida para su propia creatividad, en el momento Estas son sólo algunas cosas que usted puede hacer con una línea si es verdaderamente el lenguaje y no una mano. La principal diferencia es la flexibilidad que has logrado. Si estás aburrido de tu forma de tocar, entonces usted sabe que tiene lame, no el lenguaje, porque si tuvieras idioma, estarías creando constantemente nuevas ideas y combinaciones. Con el lenguaje, que siempre está encontrando nuevos lugares donde se puede utilizar la misma, o diferentes maneras de distorsionar la misma. Está en constante evolución, el cambio, y la fusión con otras cosas que está trabajando. Si usted quiere entender realmente cómo construir líneas que fluyen sin esfuerzo sobre los cambios de acordes, tiene opciones infinitas cuando se encuentra con el mismo los cambios y otra vez, si usted quiere dejar de sonar como un extranjero al idioma del jazz sino un local de ... Detener aprender licks y aprender el lenguaje. Usted será feliz de haberlo hecho.

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¿Cómo están sus cuatro tríadas? Publicado por Eric En 09 de mayo 2011 @ 09:14 am En Acordes, Oreja | No Comments

En el reciente artículo Audiencia in Color, Forrest discute la técnica de cómo desarrollar oír tonos acordes individuales en el contexto de las tríadas y 7mos acordes. Así como los tonos de acorde individuales en un acorde tienen colores identificables, los mismos acordes tienen sonoridades distintas que los diferencian unos de otros. La clave para dominar estos acordes es construir en la información que ya tenemos o piezas que son manejables. En lugar de tratar de abordar acordes complejos derecha del palo en su práctica de entrenamiento del oído, es mucho más eficiente y beneficiosa para comenzar con los componentes básicos de cualquier acorde - la tríada. Como la armonía de jazz ha progresado, armonías simples se han convertido en algunos sonidos muy complejos. Esto se logró mediante la adición de 7ths, b9ths, # 9ths, 11nas, etc., para tríadas básicas. En el corazón de cualquier acorde encuentra una tríada. Acordes como V7 # 5, de menor importancia, los 7 y los 7 # complejo 5 de sonido y buscar mucho para averiguar, pero cuando le quitas los tonos acordes superiores, uno se queda con sólo una tríada. El truco para escuchar e improvisando sobre estos acordes se encuentra en el desarrollo de la capacidad de identificar auditivamente los cuatro tríadas básicas.

Los cuatro tríadas básicas Sólo hay cuatro tríadas: mayor, menor, aumentada y disminuida. Estos cuatro tipos de la tríada son la base de casi todos los acordes te vas a encontrar. Si usted puede identificar inmediatamente estos cuatro triadas, una vez añada 7ths, 9ths, 11nas y 13ths a la tríada,

será mucho más fácil de navegar por estos sonidos. Para familiarizarse con cada una de estas tríadas, ir al piano y tocar la tríada. Repita cada tríada hasta que pueda oír fácilmente el color de cada uno. Primero cantar cada tono acorde y luego tratar de escuchar la tríada como una unidad cohesiva. De esta manera, usted será capaz de identificar cada uno de estos sonidos al instante. Mayor Una de las tríadas más familiares, una tríada mayor debe ser inmediatamente reconocible.

Menor Una vez más, al igual que una tríada mayor, una tríada menor debe estar muy familiarizado.

Aumentado Aquí es donde las cosas se ponen un poco difícil. La mayoría de nosotros estamos más familiarizados con las tríadas aumentadas y disminuidas porque no escuchamos tan a menudo, así que decir la diferencia entre los dos y sentirse cómodo con estos sonidos requiere cierta práctica. Trabajando al oír el color de los tonos de acorde individuales es un primer paso esencial en este proceso. En una tríada aumentada, escuchar la tercera mayor y sostenido quinto:

Disminuido En una tríada disminuida, escuche una pila de las 3as menores:

Escuchar y cantar estas dos tríadas una y otra vez hasta que pueda cantar fácilmente cada tono acorde, así como escuchar el distintivo color de cada tríada.

Las tríadas básicas en 7mos acordes Una vez que tenga el sonido de las tríadas arraigado auditivamente, lo que significa que puede identificar con seguridad el tipo de triada y cantar cada tono acorde, es hora de pasar a los

acordes de séptima. Como mencioné anteriormente, estas cuatro tríadas básicas son la base sobre la que se construyen la mayoría de los acordes que conocemos. A continuación se presentan ejemplos de 7mos acordes que usan los cuatro tipos básicos de la tríada. Preste atención a las tríadas básicas dentro del sonido de cada uno de los 7mos acordes. Para subrayar una vez más, es importante que desempeñar estas triadas y acordes de séptima en el piano para oír realmente el color único de cada acorde.

7mos acordes construidos sobre una tríada Mayor Debido a la gran tríada es la tríada más familiar, no es ninguna sorpresa que los acordes de séptima construidas sobre esta tríada son los acordes más comunes en la música. Tanto el principal séptimo acorde y acorde V7 se encuentran en cada nivel por ahí con poca excepción. Séptimo Major

V7

7mos acordes construidos sobre una tríada menor Tríadas menores, al igual que grandes tríadas, ocupan un lugar destacado a lo largo de la mayoría de las normas, en vez, acordes de séptima construidas en un tríadas menores son algunos de los más reconocibles. Séptimo Menor

Menor-major séptimo

7mos acordes construidos sobre una tríada aumentada Los acordes de séptima que se basan en las tríadas aumentadas son un poco más difíciles de oír porque estamos menos familiarizados con ellos.

Major 7 # 5

V7 # 5

7mos acordes construidos sobre una tríada disminuida Séptimo acordes disminuidos son más comunes que los acordes de séptima aumentada, especialmente el acorde medio-diminuto encontrado en menor ii-V7s. La parte difícil está diciendo la sutil diferencia entre un séptimo acorde medio-disminuido y un séptimo acorde totalmente disminuida. 7B5 Menor (media disminuida-)

Totalmente disminuido 7

Todo comienza con la tríada A pesar de que estos ejercicios parecen simples a primera vista, no hay suficiente información para pasar horas en la sala de ensayo. Con unos pocos minutos al día, este entrenamiento del oído tríada puede mejorar dramáticamente sus oídos. Como muestran los ejemplos anteriores ilustran, los cuatro tríadas básicas proporcionan los medios para oír cualquier acorde. Pasa mucho más tiempo del que usted piensa que necesita en estos cuatro tríadas. Conócelas dentro y por fuera, por lo que podría identificar fácilmente cualquiera de ellos si su vida dependiera de ello. Estos sonidos proporcionan el fundamento para escuchar todos los acordes de séptima relacionados descritos en este artículo. Al agregar este conocimiento tríada a la oreja, los acordes que antes parecían imposibles de escuchar o entender se convertirá en segunda naturaleza.

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6 errores desastrosos que está haciendo en Aprender a improvisar Publicado por Eric En 08 de diciembre 2010 @ 22:03 En Oído, Perspectiva, Consejos | No Comments

Aprender a improvisar una larga persecución vida. Constantemente, estamos bombardeados con información sobre cómo mejorar. De los maestros que nos dan clases particulares, a los amigos que recomiendan sus rutinas de práctica personal, parece que no hay información de mejora procedente de todas las direcciones! Incluso vamos a comprar libros y videos caros, en busca de "el secreto" (que debe existir, ¿no?) Para mejorar como improvisador. Con todas estas "autoridades" y métodos sobre la forma correcta de improvisar, puede ser difícil determinar lo que realmente funciona. Cada uno tiene su propio estilo de aprendizaje, lo que, naturalmente, no es un método que funciona para todos los músicos. En lugar de buscar la mejor manera de adquirir información, puede ser más efectivo para filtrar lo que no funciona. La retrospección es 20/20. Mirando hacia atrás en el camino he aprendido a improvisar, hay consejos fundamental Me gustaría haber seguido y ciertos métodos que debería haber evitado, si hubiera sabido mejor. Aquí están seis errores comunes que hice en aprender a improvisar que usted no tiene que hacer:

1. melodías de aprendizaje fuera de un libro real

Durante años, cuando me gustaría aprender una canción, me agarra de inmediato mi libro de verdad y buscar la melodía y los acordes cambios. Esto tenía sentido para mí en ese momento, porque la información que necesitaba estaba allí en la página. Aprendí casi todas las canciones de esta manera. En consecuencia, el curro me depender únicamente del libro real de conseguir a través de un conjunto. A pesar de que los profesores me decían que aprender de oído y otros músicos dirían "Tire a la basura su RealBook!", Me pareció más fácil de leer las notas y cambios de acordes fuera de un pedazo de papel. Aunque parece más rápido al principio para conseguir la música de un libro, en el largo plazo, los inconvenientes superan con creces los aspectos positivos. Cuando nos fijamos en una página para aprender un estándar, que está dejando sus oídos por completo; en otras palabras, entrenarse para disfrutar de la música a través de sus ojos. La mejor manera de aprender las normas es a partir del registro - y punto. Esto se hará evidente después de aprender algunas canciones de oído. Cada vez, el proceso será mucho más fácil y usted internalizar la canción desde el principio. Hoy en día, las normas que recuerdo sin falta son los que he aprendido de oído, directamente de los registros con mi cuerno en la mano. Aprender canciones fonéticamente no sólo beneficia a la memorización y retención, pero también es un gran entrenamiento auditivo. La clave es empezar a aprender a partir de los registros de inmediato. Recuerde, una vez que se utiliza el libro de verdad como una muleta, se le apegado a donde quiera que vaya.

2. Haciendo caso omiso de la importancia de la formación del oído

La formación del oído para mí utiliza para significar ser capaz de identificar los intervalos, por ejemplo, escuchar dos notas sucesivas y diciendo "cuarto perfecto, tri-tono, etc." Desde que era capaz de identificar los intervalos, pensé que había logrado lo suficiente con mi orejas y trasladado a otras habilidades durante mi tiempo de práctica. El resultado: como mi conocimiento armónico y técnica mejoraron, mis oídos se mantuvieron en el mismo nivel. Si bien la identificación de intervalos es útil saber, es sólo la punta del iceberg. Si hay una habilidad que es absolutamente necesario para los músicos de jazz, es la capacidad de escuchar y cantar intervalos, líneas y progresiones de acordes. Entrenamiento del oído diario se beneficiará en gran medida su capacidad de oír líneas y averiguar los cambios de acordes cuando se transcribe o aprender canciones.

3. La compra de libros de solos transcritos

Como yo estaba aprendiendo a improvisar me gustaría conseguir libros de transcripciones de Clifford Brown, Lee Morgan, e incluso Michael Brecker. Después de tratar de trabajar en la página tras página de líneas y frases difíciles, rápidamente me di por vencido, porque las líneas en el libro no se parecía a lo que venía de los registros. La compra de los libros de solos transcritos es igualmente inútil como comprar realbooks, para guardar su dinero! El jazz es un lenguaje y la razón por la que transcribe es conseguir piezas de este lenguaje en la esperanza de que algún día serás capaz de hablar con fluidez. No se puede obtener un libro escrito totalmente en francés y esperan aprender a hablar francés, así que ¿por qué comprar un libro de solos complejos de aprender el lenguaje del jazz? Al igual que las palabras impresas en la página de un libro, las notas musicales en una página, son símbolos que representan el sonido, la inflexión, la hora y sentido. Sin sonido, esas marcas de tinta son sólo aproximaciones. La única manera de obtener estos datos y construir su vocabulario es transcribir las líneas usted mismo. Al tomar una frase a la vez, escuchar y repetir una y otra vez, estas piezas se convertirán en su cuenta. Poco a poco, usted tiene las herramientas adecuadas para usar cuando estás jugando.

4. Tratar de aprender todo a la vez

Cuando empezamos a aprender a improvisar, hay tanta información para absorber que rápidamente se hace abrumadora. En mi propio esfuerzo para ponerse al día, traté de aprender todo de una vez cada vez que entré en la sala de ensayo. Todos los días me esforcé para aprender canciones, transcribir solos, salen líneas, y practican ejercicios técnicos, y más! Por tratar de meter toda esa información en tan rápido como pude, terminé aprendiendo nada y haciendo hincapié en mí misma. En lugar de tratar de aprender 3 canciones a la vez o tratando de transcribir todo un solitario en una sola sesión, se centran en la internalización de una pequeña cosa a la vez y dominarlo. Tome la melodía de una norma simple o una línea de un solo y arraigar cada aspecto de ella

en su juego. Al reducir su alcance y aumentar su profundidad, podrás retener lo que la práctica, en lugar de sobrecargar tu mente y retener nada.

5. Practicar sin un plan

Mientras desarrollaba como improvisador, que tenía un montón de motivación para practicar y no hay problema de entrar en la sala de la práctica. El único problema era mi concepto de "practicar". Mientras yo estaba en una habitación y tocar mi instrumento, sentí que estaba logrando algo. Una cosa que los desechos más tiempo que cualquier otra cosa es practicar sin rumbo. Es muy fácil caer en el hábito de sólo jugar ejercicios o líneas que usted es bueno en la sala de ensayo, pero se necesita disciplina real para centrarse en las áreas de su juego que necesitan mejorar. Al llegar a la sala de práctica, saber exactamente lo que quiere lograr y cómo va a hacerlo. Haga una lista de metas para sus sesiones de práctica diaria y asegúrese de cubrir todos ellos antes de salir de la sala de ensayo.

6. Buscando atajos en libros, videos, y equipos

Puede ser tentador para buscar atajos que le harán al instante mejor. Hay libros que dicen que le enseñe gama alta extrema en la trompeta, boquillas que dicen que van a hacer que suene

como Coltrane, e incluso vídeos que supuestamente le enseñará bebop en poco tiempo! Al igual que aprender a correr largas distancias o hablar un nuevo idioma, no hay sustituto para el trabajo duro y la práctica dedicada. Como dice el refrán, un acceso directo es la distancia más larga entre dos puntos. Me gustaría que alguien había compartido estos 6 puntos conmigo hace diez años. Yo les estoy compartiendo con ustedes hoy, con la esperanza de que pueda ahorrar tiempo, dinero y años de frustración.

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7 razones no van a obtener al siguiente nivel y qué hacer al respecto Publicado Por Forrest En 13 de octubre 2014 @ 12:37a.m. En Acordes, Conceptos, del oído, de la inspiración, Jazz Educación, Jazz Idioma, Perspectiva, rutinas de práctica, Transcripción, Tunes | No Comments

Cuando usted comienza algo nuevo, hay mucho que aprender. La mejoría es rápida y, a menudo, la práctica es exploratoria y divertido. Pero después de hacer cualquier cosa por un tiempo, se instala en una rutina y su mejora vez explosiva disminuye. Dondequiera que esto puede hacer que te, que parece que no puede ir más allá de esta meseta. ¿Por qué estás atascado en este nivel intermedio y qué se puede hacer al respecto? No temas amigo. Las principales razones por las personas permanecen en el mismo nivel en la improvisación de jazz son generalmente los mismos en todos los ámbitos. ¡Entremos en estos bloqueos de carreteras y detalle exactamente cómo manejarlos para que pueda llegar al siguiente nivel lo antes posible!

1.) Usted está utilizando escalas como un acceso directo a la comprensión de los acordes Un gran problema y, posiblemente, la razón por la mayoría de las personas se atascan en el mismo nivel de improvisación durante tanto tiempo, es su constante dependencia de escalas

para comprender las estructuras de acordes. Cuando quieres jugar más de un acorde de Eb-7, tienes que pensar en qué notas tocar basada en relaciones de escala? Si su pensamiento es algo como esto ... "hmmmm, Eb- es el acorde ii de Db importante, así que voy a tocar las notas en Db importante, pero a partir del Eb", entonces estás en problemas. "Si se intenta acortar el juego, entonces el juego será atajo ti." ~ Michael Jordan Este acceso directo a través de las escalas de acordes es un sistema ampliamente enseñado para la comprensión de los acordes en la improvisación de jazz; este sistema da rápidamente el acceso a corregir notas sin saber mucho acerca de las estructuras armónicas. No es un mal lugar para comenzar y en el corto plazo, que le ayuda, pero si quieres llegar al siguiente nivel, es hora de que zanja los accesos directos y empezar a entender lo que realmente está sucediendo a su alrededor. Qué hacer al respecto Empieza a entender cada acorde como su propia entidad. Deshacerse de la pre-procesamiento que tiene que pasar cuando se piensa en un acorde. Vamos a revisar nuestra Eb-7 acorde. En lugar de tener que pensar en qué escala de jugar y lo fundamental, el estudio Eb-7 hasta que se convierte en su propia cosa en su mente. Usted sabrá cuando un acorde se ha convertido en su propia entidad en su mente cuando usted sabe que todos sus tonos de acorde dentro y por fuera, cómo el acorde se presenta típicamente en una progresión de acordes, y lo que todo esto suena. ¿Cuál es la tercera? ¿Cuál es el séptimo? ¿Cuál es la b5? ¿Cuál es la # 11? ¿Cuál es la 9? ¿Conoce el sonido de estos tonos de acordes en el contexto de la cuerda? Qué acordes suelen preceder a ella? Qué acordes suelen seguirlo? ¿Conoce el sonido de la cuerda en el contexto de las progresiones típicas? Para cualquier acorde que realmente sabe, usted debería ser capaz de evocar al instante estas respuestas y más, sin ningún pensamiento o esfuerzo. Estudio de acordes en el piano. Al jugar el acorde en el piano que llegaremos a conocer sus estructuras y su sonido. No acorde debe ser un misterio. El encuentro con cualquier

acorde debe ser como ver y escuchar a un viejo amigo.

2.) ¿Crees acordes y escalas son las claves de la improvisación Así que ya sabes cada acorde de una canción y sabes las escalas. Multa. Usted sólo ha comenzado. El importe mínimo de conocimientos para improvisar sobre un acorde, es saber los tonos de acordes y la escala de cualquier acorde dado. Sí, eso es lo menos que debes saber. Como he dicho en los artículos anteriormente, muchos libros, maestros y amigos le dicen que esto es lo que necesita saber, pero en realidad es el mínimo absoluto. Una gran parte de llegar al siguiente nivel está amasando lenguaje jazzístico. Qué hacer al respecto Usted tiene que saber las estructuras armónicas de una canción hacia delante hacia atrás y hacia los lados, pero no importa qué tan bien conoce los cambios, todavía no improvisar la manera que usted desea a menos que adquiere el lenguaje y aprender a aplicarla. Sin aprender, estudiar, entender, conceptualizar y aplicar el lenguaje del jazz, que está en la oscuridad.

3.) Usted todavía está aprendiendo canciones de libros reales ¿Sabes por qué no debe ser un jugador de libro de verdad, pero usted lo sigue usando. Qué hacer al respecto Está bien si usted todavía está apegado a la página escrita, todos tenemos que empezar en alguna parte, pero las horas extras que desea mover usted mismo para aprender más y más de las grabaciones de sus héroes. Para empezar, simplemente cambiando su proceso de aprendizaje de una melodía. En vez de ir directamente a la música escrita y para acompañar la pista, comenzar con una grabación de uno de sus músicos favoritos. Siempre se puede sacar el libro de verdad más tarde, pero pasar algún tiempo antes ver cuánto se puede averiguar a partir de una grabación.

4.) Usted practica sin un plan Me encanta tocar el saxofón. Debido a este amor, me sorprendo a jugar a jugar solo. Estoy seguro de que usted se encuentra en esta situación, también. No hay absolutamente nada de malo en esto, de hecho, es algo que todos debemos permitir que nos hacen, esto se supone que es divertido después de todo no es eso? Pero, es más productivo para participar conscientemente en este libre juego en lugar de simplemente jugar a jugar. "Para lograr grandes cosas, se necesitan dos cosas; un plan, y el tiempo no es

suficiente. " ~ Leonard Bernstein Lo que hay que hacer al respecto Haga un plan antes de empezar a practicar. Entonces, en realidad cumplir con su plan cuando practicas. Horario en este tiempo de juego libre como recompensa a sí mismo para cumplir con el plan.

5.) Intenta aprender demasiado a la vez ¿Cuántas canciones Ha trabajado en la actualidad? ¿Cuántas líneas que ha ejecutado a través o cuántos conceptos que fuiste de nuevo? Hay un montón de aprender en esta música y es probable que se sienta abrumado todo el tiempo, al igual que siempre está tratando de ponerse al día, pero eso es sólo la naturaleza del juego. No siempre va a ser un montón de aprender, por lo que no quedan atrapados en la lucha contra tanto que nunca dominar realmente nada. Lo que hay que hacer al respecto Practique una cosa durante un período prolongado de tiempo. A veces practico lo mismo por semana. No ha habido incluso varios períodos en los que he estudiado de un solitario por un período de meses, y eso es todo. Además de calentamiento, 15 minutos de tonos largos y otros ejercicios de sonido, iría directamente a la transcripción de la misma en solitario todos los días por mes. Que iba a aprender un poco más del solo todos los días y me gustaría mejorar las partes que ya había transcrito, que les permitió llegar a la velocidad. ¿Por qué sugiero centrarse en una sola cosa? Al final de cualquier sesión de práctica, usted debería ser capaz de explicarme por qué usted es un mejor músico hoy que ayer. "No creo que gran parte de un hombre que no es hoy más sabio que él estaba ayer". ~ Abraham Lincoln He utilizado para hacer frente a una tonelada diaria. Tuve un régimen muy organizada, que abarca media docena de temas. Y, me sentí realizado al término de mi práctica, pero apenas podía recordar lo practiqué hasta más tarde esa noche. Eso es un problema. Si apenas puede recordar lo que practica, ¿cómo se puede realmente aplicar la información

cuando se está en una situación musical la vida real? Mediante la práctica de una cosa y realmente dominarlo, entenderlo, entrar en el funcionamiento interno de la misma, que tendrá la nueva información arraigado en su mente, el cuerpo y el oído. Usted sabrá cómo usarlo y cuándo usarlo. Trate de elegir uno solo, una línea, una melodía o un concepto, y acaba de hacer la exploración de que una cosa su práctica por un día, una semana o incluso un mes, dependiendo de la naturaleza del material. Cuando usted realmente entrar en una cosa, usted sabrá lo que quiero decir.

6.) Todavía estás evitando la transcripción Una cosa enorme que tiene la gente de vuelta es esta noción de la copia. Si copio la gente, nunca voy a ser original. Tienes que superar esto. Copia de los grandes en cualquier cosa es cómo averiguar lo que funciona para usted. Es necesario un concepto, y este concepto se obtiene de la transcripción. Qué hacer al respecto Simplemente comienza a transcribir. Es así de simple. Escoja un álbum que ha estado obsesionado por las últimas semanas y escucharlo. ¿Hay algo que salta a la vista? Algo que llama la atención? Algo que usted piensa que es genial? Póngalo en la transcripción de software y aprenderlo. Se le alegra que usted lo hizo.

7.) No ha buscado influencias que se mueven La gente le encanta dar consejos y algunas de las cosas de jazz educadores les gusta decir a los estudiantes es que deben escuchar, que deberían emular, y quiénes deben transcribir. Ellos muy bien puede ser que le da excelentes sugerencias para su estudio, sin embargo, le toca a usted para averiguar quién es usted realmente quiere sonar. Esto es arte, no una lección de historia. Qué hacer al respecto Dejar de escuchar o transcribir los músicos que cree que debería recibir y encontrar los que usted tiene gusto. Período.

Se puede llegar a un nivel superior Usted ha estabilizado lo suficiente. Usted tiene el talento, el deseo y la creatividad, sólo tiene que hacer algunos ajustes menores a su proceso y usted estará bien en su manera. Si usted está calculando qué escala de jugar sobre un acorde, empezar a estudiar armonía y tocar el piano hasta que cada cuerda se convierte en su propia cosa en su mente. Si usted entiende los acordes y escalas, quizás es el momento para conseguir un poco más el lenguaje del jazz, por lo que empezar a aprender algo más.

Si usted todavía está en función del libro de verdad, empezar a Ween ti mismo fuera de él. Con el tiempo podrás obviar la necesidad de hacerlo. Si estás abordar una tonelada en sus sesiones de práctica, elegir una cosa y hacer un plan de lo que vas a estudiar. Si usted está evitando la transcripción, encontrar influencias que se mueven y transcribirlas. La próxima cumbre espera su llegada y usted sabe qué hacer para llegar allí. Con un poco de atención y dedicación, se llega a un nivel superior.

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Llegar a un nivel superior: 5 maneras de acelerar su progreso musical Publicado por Eric En 18 de agosto 2011 @ 23:54 En Consejos para todos, del oído, de la inspiración, la perspectiva, Consejos | No Comments

Aprender a improvisar es un camino con muchos pasos que conducen a muchos niveles diferentes. Contrariamente a la creencia de algunos de que la improvisación es un talento, o incluso una habilidad permitido sólo unos pocos especial, la verdad es mucho más simple. Una y otra vez debemos abordar nuevos conceptos e incansablemente practicarlas hasta que los tenemos en nuestros oídos y dedos. El aspecto maravilloso de aprendizaje de la improvisación es que es un proceso que nunca termina - siempre se puede mejorar y siempre habrá otro nivel para luchar por. La parte difícil, sin embargo, viene en empujar a ti mismo para llegar al siguiente nivel. En el proceso de aprender a improvisar, de inmediato nos hacemos grandes saltos en el nivel de habilidad. Pasamos de saber unas cuantas escalas mayores para entender las estructuras de acordes, de oír las progresiones de acordes básicos para tocar líneas improvisadas sobre melodías enteras. Finalmente transcribimos un solo y empezamos a pensar en los conceptos de redacción, desarrollo motívica, el sonido, el tiempo, y la articulación. Todos estos pasos son enormes y se siente verdaderamente grande cuando los cumplimos. Pasamos de hacer frente a la música superficialmente para realmente crear algo significativo y personal. Con cada nivel, se descubre un nuevo mundo de sonido y posibilidades. A medida que nos volvemos más avanzada técnicamente y más sofisticados armónicamente

sin embargo, se necesita más y más trabajo para romper al siguiente nivel. A pesar de nuestros éxitos anteriores, obstáculos surgen inevitablemente en el camino de nuestra mejora: obtenemos perezoso, complaciente con nuestro juego, demasiado confiado con nuestro nivel de habilidad, y desanimados con nuestro ritmo de progreso. Debido a que ahora toma más atención y trabajo para mejorar, puede ser difícil de seguir con sus objetivos hasta que se alcanzan. "Si la gente supiera lo duro que trabajé para obtener mi maestría, no parecería tan maravilloso después de todo." ~ Miguel Ángel Después de esos períodos iniciales de progreso emocionante, semanas, meses y años pueden pasar como nos quedamos en el mismo nivel de improvisación: Está sonando exactamente igual en esas pocas normas, estás jugando en la misma línea sobre cada ii-V progresión, y usted está teniendo problemas con esas mismas áreas problemáticas. Si esto suena familiar, no se desanime, este es un proceso natural que todo el mundo pasa por su lucha por convertirse en un mejor improvisador. La buena noticia es que siempre se puede continuar donde lo dejó y seguir su progreso musical. Entonces, ¿cómo es exactamente lo que acelerar el proceso de alcanzar el siguiente nivel como improvisador? La respuesta es más fácil de lo que piensas. Aquí hay cinco maneras de empujar a ti mismo, tanto interna como externamente, para llegar al siguiente nivel y hacer realidad su potencial musical:

1. Cambiar la forma en que escuche El primer paso para llegar al siguiente nivel de improvisación requiere que cambie la forma en que se oye. Al igual que su nivel de entendimiento armónico y capacidad técnica están en constante evolución, por lo que son sus oídos. A medida que avances como improvisador su definición de "gran improvisación" puede y va a cambiar drásticamente. Si te quedas en la misma situación musical, escuchando los mismos registros, los mismos jugadores, y yendo a las mismas sesiones, sus oídos se van a ir rancio. En esta situación, la definición de "gran improvisación" se mantiene en el mismo nivel, y al acercarse a este nivel a ti mismo, te vuelves menos motivados a mejorar. Sin embargo, si usted se empuja y buscar un mayor nivel de juego, los resultados pueden ser chocante. He aquí un ejemplo personal. Antes de que me mudé a Nueva York, pensé que tenía una definición sólida en mi mente de lo que "gran juego" era y tenía confianza en mis habilidades como improvisador. Sin embargo, después de llegar a Nueva York y sentado pulgadas del de Tom Harrell trompeta como él rompió cambios de ritmo o de pie detrás de Mulgrew Miller mientras jugaba líneas inimaginables más de melodías simples, mi definición de "grande" fue volado literalmente fuera del agua. El resultado de esta exposición de primera mano de los maestros de la música era que mis

oídos se cambiaron de manera irrevocable. Con esta nueva definición de "gran improvisación" en mis oídos, era como si un nuevo mundo de la improvisación y la musicalidad se me reveló. Ahora tenía que establecer nuevas metas en la sala de ensayo y el objetivo de los estándares más altos en mi rendimiento. ¿Cuál fue improvisando una vez sólido o fue un récord matanza en mi mente, ya no es aceptable para mis oídos era; Ahora me mantuve todo para este nuevo estándar. Cuando sus oídos cambian así, cada aspecto de su musicalidad es afectada. En la sala de la práctica, que se ven obligados a reevaluar su sonido, el tiempo, la articulación, la comprensión armónica, la comprensión rítmica, técnica - literalmente cada pedazo de su musicalidad. Es sólo cuando se cambia la forma en que escuche, que realmente va a ser capaz de acercarse al siguiente nivel de juego.

2. ¿Quién se cuelga alrededor de usted influye Nos guste admitirlo o no, la gente que pasamos más tiempo con son los que nos influyen más. Echa un vistazo a las cinco personas que están alrededor de la mayor parte de cada día, musicalmente o no. ¿Están estas personas motivadas y tratando de mejorarse a sí mismos sobre una base diaria? O, ¿están perdiendo el tiempo y que le anima a hacer lo mismo? Nada te motivará más rápido que las acciones de sus compañeros. Si los músicos que pasar el rato con los están empujando a sí mismos en la sala de la práctica, que van a hacer lo mismo ya sea a través de la inspiración o el temor de quedarse atrás. Por otro lado, si están satisfechos con jugar las mismas canciones y conciertos en un nivel mediocre, se le aspirado en ese agujero negro junto con ellos. Si usted es serio acerca de cómo mejorar como improvisador, es necesario ponerse en un ambiente donde son empujados para tener éxito. Rodéate de músicos motivados y positivos que se esfuerzan por mejorar y le animará a hacer lo mismo. La presión de grupo es una fuerza poderosa, y en este caso se puede utilizar a su ventaja.

3. Busque situaciones musicales difíciles Uno de los mayores obstáculos para llegar al siguiente nivel como improvisador es la complacencia. Llegamos demasiado cómodo con nuestro actual nivel de juego y llegar a ser satisfecho con los pequeños logros que hemos hecho en el pasado. Algunos músicos incluso han llegado a ser tan laxa que ni siquiera saben en qué trabajar en la sala de la práctica más. Este es un signo seguro de que usted ha estado viviendo en su propia pequeña burbuja cómodo durante demasiado tiempo - es el momento de salir y ponerse a prueba. Hay una serie de cosas que usted puede hacer para remediar esto. Empieza por tomar una lección con uno de sus héroes musicales que está jugando en una ciudad cerca de ti. Una situación de uno-a-uno como este con un gran músico es una experiencia invaluable. Esté preparado para un honesto, evaluación sensata de su juego y algunos consejos de valor incalculable sobre cómo mejorar ... es decir, si usted está dispuesto a aceptarlo y es serio

sobre conseguir al siguiente nivel. Otra gran manera de salir de su zona de confort y acepta el reto es ir a una sesión de improvisación. Como usted está allí escuchando y jugando, tomar algunas notas mentales: ¿Sabe usted cada melodía que está siendo llamado? ¿Puedes averiguar las progresiones de oreja a canciones que no conoces? ¿Eres capaz de reproducir canciones que están siendo llamados en diferentes llaves? ¿Cómo se comparan con los de otros jugadores? Las respuestas a estas preguntas son una buena forma de medir su nivel de habilidad y revelarán rápidamente lo que es necesario centrarse en la habitación de la práctica. Conseguir complaciente con su juego es fácil de hacer, pero el remedio es aún más simple. Nada va a hacer que te das cuenta de lo que usted necesita para trabajar en más rápido que ser puesto sobre el terreno en una situación difícil. Si usted busca una lección con un maestro musical, asiste a una sesión de improvisación, o realizar una audiencia crítica, te verás obligado salir de su zona de confort y de inmediato recuerda de sus fortalezas y debilidades musicales.

4. Motivar y disciplinarse Al final del día, la responsabilidad de mejorar musicalmente recae exclusivamente en usted. No se puede culpar a su horario, el talento de los demás, o de otras fuentes externas para sus deficiencias - todo se reduce a la cantidad que está dispuesto a trabajar por ella. Comience por aprender a manejar su tiempo y crear una rutina de práctica que le permitirá alcanzar sus metas. En la sala de la práctica, a veces puede ser su propio peor enemigo. Una vez que estés eficiente con su tiempo y se está trabajando en las cosas correctas en la sala de ensayo, verás un cambio inmediato en su juego y el siguiente nivel se llega antes de lo que piensas.

5. Cambie su forma de pensar La lucha por el siguiente nivel de maestría musical significa continuamente volver al estado mental de un principiante - un sentimiento de no saber nada, la búsqueda de la información desde todos los ángulos, y volviendo a lo básico para mejorar. Esto puede ser extremadamente difícil de hacer cuanto más se avanza y puede incluso ser un golpe a su confianza. Un día usted puede sentir como si estuvieras en el control de su instrumento y navegar con facilidad progresiones de acordes y luego, después de una lección particularmente revelador o intensa sesión de improvisación, es posible darse cuenta de que suena como un principiante sobre esas mismas progresiones y sólo ha comenzado a entender su instrumento. Recuerde que a medida que cambian sus oídos, la vista de sus propios cambios de juego junto con su definición de Cuando se encuentre con este estado impactante donde sus oídos cambian repentinamente y te das cuenta que no sabes nada ... Felicitaciones "gran improvisación." - Te has convertido consciente de la siguiente nivel musical. Ahora usted

puede comenzar a trabajar hacia estos nuevos objetivos en la sala de ensayo y en el escenario. En lugar de temer este estado principiante y evitar situaciones que te hacen sentir de esta manera, abrazarlos. Los mejores músicos de jazz del mundo siempre están aprendiendo y buscando mejorar con el mismo entusiasmo como un principiante. Tenga cuidado con los tiempos en que usted se siente demasiado en el control de la música y en el pico de sus habilidades, usted está a punto de llegar a ser musicalmente rancio. Cuando usted se está esforzando para mejorar y continuamente en busca de más información, usted está realmente en su camino al siguiente nivel.

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8 cosas que nadie te dice sobre el aprendizaje Jazz Improvisación Publicado Por Forrest En 21 de diciembre 2015 @ 23:58 En la inspiración, Jazz Educación, Consejos | Comentarios discapacitados

La gente te dirá todo tipo de cosas sobre el aprendizaje de la improvisación del jazz ... Pero nadie dice que muchas de las cosas que realmente le podrían ayudar a los más. Al practicar la improvisación del jazz, desarrollamos un concepto de cómo pensamos que deberíamos ir sobre el aprendizaje de cosas. Este concepto proviene principalmente de lo que nuestros maestros, amigos, y los libros nos dicen. El problema es que a menudo, o bien no saben o piensan que nos diga cosas específicas que nos podrían ayudar enormemente. No es culpa de ellos. Tenemos que tomar el 100% de la propiedad de nuestra educación y nuestra mejora. Parte de "Ser codicioso de la música" se está ávido de conocimiento, todos los consejos y la información que nos puede empujar a un nivel superior, pequeñas joyas o ideas que haga clic en nuestra mente y nos ayude a hacer algo que nunca pensamos en hacer antes de. Y eso es lo que vamos a discutir hoy. 8 cosas que nadie va a decir sobre el aprendizaje de la improvisación del jazz ...

Nunca es demasiado pronto para poner su enfoque en las cosas Cuando estás desarrollando como músico de jazz, la gente le dirá que usted tiene que imitar a sus héroes mucho. Y, esto es cierto. Si usted escucha a ellos durante incontables horas o transcribir su cada nota de la memoria, en algún momento hay que sumergirse en la música para aprender los matices que están disponibles para usted no hay otra manera. Pero, sólo porque usted está copiando todo el tiempo no significa que no se puede empezar a desarrollar, aplicar, y abrazando a su propio estilo único. Aquí está la cosa ... la gente piensa que es tan importante aprender de lo que vino antes que ellos, y con razón, que se olvidan de que el aprendizaje de sus héroes es más acerca de la conceptualización de lo que es posible que la copia estricta. Y cuando conceptualizamos algo por nosotros mismos, no podemos dejar de ver, oír y sentir las cosas a través de nuestra propia perspectiva única. Por lo tanto, esta es la oportunidad perfecta para interpretar y construir sobre lo que estamos aprendiendo a nuestra manera, tomando las cosas en una dirección que creemos que es fresco. Sin embargo, la mayoría de las veces, una pequeña voz en nuestra cabeza nos dice: "No, no, no, yo no tengo el derecho de poner mi estilo único en esto todavía. Tengo que copiar mucho más antes de que pueda hacer eso ". Caballo $ #! ^ Lo que separa a los grandes de la música de todos los demás? Además de la auto-motivación y perseverancia increíble ... Perspectiva Fuerte y el coraje de dejar que esa perspectiva fuerte brille a través.

Lee Morgan estaba jugando al igual que su auto mal-culo en su adolescencia. Lo mismo con

Clifford Brown. No esperaron a decir: "hmmmm Creo que sería genial si tomé esta línea de Fats Navarro y jugué como este lugar." No tuvieron reparo en tomar lo que transcriben y cambiarlo, el desarrollo y la aplicación de su propia perspectiva única a la misma. Estoy seguro que has oído la famosa cita Clark Terry, "Imitar, asimilar, innovar". Y la forma en que esto es comúnmente interpretada en términos de sus etapas de desarrollo como músico. En su primera etapa de desarrollo como músico imitas, a continuación, una vez que lo que durante un tiempo se mueve en la etapa de asimilación, y entonces tal vez unos años más tarde se muda a la etapa de la innovación. Esta interpretación se vería así:

Pero, ¿y si en lugar de pensar en esta cita, en términos de sus etapas de desarrollo, has pensado en ello en términos de una línea que transcrita. Ahora, de repente estás innovando todo el tiempo.

No espere más para innovar. Haga proceso de Clark Terry un proceso diario e innovar cada día.

La improvisación no es jazz

La improvisación parece ser sinónimo de jazz, pero no son la misma cosa. La improvisación se utiliza en más géneros que sólo el jazz. India, azules, e incluso la música rock tienen su parte justa de la improvisación. El mero acto de improvisación musical no es jazz. Y esto es un hecho muy importante. por que es tan importante? Porque una vez que te das cuenta de esto, te das cuenta de que la idea de improvisar exclusivamente sobre la base de conocimiento de un acorde o escala no es jazz. "Improvisación" es el enfoque cuántos jazz. Usted tiene un acorde, tiene una escala, es mezclar las notas lo que desea y listo, eso es improvisar! Sí, eso puede ser la improvisación. Pero no la improvisación del jazz. Sólo porque usted está improvisando, no significa que estés tocando jazz o que tiene alguna idea de lo que es el jazz. El jazz es un lenguaje. La armonía es, obviamente, formada por cuerdas, y el conocimiento de los acordes y escalas asociadas ayuda a facilitar la comprensión de "lo que funciona en el que," sin embargo, improvisar y verdaderamente hablan el lenguaje del jazz, hay que estudiar el idioma para cada entorno armónico común y entender lo fuerte declaraciones melódica se hacen en el idioma del jazz.

Juega ejercicios como si usted va a realizarlas Vale es el momento para mí para practicar este "ejercicio". Voy a entrar en el modo de ejercicio para los siguientes veinte minutos y luego puedo volver a hacer música de verdad. Si desea obtener valor de sus ejercicios luego practicar como si usted va a realizarlas. Juega ellos musicalmente. Juega con el hermoso sonido que desea jugar con en su próximo concierto. Juega con la técnica sin esfuerzo. Fluid, liso, ejecución. Juega ellos hasta lograr la maestría. El tiempo dedicado a ir-through-the-movimientos está la pérdida de tiempo. Entienda por qué estás jugando un ejercicio en particular. Conocer el valor y afectar lo tendrá en su juego antes de practicarlo.

Cuando juegas un ejercicio de la manera correcta, usted estaría dispuesto a ponerlo en su próximo disco!

No hay músicos específicos debe transcribir Recuerdo que hace muchos años de leer una entrevista en una famosa revista de jazz con un educador de jazz. Habló de un sistema de estudio para el jazz-sidenote: Recuerdo específicamente Mulgrew Miller diciendo en clase un día que estaba muy orgulloso del hecho de que en nuestra escuela no teníamos un "método", una especie de una talla -Se adaptatodo enfoque y en este sistema el educador dijo comenzar por el estudio de Pájaro, a continuación, Trane, y luego Brecker. Ahora, por supuesto, todos los que studys Trane o cualquier otro jugador para el caso, va a interpretar lo que descubren de manera diferente, y eso es una de las grandes bellezas de hacer su propia tarea. Pero, este curso recomendado de estudio está tremendamente limitante. La historia del jazz está cargado de nombres que nunca has oído hablar. Los jugadores que solamente estudian, que se les dice que, si se trata de Bird y Trane oa otros, pierden tanta música hermosa y restringen en gran medida las posibles influencias o sólo los jugadores que habían adoran escuchar.

Mark Turner ejemplo de lo que puede suceder cuando usted estudia jugadores que otros no lo hacen. Fue, posiblemente, uno de los primeros en estudiar seriamente Warne Marsh. Hay una razón por Mark Turner suena tan único y no es sólo porque él es un tipo único, que sin duda lo es. Estudió la gente que nadie se lo habría dicho a estudiar. Llegó a ser fuertemente influenciado por los jugadores que muchos otros no fueron influenciados por, así que tiene sentido que suena diferente.

Dominar una melodía en vez de "aprendizaje" 100 o incluso 10

El Internet está lleno de artículos titulados cosas como "100 canciones para saber" y "30 canciones que tienes que saber para una jam session", y otras largas listas de canciones que le dice que es absolutamente necesario saber un montón de canciones para tocar jazz. Ahora, esas listas pueden ser muy útiles, incluso tenemos algunos artículos como ese porque es bueno saber lo que el cuerpo de melodías para trabajar. Te metes en problemas, aunque cuando usted está tratando de "aprender" canciones para aprenderlas. Para ser excesivamente semántica, pero para ilustrar mi punto ... "Aprender" melodías es una pérdida de tiempo. "Dominar" melodías no lo es. Si vuelve a enmarcar su idea de canciones de "aprendizaje" para "dominar", entonces por todos los medios, "aprender" melodías. La mayoría de la gente llama el aprendizaje de una melodía memorizar la melodía y los acordes cambios. Eso es básicamente él y eso es sólo de valor si ya se puede jugar bien en los componentes armónicos de esa melodía. Si aún no eres fluido en las progresiones armónicas de esa melodía, luego aprender la melodía y los acordes cambios es sólo el comienzo, no aa objetivo completado. Ahí es donde entra en juego el dominio ... Si ignora los artículos que dicen que usted necesita saber un montón de canciones, relajarse y tomar una respiración ... y dominar una melodía-aprender la melodía y la armonía de la grabación, reproduzca la armonía en el piano, lenguaje de la práctica sobre las progresiones específicas de la melodía, el lazo las partes duras y más-usted mejorar diez veces más que si nos atenemos a la "Tengo que aprender 100 melodías" mentalidad. ¿Y cuál es el dominio? Sabes que has dominado una melodía cuando ... Se oye la melodía en tu mente y jugar a la perfección Se oye los cambios de acordes en su mente Puede reproducir voces de piano simplificadas de los acordes. Usted no tiene que pensar en los cambios de acordes Usted se siente libre cuando se improvisa sobre la melodía Usted tiene varias maneras de abordar los cambios Puede hacer declaraciones melódicas claras sobre los cambios Ninguna parte de la melodía es difícil para usted

Y realmente has dominado una melodía cuando usted puede hacer todas estas cosas con la música en los 12 llaves. Es un proceso y lleva tiempo. No se dejen confundir. Comience con una melodía y una clave.

No creas lo que dicen Los músicos de jazz son dioses. Al menos, así es como la gente habla de ellos. Es hilarante. Y es una cosa de hablar de los muertos como de que, después de todo, no hemos cumplido con ellos y han sido construidos a lo largo de los años para convertirse en súper héroes de las clases, pero los jugadores de vida ... ¿En serio? El mundo del jazz está lleno de bombo. No sólo en las revistas o los medios de comunicación, pero las escuelas y la cultura en general, así, los rumores se extienden como reguero de pólvora a través del boca a boca. Recuerdo estar en una clase magistral de una vez los maestros estaban hablando de George Garzone sonido. Si usted no sabe quién es, él es impresionante y él tiene un gran sonido. Y en esta clase magistral en particular, los profesores afirmaron que si quieres un sonido como este, "Tienes que correr 5 millas al día. Corre 5 millas cada día y si usted desea un gran sonido, así que tienes que hacer lo mismo ". Si bien esta clase magistral puede haber promovido el atletismo entre los estudiantes universitarios, que no es una mala cosa, estoy bastante seguro de que en el momento, la mayoría de nosotros en la audiencia de ser un muy atlético 18 años montón de edad, estaban en mejor forma, sin faltarle el respeto intención , que el jugador en cuestión. Y, no hay mucho más para conseguir un gran sonido en el saxofón de "corriendo 5 millas al día." El bombo no coincide con la lógica tampoco, pero pocos cuestionan. Coltrane tenía un gran sonido, Dexter Gordon tuvo un gran sonido. Así fueron estos chicos entrenamiento para su próxima 5k en el medio de la práctica constante, el rendimiento y la adicción peligrosa? Ellos no viven precisamente el más saludable de los estilos de vida ... Hay un montón de jugadores, estoy dispuesto a apostar que la mayoría, con grandes sonidos que no se ejecutan 5 millas al día. La gente te dirá una historia tras otra sobre los grandes músicos, sus hábitos de práctica, sus equipos, sus estilos de vida y casi cualquier otra cosa que puedan hablar. ¿Quién sabe realmente? Lo que vemos desde el exterior de la vida de una persona es a menudo una sombra de lo que

es realmente allí. No creo que de buen grado el bombo sin hacer su propia investigación y cuestionando lo que es que la gente dice. Y recuerda que, incluso si se puede validar lo que funcionó para ellos, no hay diciendo que va a funcionar igual de bien para usted.

Hacer música que desea escuchar

Empezamos la música y seguimos porque nos gusta jugar. Y a medida que jugamos más y más, que probablemente jugaremos con otros músicos, realizamos conciertos, y tal vez incluso grabar. A medida que mejore, el objetivo de crear música que usted realmente desea escuchar. Así, no sólo tratar de convertirse en un mejor músico, pero pensar en dar vida a la música que usted quiere escuchar. Si piensas en las cosas de esta manera, usted se sentirá más conectado con lo que está produciendo y tener una mayor comprensión de qué es lo que desea crear. Una gran parte de la adaptación de esta actitud está grabando a sí mismo muchas veces. Un buen profesor mío sugirió que grabo a mí mismo una vez a la semana, o cada dos semanas, punto de ser: no bajen demasiado atrapado en ella, pero asegúrese de que usted lo hace bastante a menudo que usted se mantenga en el camino correcto, moviendo el juego en la dirección que desea ir. Es horripilante para grabar a ti mismo pero ayuda mucho. No hay mejor manera de evaluar dónde estás y lo que específicamente se quiere mejorar. Coge un micrófono, un buen par de auriculares, y empezar a grabar a ti mismo. Cuanto más lo haces, más fácil se vuelve y menos especial que se siente, que es lo que quieres, porque cuanto más ordinaria se vuelve a ti, más que lo harás. Retire la idea de su mente que la grabación de uno mismo es una actividad especial

o sagrado. Tratarlo casualmente y hacerlo a menudo.

No tenga miedo de desviarse de lo que se considera la práctica "estándar"

A principios de este hablábamos de eso que usted necesita para comenzar a poner su propio enfoque en las cosas desde el primer momento. En estrecha relación con esto, no estar preocupado por probar algo un poco diferente o fuera de lo común. La gente escribe en Jazzadvice mucho y recibimos muchas preguntas que van más o menos así: Hey Jazzadvice. He estado haciendo esto por mucho tiempo ... y luego me di cuenta, lo que si trato de este [complete técnica, enfoque, escala, idea acorde, etc. aquí]? Bueno, es eso cierto? ¿Puedo hacer eso? ¿Qué piensas? Es difícil para mí responder este tipo de preguntas. Principalmente porque son muy difíciles de entender. ¿Por qué son difíciles de entender? Debido a que han sido procesados ​por la perspectiva del emisor tanto es así, que es difícil de descifrar qué es lo que han estado haciendo exactamente. Pero el hecho de que es tan difícil para mí entender qué es lo que han estado haciendo significa que han conceptualizado la información en su propia manera única, una buena cosa, y ahora que están buscando para validar que son en el camino correcto. No espere a que el permiso para probar cosas nuevas. El hecho de que nadie hace algo o piensa en algo de cierta manera no significa que usted no puede o no debe. Ahora es el momento de aplicar estas ideas a su propio viaje como músico de jazz ... La próxima vez que entras en esa habitación la práctica, pregúntate a ti mismo, estás aplicando su enfoque único para las cosas o estás esperando para innovar hasta que algún día lejos en el futuro? La próxima vez que usted practica un ejercicio, pregúntese, ¿estoy jugando este musicalmente como si yo voy a llevarla a cabo?

Y la próxima vez que usted tome una decisión acerca de su equipo, su práctica, o de su dirección musical, pregúntate: ¿Estoy siendo influenciada por la moda o es esto realmente la dirección que quiero ir? La mayoría de la gente no va a decirle las cosas que hemos hablado hoy. Llévelos a corazón y explorar lo que es posible cuando se piensa en las cosas un poco diferente que los demás.

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Cómo evitar los 4 mentalidades dañinas que están saboteando su rutina de la práctica ... Publicado por Eric En 20 de enero 2016 @ 12:07a.m. En las rutinas de práctica | Comentarios discapacitados

Si estás decidido a alcanzar su potencial musical o intensificar su juego de la improvisación del jazz entonces la mayor parte de su tiempo como músico se debe gastar en un solo lugar ... La sala de la práctica. Es el lugar donde usted va a hacer el trabajo sucio de perseguir sus metas musicales y donde construir su fundación como intérprete. No es ningún secreto que la práctica constante es uno de los factores más importantes en la determinación de su éxito musical de este año. Pero aquí está el truco: No toda práctica es "buena práctica" De hecho, la forma en que se define la "práctica" en realidad podría ser la celebración de vuelta y en algunos casos, incluso haciendo daño. Y esto puede afectar drásticamente el rendimiento y la confianza creativa cuando te metes en frente de una audiencia. Recuerde, bueno o malo, el tiempo que pasan en la sala de la práctica se arraigar

hábitos y es estos hábitos que determinarán la forma de llevar a cabo, y la diversión que tener con la música. Suena bastante serio, pero no se preocupe, usted no está solo en este viaje ...

Es lo mismo para todos los músicos Desde el principiante y el estudiante de la música trabajando duro en la sala de la práctica, a la andadura profesional en los escenarios de todo el mundo ... Los músicos se encuentran con los mismos obstáculos creativos cada día. La presión de jugar de cierta manera, los nervios repentinos antes de un gran rendimiento, o reveses inesperados que causan inseguridad. Ser músico no es fácil y la creación de su propia música necesita algo más que técnica. Sin embargo, el único consejo que a menudo recibimos cuando nos encontramos con problemas es una pila de libros etude y las instrucciones: "la práctica, práctica, práctica." Pero lo que si es la práctica misma que no está funcionando? ¿Y si el problema no son las notas y escalas, pero la forma en que los estamos acercando día a día?

La música es mucho más que las notas ... y esto es fácil de olvidar. Lo que separa a los grandes jugadores de los jugadores que luchan no son los materiales de práctica que están utilizando - que es su forma de pensar acerca de la música. Los mejores jugadores han aprendido cómo acercarse a la música de una manera que crea confianza, refuerza buenos hábitos, e inspira la creatividad. Ya tiene suficientes libros y grabaciones sentado en sus estantes para los años de práctica ... Para empezar a alcanzar su potencial creativo tiene que cambiar su forma de pensar acerca de la forma en que la práctica. A continuación vamos a echar un vistazo a los 4 modos de pensar negativos que pueden sabotear su rutina de la práctica y lo que puede hacer para ganarles una vez por todas ...

I) La trampa del miedo y la ansiedad Como músico se encontrará en un montón de situaciones difíciles .... Audiciones, grandes actuaciones, consiguiendo poner en el lugar para un solo, o simplemente

tratando de improvisar sobre una progresión de acordes desconocida ... Actuar delante de un público puede hacer que su corazón latiera, pero es el miedo a fracasar en frente de otras personas que es incluso peor. Estas situaciones crean una ansiedad que usted puede seguir en la sala de ensayo. Usted puede comenzar su rutina como cualquier otro día, pero en su mente se ve usted tener que jugar frente a los jueces, ya se puede sentir la presión de un público, y una mueca de dolor en todas las notas equivocadas. De repente su cuerpo se tensa y su respiración se vuelve forzado. Usted toca su instrumento y se siente ansioso y la idea de juego trae a la mente una serie de sentimientos negativos. Práctica productiva debe estar relajado y concentrado, un lugar para tener posibilidades musicales y centrarse en sus debilidades ... no una hora de tensión y miedo. Este tipo de práctica ansiosos acaba de dar lugar a más ansiedad en el escenario, y eso es lo contrario de lo que estás tratando de hacer!

II) La frustración de "no puedo" Digamos que usted toma un ejercicio escala o un etude, un solo que desea transcribir, o una melodía que usted quiere aprender ... Usted bucear en derecho, pero resulta que no se puede jugar de inmediato - está en una clave difícil, un registro alto, o simplemente demasiado rápido. Así que intenta de nuevo ... Todavía no hay suerte. OK, una vez más a través de ... fallar. Ahora usted quiere lanzar su instrumento por la ventana! A veces nos morder más de lo que podemos masticar en la sala de la práctica ... y es frustrante cuando no podemos producir esas notas o líneas musicales en el primer intento. Queremos conquistar todo al mismo tiempo y, a menudo volver a la mentalidad de golpear la cabeza contra la pared hasta que lo conseguimos. El único problema es que usted va a llevar a ti mismo en la frustración, incluso antes de hacer mella.

Te vas a encontrar cosas que son difíciles en la sala de la práctica, las cosas que no se puede jugar en el primer segundo, o incluso quinta intentarlo. Eso es sólo la forma en que lo es.

Sin embargo, la respuesta no va a ser encontrado por forzar su camino a través de obstáculos o sludging través de barricadas musicales. Hay una manera más inteligente ...

III) Atrapados en la competencia y apresurarse a mejorar Siempre hay alguien mejor ... Medida que la práctica verás jugadores recogen sus instrumentos y reproducir grandes solos en el primer intento y músicos que ganan la audición o reciben reconocimiento por su juego. Todo ello mientras usted está luchando para obtener las bases juntos. En jam sessions todo el mundo parece saber más canciones, la persona en la sala de ensayo siguiente es la transcripción de solos llenos de líneas de tiempo de matrimonio, y te guarde las grabaciones de los jugadores que juegan más alto y más rápido de lo que imaginas escuchar ... Es fácil de compararte con otros jugadores y es aún más fácil dejar que esta comparación tiene un impacto en la forma en que la práctica o incluso la forma en que ver a sí mismo como un músico. Usted siente que necesita para ponerse al día con todos los demás, que no se puede perder el tiempo en los fundamentos o las cosas fáciles ... usted puede incluso comenzar a dudar de sus propias habilidades como músico. Sin embargo, siempre habrá otros otros jugadores a te compares con el tiempo que usted es dueño de un instrumento. La pregunta que hay que hacerse es la siguiente: ¿Es la competencia que la verdadera razón que comenzaste a jugar música en el primer lugar?

IV) Aburrido y simplemente jugando Usted sabe que usted necesita para practicar y que se supone que se adhiera a un plan de la práctica ... Pero la misma vieja rutina de todos los días puede llegar a ser tedioso y aburrido. Esos ejercicios de calentamiento predecibles, los mismos patrones de escala, otra melodía para memorizar, otro solitario para transcribir ... Esto es exactamente por eso que muchos jugadores caen en el hábito de 'jugar' en vez de practicar. Encendido de una pista-play a-largo o una grabación favorito y jugando durante horas. Es divertido y se siente como la práctica! Sin embargo, el problema comienza cuando jugando por diversión sustituye a su tiempo real la práctica enfocada. Cuando ejercicios para el tono, la técnica y la musicalidad se sustituyen por estas sesiones de juego de una larga completo. La práctica efectiva es un equilibrio entre la disciplina y la creatividad. Todos los jugadores se aburren y pueden caer en la rutina con su rutina de práctica, pero eso no es

excusa para lanzar su enfoque y dirección musical por la ventana.

¿¿Entonces, cuál es la solución?? Si usted se encuentra en la sala de ensayo con uno de estos cuatro modos de pensar ... ¡Deténgase! No importa lo que haces en este estado de ánimo que va a ser muy difícil de ser productivo, de hecho, puede incluso crear malos hábitos que usted va a pasar años tratando de corregir. Recuerde, los veinte minutos de práctica enfocada es mejor que las horas dedicadas inculcar ansiedad, golpearse la cabeza contra la pared en la frustración o simplemente jugar un poco con ningún objetivo real a la vista. Si usted quiere encontrar la práctica perfecta que necesita para entrar en el estado de ánimo adecuado, incluso antes de tocar una nota - incluso antes de entrar en la sala de ensayo. Echa un vistazo a cómo se está acercando a la música en el primer lugar .. "Cuando meditas en algo, te ves obligado a mirar desde muchos ángulos diferentes, incluyendo algunos que probablemente nunca has pensado. Usted está obligado a llegar a las profundidades de su identidad y la individualidad. En consecuencia, sus resultados serán exclusivamente suyo. Eso es lo que buscamos como músicos:. A la luz ese pequeño toque de originalidad e individualidad "~ Steve Vai Muchos músicos se encuentran luchando con la limitación de la mentalidad que se forman antes de que lleguen a la sala de prácticas. Pero muchos no saben cómo romper estas barreras mentales. Libros de teoría, cajas de pinturas, y las grabaciones son excelentes para aprender la técnica de convertirse en un músico, pero para empezar a alcanzar su potencial creativo que necesita algo diferente. Para marcar la diferencia debe restablecer su acercamiento a la práctica y reprogramar tu mente para un rendimiento ...

Presentación de Reprogramación de la Mente Musical

Es por ello que estamos muy contentos de lanzar nuestro curso de audio 30 días a estrenar dirigen ayudar a todos los músicos a alcanzar su potencial musical! Ya sea que usted está buscando para mejorar la práctica, el rendimiento o el lado creativo de la música necesita una mentalidad que inspira la libertad y el progreso musical. Y esto es algo que se queda fuera en el enfoque de libro de texto para el aprendizaje de la música. En Reprogramación de la Mente Musical, encontrará un plan de 30 días estructurado con más de 9 horas de audio que le enseñará cómo usar técnicas como la meditación, la visualización y afirmaciones para crear su práctica y el rendimiento mental óptimo. Y una vez dominado, podrás reemplazar esos patrones y mentalidades negativas en su acercamiento a la música con las acciones positivas y productivas en su rutina diaria. También le daremos un 25 página folleto PDF describiendo el proceso y 3 crítica Canciones que se puede volver a cualquier momento te sientes frustrado o desanimado con su juego. Obtenga su copia de reprogramación de la mente musical hoy!

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Cómo mantener la cordura mientras persigue su arte Publicado Por Forrest En 22 de abril 2010 @ 03:58 am En Consejos para Todos, Inspiración, Consejos | 1 comentario

Como músico o cualquier otro individuo creativo, estamos tan envueltos en lo que estamos haciendo, que a menudo perdemos de vista todo lo demás. En consecuencia, cuando algo dentro de nuestra propia pequeña burbuja no va cómo nos gustaría que, nuestra positividad se desploma y nuestro mundo se viene abajo. Aquí están algunas cosas que he encontrado me han ayudado a mantener mi cordura a través de estos momentos de turbulencia.

Encuentra Algunos Yin Yang con Su Cuando tenía veinticuatro años, me topé con algunos libros sobre programación de computadoras. Cuanto más me da la vuelta a través de ellos, más me sentí obligado a entender lo que los autores estaban hablando. Los próximos dos años, me enseñaron a mí mismo lo básico de cómo codificar. Durante este tiempo, yo estaba en la escuela de posgrado, con muy poco tiempo de sobra, sin embargo, me encontré con que mi nuevo interés en la codificación en realidad me ayudó a estar más centrado, más creativo, y me siento más realizado. Había encontrado un contrapeso a mi obsesión por tocar el saxofón, o como el título dice, algunos yin a yang LOL. Fue un momento AHA! Era lo que había estado perdiendo. Normalmente, si me sentía frustrado con algún aspecto de mi juego, que me llevaría muy abajo porque no tenía otros compromisos serios para aplicar mi energía creativa. Cuando empecé a tener otras actividades intelectuales apasionados, donde pude aplicar mi inteligencia y sentir una sensación de logro, lo dejo que haga tal peso a mis frustraciones con el saxofón. Saxofón Jugar convirtió divertido de nuevo y mi nivel de productividad mucho mayor.

Piense Big Picture Así que había un mal concierto, o si no logras nada en su sesión de práctica, o tal vez usted hizo un culo de ti mismo delante de sus compañeros y maestros. Créeme, yo los he hecho y no es divertido. Sólo recuerde que ninguna instancia individual importa tanto como el todo. No se obsesione con el día a día los problemas y poner las cosas en perspectiva, al permanecer centrado en el contexto más amplio de su realidad.

Do Something Atlético Todos los días ¿Dijo cotidiana ?? !! Sí. Todos los días. Preferiblemente exterior. Newton no estaba bromeando cuando dijo que los objetos en movimiento tienden a permanecer en movimiento. Empiece hoy mismo y pronto vas a tener que.

No es ningún secreto. El ejercicio físico aumenta el flujo de sangre a todos los órganos vitales, mientras que ayuda a sudar las toxinas y el exceso de estrés. Vas a pensar con más claridad, se sienten más saludables y tienen una mentalidad positiva. Cuando usted va a centrarse en la mejora de su arte, usted estará en una mejor espacio para hacerlo.

Sanity resumen Encuentra una actividad desafiante que puede ser un apasionado de equilibrar su musical (o cualquier otro arte) se esfuerza Piense en términos de el gran esquema de las cosas Haga algo cotidiano deportivo Vamos a ser sinceros, ninguno de nosotros es totalmente cuerdo, pero estos puntos han ayudado a mantener bastante sensata acerca de las cosas. Buena suerte con mantener su cordura!

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4 maneras de utilizar la Escala Menor Melódica Publicado por Eric En 15 de junio 2010 @ 20:25 En Acordes | No Comments

La escala menor melódica es una escala que, probablemente, usted ha aprendido desde el principio en su desarrollo musical, pero se puede asumir una nueva vida cuando se aplica al jazz. Esta escala es una escala muy útil y versátil para improvisadores sepan y no sólo para los solos más acordes menores o tonalidades. El menor melódica presenta algunas opciones armónicos agradables cuando usted está mirando para conseguir lejos de simplemente jugar diatónicamente sobre progresiones de acordes comunes en sus solos. Usted puede utilizar la escala menor melódica más mayores, menores y dominantes acordes igualmente bien, así que hay muchas aplicaciones de aprendizaje sólo esta escala. Aquí hay cuatro maneras (en do menor) para utilizar la escala menor melódica sobre diferentes acordes en sus solos:

1. Más de menores Acordes Obviamente, la primera manera de utilizar la escala menor melódica es más de un acorde menor. En lugar de jugar el modo dórico sobre un acorde menor, trate de la escala menor melódica que incluye la séptima mayor.

2. dominantes Acordes (V7 # 11) Jugando desde la cuarta nota de la escala menor melódica puede crear un sonido dominante V7 # 11 o lydian. Este es un sonido realmente único utilizando la escala menor melódica y porque acordes V7 están en todas partes, hay un sinfín de oportunidades para utilizar este sonido.

Otra forma de entender esta tonalidad con la misma escala es jugar la tríada todo un paso adelante respecto a la tónica, en este caso G sobre F7, haciendo hincapié en las estructuras superiores de la cuerda:

3. Alteración Acordes dominantes Acordes dominantes son un buen lugar para crear tensión y el movimiento hacia adelante en un solo y utilizando la menor melódica puede lograr esto. Los músicos de jazz a menudo utilizan la escala alterada sobre acordes dominantes, lo cual es simplemente una escala menor melódica a partir de la séptima nota. En un acorde dominante esta escala incluye la plana 9, # 9, # 11 y plana 13, realmente cada nota alterada posible.

4. Principales Acordes (Major 7 # 5) Por último, sobre los acordes mayores puede crear un gran sonido 7 # 5 utilizando la escala menor melódica. Al acercarse a la escala de la tercera nota, puede implicar una # 11 y # 5 más importante tonalidad.

Recuerde al igual que otras escalas, quieres practicar la menor melódica en todas las variaciones y las direcciones posibles. El trabajo en arpeggiating las escalas y jugando en tercios, cuartos y otros intervalos para crear nuevas sonoridades. Con sólo esta escala, hay una gran cantidad de interesantes posibilidades armónicas para explorar. En su práctica, a ver qué variaciones de su propia puede ocurrir.

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Nunca sentirá abrumado nuevo Publicado Por Forrest En 28 de diciembre 2011 @ 12:11a.m. En Inspiración | No Comments

En el mundo actual, es fácil sentirse abrumado. Vivimos en una época de exceso de información y gran parte de ella es engañoso. Pero suponiendo que usted ha separado las cosas buenas de la pila, todavía se siente como que hay mucho que aprender. Tome este sitio, por ejemplo. Me gustaría pensar que tenemos un montón de excelente información aquí, y recibir notas diarias de agradecimiento de los lectores afirma mi suposición. Pero, serpenteando a través de las páginas, es muy fácil sentirse abrumado. Así como usted pensaba que tenía una manija en todo, te das cuenta, espera ... tengo que aprender que ... y que ... y que ... y ... con el tiempo, se siente tan abrumado que en lugar de elegir la acción, usted elige la inacción. No haces nada. Eso es lo que ocurre cuando nos sentimos abrumados. Cerramos. Nada es posible y que deje de progresar. Pero, es muy fácil de librarse de esta locura. Sentirse abrumado no es más que la incapacidad de ver el panorama completo. Cuando ves cómo la información se agrupa lógicamente entre sí y cómo estos grupos están relacionados entre sí, el cerebro puede entender en un nivel conceptual y emocional que el tema en cuestión es accesible de una manera estructurada y sencilla.

El poder de agrupaciones lógicas Dependiendo de a quién le pregunte, hay aproximadamente 640 músculos en el cuerpo humano. Imagínese si un constructor del cuerpo tuvo que centrarse en cada uno de estos músculos cada vez que iba al gimnasio. En unos dos minutos, él conseguiría frustrado, abrumado, y se van. Por supuesto hay culturista le ocurriría así. Han simplifican enormemente los músculos en un pequeño puñado de agrupaciones lógicas. De estos grupos, pueden elaborar rápidamente un plan de ataque para construir el cuerpo así lo desean. El poder de las agrupaciones lógicas puede ser tuyo en un instante. Aplicando esta idea a la improvisación del jazz, ¿cómo podemos lógicamente nada grupo podemos encontrar en la sala de la práctica? Tomemos los siguientes diez artículos: Transcripción no es transcribir Roza Acordes Made Easy Usando polirritmos Cómo adquirir lenguaje útil Audición En color Ear Training Fundamental El arte perdido de buscar Nuance Desarrollar un concepto Of Swing La construcción de su repertorio Nunca olvide una vez más Tune Un rápido vistazo a estos artículos podría dejar de pensar como usted tiene demasiado a la práctica, y no tienen idea de por dónde empezar. Agrupación lógica al rescate. Iremos a través de cada artículo y etiquetarla con un tema de fondo y luego con suerte, podemos ver que todos ellos se encuentran en agrupaciones similares. Aquí está nuestra lista de nuevo con etiquetas adecuadas para cada artículo: Transcripción no es transcribir - Transcripción Roza Acordes Made Easy - Acordes Usando polirritmos - Ritmo Cómo adquirir Idioma Útil - Idioma Audición In Color - Ear Training Fundamental Ear Training - Entrenamiento del oído El arte perdido de buscar Nuance - Transcripción Desarrollar un concepto Of Swing - sensación Tiempo La construcción de su repertorio - Tunes Nunca olvide una vez más Tune - Tunes Bueno, nos estamos acercando. Hemos pasado de diez entidades separadas, a siete. Podemos

transformar esta lista aún más por hacer que nuestras agrupaciones más general, pero aún precisa: Transcripción no es transcribir - Transcripción Roza Acordes Made Easy - Conceptos, Idioma Usando polirritmos - Conceptos Cómo adquirir Idioma Útil - Idioma Audición In Color - Ear Training Fundamental Ear Training - Entrenamiento del oído El arte perdido de buscar Nuance - Transcripción Desarrollar un concepto Of Swing - Conceptos La construcción de su repertorio - Tunes Nunca olvide una vez más Tune - Tunes Mediante la adición de la categoría de "Conceptos" podemos agrupar todo tipo de cosas sin perder significado; estos son conceptos que podemos aplicar a las melodías. Ahora estamos a cinco agrupaciones. La creación de agrupaciones como esto ayuda a ver que cuando se presentó el nuevo material para que practiques, que no es algo totalmente nuevo y sin relación a trabajar, pero en su lugar, se ajusta perfectamente a la forma en que usted está pensando en las cosas ya.

Agrupaciones aplican a practicar rutinas Mediante el uso de estas etiquetas, podemos crear agrupaciones para todo lo que queremos a la práctica, por lo tanto conceptualizar claramente nuestra rutina de la práctica. He aquí una idea de lo que esto podría ser: Sonido - trabajando en el tono que usted produce en su instrumento Técnica instrumental - el control de su instrumento Tunes - melodías y armonías de las grabaciones de aprender, y aprender a tocar con soltura sobre ellos Conceptos - cualquier tipo de dispositivo que puede aplicarse a un armónico. rítmica, melódica o situación Idioma - una línea melódica transcrito o inspirado por su héroe Transcripción - copiando cosas de grabaciones Actividades suplementarias realizadas fuera del tiempo real de la práctica: Entrenamiento del oído Habilidades Piano etc. En general, la mayoría de todo lo que quieran trabajar en puede caber en una de estas categorías. ¿Quieres trabajar en un nuevo ritmo? Eso es sólo un concepto nuevo. Encontraste una nueva línea te gusta? Ese es el lenguaje justo. Cuando todo encaja perfectamente en estos grupos, su mente puede conceptualizar el cuadro grande. Usted sabe que hay más que aprender, pero se puede ver claramente con cada cosa

nueva se encuentra con cómo encaja en el esquema que ha creado. Y usted no tiene que utilizar las agrupaciones que he especificado aquí. En mi experiencia, esto le proporcionará una manera sólida para pensar en todo lo que está trabajando, pero no dude en aumentar o disminuir el marco para adaptarse a sus necesidades.

El poder de agrupaciones inter-relacionados Una vez que te das cuenta de que todo lo que alguna vez va a practicar encaja en un pequeño puñado de agrupaciones, aprender a comprender cómo los grupos se relacionan. Una vez que entienda cómo se relacionan puedes golpear a varios temas a la vez, con lo que la conquista completamente la sensación de estar abrumado. Por ejemplo, yo solía dar asignaciones de tiempo muy específicas a cada una de las categorías mencionadas anteriormente, pero años más tarde llegué a la conclusión de que podía sobresalir mucho más rápidamente si Practiqué cosas que afectaron más de un grupo a la vez. Por ejemplo, si yo tuviera que tomar una línea a través de todas las claves cromáticamente a través de la bocina, prestando especial atención a los dedos y el tono, asegurándose de jugar con total facilidad, no sólo se estaría practicando el idioma, sino también, el sonido, y la técnica instrumental. Inmediatamente después, pude luego tomar esa línea y aplicarlo a una melodía, momento en el que me gustaría estar fortaleciéndose mi idioma y al mismo tiempo trabajando en canciones. E inmediatamente después de eso, podría aplicar esa misma línea a la misma melodía, pero la práctica el concepto de anticipación armónica mediante la línea de un latido temprano, lo que pondría mi enfoque en canciones, el lenguaje y los conceptos. No se siente abrumado y conseguir un control sobre la gran riqueza de conocimientos a su alcance es fácil. Utilice la noción de agrupaciones y la comprensión lógica de cómo estos grupos se relacionan con una patada en el overwehlmed-dad a la acera. Todo se puede clasificar de esta manera. Hazlo y tu cerebro se lo agradecerá.

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Organizarse Publicado Por Forrest En 17 de febrero 2012 @ 12:46a.m. En Perspectiva, rutinas de práctica | No Comments

Practico mucho. Algunos días más que otros, pero trato de estar en un par de horas todos los días, no importa lo ocupado que estoy. En muchos trabajos que he tenido, incluso me han conocido para llevar a mi cuerno de trabajar y escabullirse en una habitación de invitados, una vez que todos se van. Apuesto a que tu vida es tan ocupada como la mía. Entre el trabajo, la familia y las obligaciones personales, nuestros esfuerzos musicales caen al borde del camino y terminan en un desastre caótico; que espabilar para encontrar una hora para practicar y cuando finalmente lo hace, usted no está seguro de donde pasó su tiempo de ayer, donde se debe pasar hoy, y lo que debe gastar en el futuro. Relájese. Es el momento de organizarse.

Documentar lo que sabes La primera y principal paso para organizarse está documentando lo que sabes. Este es un paso fácil de pasar. Créeme, yo todavía tengo mucho de lo que sé de indocumentados. ¿Por

qué es malo? No es necesariamente malo que no todo lo que sabes no está documentado y es probablemente imposible de documentar, literalmente, todo lo que sabe, sin embargo, a la inversa, cuanto más se puede documentar lo que sabes, más te va a entender de donde sus mayores fortalezas y debilidades. Piense en su documentación como una representación visual de su arsenal. Idioma del documento que se aprende Cada semana usted debe ser inculcar aún más el idioma que usted sabe, y la introducción de un nuevo lenguaje en la mezcla. Con toda esta lengua entraba y salía de la puerta, es fácil perder la pista de lo que sabe, lo mucho que has practicado, y lo que no sabes. Iniciar un diario de línea y mantenerlo al día. A medida que avances, será cada vez más difícil de mantenerlo al día. Casi cada vez que practico, me tropiezo con algo que podría ser de algún uso futuro; una línea, un concepto, un ritmo particular. Todos estos son los bits de información valiosas que podrían agregarse a mi concepto global de juego. Todo depende de usted para conseguir que en un papel para que pueda recordar a la práctica en el futuro. Como a organizar todo el lenguaje ya sabes, ponerlo en diversas categorías que trabaja principalmente sobre. Claro, una línea se puede utilizar en muchas situaciones diferentes armónicos. Elija uno y documentarlo allí. Al almacenar su idioma a los bloques de construcción de este tipo, usted será capaz de escanear fácilmente lo que hay y lo que no está ahí. Registro y lo mucho que ha trabajado en él. Tal vez una marca de la cuenta para cada sesión de práctica que te dispara. De alguna manera quiere cuantificar o calificar qué tan bien conoce cada bit del lenguaje. Melodías de documentos que aprendes Cualquier tema que usted ha trabajado en la lista aquí. Marcos abajo ya sea hasta el punto que iba a grabar, o donde quiera que sea en su desarrollo. No incluya canciones que tipo de conocimientos. Sólo melodías que se siente bastante sólido sobre. No pasa nada si no se trata de muchos. Ese es el punto de esto. Para conseguir todo en un papel para que pueda organizar lo que sabe y lo que hay que aprender. No sólo la lista de canciones, pero las claves y tempos también. Para éstos, utilice el blues y cambios de ritmo. ¿Qué claves te sientes ultra cómoda tocando un blues en? ¿Cuáles son realmente difícil? ¿Se puede jugar cambios de ritmo uptempo? ¿De dónde obtiene difícil? Cuanto más se puede enumerar sobre cada tecla y el tempo de blues y cambios de ritmo, más podrás mejorar en estas formas esenciales.

Conceptos de Documento Así como usted documentado su idioma, ir a través de los conceptos que utiliza con frecuencia y la lista de éstos hacia fuera. Este es un tema muy amplio que incluye cualquier tipo de concepto que ver con la música; armónica, rítmica, melódica, o sónica. Hablando con algunos de mis jugadores favoritos, comúnmente que me han dicho que crearon sus propias escalas. Estos son conceptos que a continuación se pueden aplicar a una variedad de situaciones armónicas. Otras personas me han dicho que tienen dispositivos rítmicos a su disposición, que tienden a depender de la variedad rítmica. ¿Qué conceptos has trabajado? Escribe a cabo lo mejor que pueda y darles un nombre para que pueda identificar fácilmente en el futuro. Solos Documento que ha transcrito Escriba el nombre de ningún solos has transcrito o trabajado en absoluto. Muchas veces te darás cuenta de que te has pasado un montón de tiempo en un solista y quizá descuidado a la comprobación perspectivas de otros jugadores. O, al recordar lo solos que has trabajado, usted piensa de nuevo y me pregunto, "¿Obtuve todo lo que quería salir de ese solitario?" Entonces usted tiene una nota mental para volver a algo que te olvidaste de. Algo que en un momento le ayudó mucho y algo que podría seguir ayudando a mejorar.

Llenar los vacíos Una vez que esté claro lo que está en su arsenal, se hace muy evidente en el que debe pasar su tiempo. ¿Dónde se necesita más fuerza? ¿Dónde te falta el conocimiento del todo? Después de documentar su idioma, lo más probable es que hay grandes agujeros en lugares específicos. Y entonces usted piensa a sí mismo ... "Ahora sé por qué chapuza que la progresión de acordes cada vez que en dicha norma," o algo de esa naturaleza. Mire a su conocimiento en el papel y verlo desde una perspectiva de pájaro; verlo en su totalidad. Tal vez usted ha aprendido un montón de líneas, pero muy pocos conceptos, o tal vez usted sabe más conceptos en comparación con las líneas. Hacer frente a los lugares que carecen de información por completo primero, luego trabajar en el fortalecimiento de las áreas que más lo necesitan. Tal vez usted revise la documentación de su lengua y veo que tiene más de diez ii Vs a su disposición, pero ni un solo menor ii V. obvio donde debe estar pasando el mes que viene? Y recuerde que una sola idea hace un mundo de diferencia. Y con cada nueva idea, el conocimiento crece exponencialmente.

Ampliar su conocimiento

Organizarse le permitirá no sólo de llenar los vacíos en su juego, pero le permitirá ampliar sus conocimientos a lugares untraveled también. Usted nunca puede tener los fundamentos suficientes abajo, pero más allá de eso, lo que usted elija para integrar en su concepto es totalmente suya. Después de ver lo que sabes en frente de usted, tomar algunas decisiones en qué dirección quiere ser influenciado. Tal vez todo lo que ves es influencias de su propio instrumento, o tal vez todo lo que ves es influencias de músicos de jazz. ¿Quién dijo que no se puede transcribir un reproductor sitar? O, donde es su regla que dice que no puede aprender de Stravinsky? Cualquier cosa puede ser una influencia. Mira lo que te trajo hasta aquí para ayudar a determinar dónde quiere ir.

Mantenerse organizado Mantenerse organizado es un dolor, pero vale la pena. Mantenga lo que ha aprendido y lo que usted está aprendiendo bien documentado para que pueda estar seguro de fortalecer lo que sabe y expandirse a nuevas áreas de estudio en el futuro. Haz lo que tengas que hacer. Organizarse. Mantente organizado. Y se le alegra que usted lo hizo.

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Pensando Macro vs Micro en práctica de la improvisación Publicado por Eric En 04 de octubre 2011 @ 23:01 En Consejos para todos, Perspectiva, rutinas de práctica | No Comments

Su enfoque mental para las cosas que haces puede tener mucho que ver con su éxito o fracaso. La forma en que usted piensa acerca de todo, desde el establecimiento de metas para el aprendizaje de habilidades reales afecta directamente a cómo va a realizar cualquier número de tareas. Esto es especialmente cierto cuando se trata de la práctica de la improvisación. Cuando pensamos en nuestras metas en la música y la forma en que vamos a llevarlos a cabo, podemos ver las cosas en una de dos maneras. Podemos dar un paso atrás y ver el panorama general o podemos tomar una lupa para la tarea en cuestión y centrarse en todos los detalles esenciales. Ambos nos dan una perspectiva sorprendentemente diferente de la misma música y, a su vez, puede ser útil en muchas maneras diferentes. Tómese un momento para reflexionar sobre su propio modo de pensar como establecer sus metas y la cabeza en la sala de ensayo. ¿Está configurando constantemente su mirada en el cuadro grande y el resultado final de su trabajo o está enfocado en los detalles específicos que le llevará a la consecución de estos objetivos? Tal vez lo hace un poco de cada uno, o tal vez

nunca has pensado en ello? La respuesta a estas preguntas son más importantes de lo que piensa y si usted ha estado teniendo problemas para la realización de sus objetivos, el culpable puede estar con su enfoque mental. A pesar de que ambos enfoques son esenciales para su mejora, hay un tiempo específico y un lugar para cada uno, y saber cómo y cuándo utilizarlos puede determinar su éxito.

Una visión macro vs. una visión micro En primer lugar, echemos un vistazo a lo que entendemos por "macro" y el pensamiento "micro". La vista macro es el camino "cuadro grande" de ver las cosas. Grande en alcance y preocupado por el resultado final, esta es la mentalidad que desea tener como usted toma un balance de dónde has estado y donde desea estar en el futuro. Este tipo de pensamiento es ideal para fijar sus metas, identificar las habilidades que un día les gusta tener, y la creación de un plan a largo plazo para adquirirlos. Pensamiento Macro incluiría el establecimiento de metas, ejercicios de visualización, gestión del tiempo, la programación de una rutina de práctica, y pensando en un marco de tiempo más grande - meses e incluso años venideros. Básicamente, se trata de la etapa de planificación antes de empezar el trabajo sucio y una vez que haya comenzado, es un modo de pensar que puede volver al que le dará una sensación continua de perspectiva. El punto de vista micro, por el contrario, se centra en los detalles específicos de la tarea en cuestión. Ya ha identificado sus grandes objetivos, por lo que aquí está enfocándose en las tareas diarias y las competencias que eventualmente se llega a este objetivo. Con micro que pensar no tienen que ver con el panorama general, en lugar usted tiene una tarea pequeña, bien definida que usted se centra en atención y se esfuerzan por dominar. Con micro pensamiento, a romper esos grandes objetivos aparte, separar en trozos manejables, e identificar las habilidades de los individuos que se requieren. Este es el tipo de mentalidad de usar al acercarse a su rutina diaria; usted tiene una cantidad limitada de tiempo, usted está tratando con pequeñas unidades de información, y usted tiene una meta específica para lograr al final de cada sesión.

El uso de estos enfoques con eficacia Como se puede ver en la descripción anterior, cada tipo de pensamiento sirve un propósito específico y tiene sus propios beneficios particulares. Para los músicos, tenemos que usar estas dos mentalidades a fin de establecer metas y progresar continuamente. Sin embargo, cada enfoque mental debe ser aplicado en el momento correcto y de la manera correcta para ser eficaz. Una mentalidad macro se aplica mejor en momentos en que se encuentra lejos de su instrumento y fuera de la sala de ensayo. Recuerde, usted está configurando sus metas aquí

lo que se adhieren a la planificación en la que desea ser en el futuro y mantener su mirada en el resultado final. Una mentalidad micro es crucial cuando entras en la sala de ensayo. Usted necesita centrarse en los detalles y tener un marco de tiempo específico en el que llevar a cabo una tarea (por ejemplo, 30 minutos o una hora). No te preocupes por el objetivo final, tanto como la tarea inmediata en cuestión. Para ilustrar estos puntos, vamos a tomar tres objetivos comunes que suelen cometer los improvisadores y dividirlos en tanto la macro y los enfoques micro. Objetivo # 1: "Tengo que aprender veinte estándares de jazz en los próximos seis meses." Vista de la macro: seleccionar y hacer una lista de estas 20 canciones, encontrar las grabaciones y versiones específicas que desea aprender de ellos, crear un horario de práctica detallada para organizar su tiempo (necesidad de aprender 04.03 sintoniza un mes), visualizar cómo quieres que suene en estas melodías y los jugadores que le gustaría imitar. Micro vista: se centran en una melodía a la vez, escuchar a cada sección de la melodía en repetidas ocasiones, cantar la melodía hasta que esté arraigada en el oído, tocar la melodía hasta que lo tienes en tus dedos, se centran en la progresión de acordes, y trabajar en improvisando sobre esos cambios. Objetivo # 2: "Quiero jugar a las líneas de tiempo doble en mis solos." Vista de la macro: Encuentre algunos de sus solos de favoritos con líneas de tiempo doble en ellos, escuchar a ellos hasta que estén en su oído, visualizar lo que se sentiría gusta jugar esas líneas, y crear un programa de prácticas para incorporar este objetivo en su rutina . Micro vista: Tome una sección de uno solo y lo puso en Transcribe para reducir la velocidad, escuchar repetidamente, cantar la línea y luego reproducirlo en su instrumento, analizar la nota de línea mediante nota, mira la forma de la línea, la articulación, cómo las notas se refieren a la progresión de acordes. Identifique las habilidades que necesita para desarrollar con el fin de ejecutar este tipo de línea - más técnica, la articulación más limpio, más el lenguaje, etc. Objetivo # 3: "Voy a transcribir tres solos de Millas". Vista de la macro: Piensa que los solos de transcribir y por qué usted debe aprender cada uno, determinar lo que vamos a salir de cada solista (balada de juego, el ritmo cambia en solitario, aprender a frase o articular), escucha a cada uno en solitario hasta que pueda cantar junto con el registro, tenga en cuenta su marco de tiempo y crear un horario de práctica. Micro vista: Ponga el solo en Transcribe si es demasiado rápido, se centran en una sola frase del solo a la vez, cantar y luego reproducirlo en su instrumento, analizar la línea, desarrollar el lenguaje, sonido, articulación, y el estilo del solitario hasta que sea una parte de su propio juego. Dividiendo sus metas de esta manera puede mejorar en gran medida la eficacia de su rutina de la práctica. Fuera de la sala de ensayo que emplean una mentalidad macro - fijar sus

metas, la planificación de un programa de prácticas, y hacer trabajo de preparación para la práctica real. Luego, cuando te metes en la sala de ensayo, se toma un enfoque micro - se centra en los detalles, el análisis de los elementos esenciales de cada habilidad, y el aislamiento de pequeñas tareas para lograr cada día.

La confusión de los dos modos de pensar Un concepto como este parece bastante simple, sin embargo, no siempre es tan fácil de mantener su mente en pista como usted podría pensar. Una de las áreas en la práctica de la improvisación, donde las cosas pueden salir mal es cuando inadvertidamente aplicamos un enfoque macro cuando deberíamos estar usando un enfoque micro y viceversa. Esto normalmente ocurre cuando los jugadores hacen grandes metas, ambiciosas y la cabeza en la sala de ensayo con ganas de llevarlos a cabo lo más rápidamente posible. Digamos que el objetivo es aprender 20 canciones que se enumeran más arriba. En lugar de la planificación en una visión macro y empezar a trabajar en una vista micro, muchos jugadores se apresuran a la práctica con sólo la vista macro o resultado final en sus mentes. Debido a esta forma de pensar, que terminan en la sala de ensayo tratando de meter estas 20 canciones lo más rápido posible. En lugar de tener un plan y enfocándose intensamente en los aspectos esenciales de cada melodía, estos jugadores pasan por alto una melodía en una prisa para llegar a la siguiente. La única cosa en sus mentes es la meta que se avecina de aprender 20 canciones por la "fecha de vencimiento". Como resultado sólo han arañado la superficie de estas canciones ya su vez, es probable que se olvide de ellos en unas pocas semanas. Al final, esto no es realmente una mejora desde su principio y situación en absoluto. Corriendo en un proyecto es como un equipo de construcción de dirigirse a un sitio con sólo el dibujo final arquitectos en sus mentes. Algunos en el equipo podría estar abrumado y confundido como por dónde empezar y abandonarán el proyecto todos juntos, mientras que otros pueden tratar de completar este proyecto, con el objetivo de hacer lo que debe llegar al resultado final, independientemente de los otros detalles. De cualquier forma que se mire, el producto final es incompleta. "El truco para olvidar el panorama es mirar todo de cerca." ~ Chuck Palahniuk Sin embargo, si el proyecto se ha realizado correctamente, el plan general hubiera sido clara desde el principio. Un plan detallado se expuso en la salida y se establecería objetivos claros para cada día (a sentar las bases, construir cada piso, etc.). La visión global determinaría el trabajo diario y todo se logra mucho más eficiente y productiva. Lo mismo es cierto para la práctica de todos los diferentes aspectos de la improvisación.

El uso de macro y micro para mejorar Al igual que el equipo de construcción fuera de foco se detuvo, una sesión de práctica fuera de

foco que puede hacer más daño que bien. Acercarse a cualquier meta que usted hace con una mentalidad de un solo lado con el tiempo se te meten en problemas. Para tener éxito y alcanzar su potencial, usted debe ver el panorama general y ser capaz de concentrarse en cada detalle. En primer lugar establecer el objetivo general y hacer un plan de acción, a continuación, ir a trabajar en los detalles, establecer una base de conocimientos para lograr su objetivo, y finalmente progresar paso a paso hasta que se logra la meta original. Si usted está construyendo un repertorio de canciones, transcribir solos, o el desarrollo de la lengua que necesita para planificar un curso de acción y luego seguir adelante por el dominio de los detalles en cada paso del camino. Tenga en cuenta que perderse en el panorama no es el único camino por mal camino. En la sala de la práctica puede ser fácil quedar atrapado en los más mínimos detalles. Empezamos a centrarse en las escalas y progresiones de acordes o comenzar obsesionarse con nuevos conceptos armónicos que hemos descubierto en nuestras transcripciones. Finalmente realizamos esta mentalidad hacia el quiosco de música y muy pronto, nos olvidamos de que estamos tocando y tratando de comunicarse con el público. De cualquier manera, es necesario emplear tanto una macro y micro enfoque que usted practica la improvisación. Siempre confiando en el cuadro grande o sumergirse en los detalles puede tener sus inconvenientes y, al final, se le falta un aspecto vital de la maestría musical. El uso de las ideas anteriores puede crear un enfoque equilibrado de sus metas a corto y largo plazo que le dará la mejor oportunidad de convertirse en el jugador que quieres ser.

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¿Por qué usted no debería ser un libro Real Player Publicado por Eric En 26 de enero 2014 @ 19:10 En Consejos para Todos, del oído, de la inspiración, Jazz Educación, rutinas Perspectiva, Práctica, Tunes | No Comments

Echa un vistazo a un ensayo de la banda de jazz de la escuela secundaria o tomar un asiento en un concierto de jazz combo universidad. Mejor aún, entrar en su sesión de improvisación local o tomar un vistazo de cerca a el trío de jazz tocando la próxima vez que estés en una boda. ¿Que ves? En cada caso se encuentra el "jugador de Real Book". El jugador del Real Book es el músico que aprende melodías fuera de un libro falso, prácticas en frente de un libro falso, y lleva a cabo usando un libro falso. Al igual que una bola y una cadena, el libro siempre está ahí. Ningún libro = sin música. Durante años yo solía ser un jugador verdadero libro. Miré a láminas de plomo que memorizar melodías, practiqué la improvisación mirando fijamente durante horas en escritos cabo progresiones de acordes, y me basé en el libro como un salvavidas en concierto tras concierto. Desde mi punto de vista, todo esto parecía funcionar muy bien, sin embargo después de unos años un problema poco a poco comenzó a surgir. Yo estaba realizando normas de un libro todo el tiempo, pero yo no estaba realmente aprendiendo cualquiera de estas melodías que yo estaba jugando noche tras noche. Lo que es peor, no estaba mejorando en absoluto como improvisador. Semana tras semana

me fue básicamente refrito del mismo material viejo de la misma manera exacta sin tener ningún progreso musical que mostrar. El problema no era que yo no estaba tratando de mejorar como improvisador, es que yo estaba tratando de usar un libro falso para lograr este objetivo. Veo a muchos músicos, sin saberlo, se dirigen en la misma dirección - pegado al libro y se pregunta por qué están teniendo problemas para memorizar melodías o dificultad creando solos. No deje que esto le suceda a usted. Tenga en cuenta que el libro no es malo en sí mismo (después de todo es sólo papel!), Sin embargo conociendo los "efectos secundarios" de la lectura de un libro falso y aprender a utilizarla de manera eficaz es esencial para todos los jugadores que busquen para mejorar como improvisador y aprender más canciones.

Es fácil ser un jugador del Real Book Echa un vistazo a esta forma. Cuando lees las melodías de un libro que es menos trabajo ... mucho menos trabajo. Usted no tiene que preocuparse de memorizar todas esas melodías, usted no tiene que pasar horas junto a un altavoz tratando de averiguar progresiones de acordes, y se puede llegar a funcionar con un número limitado de habilidades musicales. Lo atractivo de un libro falso es que le permite realizar una melodía casi al instante, todo lo que tienes que hacer es ser capaz de leer música. De hecho, usted ni siquiera tiene que escuchar esa melodía para poder realizarlo. Esencialmente puede saltarse todo ese tiempo la práctica que de otra manera se gastaría en la escucha, entrenamiento del oído, y transcribir e ir directamente a la realización de cientos de melodías en frente de una audiencia. Así que ¿por qué tratar de memorizar melodías, escuchar progresiones de acordes, o pasar el tiempo la transcripción del expediente? ¿Por qué hacer más trabajo cuando se puede tener fácil?

La Muleta Musical El quid de la cuestión es que el libro real es esencialmente una muleta musical. Es el soporte de confianza que le mantiene en posición vertical en cualquier situación musical. Desde el exterior, parece que todo está bien - que está completamente en control de las cosas, ¿no? Sin embargo, para llevar esta línea de seguridad y te vas a encontrar rápidamente una dura realidad. Te vas a caer de bruces, se le pierde, golpear notas incorrectas, y se encuentra incapaz de tocar la melodía o incluso improvisar un solo. Cuando usted confía en un pedazo de papel para que funcione como un músico que sólo

puede ir tan lejos. Especialmente como improvisador, usted encontrará que hay un límite a lo bien que puede realizar con una hoja de la música en frente de su cara. Mientras usted está leyendo del libro, siempre estarás jugando a lo seguro. Puede ser cierto que usted no va a desmoronarse con el libro en frente de usted, pero usted también está nunca va a llegar a los niveles más altos de la comunicación musical y de la libertad o de realizar su potencial como un improvisador. "Nada es más deseable que ser liberado de una aflicción, pero no hay nada más aterrador que ser despojado de una muleta." ~ James Baldwin

Cuanto más utilice el libro, más se convertirá en dependiente de ella. Esta muleta inofensiva y conveniente que te llevarías a sus ensayos y conciertos de repente convertido en un hábito inquebrantable. No se puede realizar sin ella, no se puede practicar sin ella, de hecho, toda su capacidad como improvisador queda atado a este libro. En el pasado, si se toma el libro lejos de mí que tendría un ataque de ansiedad. C ómo se me va a saber la melodía o progresión de acordes sin ese pedazo de papel? ¿Cómo iba a realizar canciones de la memoria en frente de una audiencia? Esta es la razón principal por la que continué a apoyarse en esta muleta en la sala de la práctica y en el quiosco de música. El libro estaba encubriendo unos grandes agujeros en mis habilidades musicales. Echa un vistazo de cerca a su propio juego por un momento. ¿Vas a ser el jugador que se apoyaba en una muleta durante cada actuación o vas a ser un improvisador que va a conocer estos temas a nivel personal y jugar con sentimiento?

3 Errores de realizar con el Real Book Cuando esto muleta musical se convierte en una pieza esencial de su capacidad de practicar o realizar, vas a tener problemas como un improvisador. Usted puede ser capaz de salir adelante en este momento, pero si no tienes cuidado el libro falso se le impida convertirse en el músico que algún día desea convertirse. Aquí hay tres grandes escollos de la utilización de un libro falso: I) Haciendo caso omiso de sus oídos El principal problema con los libros falsos es que permiten que usted juegue melodías y crear solos sin necesidad de utilizar sus oídos.

Cuando lees una melodía y una progresión de acordes fuera de una página, básicamente estás tocando música con los ojos. Tan pronto como usted comience a tomar la información con sus ojos, sus oídos se van a convertir involuntariamente fuera. Esto sucede a todo el mundo. Tome una melodía que ha memorizado muy bien y tratar de jugar con una lámina de plomo. Ya sea que quiera o no, vas a improvisar de manera diferente con ese pedazo de música en frente de usted. Esto es porque el libro que obliga a un enfoque intelectual a la música. Al observar las notas escritas y progresiones de acordes usted comenzará automáticamente a pensar en que las escalas para jugar o qué líneas se puede utilizar sobre esas progresiones de acordes. Es como pintar por números. Usted no está realmente crear algo personal o artístico, y no se va a conectar los puntos en base a la teoría de la música - a juego escalas y lame con los acordes correspondientes. El "arte" de la improvisación se hace un corte y pegar ejercicio intelectual.

Al tomar este atajo ahora, estás engañando a ti mismo en el largo plazo. Si bien puede ser conveniente para simplemente leer cientos de canciones, que se está privando de una de las herramientas más importantes que tiene como músico, sus oídos. Siempre y cuando se utiliza el libro, que está dejando sus oídos sin desarrollar. Mientras que la pintura por números, no realmente aprender a pintar. II) En realidad, no "conocer" la melodía Cuando usted confía en un libro falso, nunca se llega al punto en el que "sabe" las canciones que estás jugando. Esto está bien si lo que desea es buscar a tientas a través de solos, pero para llegar al nivel de gran improvisación requiere que usted sabe una canción dentro y por fuera. No sólo memorizar una melodía y la secuencia de símbolos de acordes, pero inculcar estos sonidos en el oído, conociendo estas progresiones en su mente, y trabajar fuera de su instrumento. Usted tiene que saber la melodía en un nivel personal. Sin esta conexión a la oreja, el cuerpo o sensación musical, su improvisación va a ser plana y mecánica.

El grado en el que "sabe", una canción que no sólo afecta a su capacidad de improvisar, sino que también afecta el impacto que tendrá en el oyente. Imagine por un momento que usted está viendo una película en la que todos los actores es la lectura de las líneas de un guión. Cada artista está mirando hacia abajo en una pila de papel y no realmente interactuar con los otros actores, en lugar utilizando toda su atención sólo para cada línea de salida en el momento adecuado. Ahora compare eso a un actor que no sólo ha aprendido de memoria el guión, pero se ha convertido en realidad el personaje - técnica de trascender y la escena de usar cada línea para ofrecer la emoción con un impacto de gran alcance.

¿Qué película prefieres ver? Creo que la elección es obvia. La elección es igualmente evidente cuando se trata de escuchar una obra músico de un libro falso frente a un músico que se está reproduciendo una canción que ellos han aprendido de memoria y una melodía que signifique algo para ellos. Al confiar en un libro falso para llevar a cabo, usted es esencialmente la lectura de un tono cada vez que lo juegas de vista - que está ese actor leyendo de un guión, dando un rendimiento que usted no cree en. III) La limitación de la música Cuando sólo se puede reproducir las canciones en ese libro falso en su stand de la música, no sólo se está poniendo en una caja musical, usted está limitando la música en sí. Pero, ¿qué significa eso exactamente?

Miles de músicos tienen el libro real y la mayoría de estos músicos están utilizando para actuar frente a un público. Como resultado, cada jugador que está utilizando un libro está limitada a la misma número finito de canciones contenidas en ese libro. Vaya a cualquier sesión de improvisación en cualquier ciudad y escuchará los mismos tres docenas de canciones realizadas en más o menos de la misma manera. "Jazz" se convierte en esto que suena igual donde quiera que vaya. Se convierte en una música de fondo predecible que en realidad nunca llega a un punto de alta emocional o creativo. Porque hay una mentalidad que siendo un músico de jazz está rodando hasta un concierto con una pila de libros falsos y melodías de lectura vista al azar, muchos músicos sienten que está bien para salir adelante sin tener que aprender melodías y poner algo personal o original en la música. Este modo de pensar realmente límites y perjudica a la música. En vez de la música que se crea en el momento, se hace este ejercicio predecible que no es diferente de cualquier otro grupo en cualquier lugar del mundo. En pocas palabras, mediante la lectura de las melodías de un libro, usted está quitando la posibilidad de posibilidad.

3 Beneficios de aprender una canción por el oído En su lugar vamos a ver qué va a pasar si comienza a alejarse de el libro y empezar a melodías de aprendizaje por el oído. I) La mejora de la oreja Por alejarse del libro falso, que no sólo va a mejorar su oído, que realmente va a ser el uso de la misma. Su oído es la pieza fundamental que le permitirá convertirse en un mejor improvisador. Es la herramienta que le ayuda a identificar líneas melódicas y progresiones de acordes y es una pieza fundamental en la memorización de nuevas canciones y averiguar los que usted no sabe. Cuando se trata de la oreja, el viejo adagio es cierto: si no lo usas, lo pierdes. Cuando usted se esfuerza para utilizar y mejorar su oreja, finalmente no será necesario un libro para navegar una melodía. Usted será capaz de escuchar las piezas individuales de una melodía y llegar a las líneas para jugar que en realidad estás oyendo en su cabeza. Más importante aún, usted será capaz de concentrarse en entender y el sonido de la música que está sucediendo a tu alrededor. Esta es la meta de todo gran improvisador. Recuerde, cada vez que usted toma sus ojos lejos de la música, sus oídos se pondrá a prueba. La próxima vez que usted se encuentra leyendo un estándar a partir de un libro falso, dejó el libro y puso sus oídos a prueba. II) Conocer una melodía intelectual y auditivamente fomenta la creatividad La creatividad depende de un cierto nivel de competencia y la libertad.

Si usted todavía está luchando con fundamentos instrumentales y los fundamentos de la teoría de la música, que va a ser difícil ser creativo y espontáneo. Del mismo modo, cuando nos fijamos en una página y procesar esa información no está libre para centrarse en la creación de notas, simplemente está reproduciendo desde una página y la inserción correspondientes escalas y lame. Alejarse del libro le liberará musicalmente. Cuando usted tiene una melodía en el oído y lo sabes en tu mente podrás ser capaz de centrarse en los aspectos creativos del juego, no sólo los aspectos técnicos. Usted puede concentrarse en el envío de un mensaje musical a la audiencia y la creación de la música en el momento en lugar de sólo "ir tirando". III) El escuchar e interactuar al realizar Un tema común que se ve con los jugadores o grupos que utilizan libros para llevar a cabo es que todo el mundo termina mirando el libro. Cada jugador está en su propio mundo y se centra en su propia parte. Todos están jugando al mismo tiempo, sin embargo, nadie está jugando juntos. Como resultado, hay poca o ninguna comunicación musical dentro del grupo. No es exactamente una actuación inspiradora. Al liberar a ti mismo desde el libro, usted será capaz de empezar a escuchar a los otros jugadores que te rodean. Momentos sucederán en la música que no se planeó, y el público se dará cuenta de esto. Usted abre la puerta a la magia que ocurre cuando dos o más jugadores improvisan juntos en el momento.

¿Cómo se debe utilizar el libro real En su viaje como improvisador es inevitable que en algún momento tendrá que leer de un libro falso. Esto está bien. El propio libro real no es necesariamente algo malo, es la forma en que lo utilice que, o bien la ayuda o limitar su juego. Qué hacer y qué no hacer para los libros falsos Hace uso de un libro de referencia cuando se está empezando a aprender a improvisar, cuando usted no sabe cualquier melodías, y cuando usted no ha trabajado en el entrenamiento del oído. No usar un libro falso cuando no sabes una melodía que tiene que realizar en el acto No utilizar el libro como una referencia ocasional junto con la grabación en su práctica No usar un libro falso duplicar comprobar el material que está aprendiendo de oído (* Tenga en cuenta que los libros falsos menudo contiene errores, notas de la melodía equivocadas, o progresiones de acordes incorrectos. Siempre echa un vistazo a varias grabaciones cuando se está aprendiendo un estándar.) No leer o realizar una melodía de un libro falso sin escuchar primero.

No utilice un libro falso como un sustituto para el aprendizaje de canciones de la grabación. No realice las normas con un libro real (lo más posible). No

utilizar un libro falso para llevar a cabo cuando usted sabe que su set list antes de tiempo

y tener tiempo para prepararse. No caer en la complacencia o dependientes en el libro falso. Usted siempre debe esforzarse para memorizar y aprender nuevas canciones. El libro falso debe ser una ayuda temporal, no una pieza vital de su musicalidad.

Alejarse del libro Si utiliza el libro real ahora está bien. Después de todo lo que todavía quiere ser capaz de jugar conciertos y tienen sesiones de improvisación con otros músicos, y esto significa tocando melodías que usted no conoce. El uso de un libro está bien por ahora en estas situaciones. Lo importante es entender que el libro es lo que le permite saltar sobre algunas partes esenciales de su musicalidad. Si continúa confiando en estas notas escritas y progresiones de acordes, usted va a pagar por ello en el futuro. Usted no va a deshacerse del libro falso durante la noche, sin embargo, si comienza a tomar algunas medidas ahora podrás comenzar a realizar repertorio que usted sabe de memoria. Hacer Ear Training parte de su rutina diaria. Cuanto más que usted toma en la información con sus oídos, más fácil será para aprender canciones del disco y escuchar Concéntrese en el repertorio y canciones clave en su práctica diaria. Si no dedicas cualquiera de su tiempo de la práctica de las melodías de aprendizaje, no sólo vamos a aprender mágicamente melodías. La razón por la mayoría de los jugadores utilizan un libro es que no saben un montón de canciones. Asegúrese de que usted está aprendiendo o trabajando en al menos un tono cada semana. Puede no parecer mucho, pero va a aumentar rápidamente - en el espacio de unos pocos meses usted será capaz de jugar un juego completo o dos de la memoria. Para empezar, por lo que es un objetivo de realizar una (o más) canciones de la memoria cada vez que realice o vaya a una jam session. La lectura de un libro es más fácil y más seguro, pero tener una oportunidad - es la única manera que usted va a mejorar. Recuerde que el libro es como un par de ruedas de entrenamiento para su improvisación, que le permite realizar una serie de canciones de forma rápida y sin el dominio de algunas habilidades esenciales que usted necesita como improvisador. Si nunca toma estas ruedas de entrenamiento fuera, nunca se va a desarrollar las habilidades que necesita para convertirse en un improvisador éxito. Alejarse de que el libro no va a ser fácil al principio. Vas a tener que llegar a un acuerdo con el hecho de que sólo se puede saber una o dos o una docena de canciones en lugar de los

cientos puedes leer del libro. Sin embargo, las habilidades que va a desarrollar en el aprendizaje por el oído transformarán su musicalidad. Más importante aún, usted encontrará que usted capacidad de improvisación mejorará en gran medida de este proceso. Recuerde que usted es la fuente de su musicalidad - usted es su propio instrumento. La música debe venir de dentro de ti mismo, no desde una fuente externa. Si usted tiene alguna duda sobre esto, sólo tiene que mirar a los grandes improvisadores ya que están jugando las normas ... ¿Ves un libro en cualquier lugar de la vista?

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5 maneras de practicar en cualquier lugar Publicado por Eric En 22 de noviembre 2010 @ 21:18 En Consejos, Visualización | No Comments

Uno de los sentimientos más frustrantes que tengo, es llegar al final del día y darse cuenta de que no he practicado lo suficiente, o peor aún, que ni siquiera he tocado mi instrumento. Ya sea debido a las citas, los viajes, la escuela, o compromisos de trabajo, parece que siempre hay algo en el camino de nuestra práctica diaria. Sin embargo, sólo porque nos encontramos lejos de nuestros instrumentos, no significa que tengamos que sacrificar tiempo de práctica. Aquí hay cinco maneras fáciles de tomar el control y convertir ese tiempo perdido de otra manera en el tiempo la práctica de utilidad:

1. Visualización La práctica de la visualización es utilizado por personas de todo tipo de profesiones. Los atletas visualizan a sí mismos realizando en su mejor momento antes de la hora de juego, los políticos visualizan a sí mismos de dar grandes discursos, e incluso los cirujanos mentalmente ensayan todos los aspectos de un procedimiento antes de operar a un paciente. Como músicos, también podemos utilizar este proceso para nuestra ventaja. No sólo podemos visualizar un rendimiento perfecto, podemos utilizar este método para practicar la realidad y reforzar las técnicas fuera de la sala de ensayo. Balanzas progresiones de

acordes, e incluso un solo transcrito que has estado aprendiendo, pueden mejorar mediante el uso de la visualización. Si usted todavía se pregunta lo que la visualización es, leer este artículo sobre la visualización ahora por un proceso paso a paso sobre cómo practicar mentalmente para la improvisación del jazz. Usted puede hacer estos ejercicios mientras coloca en la cama antes de dormirse o cualquier otro tiempo de inactividad que tiene durante el día. Trate de elegir una escala o patrón que ha estado trabajando y cierra los ojos. Vea las notas en un pentagrama en su mente y jugar a través de ellos a medida que los oye mentalmente. Cuando usted va a través de ellos, asegúrese de visualizar cada nota y el dedo las notas como si estuviera tocando su instrumento, la creación de una conexión física y mental. Puede utilizar este proceso para cualquier cosa que usted puede estar trabajando. Si usted está tratando de aprender un cierto nivel, visualizar los cambios en la cabeza, mental cantar la melodía y los acordes ven pasar. Tratar de conseguir que Freddie Hubbard en solitario en los dedos? Cierra los ojos, escuchar el solo en su mente y el dedo junto con la línea como si estuviera realmente jugando junto con el expediente. Haz que la visualización de una parte de su rutina diaria, y te garantizo que definitivamente va a ver una mejoría cuando vuelvas a tu instrumento.

2. Formación del oído sobre la marcha ¿Con qué frecuencia te encuentras en el coche escuchando la radio o caminar por la ciudad retirar canciones en tu iPod? Estos son los dos grandes oportunidades para trabajar en el entrenamiento del oído. Si usted se encuentra en el coche, encender la radio y seleccionar una melodía. Melodías pop son ideales para este ejercicio, ya que son relativamente simples y si no lo oye todo en el primer intento, usted puede estar seguro de que la canción se reproducirá una y otra vez ... y otra vez. Primero cantar con la melodía y la marcha, trate de identificar los diferentes intervalos a lo largo de la línea. Después de eso, canta la raíz de cada acorde y determinar la progresión de acordes de la canción. Si eso parece fácil, elegir diferentes tonos de acorde como la tercera, quinta, etc., para cantar junto con la progresión. Después de un tiempo, usted será capaz de identificar progresiones de acordes y grados de la escala, sin siquiera pensar en ello. Este ejercicio también puede ser una buena manera de prepararse para aprender canciones o transcribir solos antes de entrar en la sala de ensayo. Si tienes algo de tiempo libre y está escuchando su iPod, se puso una en solitario que ha tenido la intención de transcribir y trabajar en la internalización de la misma. Escuche las solas un par de veces y luego cantar junto con la grabación. Asegúrese de que usted está cantando lanzamientos exactos y no sólo se aproxima a la forma de la línea. Inculcar un solitario en

su mente de esta manera, a través de la escucha repetida y el canto hará que el proceso de transcripción que mucho más fácil una vez que tenga su instrumento con usted. Entrenamiento del oído es algo que siempre se puede mejorar, por lo que en lugar de simplemente sentarse en el tráfico o el paso del tiempo escuchar música, utilizar estos ejercicios que mejorarán sus oídos al mismo tiempo.

3. El trabajo en metros impares Si usted es como la mayoría de los músicos, tocando en metros impares como el 5 y el 7 es un escollo difícil de superar. Esto se debe a que rara vez jugamos en estas firmas de tiempo y cuando lo hacemos encontrarse con ellos, estamos familiarizados con ellos. Este es un problema que se puede resolver sin su instrumento. El pianista y educador Lennie Tristano tenían un gran interés en el ritmo que se refleja en muchas de sus composiciones. En su enseñanza, Tristano centró en polirritmia o sentirse diferentes metros en la parte superior de uno al otro y dio a sus ejercicios de los estudiantes para dominar estos. Aquí hay algunos ejercicios que usted puede hacer en cualquier lugar de dominar algunos de los metros impares que le han estado dando problemas. Tome un metrónomo con usted o simplemente cantar o tocar grupos de metros impares como 3, 5 y 7 más de 4/4. Inicio simple y tratar de tocar o cantar un triplete o grupo de 3 sobre 4/4:

Siguiente probar cinco durante cuatro:

Otra forma de crear una sensación metros impar es dar a entender un polyrhythm mediante el uso de inflexión. Acentuar la primera nota en un grupo de 3 octavas más de 4/4, a su vez implica un 3/8 sienten sobre la línea de la barra:

Pruebe a cantar una escala en tercios con estos acentos que implican el mismo 3.8 sienten:

Jugando en 7 puede ser complicado y dar con algo creativo puede ser aún más difícil. El trabajo en la búsqueda de nuevas maneras de jugar en 7 en lugar de la agrupación estándar de 2 + 2 + 3 se muestra a continuación:

Una forma es dar a entender 4/4 sobre la línea de la barra con los grupos de notas negras:

4. Ejercicios físicos A veces lo que tenemos que practicar es puramente un aspecto físico de nuestro juego: digitaciones, la postura, la articulación, etc. Podemos mejorar en estos aspectos de nuestra jugar en cualquier lugar porque tienen que ver directamente con nuestros cuerpos. Si usted es un pianista puede que tenga que trabajar en fuerza en los dedos, bateristas pueden necesitar para trabajar en ejercicios de independencia y trompetistas pueden necesitar para trabajar en los patrones de digitación difíciles. Identificar el problema físico que le está dando un problema y crear un ejercicio que aísla el movimiento exacto. Recuerde comenzar lento y pensar en cada aspecto del ejercicio, por lo que cuando se va a jugar a lo estará allí sin pensamiento consciente. El trabajo sobre la articulación y el flujo de aire Cuando juegas un instrumento de viento, puede parecer que no hay sustituto para el tiempo en el cuerno. Bueno, esto puede ser cierto, una cosa física que usted puede trabajar en cualquier lugar es su articulación y el flujo de aire. Para los músicos de jazz, un aspecto que requiere constantemente la práctica es la articulación swing. Un ejercicio que me gusta hacer es centrarse sólo en mi lengua y aire sin mi bocina y enunciar o de la lengua las sílabas junto con un flujo de aire constante. Por ejemplo, voy a recoger una escala o línea y el dedo a lo largo de lo que yo hago la articulación. En el siguiente ejemplo me gustaría utilizar las sílabas escritas para la articulación y soplar un flujo constante de aire a medida que avanzo a través de la línea:

Lectura 5. Sight Una manera fácil de mantener nuestra lectura a la par, es de llevar un poco de música de hoja con usted, como un libro etude, grandes tablas de banda, o un libro de percusión con ejercicios rítmicos. Cualquier cosa va a hacer con tal de que es un reto. Cuando tienes algo de tiempo libre, uno abierto de los libros de hasta una página y la

práctica de vista aleatoria cantando una de las líneas. Asegúrese de que usted está guardando el tiempo constante o traer un metrónomo largo. Si cantar los lanzamientos al principio es muy duro, sólo tratar de cantar los ritmos. La mitad de la batalla para convertirse en un gran lector es llegar a ser consistente, así que este ejercicio un hábito y usted estará allí en poco tiempo

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Poner en la presión: Cómo motivarse en la habitación Práctica Publicado por Eric En 21 de octubre 2011 @ 1:41 En las rutinas de práctica, Consejos | 1 comentario

Recuerda aquellos tiempos en la escuela, donde le asignaron un proyecto enorme y se le dará un plazo para terminarlo por? Ya sabes, aquellos en los que el profesor lanzó una enorme tarea en usted tan pronto como entré en el aula: "Escribir un documento de 15 páginas sobre la historia de la revolución francesa y hacer una presentación frente a la clase ..." En situaciones como ésta, que de inmediato se convierte en estresado. Hay esta gran sentido de urgencia con esta fecha por ahora que se avecina en el horizonte y que no puede relajarse hasta que se acabó. Nos pusimos en marcha para terminar antes de tiempo, pero a pesar de nuestros mejores esfuerzos, por lo general terminamos de dilatar y hacer el trabajo justo antes de la fecha límite. Sin tiempo que perder nos quedamos toda la noche y presionamos a nosotros mismos para enfocar. De la nada viene esta increíble ética de trabajo y unidad para terminar el proyecto a tiempo. Al final, siempre terminamos de completar el proyecto y sorprendiendo a nosotros mismos en el camino que éramos capaces de hacer esto mucho trabajo en ese poco tiempo. A pesar de que tememos estos grandes proyectos y con frecuencia ponemos a retirarse hasta el último minuto, hay algo muy valioso que descubrimos acerca de nosotros mismos en el proceso. Cuando nos enfrentamos a la presión de la realización de un proyecto y hay algunos graves consecuencias, nos convertimos intensamente concentrado y muy motivado. Las metas que en un principio parecían demasiado grande e intimidante, que

sorprendentemente impulsar y completa. Imagínese si usted fuera capaz de canalizar este tipo de motivación y ética de trabajo todo el tiempo, incluso en los días de práctica mundanas. ¿Qué haría usted será capaz de lograr?

Sintiendo la presión En la escuela o en el trabajo, hay fuerzas externas que nos están presionando para completar los proyectos y seguir adelante. Los plazos se establecen para usted y los resultados de su trabajo se presentarán delante de sus compañeros, por lo que hay mucho en juego. Incluso si usted fue a la escuela de música que tenía la presión en forma de recitales, jurados, proyectos, clases particulares, y actuaciones. Es como todo el mundo está fijando sus metas para usted y asegurarse de que se van finalizando. Sin embargo, cuando usted está aprendiendo por su cuenta, es una historia completamente diferente. No hay plazos, no hay jurado de pares de juicio, sin riesgo y sin mayores consecuencias. Si fallas en un proyecto o renunciar a una meta, no hay nadie a castigar, excepto usted mismo. No suena tan mal, ¿verdad? Aprenda a su propio ritmo. Sin estrés y el miedo al fracaso público. Crea tu propia agenda. Sea su propio maestro. "No hay presión, no hay diamantes." ~ Thomas Carlyle Después de un tiempo, sin embargo, estos aspectos positivos de aprendizaje por su cuenta se convierten lentamente inconvenientes. Recibimos perezoso, perdemos el foco, y no trabajamos con todo nuestro potencial. Sin plazos o presiones externas, tenemos demasiado relajado y perder la motivación. Esto es cierto para todos, no importa cuánto nos esforcemos para cambiarlo. Entonces, ¿cómo luchar contra esta inevitable pereza dentro de nosotros mismos, sobre todo cuando estamos practicando algo así como la improvisación?

Establezca una meta y un plazo Algunos músicos son muy motivado por su cuenta, mientras que otros tienen que ser forzados a la sala de ensayo. Piense en qué categoría cae en. Si eres como yo, puede cambiar de un día para otro. Algunas horas días practicando gastados volarán por como nada y en otros es una lucha sólo para entrar en la sala de ensayo. Independientemente de su forma de pensar como usted comience su sesión de práctica, el aspecto más importante de su rutina de la práctica es el enfoque y dirección. Puede ser la persona más impulsada en el mundo, pero si no tiene que centrarse también podría perder su tiempo. Si usted desea mejorar continuamente como músico, necesita dirección. Primer paso: Establecer una meta para ti mismo. ¿Qué es lo que quiere lograr musicalmente? ¿Qué jugadores o solos Qué quieres estudiar?

¿Qué quieres que suene como en su instrumento? La gran cosa sobre el descubrimiento de esta música por su cuenta es que usted puede aprender lo que quieres. Usted no tiene que trabajar en un proyecto que alguien obliga a usted, usted puede escoger las cosas que trabajar en eso realmente significa algo para ti. Sin una meta, sólo estás ejecutando los mismos ejercicios y cajas de pinturas. Sí, es bueno que usted está practicando todos los días, pero la realidad es que te vas a quedar en el mismo nivel, no mejora. Defina sus metas. Físicamente anotarlas en un pedazo de papel. Una vez que haya identificado específicamente esos objetivos sabes hacia dónde te diriges. Paso dos: Haga una fecha límite. Ahora que usted tiene una meta, es necesario un marco de tiempo para completarlo por. Tener una meta final abierto sin una fecha para terminar por no sirve para nada. Usted ha identificado lo que quieres hacer, pero ¿dónde está la motivación va a venir de hacerlo realmente? Para resolver este problema, establezca una fecha límite para este objetivo han completado. Ponte a prueba aquí. Un poco de estrés y la ansiedad pueden conseguir enfocado y motivado muy rápidamente. Fijar un plazo realista que pondrá a prueba sus habilidades, y usted se sorprenderá de lo que puede lograr.

Hacer algunas consecuencias El aspecto de un proyecto de la escuela o el trabajo que realmente nos motiva es el hecho de que hay consecuencias. Si no terminas ese documento de 15 páginas, usted recibirá una calificación reprobatoria. Si lo haces mal en su proyecto en el trabajo, que se verá mal delante de sus compañeros y usted puede incluso conseguir degradado. La presión viene de estas consecuencias y nuestra motivación surge de la necesidad de evitar estas consecuencias. Como mencioné antes, cuando usted está practicando algo por su cuenta usted no tiene este tipo de presiones externas - que eres tú contra ti mismo. ¿Cuáles son sus consecuencias van a ser cuando usted no alcanza su objetivo por su fecha límite? Simplemente tener un objetivo y la fecha límite es ninguna garantía de que realmente va a poner en el trabajo para terminar algo, necesita una consecuencia que significa algo para ti. Aquí hay algunos ejemplos de algunos de los objetivos y las consecuencias que puede hacer por sí mismo como un improvisador: Objetivo # 1: Quiero aprender tres normas y ser capaz de jugar bien sobre ellos. Escoja las tres melodías y fijará un plazo razonable. Consecuencia: En el día de su fecha límite ir a una sesión de improvisación y llevar a cabo estas tres canciones. Esta es la prueba. Si usted ha hecho el trabajo en la sala de ensayo, se mostrará como te sientes en estos temas. Sin embargo, si usted ha estado perezoso, usted va a ser humillado en frente de una audiencia en vivo - esto debería ser suficiente para mantener

la motivación! "Las consecuencias lógicas son los espantapájaros de los tontos y los faros de los sabios." ~ Thomas Huxley

Objetivo # 2: Necesito para transcribir un solo de conseguir algo de lenguaje. Consecuencia: Si tienes problemas para motivar a ti mismo para hacer esto, que alguien más involucrado. Llame a un amigo o colega músico y dígales que usted desea ir sobre un solo de que has transcrita. Fije una fecha para reunirse y que en solitario listo para realizar en la fecha de vencimiento. El simple hecho de llevar a cabo por alguien más hará que usted pone en el trabajo. Objetivo # 3: Escribir una composición original. Consecuencia: Se trata de un objetivo que muchos músicos tienen, pero nunca parecen moverse a. Es hora de poner fin a este proceso. Comience por la creación de una fecha de grabación para esta nueva melodía. Llame a algunos jugadores para llevarla a cabo y establecer la hora y el lugar. Si no lo tiene listo no sólo va a parecer un completo idiota, usted va a estar perdiendo el tiempo de todos. * Es muy importante que una vez que se establece una fecha límite y en consecuencia se adhieren a ella. Sin respaldo fuera de él. Si usted es serio sobre conseguir mejor, es necesario rendir cuentas al iniciar tocado la barriga.

Trabajar todos los días hacia este un objetivo Uno de los mayores obstáculos para la realización de nuestros objetivos es que a menudo tratamos de abordar demasiado a la vez en la sala de la práctica. Tenemos diez objetivos diferentes y tratamos de completar un proyecto enorme en una sesión de práctica. Si usted desea mejorar, primero tiene que hacer sus metas realistas y alcanzables. En lugar de tratar de convertirse en el próximo John Coltrane durante la noche, establecer una meta realista. Este objetivo es ahora el foco principal de su tiempo de práctica. Usted tiene su meta y su fecha límite y ahora, es el momento de ponerse a trabajar. Tome este objetivo y dividirla en trozos pequeños. Haga un horario diario y un horario semanal hasta el día de la fecha límite. Identificar los hitos alcanzables que desee para golpear en el camino a terminar su gran proyecto. Si su objetivo era transcribir todo un solitario, empezar por aprender dos medidas al día. Al final de una semana tendrás un coro y

antes de que te des cuenta, tendrás todo el solo por. Al romper estos grandes objetivos, el proyecto en realidad parece alcanzable. Y, con un horario diario y semanal, su práctica no será fuera de foco o al azar. Esta es una gran manera de conseguir el balanceo bola cuando una tarea parece imposible. Pruebe esto con su próxima meta musical y ver qué pasa.

La inspiración puede ser la motivación demasiado La fuente de su motivación no siempre tiene que ser el temor de una consecuencia negativa. Claro que este tipo de pensamiento para poder llegar a completar sus proyectos, pero después de un tiempo su voluntad la práctica se convierte en una tarea, no la diversión y el proceso emocionante que lo que solía ser. Una de las mayores fuentes de motivación que podemos extraer de es inspiración. La sensación conseguimos ver a un maestro de cantar en vivo. Al escuchar un disco que nos transporta a otro lugar. Aprender de un gran maestro. Estas son todas las situaciones que nos inspiran como músicos y podemos transferir fácilmente esta mentalidad en la sala de ensayo. Para recordar este sentimiento poner en su disco favorito antes de que la práctica, ir a espectáculos más vivo y grabar sus lecciones que recordar rápidamente esas palabras de sabiduría. La motivación y la dedicación pueden ser difíciles de conseguir cuando estás por tu cuenta, especialmente cuando usted está intentando algo abrumador y difícil. Mediante el uso de algunos de los trucos de arriba y crear sus propios plazos y consecuencias, no sólo se puede lograr sus objetivos actuales, puede superar sus expectativas originales.

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Mente de principiante Publicado Por Forrest En 15 de noviembre 2011 @ 22:38 En Inspiración, Perspectiva | No Comments

En el budismo Zen no es un concepto de la "mente de principiante". Citando a Wikipedia: "Se refiere a tener una actitud de apertura, entusiasmo, y la falta de ideas preconcebidas al estudiar un tema, incluso cuando estudiaba en un nivel avanzado, al igual que un principiante en este tema sería" Cuando empezamos a estudiar esta música, estamos muy contentos y abierto, pero a medida que avanzamos, nos vemos atrapados en toda clase de trampas y la mente de nuestro principiante se pierde.

Un exceso de información El problema número uno en el avance en la improvisación del jazz es la gran cantidad de exceso de información en la actualidad. Debe ser ser lo contrario. Más información sobre un tema debería hacer más fácil. Es lógico. Pero ¿y si esa información no es correcta? ¿Y si esa información es sólo un punto de vista de una cantidad infinita de posibles perspectivas? He tomado clases con muchos de mis músicos favoritos de hoy. Lo que es interesante es que todos ellos tenían completamente diferentes puntos de vista acerca de lo que era importante y todos ellos tenían diferentes ideas de donde debo enfocar mi tiempo. Algunos de los puntos de vista estaban en oposición directa entre sí. ¿Quién tiene razón y quién está equivocado?

Nadie está bien o mal. Cada una de sus sugerencias es simplemente un reflejo de su propio concepto de la música. Todo depende de que el estudiante tome sugerencias y averiguar en qué trabajar en su propio concepto y qué filtrar. Algo que hemos intentado hacer en este sitio es compartir las cosas que hemos aprendido de múltiples fuentes. Por ejemplo, ¿por qué hablamos de lenguaje y transcribir tanto? Porque cada gran jugador solo hemos hablado o estudiamos con hablaba sobre la importancia de la lengua y la transcripción. Pero en lugar de las personas de decidir lo que es importante para ellos, la mente del principiante se ha inundado con un exceso de información. La información que se llevando a la gente por mal camino. Información que barre rápidamente la mente del principiante y la transforma en una máquina presuntuoso que todo lo sabe, donde existe poca posibilidad o la creatividad.

Un proceso de domesticación Piense en la primera vez que escuchó jazz. como te sentiste? ¿Estabas en el temor? ¿Estaba usted confundido y quiso saber lo que estabas escuchando? A su primera exposición, el jazz es un misterio. ¿Cómo están tirando de estas notas de la nada? La música es mágica y que nos transporta a otro mundo. Al estudiar esta música, tendemos a perder esa chispa, esa energía. La magia se evapora y lo que queda es una mente académica analítica, pensar y juzgar cada poco de datos sonora que se procesa. ¿Cómo empieza este proceso de domesticación? Comienza la segunda ponemos nuestra fe en algo que vemos en lugar de algo que oímos. Principiante de se les dice en las primeras semanas de abordar el jazz, "Tienes que aprender la teoría." Si bien esto no es completamente falso como la teoría puede ayudar a describir lo que está escuchando, es sin duda no es tan grande de un acuerdo, ya que está a nombre de ser y la "teoría" de que uno es instruido para aprender no es teoría de la música, pero más de un sistema para la forma de tocar jazz. Si quieres estudiar en realidad la teoría de la música, estudiar las obras de cualquiera de los grandes compositores clásicos: Brahms, Beethoven, Bach ... o leer la teoría y la composición de libros de autores clásicos como el libro de Schoenberg en la Teoría de la Armonía o su libro sobre Composición Musical . Te advierto, son densos, pero completa. Entender que la "teoría de Jazz" es un término acuñado por un sistema que se supone para ayudar en tocar jazz. ¿Es este sistema eficaz? Hemos escrito extensamente describir este sistema y por qué no funciona. Aquí hay unos pocos artículos para explorar: Errores educación Jazz Escalas no son el secreto Volviendo reglas de jazz en herramientas de expresión Lo que realmente es la transcripción

Si esta teoría del sistema de jazz fueron eficaces no estarías leyendo esto ahora mismo, probablemente nunca han oído hablar de este sitio, usted no estaría buscando más consejos, preguntándose donde este sistema le ha dejado tendida . Usted sabe que el modelo es incompleto; Digo incompleta porque, por supuesto, hay algo de mérito en ella, es simplemente una pequeña parte de lo que se podría estudiar y se filtra a través de muchas fuentes secundarias, las fuentes primarias siendo grabaciones ... sin embargo, todavía se acepta. Usted acepta porque eso es lo que se enseña en los libros y por muchos profesores, por lo que debe ser correcta. Cinco años más tarde, tienes 125 Aebersolds, todos los libros de instrucción en el mercado, y una docena de libros reales, sin embargo, que juega sobre un blues sigue siendo difícil. Una vez que lleguemos a este período en nuestro desarrollo, donde hemos pasado bastante tiempo aprender el modelo estándar, pensamos que estamos avanzado. Podemos hablar de escalas alteradas, sustitución tritono, Giant Steps superposiciones ... así que la conclusión, sabemos estas cosas bastante bien. La mente de Nuestra principiante es cosa del pasado. Lo tenemos todo resuelto.

Volviendo a la mente de un principiante

"En la mente del principiante hay muchas posibilidades, en la mente del experto hay pocas." Shunryu Suzuki Lo que he descrito anteriormente en el proceso de domesticación es sin duda un extremo. Esperemos que su situación musical personal no es tan grave. Estoy familiarizado, sin embargo, con esta situación extrema hace porque en un año de punto que sentí me dirigía por ese camino. Así es como yo sé que esta situación común es frecuente, y es así como también sé que nadie puede escapar de ella si así lo desean. Cada vez que nos acercamos a un problema musical, tenemos la oportunidad de continuar con la mente de un principiante, como si nos acercamos por primera vez. Esto no quiere decir que tirar todo lo que siempre has aprendido y estudiado al viento. Esto significa que usted tiene

una mente abierta, expresando curiosidad por otras posibilidades. Que las soluciones que actualmente conocemos o las soluciones comunes que se presentan, pueden ser defectuosos, o que existen otras soluciones que serían más cerca de su ideales musical. A menudo olvidamos que nuestro objetivo debe ser conseguir más cerca de nuestro propio ideal musical personal. Para ello, la prescripción a cualquier método que no sea la nuestra, automáticamente nos puso en el camino equivocado. El grueso de los recursos de la educación del jazz disponibles hoy en día transmiten un método sencillo de abordar la improvisación, todo ello basado en la aplicación de las escalas con acordes (ver los enlaces presentados anteriormente en este artículo). Nos ciegamente aceptamos este modelo y se sienten frustrados cuando no nos estamos moviendo en la dirección de nuestro ideal musical. Este modelo se llena nuestra cabeza con una forma particular de abordar todo y ingrains imágenes mentales insuficientes y sonidos del repertorio de jazz en nuestra mente. Por ejemplo, voy a apostar por la mayoría de ustedes, como yo, su primera exposición a la melodía ¿Has conocido a la señorita Jones fue a través de una obra de teatro-largo de la pista. Esta versión de la melodía estropea la mente de principiante. Esa versión de la melodía se convierte en una entidad en su mente de ahí en adelante ya no ser que lo cambie, eso es todo. Sin embargo, usted puede optar por tener una mente de principiante hacia esta melodía y pensar: "Debe existir otras posibilidades para esta canción," y tal vez te tropiezas con Art Tatum mostrar una obra maestra pura.

La verdad es que no importa lo lejos que lleguemos, hay cosas nuevas y emocionantes para aprender. No importa qué tan avanzado te crees que eres o por el contrario, ¿cómo perdió es posible que, volviendo a la mente de un principiante no sólo ampliar su mente, pero su oído

también. Un mundo de posibilidades le espera.

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Aplicando el principio de Pareto al Aprendizaje Jazz Improvisación Publicado Por Forrest En 06 de noviembre 2011 @ 23:29 En Acordes, Jazz Educación, Jazz Idioma, rutinas de práctica | No Comments

El comúnmente conocido principio de Pareto establece que el 80% de los efectos de algo, provienen del 20% de las causas. En términos de aprendizaje, esto significa: averiguar dónde las mayores ganancias se pueden hacer y se centran en aquellos. Por alguna razón en aprender casi cualquier cosa, tendemos a dar la misma importancia a todo. Le damos la misma importancia a todo porque simplemente no sabemos lo que es más importante, por lo que consideramos todo lo importante. Un visual que viene a la mente es algo que veo en el gimnasio todo el tiempo: un tipo enorme sobrepeso haciendo ejercicios de antebrazo. Ahora no me malinterpreten. Es impresionante que ha decidido que quiere hacer un cambio y que ha tomado la acción de ir al gimnasio. El problema es que está enfocado en algo tan pequeño que nunca se obtendrán los resultados así lo desea. Muchas personas han documentado lo que ellos creen que los ejercicios de alto valor se debe hacer para ver el máximo de ganancias en la fuerza y ​la pérdida de peso. Por investigando cuáles son y pasar la mayor parte de su tiempo en estas cosas, este hombre en realidad podría llegar a donde quiere ir. Del mismo modo en la improvisación, la gente trabaja en todo tipo de cosas que tienen poco beneficio a su habilidad como improvisador. ¿Por qué trabajar más duro si se puede trabajar más inteligente? Deje de perder su tiempo y poner todo su tiempo en el 20% del material que cubrirá el 80% de todo lo que usted necesitará siempre.

Dos Fives Aprender a jugar más ii Vs es la parte más esencial de tocar jazz. Se puede discutir con esa afirmación todo lo que quieras. Cuanto más tiempo pasa sin entender ii Vs y tener un montón de lenguaje para jugar sobre ellos, más tiempo te sientes perdido en esta música. Este simple progresión constituye la mayor parte de todo lo que alguna vez encuentres. Incluso cuando se encuentra aparentemente diferentes acordes, por lo general son un derivado de una progresión V ii. Estudie este artículo sobre Cómo hacer ii Vs fácil. Obtener el lenguaje para jugar, más ii vs. Cada gran jugador ha hecho esto. Una vez que obtenga el lenguaje sobre ii Vs, aprender a hacer estas líneas su propio. Luego, seguir aprendiendo la lengua V más ii con el objetivo de encontrar nuevas formas de jugar sobre la progresión. Nunca dejar de trabajar en ellos. Cuanto más libre te conviertes en ellos, más libre te sentirás cuando juegas.

Menores dos cincos Nos encontramos con menor ii Vs todo el tiempo, y la mayoría de la gente ignora o Carnicero ellos. Al igual que gran ii Vs, menor Vs ii son en prácticamente cada melodía que jamás jugar, así que ¿qué te parece, son ellos son parte del 20% en todo este valor es? Minor ii Vs ocurren típicamente en uno de dos lugares: como iii Vi en una progresión V iii Vi ii, o como una sencilla menor ii V que conduce a un tónico menor. En ambos casos son el mismo sonido. Encontrar el lenguaje para entender y jugar sobre este sonido debería ser bastante fácil para usted, ya que cualquier grabación que escuchar lo más probable es tener múltiples ocurrencias de esta progresión. Del mismo modo que lo hace con ii Vs, estudiar cuáles son sus jugadores favoritos hacen sobre menor Vs ii y obtener dentro de esta armonía. Construye tu propia biblioteca de la lengua en este sonido y usted no será uno de los muchos que se cae por el precipicio cuando esta progresión aparece.

Blues y cambios de ritmo Lo has oído mil veces y todavía no ha acabado de entender por qué los grandes jugadores siempre dicen trabajar en Blues y cambios de ritmo en todas las claves. Me tomó años para conseguir una pista de por qué estas formas estándar son tan vitales para el desarrollo como un improvisador. ¿Alguna idea sobre lo que hace que estas formas tan crucial? Te voy a dar una pista: tiene que ver con las progresiones que ya hemos hablado. Me voy a caminar a través de él. Si la progresión V ii y la progresión V ii menor son la progresión más importante para

aprender a jugar, más para tener éxito como improvisador, ¿no sería muy beneficioso luego de practicar una melodía estándar que utiliza estos componentes fundamentales en todo su armonía ? Blues y cambios de ritmo utilizan ii Vs todas partes. Si usted no cree que lo hacen, tomar otra escuchar cómo sus héroes piensan acerca de estos cambios en lugar de centrarse en la hoja de plomo. Usted encontrará que implementan ii Vs en cualquier lugar que pueda. Olvídese de lo que dicen que los cambios en una página escrita y entender lo que realmente está pasando. Transcribir unos coros de su solista favorito en un blues ... entonces te darás cuenta de la gravedad de trabajar en ii vs.

Encuentra que el 20% Deja de ser ese chico con sobrepeso haciendo flexiones de antebrazo para bajar de peso. No trabaja. Hay una razón por la push-up es un ejercicio atemporal. Golpea a tantos de sus músculos a la vez y utiliza una parte significativa de su peso corporal como resistencia para dar un cuerpo entero se resuelve con facilidad. ¿Y qué hace la gente una vez que pueden hacer veinte flexiones? Lo hacen los treinta. Y después de los treinta? Cuarenta y así sucesivamente. Y lo que si pueden hacer cien flexiones y quiere seguir mejorando? Ellos pusieron sus pies sobre una repisa para aumentar la resistencia, o que empiezan a abordar uno de brazo flexiones, o lo hacen de una variedad de variación sin fin de aumentar la dificultad. El punto es: no dejan de hacer flexiones de brazos, sino que se basan en lo que han logrado al hacer las cosas más difíciles. ii Vs, menores ii Vs, Blues y Rhythm Los cambios son las flexiones de la improvisación del jazz. Se aprende cómo acercarse a ellos. Se aprende la lengua sobre ellos. Usted los estudia y los consigue en sus oídos. Estas cosas forman el 20% que causan el 80% de las ganancias. De hecho, creo que estas cosas realmente hacen más del 90% de las ganancias. Ponga su tiempo en estas simples progresiones y usted mejorará mucho más rápido que su tasa actual. Recuerde, cuando se trata de aprender algo, todos los temas no son creados iguales. Encuentra que el 20% que produce el 80% del valor e ir a la ciudad!

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Qué, por qué, dónde, quién, cuándo, y cómo Transcribir Publicado Por Forrest En 02 de abril 2014 @ 22:26 En Consejos, Transcripción | No Comments

Todos los días recibimos innumerables variaciones de qué, por qué, dónde, quién, cuándo y cómo transcribir preguntas en nuestra bandeja de entrada. ¿Debo transcribir líneas o solos enteros? ¿Es necesario para transcribir de la grabación o puedo utilizar un libro de transcripción? ¿A quién debo transcribir? ¿Tengo que transcribir Charlie Parker? ¿Puedo transcribir jugadores modernos? ¿Se puede retrasar la música que estoy transcribiendo? ¿Cuál es el proceso de la transcripción? ¿Los grandes jugadores de esta música transcriben? Todos estos y los otros que se presentan son todas las grandes preguntas porque tienen que ver con algo que es tan necesario para aprender a tocar jazz y la improvisación de la manera deseada: transcripción.

¿Qué debo transcribir? ¿Qué debo transcribir? ¿Debo empezar por algún sitio en particular o simplemente saltar de cabeza? ¿Debo hacer todo un solitario o líneas únicas? Sabiendo lo que transcribir puede ser difícil. Hay tantas cosas por ahí y podría literalmente hacer nada de eso. El mejor lugar para comenzar es con las unidades básicas y formas de jazz. Entonces, ¿qué significa esto? Significa que comience con algo tan simple como un acorde mayor. Transcribir una línea sobre un acorde mayor y te encuentras en tu camino; la adquisición de lenguaje útil sobre estos bloques de construcción es esencial.

Las unidades básicas y las formas que estoy hablando son: acordes simples (mayores, menores, dominantes, medio disminuido, etc.), ii Vs, menores Vs, azules, cambios de ritmo ii, y normas muy comunes. ¿Significa esto que no se puede transcribir Coltrane en Espiritual?

¡Absolutamente no! Esto significa que a partir de las unidades y las formas que se producen con frecuencia en el jazz comunes ayudará a construir su fundación. Mucha gente de hecho saltar directamente a la música más esotérico como el de Trane en espiritual. Ellos piensan que están siendo cadera o fría, pero son realmente sólo la pereza y la limitación de su capacidad. Concéntrese en las formas comunes y usted construirá la base necesaria que el lenguaje del jazz requiere. Por otra parte, parece que hay confusión sobre si debe transcribir solos enteros o sólo líneas. Sé que los grandes jugadores que dicen que han hecho exclusivamente uno u otro y sé que los grandes jugadores que han hecho ambas cosas. Usted debe hacer lo que funciona mejor para usted. Para mí, cuando estoy muy desorganizado y abajo en mi forma de tocar, esto ayuda a tener un proyecto sólido que pueda centrarse en, un single en solitario que puedo volver a lo largo de un período de días, semanas o incluso meses. Trato de elegir un solo que me encanta, sobre una melodía específica que quiero aprender. De esa manera, aprendo mucho sólo de trabajar un poco en el solo de cada día; a través del proceso, que no sólo transcribo el solo y ganar todo el lenguaje, pero me da la ventaja de aprender una nueva melodía en un nivel íntimo. Al transcribir un solo de esta manera, no se puede dejar de conocer los cambios de acordes y la melodía. Esos son grandes subproductos

de la transcripción de un solo. Sin embargo, usted no tiene que sentirse obligado a transcribir todo un solitario. Unos coros, uno de coro, o incluso ocho bares es suficiente. Todo depende de lo que quieres aprender, lo que te llame la oreja, y lo que haces con el material que transcribir. Aunque me encanta reducción a cero en un solo porque me ayuda a concentrarme y estructurar mi práctica sobre todo en aquellos tiempos excesivamente autocríticos, transcribir pequeños fragmentos o líneas cortas tiene tanto beneficios. Agarrando una sola línea le permite llegar a la fase de desarrollo de la construcción en la línea mucho más rápido que esperar hasta que transcribir todo un solitario. A veces la gente transcribir todo un solitario y ni siquiera moverse de desarrollar cualquiera de los materiales que han aprendido más allá de la forma en que se jugó originalmente. Yo sé que tengo al menos cinco solos que he aprendido nota por nota que yo todavía no he tirado aparte e hizo las diversas piezas de mi propia. No se sienta presionado para transcribir solos enteros o sólo líneas. Mezcla un poco y aprender lo más que pueda. No importa lo que transcribir, siempre y cuando usted realmente lo ama y absorber algo de la intérprete, usted mejorará.

¿Por qué debo transcribir? ¿Por qué debo transcribir? ¿No es lo mismo si me entero de un solo de un libro de transcripción? Las leyendas de esta música no transcribir, ¿verdad? Si quiero que mi propio estilo, ¿por qué iba yo a copiar a alguien más? Usted debe transcribir para aprender el lenguaje del jazz, para aprender el fraseo de jazz, para aprender su instrumento, a ser influenciados por los jugadores que le gustan, para aprender canciones, aprender conceptos que resumen y aplicar. El proceso de transcripción, en mi experiencia y muchos otros, es casi la única manera de aprender estas cosas en un nivel profundo. ¿Se puede tocar jazz sin transcribir? Usted puede, pero usted constantemente se preguntan por qué usted no está consiguiendo en la que desea. Incluso los jugadores famosos que dicen que no se transcriben, en muchos casos, en realidad lo hicieron. Por ejemplo, puede haber una entrevista de alguien diciendo: "Nunca transcribí", y más tarde en la entrevista el músico continúa diciendo cómo jugaron junto con todas las grabaciones de sus héroes de copiar y aprender todo lo que podían. Hmmm, seguro suena como transcribir a mí. Con los años, he visto esto varias veces y que engaña a las personas que están tratando de mejorar, porque piensan: "Bueno tal y así no transcribir y me encanta su forma de tocar, así que no debería transcribir cualquiera ".

El uso de lo que se lee acerca de los hábitos de la gente para justificar su propia es una pendiente resbaladiza. Al igual que en el ejemplo mencionado anteriormente, el músico simplemente define transcribir como algo diferente a nuestra forma de pensar en ello. No es su culpa. En su mente, él no transcribir porque él está pensando, "Nunca escribí nada en el estómago", pero por desgracia, para llevar de un lector de una entrevista de este tipo puede acabar evitando que aprender de sus héroes durante toda su vida. Sí, las leyendas de esta música y sus jugadores favoritos transcritas. Se puede argumentar sobre él todo el día para justificar su decisión de no transcribir, pero la realidad es, para aprender las sutilezas de jazz, hay que escuchar e imitar los matices que oyes. Ya sea que usted escribe lo que transcribe abajo y / o analizar es su decisión; mientras beneficiosa a su manera, estas actividades no son la carne de transcripción. Muchos grandes jugadores nunca escribió nada en el estómago, otros escribieron todo. La única cosa a tener en cuenta es si lo hace escribir las cosas, no se usa lo que escribes como una muleta para jugar lo que transcribir. La mejor manera de asegurarse de que usted no usa nada escrito como una muleta: esperar hasta que haya terminado de transcribir su solista, coro, o la línea con el instrumento antes de escribir nada en el estómago. En otras palabras, usted debe aprender todo lo que en su instrumento antes de anotar que, si decide hacerlo. Y ya que estamos hablando de escribir las cosas que transcribir, vamos a hablar sobre los libros de transcripción. Oh, sí, un mero $ 17.99 y tienes toda la vida de Charlie Parker en una bandeja, listo para su consumo. Desafortunadamente, estás a punto de sumergirse en una aproximación edulcorada de la realidad y ni siquiera lo saben. Libros de transcripción son un atajo. Siéntase libre de usarlos, pero sabe que está cortando esquinas y usted no conseguirá lo que vinieron a buscar. Usted puede recoger una línea aquí o allí. Usted puede incluso aprender todo un solitario, pero tendrá que estar allí para siempre? ¿Va a ser impresa en su alma? ¿Va a conceptualizar lo que estás aprendiendo de una manera aplicable, de manera que se puede aumentar y desarrollar? Usted está limitando significativamente a sí mismo como un jugador mediante el uso de libros de transcripción, así que si estás usando ellos en este momento está bien, pero con el tiempo, Ween ti mismo fuera de ellos, comienza a hacer su propia tarea y me lo agradecerá más tarde. Así que ¿por qué debería transcribir si su objetivo es crear en última instancia, su propia voz distintiva? Parece lógico no copiar la gente en un esfuerzo por mantener su identidad. La falla en esa línea de pensamiento: que no tienen identidad hasta escuchar e imitar personas. El jazz es un lenguaje y que no vienen de la fábrica de hablar cualquier idioma en particular. Usted tiene que estar expuesto al idioma en muchos niveles diferentes para absorber y para empezar a hablarlo. Por rodearse de la gente que desea hablar así, se habla poco a poco más

como ellos. Después de un tiempo, a perfeccionar la forma en que quiere hablar en base a su gusto individual.

¿Dónde debo transcribir? ¿Dónde debo transcribir? Puedo practicar y aprender de una grabación en cualquier lugar, ¿verdad? De hecho, se puede practicar y transcribir cualquier parte, pero creando el espacio ideal la práctica es mejor. Crear un ambiente enfocado donde se puede estudiar y disfrutar de donde se siente natural para aprender y explorar. Alejarse de todo y de todos. Aislarse y sumergirse en lo que estás estudiando.

Dentro de su entorno es genial tener un ordenador con altavoces externos, un programa de transcripción, y una idea clara de lo que quiere practicar por lo que no terminan perdiendo su valioso tiempo.

¿A quién debo transcribir? ¿A quién debo transcribir? ¿Debo comenzar con el pájaro? ¿Puedo transcribir jugadores modernos? Usted no tiene que transcribir las personas que usted piensa que usted debe transcribir. Todo el mundo está siempre diciendo: "Usted tiene que transcribir este tipo, y luego este tipo y, a continuación, pasar a este tipo ..." Transcribir la gente que quiere parecer, las personas que escuchas todo el tiempo. Odio Coltrane y nunca escuchar a él? Entonces no le transcribir. Usted no necesita ser influenciado por todos. No hay ninguna razón que usted debe estudiar de juego de alguien si no quiero sonar como ellos. Eso es una gran parte de la elaboración de su voz única; estudias las personas que se mueven y, por tanto, que se acerca a convertirse en las cosas que gustan y más lejos de las cosas que no te gustan.

Sin embargo, ser consciente de la otra cara de la moneda. Es posible que no has aprendido a como un jugador en particular todavía, por lo que se están perdiendo de una tonelada se podía aprender de ellos. Pero, sólo mantener la escucha. Tal vez los cambios de oído y de repente te gusta Trane mientras que antes no le dieron un día. Entonces tiene sentido para él transcribir. Ahora sí tiene sentido comenzar por transcribir las leyendas de esta música, las personas que crearon esta música. Hay una gran cantidad de grandes en su instrumento que realmente definió su voz. Usted probablemente ya sabe quiénes son estas personas y escuchar todos los días. Estas son las personas, se debe transcribir. Una gran parte del tiempo, los estudiantes quieren entrar y transcribir los jugadores modernos de inmediato. ¿Por qué debe mantenerse alejado de esto? Bueno, es difícil convencer a alguien que no lo hiciera hasta años después de que lo hacen. Desde mi propia experiencia, he copiado algunos jugadores modernos antes de que yo empecé a aprender de gente como Coltrane, Sonny Rollins, Bill Evans, y Freddie Hubbard. Yo estaba más preocupado por lo que Kenny Garrett, Michael Brecker, y Joshua Redman estaban haciendo. Y, fue abiertamente claro en mi juego. Cuando me di cuenta de que mi objetivo final no iba a ser una aproximación barata de algún jugador moderno, decidí comenzar a estudiar las personas que estudiaron. Pronto me di cuenta que muchos de sus ideas vinieron de y cómo se eligieron para desarrollar conceptos para que sean los suyos. También me di cuenta que para crear mi propia voz, que tendría que seguir un proceso similar y desarrollar ideas de la manera que quería. ¿No puedes transcribir jugadores modernos? Por supuesto que puede. A menudo, hay mucho que aprender de una sola línea de muchos jugadores modernos. Sólo ten en cuenta que es fácil quedar atrapado en una trampa y ser el número un millón, y una persona a ser una versión escaneada, de una pieza fotocopiado de papel, de una copia de un leve parecido a Michael Brecker.

¿Cuándo debo transcribir?

¿Cuándo debo transcribir? Estoy tan ocupada practicando otras cosas, cuando voy a encontrar el tiempo? Ahora. Mañana no. No cuando tienes tiempo. Ahora. En serio, deja de leer y vaya hacerlo ahora. Dejar de poner excusas, que tiene tantas otras cosas a la práctica, o no sabes por dónde empezar. Ya sabes por dónde empezar y usted sabe que transcribiendo estás trabajando en el entrenamiento del oído, la técnica, los conceptos de improvisación, el lenguaje del jazz, el tiempo, el fraseo, el sonido, la entonación, sólo para nombrar unos pocos ...

¿Cómo debo transcribir? ¿Cómo debo transcribir? ¿Hay un proceso específico que debo usar? Sí, si usted ha estado leyendo Jazzadvice por un tiempo, usted sabe que escribimos sobre cómo empezar con la transcripción de todo el lugar, por lo que va a empezar! Como podrá leer en todo el sitio, que está bien para reducir la velocidad y secciones de bucle en un programa como Transcribe. No es necesario ser machista. Pero además del proceso real, ¿cómo quieres transcribir? Usted quiere transcribir con pasión, con profundo interés, con intensidad, y con un sentido de la curiosidad loca.

Todo lo que siempre quiso saber sobre la transcripción Transcribir nada de tus jugadores favoritos, los jugadores que escuchas todos los días, es el paso más grande sola hacia el aprendizaje de los fundamentos de la improvisación del jazz. ¿Es el fin de todo ser todo? No. Usted necesita tomar todo lo que transcribir allá donde la encuentres y aplicar el lenguaje de jazz que transcribir y desarrollar en su propia manera única. Explorar. Estar inspirado. Úselo como punto de partida. Usted no sólo está aprendiendo la forma en que sus héroes jugaron, estás desarrollando en lo que hacían. Deja de imaginar que la transcripción es un proceso complejo esotérico. No es. Es tan fácil y simple como puede ser. Encuentra algo que te gusta que te gustaría sonaba como, empezar a copiar, y luego tomar lo que se aprende al siguiente nivel mediante la comprensión de la lógica subyacente detrás de él. Tratar transcribir como un proceso de exploración, una aventura hacia lo desconocido, como si estuvieras desentrañar los misterios del universo, porque en cierto sentido, es usted.

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Quedarse atascado en ii V Tierra Publicado Por Forrest En 05 de marzo 2012 @ 11 a.m. En Acordes, Jazz Idioma, rutinas de práctica | No Comments

Sólo tienes que aprender unos lame V II en todas las teclas, aprender cómo usarlos, y eso es el jazz, ¿verdad? Lamentablemente no. ii Vs conforman el grueso de progresiones de acordes que se encuentran en toda la música occidental desde la clásica a la música pop, por lo tanto, ii Vs son necesarios para dominar. Sin embargo, un resultado común de trabajar en ii Vs mucho es algo que suena como una combinación de noodling alrededor y enchufar ii V lame. No queremos sonar como fueron noodling alrededor, y nos gustaría mucho prefieren sonar espontánea e interesante que aburrida y predecible. Cuando finalmente decidimos comenzar dedicar tiempo a estudiar ii Vs, nuestros oídos se abren un montón y nos emocionan, como si hemos encontrado la clave para desbloquear todo. Estudiar ii Vs hace desbloquear una tonelada de misterio y será de gran ayuda a mejorar como improvisador, pero sabemos que que este estudio es sólo una parte de la imagen.

Quedarse atascado en la tierra V ii Tenemos toda la práctica ii vs. Practicamos líneas sobre ellos, practicamos improvisar libremente sobre ellos, y tratamos de encontrar la manera de utilizar cualquier concepto que

estamos trabajando sobre ellos, pero ¿con qué fin? En algún lugar de este lío de trabajar en ii Vs, perdemos la noción del verdadero objetivo: a sonar la música. Eso es correcto. Para decir realmente algo con lo que estamos jugando. Pero cuando todo lo que tienes es un martillo, todo parece un clavo. Lo que sucede cuando nos cautivados con ii Vs es que todo lo demás cae en el camino. El resultado: tenemos que esperar hasta ii Vs ocurren en una canción para jugar nuestras líneas y conceptos. Así que, básicamente, nos pasamos mucho de nuestro meandros en solitario, y luego, cuando a ii V llega, jugamos sobre él de una manera bastante cuadrado y previsible, con las cosas que hemos practicado. ii Vs son sólo una parte del todo. Sí, son una parte muy importante del conjunto, pero hay que equilibrar su estudio V ii trabajando en otras partes del todo.

Concéntrese en lengua V no ii Uno de los principales escollos en juego de mucha gente es que dedican poco tiempo al estudio de la lengua que no es una V. ii Lo creas o no, el acorde mayor frecuencia se pasa por alto es el acorde mayor. Por alguna razón, tal vez porque los percibimos tan fácil, creemos que podemos conseguir lejos con saber la cantidad mínimo de conocimientos para desempeñar con éxito más acordes mayores. ¿Cuál es el monto mínimo de conocimiento? El importe mínimo de conocimientos es saber los tonos de acordes y la escala de cualquier acorde dado. Sí, eso es lo menos que debes saber. Muchos libros, maestros y amigos le dicen que esto es lo que necesita saber, pero en realidad es el mínimo absoluto. Como decimos todo el tiempo, lo que realmente necesita es un firme entendimiento de un acorde a través del estudio de la lengua. Y este lenguaje es en realidad más fácilmente adquirida por ii V situaciones porque todos estamos familiarizados con la idea de una línea V ii, por lo que el aprendizaje de las líneas de esta situación armónica es una segunda naturaleza, sin embargo, los acordes como "importante" necesitan la misma atención . Un acorde y la escala no es suficiente. Es apenas suficiente para jugar. Recuerdo un día que tiene problemas por una melodía y Rich Perry me detuvo y dijo: "Suena muy bien en los puntos V II, pero en todas partes no es tan bueno." Me he quedado atrapado en ii V de la tierra y se notaba. No parece natural, el ii Vs son las secciones más difíciles en comparación con el acorde mayor o puntos de acordes menores, pero es esta misma percepción, que son fáciles, que nos lleva a pasar por encima de ellos ... Entonces Rich me preguntó, "un acorde mayor. Lo que tienes. "Yo no sabía cómo responder. ¿Debo arrpegiate la cuerda o jugar la escala? Debería tratar de improvisar sobre ella? Yo no

tenía ni idea. Me puso en un ii V, y yo podría darle un montón de líneas, pero aquí estaba completamente perplejo durante un sencillo acorde mayor. Stumped sobre las cosas fáciles. Atascado en tierra V ii. Es necesario el lenguaje de cada acorde y que debe ser tan accesible como su Vs. ii Si no lo es, cualquier ii V juegas más se quede fuera porque vas a fluir muy bien sobre ellos y luego vuelves a meandros sin rumbo cuando no estás jugando por encima de ellos. Esta es la prueba de hacer en ti mismo con todos los demás situaciones armónicas que desea jugar más: "acordes Mayores. Lo que tienes. "Si usted no tiene varias piezas de un lenguaje que se puede utilizar como un trampolín melódica para su creatividad, es el momento de transcribir algunos y hacerlas suyas. Piense a través de esta prueba con uno mismo con su instrumento en sus manos y ver lo que tiene a su alcance. Usted puede estar sorprendido de que las cosas "fácil" no es tan fácil.

Alargar los valores de las notas Otro problema con la forma en que normalmente practicamos ii Vs es todas las corcheas. Nos llenamos cada onza de espacio con el funcionamiento de corcheas en nuestra práctica y lo que sale en el rendimiento? Corcheas. Ahora, nada en contra de corcheas. Son esenciales y de primera importancia, al igual que ii Vs, pero al igual que usted debe equilibrar su idioma V ii con la práctica y la interiorización del lenguaje de igual valor para otras situaciones armónicas, que deben aprender a enfoque ii Vs de otras maneras que un flujo constante de corcheas. ¿Por qué muchas de nuestras líneas V ii consisten en sólo ocho notas? Cuando practicamos la lengua, que está fuera de contexto de un solitario completo y que tienden a centrarse en las líneas que están llenos de movimiento, por lo tanto, una gran cantidad de corcheas. El problema: cuando las usamos en el contexto, que siempre juegan un montón de corcheas en un V. ii Esta es la segunda parte de estar atrapado en ii V de la tierra (la primera está serpenteando sobre acordes hasta llegar a ii Vs realmente jugar una línea de valor). La cura para esta nota octava dilema es simple en teoría, pero difícil en la práctica. El objetivo es ser capaz de pasar de jugar muchos corcheas sobre ii Vs, a jugar una línea con valores de las notas largas y ritmos variados. Ambas perspectivas son necesarias; es por eso que usted necesita para ser capaz de cambiar entre ellos. Al jugar con valores de las notas más largas, ritmos mezclados, y tal vez sobre el fraseo línea de la barra, que disimular el movimiento armónico del ii V en lugar de traer directamente al primer plano de la música como líneas de corcheas hacen. Esto es algo que se oye mucho en todos los mejores jugadores. Incluso los chicos como Coltrane que juegan un montón de corcheas todavía juegan ocasionalmente en esta nota manera menos octavo orientado sobre ii Vs cada pocos coros más o menos para mezclar y

añadir saldo a su solitario.

Cómo despegarse seguir trabajando en su Vs. ii Nunca pares. Pero no dejes que la línea V de ocho nota ii constante que consume. Enfoque parte de su tiempo en otros acordes y situaciones armónicas, asegurarse de que tiene el lenguaje y un firme entendimiento de las otras cosas que puede encontrar en sus viajes armónicas. Constantemente pregúntese qué conocimiento tiene que sacar de las situaciones V no II para asegurar los acordes "fáciles" mantenerse al día con sus conocimientos de ii vs. Entonces, aprender a acercarse ii Vs sin jugar un flujo constante de corcheas, disfrazando la armonía para proporcionar un contraste en su solitario. Al igual que juega sobre los acordes mayores, esto debería ser más fácil porque es menos complejo, pero de nuevo, las cosas que no hemos trabajado, no importa lo simple siguen siendo un misterio. ii Vs son muy importantes, pero también lo es todo lo demás. Si usted se encuentra vagando durante un solo excepto cuando se encuentra con un ii V, o si usted parece estar siempre acercarse a su ii Vs la misma manera, usted sabe que usted está consiguiendo atrapado en ii V tierra. Está bien estar allí; es casi imprescindible en algún momento de su desarrollo, porque ii Vs son tan importantes. Sólo sé que no importa lo grande que podemos encontrar en jugar sobre ii Vs, que hay muchas otras cosas que se centran en mantener todo en equilibrio. Utilice las técnicas presentadas en este artículo y usted puede estar seguro de que no sólo va a ser nunca más Noodling alrededor durante su solitario, pero que la forma de enfocar ii Vs encajará muy bien y musicalmente en el resto de su concepto musical.

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Reality Check: Motivar a ti mismo a una mejor Musicianship Publicado por Eric En 09 de febrero 2014 @ 18:54 En Consejos para Todos, Inspiración, Perspectiva, rutinas de práctica, Consejos | No Comments

Ha sido un par de semanas desde que el nuevo año en el que hemos publicado artículos sobre el establecimiento de metas y hacer resoluciones musicales. ¿Tienes resoluciones de este año? Si es así, ¿cómo se aguantando? Tal vez usted no realizó precisamente una resolución consciente, sin embargo, es probable que tenga algunas áreas de su juego que desea mejorar en el nuevo año. ¿Estás en camino de alcanzar estos objetivos o tiene su progreso y ambición lentamente llegado a un punto muerto? No te preocupes, si no se ha pegado con esas resoluciones eres definitivamente no está solo. De hecho usted es completamente normal. La mayoría de las resoluciones y metas comienzan con entusiasmo y determinación, a continuación, se marchitan poco a poco después de unas cuantas semanas. Es probable que usted está leyendo este artículo porque usted está realmente interesado en la mejora de su sistema de la habilidad musical, ya sea entrenamiento del oído, la improvisación,

teoría de la música, o la técnica instrumental. Eso está muy bien, queremos a mejorar estas habilidades y queremos que la información en este sitio para hacer una diferencia en su juego. Sin embargo, va a tomar mucho más que leer un artículo para que esto suceda. La realidad es que muchas personas van a leer estos artículos y luego ... lo has adivinado, no hacer nada. A menudo me hizo lo mismo con la información que he recibido de mis profesores de la lección, me estudiar mis notas, hacer algunos goles en mi mente, imagina cada vez mejor, y luego nunca ponerlo en práctica en mi rutina diaria. Con cualquier tipo de metas grandes o que alteran la vida parece haber un patrón similar en la forma en que las resoluciones se abordan: ¿Quieres mejorar o notar un problema con el juego y decide hacer un cambio Usted toma el primer paso para investigar y encontrar información sobre cómo mejorar esta habilidad Usted lee estos artículos y estudiar la información que rodea a estas técnicas Usted se emociona con la mejora de sí mismos y empezar a hacer goles A elaborar un plan de la práctica y la imagina el cambio y el éxito Y cuando llegue el momento de hacer realidad el trabajo te encuentras golpear una pared, desanimarse, e incluso renunciar a Este ciclo continúa una y otra vez, cada año. No es diferente con la música como lo es con el ejercicio o el aprendizaje de un nuevo idioma. Es mucho más fácil y divertido para planificar sus metas y escribir su horario de práctica de lo que es hacer el trabajo real. Es una realidad que muchas veces me he dado cuenta de mis propios intentos en el pasado para mejorar. Metas y resoluciones se hacen cada año y lucen muy bien en el papel, sin embargo, la triste realidad es que pocos son a menudo completado. Si realmente quieres mejorar, tienes que tomar esta información y aplicarla al mundo real de una manera seria. Usted tiene que encontrar una manera de detener este ciclo de la mediocridad.

Creación de motivación Por ahora es probablemente seguro asumir que usted ha encontrado la música una actividad significativa, agradable y estimulante y que usted ha hecho algunas metas para convertirse en un mejor músico. Ahora, ¿qué va a empujar para lograr estos objetivos? Mirando hacia atrás en mi propia experiencia, he encontrado que hay dos fuentes principales de motivación que impulsará a alcanzar sus metas: la inspiración y el dolor.

I) La inspiración La inspiración se define como "el proceso de ser mentalmente estimulados a hacer o sentir algo, sobre todo para hacer algo creativo." La inspiración es la fuerza que primero impulsó en su viaje musical. Es su propio musical 'Big

Bang'. Así que pensar de nuevo, lo que atrajo a la música en el primer lugar? Qué fue lo que te inspiró a escuchar jazz (o cualquier tipo de música para el caso)? ¿Por qué se siente obligado a improvisar un solitario? ¿Qué había en el sonido procedente de sus discos favoritos o ejecutantes que estimularon su mente y estimularon en el espíritu creativo dentro de ti? Puede no ser capaz de poner esos sentimientos en palabras, pero cada músico tiene una razón para jugar enterrado en algún lugar dentro de sí mismos. Estas fuentes intangibles de inspiración despiertan el artista dentro de nosotros y nos empujan a mejorar cada día. Estar conectado con esta fuente es crucial para permanecer motivado como individuo creativo. Usted quiere sentirse como el niño que acaba de recoger a cabo su primer instrumento o el aficionado a la música que acaba de descubrir el registro que va a cambiar su vida. Lleno de entusiasmo y energía y el esfuerzo de mejorar y encontrar respuestas - no es un trabajo o una tarea, sino una pasión. Inspiración musical viene de oír grandes actuaciones en directo, el cumplimiento de sus héroes musicales, abriendo nuevos caminos en la sala de ensayo, sintiendo la emoción de actuar delante de un público, la creación de música con otros músicos, y que tiene una lección profunda con un gran maestro. "La música siempre ha sido una cuestión de Energía para mí, una cuestión de combustible. Personas sentimentales llaman inspiración, pero lo que realmente quieren decir es combustible. Siempre he necesitado de combustible ... "~ Hunter S. Thompson Para cualquier músico, improvisadores especialmente creativos, Nueva York es una fuente vital de inspiración. En esta ciudad he conocido a mis héroes musicales, vi lo que era posible técnicamente en mi instrumento, y lo que era posible musicalmente como improvisador. La música en vivo que te rodea te inspira y da energía a conseguir serio sobre la música y trabajar más duro para sus metas musicales en la sala de ensayo. Todos los demás jugadores se incesantemente empujando usted, tanto directa como indirectamente, a mejorar. Manténgase en él, o se quedan atrás! Me he sentado pulgadas de distancia de Clark Terry como él me enseñó la melodía de una canción, hablé con Tom Harrell en componer detrás del Village Vanguard después de uno de sus sets, y he jugado con Mulgrew Miller como él dirigió conjuntos más estándar melodías. Estos fueron todos los eventos que elevaron mi compromiso con la música y me motivó a trabajar aún más duro. Estas experiencias me vuelven a conectar con mi pasión original para la música y me dio la inspiración para expandir mis límites en la sala de ensayo.

Encuentra las cosas que te inspiran musicalmente y asegúrese de conectar con ellos lo más que pueda. En la rutina diaria del trabajo y la práctica, es fácil olvidar lo que nos inspira en la música. La práctica puede convertirse previsible y rutinaria, una tarea diaria que te obligas a soportar. En su lugar tratar de conectar con la emoción del descubrimiento y la creatividad que te llevó a la música en el primer lugar.

II) Dolor La segunda fuente de motivación es el dolor. Ahora no preocuparse, no estamos hablando de dolor físico aquí. Lo que estamos hablando es el dolor del fracaso musical. "El dolor es la ruptura de la cáscara que encierra su comprensión ..." ~ Kahlil Gibran

El olvido de una melodía o perderse en el formulario en una jam session, decepcionando a su profesor, siendo regañado por un mentor, echar a perder en una clase magistral, ahogándose en una audición, o ser el peor jugador en un conjunto. Todas estas son experiencias dolorosas que a veces encontramos como músicos. Todos nos sentimos mal cuando no somos capaces, sin embargo, la diferencia entre los que mejoran y los que luchan constantemente es el grado en que estas fallas que afectan. Para

mejorar lo necesario para sentirse mal tiempo suficiente para hacer un cambio en su rutina diaria. Este es el dolor que nos hace mejorar. Necesitas un evento que detener el ciclo de la pereza y la improductividad. Usted necesita sentirse bastante malo que esta experiencia va a ser una llamada de atención. Tiene que detenerte en tus canciones y te golpee fuera de su rutina diaria. De lo contrario se va a repetir este error una y otra vez. Usted ve el fracaso no sucede en la sesión de mermelada o la audición, sucede antes de ese momento - el tiempo pasado en la sala de ensayo que conduce hasta ese desliz. Esto es lo que tiene que cambiar, su día a día acercamiento a la música y su coche para llegar mejor. Si usted no tiene realmente amas lo que haces, estos percances musicales pueden ignoraron, otro pequeño punto en el radar. Sin embargo, si la música es su pasión, este fracaso y el dolor de no tener éxito será una bofetada en la cara y le dará una fuerte fuente de motivación para hacer un cambio. Recordando el aguijón de esa audición fallida o la vergüenza de desmoronarse en una jam session que puede impulsar aún más de lo que piensas.

Sal ahí fuera! Para cada una de estas fuentes de motivación el aspecto social de la música es fundamental usted necesita otros músicos para hacer mejor. Sólo se puede hacer tanto en la sala de la práctica por sí mismo, pero que la presión extra de una comunidad musical te empujará a ser aún mejor. Por un lado está empujado por sus profesores, con problemas para mantenerse al día con sus compañeros, y alimentada por una buena dosis de competencia. En el otro lado de la picadura de la insuficiencia o la vergüenza de caer detrás de sus compañeros empujarán que te mejores y trabajar aún más duro. Sin esta intensa motivación, tanto positivas como negativas, nos quedamos cómodo y seguro dentro de nuestros hábitos. Realizan otros músicos, no hay fuerza que empuja a pasar un poco más tiempo en la sala de ensayo, para llegar un poco más lejos, y para cavar más profundo para alcanzar sus metas.

¿Cómo superar el momento de resistencia Una vez que haya localizado su fuente de motivación, no haya terminado todavía. En cualquier meta que te propongas lograr o habilidad que usted precisa para aprender, usted va a encontrar un punto de resistencia, tarde o temprano. No importa cuál sea tu meta, inevitablemente habrá un momento que pondrá a prueba su determinación. Usted sin duda ha encontrado con esto en su trabajo para mejorar como músico. El autor Robert Greene escribe de este fenómeno en su libro El dominio: "Lo que separa Masters de otros es a menudo algo sorprendentemente simple.

Cuando aprendemos una habilidad, con frecuencia a un punto de frustración - lo que estamos aprendiendo parece más allá de nuestras capacidades. Ceder a estos sentimientos, inconscientemente abandonamos a nosotros mismos antes de que realmente damos por vencidos ". Para muchos músicos esta sensación ocurre cuando intentan una nueva habilidad o proyecto en la sala de ensayo: Intento de memorizar una lista de canciones Transcribir un solo Escribir una composición original El aprendizaje de una línea en todas las 12 teclas Trabajar en la técnica (tiempo, articulación, y el rango) A partir de aprender una pieza en solitario Usted se convierte en frustración, abrumado, y se dé por vencido con demasiada facilidad. Se llega al límite de su conjunto de habilidades y golpear un muro de ladrillo macizo. Me he sentido en mi propia práctica como trabajé en la transcripción de un solo o intenté aprender una lista de melodías de oído. El exceso de información, no es suficiente la técnica, y no el tiempo suficiente. En pocas palabras, que sólo se pone demasiado duro. Aquí es donde usted tiene que recordar su motivación. Inspiración y recordar lo que se sentía como esas veces que falló, es por eso que usted está en la sala de la práctica de hoy. Empujar a través de él y recuerde que usted está en una misión musical. Una vez que se presiona a través de este momento de resistencia, descubrirá algo sobre ti. Usted puede transcribir solos y se puede aprender melodías de oído, sólo tienes que seguir con ella un poco más. A veces hay que tener paciencia y fuerza de voluntad para romper y otras veces sólo se necesita un poco de tiempo en la sala de la práctica de cepillado para arriba en sus fundamentos. Greene sigue: "La diferencia [con Masters] no es simplemente una cuestión de determinación, pero más de la confianza y la fe. Muchos de los que tienen éxito en la vida hemos tenido la experiencia en su juventud de haber dominado una cierta habilidad - un deporte o juego, un instrumento musical, una lengua extranjera, y así sucesivamente. Enterrado en su mente es la sensación de superar sus frustraciones y entrar en el ciclo de los retornos acelerados. En momentos de duda en el presente, el recuerdo de la experiencia pasada sube a la superficie. Lleno de confianza en el proceso, que penosamente en mucho más allá del punto en el que los demás ralentizan o mentalmente a dejar ". El primer solo transcrito, la primera melodía que aprende de oído, y la primera vez que usted se resuelve una nueva clave va a ser el más duro. Tenga esto en cuenta y seguir adelante.

Una vez que usted tenga éxito tendrás la confianza para hacerlo una y otra vez y otra vez. Conectar continuamente con esa fuente de inspiración o la falta de empujar más allá de estos puntos de resistencia. Usted está practicando estos ejercicios, melodías y solos por una razón. Por último, asegúrese de que usted también consigue en el derecho de pensar antes de practicar. A menudo escucho una gran grabación de entrar en un espacio de cabeza musical y para emocionarse la música. Trato de recordar por qué estoy jugando y me esfuerzo para comenzar motivado e inspirado cada vez que me meto en la sala de ensayo para que pueda hacer frente a estas zonas difíciles con determinación.

Manténgase inspirado y te quedarás motivado Esta música tiene que ver con la inspiración. La fuerza intangible que sigue dibujando y empujando a mejorar. La chispa creativa, esa "cosa" que te hace seguir tratando de mejorar. "La cosa en el jazz que le conseguirá Bix Beiderbecke de su cama a las dos de la mañana, recoger que la corneta y la práctica en la almohada hasta dentro de dos o tres horas, o que haría viajar Louis Armstrong en todo el mundo para cincuenta años más sin parar, simplemente levantarse de su lecho de enfermo, arrastrarse para arriba en el quiosco de música y jugar, lo que haría que Duke Ellington, lo que haría que Thelonious Monk, Miles Davis, Charlie Parker, Mary Lou Williams, cosa que haría que todas estas personas dan su vida para esto, y que dio su vida ... Y cuando se obtiene un sabor de eso, no es sólo otra cosa que vas a probar eso es tan dulce. " ~ Wynton Marsalis

En su viaje, la inspiración te mantendrá motivado y el dolor te mantendrá honesto, y la experiencia, por último, le dará la confianza para seguir adelante cuando las cosas se ponen difíciles. Siempre que recoge su instrumento, practicar un etude, o caminar en el escenario debe recordar la razón por la que estás jugando esta música. Al final se puede quitar la música, usted puede quitar la banda, e incluso se puede llevar su instrumento, pero que la fuerza inspiradora intangible que te atrae a la música siempre va a estar ahí dentro de ti. Así que hágase un favor, asegúrese de que lo escuchas.

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Nunca olvide una vez más Tune Publicado Por Forrest En 14 de febrero 2011 @ 10:08 am En Tunes | No Comments

Alguna vez pasar mucho tiempo aprendiendo una canción, sólo para darse cuenta que ha olvidado por completo un par de semanas más tarde? Cuando no está logrando los resultados deseados en casi cualquier cosa, revisar sus métodos. ¿Cuál es tu proceso? ¿Cuál es su enfoque? Tras detallar sus métodos actuales, puede modificar fácilmente para realinear a sí mismo con sus metas. Si su actual método de aprendizaje de una canción es: encontrar la Aebersold para acompañar pista, dar la vuelta en, leer la música escrita y seguir así durante horas, días e incluso años esperando lo mejor, simplemente detenerse ahora. Si bien existen innumerables maneras de utilizar la reproducción a coro con eficacia, este no es uno de ellos. No voy a detenerme en este punto porque yo digo que en casi todos los artículos: aprender la melodía de las grabaciones. Sé que es difícil. Sé que toma tiempo. Sé que a veces no se oye el acorde que es o lo que está jugando el bajista. Para cualquier tono dado, existen docenas de grabaciones. En cualquier pista dada, decenas de cursos pasar. Hay un montón de oportunidades para averiguar lo que está pasando armónicamente, rítmica y melódicamente en prácticamente cualquier melodía. Este artículo podría terminar aquí. Podría terminar aquí porque si usted pasó un tiempo significativo para aprender una melodía fuera del registro de esta manera, usted tendría la

capacidad de recordar fácilmente esa melodía. Claro, usted puede tener que pensar en ello durante un minuto, o despejar su mente y escuchar en su mente, pero dentro de un minuto que se llega de nuevo a usted si usted aprendió de una manera profunda de una grabación.

Ser cuidadoso con las melodías ¿Qué quiero decir con profunda? Me refiero a fondo, como cuando Maude en El gran Lebowski dice el tío, "ir a verlo Jeffery. Es un buen hombre. Y a fondo. "Jeffery va a ver al médico tan Maude sugiere y es a fondo, igual que tú vas a ser la próxima vez que vaya a aprender una melodía. Tome su tiempo. La mayoría de las grabaciones que le gustan son los músicos que han estado jugando ese mismo tono durante varios, si no más, años. Una vez más ... Toma ... su ... tiempo. ¿Cual es la prisa? 99% de las normas contienen los mismos elementos básicos. Dominar uno y el próximo será exponencialmente más fácil. Tome cuatro segmentos de la barra y de bucle en Transcribe. No hay ninguna razón para jugar toda la melodía una y otra vez cuando cada parte de cuatro barras proporciona suficiente desafío. Aprenda la melodía en estos cuatro bares. Aprenda los acordes. Aplicar las ideas que ha transcrito a partir de otros solos más de estas cuatro barras. Loop hasta que ha arraigado en ti. Hasta escuchar los acordes operan en su mente cuando no se está reproduciendo la música. Oír todo. Es sólo cuatro bares. Puedes hacerlo. Tal vez pasar veinte minutos, una hora, un día entero o varios días en las cuatro barras. Lo que nunca se necesita para entrar en ellos. Usted no tiene que trabajar más duro ... sólo hay que trabajar más inteligentemente. En lugar de tratar de hacer frente a toda la melodía, que se centran sólo en estas cuatro medidas. En realidad es menos trabajo. Veinte minutos en cuatro bares. Nada difícil al respecto. Entonces, ser honesto con usted mismo. ¿Cómo se siente usted suena en esas cuatro medidas? Si no está satisfecho, mantener a la misma. No es magia. Si no te gusta el producto en esos cuatro bares durante la práctica, no vas a amar de repente lo que toque durante la ejecución, al menos no de manera consistente, que es lo que todos estamos después. Consistentemente sonando cómo queremos sonar. Una vez que usted se siente seguro, acercarse a los próximos cuatro barras de la misma manera que lo hicieron los cuatro primeros. Continuando de esta manera durante el resto de la melodía es ser cuidadoso. Esto en cuanto a no detenerse en el punto de aprender melodías de las grabaciones. Y sólo porque el artículo podría terminar después de este punto, hay un montón de otros consejos que ayuda a retener melodías.

Aclarar lo que hace una especial sintonía A los 19 años, asistí a Jamey Aebersold Jazz Camp en Louisville, Kentucky. Tuve una experiencia excepcional. Para cualquier persona que no ha asistido el campamento de

Aebersold, lo recomiendo encarecidamente. Además de pasar tiempo con algunos profesionales increíbles y jugando con algunos excelentes músicos, el campamento ofrece un ambiente positivo lleno de ánimo. Una vez allí, me colocaron en un combo excelente liderado por el pianista excepcional, Dan Haerle. Muchos entrenadores combo son pasivos. Instrucción combo de Dan era cualquier cosa menos pasiva. Comentó y ayudó a cada estudiante, articulando de manera amistosa exactamente lo que sentía que necesitaban. Él trabajó con cada uno de nosotros hasta que todos notamos una mejora evidente en los demás juegan. También jugó con frecuencia y compartió muchos de sus propios métodos para acercarse a la improvisación. Una cosa que dijo sobre melodías que nunca olvidaré el aprendizaje. Dijo que las melodías del repertorio de jazz estándar consisten principalmente las mismas cosas, sin embargo, cada canción tiene algo único al respecto. Al aprender una melodía, dijo, pregúntate a ti mismo lo que hace que esa melodía particular, único o especial? Aclarar lo que hace que una melodía única ayuda en la capacidad de retenerlo. Por ejemplo, pensando en la melodía "Todas las cosas que está", lo que hace que esta melodía especial? No hay una respuesta correcta. Yo diría que un aspecto de esta canción que la hace única se produce en el sexto bar. La armonía que avanza en el movimiento ciclo estándar hasta ese momento, cuando de repente se mueve un tritono a un V7 de III, y se resuelve a III importante la barra siguiente (A veces, la armonía en ese sexto bar es una medida ii V. Mi punto de no los acordes precisos, sino simplemente que esta medida hace que esta progresión único). Esta medida y el repentino giro de los III principales conjuntos de acordes esta melodía, aparte de otras canciones. Conocer estas peculiaridades en cada melodía que aprende los hará más fácil de conceptualizar, haciéndolos más fáciles de mantener a largo plazo.

Escuchar canciones en todas las claves Aprender canciones en todas las teclas va de la mano con el aprendizaje de canciones de manera exhaustiva. Secciones de canciones en todas las teclas, seguido de canciones enteras en todas las claves de aprendizaje, se arraigar una melodía en su mente y el oído, en gran medida, por lo que es muy fácil de recordar que en una fecha posterior. Una vez que estés competente durante los cuatro primeros compases de una melodía como se indicó anteriormente, sólo tiene que añadir un paso final antes de pasar a los cuatro siguientes: tomar las cuatro barras de hasta medio paso y trabajar en ellos en esa clave, seguida de la otra diez. Sin embargo, no hay razón para apresurarse a melodías de aprendizaje en todas las claves. Prefiero aprender toda una canción en una clave primero. Cada vez que usted decide hacer frente a otras teclas, sé que es no es diferente de lo que hiciste para aprender una de las

claves. Tomar una pequeña parte de la melodía y trabajar en él. Para facilitar en temas de aprendizaje en todas las teclas, intente aprender un blues en todas las teclas de primera.

La evolución de trabajar en una canción Tienes toda su vida a trabajar en una melodía. No es como se aprende una melodía en un par de semanas, y eso es todo. Estas canciones son entidades dinámicas, cambiando constantemente vehículos para su propia creatividad. Te pasas un poco de tiempo a aprender una canción de su disco favorito, practica con ella, estudiarla, sumergirse en ella, y luego se deja durante un tiempo. Luego regresa a la misma y probar cosas nuevas que ha aprendido con él. Nuevo lenguaje, nuevos conceptos, nuevos arreglos. La melodía evoluciona a medida que evolucionan. Escuchar a Marion McPartland en Piano Jazz, el otro día, ella mencionó a su invitado que le gustaría jugar "Stella By Starlight" con él, y su invitado comentó que él había oído jugarlo año anterior. Ella casualmente respondió, diciendo que su versión actual sería muy diferente de lo que había oído hace unos años. El caso en cuestión de cómo una melodía crece con usted durante un período de años.

Desarrollar una conexión emocional con una melodía Así que muchas personas se embarcan en un tono como si fuera una tarea, la tarea, o un ejercicio ... y suena de esa manera cuando lo juegan. Las normas no son aburridos, mudo, o fuera de fecha. Si usted piensa que una canción como "Todas las cosas que está" tiene cualquiera de estos rasgos, estás muy equivocado. Si usted tiene esta actitud, tal vez cuando oyes "Todas las cosas que está" en su mente, que estás escuchando una para acompañar aguada pista plop de la armonía, en lugar de algo como Paul Desmond y Gerry Mulligan jugando perfección. Encuentra hermosas versiones de canciones que estás trabajando. Versiones que usted encuentra hermosa. No es algo que alguien dice que usted debe recibir, sino algo que resuena con usted. Un espectáculo que te hace superar con sentimiento. Como dijo Bill Evans, "Jazz está sintiendo." Cuando se descubre este sentimiento en una actuación de una norma que está aprendiendo, no se puede dejar de dejarlo entrar en tu alma. Hacia una verdadera conexión emocional con una melodía le ayudará a su mente y oídos recordar la melodía porque su mente y oídos en realidad quieren dejarlo y recordarlo. En la película Hitch, Will Smith dice: "Comience cada día, como si fuera a propósito." Del mismo modo, aprender cada tema como si usted quiere, y que estará allí cuando lo necesite.

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¿Por qué usted todavía CHUPAN Acordes En La disminución media Publicado Por Forrest En 17 de enero 2012 @ 22:57 En Acordes | No Comments

Acordes disminuidos medio son difíciles, pero no tiene que ser. En Cómo no Suck A Acordes disminuidos-Media, presenté una forma sencilla de empezar a mejorar en estos acordes menudo olvidadas y si usted practica el ejercicio en dicho artículo, te sin duda he progresado. Pero incluso con un poco de esfuerzo concentrado en esos ejercicios, acordes medio-diminutos están probablemente todavía le da un tiempo difícil. ¿Por qué este acorde particular, nos causan tantos problemas y qué podemos hacer al respecto?

Información incompleta La única razón por acordes disminuidos medio-son difíciles es porque se nos da información incompleta acerca de cómo acercarse a ellos. Teoría de Jazz nos enseña a jugar el modo locrio. Así que, ¿qué hacemos con esta información? Hacemos un atajo para que podamos recordar en tiempo real cómo jugar sobre un acorde medio-diminuto. La línea de pensamiento es algo como esto: Oh, B media disminuida es sólo el modo locrio (modo séptima) de Do mayor. Gran ... eso significa que cada vez que veo un acorde medio disminuido voy a ir simplemente un medio paso y jugar la escala mayor. Si eso suena como usted, es por eso que usted aspira a acordes medio-disminuido. Como Cómo no Suck At-disminuida mitad Acordes notas, el modo Locrian es un punto de partida.

Eso es. Y eso se dice, en realidad es un punto de partida bastante confuso. Tomemos por ejemplo el acorde medio-disminuida en esta iii Vi ii V:

¿Qué hace la media disminuyó acorde B tiene que ver con Do mayor? La respuesta es: ¡Nada! Eso es correcto. No tiene nada que ver con Do mayor en esta progresión, así que ¿por qué habría que pensar en él como parte de algo completamente ajenos? Pensando en el medio-disminuida acorde B como el modo locrio de Do mayor le hará perder tiempo y confundir una y otra vez. El truco modo locrio es sólo una partida puesto saber qué notas están contenidas dentro de la cuerda. El problema, como todos estamos al corriente de, es que este pequeño truco resulta ser la forma en que nos acercamos a la mitad disminuyó acordes una y otra vez. Es hora de ir más allá de esta línea de pensamiento y desarrollar una imagen clara de los acordes mediodiminutos en su mente.

La creación de un modelo de media-disminuida en su mente Para crear un modelo claro de un acorde medio-disminuida en su mente, usted tiene que llegar al punto en que se convierte en su propia entidad en su mente. Al igual que tú crees "Ok, es un acorde de Do mayor," que necesita para llegar al punto donde se piensa a sí mismo, "Ok, es un acorde medio-diminuto G," no ... "G-media disminuido ... subir una medio paso y jugar Ab importante ". Para llegar a este punto, comenzar con el siguiente ejercicio acorde de tono y en cada acorde de tonos decir mentalmente a sí mismo el número de acordes de tonos que estés jugando como yo jugar que:

Así lo dicen mentalmente a sí mismo: "1357531, 3575313, 5753135, 7531357" El propósito de este ejercicio es comenzar a pensar en un acorde medio-disminuida como su propia entidad y para poder acceder rápidamente a los acordes tonos que se relacionan con el acorde que estás jugando otra vez, no algún otro acorde relacionada. Después de hacer esto en un medio reducido, tome este ejercicio lentamente a través de cada

llave asegurándose recitar mentalmente cada número de acordes de tonos para ti mismo.

Poniendo medio-disminuido en contexto Ahora, que el ejercicio de acorde tono no es algo que te va el juego en su solitario. Por supuesto que eres más que bienvenido a, pero supongo que no es realmente lo que está buscando. Lo que usted está buscando está jugando acordes medio disminuyó en contexto. Hay tres escenarios comunes que encontrará acordes disminuidos medio-: Un menor de edad ii V Un iii Vi ii V Un vampiro de cuatro medidas más o menos En general, esas son las únicas veces que los acordes disminuidos medio-se presentan. Aquí se escriben: Menor ii Vs

iii Vi ii Vs

Vamp

Mira estos ejemplos y se da cuenta de que si estas son las únicas veces que te vas a

encontrar un medio disminuyó-, en realidad no puede ser tan difícil. Una vez que pasan a través del ejercicio de acorde tono presentado anteriormente y comenzar a formular una imagen mental clara de acordes medio-diminutos en todos los tonos, transcribir el lenguaje que se adapte a estos escenarios básicos. Hay muchas maneras que usted puede acercarse a este: media disminuyó un lenguaje que tiene una duración de dos golpes y se conecta a un acorde de dominante media disminuyó un lenguaje que tiene una duración de una medida completa La conexión de varios trozos de lenguaje media disminuyó a jugar sobre un vampiro Lo importante es aprender algo de uno de sus héroes y hacerle sus los propios. Una idea se enteró de esta manera sobre cada instancia y estarás años luz por delante de donde se encuentra ahora. No hay ninguna razón para mantener chupando acordes medio-diminutos. Comprenda usted ha estado jugando con base en información incompleta, grabar un modelo claro de cristal de cada acorde medio-diminuto (en todas las teclas) en su mente, y aprender el lenguaje de las varias ocasiones que te vas a encontrar ellos. En varias semanas o así te preguntarás por qué estos acordes eran siempre difícil para usted en el primer lugar.

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Restablecer el modo de pensar acerca de Jazz Improvisación Publicado por Eric En 26 de octubre 2011 @ 10:29 am En Inspiración, Consejos | No Comments

Lo más gracioso de aprender una nueva habilidad es que a menudo realizamos nuestras primeras experiencias por ahí con nosotros durante años. Usted puede tratar de dibujo o usted puede intentar aprender un nuevo idioma y sin darse cuenta, el resultado de este primer intento, bueno o malo, va a influir mucho en su forma de pensar el futuro. Todos cometemos estas notas mentales subconscientes sobre una habilidad cuando nos probamos, pero diferentes personas a lidiar con estos obstáculos de diferentes maneras. Algunos aceptan la perspectiva de un reto y se dispuso a dominar las cosas difíciles, mientras que otros aceptan el resultado como el destino y definir personalmente. Por ejemplo, si alguien tiene dificultad dibujo intentar, ellos llegan rápidamente a la conclusión: "No puedo dibujar!" En lugar de poner en el esfuerzo para disipar esta noción, hacen que este supuesto su realidad. Esta actitud derrotista es el culpable de que nos detiene de alcanzar todo nuestro potencial.

Pensando en el jazz Como músicos, hacemos las mismas conclusiones mentales subconscientes sobre la improvisación sobre una base diaria. Las habilidades musicales que inicialmente son difíciles definimos en nuestra mente como "duro" y los que son naturales y adquiridas rápida son, lo has adivinado: ". Fácil" De la misma manera, nos definimos de acuerdo con estas experiencias iniciales.

Por ejemplo, si la música lectura resulta ser difícil, etiquetamos a nosotros mismos como malos lectores. Si en un primer momento, el aprendizaje de melodías de oído es un reto, aceptamos que tenemos terribles oídos y evitar aprender cualquier cosa de esta manera. Si esta tarea es muy difícil, tenemos que ser deficientes en esta habilidad, ¿verdad? Hacemos esto para cualquier número de cosas cuando se trata de improvisar: jugar líneas de tiempo doble, jugando en el registro agudo, oyendo progresiones de acordes, transcribir solos, jugando en metros impares, aprendiendo canciones de los registros, de articulación, lectura a primera vista, la lista podría seguir y seguir. Al tratar cada una de estas habilidades, tenemos inconscientemente predefinido en nuestras mentes. Si no tenemos éxito en nuestro primer intento, es "difícil". Una vez que hemos definido una habilidad - eso es todo, está escrito en piedra. El aspecto peligroso de este tipo de pensamiento es que el patrón que nuestras acciones en torno a este marco mental. Si es difícil en nuestras mentes, nos espera una lucha cada vez que nos encontramos con él y si está etiquetado fácil en nuestras mentes, nos imaginamos a nosotros mismos tener éxito en ella. Nosotros, naturalmente gravitan hacia las cosas que son fáciles y nos dan resultados positivos y evitamos las cosas que tememos o que tienen un montón de problemas con. El aferrarse a los viejos modos de pensar y acercarse a su práctica de la misma manera puede limitar seriamente su maestría musical y llevar su progreso para el cese inmediato. Estamos en constante evolución como músicos, por lo que nuestra forma de pensar acerca de la práctica de la música no debe estar parado. La buena noticia es que no tenemos que aferrarnos a estas "definiciones" que hemos hecho para nosotros mismos. A pesar de que puede parecer que, no están escritas en piedra.

Reconociendo sus barreras mentales El mayor obstáculo para mejorar como improvisador son las restricciones mentales que ponemos inconscientemente sobre nosotros mismos. Usted no puede ver estas restricciones porque han dieron forma a la manera en que usted piensa acerca de la música - de hecho, el propio proceso mental se ha convertido en la barrera. Para cambiar este ciclo, debe mirarse a sí mismo. Piense en un área que le está dando problemas en su práctica y hágase las siguientes preguntas: ¿Cómo afronta esta área problemas en su práctica? ¿Qué pensamientos están pasando por su cabeza mientras lo practicas? ¿Cuál fue su primera experiencia como para tratar esta habilidad? ¿Es este divertido habilidad, o se siente como una tarea? ¿Tiene sentimientos negativos sobre el aprendizaje de esta habilidad y evitar que durante la práctica?

Las respuestas a estas preguntas le mostrará si ha creado sus propias barreras mentales en torno a una tarea difícil. Si has tenido una experiencia negativa la primera vez que ha intentado algo, puede estar afectando su acercamiento a este día. Una vez que haya identificado una barrera mental, es el momento de restablecer su forma de pensar.

Restablecer tu mente Romper a través de sus barreras mentales y restablecer su opinión acerca de la improvisación es mucho más simple de lo que piensa. Esas áreas problemáticas de la música no tienen que seguir celebrar de nuevo y saber cómo superarlos puede convertir su juego alrededor con gran rapidez. A continuación se presentan siete técnicas que permitirán restablecer tu mente y eliminar esas barreras mentales frustrantes: 1) Borrar el desorden mental, El primer paso para restablecer tu mente es limpiar cualquier desorden mental que está obstaculizando su proceso de pensamiento. Consciente de deshacerse de los pensamientos negativos o pensamientos inútiles medida que la práctica y llevar a cabo. Si no está directamente relacionado con la música o ayudar a su rendimiento, tírelo a la basura! 2) No te preocupes por el resultado cuando estás aprendiendo Uno de los mayores obstáculos para el aprendizaje está estresando sobre el resultado de un proceso mientras estás en el medio de hacerlo. Este tipo de barrera mental es todo común cuando nos estamos preparando para un gran rendimiento o una audición importante. Por ejemplo, si estás practicando entrenamiento del oído y preocuparse por perder una nota o cómo suena a la gente que escucha, su mente se va a distraer. O, si se golpea una nota equivocada mientras se reproduce un etude y pensar: "¿Qué pasa si me suena tan mal en mi audición? Lo que si juego como este en el concierto? "Esto sólo añade más ansiedad a una mezcla ya volátil. La razón por la que usted está practicando algo es que desea adquirir habilidades y mejorar su musicalidad. Usted no va a sonar muy bien de inmediato, por lo que se centran en la práctica, el aprendizaje y mejora poco a poco, no en los resultados o el fracaso negativos. Confía en tus habilidades y concentrarse en la música en sí. 3) Sea persistente La razón de que muchas de estas mentalidades negativas y limitantes persistió durante todos estos años es que le dio después de los primeros intentos y no lo empuja a través hasta que usted hizo algunos progresos. Usted acaba de aceptar que es era difícil y lo dejó allí. Si quieres ver la mejora, es necesario para seguir adelante incluso si un proyecto es extremadamente difícil.

La mayoría de las habilidades rara vez se dominan en el primer intento, por lo que no se dan por vencidos si sus primeros intentos no tienen éxito. Se puede tomar semanas o meses para que usted vea algún progreso cuando se está trabajando en una habilidad en la improvisación. Recuerde, si usted se pega hacia fuera y trabajar a través de estas áreas difíciles de su juego, verás progreso. 4) Intento cosas que son difíciles para usted La clave para mejorar está trabajando en las habilidades que usted no es bueno en todavía. Reproducción de los ejercicios y conceptos que son fáciles para usted continuamente se mantendrá en el mismo lugar musicalmente. Si quiere romper sus barreras mentales, es necesario atacar las áreas que le están dando problemas - no evitarlos. Concéntrese en esas áreas problemáticas en su juego y trabajar en la superación de ellos. Haga aquellos aspectos de la improvisación que ha definido como dura el punto focal de su práctica. Esas partes de su maestría musical que ha definido tan duro no tienen que permanecer de esa manera. 5) Llevar la presión ¿Estás practicando ejercicios y transcribir solos porque creo que hay que o que otros se requiere es de ustedes? ¿Tiene la improvisación aprendizaje siente como una tarea, hecho para complacer a los demás? Si es así, usted lo está haciendo por las razones equivocadas y añadiendo presión externa innecesaria en ti mismo. Usted debe aprender la improvisación porque quiere y debe ser divertido. El aprendizaje no debe ser tarea o un requisito de trabajo estresante. Jugar por ti mismo, porque al final eso es lo que importa. 6) Se centran en el presente Cuando una tarea parece abrumadoramente difícil, a menudo segunda adivinar a nosotros mismos y nos centramos en nuestras deficiencias. Como intentamos dominar una y otra vez, todo lo que vemos es la gran barrera que no va a ceder. En estas situaciones, en lugar de pensar en los fracasos del pasado o tratando de conquistar el problema en una sola sesión, pruebe con un enfoque diferente. Divida la tarea en partes manejables que usted trabaja en todos los días y utiliza de tipo láser foco en cada uno. De esta manera, sus modos de pensar del pasado no le controlar y tendrás una pequeña meta alcanzable que puede realizar cada día. 7) Visualice el éxito Una cosa que usted notará sobre su forma de pensar actual son las reacciones físicas que causan en su acercamiento a la tarea. Si algo se etiqueta con fuerza en su mente, su cuerpo va a ser tenso, te sentirás ansioso, y usted será esperar un resultado negativo. Sin embargo,

por otro lado, si una tarea se define como fácil en su mente, se le relajaron y se enfocaron como usted está realizando la misma. El gran reto que tiene en restablecer su mente, se está convirtiendo esas áreas "duras" en los "fáciles"; cambiar esos sentimientos de miedo y ansiedad en la confianza y el enfoque. Una manera eficaz de lograr esto es utilizar la visualización. Visualízate próxima a la difícil tarea con calma y confianza. Imagínese ejecutarlo con facilidad y disfrutar de ti mismo en el proceso. Cambiar la forma en que algo está definido en su mente es el primer paso para cambiar la forma de llevar a cabo físicamente. No subestime el poder de la visualización, ha demostrado ser el aspecto más útil en el aprendizaje de cualquier cosa, desde los deportes a hablar en público.

Usted tiene que comenzar en alguna parte Su primer intento de improvisar un solo pudo haber sido un desastre. Usted puede haber tenido un tiempo horrible transcribir su primer trabajo en solitario. Puede que tenga que empezar en cero con el entrenamiento del oído. La lectura de la música puede ser un dolor de cabeza constante para usted. Usted puede no saber una sola melodía llamada a una sesión de improvisación ... Hay muchas cosas difíciles que intenta como un músico que no van bien en un primer momento. No permita que estas cosas que definen como un músico o una persona. Más importante aún, no dejes que una experiencia negativa o fracaso le impida perseguir estas actividades en el futuro. Utilice las ideas anteriores para eliminar sus barreras mentales y para asumir las áreas problemáticas de su musicalidad. Con un poco de trabajo duro y dedicación, tareas que antes se definen como difícil o imposible en su mente, pueden llegar a ser de repente alcanzable y fácil con un ligero cambio en su forma de pensar.

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El secreto para conseguir Buena rápida en Jazz Improvisación Publicado Por Forrest En 20 de agosto 2015 @ 12:37a.m. En las rutinas de práctica, Consejos | Comentarios discapacitados

Confía en el proceso. Seguir adelante y obtendrá allí. Cualquier cosa vale la pena hacerlo toma tiempo ... Escuchamos estas cosas una y otra vez cuando estamos aprendiendo y todo es un buen consejo ... Pero lo que no dicen es que hay una cosa clave que separa aquellos que sobresalen de forma rápida, de los que consigan ligeramente mejor a un ritmo mucho más lento. Entonces, ¿qué es? ¿Cómo se obtiene buena rápida en la improvisación de jazz, algo que parece casi imposible cuando te das cuenta de la cantidad de información que hay que saber?

En una prisa para ir a ninguna parte Es tarde. Agarro mi cuerno y desafiar el frío para llegar a las salas de ensayo. Otra noche solitaria en la sala de la práctica. Tengo que llegar allí. Tengo que llegar rápido. Hay mucho que saber. ¿Qué voy a trabajar en esta noche? Tengo que aprender esa canción, creo Imprimí un gráfico. Y tal vez voy a trabajar fuera de ese libro de transcripción un

poco o tal vez ese nuevo libro Bergonzi Acabo de recibir. Y tal vez voy a pasar algún tiempo en esa nueva escala que acabo de oír acerca. Esto me fue cuando tenía 18 años frenéticamente corriendo de un tema a otro, acercarse a todos en el camino equivocado. Impresión de gráficos en lugar de canciones de aprendizaje de los registros. El uso de los libros de transcripción en lugar de usar mi oído y transcribir solos. Comprar literalmente cada nuevo libro sobre la improvisación, esperando desesperadamente que reveló los secretos que me estaba perdiendo. Y haciendo un trabajo sin fin en las escalas y patrones. ¿Alguno de esto me hacen mejor? Por supuesto. La práctica de casi cualquier cosa que usted no sabe lo hará mejor. Pero no es rápido y no significativamente mejor. Y eso es lo que queremos. Queremos mejorar significativamente a un ritmo acelerado.

El secreto para conseguir una buena rápida

En este video de Michael Brecker, comparte este secreto, pero la mayoría de la gente va a pasarlo por alto y no pensar en nada de eso. Míralo y escuchar con atención. ¿Lo atrapaste? Sucede a las 1:50 A lo largo de esta clase magistral, Brecker constantemente dice cómo él no tenía un sistema para la práctica, cómo se desperdicia mucho tiempo, cómo iba a trabajar en algo y luego suerte si lo recogió al día siguiente, o recordó lo que trabajó en porque tiene una memoria terrible. A pesar de todo esto la pérdida de tiempo y la práctica no estructurado, ¿cómo es posible que él dominó el saxofón más allá de lo que parece humanamente posible? "Trato de practicar las cosas que van a ser práctico" -Michael Brecker

Ahí está. Ese es el secreto: las cosas prácticas que son prácticos. Es increíble lo simple que parece en teoría, sin embargo, lo difícil que es en la práctica. Si todo el mundo se acercó a las cosas de esta manera, así que nos gustaría ver una gran cantidad de personas que reciben mucho mejor las cosas muy rápidamente, sin embargo, fuera de cualquier grupo de personas, sólo un puñado de personas que parecen sobresalir y la caída de descanso al borde del camino. ¿Por qué es entonces que esta idea de apegarse a las cosas que son alude prácticos tantos?

El rechazo de la sencilla El secreto para conseguir buenos en casi cualquier cosa está trabajando en lo que es práctica, las cosas que usted realmente va a encontrar en la actividad de carne y hueso. La cosa es que una gran parte del tiempo, las cosas que son prácticas también son simples, y por alguna razón, la gente suele rechazar lo que es simple, cepillado apagado como incorrecta o sin importancia. Es como si la gente quiere que las cosas sean difíciles. Quizás la cosa más difícil o compleja parece, las personas más válidas y correctas creen que sea. ¿Hay algo psicológico en juego aquí? Me recuerda a una historia del libro de psicología Influencia: ... Fue el pico de la temporada turística, la (bisutería) tienda era inusualmente lleno de clientes, las piezas de turquesa eran de buena calidad para los precios que estaba pidiendo; sin embargo, no habían vendido. Mi amigo había intentado un par de trucos de ventas estándar para que se muevan. Ella trató de llamar la atención sobre ellos al cambiar su ubicación a un área de visualización más central; sin suerte. Ella incluso le dijo a su personal de ventas para "empujar" los artículos duro, de nuevo sin éxito. Por último, la noche antes de partir en un viaje de compras fuera de la ciudad, garabateó una nota de exasperación a su vendedora de cabeza, "Todo en esta vitrina, precio × ½", esperando sólo para librarse de las piezas ofensivas, aunque a una pérdida. Cuando regresó a los pocos días, ella no se sorprendió al ver que cada artículo había sido vendido. Ella se sorprendió, sin embargo, al descubrir que, debido a que el empleado había leído el "½" en su mensaje escrito como un "2", todo el reparto se había vendido al doble del precio original! En este caso, la gente asume automáticamente que un precio más alto, significa mayor calidad. Si bien en algunos casos esto es cierto, no es siempre cierto. Es lo mismo en el aprendizaje. Sí, las cosas que son complejas o difíciles pueden ser de gran valor, pero no necesariamente más valor que cualquier simple. En realidad, me he dado cuenta que en el aprendizaje de la mayoría de las cosas, es casi

siempre en el dominio de las cosas simples, los fundamentos, es donde las enormes ganancias reales son, y donde reside la materia práctica. La gente quiere creer que las cosas son más complejas de lo que suenan. Ellos no pueden ser así de simple, por supuesto! En la improvisación del jazz, las personas gravitan hacia técnicas que tienen nombres de fantasía: pares triádicas, hexatonics, superposición ... Si bien puede haber un gran valor en estos conceptos, esto no es necesariamente material práctico para la mayoría de la gente. Estas técnicas son-bueno-ricos, la guinda del pastel ... pero no son la mayor parte de lo que es un improvisador tiene que saber. Si tiene fundamentos muy fuertes, entonces usted puede agregar en pedazos aquí y allá, por lo que estas cosas se vuelven más práctico en esa etapa, pero todavía no lo son la mayor parte de lo que va a ayudar a jugar un gran solo de Todas las Cosas Usted está o cambios de ritmo. Las cosas prácticas tiende a ser simple. Pero, es muy sencillo teórica y conceptualmente. En la práctica, es muy difícil. Tome un acorde mayor, por ejemplo. Para jugar realmente sobre un acorde mayor, se necesita mucho más que una escala mayor. Muchas personas piensan que si ellos saben que son sol mayor escala que se pueden jugar más de un acorde mayor G. Mmm no. Ni siquiera cerca. La mayoría de la gente no suenan muy bien sobre los principales sonidos, sobre todo porque la gente se cepillan ellos fuera tan fácil y se basan en el conocimiento de la escala mayor ya que son único concepto de acercarse a ellos. Este es un ejemplo perfecto de saltar sobre algo que es práctico porque usted cree que es demasiado simple. Jugar más de acordes mayores es muy práctico porque los encontramos en casi cada melodía que jugamos. Así, tendría gran sentido de aprender cómo acercarse a ellos en una multitud de maneras. Suena simple, ¿verdad? No es. El desarrollo de un texto sobre un acorde mayor y la comprensión de la lógica subyacente de este idioma para que pueda crear un nuevo lenguaje y las ideas de los acordes mayores toma tiempo, esfuerzo y creatividad. Pero, todo este trabajo se verá recompensado. ¿Por qué? Debido a que es el conocimiento práctico con aplicaciones prácticas que usted será capaz de utilizar todo el tiempo.

Sin saber lo que es práctico Ahora no es el caso de que usted no sabe lo que es práctico o que nunca han pensado en ello. Esto es muy común, ya que está bastante aceptado que alguien le dirá lo que a la práctica o qué pensar, y eso es todo. Desafortunadamente, las personas que van a obtener su información podría estar llevando por mal camino y nunca lo sabría. O, podrían estar diciendo exactamente lo que realmente

necesita, pero sin parar y pensar en ello, la evaluación de las cosas por ti mismo, realmente no lo sabrán. Recuerdo buscar sin parar, tratando de averiguar exactamente lo que debo practicar. Yo siempre pensé que había alguna técnica o ejercicio que me faltaba que los profesionales tenían, y si supiera este ejercicio que pudiera llegar a su nivel. Incluso si tuviera una idea de algo que debería practicar, he tratado de validar esta idea mediante la búsqueda de un "profesional" que lo apoyó. Confié en ejercicios que encontré en los libros sobre mi propia intuición. Es decir, que se haya publicado en un libro este debe ser el camino correcto! Aquí está el problema con la mayoría de los libros sobre la improvisación del jazz: son el resultado de un estudio de una sola persona, por lo tanto, interpretan, entender, conceptualizar, y codificar las ideas de la forma en que el autor hizo, no de la manera que pueda tener si uno mira en la prima material de ti mismo. Debido a que usted está aprendiendo la información a través de la lente de otra persona, no verdaderamente malla con usted y no termina hasta que lo ayude en el largo plazo. Esa es la razón por lo Jazzadvice nos centramos más en proceso de que las técnicas y materiales. Por supuesto que todavía compartimos técnicas y líneas que estamos aprendizaje efectivo de juego, pero cada vez que hacemos y decimos: "Mira cómo esta línea muestra este uso impresionante de este concepto," bueno, que viene a través de nuestro filtro sobre cómo interpretar el material. Cuando usted está tratando de descubrir lo que es práctico, no sólo no mirar a los conceptos gente está compartiendo con usted o enseñarte, pero mira cómo llegaron allí, y luego hacer eso! Si se transcriben una importante línea de Clifford Brown y luego descubierto la manera de construir sobre ella en su propia manera única, ve a buscar tu propia línea de Clifford Brown y construir sobre ella usando su propia mente. Ahora, eso es un gran comienzo, conseguir un nivel por encima de los datos de personas están pasando junto a usted y ver - realmente escuchar - las cosas a través de su propia lente, pero hay algunas formas muy rectas hacia adelante para averiguar lo que es práctico en términos de todo lo que querer aprender.

Cómo averiguar lo que es práctico Para averiguar lo que es práctica en cualquier cosa que usted quiere aprender, el primer paso es definir las situaciones que te encuentras en-y-tiempo otra vez durante la actividad real. Estas son las claves para determinar lo que es práctico y estos son lo que debas simular y estudiar porque cualquier concepto que usted está aprendiendo tiene que ser capaz de aplicar a estas situaciones para que sea útil. Si usted apenas está comenzando, esto podría ser un poco de un desafío, pero a medida que

intenta la actividad cada vez más, será obvio qué situaciones que tienden a encontrar. Lo importante es ser conscientes de ellos y tomar nota de ellos. ¿Son realmente las situaciones que son comunes o son medidas excepcionales? ¿Está conceptualizar el situación correctamente o hay múltiples maneras de interpretar esto? Ok, así que decir que usted ha estado trabajando en un blues por un tiempo. ¿Qué podría decir acerca de las situaciones que te encuentres? Jugando sobre un acorde dominante para 1-4 medidas es común que en la medida 1.4 Un acorde de dominante resolver hasta quinto, G7 C7 como en medida 4 a 5, es común Usted puede acercarse a un acorde ii con un menor ii V como en medida 8-9 Estos son sólo unos pocos, y si usted no entiende cualquiera de ellos, bueno, son a través de mi lente y si se estudia el blues que pueden o no pueden ver un blues como yo. Me recuerda a una época que estaba hablando con el saxofonista tenor Eric Alexander. Recuerdo que me dijo: "Todo lo que yo elijo para decirle o no decirle, que aprendí de transcribir." Y la cosa a recordar, es que cualquier cosa que elija para compartir, viene a través de su lente. Él siempre tiene un fuerte concepto de lo que está sucediendo con las líneas transcribió. Pero, ¿es este concepto exactamente lo que el artista se transcribe estaba pensando cuando jugaban, o es su concepto exactamente de la manera que yo considero que si me hubiera transcrito la línea de mí mismo? Tal vez tal vez no. El punto es, extrapolamos nuestras propias ideas de lo que ocurre cuando estudiamos la información por nosotros mismos. Incluso algo así como los acordes cambios en un blues son hasta la interpretación. Sí, puedo pensar en por lo menos una docena de maneras de pensar acerca de los acordes de un blues, pero cada uno traería la mayor parte de las mismas situaciones que nos encontramos en una y otra cuando se juega el jazz.

La práctica de conceptos prácticos en el jazz Durante la reproducción de jazz, hay algunas situaciones que vienen a la mente que nos encontramos una y otra vez. Mientras que algunos de lo que encontramos es subjetiva, lo que permite al individuo a interpretar estas situaciones la forma en que los ven, muchas de las situaciones son bastante estándar: mayores de 7 cuerdas, a menudo dos latidos, 1, 2 o 4 medidas menores de 7 cuerdas, a menudo dos ritmos, 1, 2, 4 u 8 medidas dominantes 7 acordes, a menudo dos latidos, 1, 2 o 4 medidas acordes 7B5 menores (media disminuida), a menudo dos tiempos o una medida acordes diminshed, a menudo dos tiempos o una medida importante Vs ii tanto una medida y dos medidas (| A- D7 | y | A- | D7 |) menor Vs ii tanto una medida y dos medidas (| B-7B5 E7 | y | B-7B5 | E7 |) Por supuesto que hay escenarios más comunes del músico de jazz se encontrarán en, pero estos son algunos de los básicos que conforman probablemente el 95% de lo que los

estándares de jazz están hechos. Así que, lo que es práctico? Averiguar maneras de jugar de manera efectiva sobre estos acordes y progresiones de las duraciones específicas que tienden a ocurrir, entonces la búsqueda de ellos en las melodías que está trabajando y aplicando el conocimiento que está aprendiendo a ellos. A determinar formas de jugar en estos escenarios a través de la transcripción de sus héroes, el estudio de la composición, el aprendizaje de la lengua, el estudio de la armonía, el entrenamiento de su oído y prestar atención a la voz dentro de su mente. Y luego utilizar su propia creatividad para transformar, cambiar y construir sobre lo que estás descubriendo; usted puede incluso crear nuevos conceptos y líneas de marca. No hay reglas. Y, usted puede trabajar desde la otra dirección, también: tomar las melodías que está trabajando, encontrar las situaciones comunes en las canciones o situaciones que le están dando problemas y encontrar maneras de lidiar con ellos. Por ejemplo, tal vez estoy trabajando en el puente a cambios de ritmo. Podía empezar por encontrar un lenguaje para los acordes dominantes que son dos medidas de largo. Una vez que averiguar cómo aplicar esa información, podría luego trabajar en cada acorde de dominante resolver al siguiente acorde de dominante, por lo que tal vez descansar durante la primera barra, averiguar algún idioma o el concepto de utilizar en la segunda barra se mueve a través de la tercera barra, el descanso por cuarta barra, luego jugar más de la quinta y sexta bares como antes, descanso para el séptimo bar, y jugar el octavo bar en movimiento en el primer compás de la última Una sección. Practicar el puente para Rhythm Cambios es práctico porque voy a tener que jugar sobre progresiones similares una y otra vez, los acordes dominantes durante dos medidas que se mueven alrededor del ciclo. Acordes dominantes para dos compases son super común y también lo es el movimiento ciclo. Si puedo dominar esta situación, he inadvertidamente dominar cientos, quizás miles.

Definir conceptos prácticos para su estilo y objetivos Cuanto más juegues, más te lo pensarás acordes, melodías y progresiones de acordes en su propia manera única. Eso es lo que hablaba antes; como en la vida, cada uno tiene su propia lente y es beneficioso para definir las situaciones a medida que avanza, la forma en que los veas. Por ejemplo, puede que una persona piensa que necesitan lengua V ii como he mencionado en la lista, pero otro le gusta pensar en cada acorde por separado como idioma para un acorde menor y el lenguaje para un acorde de dominante. Ambos son correctos. Y en realidad, Apago entre cómo me "Ver" progresiones de acordes, porque promueve el pensamiento diferente material diferente para salir. Por lo que es ventajoso para construir un arsenal de ideas para muchas situaciones.

Dependiendo de su estilo de improvisación personal y lo que quiere sonar como, podrás definir algunas de las situaciones que te encuentres y lo que es práctica de manera diferente a los demás. Todavía habrá un montón de solapamiento; tienes que jugar más acordes mayores, acordes menores, acordes dominantes etc. No hay manera de evitarlo! Estos son los escenarios comunes que todo el mundo tocando esta música tiene que tratar. Pero, a medida que comienza definiendo todo lo que encuentres, verás lo que quiero decir como en las múltiples formas de pensar acerca de un ejemplo V ii. Todo lo que la práctica debería ser prácticos, no debería ser algo de ejercicio aislado que de alguna manera mágicamente debe afectar a alguna parte de su improvisación. No es así como funcionan las cosas. Jazz improvisación es en el momento. Sin tiempo para pensar, las cosas que usted practica para las situaciones que encuentro es lo que sale. Si no ha definido la situación correctamente o no practicaban formas específicas de abordar una situación particular que te encuentras, entonces se va a mostrar en tiempo de rendimiento. No es para preocuparse. Si esto sucede, tome nota de lo que la situación no ha definido correctamente, no logró definir en absoluto, o no tener un enfoque específico para, y comenzar a estudiar y construir sobre cómo sus héroes tratan algo similar. Cada vez que vaya a practicar algo, pregúntate: "¿Es esta práctica? ¿Puedo realmente usar esto en una situación que me encuentro todo el tiempo? ¿Me ayudará sobre las cosas que no soy bueno en este momento? ¿Puedo combinarlo con cosas que ya conozco? En una escala del 1 al 10, ¿qué utilidad es? ¿Es fácil para conceptualizar y aplicar a las canciones que estoy realizando todo el tiempo? " ¿Quieres mejorar en el jazz de improvisación rápido? El secreto es simple: la práctica las cosas que se puede aplicar directamente a las situaciones que te encuentras en-y-tiempo otra vez. Construya un arsenal de enfoques de cada una de estas situaciones únicas y perforar ellos hasta que esté azul en la cara. Si la práctica las cosas que van a ser práctico, tal como lo hizo Michael Brecker, sabiendo exactamente cuándo, dónde y cómo usarlos creativamente, obtendrá buenos en la improvisación del jazz rápido.

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10 secretos sorprendente Jazz Enunciado I aprendido de John Coltrane Publicado Por Forrest En 22 de enero 2016 @ 12:53a.m. En Conceptos, jugadores, Rhythm | Comentarios discapacitados

John Coltrane es probablemente mejor conocido por Cuenta atrás y Giant Steps, o su intensidad estremecedora en A Love Supreme. Pero a menudo se pasa por alto es la profundidad y la belleza de su fraseo y el lirismo. Cuando escuché por primera vez el álbum Kind of Blue, me quedé asombrado. Y todavía lo soy hasta este día. Hay mucho allí. Cada vez que lo escucho, escucho más. Un solitario que siempre me ha golpeado punto muerto entre los ojos es el solo de Coltrane en Blue in Green.

Este solo me transporta a otro mundo ... Pero este no es el de Trane que pensamos. El que está golpeando la puerta abajo, en su cara, jugando más rápido que lo que parece humanamente posible! No. Es un lado diferente de él, sin embargo, la intensidad de su juego sigue siendo igual de presente. Y gran parte de esta intensidad tiene que ver con la forma en que lo expresa. ¿Cuál es el secreto detrás de la bonita frase de Coltrane y ¿cómo suena tan lírica?

¿La frase Coltrane como un profesional? Hace más de cinco años, escribí un artículo acerca de cómo la frase como un profesional. En ese compartí cuatro puntos sobre el fraseo que los profesionales hacen y los aficionados no lo hacen: Evite arrancar frases en el tiempo 1 Romper las corcheas Conecte una idea a la siguiente Juega en el tiempo 1 y más allá Parece sencillo, ¿verdad? Pero, como muchas cosas pasan, más simple que parece, más difícil se van a poner en práctica. ¿Los pros realmente hacen estas cosas? ¿Estoy haciendo las cosas o adivinar? Bueno, vamos a echar un vistazo a solas de Trane en Blue in Green y ver lo que encontramos. Escuche toda la pista. Su solo comienza a las 02:26:

Ahora echemos un vistazo a la primera coro de solistas de Coltrane. Es una forma de 10 bar y usaremos ese coro como nuestro material de estudio a través de:

Así que, ¿Trane sigue estos 4 directrices a la frase como un profesional?

Él no se inicia frases en el tiempo 1 en este extracto, ni una sola vez! Él está constantemente comenzando frases una corchea, o dos o tres, antes de la próxima medida, empujando cada frase que juega hacia adelante. Si no lo hace la frase como esta en este momento y que tienden a comenzar cada línea que usted juega en el tiempo 1, comenzar a practicar este concepto, comenzando cada frase se juega desde la Y de 4. Usted puede agregar una nota de acercamiento a una línea existente para practicar esto, o usted podría cambiar la línea de media un latido temprano, el punto es que acostumbrarse a partir líneas en otros ritmos que vencer a 1. Una vez que hayas practicado desde el y de cuatro, cambiar de nuevo a empezar las frases de ritmo 4, entonces la Y, por 3, luego 3, y así sucesivamente ..

Una táctica sencilla Trane utiliza para romper las corcheas es utilizar duraciones de las notas más largas más up-beats, que terminan pareciéndose vínculos cuando las escribes a cabo. Tratar de sostener más notas de este tipo en su propia práctica para romper cadenas constantes de corcheas, un hábito que todos somos culpables.

Cada idea Coltrane juega conduce maravillosamente a la siguiente. Él no juega una idea y luego una idea completamente ajenos. Sus ideas fluyen naturalmente de uno a otro, es casi como si una frase completa el siguiente, constantemente tener continuaciones naturales ...

El concepto de jugar en el tiempo 1 es probablemente la más importante la frase como un profesional. Cada frase empuja y lleva a superar 1 del siguiente compás. No, vencieron 4 no es el objetivo. Batir 1 de la siguiente medida es. Usted puede escuchar -y ver- que Trane siempre hace esto aquí. Replantear la forma de pensar de una medida para que siempre está empujando hacia el tiempo 1. Entonces, qué se parece Coltrane frase como un profesional? ¿Es que ni siquiera una pregunta real? Por supuesto que sí. Ahora echemos un vistazo a algunos otros aspectos de la redacción y el lirismo de Trane que tal vez podemos hacer uso de nuestra propia reproducción.

Enunciado: un acto de equilibrio Enunciado es un acto de equilibrio entre fuerzas opuestas. Longitud, dirección, contenido interválico, ritmo, tempo, volumen ... todos ellos juegan un papel clave en el efecto global alcanzado. Coltrane es un maestro en el equilibrio de sus frases entre estos opuestos.

Observe cómo Coltrane comienza con una frase larga, pero luego sigue inmediatamente con una serie de frases cortas. Longitud de la frase no es algo que a menudo prestamos atención, sin embargo, es muy importante. Práctica solos con una sola longitud de la frase de un coro, dicen cortos 1 o 2 frases medida. Luego otro coro tratar solos con 4 o 5 frases medida, y por otro coro intentar 8 frases medida. Practicar ejercicios como esto le ayudará a tomar conciencia de control de la longitud de la frase y entonces ayudarle a equilibrar mejor sus solos en su conjunto entre el corto, mediano y frases largas.

La forma general y la dirección de cada línea Coltrane toca es cuidadosamente equilibrado entre formas y dirección ascendente y descendente. ¿Juegas líneas que la mayoría de las veces suben? o hacia abajo? o es que sabes? Comience a tomar conciencia de ello y equilibrar sus frases entre el movimiento hacia arriba y hacia abajo para crear interés.

Este tono acorde equilibrar concepto es algo que Coltrane hace eso es muy cool. Escuche el solo de nuevo y tratar de escuchar en los puntos de tensión y liberación son. ¿Qué escuchaste? Los puntos de tensión son donde los tonos superiores de acordes (9 11 13 - que se muestran en amarillo) se producen y de los puntos de liberación suceden en tonos acordes más bajas (1 3 5 7 - que se muestran en azul) -como una interesante nota al margen, se dan cuenta de que el "B natural" en la medida 9 jugaron sobre A-7, se queda en el oído y se oye más que el 13 sobre D-7 en el siguiente compás. Muchas veces cuando estamos primero que consiguen en la improvisación del jazz y aprender sobre tonos superiores acordes estructura, pensamos que son mejores o más importantes que los tonos de acorde estructura inferior. Este no es el caso. Todos los tonos de acorde tienen un propósito, incluso los que los maestros le dicen que evitar. Todos son solo sonidos y se usan en diferentes contextos para conseguir diferentes efectos.

Equilibrar sus frases entre el uso de los tonos del acorde inferior y superior les dará un sentido del drama a medida que continúe para pasar de puntos de tensión para liberar.

Lirismo: es lo que hay en el interior que cuenta Como veremos en este extracto Coltrane, una gran parte de su bello lirismo proviene de lo que está contenido en cada pequeño fragmento melódico dentro de cada frase, o incluso las relaciones entre las distintas notas dentro de una frase, los intervalos. Vamos a tomar una inmersión en lo Trane está haciendo en este pequeño nivel detallado ...

Así como Coltrane varió la forma y la dirección de cada frase, dentro de cada unidadmelódicas los pequeños paquetes de melodías dentro de cada frase que varía la forma y dirección de las notas. ¿Qué hace esta variación? Se crea interés melódico. Muchas personas suben y escalas abajo todo el día. O bien, el subir y bajar arpegios todo el día. De cualquier manera, ¿qué estás haciendo, no cuando estás haciendo cualquiera de esas cosas? Usted no está variando las formas y direcciones de las notas de una manera interesante, por lo que suena aburrido. Estudiar lo que Coltrane está haciendo aquí con la forma y dirección y alejarse de sólo correr escalas o arpegios a favor de crear interés melódico.

En estrecha relación con la variación de la forma y dirección, mirar algunos de estos intervalos Coltrane está usando! El rojo representa una quinta perfecta El morado es un cuarto perfecto El amarillo es una séptima menor La mayoría de las personas se adhieren a pequeños intervalos. Trane se mezcla en el uso de intervalos mucho más amplias, que ... ¿qué te parece logra? Sí, lo tienes: crea interés melódico.

Y por último, Coltrane implementa el uso de una táctica probado y verdadero para la creación de melodías líricas: desarrollo motívica. En tan sólo 10 bares desarrolla tres motivos diferentes. La primera vez: se desarrolla el motivo por mantener el mismo ritmo, el contenido interválico similares, y la reducción de los lanzamientos. La segunda vez: desarrolla la frase cambiando el orden de las notas. Primero es FCAC, entonces él sale de la primera nota y juega ACF, todo parte de una tríada importante por cierto, el aumento de la resistencia de la estructura melódica también. Y la tercera vez: desarrolla la frase por la que conduce hacia una A en dos maneras diferentes. Simple, pero eficaz. Desarrollo motívica es difícil de dominar, pero fácil de comenzar a usar. Comience con tan sólo dos o tres notas y ver si se puede desarrollar ya sea rítmicamente cambiando el ritmo, o melódicamente cambiando los lanzamientos.

Ahora es su turno para aprender de la lírica John Coltrane Aunque él no podría ser mejor conocido por ser un jugador lírica, John Coltrane estaba allá arriba con los mejores. Como se puede ver pasando por sólo 10 bares de su solo, hay mucho que estudiar y aprender de cada detalle que juega ... ¿Cómo empieza frases ¿Cómo se rompe ritmos estándar ¿Cómo se conecta frases ¿Cómo se juega a través de batir 1 ¿Cómo se equilibra longitudes de frase ¿Cómo se equilibra forma y dirección frase ¿Cómo se equilibra el uso de los tonos del acorde inferior y superior ¿Cómo se utiliza la forma y dirección a pequeña escala ¿Cómo se varía los intervalos que utiliza ¿Cómo se utiliza el desarrollo motívica Hoy fuimos muy profundamente en el fraseo y el lirismo, y sin embargo, todavía apenas arañado la superficie! Siempre hay más para aprender, otro punto de vista para tomar, otra comida para llevar que se tenía ... Cuando se transcribe para usted y para interpretar las cosas que estamos encontrando en su propia manera, obtendrá aún más. Y una de las preguntas que recibimos mucho es ¿cómo podemos transcribir, analizar e interpretar con tanta facilidad?

Además de hacerlo por mucho tiempo, todo vuelve a la oreja. Honestamente puedo decir que todas las habilidades que envueltos en el método de entrenamiento del oído son lo que me permite aprender con facilidad y rapidez de mis héroes. El otro día estaba transcribiendo los acordes de una canción que quería aprender. Me tomó menos de 15 minutos para aprender las voces específicas pasando. ¿Cómo? Porque yo ya he perforó los sonidos en mi cabeza que yo sé que voy a encontrar una y otra vez. La repetición es la clave. Usted debe trabajar en su oído. Puede que no sea la diversión o sexy que hay que trabajar en-ciertamente no es hexatonics o superposición, pero se le dará la libertad sonora que deseas y te convertirás en un mejor músico y disfrutar de su arte en un nivel completamente nuevo. Y durante su sesión de práctica luego ir a través de las técnicas que fuimos durante hoy y ver si se puede aplicar cualquiera de ellos a algo que está trabajando o utilizarlos de alguna manera. Seleccione algo que particularmente gustó y practicar lentamente hasta que se convierte en algo que se puede utilizar en el desempeño -que, por cierto, si no te diste cuenta que acaba de publicar un nuevo curso de audio todo en alcanzar su estado óptimo rendimiento. Sonando lírica y fraseo como un profesional es todo un reto. Centrarse en una técnica a la vez, su aislamiento en su juego, y el trabajo en ridículamente lento. Con el tiempo, te darás cuenta de que estás cantando fuera de su instrumento más de lo que tiene.

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Aprender a ser su propio maestro Publicado Por Forrest En 18 de abril 2011 @ 10:34 am En Inspiración, Perspectiva | No Comments

La diferencia entre muchos temas y la improvisación del jazz es que este último no tiene camino correcto y bien definida sola. Cada persona toma una ruta diferente dependiendo cómo aprenden, cómo se escucha, lo que quieren sonar como, y un sinnúmero de otros factores. Porque todos están disparando para diferentes objetivos musicales y tienen diferentes maneras de acercarse a ellos, en el aprendizaje de esta forma de arte, estamos no sólo al alumno, sino también el maestro. No podemos mirar a nuestros maestros para sostener nuestra mano en el camino o nos dicen específicamente lo que necesitamos saber. Sobre todo en este mundo, que no es su trabajo para hacernos responsables, nos alimentamos de cuchara el conocimiento que queremos saber, u organizar nuestro tiempo la práctica diaria. Los grandes maestros están ahí para inspirarte. Para darle una nueva perspectiva sobre algo que has nunca entendiste o simplemente para señalarle en la dirección correcta. El resto depende de ti.

Aprender a ser su propio maestro significa aprender a: Sea honesto con usted mismo y determinar sus debilidades Estructure su tiempo a mejorar en las áreas débiles La crítica de su progreso y hacerse responsable

Aprenda a identificar sus debilidades Si usted puede aprender a ser honesto con uno mismo y determinar lo que no es bueno en, a continuación, se puede desarrollar un plan para mejorar. No se preocupe si hay grandes lagunas en su juego. No importa lo bueno que se obtiene, que siempre se siente que no eres lo suficientemente bueno en algo, pero ese es el gusto de hacerlo. Estas oportunidades para mejorar proporcionarnos una vida llena de aprendizaje y desafíos interesantes. Debemos sentirnos afortunados de que tenemos algo para trabajar constantemente y dedicar nuestro tiempo a. Algo que se expande nuestra mente y nos desarrolla aún más como persona también. Algo que nos impide nunca aburrirse. Así que, ¿cómo podemos identificar fácilmente nuestras debilidades? Voy a esbozar un proceso en tan sólo unos minutos, pero la lista de algunas de las principales debilidades que podemos encontrar primero permite: Dificultad sobre ciertos acordes / Las deficiencias en el lenguaje de ciertos acordes Dificultad sobre tipos tune / deficiencias específicas en el lenguaje sobre los tipos tune Dificultad para llaves / deficiencias específicas en el lenguaje de teclas específicas Dificultad con tempos específicas Dificultad con determinadas firmas de tiempo Aunque hay muchos otros, estos constituyen una gran parte de las debilidades que usted puede venir a través. Se dará cuenta de que hice una lista de dificultad con los acordes como análogo a tener deficiencias en el lenguaje del jazz de esos acordes particulares. La razón es que tenemos problemas con un acorde, porque no tenemos un concepto, un modelo de basar nuestra comprensión de lo que jugar en esa situación. Lo mismo puede decirse de todas las debilidades mencionadas. Si tuviéramos un firme entendimiento de la lengua para todos los tipos de acordes, melodía, llaves, tempos y compases, estaríamos muy fuerte en todas estas áreas. Este ejemplo pone de manifiesto cómo de cerca el lenguaje está conectado a la improvisación exitosa. Ahora que sabemos lo que estamos buscando, ¿cómo nos encontramos? Una forma sencilla es jugar libremente en un estándar para varios coros y nota en los puntos débiles emergen. Por ejemplo, jugar un par de coros en la Confirmación. ¿Dónde buscas a tientas? ¿Dónde se juega lo mismo todos los coros? ¿Qué parte de la melodía hiciste completamente callarse sobre? Si usted no puede recordar, simplemente repita el ejercicio y ser más conscientes de dónde se tropieza. Lo más probable es que va a hacer los mismos errores otra vez. Es por eso que, en general, no es una buena idea jugar libremente con juego a coro como una parte importante

de su rutina de la práctica; estás reforzando los malos hábitos. Asegúrese de que está usando el juego a coro con eficacia. Así, por ejemplo, tal vez jugado Confirmación, y durante cada "A" sección tuve problemas para crear una línea que sin problemas se fue a través de las cuatro primeras medidas de los cambios. Y, tal vez durante la primera sección "A", en particular, he jugado lo mismo en la medida 7 (la II acorde de dominante, G7) cada coro. Y una cosa más, la segunda parte del puente (el VI ii en Db) me dio problemas. Ok, ahora que he enumerado mis debilidades, es el momento de volver a escribirlas en términos de lo que me falta. Debilidad # 1 - No se puede crear una línea suave en los primeros cuatro barras de las secciones de 'A' -> Esto significa que me falta un concepto de cómo abordar el acorde mayor en la barra 1, y no tener una comprensión de cómo acercarse a una sola medida ii Vs descendente en pasos enteros. Si tuviera específicamente problemas en la barra 2, podría indicar, además, que me falta la lengua más de la medida menor ii vs. Debilidad # 2 - he jugado lo mismo todos los coros en la medida 7 (G-7) -> Simple. Me falta el lenguaje más acordes dominantes y, en consecuencia, tienen muy poco para jugar cuando yo los encuentro. Debilidad # 3 - La segunda parte del puente me dio problemas (ii VI en Db) -> Una vez más, simple. No he trabajado en ii V Está en todas las teclas, por lo tanto, me tropiezo en esta clave más oscuro. El mismo proceso se puede utilizar para identificar las otras debilidades de la lista, sólo tiene que utilizar otras melodías. Para encontrar los puntos débiles con los tipos de tono, el uso de canciones de diversos estilos: una balada como cuerpo y alma, o una melodía modal como impresiones. Para descubrir los puntos débiles con determinadas firmas de tiempo, intente algún día mi príncipe Will Come. O para tempos rápidos, utilice Cherokee. No dejarse llevar y perder el tiempo jugando libremente sobre una para acompañar. Utilizarlo como un medio para determinar su debilidad y desarrollar un plan para mejorar en esa área, lo que nos lleva a la manera de estructurar su tiempo a mejorar en estas áreas débiles.

Estructure su tiempo a mejorar en las áreas débiles Aprender a estructurar su propio tiempo es una habilidad que pocos han dominado. Hay infinitas maneras de hacer intento de hacerlo. Lo que usted practica depende de usted y debe basarse en sus debilidades descubiertas a través del proceso de proa mencionado. Sugiero escribir un plan de práctica con asignaciones de tiempo al lado de cada tema. Podría ser algo como esto: Plan de Práctica, la semana del 18 de abril 2011 Ejercicios de tono - 5 minutos

Técnica instrumental - 10 minutos Un pedazo de lenguaje del jazz en todas las teclas - 15 minutos Aprende a usar el lenguaje que acaba de realizar en los primeros 8 bares para todos las cosas que está - 30 minutos El trabajo sobre la transcripción de Dexter Gordon en un blues - 30 minutos Escribir un plan semanal como esta muestra le obligará a articular lo que necesita para trabajar y le dará la estructura que necesita cuando usted va a practicar. Para investigar más a estructurar su tiempo, usted puede estar interesado en La lucha contra los enemigos del progreso y Mantenerse enfocado mediante el aprendizaje y el tiempo de boxeo espaciados.

La crítica de su progreso y hacerse responsable Criticando su progreso es otra parte importante de ser su propio maestro. Estamos estamos peor crítico, por lo que ser bonito, pero seamos justos. Revise lo que la intención de practicar durante la semana, su plan de la práctica, y evaluar objetivamente la forma en que trabajó su plan. ¿Sabía usted pone en las asignaciones de tiempo inicialmente asignado a ti mismo? ¿Sabía usted avanzar en su conocimiento en cada parte del plan? ¿Se siente más cómodo en cada área que trabajó? Por ejemplo, si se me criticó mi plan muestra que figura en la sección estructuración vez anterior, podría preguntarme: ¿Mi sonido acercarse a lo que deseo en un sonido de saxofón? ¿Mis dedos se sienten de líquido en el instrumento? ¿Yo amo la pieza del lenguaje del jazz en todas las claves y situaciones? ¿Puedo usar ese pedazo de lengua eficazmente como un trampolín para mi propia creatividad en los primeros 8 bares de todas las cosas que eres? ¿He hecho un amplio avance en la comisión de un solo de Dexter Gordon en la memoria? Responder a estas preguntas justa y honesta, sin reprender a mí mismo le ayudará a dar forma a mi plan de la práctica de la semana siguiente. Idealmente, cada semana debe basarse en la anterior. Por lo tanto, tal vez la pieza de lenguaje que practica tengo en todas las teclas, pero tal vez todavía tengo dificultad para jugar rápidamente, por lo que la semana siguiente me iba a trabajar en aumentar el ritmo de juego. Tal vez la semana después de eso, lo tengo a la velocidad, pero cuando improviso, todavía estoy usando en forma de cortar y pegar cuando me gustaría cambiarlo armónicamente, rítmica y melódicamente, por lo que la próxima semana, yo trabajo en aprender a alterar este pedazo de la lengua, por lo que es una parte más natural de mi vocabulario.

Y para terminar, un aspecto importante del aprendizaje para ser su propio maestro es la celebración de hacerse responsable por sus errores y sus logros. Todo depende de ti.

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7 Armónica avances que cambió por completo mi forma de tocar Publicado por Eric En 02 de septiembre 2011 @ 1:22 am En Conceptos, Jazz Idioma, escalas, Consejos, transcribiendo | Comentarios discapacitados

De vez en cuando usted va a hacer un descubrimiento musical que cambiará drásticamente la forma en que te acercas a la improvisación ... Un día usted está luchando sobre los mismos temas, creciendo cada vez más frustrados con sus propios patrones predecibles y luego te golpea - a descubrir un secreto que estaba oculto delante de sus ojos. Un cambio mental, auditiva o física sutil repente sucede y usted es capaz de acercarse a la improvisación en una forma completamente nueva - sus ojos (y oídos) se abrió a una gran cantidad de nuevas posibilidades. Mirando hacia atrás en mi propio viaje, he hecho algunos descubrimientos musicales muy importantes que han cambiado la manera en que veo la música. Algunos de estos descubrimientos llegaron con bastante rapidez, con una pequeña cantidad de práctica y otros que tenía que luchar durante años antes de que tuviera el control de ellos. Pero cada vez que el resultado fue el mismo: a partir de ese momento mis oídos cambiado.

Me hice cargo de una comprensión más profunda de la música y lo más importante, entré en la sala de ensayo con un entusiasmo renovado para la improvisación. "El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos." ~ Marcel Proust

Cuando me encontré con que la información no era importante. El verdadero valor de estos conceptos se produjo cuando los descubrí por mí mismo. Cuando pude escuchar esas líneas y armonías, cuando pude conectar físicamente con mi instrumento, y podía sentir el tiempo pasando por como me practiqué. Sólo entonces fui capaz de comprender plenamente estos dispositivos y avance a otro nivel de comprensión musical. A continuación, he esbozado siete avances armónicos que han cambiado mi acercamiento a la improvisación - y se espera hacer lo mismo para usted! Algunos parecen sorprendentemente simple a primera vista, pero mira un poco más cerca. Después de más estudios, se convertirá en claro que estos conceptos contienen implicaciones profundas que afectan a todos los aspectos de su acercamiento a la improvisación. No importa donde se obtiene la información o la inspiración, el elemento esencial es que usted está escuchando y transcribir estas líneas por ti mismo.

1. Entender que la improvisación es algo más que las escalas que se ejecutan Una memoria recuerdo claramente como un improvisador que comienza, va a jam sessions locales y luchando para jugar a través de los diversos temas que fueron llamados. Durante este período de mi conocimiento armónico consistía en saber todos mis escalas mayores y menores, arpegios, y algunos licks simples que había recogido de algunos registros. Sea cual sea sintonía se llamaba, me gustaría tratar de encontrar rápidamente la clave estaba en y luego usar una escala correspondiente de reconstruir un solo. En una noche en particular, una melodía se llama que tenía una sección ampliada sobre un séptimo acorde mayor. Armado con mis escalas, lo hice lo mejor que pude sobre la cuerda y fue seguido de inmediato en el escenario por un saxofonista. En el mismo apartado, oí impresionantes líneas de tiempo doble llenas de numerosas formas y saltos procedentes de la campana de ese saxofón; líneas que parecían imposibles con una sola escala.

¿Cómo fue esto posible con la misma escala mayor que yo estaba usando? Sin embargo, resulta que hay más a la improvisación de escalas. Al igual que cualquier tipo de acorde, hay un lenguaje para jugar más importantes 7mos acordes. Se puede practicar religiosamente sus principales escalas en segundos, tercios, cuartos, quintos, en todos los modos, arpegiada arriba y abajo, arriba y abajo, etc. Pero , a pesar de todo su esfuerzo, usted todavía no va a estar jugando líneas y lenguaje lógico - que va a jugar ejercicios de práctica. Esta fue la dura lección que aprendí ese día. En lugar de centrarse exclusivamente en las escalas de conquistar cualquier acorde, ahora me di cuenta de que debía centrarse en la recopilación de la lengua de mis discos favoritos. Tan pronto como empecé a revisar los registros y transcribir algunos de mis héroes, rápidamente me di cuenta de que había mucho más en juego que la simple teoría acorde / escala. Me tropecé con recintos, cromatismo, escalas con notas añadidas (por ejemplo escala mayor w / b6th), y otros dispositivos que simplemente no se alinean con la teoría de que estaba viendo en los libros. Echa un vistazo en solitario de Clifford Brown en el vídeo a continuación como ejemplo de este concepto. Escuchar especialmente cerca de lo que Clifford juega a la contra en solitario y cómo él se ocupa de la cuerda 7 principales en la parte superior del formulario cada vez. Él crea líneas hermosas, pero lo hace sin limitarse a las escalas y arpegios. (Este es uno solo que sin duda ralentizará en Transcribe el fin de escuchar todas las notas.)

El clip de arriba es un gran ejemplo de cómo utilizar recintos y cromatismo dentro de un acorde para enfatizar los tonos acordes fuertes; y este concepto se puede aplicar a cualquier acorde, no sólo los principales 7º acordes. Recuerde, usted no tiene que aprender de los

ejemplos de que las personas le dan. Encuentra a tus jugadores favoritos y averiguar lo que están haciendo en los acordes que usted está teniendo problemas con el, luego transcribir esas líneas y estudiarlos.

2. Navegación estáticas 7mos acordes dominantes La forma 7mos acordes dominantes se imparten en la teoría de la música tradicional es que su función más importante es como un puente para el acorde I: V7 siempre resuelve I. Sin embargo, ¿qué sucede cuando ese V7 no resuelve a I? En el jazz, el acorde V7 con frecuencia sirve como el acorde I, sólo echar un vistazo a la primera barra de un blues. En numerosos casos, vemos acordes V7 que se utilizan durante un período prolongado de tiempo y no se resuelven de inmediato. Esto puede ser un problema cuando estás acostumbrado a que V7 siendo un acorde discreta que resuelve con prontitud a la tónica. Como yo estaba aprendiendo a improvisar, consulté mis libros de teoría y vi que podía usar bebop, disminuido, o incluso las escalas alteradas sobre V7 acordes. Sin embargo, cuando traté de utilizar estas escalas sobre aquellas de V7 extendidos, sólo no sonaban bien. Entonces, ¿dónde me equivoqué? Bueno, porque hay una diferencia vital entre acordes V7 que aparecen en una progresión iiV7-I y acordes V7 que se destacan por su cuenta y no se resuelven. La tensión que se crea a través de una V7-I con una escala alterada o disminuida suena lógico en cuanto se resuelve al acorde I, pero cuando no se está resolviendo a la tónica, esta tensión armónica puede sonar raro y simplemente errónea. Entonces, ¿cómo se supone que debes jugar sobre aquellos desconcertantes acordes V7 estáticas que no se resuelven directamente a la tónica? Al igual que el séptimo acorde mayor arriba, hay un lenguaje sobre V7 acordes que usted necesita para aprender de los maestros. Echa un vistazo a lo que los maestros están haciendo durante los seis primeros compases de un blues o el puente a los cambios de ritmo. . Una melodía que todos hemos encontrado probablemente en el aprendizaje de esta música es la melodía All Blues A pesar de que es tan comúnmente jugado, es un tono sorprendentemente desafiante: un blues en G, en un metro extraña que no siga de blues cambios convencionales . La primera vez que me encontré con esta melodía, yo estaba perplejo en cómo crear líneas más de estos tramos de acordes V7. Escuche cómo Miles, Wayne y Herbie juegan sobre estos sonidos V7:

Al estudiar V7 suena más de cerca, se procederá evidente que grandes improvisadores no sólo están pensando en ese acorde dominante todo el tiempo. Muchos jugadores utilizan la técnica de rearmonización bebop de lo que implica una ii-V7 sobre el acorde V7 estática (D-7 G7 en lugar del G-7). Por ejemplo, escuchar cómo Freddie Hubbard y Herbie juegan sobre estos acordes V7sus estáticas en un dedo Snap:

3. Comprender los azules forman Antes de que me di cuenta de lo que era un blues de 12 compases, el término "blues" era bastante abstracto para mí. Eso significaba que alguien estaba jugando un montón de terceras partes planas o séptimos en un acorde mayor y por alguna razón u otra, ellos estaban tristes por algo.

Cuando finalmente entendí la forma del blues era un paso enorme y una visión de el funcionamiento interno de jazz. Ahora sabía lo que todo el mundo estaba hablando de cuando dijeron "azules cabezas." Antes de que me diera cuenta, que estaba escuchando los blues de 12 compases por todas partes; en los registros, en los conciertos, y en sesiones de improvisación. Cuando la gente dice "Todo está en el blues" no mienten. Si usted puede sonar bien en el blues en todas las llaves y en realidad se puede decir algo en su solitario, se puede jugar sobre casi cualquier cosa. Dentro de los azules son importante repunte de empresas, acordes V7 extendidas, acordes disminuidos y opciones infinitas ii-V, II-V, de menor importancia para la sustitución. Es como si todo lo que necesitas saber sobre el jazz está envuelto en un pequeño paquete de 12 bar aseado. El gran paso para mí llegó en muchas partes cuando se trata de los azules: aprender a navegar esos acordes V7, que conecta el acorde I al acorde IV7, la comprensión de las diferentes variaciones de los blues de 12 compases, y lo más importante aprender a hacer declaraciones y desarrollar ideas a través de cada coro éxito. Pasa algún tiempo de calidad con el blues en todas las 12 teclas y su nivel general de improvisación será notablemente a mejorar. Tome un escuchar a Dexter en los azules para obtener algunas ideas que fluyen:

4. Venciendo ii-V7-I de Están en todas las normas, cada azules, cada ritmo cambia sintonía, incluso se puede insertar en una progresión de acordes, donde mejor le parezca. Sí, ii-V están por todas partes en el repertorio de jazz y aprendiendo a navegar con éxito esta siempre presente progresión, puede transformar la forma en que improvisar.

En las escuelas, ii-V se imparten en el mismo formato: primero se aprende la función de cada cuerda (los cables Supertonic a la dominante y resuelve a la tónica) y luego se estudia la relación y la voz líder entre las cuerdas (7-3 resoluciones entre ii-V7 y V7-I). Esto es importante de entender, pero sólo representa una comprensión mental de esta progresión esencial. Lo que hay que hacer para realmente entender esta progresión es escuchar los acordes realmente progresando de una a otra. Yo no entendía completamente ii-V hasta que transcribí una línea para mí y aprendí en los 12 llaves. Con esta línea finalmente pude escuchar con mis propios oídos la tracción tonal de la progresión y los 7-3 resoluciones que había aprendido en la escuela. La progresión ii-V7-I es algo que siempre va a trabajar en todo el tiempo que se está esforzando para mejorar como improvisador. Siempre se puede transcribir una nueva línea o incorporar una nueva idea armónica en esta progresión cansado y cierto. Tratar de reunir diez líneas ii-V de tus discos favoritos como un comienzo. John Coltrane puede ser recordado más por sus "hojas de sonido" y sus discos emblemáticos como A Love Supreme, pero antes de que él estaba empujando el sobre en el jazz, que estaba jugando a la mierda de ii-V. Escuchar y estudiar el clip a continuación del solo de Trane en Aviso del Momento. Preste mucha atención a la forma en que navega la numerosa ii-V en los ocho primeros compases de la forma:

5. transformaciones y cambios de ritmo Después de aprender a jugar, más ii-V, la lucha contra los cambios de ritmo es el siguiente paso lógico. Una vez que vea cómo conectar el ii al acorde V7, haciendo lo mismo con la cuerda iii-VI7 es simple. Con el tiempo, me di cuenta de que un cambio era esencialmente de

dos ii-V7 a poner juntos y esto hizo que la progresión mucho más fácil de jugar, más. Usando las mismas técnicas que empleaba a más de ii-V7 de, empecé a ver esta progresión pop-up en un sinnúmero de normas. La trampa aquí era evitar sonar repetitivo con esta progresión muy común, sobre todo cuando se trataba de jugar sobre cambios de ritmo. Una vez más, se esfuerzan por encontrar diez líneas para jugar durante esta secuencia. No se deje atrapar con una sola línea la próxima vez que en solitario sobre cambios de ritmo. Por otra parte, no se siente como usted tiene que jugar cada acorde en la progresión cada vez que juega un vuelco. Si usted escucha a los grandes, a menudo juegan el acorde I para toda la secuencia. Por ejemplo, escuchar cómo Miles, Sonny Rollins, y Monk juegan sobre la sección A de Oleo. En algunos coros que están delineando claramente cada acorde de la progresión y en los demás que están jugando sobre la tónica.

6. Alterar acordes V7 El acorde V7 es uno de los acordes más versátiles que podemos improvisar más. En la parte superior de este sonido que puede implicar una serie de diferentes armonías que varían en su nivel de disonancia. En un determinado momento de mi desarrollo, me hice muy aburrido con mi forma de forma de jugar en los sonidos V7. Yo tenía mis de B9 y # 9 de y escalas alteradas, pero simplemente parecía que no había nada nuevo para jugar. Yo no sabía que esto no podría estar más lejos de la verdad. El acorde V7 puede tomar cualquier cosa que usted puede lanzar en él armónicamente. Trate de tomar un enfoque triádico por ejemplo. Durante un acorde C7, explorar la

reproducción de un C Maj. Tríada y Bb mayor tríada. ¿Qué tal un C Maj. Tríada y D Maj. Tríada, lo que implica un sonido V7 # 11. Explorar las posibilidades de utilizar un sonido disminuida, grandes tríadas separados por terceras menores (C, Eb, F #, y A sobre C7). Estas son sólo algunas ideas en torno a la utilización de las tríadas. Una buena manera de practicar esto es ir al piano y probar diferentes sonidos sobre un acorde V7. Sé tan creativo como usted puede y poner a prueba la tolerancia de su oído. Con esto en mente, tomar un escuchar el vídeo a continuación de Mulgrew Miller juega sobre Woody 'n Usted y estudiar la forma en que altera los distintos acordes V7 en toda la melodía:

7. implicando tonalidades relacionadas Después de un rato, llegarás a la conclusión de que puede implicar cualquier número de armonías durante un determinado acorde o progresión. Durante V7 acordes se puede jugar Principales 7º de, usted puede jugar 3ro de menor importancia en un séptimo acorde mayor, puede reproducir E Major sobre F Major, y una multitud de otras combinaciones disonantes. El truco sin embargo, es jugar estas armonías fuera como era de líneas bien situado, no forzando escalas no relacionados y tríadas sobre progresiones estándar. Este es un proceso que lleva tiempo y un poco de ensayo y error en la sala de ensayo, pero cuando usted está atascado en un callejón sin salida armónica, este concepto puede darle posibilidades ilimitadas. Echa un vistazo a el clip a continuación de Michael Brecker jugando sobre azul Bossa. Como se puede escuchar de inmediato, tiene tal control del instrumento y la armonía que puede jugar, literalmente, todo lo que quiera sobre cualquier acorde:

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Sus suposiciones sobre lo que transcribir Publicado Por Forrest En 09 de septiembre 2012 @ 22:10 En Transcribir | No Comments

La gente ha estado escribiendo en mucho últimamente nos preguntaban qué está bien y lo que no está bien para transcribir. Con todos los diferentes estilos de jazz y géneros de la música, la gente está totalmente confundido en cuanto a lo que es aceptable para transcribir. Tengo que admitir que, al recibir estas preguntas, yo estaba un poco confundido. Me dije a mí mismo: "¿Cómo puede alguien no sabe qué transcribir?" Hablamos constantemente de cómo elegir solos a transcribir. Todo se reduce a esto: hay que amar lo que estás transcribiendo. Pero a medida que las preguntas continuaron a llegar, empecé a darme cuenta de que la gente llega a transcribir con un puñado de supuestos que los mantienen con grilletes en su búsqueda como un improvisador.

La primera suposición: Yo sólo estoy autorizado para transcribir Bebop Jazz se compone de un lapso de unos 5 o 10 años, ¿verdad? Tan mal. Hay toda una historia de esta música antes y después de la llamada era "Bebop". Y mientras estaban en eso, vamos a hablar de todas estas jazz "períodos." Jazz se divide comúnmente en todas estas pequeñas cajas limpias, con pequeños y agradables nombres. Swing, Bebop, Hard Bop, Modal, gratuito ... y los pequeños y agradables nombres seguir ... Y luego cada músico es luego metió cuidadosamente en cada una de estas categorías. Charlie

Parker va aquí, Cannonball allí, pondremos Trane allí, y vamos a tirar Miles aquí. De acuerdo, hecho! Eso es jazz! La retrospección es 20/20 Mirando hacia atrás, parece que pensamos que el jazz pasó de esta manera ordenada ordenada. No lo hizo. Los llamados beboppers jugaron con duras Boppers, discos-boppers jugados con modalers, y muchos eran todo lo anterior, al mismo tiempo. No hay nada malo con este sistema de clasificación. Lo creas tanto o tan poco como quieras. Sólo entiende que es simplemente una clasificación del sistema de cómo la música se desarrolló y cómo clasificar los diversos estilos que estás escuchando. Este sistema se vuelve problemático cuando se está aprendiendo jazz. ¿Por qué? Debido a que el segundo comenzamos a entrar en esta música, nos encontramos con un billón de personas diferentes, todos parte de alguna rama mutuamente excluyentes del árbol más grande que jamás haya existido. Sólo quiero aprender jazz, y ahora en lugar de práctica, estoy tratando de entender la diferencia entre Bebop y Hard-bop. En lugar de centrarse en los períodos, se centran en los jugadores. Estudia la historia de su instrumento a través de los ojos de un jugador, no un historiador del jazz. Usted no es un académico, eres un jugador. Aprenda como uno. No hay ninguna regla no escrita que dice que hay que atenerse a cada vez que los historiadores consideran la era del jazz bebop comenzó y terminó. Por supuesto, usted no quiere hacer caso omiso de ella tampoco, pero ¿por qué lo haría? Te encanta el jazz. Por lo tanto, sólo tiene sentido que usted seguramente encontrará un Charlie Parker en solitario, o un solo de Sonny Rollins, o un solo de Clifford Brown que pone los pelos de punta. Usted no debería tener que esforzarse mucho para aprender de esta "era Bebop", porque te garantizo algunos de sus jugadores favoritos son de esta época. De lo contrario no estarías cautivado por esta música y el deseo de jugar tan mal. Los maestros, libros y artículos enfatizan el aprendizaje de este tiempo-periodo debido a que todos los fundamentos del lenguaje del jazz pueden ser captadas a partir de estos jugadores. No se puede ignorar. No hay manera de evitarlo. Debido a su papel esencial en ser un improvisador fluidez, se ignora cualquier otro período de tiempo en el ingenioso jazz-historiador-línea de tiempo. Esto me lleva a otra pregunta común: cómo jugar moderna? Si yo tuviera un dólar por cada persona que hace esta pregunta, estaría establecido desde hace bastante tiempo. ¿Cuál es el secreto para ser moderno? ¿Cómo consigo que el sonido moderno? Escucha esto:

Así que, ¿cómo conseguir que el sonido moderno? Fácil. Dejar de creer que sólo hay un pequeño periodo de que se te permite transcribir a partir. Te garantizo que cada jugador moderno de hoy estarían de acuerdo en que su propio juego no se compara en términos de "modernidad" a gran parte de la música que vinieron antes que ellos. Hay mucho que aprender de la música que vino antes y después de la temporada diez años que la mayoría de la gente transcriben exclusivamente de.

El segundo supuesto: Sólo puedo transcribir mi instrumento Quién has transcrito últimamente? ¿Es que todos juegan su instrumento? En su mayor parte, es probable que lo hacen. Eso está bien, sólo sé que usted no tiene que atenerse a personas que desempeñan su instrumento. Tenemos la tendencia a pegarse a transcribir nuestro propio instrumento por varias razones. Uno, es simplemente más fácil. Al escuchar su propio instrumento con todos sus idiosincrasias y rango típico, es mucho más fácil de escuchar lo que está pasando. Tome un saxofón, añadir unas octavas, cambie el tono, y alterar por completo el mecanismo de ... bueno, si eres un saxofonista, las cosas ahora mucho más difícil de escuchar. Usted ya escuchar un montón de músicos que no juegan su instrumento, por lo que elegir uno y sumergirse en. Michael Brecker encantó la forma guitarristas del partido, por lo que, naturalmente, comenzó a averiguar lo que tocaban. ¿Por qué crees que a veces suena como si estuviera trituración una guitarra cuando juega? Influencias de otros instrumentos pueden cambiar dramáticamente su concepto. Por supuesto, el estudio de jugadores de su instrumento, pero no se detienen ahí. Siempre se puede transcribir otro solo Cannonball, así que ¿cómo combate aprender algo de Bill Evans o

Freddie Hubbard?

El tercer supuesto: Yo sólo estoy autorizado para transcribir el jazz Esta es posiblemente la hipótesis más extendida. Tengo una idea de por qué esto es. El jazz es un lenguaje. Lo decimos. Lo dices. Sus profesores dicen. Todo el mundo lo dice. Debido a esta declaración, tal vez pensamos que el lenguaje está completamente definido y hecho en evolución. Por lo tanto, debemos aprender el lenguaje de las personas que hablaban y eso es todo. Esto no es América. Jazz no es una lengua muerta. No estamos tratando de preservar exactamente lo que se ha creado. El jazz es la vida, la respiración, el lenguaje dinámico que se expande constantemente, sin perder su esencia del pasado. Una simple mirada a la historia del jazz revela esto. Parker escuchó Bartok y Hindemith y Stravinsky. Trane aprendió de ellos la música de Ravi Shankar, tomó algunas lecciones de él, e incluso nombró a su hijo después de él! Miles estudió las puntuaciones de todos los grandes compositores clásicos. Usted puede y debe aprender de toda la música. Esto no significa que se ignora el lenguaje del jazz. Esto significa que usted está en constante búsqueda de nuevos sonidos emocionantes fuera del jazz que capturan y aprender de ellos. He aquí algunos ejemplos de la música clásica: Escuche esta versión de Stravinsky realización de Firebird en 1965. Simplemente hermoso.

Y el Concierto de Bartok para Orquesta

Y escuchar cómo "moderna" Schoenberg era ya en 1942

Os dejo con estos pensamientos del propio Schoenberg ... "Alexander von Zemlinsky me dijo que Brahms había dicho que cada vez que se enfrentó a problemas difíciles que consultaría una obra significativa de Bach y una de Beethoven, los cuales siempre se utiliza para mantener cerca de su pie-escritorio. ¿Cómo manejar un problema similar? Por supuesto, el modelo no fue copiado mecánicamente, pero su esencia mental, se aplicó en consecuencia. De la misma manera que he aprendido, a partir de la Heroica, soluciones a mis problemas: cómo evitar la monotonía y el vacío; cómo crear variedad de la unidad; cómo crear nuevas formas de cada material básico; cuánto se puede lograr mediante ligeras modificaciones si no es mediante el desarrollo de la variación de pequeñas formulaciones a menudo bastante insignificantes. A partir de esta obra maestra también aprendí mucho de la creación de contrastes armónicos y su aplicación. Consejos de Brahms fue excelente y me gustaría que esta historia podría persuadir a jóvenes compositores que no deben olvidar lo que nuestros antepasados ​musicales han hecho por nosotros ". No se limite a aprender de la "era del bebop", o la gente en su instrumento, o simplemente el lenguaje del jazz. Cuando se trata de la transcripción, deshacerse de todas sus suposiciones. Como subraya Schoenberg, vuestros antepasados ​musicales se han ocupado de problemas similares y todo su trabajo está ahí para usted. Ni siquiera tiene que pedir.

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Aprovechar el poder de los Opuestos Publicado Por Forrest En 25 de julio 2011 @ 1:12 En Conceptos, Oreja, Jazz Educación, Mito, Perspectiva | No Comments

Las cosas no siempre son lo que parecen ser. A veces el consejo estándar no llega a donde quieres ir. He aquí una idea: se acerca a lo que estás tratando de lograr haciendo lo contrario. Ahora, esto no funcionará para todo, pero muy bien puede resolver los problemas persistentes que sólo parece que no puede entender. He aquí sólo algunos ejemplos de cómo aprovechar el poder de los contrarios.

Para jugar en voz alta, el juego suave Nuestra primera inclinación al querer jugar en voz alta es hacer volar nuestros cerebros y bombear el aire tanto como sea humanamente posible a través de la bocina con la esperanza de producir un sonido fuerte. Esta columna violentamente fuera de foco de aire tendrá un momento difícil de activar el instrumento y haciendo resonar en su máxima capacidad. En lugar de acercarse fuerte jugando de esta manera, utilice la táctica opuesta: la práctica tocando suavemente. ¿Cómo se puede practicar en voz baja le enseñe a jugar en voz alta? Utilizando el saxofón como ejemplo, jugar en voz alta no es una pura función de la cantidad de aire que ingresa en

el instrumento. De hecho, tiene más que ver con la forma en que se centra su aire. Primera práctica de la reducción de su volumen a un débil susurro y aprender a enfocar su corriente de aire como un rayo láser. Luego, poco a poco aumentar el volumen mientras se mantenga este enfoque. A través de este proceso de aprender a jugar fuerte jugando suave, te darás cuenta de un cambio dramático en la forma de poner aire a través de la bocina, dando mucho más volumen y más control.

Para jugar rápido, juego lento Todo el mundo quiere jugar rápido. Es algo sobre la naturaleza humana, estamos enamorados de esta habilidad. Estamos tan asombrados de la misma, que a menudo nos saltamos el aprendizaje de jugar líneas líricas melódicas todos juntos, a favor de intentar jugar para aclarar rápido-corre. El resultado es descuidado. Una aproximación en el mejor. Líneas rápidas se basan en la posibilidad de construir primero las líneas en tempos más lentos de una manera creativa y con confianza. Escuche a Charlie Parker, John Coltrane, o cualquiera de los grandes. ¿Es que siempre juegan rápido? Claro, en un tono como Cuenta atrás Coltrane se quema, pero luego en el mismo disco que da la vuelta y juega una de las más bellas baladas jamás registrados: Naima. Trane obviamente shedded tempos lentos y medianas con gran detalle, trabajando hasta los tempos rápidos que él tan bien conocido. Escucharle tocar Oigo una Rhapsody y prestar mucha atención a sus líneas de tempo medio, las ideas fluyen sin esfuerzo. Perfección.

Para reproducir una melodía (muchos acordes), jugar algunos acordes Un método improductiva típica de aprender una melodía: poner en el play-largo de la derrota

de una melodía que desea aprender, jugar a través de la cabeza una vez, y saltar en coro solos después de coro con el objetivo de mejorar más la armonía. Todo este método hace es arraigar hábitos pobres. ¿Por qué tratar de jugar durante muchos acordes cuando se mantenga tropezando con la misma pocos cada coro? En su lugar, encontrar las áreas problemáticas, lazo en Transcribe, y trabajar en ellos hasta que esté azul en la cara. Y, por otra parte, ¿por qué acercarse a los acordes como un conjunto (un coro completo) cuando la mayoría de los temas están compuestos por las mismas secciones repetido un par de veces. Por ejemplo, una canción AABA solo tiene dos secciones, así que por qué inicialmente lo practican de forma lineal? Tome la sección "A", el lazo en Transcribe hasta que sea sólida, y luego hacer lo mismo con la sección 'B'. Una vez hecho esto, acercándose a toda la melodía será mucho más fácil.

Para escuchar la armonía compleja, escuchar sencilla armonía Al escuchar un acorde complejo Todo comienza con escuchar los elementos más básicos: intervalos. Desde intervalos, trasladarse a las tríadas. De tríadas, pasar a acordes de séptima. Desde acordes de séptima, mueva con acordes con 9ths, 11nas y 13ths. Incluso acercarse a los acordes de barra o acordes de racimo, los acordes que la gente comúnmente piensa en tan complejo, es simplemente una manera de construir sobre básica de entrenamiento del oído fundamental.

Para reproducir moderna, gire a la tradición Siempre estoy sorprendido de escuchar a algunos jugadores muy modernos dicen que están transcribiendo. Un saxofonista increíble tomé una lección con me dijo que estaba en el proceso de la transcripción de Lester Young. Yo estaba completamente sorprendido. Perdone, ¿por qué estás transcribiendo Lester Young ??? !!! Pero resulta que muchos de los conceptos y las ideas modernas se inspiran en la tradición. Gran parte de lo que consideramos la cadera y en la actualidad moderna, muchos jugadores y compositores estaban experimentando con muchos años atrás. Puede ser desde una línea de Lester tocaba, o tal vez en la obra de un compositor clásico como Stravinsky o Ravel. De cualquier manera, mirando hacia atrás para ir hacia adelante es siempre recomendable.

Para obtener la libertad, jugar dentro de restricción Libertad definitiva parece llegar a través de la práctica de una manera libre, sin embargo, esta verdadera libertad simplemente no surge de la práctica directa de esta manera. La imposición de restricciones en su juego le permite aislar un aspecto particular de su juego. Es estas restricciones, que luego crean la libertad en esta área. Es contrario a la intuición,

pero los rendimientos de restricción y limitación de la libertad y la flexibilidad.

Para tener más vocabulario, centrarse en menos Todos podríamos tener más idiomas. En este deseo de más lenguaje, a menudo nos escatimamos de cuánto practicamos una línea en particular. No trabajamos a través de todas las llaves, o hasta el punto de que surge de forma natural en nuestro juego. No, en lugar de pasar a otra línea, y luego otro, y otro, con la esperanza de que esta nueva pieza de vocabulario nos llevará más cerca del músico esperamos ser. Si bien la adquisición de más y más el lenguaje es grande, se centra en el dominio de una base de vocabulario para todas las situaciones es esencial. Centrándose en menos líneas y haciéndolos su propio te llevará mucho más lejos a continuación, tratar de aprender el vocabulario para la cantidad pura. Debido a que usted aprenderá a variar y combinar las líneas que conoces en la variación infinita, que realmente va a terminar teniendo más el lenguaje a su disposición que si pasado por alto muchas líneas.

Para aprender más canciones, dedicar tiempo a menos Del mismo modo que se centra en un menor número de líneas y verdaderamente dominarlos creará una abundancia de vocabulario para usted, lo mismo ocurre con las melodías. Muchas canciones tienen las mismas progresiones recurrentes que una vez que amo en todas las claves será igual de fácil en un tono como el siguiente. En lugar de tratar de hacer frente a 100 melodías, empezar por aprender 10 dentro y por fuera en todas las llaves. Una vez hecho esto, que realmente va a aprender melodías mucho más rápidamente porque usted sabrá cómo abordar con confianza las progresiones comunes que encuentro una y otra vez. Cada uno de estos ejemplos ilustra claramente cómo centrarse en lo contrario de lo que estamos tratando de lograr lo llevará en la dirección de su objetivo. Por supuesto que esta táctica no funciona en todos los casos, pero empezar a pensar en cómo se podría usarlo y estoy seguro que en pocos minutos se encontrará numerosos casos. En mi experiencia, me ha ayudado con todos los temas discutidos en este artículo. ¿Quién lo hubiera pensado, el juego lento y suave, jugar rápido y fuerte?

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No suena como un robot Jazz: 5 pasos para un sonido más natural Publicado Por Forrest En 09 de agosto 2011 @ 23:59 En Perspectiva, Consejos | No Comments

¿Alguna vez se siente como que el sonido mecánico, previsible y aburrido como un robot? Nadie quiere sonar como un robot. Somos humanos. Tenemos pensamientos, ideas, emociones ... y queremos expresar estas cosas en nuestra música. ¿Cómo salir de este estilo de juego rígido y sentimos libres cuando jugamos? Aquí hay 5 pasos de acciones que puede tomar para que suene más natural.

1.) Entrega hasta el momento "El jazz es acerca de estar en el momento" Herbie Hancock

Todo lo que usted practica. Líneas. Acordes. Conceptos. El segundo momento de realizar el jazz debe liberar su mente de todo esto y dejar que la música surge de forma natural. Si usted ha hecho su tarea, se mostrará. Esté preparado por la internalización de la armonía de las canciones que estás realizando, escuchar y transcribir lo que sus héroes reproducir en ellos, el aprendizaje de idiomas, la formación de su oído ... pero cuando llega el momento de jugar, escuchar con más atención de lo que nunca. Liderar la sección rítmica y, al mismo tiempo, responder a su juego. Estar en el momento en que se realiza. El público puede decir si estás realmente presente o no. Es un riesgo, pero aa riesgo bien vale la pena correr porque como Herbie dice, eso es lo que el jazz es todo acerca de: estar en el momento. Dijo que cuando jugaba en el grupo de Miles Davis, Miles diría algo en el sentido de, "Usted practica lo que quieras en la sala de la práctica, pero no traer esas cosas en el escenario. Cuando estás en el escenario, usted juega el momento ". Cuanto más preparado esté, más en el momento en que puede ser. Obtener preparado por el aprendizaje de idiomas y el desarrollo de una base sólida, y pasar un montón de tiempo para aprender a dejar ir.

2.) Aprende a utilizar el espacio Simple y directo. Defina sus frases con un montón de descanso entre ellos. Incluso cuando se juega rápido, enmarcar sus ideas con el espacio. Miles. El maestro:

3.) El juego más rítmica y variar su idioma Gran parte del lenguaje que practicamos se compone de notas principalmente octavo y comienza el latido uno de la medida. Piense en la última dos-cinco que aprendiste. ¿Es todo corcheas a partir del golpe uno?

Transcribir un solo de toda o incluso un solo coro por uno de sus héroes y te garantizo que encontrará que la mayoría de las frases no se inician en vencer a uno, y por otra parte, que varía rítmicamente en todo tipo de formas interesantes; incluso si las líneas están hechas principalmente de corcheas, el solista saldrá notas particulares cabo o hacer otras cosas para definir la línea rítmica. El número uno lo que puede hacer para no suena como un jazz-robot regurgitando los patrones de una manera de cortar y pegar es variar sus líneas rítmicamente. Aprenda a iniciar frases no en derrotar a uno. Más allá de jugar más rítmicamente, aprender a variar el idioma a aprender será de gran ayuda a salir de sonar tan predecible.

4.) Frase sobre la línea de la barra Un robot de jazz frases como esta:

Ellos nunca pensarían en el fraseo de esta manera:

El trabajo en la fabricación de sus ideas se extienden sobre la línea de la barra y no se sentirá tan mecánico.

5.) Escucha lo que quieres jugar, y jugar lo que se oye Con gran parte de nuestra práctica dedicada a las líneas de aprendizaje, la práctica de los conceptos sobre progresiones, y memorizar canciones, a menudo perdemos de vista lo que es tan importante en la improvisación del jazz: escuchar lo que quieres jugar y jugar lo que se oye. No estoy diciendo que las melodías angulares que es posible que desee jugar, pero es incapaz de oír no son válidos, pero que un objetivo principal de la improvisación del jazz es jugar todo lo que eres capaz de escuchar. Muchas veces vamos a estar solos después de coro coro completamente ajeno a la música pasando en nuestra cabeza. Estar en el piloto automático como esto definitivamente no es estar en el momento. Cuando das un paso atrás y recordar a uno, escuchar la voz musical cantando en la cabeza, y

dos, a tocar las notas que oyes, usted vuelve a su verdadera voz. Todo el trabajo de aprender el lenguaje y la audición armonía es ser capaz de hacer esto. Las cosas se vuelven mucho más fácil. Ya no estás empantanado por el peso de cada línea que usted está tratando de recordar, o de todos los conceptos que estamos tratando de encajar. Usted simplemente está enfocado en la creación de música real desde dentro. Se necesita tiempo para jugar a lo que se escucha, pero la idea es con toda su práctica, que se acerque. ¿Va a ser capaz de jugar cada nota se oye? Tal vez después de años y años de práctica dedicada, pero siempre y cuando usted está cada vez más cerca, sabes que estás en el camino correcto.

No suena como un robot Robots Jazz suenan predecible porque no están en el momento en el que juegan. Ellos exceso de juego y comenzar sus frases no definidos en ritmo y uno una y otra y otra y otra. Mantienen sus frases en paquetes aseados que no se atrevería a fluencia sobre la línea de la barra. Y lo más importante que son ajenos a la música en su cabeza, en lugar de centrarse en lo que sus dedos están acostumbrados a. A medida que realiza, se centran en la música que estás cantando en la cabeza y llevarla a la vida en ese mismo momento, el uso de espacio para definir sus ideas rítmicamente emocionantes, ya que se entrelazan sobre la línea de la barra. La música es una extensión de sí mismo y debe sonar de esa manera.

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Técnicas de mezcla de jazz, líneas y Conceptos Publicado Por Forrest En 22 de febrero 2012 @ 12:24a.m. En Conceptos, Jazz idiomas, Perspectiva | No Comments

Cuando practicamos la improvisación del jazz, nos acercamos en un área de estudio tanto que a menudo perdemos de vista el conjunto. ¿Cómo practicamos de esta manera verdaderamente centrado, de forma simultánea, mientras que entrenarnos para llevar a cabo de una manera que expresa todo lo que sabemos? En otras palabras, ¿cómo podemos cambiar nuestro punto de vista a partir de un solo punto enfocado en vista de una lente gran angular, donde somos capaces de sacar de muchos conceptos, líneas y técnicas? La respuesta: mezcla la práctica. La mezcla es precisamente eso. Usted practica mezclar múltiples técnicas durante un coro o varios coros de la improvisación. Al hacer esto, usted aprenderá a ampliar su mirada y no se colgó en jugar lo mismo cada vez.

Cuanto más aprenda a mezclar todo practiques, más estará disponible en presentaciones en vivo, ya que será natural para que usted se mueva de una idea a otra, o para rociar en algún concepto nuevo que has estado trabajando en apenas el momento justo.

Lo que hay que mezclar ¿Qué se puede "mezclar"? Bueno, cuando se piensa en ello, en general, cualquier cosa que usted juega es o bien un trozo de idioma o un concepto. En realidad, ni siquiera un pedazo de lengua de jazz es un ejemplo de los conceptos en la acción, por lo que en esencia todo es un concepto, pero para mayor claridad, prefiero pensar en el lenguaje y conceptos como dos entidades gratuitos. Así, se pueden mezclar: lenguaje con el lenguaje lenguaje con conceptos conceptos con conceptos Estos son todos iguales en términos de su importancia relativa. Usted debe practicar todos ellos.

Cómo practicar mezclando Hay dos formas principales para la práctica de la mezcla. La primera manera de practicar la mezcla es elegir una de las combinaciones anteriores y elegir dos áreas distintas de una melodía para ponerlas en práctica sobre. Por ejemplo, suponiendo que selecciono el "lenguaje con el lenguaje" opción de mezcla. Luego tomaría pieza lengua # 1 y encontrar un lugar en un blues en el que podía jugar, y luego tomo pieza lengua # 2 y encuentro diferente lugar donde pudiera ponerlo en el mismo coro. Si he seleccionado dos piezas dominantes del lenguaje tal vez lo desea:

Esta es sólo una de las muchas maneras que usted puede practicar la mezcla. Por intercalando sus partes predeterminadas con partes improvisadas, se aprende a integrar el idioma o los conceptos de forma natural en su juego.

Usted podría en cambio optar por utilizar sólo el material predeterminado a través de todo el coro, o usted podría utilizar tres piezas de idioma. Hay muchas opciones, pero la esencia es: seleccionar múltiples conceptos o líneas y utilizarlos en diferentes puntos durante el mismo estribillo. La segunda forma principal de practicar mezcla es utilizar dos piezas de lenguaje, dos conceptos, o una pieza de la lengua y un concepto sobre la misma área de una melodía durante diferentes choruses.This podría ser algo como esto:

Una vez más, esto es sólo una muestra de las muchas maneras que usted puede elegir para poner en práctica este ejercicio. Otra opción sería la de reducir la cantidad que está improvisando en un coro, y en cualquier momento se puede utilizar posiblemente una de las piezas de la lengua, los utilizan; alterna la línea que juega cada vez que se encuentra un lugar donde se puede aplicar armónicamente el idioma, sobre todo desde el coro a coro. ¿Cuál de estos dos ejercicios de mezcla es mejor? Los dos son grandes y ambos ceden ligeramente diferentes habilidades. El primer ejercicio te enseña a pensar en múltiples lugares en una melodía de una manera estática. Se le presenta la idea de utilizar dos técnicas de una manera muy prescrito, lo que ayudará a arraigar los conceptos y líneas en el oído, los dedos y la mente, mientras que la enseñanza de cómo utilizarlas en el contexto del mundo real. El segundo ejercicio es más dinámico que usted está pensando en la misma parte de una melodía de diferentes maneras cada vez que se encuentra con él. Esto es un poco más difícil, pero le ayudará a aprender a mezclar intuitivamente sus hábitos, en última instancia conduce a un concepto general más fresco. Comience con el primer ejercicio, ya que le dará a conocer el concepto de mezcla, a continuación, proceder al segundo ejercicio.

Cómo mezclar traduce vivir rendimiento Actuación en directo tiene que ver con escuchar su voz interior y dejar ir, mientras que al mismo tiempo, tal vez, que tiene una especie de hoja de ruta, o una idea general de donde

usted quiere tomar el solo. Ahora, todo el mundo tiene un equilibrio diferente de la forma en que se acercan a esto. Algunas personas, como para dejar por completo ir a ver lo que sale. En realidad, para ser más exactos, se trate de "escuchar" lo que sale ... Otros son conocidos por la planificación de la arquitectura general de un solitario antes de que lo juegan. Donde quiera que se encuentran en este espectro es totalmente suya, pero no importa lo que desea enfocar las cosas, la práctica de técnicas de mezcla le permite obtener allí porque mezcla tiene todo lo que está trabajando y ayuda a cerrar la brecha entre la práctica y en directo actuación. Durante actuación en directo que desea ser capaz de acceder a cualquier cosa que hayas trabajado. Bueno, ¿cómo se hace esto todo mezclado si no ha practicado usted ha trabajado en la sala de la práctica? Tome los ejercicios presentados en este artículo y mezclar su lengua con otro lenguaje, sus conceptos con otros conceptos, y su idioma con sus conceptos. De este modo, podrás transición todas sus ideas musicales en el quiosco de música, que es donde deben estar.

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Inculcar Jazz Idioma A través de Visualización Publicado Por Forrest En 01 de noviembre 2011 @ 23:30 En Jazz Idioma, Visualización | No Comments

Hablamos mucho acerca de inculcar idioma. Es fundamental contar con una serie de ideas a su alcance para cualquier situación armónica dada. Y estas ideas deben ser tan arraigada que usted puede fácilmente hacer que tu propia con poco esfuerzo. La visualización se puede acelerar el proceso de inculcar lenguaje tremendamente.

No se puede visualizar, no se puede jugar Si alguna vez has visto la película de tipo B Sólo el más fuerte, ya sabes que si no puedes ginga, no se puede luchar. Al igual que la Capoeira, en la improvisación, si no puede visualizarlo, no se puede jugar. La visualización es la clave para jugar nada. Es un paso inconsciente que todos tenemos que pasar para poder jugar lo que tenemos en nuestra mente. Esta imagen mental precede a todo lo juegas, te guste o no. Las personas que parecen tener todo a su alcance son simplemente excelentes visualizadores: pueden perfectamente imaginar lo que se siente al tocar algo antes de jugar, casi sin siquiera pensar. Las cosas que es fácil para usted para jugar es la materia que es fácil de visualizar. En términos de la facilidad, el objetivo de conseguir cualquier cosa que está trabajando tan fácil de visualizar, ya que es visualizar una nota. Ahora usted está pensando probablemente, "? Bueno, yo no practico la visualización de cualquier cosa, así que por qué puedo reproducir lo que toco" La respuesta es: su cuerpo

enseñó su mente cómo visualizar la línea a través de la repetición. Usted repite algo una y otra lo suficiente, tu mente "lo consigue", y entonces se puede crear una imagen mental de lo que era esa cosa. Nuestra mente lo hace por todo tipo de cosas, por ejemplo, las actividades físicas, como andar en bicicleta. ¿Por qué puede usted acaba de volver a la bicicleta? A través de la repetición, su mente ha trazado cómo se sentía al andar en bicicleta. Cuando no estás en una bicicleta, se puede visualizar cómo se siente al andar en bicicleta. Cuando usted salta hacia atrás en una bicicleta, usted sabe exactamente qué esperar y su cuerpo sigue su ejemplo. Sin embargo, lo que si su mente podía enseñar a su cuerpo? ¿No le parece como una ruta más directa más simple? Parafraseando Jerry Bergonzi de sus libros estructuras melódicas, el proceso de profesorado mente es mucho más eficiente que la mente enseñanza cuerpo. La visualización es cuerpo docente mente.

Visualice la línea Aprender a visualizar una línea entera es un proceso similar a la visualización de una nota. Asegúrese de pago y envío nuestro primer artículo sobre la visualización para el proceso detallado. Esencialmente, quieres sentirte como si estás jugando la línea de su instrumento. ¿Quieres oír las notas en su mente y sentir lo que se siente tener los dedos presionan las teclas. Creo que es completamente innecesario para ver la línea escrita en su mente, porque cuando llegas a la visualización de la lengua como este y no notas individuales, el material es mucho más difícil de anotar con precisión. Incluso si se pudiera anotar con precisión, no creo que tratar de "ver" un montón de notas en su mente le ayudaría, pero como siempre, averiguar lo que funciona para usted. Sólo asegúrese de capturar el sonido y la sensación física de jugar en su visualización. A veces, la lucha contra toda una línea es abrumadora. Para empezar, romper la línea en partes manejables. A continuación, puede poner estas piezas juntas una vez que estás cómodo con cada uno. Después de hacer esto por un tiempo, usted fácilmente podrá visualizar las líneas más largas. Una vez que se rompe la línea de ser necesario, es muy importante entender cómo la línea, o un pedazo de la línea para el caso, se relaciona con el sonido que estás jugando más. Trate de saber exactamente qué acorde está jugando termina cuando usted practica el trozo de lengua y ser conscientes de lo acorde tonos que estes. Esto le ayudará a entender el sonido, la construcción, y la flexibilidad de la línea. Por supuesto líneas se pueden aplicar a muchas situaciones armónicas diferentes, pero ayuda a tener una base de por dónde empezar una línea armónica.

Así que, cuando se toma la línea en su mente a través de todas las claves cromáticamente, sí que es el siguiente paso, ser consciente de cada acorde y el tono acorde. Ir muy lentamente y tender a la perfección. Repita cada tecla hasta que todo es fluido y sin ningún tipo de tensión mental. Recuerde que debe ser tan fácil como la visualización de una nota. Usted puede hacer todo esto justo antes de irse a la cama. Si les ayuda, escriba las líneas que desea visualizar (acaba de escribir en una clave) y colocarlos en su mesita de noche como recordatorio. Cada noche, pasar cinco o diez minutos que se ejecutan a través de ellos. Van a marinar en su cabeza mientras sueñas y quedan arraigados en un nivel subconsciente. O mejor aún, con cinta adhesiva a una pared cercana al lado de su cama y cada vez que nos fijamos en ellos, tomar una de las líneas a través de las teclas en su mente. Este aparentemente simple táctica es tan poderoso. Cualquier cosa que usted desea aprender, simplemente ponerlo en frente de su cara. Es así de fácil. Recordar: Escucha la línea de todo lo que suena en tu mente En su mente, sienten cómo sus dedos se sentirían como presionan las teclas de su instrumento Divida la línea en partes manejables y llevarlos cromáticamente o por el ciclo que pasar por todas las claves Manténgase al tanto de cada acorde que se encuentra y cada tono de acordes Sea preciso e ir muy lento Usted hace todo esto a través de la visualización y el idioma que desea para arraigar en tu mente será permanentemente estar allí, por lo que ser selectivo!

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¿Por Transcripción A Whole Solo te ha llegado a ninguna parte Publicado Por Forrest En 23 de octubre 2011 @ 22:30 En Jazz Idioma, Consejos, Transcripción | No Comments

Así que finalmente transcrito su primer trabajo en solitario, pero, por desgracia, no te sientes como si estuvieras en la mejora de la rapidez que le esperaba. ¿Dónde ir mal? Esta es una situación común. Conozco personas que han transcrito cientos de solos, pero poco a nada de esto se traduce en su forma de tocar. Transcribir solos enteros es un montón de trabajo y si lo haces bien, puedes aprender un montón. Por otro lado, si, si no te acercas a la derecha, usted puede perder un montón de tiempo.

Transcripción no es suficiente Los principales problemas se encuentran con la gente con la transcripción de solos de todo es que ellos juegan el solo de una y otra sin tener que tirar lo distingue. Romper el solo de entender sus partes es esencial. Imagínese que usted es una tienda de knock-off que hace iphones de imitación y que sus reproducciones son tan buenos, que nadie puede decir la diferencia. Para ello, su tienda tendría que desmontar muchos iphones para entrar en el funcionamiento interno de cómo todo encaja.

Esa es la actitud que necesita tener al transcribir. Es una actitud de ingeniería inversa, de desmontaje, de la comprensión de cómo las partes crean el todo, y cómo los elementos más pequeños a crear las piezas. No es la notación y el análisis, pero que puede desempeñar un papel en el proceso si lo desea. Si le ayuda a escribir a cabo para entender lo que está pasando, no hay nada malo en ello. Creo que la precaución de la gente acerca de cómo escribir solos negativo es que la gente va a utilizar la copia escrita como una muleta para recordar y para jugar el solo. Usted nunca debería necesitar una copia por escrito de un solo de jugar; siempre y cuando se recuerda que, escribiendo un solo por puede fortalecer sus habilidades de notación y su capacidad de traducir lo que estás escuchando a la página escrita. Eso sí, no te pierdas en el análisis. La mayoría de las personas tienden a pasar la mayor parte de su tiempo a la obtención de un solitario a la página escrita y analizarla. Estas dos cosas no van a beneficiar a su jugar casi tanto como sacar cada frase que te gusta de la solista, la comprensión de lo que los hace funcionar, y el aprendizaje en todas las claves. Transcribir todo un solitario no es suficiente. Es un montón de trabajo y es por eso que es tan tentador detenerse allí. Créeme, todavía hay una serie de solos que he transcrito y jugar todo el tiempo que yo todavía no he tomado el tiempo para romper en pedazos. Piensa que esos solos han influido y ayudado a mi juego tanto como otros? Una vez que hayas terminado de transcribir un solo en su totalidad, asegúrate de que tienes a la siguiente etapa de tirar lo distingue. Incluso si usted tiene que esperar varias semanas para empezar a tirar aparte, hazte un favor y no te detengas todavía.

Traduciendo solos enteros a lenguaje útil Pero incluso las personas que tienen sus frases favoritas de un solitario, estudiarlos, y aprenden de ellos en todas las teclas siguen teniendo problemas para traducir las líneas en lenguaje útil. Esto se debe a que, por alguna razón, nos gusta mantener todo transcribimos intacta en él es condición original. Por ejemplo, la gente va a transcribir todo un solitario, y luego encontrar una frase de cuatro medidas que les encanta, estudiarla, aprenderla en todas las llaves, y empezar a aplicarlo a las melodías. Suena genial ¿no? Pero una frase de cuatro medida es bastante engorroso e inflexible. Es muy difícil mantener el uso de una línea tan grande en su juego, sin embargo, la gente se siente como que sería una blasfemia para cambiar la línea de ninguna manera. Recibimos preguntas todo el tiempo preguntándonos cómo aplicar líneas transcritas a melodías y la respuesta es casi siempre la misma. Deja de tratar de integrar una línea tan grande en su juego.

En serio, ¿cómo espera utilizar una línea de cuatro medida en su juego? O para el caso, incluso dos medidas es bastante largo. ¿Qué hacer en su lugar? Divida la línea en partes utilizables pequeños. Estos podrían ser una medida de largo, un par late ... cualquier cosa que usted puede combinar fácilmente con algo más. De esta manera, usted realmente tiene pequeñas piezas utilizables de información en lugar de una enorme línea inutilizable. Está bien. En realidad, se puede tomar un pedazo de una línea. No es necesario tomar todo el asunto. Tome lo que quiera que te gusta. Cambie o dejarlo igual. Al intentar esto, usted tendrá un cambio completo en su juego. Es como si antes sólo tenía palabras como "antidisestablishmentarianism" a su disposición, y ahora tienes palabras como: Wow, es, fácil, a, combinar, más pequeños, bits, de información, de, forma, coherentes, más grandes, declaraciones . Me entiende?

Cómo conseguir realmente en algún lugar con su próximo solitario Todo el mundo tiene una idea diferente de lo que funciona para ellos cuando se trata de la transcripción. Algunos aprenden mejor por transcribir solos enteros, mientras que otros prefieren frases solamente pequeños. En mi experiencia, los dos son valiosos y animo a todos a hacer las dos cosas, no favorece una sobre la otra. La próxima vez que usted hace aprender todo un solitario, no sólo aprender a aprender, o anótelo y analizarlo. En su lugar, separar todo el solista en sus partes más pequeñas. A continuación, obtener aún más pequeño y traducir estos pequeños trozos de información en sus propias líneas. Con este proceso, transcribir solos enteros tendrá gran impacto en su juego que son conocidos por.

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3 Pasos sencillos hacia Jugando Lo que escucha Publicado Por Forrest En 03 de febrero 2012 @ 12:30a.m. En Oído | No Comments

Ya lo ha escuchado una y otra vez ... "jugar lo que escuchas!" Pero, ¿cómo ir sobre la realidad de jugar lo que estás escuchando? ¿Y cómo usted oye las cosas que quieres jugar? Reproducción de lo que se oye suena fácil en teoría, pero es mucho más difícil en la práctica. Cuando se piensa en ello, es una especie de todo el punto. Si se podía oír todo lo que quieres jugar y jugar todo lo que oyes, puede tocar cualquier cosa que quería. Dicho esto, el consejo, "jugar a lo que se escucha," no es una tarea fácil. Sin embargo, hay muchas maneras de conseguir más cerca de la meta de escuchar lo que usted juega y jugar lo que se oye. Aquí hay un proceso sencillo para conseguir el balanceo pelota y avanzar rápido.

Paso 1: conecte su voz al oído de su mente El primer paso para jugar lo que se oye no tiene nada que ver con su instrumento. Es sólo que: la conexión de la voz que produce el sonido en su mente, con su voz de canto. Cualquier persona puede desarrollar esta habilidad. Todos tenemos la capacidad de oír voces y sonidos en nuestra cabeza, de hecho, a veces es difícil apagarlos! Sin embargo, no todo el mundo aprende a controlar esta voz interior. Es esta voz interior donde todo proviene. Para este primer paso, se sientan en silencio y cierra los ojos. Gire toda su atención a la voz

en su mente. Instruya a su voz interior para "cantar" un sólido terreno de juego continuo. Centrarse más en este terreno de juego y simplemente mantenerlo en marcha. Luego, imagine el sonido cada vez más visual en su mente y deje que se amplifican. Una vez que se puede lograr fácilmente este lanzamiento generación en su mente, muy, muy calladamente, tararear el terreno de juego que usted está escuchando. Ahora, en este punto de su respuesta inicial será la de dar vuelta a su atención lejos de la voz interior de su mente, y en su lugar se centran en la voz real. Aquí es donde el punto más crucial en el proceso se lleva a cabo: volver su atención a su voz interior, pasando en su mente, mientras continúa a tararear. En realidad es muy difícil. Tu mente va a querer cambiar instantáneamente a tu verdadera voz del segundo de empezar a tararear e ignorar por completo su voz interior. Resista la tentación, y trabajar en mantener la concentración en la voz de su mente. Al comenzar a ser capaz de lograr esto, empezar a subir el volumen de su voz real a medida que continúa pagando más y más atención a su voz interior. Desafortunadamente, esto hace más difícil a medida que más fuerte con su voz real. Sigue trabajando en ello y pronto serás capaz de concentrarse en la voz en su mente, incluso si estás cantando en voz alta. Y el punto de hacer esto con tu voz es que es el mismo, una vez que lo hace en su instrumento; podrás jugar mientras se escucha con atención a la voz en su cabeza, que es muy importante si usted está tratando de jugar a lo que está pasando en tu cabeza.

Paso 2: conecte los dedos para el oído de su mente Después de trabajar en la conexión de su voz al oído de su mente, es el momento de conectar los dedos para el oído de su mente. Escoja una melodía como Feliz cumpleaños o cualquier otra melodía muy simple que usted sabe por el oído; algo que se puede cantar fácilmente en su cabeza. A continuación, lo que hizo en la primera etapa con un solo lanzamiento, hace ahora con toda la melodía del feliz cumpleaños. Así, se sientan en silencio, escuchar la melodía en su cabeza y tararear suavemente mientras sigue prestar atención a la voz en tu cabeza. Después de escuchar y cantar él, tocar la melodía en su instrumento, pero jugar completamente basada en la escucha de la voz en tu cabeza. Deje que su oído sea su guía al cien por cien. No trate de calcular dónde va o para pensar en las cosas en términos de teoría. Sólo escuchar la voz en su cabeza y que coincida con cada nota en su instrumento. Mientras que coincida con cada nota, al igual que había que recordar a centrarse en la voz en su cabeza en lugar de su verdadera voz, hacer lo mismo en este paso; con cada nota de la melodía tocada en su cuerno, asegúrese de que está continuando a concentrarse en el sonido que está pasando en tu mente. Esencialmente se debe sentir como si usted está escuchando la radio en su mente y usted es

simplemente copiando todo lo que está escuchando. Una vez que usted puede hacer esto con feliz cumpleaños, subir un medio paso y hacerlo en esta nueva clave. Una vez más, hacerlo todo por la escucha de la voz en su mente. Su mente analítica se quiera pensar en relaciones intervallic y centros clave. Por el bien de este ejercicio, deje la teoría fuera de él. Utilice sólo sus oídos, porque eso es lo que estamos tratando de desarrollar. Usted está apuntando para desarrollar esta profunda conexión entre la voz de tu mente y tus dedos. Si va a aplicar la teoría de averiguar a dónde va, si no se pierden sobre todo lo que se podía ganar con este ejercicio. Luego tomar la melodía por el resto de las teclas de la misma manera.

Paso 3: conecte el lenguaje del jazz con los dedos y el oído de su mente Simplemente conecta tus oídos para los dedos no completar el rompecabezas, ya que todavía tiene que llenar su cerebro con las cosas que quieres jugar. No, no mágicamente llegar. Se llega a través alimentando con una tonelada de lenguaje, transcribir, y escuchar. Pero, esta adquisición del lenguaje, la transcripción, y la escucha debe ser hecho de una manera activa, utilizando el método que se introdujo en el primer paso: se escucha con claridad las cosas en su mente, usted canta con precisión, y usted seguirá centrándose en el sonido en su mente incluso mientras cantas. Por lo tanto, adoptar una línea que ha estado trabajando o quieres aprender y empezar a escuchar en tu mente. Oír cada nota perfectamente. Entonces tararear en voz muy baja mientras continúa para centrarse en el sonido en su mente. Poco a poco aumentar el volumen de su voz hasta que pueda cantarla todo volumen sin dejar de ser capaz de escuchar la voz en tu cabeza con claridad. Entonces, tal como lo hizo con el feliz cumpleaños, hacer lo mismo con su instrumento. Reproducir la línea mientras se escucha todo perfectamente en el oído de su mente. Hacer esto con el lenguaje llenará su oído interno con las cosas que quieres jugar. Con el tiempo, se le escuchando toda clase de nuevo material procedentes de otras cosas que se aprenden. Así es como funcionan nuestros cerebros. Siempre están tratando de encontrar nuevas formas de combinar y transformar los datos antiguos. Mantener la alimentación de su cerebro la música que te gusta y que responderá de forma creativa.

Todo es cuestión de que sutil atención Cuando usted se centra su atención es la comida para llevar más importante de este artículo. Tu mente quiere centrarse en una tarea a la vez y que está en constante actualización donde pone su atención en base a la nueva retroalimentación que está recibiendo. Es por eso que cada vez que cantar o tocar su instrumento, su atención quiere alejarse de la voz en su mente y en la nueva fuente de sonido. Es que el interruptor sutil en la atención que nos aleja de jugar lo que oímos, porque ya no

estamos escuchando algo, o más precisamente, lo que está pasando musicalmente en nuestra mente ya no está recibiendo ninguna atención y por lo tanto, no tiene ninguna esperanza de ser producido en nuestro instrumento. La comprensión de esta sutileza y la comprensión de cómo colocar su atención en la que desea es la clave para jugar lo que estás escuchando. Puede reproducir lo que se oye, pero es un proceso. Un proceso que se le de trabajo a disposición de toda su vida. Cada vez más cerca y más cerca es el nombre del juego, y mientras lo haces, te estás acercando a jugar todo lo que puedas soñar.

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El uso de tríadas en tus Solos Publicado por Eric En 17 de mayo 2010 @ 22:16 En Conceptos | No Comments

Después de jugar una melodía por un tiempo, puede parecer que usted está jugando las mismas ideas o lame sobre los cambios en todo momento. Por ejemplo, usted ve un acorde menor D y piensa "menor bien D, puedo tocar una escala dorian D o una escala menor armónica D o arpegiar de la tercera .." y después de un tiempo, se puede ver que no hay nada nuevo en juega o que se va por el mismo camino en este acorde en todo momento. Una cosa que puedes hacer en esta situación es encontrar una nueva manera de acercarse a esos cambios familiares, lo que obligó a sí mismo a probar una nueva técnica para que evitar jugar esos mismos licks de edad. Una opción es acercarse a esos acordes comunes, en los que normalmente se juegan escalas, con tríadas o grupos de tríadas para crear una nueva sonoridad armónica. Hay infinitas maneras de combinar armónicamente tríadas, rítmica y melódicamente para crear nuevas ideas para la improvisación. Echa un vistazo a este vídeo en directo de Chris Potter jugando con Dave Holland para tener una idea de las posibilidades de utilizar tríadas (y cuartas) en un solo. Bien ... gracias Chris, ahora que todos queremos dejar a nuestros instrumentos. Pero en serio, que el video fue un ejemplo de lo que puede suceder cuando usted explorar nuevos enfoques de acordes y realmente dominar la técnica detrás de ellos. Aquí están algunas ideas sobre cómo comenzar a incorporar algunas triadas en su juego ...

Tríadas diatónicas La primera manera de utilizar estas tríadas es utilizar los que usted está jugando ya familiar; tríadas que ocurren naturalmente en los modos de la escala mayor. Comience con un grupo simple de dos grandes tríadas diatónicas y alternar entre los dos en cada inversión. Digamos que usted está tratando de solitario sobre un acorde D-7, en lugar de acercarse a este acorde como lo haría normalmente, intente improvisar con sólo una tríada mayor F y una tríada mayor G como se muestra en el ejemplo siguiente:

Debido a que estas tríadas se construyen diatónicamente, trabajarán sobre acordes (o modos) que ocurren naturalmente en la escala de Do mayor. Como se muestra en el ejemplo, usted podría jugar la alternancia F y G grandes tríadas en un Do Mayor, el G7 o F Major 7 # 11 de

acordes. Cada una de estas combinaciones crea un resultado armónico diferente, algunos más eficaces que otros. Por ejemplo, el G-7 y F Major 7 # 11 acordes, todas las notas de esos dos tríadas son bastante estables, una tríada destacando tonos acordes fuertes mientras que el otro hace hincapié en las estructuras superiores. Durante el acorde C no funciona así porque la tercera del acorde no se juega, pero puede ser eficaz si usted acentúa la tríada G y utilizar la tríada F de paso, que no desembarquen en las notas armónicamente más débiles (raíz, cuarto ) en tiempos fuertes. Así como usted practica todos sus ejercicios, practicar este concepto tríada en todas las cuatro direcciones ascendente y descendente para explorar todas las posibilidades disponibles. Desde el ejemplo de arriba muestra la dirección hacia arriba para arriba, de abajo son las tres direcciones restantes se muestran en orden ascendente: Arriba abajo

Abajo abajo

Abajo Arriba

Una vez que obtenga este sonido en los oídos, encontrar una forma práctica de aplicar estas tríadas en función del tipo de armonía que quieres dar a entender. Si usted está en un acorde mayor y desea crear un sonido lydian puedes jugar la tríada de la raíz y la tríada todo un paso por encima de la raíz, por ejemplo, sobre un acorde de Do Mayor, use un re mayor tríada sobre una tríada C. Lo mismo es cierto para un sonido dominante lydian; si usted está en un acorde G7 se puede jugar una tríada G y la tríada un paso conjunto hacia arriba, una tríada La Mayor que incluye el C # o # 11.

Tríadas no diatónicas Cuando usted está jugando más acordes específicos, determinados grupos de tríadas tienen diferentes niveles de la disonancia que varían de uno a otro. Tríadas que no son diatónica, especialmente los relacionados cromáticamente, producen los más disonancia o tensión. La tríada un tritono de distancia de la raíz es especialmente disonante, creando un impulso que lleva a la resolución. Una línea común se muestra a continuación, en un acorde C7, utiliza la raíz C tríada mayor y el tritono F # tríada mayor todos en la posición de la raíz, creando un

sonido dominante que incluye la, b9 # 11 b7 y:

Combinaciones Tríada que son especialmente disonantes son parejas que son un medio paso aparte, por ejemplo utilizando la tríada de la raíz y una tríada mayor ya sea medio paso por encima o por debajo de ella. Digamos que usted está solos sobre un acorde de Fa mayor 7 y desea explorar una nueva área armónica diatónica, además de material en Fa, intente alternando entre una tríada F y una tríada E Major, se muestra a continuación:

El resultado armónico de estas dos tríadas es un F Major 7 # 11 # 9 acorde (B y G #) o también puede ser analizada como una E / F acorde. En lugar de reproducir material escalar diatónica, estas triadas nos permiten crear nuevas posibilidades armónicas y intervallic más acordes estándar con el material que ya tenemos hacia abajo; la tríada mayor. Al igual que el par de grandes tríadas diatónicas podría ser utilizado en un número de diferentes acordes tríadas, que no son diatónica se puede aplicar a varios acordes también. El ejemplo anterior de las tríadas principales F y E, tríadas que un medio paso de distancia, también podría ser utilizado en un acorde de dominante como E7, destacando los fuertes tonos de acorde con tonos disonantes como el b9 y b13:

Conexión Tríadas Como jugamos estos grupos de tríadas en nuestros solos, vamos a querer conectar cada uno a la distancia más cercana posible, medio paso, con el fin de sonar líquido en nuestro juego. Algunas de las tríadas y sus inversiones de forma natural pasar de una a otra por medio paso y otros no, por lo que hay que incorporar algunas cromatismo para lograrlo. En otros casos, podríamos querer a la tierra en una determinada nota en un ritmo fuerte y debemos insertar una nota de paso cromático entre las tríadas de hacer esto. El ejemplo siguiente muestra este tono cromático entre las inversiones de las triadas F y G principales:

Rítmica Variación Como este concepto de juego triádico se hace más cómodo, trate de añadir algunas de estas variaciones rítmicas en la mezcla. Desde tríadas son naturalmente grupos de tres, utilice agrupaciones triplete para crear diferentes resultados:

En el mismo sentido, porque la tríada es un grupo de tres notas, jugando corcheas con tríadas constantemente pondrá en marcha la colocación de la tríada de la medida:

También, rompiendo el ritmo dentro de la propia tríada puede llevar a algunas nuevas posibilidades:

Por último, trate de combinar estos elementos rítmicos juntos en el contexto de su línea, no sólo la creación de tensión armónica, pero rítmica, así:

Creación de patrones en un concepto triádico Como esta idea de utilizar grupos de tríadas en sus solos se hace más fácil, usted puede comenzar a incorporar algunos cromatismo o crear patrones basados ​en el concepto de dos tríadas. Una forma es crear una línea usando sólo las primeras dos notas de cada tríada, a continuación es un ejemplo de esto:

En este caso, sólo las dos primeras notas de cada inversión de las tríadas F y G Major se utilizan más de un acorde D-7 en sentido ascendente y descendente de la moda. El resultado es casi pentatónica similar, que consiste en intervalos de mayor y menor tercios y cuartos perfectos. Otra forma es la de crear un patrón o incluir material diatónica en el esqueleto básico de la tríada. En el siguiente ejemplo, los fragmentos de escala se incluyen en cada inversión de las

tríadas como una especie de pasar tono, creando un efecto lineal.

Hay muchas más posibilidades con el concepto de improvisación triádico, los ejemplos anteriores son sólo algunos para empezar con. En su práctica no se sienta limitado a solo grandes tríadas, experimentar con aumentada, tríadas o combinaciones de todos estos menores, disminuidos. En última instancia, usted quiere ser capaz de utilizar estas tríadas como nuevo material creativo y un nuevo enfoque para sus solos, por lo que evitar quedarse atascado en esa vieja rutina de jugar esos mismos licks sobre esos mismos cambios cada vez que los ve.

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Una lección con Bill Evans: 14 técnicas para dominar el Menor V Progresión ii Publicado Por Forrest En 10 de enero 2016 @ 23:29 En Acordes, Jugadores | Comentarios discapacitados

¿Qué se juega sobre un menor ii V? Menor ii Vs son notoriamente difícil. En comparación con su hermano, el ii V en mayor, el ii V en menor añade bastantes más desafíos. En primer lugar, en vez de un menor de edad 7 ii acordes, tiene un menor 7 b5 ii acorde. Esto hace que un mundo de dolor para la mayoría de la gente. Ellos simplemente no saben qué jugar sobre este acorde. En realidad no es tan difícil si usted domina los tonos de acordes en lugar de pensar en escalas todo el tiempo. Claro, usted puede hacer lo que todo el mundo te enseña a hacer y pensar en el modo Locrian, pero eso sólo va a llegar tan lejos. Es necesario ir más allá de eso y no aspirar al acorde medio disminuido. Ok, así que una vez que hayas aprendido cómo no chupa acordes al medio disminuidos es hora de entender lo que está pasando con el acorde de dominante en un menor ii V ...

Como verás, yo simplemente etiquetarlos como acordes dominantes y no añadir ninguna modificación en el símbolo. ¿Por qué? Debido a las alteraciones pueden estar implicados incluso en un acorde V estándar. Simplifique su vida con sólo pensar en ellos como un acorde dominante con todo tipo de sabores que usted puede agregar a ella o modificar. Cuando nos fijamos en los gráficos de estándares de jazz, verás que los editores añaden alteraciones al acorde V7 en un menor ii V, y, en general, se escucha alteraciones en este punto, sin embargo, ¿quién puede decir exactamente lo que los alteraciones son? Dependiendo de quién está para bocetos, que van a alterar los acordes dominantes en diferentes formas, es por eso que es tan importante aprender a escuchar las sutilezas de voces de acordes, una habilidad que enseñamos en el método de entrenamiento del oído. Y, como usted pronto aprende de pianista Bill Evans, los acordes dominantes en un menor ii V pueden variar en una multitud de formas, incluso desde el coro a coro. Un coro es posible jugar un sonorización b9 dominante con una natural de 13, otra vez usted podría jugar un # 9 b13 sonoridad, y otra vez, usted puede elegir sólo para jugar la sonorización básico, sin alteraciones. Así que, como te mencioné antes, pensar en ellos como sólo un acorde de dominante, visualizar las alteraciones que puede hacer con ellos y aprender a escuchar las diferentes voces.

Descubrir la grandeza ¿Cómo encontramos grandes maneras de jugar más de menor importancia ii Vs? Como detallamos en este diagrama sobre cómo practicar, si conoce la armonía a una melodía particular, entonces usted puede transcribir uno de sus héroes más que la progresión a adquirir el lenguaje específico. Bueno, me he enterado de la melodía Woody'n Usted contiene un montón de menor ii Vs en la sección "A". Echale un vistazo…

Por lo tanto, una estrategia simple para encontrar grandes maneras de jugar más de menor importancia ii Vs sería encontrar uno de sus héroes personales juegan Woody'n 'Usted y ir a la ciudad. Introduzca Bill Evans. Uno de los más grandes pianistas de jazz de siempre viven, es hoy en día todavía influir en prácticamente cada pianista de jazz. Escuche a su solo en Woody'n Usted:

Hermoso no? Ahora vamos a rasgar aparte y averiguar algunas ideas de cómo podemos jugar sobre esta progresión complicado, el V. ii menor y una gran cantidad de estas técnicas trabajará en una tonelada más que menor Vs ii, pero empezar con el contexto a encontrar ellos en. Es a usted para llevarlos y explorar qué más se puede hacer ...

Bill Evans Frase uno: Melodías claras con tonos acordes esenciales y el desarrollo motívica La primera frase vamos a ver es los ocho primeros compases de su solo.

Ahora escuchar de nuevo a media velocidad:

Hay mucho que hacer aquí que podemos aprender. De inmediato, notar su uso del desarrollo motívica. Comienza con un motivo simple a través del G acorde medio disminuido. A continuación, se desarrolla ese motivo al cambiar la nota de fondo y jugando con el tiempo. Este motivo se desarrolla todo el camino hasta el final de la frase, resolviendo con el acorde mayor. Escuchamos la frase de nuevo y luego veremos las técnicas específicas que podemos aprender de esta frase.

La primera técnica consiste en la tríada de menor importancia a partir de la tercera del medio disminuyó acorde. Así que, por cualquier medio disminuyó acorde, simplemente subir a la tercera del acorde y pensar en una tríada menor. Tríada BB- ​para G media disminuida. Ahora no es sólo el uso de la tríada de menor importancia, pero es la forma en que lo utiliza. Observe la inversión de la tríada que crea interesante contenido interválico, mucho más que si sólo jugó la tríada en la posición de la raíz. En segundo lugar, observe el ritmo. Su claro sentido del ritmo aquí define la frase perfectamente. Esta técnica es de gran alcance. La práctica, y te darás cuenta de lo fácil que puede hacer hermosos motivos que a continuación se pueden desarrollar como Bill Evans está haciendo aquí.

Esta segunda técnica se deriva de la primera. Usted puede utilizar esa misma tríada menor invertida y bajar la nota de fondo para mover el séptimo del medio acorde disminuido a la

tercera del acorde dominante. Mientras tanto, las otras dos notas se convierten en el b9 y la b7 del acorde dominante. Él era un genio. Es alucinante cómo un pequeño cambio puede hacer mucho. Un punto importante a destacar con esta técnica es que no hay forma que lo haría llegar a esta frase si estabas pensando estrictamente de escalas. Es necesario comprender la armonía y cada tono acorde en un nivel profundo.

Esta técnica siguiente Bill Evans utiliza desde el inicio de su solo, pero luego se desarrolla en estas medidas. Estos 3 melodías de notas permiten una flexibilidad en menor ii Vs que no parece ser algo natural cuando se piensa en la progresión. Y estos 3 melodías de notas se pueden cambiar fácilmente rítmicamente para crear interés.

Una sustitución tritono que utiliza mayor? Ciertamente. ¿Quién dice que un sub tritono siempre tiene que ser dominante? En lugar de la sustitución estándar D7 para Ab7, utiliza re mayor. Intentalo. Usted sólo puede gustar!

Bill Evans Frase Dos: El uso del cromatismo que conduce hacia tonos acordes primarios

Ahora Escúchalo a media velocidad

El tema central de esta segunda frase es cromatismo. Echemos un vistazo a cómo se utiliza esta cromatismo de obtener una fluidez sobre la progresión V ii menor.

Aquí Bill Evans juega el quinto natural sobre el medio disminuyó acorde y el mayor séptima de dominante. ¿Cómo le salga con la suya? Cromatismo. Cuando se utiliza el cromatismo para dirigir hacia las notas importantes en el acorde, aclara el sonido de la cuerda.

Fragmentos Bebop escala son un viejo recurso que todos los grandes jugadores utilizan. Recuerde, usted no tiene que utilizar toda la escala. Un pequeño fragmento de esta manera se mezcla con otros tonos de acordes puede sonar muy bien.

Tomando el principal sub Tritone un paso más allá, trate de añadir la 13ª a la mezcla. El 13 le dará el sonido 9 sobre el acorde de dominante.

Bill Evans Frase tres: Dispositivos escalares

Ahora Escúchalo a media velocidad

La idea principal de esta frase es escalas. Preste mucha atención a la forma en que utiliza escalas y cómo él no utiliza escalas. En el mundo de la educación del jazz de hoy, las escalas se venden como el secreto, pero no lo son. Son importantes, pero son sólo una herramienta para agregar a su caja de herramientas.

Esta escala puede ser a pesar de un número de maneras y cada jugador prácticamente lo utiliza en algún momento. Yo lo llamo una escala b9, pero también puedo llamarlo menor armónica F.

Así como hemos utilizado la tríada de menor importancia a partir de la tercera de la media disminuido acorde, se pueden utilizar fragmentos de toda la escala menor-mayor.

Esta técnica se basa en la técnica 1. Usted sólo tiene que añadir novena a la tríada, por lo que en lugar de sólo la tríada menor de la tercera se incluye ahora una nota más, el noveno. Trate de crear motivos con estas cuatro notas. Entonces, a ver qué otra variante de la tríada de menor importancia que puede llegar a. Si Bill Evans añade el noveno, ¿qué más podría agregar en su lugar?

Bill Evans Frase Cuatro: Usando disminuido y ponerlo todo junto

Ahora escucharlo a media velocidad:

Esta frase utiliza una serie de nuevas técnicas que vamos a ver. También utiliza algunas de las técnicas que ya hemos discutido. ¿Puedes ver ellos?

Asegúrese de que cuando haya terminado de leer esto, volver y ver si usted puede encontrar todas las instancias que utiliza cada técnica a lo largo de cada frase. Él usa muchos de ellos varias veces.

Como hemos hablado antes, hay un millón de maneras de acercarse a un acorde dominante en un V. ii menor Otra forma es la media-toda escala disminuido.

Cuando estás empezando con la progresión a Woody'n Usted, apuesto a que usted tendrá dificultad para moverse de un menor ii V a la siguiente. Voz que lleva de uno a otro, con el objetivo para el b5 del medio disminuyó acorde le ayudará con esta transición.

Recuerde que sólo porque todo parece estar alterado todo el tiempo en un entorno ii V menor no significa necesariamente que usted tiene que pensar así. Un simple recinto de la tercera en el acorde de dominante funciona bien.

En esta técnica final, él juega Ab7 por dos golpes y luego D7, el sub tritono, por dos golpes antes de resolver a Db importante. Esta técnica aporta un punto importante a la superficie. Dentro de una medida, no es necesario atenerse a una técnica. Por ejemplo, aquí, que sólo utiliza un sub tritono por dos golpes en lugar de toda la medida. Puede aplicar las técnicas sólo por un momento, o usted podría apagar entre dos.

Aprender de Bill Evans Por la transcripción de uno de sus héroes es como tomar una lección con ellos.

Hay tanto que aprender dentro de todos y cada frase. Tome estas 14 técnicas y experimentar con ellos. Mezclar juntos y ser creativos con la forma de aplicarlos! Y luego trabajar hasta encontrar sus propias maneras de jugar sobre la progresión V ii menor. Con un poco de práctica y un poco de inspiración de Bill Evans, usted también puede dominar el menor ii V!

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Usando Permutación crear ilimitadas ideas musicales ... y Killer Técnica Publicado por Eric En 18 de noviembre 2011 @ 23:22 En Conceptos, ritmo, escalas, Consejos | No Comments

Una y otra vez, que hemos subrayado en este sitio que las escalas son no el secreto a la improvisación del jazz. Sin embargo, las escalas pueden ser beneficiosos si practicas y aplicarlos de la manera correcta. Una vez que entienda auditivamente y arraigar los aspectos vitales del lenguaje del jazz (es decir, fraseo, construcción melódica, de expresión, de aplicación armónica, tiempo, articulación, etc.) las escalas y teoría de que estudias en la sala de la práctica se puede mejorar sustancialmente su técnica. No sólo eso, escalas, junto con un conocimiento profundo de armónicos pueden ampliar infinitamente sus opciones para la expresión musical. Whoa, espera un segundo! Así que las escalas son horribles y que hay que evitar a toda costa, pero también son de gran valor para la expresión musical? Sé que suena contradictorio, pero considero cómo se presenta la música en la mayoría de los entornos educativos. El quid de la cuestión radica en la forma en que la mayoría de los músicos ver escalas. La mayoría de los jugadores que comienzan, improvisadores de aficionados, e incluso algunos

músicos consumados ver escalas como 8 notas que, o bien suben y bajan. Eso es. No se relaciona con la musicalidad o aplicación armónica, sólo otro ejercicio que se practica en todas las 12 teclas porque alguien les dijo que. Lo que es peor, muchos improvisadores frustrados utilizan esta visión limitada de escalas como la base para la creación de los solos más de progresiones de acordes. Uno de los principales problemas que tienen las personas en el aprendizaje de improvisar es que se vuelven de sus oídos y sólo piensan en escalas con el fin de llegar a un solo. Esto simplemente no funciona. Las escalas son para la sala de ensayo y deben utilizarse para arraigar la técnica y una comprensión elemental de armonía. Lenguaje, los oídos y la creatividad musical, por otra parte, son lo que necesita para el rendimiento y la improvisación. Piense en las escalas no como los 8 que suben y notas descendentes, sino más bien, como un recurso de la práctica de la que puedes crear un sinfín de posibilidades para material melódico. "Todo lo que puedes hacer es jugar una melodía. No importa lo complicado que se pone, sigue siendo una melodía. "~ Stan Getz

Cualquier cosa que se improvisa una melodía si se trata de un fragmento de la escala, un intervalo, o simplemente una nota sostenida. Algunas melodías se inspiran y creativo, mientras que otros son arrojados juntos y mal ejecutados. Nuestro objetivo como improvisadores es ser creativo en la construcción de nuestras melodías y esforzarse continuamente para hacerlos mejores. En última instancia, debemos hacerlos más fiel a lo que estamos escuchando y sintiendo dentro de nosotros mismos en cualquier momento en el tiempo. Imagina cualquier fragmento melódico o escala como el Cubo de Rubik. Gire una manera y que ha cambiado el color armónico de la línea. Gire otra y ha modificado la forma melódica de la línea. Muy pronto, después de algunos pequeños ajustes, usted tiene una línea completamente nueva - todo sin cambiar los componentes básicos de la melodía original. Mediante el uso de este concepto de la exploración de la permutación de una idea simple, puede crear infinitas posibilidades con recursos muy limitados.

Cómo convertir 4 notas en un pozo de ideas musicales

Piense en una escala pentatónica menor F. En su mente, es probable que lo ve en un pentagrama que suben y bajan desde el primer espacio F a la F en la línea superior. Debido a que usted ha definido esta escala en su mente de esta manera, cuando usted va a improvisar estarás tirando notas de una imagen mental estática. Esto no es lo ideal, pero, irónicamente, es la forma en que muchas personas piensan que van a improvisar. Lo que tenemos que hacer como improvisadores es alejarse de este punto de vista mental limitada de escalas y acordes. Cuando escuchamos un sonido o pensamos en una escala, queremos tener posibilidades ilimitadas para la expresión creativa, no sólo la imagen mental de 8 notas en un pentagrama. La buena noticia es que es fácil de cambiar esta forma de pensar frustrante. Una forma sencilla y muy eficaz para crear variaciones ilimitadas y mejorar su técnica al mismo tiempo, es la creación de células pequeñas o agrupaciones a escala o patrón. Luego explore todas las permutaciones de estas células y encontrará rápidamente con el material más melódico entonces usted sabe qué hacer con. Volvamos a la escala pentatónica menor F de nuevo, pero esta vez nos vamos a usar las cuatro primeras notas. Puede ser difícil de creer, pero con este fragmento de pequeña escala, que en realidad puede crear ideas musicales ilimitadas.

En un proceso paso a paso a continuación, te voy a mostrar algunas técnicas sencillas para convertir estas cuatro notas en infinitas fuentes para el desarrollo melódico en sus solos. Deja de pensar de las escalas o patrones de una manera tridimensional limitada y uno. Con un ligero ajuste en su rutina de práctica, usted puede transformar por completo su enfoque a la improvisación.

5 Nota células ¿Qué es un celular? Una mirada rápida en la Wikipedia le dirá que se trata de un "pequeño diseño rítmico y melódico que puede ser aislado." Esta célula "se pueden desarrollar, independiente de su contexto, como un fragmento melódico" y "que puede ser utilizado como un motivo de desarrollo ". Esto es esencialmente lo que vamos a hacer con esa escala pentatónica menor F para crear material melódico ilimitado. Estamos tomando una pequeña pieza rítmica y melódica de la escala, sacándolo de su contexto escalar original, y el desarrollo de ese fragmento en nuevas ideas musicales mediante el uso de permutación. En realidad no es tan complejo como parece y se puede utilizar este proceso con cualquier escala. A continuación, he construí cuatro 5 células de notas utilizando el material de esa

escala pentatónica. Yo simplemente tomé las las 4 notas originales y agregué la primera nota hasta el final de la línea para crear una célula de 5 nota. Echar un vistazo: Celular # 1: Comience en la primera nota y seguir la secuencia hasta que se repite la primera nota.

Célula # 2: Comience en la segunda nota y seguir la secuencia hasta llegar a la segunda nota de nuevo.

Célula # 3: Comience en la tercera nota y seguir la secuencia hasta llegar a la tercera nota de nuevo.

Célula # 4: Empieza en la cuarta nota y seguir la secuencia hasta llegar a la cuarta nota de nuevo.

Juega cada una de estas células con un metrónomo y poco a poco aumentar la velocidad. Repita cada una hasta que pueda jugar cómodamente a una velocidad el doble de tiempo (o más rápido). Concéntrese en su técnica de los dedos y el sonido, con el objetivo de 100% de precisión en todos los sentidos. Cuando usted tiene cada 5 nota de celda a la velocidad, a jugar en la serie:

Una vez más, trabajar poco a poco el ritmo de esta fase de cuatro barras hasta que pueda jugar muy rápidamente. Cuando usted ha practicado todas estas 5 células de la nota, tiene las permutaciones básicos de ese fragmento pentatónica ascendente 4 nota original cubierto.

7 Nota células Cuando usted se sienta cómodo con las células de la nota 5, es el momento para aumentar cada una para crear una célula 7 nota.

La idea de construir células 7 de la nota es exactamente el mismo que el proceso para 5 células de nota. Comience con la primera nota y continuar a través del patrón hasta que terminan con 7 notas. Luego, durante la siguiente celda, simplemente comenzar en la siguiente nota consecutiva del patrón:

Dependiendo de la longitud del fragmento melódico o escala original, se pueden crear células de diferentes longitudes. Sólo asegúrese de que usted está recibiendo variación entre cada célula consecutivo. Por un fragmento de la escala de 4 notas, ya que utilizamos anteriormente, intente crear permutaciones con 3, 5, 6, 7, y 9 celdas de la nota.

3 Métodos para la creación de variación con estas células Explorando y el dominio de las permutaciones de cada célula es sólo el comienzo. Todavía quedan muchas opciones para la variación y la forma en que vamos a lograr esto es mediante la incorporación de algunos elementos clave de la musicalidad; es decir, el ritmo, el tiempo, la melodía, y la articulación. I) Rítmica y la variación métrica Una vez que se sienta cómodo con las células básicas y sus permutaciones, intenta modificar el contenido métrica o rítmica del fragmento melódico original para crear una mayor variación. Vamos a utilizar las células de la nota 5 desde arriba como un ejemplo:

Tome el trimestre descansa y podrás crear un sentimiento de 3.4 sobre el compás de 4/4. Este es un gran dispositivo para utilizar cuando se quiere llevar a frases sobre la línea de bar y crear tensión mediante la compensación de la época:

Otra manera fácil de crear nuevo material con esos mismos cuatro notas, es alterar el contenido rítmico de cada celda. Las posibilidades son infinitas aquí.

Prueba también agrupar las cinco notas de la célula en diferentes emparejamientos rítmicos para acentuar diferentes notas. Este ritmo particular hincapié en la cuarta nota de cada celda:

Y el ritmo de abajo hace hincapié en la segunda nota de cada celda 5 nota:

Como puede ver, estas variaciones rítmicas pueden cambiar completamente el carácter de la línea original. Estos ejemplos son sólo algunas ideas rápidas, ver lo que puede llegar a por su cuenta en la sala de ensayo. II) la variación melódica Con todos los ejemplos anteriores, estábamos usando los ascendentes primeras cuatro notas de la escala pentatónica menor F. Sin embargo, puede cambiar la dirección o la forma de la línea original para crear aún más variedad. Por ejemplo, intente una versión descendente de ese fragmento pentatónica el original:

Ahora toma esto a través de todas las permutaciones de una célula 5 nota:

También puede cambiar la forma y el contenido interválica de la célula inicial para producir aún más posibilidades melódicas:

Este es sólo un ejemplo, el reto de encontrar aún más mediante la alteración del contenido interválico de esas cuatro notas. III Las variaciones) en la articulación La tercera forma de crear la variación en estas células es alterar la articulación. Tonguing o arrastrando cada nota de una línea de corchea puede ser muy aburrido escuchar. Articulación

añade interés, expresión y acentos diferentes notas en la línea. Como punto de partida, pruebe a utilizar "la articulación de jazz" y acentuando los tiempos débiles de la línea:

A continuación, explorar las diferentes combinaciones de staccato, legato y arrastrando para crear nuevas variaciones sobre esa célula original:

Creación de tensión armónica Hasta ahora sólo hemos trabajado en la variación en una de las claves, fa menor. Eventualmente tendrá que trabajar estas células y dispositivos melódicas en las 12 teclas. Una vez que tenga estos diferentes células juntas en todas las 12 teclas, puede combinar una célula con una célula en una clave diferente para crear interés armónica y la tensión. Por ejemplo tomar la celda 7 nota que estábamos trabajando arriba y la transposición a la tonalidad de Fa # menor:

Ahora experimentar con la inserción de piezas de estas células F # menores en las células F originales. En primer lugar tratar medidas alternas entre las teclas y luego ver si se puede alternar por medios pasos cada pocas notas. A continuación se muestra un ejemplo muy básico de esta técnica:

El mayor control que tiene sobre cada célula y la sutileza con la que se pueden aplicar en diversas situaciones armónicas relacionadas y no relacionadas será enormemente añadir al interés armónico de sus solos. Tome este concepto en la sala de prácticas y crear sus propios patrones para aplicar a sus solos.

Antes y después de permutación ... Tome un segundo y pensar de nuevo a la forma en que usted estaba visualizando esa escala pentatónica menor F al principio de este artículo. Probablemente parecía algo como esto en su mente:

Cada idea melódica basada en esta escala vendría de esta imagen mental de una. Cuando usted está solos en el calor del momento, esta visión limitada no va a llegar muy lejos. Sin embargo, después de practicar las ideas de permutación y la variación se ha descrito anteriormente, la creación de una línea como esta puede llegar a ser a su alcance:

Simplemente cambiando su forma de pensar acerca de las escalas y la forma en que la práctica de ellos, podrás imaginar y ejecutar líneas que usted nunca pensó posible en su improvisación. Aplicar este concepto para cada tipo de escala o patrón que más te guste: escalas mayores y menores, escalas alteradas, líneas cromáticas, fragmentos pentatónicas, melodías de tonos enteros, etc. Mediante la creación de células y la exploración de sus permutaciones descubrirá ideas melódicas ilimitadas y comenzar para desarrollar un nuevo nivel de la técnica. Una vez escuché una cinta de Woody Shaw dando una lección a un estudiante afortunado en una habitación de hotel. En la grabación, se puede oír Shaw demostrar los ejercicios clave que practicaba todos los días para crear su estilo de la firma de la improvisación. Una línea repitió cuatro nota de intervalos, un patrón cromático de nueve nota, un grupo de grandes intervalos repetidos - células, permutación, variación. Si usted es serio acerca de la transformación de su improvisación y tomar su técnica a un nivel superior, no hay que subestimar el poder de estos conceptos, una rápida escuchar a Woody Shaw es toda la prueba que necesita:

WOODY SHAW: "Stepping Stone (1979)

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Cómo utilizar con eficacia Enclosure Publicado Por Forrest En 26 de agosto 2011 @ 1:54 am En Acordes, Conceptos | No Comments

Todos tenemos líneas que usamos con frecuencia. Algunas líneas que utilizan tanto, que no podemos soportar ellos, criticando a nosotros mismos para jugar una y otra vez, pensando que estamos siendo poco original y poco creativo. Está bien. Incluso los maestros se repiten a menudo. Cuando hayas conseguido un lenguaje específico a este punto, de dónde viene de forma natural y espontánea, pero demasiado, eso es realmente una buena cosa. Esto significa que cada vez es tuyo. Pero el error que la mayoría de la gente es que se detienen ahí, pensando que ahora que necesitan para entender cómo no se debe jugar la línea tanto. En lugar de tratar de eliminar la línea de su vocabulario, aprender a aplicar los conceptos a tu forma de tocar que se transformará el idioma que has aprendido en algo nuevo. Enclosure es un tal concepto que puede transformar sus líneas rancios en algo emocionante e inspirado.

Recinto explicó Enclosure es bastante simple. En su forma más básica, se selecciona un tono acorde y las notas circundantes debajo y por encima se insertan antes de que el tono de la cuerda. Las notas insertadas pueden estar relacionados cromáticamente, diatónicamente, o ambos. En los siguientes ejemplos, el primero se adjunta diatónicamente (dentro de la clave de C) y el

segundo cromáticamente (da la casualidad de que el cuarto se encuentra un medio paso por encima de la tercera, por lo que esta nota cromática diatónicamente relacionada también)

Usted oye recinto utilizado por todas partes, sobre todo cuando bebop estaba en su apogeo. Charlie Parker le encantó este dispositivo y lo usó todo el tiempo. Escuche atentamente a su solo en Kim y tendrás al instante oye:

Tenga en cuenta, hay todo tipo de variación posibles con recinto ...

Un mundo de posibilidades que encierran ¿Qué tono acorde que encierra ... Puede incluir cualquier tono de acordes que te gusta, simplemente prestar mucha atención al sonido del resultado y asegurarse de que es lo que vamos a ir en esa situación particular. Aquí He incluido un acorde de tonos-estructura superior, la fuerte 11:

La dirección de las notas del recinto; por encima o por debajo de-abajo-arriba:

Si el recinto notas comienzan en el tiempo fuerte (como en los ejemplos anteriores), o el optimismo:

¿Cuántas notas que utiliza en su recinto. Dos, tres, y cuatro son todos comunes:

¿Qué notas de cerramiento son diatónica a la cuerda, y que están relacionados cromáticamente, o incluso intervallically (como se muestra en este ejemplo):

El contenido rítmico de la caja:

... Y esas son sólo algunas de las posibilidades!

Donde empezar Mi consejo es empezar siempre con la aplicación más fácil absoluta y trabajar a partir de ahí. Tome un blues y la práctica que encierra la raíz o el tercero en cada acorde. A continuación, intente el quinto, seguido por cualquier otro tono acorde que desea. En este ejemplo, simplemente me encerré el tercero empezando medio paso adelante, excepto en el acorde II-, he optado por iniciar todo un paso más adelante:

Líneas y Recinto Así que si usted recuerda, comencé la conversación hablando de cómo recinto es un dispositivo que puede y va a dar a sus líneas aburridas que estás aburrido, pero tener el pleno dominio de la nueva vida. Usted ha visto en los ejemplos anteriores lo creativo que puede ser con la pura técnica del recinto, pero aplicándolo a su vocabulario mientras improvisa es cuando verás la magia en el trabajo. Esto es lo que estoy hablando en el título de este artículo: Cómo utilizar con eficacia recinto. Mucha gente sabe lo que es y practican ejercicios básicos como el que recubre el blues, pero lo que es parte de su idioma es el objetivo. He aquí tres formas de aplicar recinto para su idioma ... Para estos ejercicios, seleccione cualquier línea que usted juega demasiado. Aquí está nuestra "línea original" de los ejemplos:

Usando recinto en el principio de una línea. Sí, usted puede estar pensando que esto es "no es para tanto ..." Pero tenga en mente, estas dos notas obtener su fraseo sobre la línea de bar, conseguir que a partir de líneas no en beat-uno, y te empujan en el flujo de la línea, todo el camino hacia la resolución. Simple, pero eficaz:

Insertar en el medio de una línea. Ajusté la línea original ligeramente para encajar el concepto. Una vez más, las apariencias engañan. La adición de este recinto para el centro de la línea gira a la línea de la vainilla en algo aún Parker puede haber jugado en realidad:

El uso de gabinete en el punto de la resolución. Y una vez más vemos cómo este simple concepto de recinto agrega mucho a una línea:

Estas tres técnicas sencillas de utilizar recinto en sus líneas son tan fáciles de empezar a trabajar en su juego y le ayudará en gran medida a mejorar en las líneas estás aburrido de. No son más que un punto de partida. Use estas ideas para construir sus propias formas de utilizar recinto. Se puede practicar conscientemente el uso de cualquiera de estas tácticas de manera específica como se presenta en los azules en el ejercicio anterior, o tratar de improvisar con el concepto en mente, aplicándolo cuando escuchas y sientes. Por supuesto, como siempre, volver atrás y averiguar cómo los maestros utilizan recinto. Es una parte fundamental de su concepto global y con un poco de esfuerzo, será parte de la tuya también.

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10 ejercicios de visualización para impulsar su progresión de acordes Recall Publicado Por Forrest En 19 de enero 2011 @ 21:31 En Acordes, Visualización | 1 comentario

Si yo le pregunté por nombrar iii VI ii V en la tonalidad de Fa #, lo rápido que se puede evocar la respuesta? Si el tiempo que le lleva a pensar en que la progresión en su mente lleva más de una milésima de segundo, lo más probable es que usted va a tener un infierno de un tiempo de juego sobre él. Progresiones comunes como iii VI ii Vs deben estar tan arraigada en su cerebro, que no hay que pensar que los nombre. Sólo ellos saben. Visualización de estas progresiones diaria mejorará en gran medida su retirada de progresiones de acordes comunes, por lo que es más fácil pensar y jugar en todas las claves. A los 10 ejercicios siguientes, visualizar sólo los símbolos de acordes. Mantenga el símbolo de acorde tan simple como sea posible, por ejemplo, no visualizar el "7" en un acorde de séptima menor o cualquier alteración en los dominantes. Esto le ayudará a "ver" más rápidamente en todas las teclas sin estorbar la progresión en el ojo de tu mente. El objetivo es ver claramente en el ojo de tu mente una imagen concisa de los símbolos de acordes para cada progresión en todas las claves.

1.) ii VII Comience con un sencillo de dos de cinco progresión, resolver a la tónica de dos compases. Hacer la clave de C, y luego bajar en medios pasos hasta que haya visualizado los símbolos de acordes en todas las llaves.

2.) ii VI Ahora haga una sola medida de dos de cinco resolver a la tónica de un bar. Debe ser fácil después del ejercicio # 1. Continúe a través de todas las llaves.

3.) ii VI VI Este ejercicio es el mismo que el # 1, sin embargo, ahora podrás visualizar el dominante símbolo de acorde VI en la medida 4, regresando al acorde ii en medida 1. Repita cada una tecla un par de veces hasta que se sienta cómodo con el acorde VI regresar a la cuerda ii. A continuación, mueva en medios pasos hasta que haya pasado por todas las doce llaves.

4.) iii VI VI ii Visualízate a tres y seis dos hasta cinco resolviendo es tónico, para cada tecla.

5.) ii Vs en pasos enteros Visualice los símbolos de acordes de-dos cincos moviéndose hacia abajo en pasos enteros. Esto es similar a los tres y seis-dos-cinco años, excepto que en lugar de resolver, simplemente sigue adelante. Inicio en E-A7, descenderá en pasos enteros hasta llegar a E-A7 de nuevo, momento en el que usted ha hecho seis de las llaves. Repita estos seis un par de veces, y luego subir un medio paso para F- Ab7 y descender en los pasos enteros hasta que vuelvas a F- Ab7 hacer los otros seis llaves.

6.) Ciclo de Dominantes Comience el G7 y su forma de trabajo en todo el ciclo hasta llegar de vuelta en el G7.

7.) Ciclo de Dominantes, dos mejor que una pieza Comienza el G7 y visualizar los símbolos de acordes en todo el ciclo hasta que vuelvas a G7, pero esta vez cada acorde tiene una duración de dos golpes en lugar de cuatro.

8.) Ritmo Cambios Progresión (Primera 4 medidas) Debido a que usted ha visualizado-dos cincos y tres y seis-dos de cinco años, las 4 primeras medidas a ritmo cambios deben ser pastel. Comience en C, luego tomar la progresión a través de todas las claves.

9.) aves azules Progresión Las 4 primeras medidas a un blues de aves, resolviendo al acorde IV en la medida 5, es muy común. Se aparece en la Confirmación, Blues for Alice, y un montón de otras melodías. Comience en G, luego llevarlo a través de todas las llaves.

10.) Todas las cosas que está progresión (primeros 8 compases) Trozos de melodías que está trabajando en hacer grandes ejercicios de visualización. Tome un pedazo de una canción y visualizar los símbolos de acordes en todas las claves. Usted se encontrará la comprensión de la parte de la melodía mucho mejor que antes. Aquí he ilustrado los primeros 8 medidas de "todas las cosas que son" para que usted tome a través de las teclas.

Obtener las raíces sólido e ir de allí

Como se ha descrito, el objetivo es implantar estos símbolos de acordes firmemente en su mente, por lo que es muy fácil de recordar progresiones de acordes comunes en todas las claves. A medida que avances, siempre se puede hacer las cosas más difíciles. Usted podría tratar de visualizar varios tonos de acordes más de las progresiones como se describe en la parte posterior de la visualización de Jazz Improvisación, o cualquier otro tipo de ejercicio que se pueda imaginar. Sea creativo, pero regresar periódicamente a sólo los símbolos de acordes para arraigar más profundamente y más profundamente en su mente. Ahora lo rápido que se puede evocar una iii VI ii V en la tonalidad de Fa #?

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