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Arte Contemporáneo II Últimas Tendencias

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Arte Conceptual El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

Origen El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta. En su origen el arte conceptual era una empresa dedicada a : a) un examen teórico del concepto " arte " b) la producción de conceptos como arte. Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra Mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada. En Japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action painting hasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia,Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.

Características: 

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Se trata de un arte que no da la máxima importancia a la forma física en la representación de los objetos a menos que uno los describiera como "objetos de pensamiento"o a usar medios artísticos tradicionales. Es decir obra de arte no es el objeto físico producido por el artista sino que consiste en "conceptos" e "ideas". Búsqueda e investigación. A través de las palabras, según un grupo angloamericano de artistas conceptuales Art and Language, era el método más apropiado para investigar el lenguaje del arte, adoptaron también métodos de la filosofía inglesa estando a la búsqueda de instrumentos de pensamiento.

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La reflexión sobre la naturaleza de su reflexión y de modo obsesivo planean y clasifican su discurso en un intento por descubrir una estructura o un objetivo. Arte teórico: búsqueda de una nueva síntesis de teoría y practica. Un ejemplo es el artista Stezaker que define su obra como "arte teórico" y desarrolla una teoría para el arte y no una teoría del arte, le interesa lo que debiera ser y no lo que ha sido. El arte es un producto de liberación humana consciente y las obras de arte son ante todo significados e intenciones, devuelve a la profesión del artista una dignidad que estaba en peligroso trance de perderse. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no solo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación. Abogaban por un decidido rechazo de los aspectos mercantiles del consumo de arte y al mismo tiempo, muchos de ellos intentaban imbricar su actividad artística en un contexto más amplio de preocupaciones sociales, ecológicas e intelectuales, por oposición a la producción de objetos diseñados según criterios utilitaristas y funcionales al establisment cultural.

Las obras conceptuales El Arte Conceptual exige nuevos métodos de elaboración de las obras y, en este aspecto, es en el que ha habido mayores discrepancias. Los medios de concreción de las obras son muchos y variados, entre ellos: fotografías, películas, cintas magnetofónicas, documentos clavados en la pared, entrevistas, textos, proyectos presentados como documentos sin significación formal, envío de tarjetas postales, telegramas, premisas matéricas, estadísticas, representaciones de actos públicos, entre otros medios. Para algunos artistas conceptuales, el soporte, es decir, el objeto físico tradicional, conserva vestigios en las obras; otras veces, se justifica como medio de difusión. Uno de los campos preferidos del Arte Conceptual es la investigación entre la imagen estática tradicional y la dinámica actual, que se va insertando de a poco en los nuevos modos productivos de comunicación visual y de perspectiva general. A pesar del vasto número de obras producidas, el Arte Conceptual produjo menos obras maestras de museo que cualquier otro movimiento artístico del siglo XX Entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Weiner, el grupo inglés Art and Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.

Opinión El arte conceptual es, pues, un arte crítico y corrosivo, pone énfasis en lo mental, en la ideación de las obras, relegando en importancia su realización material o sensible. Junto a este reduccionismo de lo manual, existe en las obras de arte conceptual una mayor valoración del trabajo artístico, como una actividad reflexiva y mental. La obra de arte no sólo se da a ver, sino se da a entender, se ofrece como asunto del pensamiento y en la medida en que se sustrae al régimen de la visibilidad. La hostilidad al objeto artístico tradicional, la extensión del campo del arte, la desestatización de lo estético, la nueva sensibilidad en sus diferentes modalidades, se insertan en la dialéctica entre los objetos y los sentidos subjetivos, en la producción no sólo de un objeto para el sujeto sino también de un sujeto para el objeto. Finalmente cabe una mención del incipiente fenómeno denominado por un sector de la crítica como arte pos conceptual. Frente al arte conceptual donde la obra tiene un discurso que la constituye semánticamente, esto es, una descripción lingüística correlativa que la informa, existe el arte pos conceptual, donde la obra tiende a la interacción directa, a una comunicación no verbal. Aquí la experiencia visual es presentada como una clase de conocimiento irreductible. Un arte que ofrece una particular resistencia a la domesticación. En un universo dominado por las metáforas, los mensajes y demás complejos discursos, para muchos pretenciosos, vuelve a cautivar la intencionalidad estética contraria, la de bloquear el puente entre universos simbólicos diferentes.

Artes Industriales Las artes industriales son el conjunto, de conocimientos teóricos y prácticos que sirven de base, para lograr la producción de bienes de consumo útiles a la vida del hombre, manteniendo estrecha relación con el propósito educativo de formar e informar, ya que al mismo tiempo que cultiva el dominio de las habilidades musculares obliga a pensar analíticamente y a investigar científicamente. Existe una íntima relación entre la industria y las artes industriales, porque mediante el estudio de estas últimas nos adentramos en el conocimiento elemental de las diversas ramas del qué hacer laboral que conservando técnicas tradicionales, con ausencia o poca división del trabajo, logra una baja producción; pasando posteriormente al proceso industrial, el cual se caracteriza por aplicar una división del trabajo, tecnologías diversas, y numerosas maquinarias complejas. Las artes industriales además de preparar al educando para seguir estudios técnicos vocacionales diversos, lo capacitan para una mejor comprensión de lavada, enseñándolo a enfrentarse al buscar soluciones apropiadas a diferentes problemas, habilitándolo para la práctica de ocupaciones agradables, que lo inhiben, la mayor de las veces del vicio, de la vida sedentaria y de las desviaciones ocasionales

Características Las artes industriales se caracterizan tanto por su intención estética como por su utilidad o su intención ornamental. Si el hombre siempre ha sentido la necesidad de demostrar sus sentimientos o buscar la belleza a través del arte, aquellos que lo observan y lo disfrutan han querido ponerle nombre. Así, tradicionalmente, y ya desde la Antigüedad Clásica, el arte se clasificó en seis disciplinas: arquitectura, pintura, escultura, música, danza y literatura. Sin embargo, esa clasificación, poco a poco, se ha ido superando, al considerarse arte algunas manifestaciones clasificadas simplemente como artesanía o aquellas demasiado nuevas como para encajar en esa antigua clasificación, como puedan ser el cine o la fotografía.

Performance El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La performance o "acción artística" puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración; una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre éste y el público. La performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

Origen Esta nueva tendencia surge a raíz de la primera guerra mundial. La sociedad trata de encontrar una nueva forma de manifestarse en contra de las masacres provocadas por las guerras. El ambiente bélico, las acciones violentas o simplemente acciones que despiertan en el ser humano una reacción ante lo que perciben, es una de las características más importantes del Performance: interactuar con el espectador a través de acciones que hagan que el público sea parte de la obra artística, a través de acciones detonador, el cual puede ser un humano y al mismo tiempo utilizar otros medios como la fotografía, el video, la pintura, la música; para lograr un momento de éxtasis artístico. El Arte Performance es una forma de expresión libre y surge como una alternativa más de manifestarse en el Arte. Esta disciplina nace oficialmente en 1916 a la par que el movimiento Dadaísta bajo el nombre de Arte Conceptual. Éste es liderado en un principio por Triztan Tzara, uno de los fundadores de la corriente DADA. El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, anti literario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Y estos son también los principios que mueven el performance. Una performance o acción artística es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un papel principal. Tuvo su auge durante los años noventa.

Características   

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano. El performance es una materia completa, es el arte en su máxima expresión, un medio que salva conciencias por medio de la concientización a través de situaciones hasta cierto punto absurdas o surrealistas que despiertan otros estados metales en la consciencia del espectador y que están ligadas directamente a la sociedad en la que vivimos. En toda obra artística, para ser tomada como tal, debe existir ese momento en que, el ser humano por naturaleza “siente” a través de la percepción con sus sentidos (vista, tacto, oído, olfato, gusto). Su razonamiento (entendimiento, recuerdos, relatividad, critica, etc.). La interacción con las emociones propias (tristeza, felicidad, expectación, interés). La reacción (sorpresa, fastidio, enojo, felicidad, alteración nerviosa, etc.). Y la interacción y expresión del espectador (gritos, risas, comentarios, movimientos corporales, etc).

Opinión Considera el Performance como una nueva forma de arte que impulsa al espectador a vivir a través de lo que está viendo el sentimiento que transmite cada obra, así como el mensaje que quiere dar a entender. El performance es considerado en sí como una arte más vivido que rompe la barrera del lienzo y que además está influenciado también por el body art, ambos estilos se relacionan entre sí hasta el punto de complementarse el uno al otro para dar paso a la creación de una obra maestra que no sólo se encuentra en las grandes galerías si no que tambi´en podemos ver en las calles.

Video Arte Videoarte es narrar y hacer propuestas que cimbren las emociones del espectador y que lo lleven a reflexionar sobre su ser. Se entiende por Video arte toda aquella obra en la que total o parcialmente se da la utilización de la tecnología vídeo, bien sea en formato electromagnético o digital, y donde la creación audiovisual presenta una intencionalidad claramente artística. Entendiendo por intención artística toda aquella que añade un contenido experimental extra (bien sea formal, poético, filosófico, etc.) a la creación audiovisual en sí, mediante la utilización de unos recursos técnicos, narrativos, estéticos, conceptuales, y no meramente comunicativos-informativos. Se podría hablar también de Videocreación o Creación Audiovisual. Al parecer el término Video arte, se adoptó poco después de su surgimiento en Alemania, a principios de los sesenta. Aunque al principio simplemente se hablaba de videotapes, poco después se empezó a hablar de video-esculturas, video-performances o de autorretratos videográficos.

Origen Wolf Vostell y Nam June Paik son considerados los primeros videoartistas. Vostell, en 1959, en Colonia, montó una exposición de contenidos de la televisión que habían sido alterados evidenciando la tensa relación entre televisión y arte. Esta exposición es lo que más tarde se conocerá como vídeo-exposición. Vostell presentó en la Galería Smollin de Nueva York en el año 1963 su «TV De-Collage», que hoy forma parte de la colección del Museo Reina Sofía. Nam June Paik, músico y electrónico coreano obtuvo en 1965 la primera cámara portátil de SONY antes de su comercialización. El 4 de noviembre grabó desde un taxi las calles de Nueva York durante la visita del Papa Pablo VI con una finalidad estética para captar una realidad subjetiva, al margen de las funciones de grabación de la televisión. Este hecho esta ampliamente discutido pues Sony no fabricó su portapack hasta 1967. [1] Otra obra conocida de Nam June Paik fue «Zen for TV», 1963 conforme van apareciendo nuevos formatos, los videoartistas los incorporan a sus obras: la infografía, la paleta gráfica, el CD-ROM, las instalaciones multimedia, etcétera.

Opinión Es una de las tendencias artísticas que surgieron al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y aplicaciones artísticas de dichos medios. Se usan medios electrónicos con un fin artístico lo cual me parece maraviloso e innovador. En él se utiliza información de video o audio. No debería confundirse con la televisión o el cine experimental. Una de las diferencias entre el videoarte y el cine es que el videoarte no necesariamente cumple con las convenciones del cine, ya que puede no emplear actores o diálogos, carecer de una narrativa o guión, u otras convenciones que generalmente definen a las películas como entretenimiento.

Body Art El body art es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 60 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o ''performance'', con una documentación fotográfica o videográfica posterior. Yves Klein, Bruce Naumann, Vito Acconci Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. Un acercamiento a la definición de arte conceptual, también conocido como idea art, sería verlo como un movimiento artístico en el que las ideas contenidas dentro de una obra tienen más peso e importante que el por qué la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-made daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común. El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí. De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art. Fluxus (del inglés "to flow": fluir) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesentas y los setentas del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamá a sí mismo como el "antiarte". Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978) Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.

Tema El trabajo de mujeres artístas que se unieron al movimiento feminista, o participaron en él con su quehacer artístico, han dejado un gran legado a la historia del arte. La apropiación del cuerpo en los diferentes momentos históricos del feminismo ha respondido a cuestiones si bien diferentes, pero ligadas al asunto de la diferenciación de género y críticas hacia el discurso falocrático y cuestionamientos sobre la representación del cuerpo femenino a través de la historia.

Opinión Así como el performance, el body art también es una forma de arte conceptual y ya que se complementan dan lugar a un nuevo estilo y una nueva forma de representar el arte a través de esta corriente innovadora que trata de comunicar al espectador un mensaje que solo podría llegar a ser expresado en la manera en que cada autor da lo mejor de sí en cada exposición que tiene para ofrecer.