ARREGLOS ORQUESTALES COMO OLVIDARTE DE LAS TECLAS Voces Solistas Si le damos a un tecladista (como yo) una partitura con
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ARREGLOS ORQUESTALES COMO OLVIDARTE DE LAS TECLAS Voces Solistas Si le damos a un tecladista (como yo) una partitura con acordes, seguro que lo primero que hace es fijarse en los bloques de acordes. La razón es que el teclado es un instrumento polifónico, y esta característica condiciona de gran manera la manera de concebir los arreglos. Pero la mayoría de los demás instrumentos de la orquesta son monofónicos. Por eso cuando estas escribiendo para una orquesta, resulta útil pensar en horizontal, es decir en función de las diversas líneas que tocan cada instrumento en lugar de en bloques verticales de acordes. Esto me recuerda que en alguna ocasión en entrevista McCartney dijo que para hacer su música orquestal el pensaba en varias melodías superpuestas, ya que para el la música clásica son solo melodías superpuestas, esta es una manera muy atinada de pensar a la hora de trabajar en arreglos orquestales. Los acordes se forman como resultado de la unión o separación de las diversas líneas en momentos concretos. La forma menos interesante de escribir un pasaje de acordes es utilizando movimientos paralelos. Aquí tienes una progresión simple, orquestada de una forma casi patética para cuatro instrumentos monofónicos. Fíjate en las cuatro voces (indicadas con plicas hacia arriba y abajo para facilitar su identificación), se mueven de forma estrictamente paralela.
Vamos a intentar reorganizar este pasaje para que resulte algo mas fluido, la expresión movimiento contrario se utiliza para describir un elemento compositivo en el cual una voz se mueve hacia arriba mientras que la otra lo hace en sentido descendente. Aquí tienes la misma progresión pero con un poco de moviendo contrario, Fíjate como las voces superior e inferior se separan para, a continuación encontrarse de nuevo.
Podemos extrapolar esta idea mucho mas allá, utilizando inversiones de acordes (voces en las que la nota de abajo no es la de la tónica) y notas de paso. Debajo tienes tres maneras de orquestar la misma progresión. De nuevo la partitura es muy simple. Ni tan siquiera nos estamos acercando a la complejidad de una composición orquestal. Pero si asimilas la idea de las voces solitas y escribes unas cuantas maneras más de llevar tu conjunto instrumental a través de esta progresión, habrás iniciado el camino para convertirte en un arreglista orquestal. E. 1 (c)
Ej. 1 (d)
Ej. 1 (e)
Uno de los objetivos al escribir partes horquétales es dar a cada parte su propio flujo melódico, esto se consigue a través de las voces solistas. Si consigues una buena relación entra las diversas voces, tendrás un conjunto de partes con progresiones suaves, excepto en los puntos en los que quieras crear saltos para favorecer algún efecto emocional. Fíjate como las cuatro líneas del ejemplo (d) de arriba se mueven paso a paso. En el ejemplo (e), tres de las cuatro líneas saltan hacia abajo en el ultimo tiempo para añadir emoción. (la tercera voz se mueve en sentido contrario). También he añadido un nuevo elemento a la melodía la appoggiatura. Una appoggiatura es una nota fuera del acorde en un tiempo fuerte que se resuelve hacia arriba o hacia abajo después del tiempo para caer en un sonido de acorde. El color armónico que añaden las appoggiaturas y las notas de paso es vital para escribir un buen pasaje de orquesta. Incluso en la época de Bach podemos encontrar
pasajes tan llenos de appoggiaturas y notas de paso que la armonía adyacente resulta cuando menos ambigua. Melodías Abiertas Mientras estudias el color armónico, fíjate en las melodías abiertas de los ejemplos anteriores. Casi cualquier acorde puede ser armonizado de varias maneras, cada una de ellas con un sabor sutilmente distinto. Los tecladistas por el mero hecho de tener pegados los dedos el uno al otro, solemos crear melodías relativamente cercanas (es decir, voces en que las notas del acorde están cerca la una de la otra). Pero la orquestación a menudo ofrece sonidos más interesantes si se utilizan voces abiertas. Aquí tienes ejemplos de acordes (armonías mas modernas, dicho sea de paso) con melodías, en primer lugar, del estilo en que un tecladista podría tocar, y después la forma en que se podría escribir en un arreglo orquestal. Ej. 2 a)
b) D13
Gm9
c) Amaj9
Movimientos de Paso A excepción de unas notas de paso, notas comunes y appoggiaturas, de los ejemplos anteriores, las composiciones son homofonitas, es decir que todos los instrumentos están tocando el mismo tipo de melodía rítmica y lo hacen al mismo tiempo. Vamos a expandir nuestra simple progresión para convertirla en una frase de dos compases y vamos a dar a cada instrumento su propia parte distintiva. Este tipo de composición para sección de cuerdas o vientos era muy habitual en el siglo XIX. Ej. 3 (a)
Aquí, los violines (línea superior), tocan una figura melódica. Es bastante burda, seguro que tu lo puedes hacer mejor. Los cellos están tocando una parte típica pero aburrida, apoyando las tónicas de los acordes, los segundos violines y violas trabajan codo con codo, cosa por otro lado bastante habitual, para crear un colchón armónico y rítmico. En una orquestación real, estas líneas internas podrían escribirse con cuatro notas ligadas en el mismo golpe de arco, algo parecido a lo siguiente:
Pero hay muchas articulaciones posibles, aquí tienes un par a)
b)
Este tipo de parte con su ritmo regular, apunta otra diferencia básica entre la composición orquestal y los arreglos para un grupo pop, como una orquesta no suele tener una sección rítmica, el ritmo es responsabilidad de los instrumentos melódicos. Como resultado de esto el ritmo parece tener un aspecto más melódico que el que suele salir de tu
caja de ritmos. Los compositores horquétales han desarrollado muchas maneras de mantener el ritmo. A veces el ritmo recae en la melodía como en el siguiente ejemplo. EJ. 3 b)
En otros pasajes puede moverse entre distintas partes así: EJ. 3 c)
Al igual que los otros ejemplos de este artículo el pasaje es muy sencillo como para ser utilizado tal cual (a no ser que nacieras antes de 1800). Solo estoy esquematizando algunos conceptos básico para que los puedas desarrollar Desarrollo de Motivos A diferencia del músico pop medio los compositores del siglo XVIII y XIX, conocían muchas maneras curiosas de desarrollar música complicada a partir de motivos muy sencillos. No se trata de menospreciar al pop, que a veces también puede ser muy complicado. Pero los arreglos de pop suelen centrarse en la manera en como interactúan los instrumentos de la sección rítmica para crear un ritmo. La relación del bajo eléctrico con el piano puede ser maravillosa y excitante. Pero es diferente de la que se puede establecer entre secciones en la mayoría de la música sinfónica.
Los compositores clásicos usan el desarrollo de motivos para mantener el interés del publico. El cambio de un motivo melódico de forma que suene fresco, siendo aun reconocible, es una forma de dar variedad manteniendo la unidad de la composición. Pero los motivos no solo se usan en la melodía. Es muy normal el escuchar como un motivo salta de un instrumento a otro de la orquesta, apareciendo ya en las cuerdas, ya en el bajo, en el acompañamiento, en los vientos, etc. Vamos a empezar con un motivo simple
y veamos unas cuantas maneras de jugar con el. Primero podemos añadir muchos adornos y notas de paso. En el ejemplo 4 se muestras estas tres ideas de adornos. El ritmo del motivo se puede cambiar de muchas maneras, tal y como lo ilustra el ejemplo 5. Incluso podemos tocar el motivo al revés o de abajo a arriba, o acortar los intervalos. El ejemplo 6 muestra estos conceptos. Si todo esto te parece muy académico, prénsalo de nuevo. Escucha de nuevo el primer movimiento del Piano Concierto No.5 de Beethoven, el segundo compás del tema principal es algo como esto:
El motivo de cuatro notas descendientes, a menudo con los intervalos comprimidos para que las notas estén en escalas adyacentes, aparece en todo el movimiento, no solo en frases melódicas obvias, sino también en pasajes de piano como el que sigue:
Como los compositores horquétales trabajan con una paleta instrumental mas o menos fija, son mas propicios a variar las composiciones cambiando las partes individuales de una frase a otra, incluso repitiendo la misma frase. Esta mutación podría ser tan simple como una transposición de octava o una nota añadida, pero también
puedes encontrarte con una figura de acompañamiento de corcheas como la que sigue:
Sustituida unos compases después por una figura expandida que tiene la misma función armónica:
En el desarrollo de motivos se trata menos de desarrollar nuevas frases de ideas centrales que de cómo se desarrolla toda la pieza musical en si. La música pop suele caer en frases de ocho compases que se repiten. El desarrollo de un tema pop se hace normalmente introduciendo nuevas pistas de instrumentos sobre las que ya están sonando: la frase subyacente se suele repetir sin ningún cambio. La composición sinfónica es muy diferente. Por un lado, el material de la frase (la progresión de acordes por ejemplo) cambia de una frase a la siguiente. Las propias frases puede que no sean de ocho compases, de hecho es normal utilizar frases de longitud variable. Las frases se pueden solapar como se muestra en el ejemplo siguiente. El ejemplo puede que no sea una pieza maestra, pero ilustra la idea. El final esperado de la primera frase de cuatro compases se evapora porque empieza una nueva frase. El cuarto compás es ambiguo. Este tipo de composición aporta a la música clásica mucha de su fluidez característica. Las entradas y salidas también suele ser mas fluida que en la música pop. Pueden suceder al principio o final de una frase larga, reforzando la propia estructura de la frase. Pero a finales del siglo XIX se puso introdujo también la “moda” de entrar instrumentos a media frase. Para un compositor como Mahler, la orquesta entera era un solo instrumento. Hacia entrar una flauta o un corno ingles en una sola nota para añadir color a un crecendo de cuerdas. Si crees que estas ideas son interesantes, sigue explorando las posibilidades de la orquestación y porque no tomar un curso de composición, hay todo un mundo de manipulaciones musicales esperándote. Aquí solo hemos esquematizado.
Ej. 4 adornos. a)
Ej. 5
Tres maneras simples de cambiar un motivo utilizando
b)
c)
El mismo motivo esta vez con variaciones rítmicas.
Ej. 6 De nuevo el mismo motivo pero esta vez tocado hacia atrás (a) con alguna variación rítmica y una nota de paso de adorno, (b) de abajo a arriba y (c) con intervalo modificado. a)
b)
c)
Ej. 7 La frase de cuatro compases inicial se alarga empezando una nueva frase con la figura del cuarto compás. a)