Alta moda
1 INTRODUCCIÓN La alta moda por estar confeccionada 100% a mano, está relacionada con el artesanado minucioso que se o
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- Yolanda
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INTRODUCCIÓN
La alta moda por estar confeccionada 100% a mano, está relacionada con el artesanado minucioso que se origina en Francia hace 150 años gracias a Charles Frederic Whorth, el primer diseñador de modas que utilizó la técnica del draping1 Para la elaboración de un traje de alta moda se requiere de materiales preciosos tales como: sedas, brocados, terciopelos con texturas y/o estampados únicos, apliques y bordados perfectos, con la combinación de accesorios muy exclusivos también. Las técnicas de confección son variadas y demandan de mucha habilidad, pero sobre todo de perfección milimétrica, para lograr el acabado ideal en los trajes. Los diseños de esta categoría son únicos e irrepetibles, con exquisita proyección de imagen. En la actualidad en Europa existen 18 casas de alta costura, que dan trabajo a miles de personas, de ahí que esto constituya uno de los mayores ingresos económicos para ciudad satélites donde se dictan las tendencias. Estas son: París, Londres, Italia, Madrid, New York, entre otras. En las altas esferas primer mundistas se observa el mayor consumo de estas prendas, que por lo general corresponde a gente del espectáculo y a la monarquías europeas que exhiben los diseños de afamados diseñadores. En nuestro medio se ubican pequeños grupos de estrato social alto que grosso modo conocen de la alta moda y se puede asegurar que este cliente consume un “ pret-aporter”2 de noche o ejecutivo, que difiere de la alta costura por ser producida en serie y tener una confección mixta, es decir a máquina con acabados a mano.
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Drapeado o modelado del traje directamente sobre el cuerpo. Listo para portar. En italiano término que se ha generalizado. Categoría de la moda que es hecha en confección mixta(a máquina con acabados a mano),producida en series limitadas y de alta calidad. 2
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En el Ecuador pocas son las personas que confeccionan en sus casas o en pequeños talleres trajes de novia o de noche con muy buena calidad, pero aún así no podríamos hablar de un desarrollo real de alta moda, ni de un proceso estilístico adecuado. En la práctica no existe una asesoría de moda individualizada que observe las características del cliente ni que se proyecte en él. Las primeras interrogantes que se generan al plantear “El proyecto atelier de Alta Moda Femenina”, son: -¿Qué es alta moda, cuál es su origen y desarrollo actual? -¿Cómo establecer una casa de alta costura, para proyectar la imagen del diseñador? -¿Cómo va dirigido el proceso estilístico de las colecciones de alta moda que se van a diseñar? -¿Cuáles son las preferencias del grupo objetivo y cuál será el nivel de aceptación del producto? “Proyecto atelier de alta moda femenina”. Su primordial objetivo es lanzar una imagen y estilo propio en el diseño de alta moda femenina; busca la identificación y el conocimiento real de la alta moda, como la rama élite del diseño y la confección; Encontrar un fundamento que respalde la actividad en la alta moda dentro del país, nosolo como medio de expresión, sino que también induzca al cliente a buscar y satisfacerse con un producto exclusivo y de calidad, con un previo conocimiento de sus necesidades. En segundo lugar, establecer lineamientos generales para el lanzamiento de un atelier 3
de alta moda femenina, proyectando su infraestructura e imagen; Conocer el origen y el
estado actual de la alta moda a escala mundial, identificando a sus diseñadores más
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Casa de alta moda que se maneja con imagen exclusiva Se compone del taller de confección, boutique y lugar de exhibición(pasarela.) . Bajo el mando del diseñador.
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destacados; desarrollar el proceso estilístico de las colecciones de alta moda, sin dejar de lado el estudio de las generalidades de la moda que permitirá un ordenado proceso del diseño, con el fin de ejecutar y presentar uno de los trajes de las colecciones, así después evaluar la aceptación del producto. En el planteamiento de la hipótesis se formula lo siguiente: “ Es posible el lanzamiento de un atelier de alta moda femenina con la proyección de una imagen y estilo propio que permita su aplicación en nuestro medio” Para la resolución de esta hipótesis en el transcurso del proyecto se hará un análisis al producto moda y al consumidor respectivamente; se tomarán en cuenta las siguientes variables del producto: diseño, imagen, funcionalidad, marca, calidad
y precio;
variables del consumidor: nivel cultural, capacidad de adquisición, edad y estilo de vida. El grado de aceptación del producto y del conocimiento que se tenga acerca del grupo objetivo, se evaluará de acuerdo a la presentación de colecciones y a las entrevistas de opinión, es decir se hará una investigación de tipo explorativo. La relevancia de este proyecto radica en la identificación y el conocimiento real de la alta moda, para el lanzamiento de una imagen propia en la categoría de la alta moda femenina en nuestro país. El público en general deberá conocer el porqué de su exclusividad, así como también es fundamental el conocimiento del grupo objetivo de esta investigación, con respecto a sus necesidades y preferencias. Esta investigación abarcará los lineamientos generales para la formación de un atelier de alta moda femenina. No profundizará en términos legales concernientes al registro de marcas y patentes; la proyección del atelier de alta costura, infraestructura, marca, logo, accesorios y colecciones serán manejadas de manera gráfica con su respectivo respaldo teórico; se confeccionará uno de los trajes para la presentación en el desfile de modas de fin de año de la escuela, así como para la defensa de tesis; se hablará del origen y
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desarrollo actual de la alta moda a través de sus máximos representantes, tanto como de sus generalidades; los diseños que se utilizarán previos a la demostración de la hipótesis de la investigación, serán creados bajo un estilo personal, tomando en cuenta las tendencias de temporada y la inspiración será tomada de los recursos estilísticos más representativos de la India. El grupo objetivo se ubica entre mujeres de clase social alta de 25 a 35 años en la ciudad de Quito. El proyecto podrá llevarse acabo con el análisis de la información gráfica y documentada a través de videos y medios de comunicación escritos, así como también por medio de Internet. La aplicación de este tema podrá ser utilizada en la confección de trajes de alta moda bajo pedido o para el lanzamiento del mismo atelier. El trabajo investigativo genera gran impacto en los clientes, confeccionistas, diseñadores y público en general, porque devela el real proceso de la alta moda y porque pone a consideración el trabajo de una nueva diseñadora. El método utilizado en general es
teórico-descriptivo, por medio de técnicas
bibliográficas como: Libros, revistas, figurines, videos, documentales, etc.; y la vía directa o de campo como: Entrevistas, observaciones y aplicación de procesos estilísticos. UNIVERSO Y MUESTRA DEL MERCADO
UNIVERSO: Ciudad de Quito. MUESTRA: mujeres de estrato social alto de 25 a 35 años de edad. TEMA DE INSPIRACIÓN
Imágenes más representativas de la India y su arte.
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CAPÍTULO I 1 . GENERALIDADES DE LA MODA
1.1 CATEGORÍAS DE LA MODA La moda como consecuencia de acontecimientos sociales de trascendencia y el reflejo de un “modus vivendi”, se pronuncia en los siguientes rangos: •
Casual.- esta categoría nace en el vivir cotidiano de las sociedades que necesitan comodidad en su vestimenta para el desarrollo de sus actividades, no es una moda formal.
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Pret- a- porter. - significa listo para llevar o portar, se caracteriza por poseer marca e imagen propia; su confección es de alta calidad a máquina, pero suele tener acabados a mano; la producción del P. A. P. se realiza en series limitadas y utiliza modelos y texturas innovadoras; es un producto de élite que tiene un alto valor agregado y que sigue las tendencias de temporada. En el PAP. se desarrollan tres subcategorías que son: Casual, Ejecutivo y de Noche.
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Alta Moda.-Es la confección minuciosa y artesanal, 100% a mano de diseños sumamente exclusivos, que poseen imagen de gran renombre. Se utilizan materiales preciosos, fabricados especialmente para la alta moda, máximo se pueden fabricar dos reproducciones del mismo diseño, solo si existe un acuerdo entre el diseñador y el cliente. El costo de estos trajes llega a ser altísimo, digno de las personalidades de las monarquías, del espectáculo, etc. El diseño de esta categoría no precisa obligatoriedad en seguir las tendencias de temporada. Para la alta moda se desarrollan otras subcategorías como: La ejecutiva, de noche y ceremonia. Paola Jiménez
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Existe una derivación de estas categorías de la moda, pero que propiamente no es una categoría, sino una copia de estas, especialmente del pret-a-porter, se trata del “pronto moda”,que surge como una alternativa más económica y es producida en serie o en cantidades industriales para satisfacer a la mayoría del mercado que no tiene la capacidad adquisitiva de las altas esferas sociales y que imitan su forma de vestir. Su confección no es mala, pero no posee perfección en sus acabados. 1.2 CATEGORÍAS DE LOS DISEÑADORES DE ACUERDO CON SU ESTILO Los diseñadores de modas se presentan cada uno como un artista con estilo individual de acuerdo a su firma. •
Los Fundadores.- esta categoría no esta basada en la visión estética de la moda. Worth fue el primer diseñador es decir el fundador de la moda y de la alta moda en términos legales. Los diseñadores de la categoría fundadores son:
Charles Frederick Worth - Francia
Jaques Doucet - Francés
Paquin - Francesa
Jeanne Lanvin - Francia
Callot y Soeurs - Francia
Lucile - Lucy Christiana Sutherland- Inglaterra
Soué Soeurs ( Madame Sylvie Montegut — Baronne Jeanne d’Etreillis )
Francia.
Paul Poiret - Francia
• Los Artistas.- Se trata de un grupo importante porque sus creaciones tienen un impulso tan fuerte como el de cualquier pintor o escultor, y por este efecto que
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sus trajes fueron usados por mujeres quienes escogieron presentarlos artísticamente. Los diseñadores que se encuentran en esta categoría son:
Mariano Fortuny – España
María Monaci Gallenga - Italia
Liberty & co. - Inglaterra
ary McFadden- E.E.U.U
Zandra Rhodes – Inglaterra
• Los Puristas.- Estos diseñadores han trabajado profundamente en el sistema de la moda, pero siempre fueron fieles a la silueta femenina bella por naturaleza. Sus diseños eran de alta moda y ready to wear (listos para vestir). Los diseñadores que se encuentran en esta categoría son:
Gabrielle (Coco) Chanel - Francia
Jean Patou — Nonnamdía - Francia
Eduard Molyneux - Inglaterra
Madame Alix Grés-Francia
Lousieboulanger - Francia
Madeleine Vionnet - Francia
Mainbocher - Estadounidense
Valentina - Italiana
Roy Halston Frowick – E.E.U.U
Sonia Rykiel – Francia
Los de Entretenimiento.- son aquellos que en sus colecciones le ponen el toque
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de fantasía y creatividad, como en el caso de Elsa Shiaparelli con su propio inspirado en las obras de Dalí y dejando que sus diseños se conviertan también en un espectáculo surrealista. En esta categoría hay alta moda y ready to wear (listos para vestir). Los diseñadores que se encuentran en esta categoría son:
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Elsa Schiaparelli - Italia
Gilbert Adrian – E.E.U.U
Maggy Rouff - Francia
Karl Lagerfeld - Alemania
Marcel Rochas – Francia
Los extravagantes.- categoría incluyen director de espectáculos, quienes revelaron las frivolidades de la moda. Este grupo se especializó en el lujo de sus prendas. Sus diseños eran de alta moda y ready to wear (listo para vestir). Los diseñadores que se encuentran en esta categoría son:
Christian Dior — Francés
Maiy Quant - Inglesa
Pierre Balmain - Francés
Nina Ricci - Italiana
Jaques Heim - Francés
Jacques Fath - Francés
Jacques Grife - Francés
Jean Dessés - Egipto
Norman Hartnell - Inglés
Valentino Garavini - Italiano
Hubert James Taffin de Givenchy - Francés
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James Galanos - Estadounidense
Oscar de la Renta — República Dominicana
Bill Blass - Estadounidense
Yves Saint Laurent - Francés
Gianny Versace - Italiano
Franco Moschino – Italiano
Los arquitectos .- Estos diseñadores dominan el arte del corte a tal punto que empiezan a jugar con la forma del cuerpo humano, Balenciaga uso cortes y una construcción para crear para siempre nuevas formas. Los diseñadores que se encuentran en esta categoría son:
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Cristóbal Balenciaga - España
Charles James - Inglaterra
Roberto Capucci - Italia
Pierre Cardin - Francia
André Courregues - Francia
Geanfranco Ferré – Italia
Los realistas. - Su punto de vista es opuesto, trabajaron originalmente con una lealtad en las necesidades de su clientela usando o desechando elementos tradicionales de la ropa deportiva y activa, crearon ropa satisfactoria para vestir todo el tiempo, ropa que es confortable. Pero no hay que dejar a un lado los diseños característicos que realzan la elegancia y la originalidad del diseñador. Los diseñadores que se encuentran en esta categoría son:
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Claire McCardell - Estadounidense
Vera Maxwell - Estadounidense
Bonnie Cachin - Estadounidense
Norma Kamali - Estadounidense
Norman Norell - Estadounidense
Pauline Trigere - Francesa
Hardy Amies - Inglés
Geoffrey Beene - Estadounidense
Perry Ellis - Estadounidense
Ralph Laurent - Estadounidense
Kenzo Takada — Japonés
Giorgio Armani - Italiano
Issey Miyake - Hiroshima
Carolina Herrera - Venezolana
Donna Karan – Estadounidense
1.3 TIPOS DE DISEÑADORES DE ACUERDO CON EL MERCADO •
Comerciales.- Son aquellos que no proyectan un estilo ni imagen propia y su única intención es adaptar el producto moda al mercado, para tener réditos económicos.
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Comerciales y de imagen.- Son aquellos que proyectan imagen propia y que también adaptan el producto al mercado. Estos diseñadores buscan el posicionamiento de su marca.
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Trend o de Vanguardia.- Son diseñadores que no pretenden lucrar de la venta del producto, pues este no se adapta a las tendencias de temporada ni al Paola Jiménez
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mercado, solo proyecta una imagen que puede identificarse con el gusto del diseñador y de su inspiración 1.4 ESTILO Es la presentación de la moda del momento, utilizado con aire de individualidad, se define a partir de la forma de vida e imagen del cliente. A continuación se presentan los estilos más conocidos: •
Casual.- imagen joven alegre adaptada al vivir cotidiano.
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Moderno.- imagen urbana y progresista, para un cliente citadino o ejecutivo con gusto relajado, con tendencia a diseños funcionales y actuales.
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Romántico.- que refleja suavidad, frescura, sentimentalismo. En general su mercado está entre mujeres jóvenes de gusto delicado.
•
Natural.- imagen simple, suelta y confortable personas de mentalidad amplia y libre.
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Elegante.- De corte refinado, sutil y que gusta de la calidad de los detalles.
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Chic.- Para un cliente sobrio que se mueve en ambientes urbanos y que está pendiente de las últimas novedades de la moda.
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Clásico.- Tradicional, maduro y de buen gusto.
1.5 TENDENCIA Marco estilístico-simbólico en el que se desenvuelve el producto moda y que es utilizado por la industria textil y de la confección para plantear sus propuestas de moda. Aparta los intentos de ciertas corrientes que no se ajustan a este marco. Es el conjunto de parámetros de la moda que están en temporada, de las que los diseñadores están al tanto por lo menos con dos años de anticipación, para el desarrollo de sus colecciones. Paola Jiménez
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La tendencia es el resultado de la mezcla de estilos e influencia, por ejemplo: para el desarrollo del proceso estilístico de las colecciones de este proyecto se unificó al tema de inspiración, una tendencia denominada “cross over”, que significa la mezcla de varias etnias como: árabe, hindú, norteamericanas, etc., 1.6 INFLUENCIA Para el diseño de modas se toma en cuenta rangos de creación o influencias que se definen de acuerdo a los acontecimientos o circunstancias de trascendencia social que marcan una época, tales como: •
Retro.- da características que evocan épocas pasadas.
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Socio.- Cuando el traje es destinado a un grupo de trabajo específico y se torna intemporal, por ejemplo: el overall de trabajo.
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Ethno.- Toma elementos de grupos étnicos y le da al vestido una imagen folklórica y artesanal.
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Ado.-nace con la manifestación del rock, pero se identifica con el adolescente en general.
•
Techno.-
aparece con la influencia de la tecnología, sobre la actividad
cotidiana, tiende al futurismo.
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CAPÍTULO II
1. ORIGEN E HISTORIA DEL TRAJE
La utilización del traje se remonta desde el origen del hombre primitivo, el mismo que ve la necesidad de abrigo ante las inclemencias del tiempo, utilizando las pieles de los animales que cazaban; posteriormente el vestido se convierte en instrumento de ornamento, así por ejemplo, los monarcas de cada grupo social, las mujeres, sacerdotes, etc. , se distinguieron por la diversidad de adornos en su indumentaria; luego aparece el concepto de la moral o pudor y la higiene, conforme al avance de las civilizaciones. El vestido refleja las condiciones de vida de una sociedad, también se relaciona directamente con su ideología, que en su mayoría influye en el estilo y formas del traje. Por ejemplo: la mujer musulmana se maneja cubierta de los pies a la cabeza, debido a la moral que se le impone estrictamente conservadora y machista. El medio geográfico es determinante, ya que dependiendo de la altura, de su hidrografía, de su sistema montañoso, etc. El clima es diverso y exige que el traje se adapte a estas condiciones. La técnica de confección va en constante desarrollo y permite que los seres humanos mejoren la calidad del vestuario. Con la creación del telar manual se crearon textiles con infinidad de características,
mientras que con la agricultura se descubre la
utilización del algodón, Lino, yute, etc., como fibras aptas para la fabricación de textiles. Este mismo telar, luego se tecnifica y se vuelve mecánico a finales del siglo XIX y la Producción del textil se torna totalmente industrial.
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A continuación se hará una reseña de lo que fue el traje en las civilizaciones antiguas más sobresalientes en la historia del mundo.
1.1 EL ANTIGUO EGIPTO
Este pueblo representa a una de las culturas más antiguas del mundo con una filosofía politeísta muy arraigada en el diario vivir. Tuvo un sistema de castas estricto y de hecho se vio reflejado en su indumentaria. Se extendieron a lo largo del río Nilo, al norte de África, lo que les benefició en la agricultura, no solo con el cultivo de alimentos, sino en especial de algodón y lino, con lo que fabricaron los textiles de sus trajes. Gracias a que tuvieron salida al mar mediterráneo, su comercio fue fructífero. El clima fue cálido, árido y seco lo que les exigía que el traje fuese muy ligero. No utilizaron las pieles de los animales, por considerarlo impuro, aunque sí procesaron el cuero
procesado, especialmente en la elaboración de una faja delantal que se
denominará squenti y cubría desde la cintura hasta los muslos, sobre el squenti colocaban otro delantal
de atrás hacia delante dejando
ver la parte inferior del
squenti. Para cubrirse del frío utilizaron un manto corto anudado en el pecho y otro en la cintura. Las mujeres se cubrieron con una túnica llamada kalaris, que partía de
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la Cintura y se sostenía en los hombros a manera de tirantes y sobre esta una capa que llevaba un broche o collar. La servidumbre femenina no poseía vestido alguno, solo brazaletes y cintas. Las personalidades nobles utilizaron trajes de tejidos transparentes y suaves. Sobre la cabeza rapada los egipcios utilizaron el claft, que era un tocado apretado en las sienes que caía a los hombros, su calzado era de cuero o papiro. Completaba su indumentaria el uso de joyas en oro y plata con incrustaciones de piedras preciosas. Utilizaron cosméticos faciales y perfumes de origen vegetal, tanto hombres como mujeres. El traje de los egipcios no difiere demasiado del resto de los pueblos de África y Oriente, pues en el caso de la túnica se generalizó en la mayoría de estos pueblos. La vestimenta típica de los persas fue militar, ya que su actividad principal fue la Guerra. Un pantalón largo llamado anaxiriides y una bata corta sujeta a la cintura, Utilizaron también un gorro de fieltro y botas de cuero.
1.2 LA ANTIGUA GRECIA
Ubicada en la península balcánica y el Peloponesio y compuesta por algunos grupos étnicos, tales como: Esparta, Atenas, Tebas, Argos, jonios, eolios, dorios y posteriormente Creta. La característica principal del traje griego es el drapeado de sus vestidos, es decir los pliegues que se formaban a lo largo de estos, pues fueron muy holgados y ligeros.
La sencillez de sus trajes generó mucha elegancia característica de los griegos. El uso de la túnica y el manto se generalizó en hombres y mujeres. Paola Jiménez
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El vestido de las mujeres jonias y dorias fue muy similar y consistía en una larga Túnica ancha, cosida solo en hombros y sujete en la cintura. En la cabeza llevaban un manto que dejaba ver la cabellera usualmente rizada. Con la guerra púnica
se modificó la vestimenta de los jonios, las túnicas se
acortaron y el quitón y el himatión se generalizó para hombres y mujeres. El kitón era un fragmento de tela de 1 ½ m. De ancho por 3 m. que cubría el cuerpo por el lado izquierdo, permitiendo sacar el brazo y se unía con un broche en el hombro derecho. El himatión era un manto que se utilizó para el frío, pero en las mujeres era Obligatorio y opcional para los hombres. Estas dos últimas vestimentas solían ser de color blanco, rojo, azul, verde y amarillo, mientras que la ropa interior siempre fue blanca. Utilizaron la sandalia y el zapato de cuero; los campesinos usaron unas botas también de cuero llamadas garbantinas; los soldados y filósofos usaron las crépidas que eran unas sandalias forradas de hierro y cubrían el pie parcialmente. En la cabeza los marineros usaron los pilos, que era una especie de casquete, mientras que los viajeros terrestres usaron un sombrero de ala hecho en fieltro. El arreglo del cabello era fundamental. Las mujeres lo llevaban rizado y sujeto a la nuca. Cuando el cabello blanqueaba, se lo teñían de preferencia de rojo, así mismo pestañas y sejas, pero en color negro; Los hombres lucían barba como símbolo de virilidad, mientras que los espartanos se afeitaban el bigote.
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1.3 LA ANTIGUA ROMA Se dice que Roma fue fundada en el año 753 AC por Rómulo y Remo, pero existen registros anteriores de su formación. El traje de Roma es una inspiración griega y se generaliza también el uso del kitón y el himatión, pero el principal traje es la toga, capa de forma elíptica envuelta sobre los hombros, en invierno fue de lana y en verano más ligera. Luego fue restringida para los extranjeros y desterrados. La nobleza y los actores impusieron una especie de túnica “bastarda”, con la manga derecha corta y la izquierda larga. Las damas usaron sobre el kitón una capa amarrada en el cuello a la que llamaron estola. Los niños de la nobleza usaron pequeñas togas ornamentadas mientras que los niños humildes llevaban solo unas túnicas de mangas cortas. La plebe en general usó una túnica muy ligera. Las mujeres de clase alta se sintieron muy atraídas por el cabello rubio de las nórdicas, entonces se lo tiñeron. 1.4 LA INDIA Y ORIENTE En la India ,antes de las conquistas del siglo XVI, la vestimenta (incluidos la saya y el elegante sari) parece que tuvo su origen en las prendas drapeadas antiguas de países cálidos. La influencia oriental, que llegó con el Imperio mongol, que aparentemente tuvo mayor incidencia que el imperio británico. A partir del siglo XII los conquistadores musulmanes reformaron de forma drástica el vestido en el norte de la India. Cubriendo
el cuerpo al máximo e
introduciendo el atuendo masculino jamah (traje de manga larga), el isar (pantalones
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anchos) y el farji (un traje largo para oficiales y profesores). La religión prohibía la seda para el hombre, por lo que la mayor parte de la ropa era de algodón o de lana. Estos estilos se conservan en la forma de vestir actual de Pakistán y Bangla Desh. La mujer se vestía en un principio con pantalones, blusas largas y chaquetas cortas, pero después dieron paso a las faldas (con el sari como prenda exterior) y las blusas cortas, estilo que prevalece hoy día. En el sur de la India el vestido mantuvo su forma tradicional compuesta por el dhoti y el sari, pero se le añadió la chaqueta larga para el hombre (la denominada chaqueta Nehru) y las blusas y faldas para la mujer. Estos estilos son actualmente los representativos de este país. En China la forma de vestir sigue siendo la tradicional clásica. Las ciudades principales parece que fueron importantes centros de moda, a donde traían periódicamente nuevos estilos desde Asia central y otros lugares. Desde 1391 las mujeres llevaban, por lo general, faldas plisadas y chaquetas largas. En la dinastía Manchú se introdujo trajes oficiales para la corte que cubría hasta los pies (chaofu), con mangas largas realizadas en piel y trajes menos formales de manga ancha (jifu) y con colores y dibujos según el rango. Un sencillo traje largo (changfu) era el atuendo cotidiano para ambos sexos y para todas las clases sociales. La prenda más característica del estilo chino moderno es el cheongsam, introducido en la década de 1920 como compromiso entre el estilo tradicional y la influencia occidental, esta prenda fue acortándose para adaptarse a la moda occidental. La moda china actual tiende a seguir los dictados de las modas occidental, japonesa y china de ultramar. En Corea Parece que la chaqueta, el pantalón y el abrigo se comenzaron a utilizar muy pronto, pero el traje típico de dos piezas (chaqueta ajustada y pantalones cortos casi siempre blancos) surgió probablemente en los primeros siglos de nuestra era.. A partir del siglo XV la mujer coreana comenzó a llevar faldas plisadas (ch'ima), cuyo talle fue Paola Jiménez
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subiendo gradualmente hasta acabar en la parte alta del cuerpo. El hombre adoptó el estilo chino con cuadrados mandarín en los turumagi como símbolo de su rango y un gran sombrero negro de ala ancha de pelo de caballo que, junto con los pantalones atados a los tobillos, forma el atuendo típico actual de los ancianos coreanos. El traje nacional de la mujer conserva la chaqueta corta, el corpiño y la falda de talle alto con una cinta ancha en la parte superior. Los primeros trajes japoneses conocidos datan del siglo III dC. son chaquetas acampanadas para ambos sexos y pantalones amplios (hakama) para el hombre y falda plisada para la mujer. Durante el periodo Nara la nobleza adoptó el traje de corte chino, y en especial el traje largo, que más tarde pasó a ser el kimono que recuerda especialmente el estilo de vestir de la dinastía Tang china. El vestido de la nobleza evolucionó hacia complicados trajes de varias capas, con chaquetas amplias y pantalones anchos para el hombre y trajes largos para la mujer. Todas las clases sociales llevaban sandalias o zapatos de madera con plataformas denominados okobo. La innovación más clara de los daimio y samurai que dominaron Japón a partir de 1185, fue el kamishimo, una chaqueta sin mangas con hombros amplios que llevaba la insignia del clan. Como traje estándar masculino se adoptó el kimono y encima el hakama plisado. La mujer de la clase alta comenzó a llevar un kimono de manga corta (kosode) con una faja (obi) y encima un kimono más amplio. En 1868 Japón se convirtió en el primer país asiático que adoptó oficialmente el traje occidental. Japón es uno de los centros creadores de moda occidental con más éxito. 1.5 AMERICA DEL NORTE, CENTRO Y SUDAMERICA
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Anterior a la conquista de América por parte de los europeos, el continente americano tuvo un gran florecimiento cultural y religioso, sus tradiciones estuvieron muy arraigadas no tanto por ser costumbre sino por ser parte de una filosofía de vida que nacía en la veneración y respeto a la naturaleza. El adelanto intelectual fue de gran magnitud, tanto que se le puede comparar con el de la china, Egipto y otras civilizaciones de gran trascendencia. Se cree que los antepasados de los pueblos indios norteamericanos descienden de etnias que emigraron del Asia, entrando por el Estrecho de Bering hace 30 000 años. Posteriormente con la conquista de los ingleses se produjo el mestizaje anglo-americano, pero originalmente las etnias mantuvieron sus trajes, que consistían en túnicas largas y cortas de lana y algodón para hombres y mujeres; se usaron capas o mantos sobre las túnicas, según la jerarquía del personaje; en el ornamento era común el plumaje de águila y tejidos vistosos, así como el uso de semillas y colmillos de animales; En América central se habla de una similar influencia con respecto al traje de mayas y aztecas; En Sudamérica en la época precolombina los vestigios artísticos datan del 4400 AC. Con lo que respecta a cerámica especialmente y en ella vemos reflejada el tipo de indumentaria que se utilizaba, dependiendo de la situación geográfica y clima. Se mencionan a los Incas como la civilización más representativa y adelantada de Sudamérica. Su indumentaria parte básicamente de la túnica y el taparrabos, este último hecho con pieles de animales. Se utilizó en sus tejidos lana de vicuña, llama y alpaca. Una de las prendas típicas hasta hoy es el poncho que tiene un hoyo en el centro para la cabeza y abertura en los costados; posteriormente con la colonización española se adiciona el pantalón corto y la camisa.
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1.6 EL TRAJE HASTA EL RENACIMIENTO La Época Bizantina data desde el 330dc. Hasta el 1400 DC, por lo tanto la historia del traje de este período es extensa, sin embargo la característica principal fue el lujo y vistosidad. Sobre una túnica de mangas largas iba otra de mangas cortas, a la que se decoró con oro y plata, denominándola dalmática; se utilizó una capa semicircular adornada con pieles y que cubría los hombros; en los primeros años del imperio bizantino, aparece a camisa que tenía función de ropa interior a manera de camisón, luego se convierte en ropa exterior y se generaliza para el uso masculino; el hombre en público jamás se quitaba la chaqueta aunque la camisa fuese una prenda exterior. Los hombres y mujeres galas ya llevaban la “ camisia celta” de donde es su verdadero origen y tenía mangas cortas y largas. Desde oriente próximo se enviaban patrones sobre los cuales se cortaba la tela. En el siglo XIII la “camisia” se denominó chainse y con la mezcla de la túnica se dio lugar a la saya que llegó hasta la rodilla y luego hasta los pies. En el siglo XIV se vuelve a acortar. Actualmente todavía se la usa con el nombre de mandil o también vestido base. A la saya se le dio uso de enterizo, pero con perneras para los soldados y se le dio el nombre de bourgeron. Continuando con la camisa, al principio se la confeccionó en dos piezas con el cuello plano fruncido con cordón; otra forma de confección era haciendo la camisa de una sola pieza, sin costura en los hombros, pero sí en los costados y con puños. En el siglo XVI la camisa de hombre tuvo abertura atrás y delante; otras camisas se llamaron “a la española” por tener adornos de oro y plata. En la época de Luis XIV, las camisas llegaron a tener las mangas muy largas, casi de 1 metro y se fruncía a lo largo de tres filas. En la parte delantera iba adornada con encajes, bordados, pliegues o volantes. Los más adinerados se abotonaban con broches de oro, plata o piedras preciosas.
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Encima de la camisa se colocaban el colobe que era una especie de poncho de lana con hoyo para la cabeza, pero no tenía mangas y se lo amarraban en la cintura. Con la invasión de los bárbaros el traje no se modificó tanto como con la expansión del cristianismo, pues las costumbres religiosas limitaron la utilización de ciertas prendas, así como generaron el uso de otras. En el período galo-romano, siglo X, los hombres usaron las bragas que eran como pantaloncillos cortos hasta las rodillas, acompañadas de unas perneras, mallas o calzas que cubrían hasta los pies. Las perneras fueron subiendo y ajustándose hasta los muslos, para luego en siglo XIV, cruzarse en la cintura con una abertura en el frente, llamándose bragueta. Posteriormente las calzas tenían tres piezas: una que cubría la cadera, la otra los muslos y la tercera las piernas. Esta es la evolución del pantalón, pero realmente se origina hace 3000 años con los jinetes de las estepas. En el siglo X los caballeros guerreros utilizaron una túnica corta con mangas y encima se ponían una cota metálica o malla. Para complementar sobre se colocaron otra túnica, pero sin mangas y finalmente las calzas. El vestido realmente no aparece como prenda femenina, hasta el siglo XII y originalmente fue una envoltura tubular con o sin mangas, para los hombres este se destinó para las ceremonias. El traje de las mujeres no fue tan exagerado como el de los hombres, pero adoptaron una capa con mangas amplias y de tela plisada, de origen oriental, con el nombre de brial. Los vestidos eran acampanados, la parte superior y las mangas eran ajustadas, en el interior llevaban puestas la nueva invención, el corsé, que era un armazón de tela que formaba y apretaba el busto por debajo de la blusa y el vestido. Se entiende que el origen de la ropa interior está en el traje de baño. Las antiguas griegas para practicar la natación se colocaban un calzón y una banda a manera de
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sostén, aunque los hombres nadaban desnudos. Mientras que en los baños públicos del siglo XV la gente se bañaba desnuda, ya con la Reforma de los protestantes se prohibió el baño
por considerarlo indecente ya que la gente lo practicaba sin ropa y
generalmente en público. La ropa interior era para las mujeres máximo un camisón largo y para los hombres unos calzoncillos o un albornoz cruzado. El uso de ropa interior ya era parte de la vestimenta de hombres y mujeres en el siglo XIII, pero no como traje de baño hasta el siglo XV, que se utilizó un largo camisón para el público. El uso de la ropa interior se generalizó a finales del siglo XIII, pero su aceptación definitiva fue en el XIV, es decir en pleno Renacimiento. Los accesorios se tornaron de gran importancia y se hacían con incrustaciones de gemas, perlas, oro y plata. El calzado masculino fue totalmente cerrado y adornado con una hebilla o botón, también aparece la zapatilla de seda o brocado; las mujeres llevaban un botín alto. Se fabricaron guantes de cuero perfumado y su utilización era muy antigua, Homero en la Ilíada ya los cita. Aparecieron bonetes cónicos que medían hasta 60 cm de alto y en la punta colgaban velos que llegaban hasta el piso(para la cabeza de las mujeres.) A veces el tocado podía ser un velo almidonado sobre armazones de latón. En el siglo XIV la mujer utilizó un traje de dos colores, uno representaba a la familia paterna y otro a la familia de su cónyuge. El talle era ceñido y el escote amplio, las mangas estrechas y faldones muy amplios. Con la influencia del Renacimiento los trajes se tornan barrocos o sobrecargados. Las faldas son anchísimas, para aumentar el volumen de las caderas. Se usaba el miriñaque, que era la sobre posición de falda sobre falda
que llegaban a ser hasta 7 con
decoraciones de encajes. A esto se contraponen trajes más ajustados y no tan fastuosos.
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Los trajes femeninos lucen exagerados ornamentos de encaje, pedrería y cintas. Se separan definitivamente las calzas y aparecen las medias. Enrique II rey de Francia, estrena las primeras medias de punto, para la boda de su hermana Margarita con Manuel Felipe de Saboya. A fines del siglo XVI, se introduce en Europa el abanico, que es de origen oriental. Ya en el siglo XVII, el vestido femenino llegó a proporciones exageradas. Se usaba el corsé que ceñía el talle y abultaba los senos hacia delante. debajo de los escotes cuadrados, se utilizaban blusas que se dejaban ver ligeramente. Llegando a la máxima extravagancia, hombres y mujeres se ponían grandes pelucas rubias decoradas con los peinados de bucles. Las gorgueras4 para entonces fueron desapareciendo en Europa excepto en España, que se aferró a esta moda. Las chaquetas masculinas eran ajustadas y con mangas bombachas; debajo iba el calzón, partido verticalmente dejando ver la ropa interior; las botas eran altas y el sombrero era amplio y recargado de plumas. En el siglo XVIII, Versalles y la fastuosa corte del rey Luis XIV, impone una moda de gran belleza lujo y armonía, era la época de miriñaques, corsés, camisas de seda con puntillas en los puños, encajes, pelucas y zapatos de tacón alto. Los colores más usados eran: rosa, verde, turquesa, azul claro, púrpura y amarillo. Entonces, surgen los comerciantes de telas exclusivas y costureros para los trajes de la corte. A fines del siglo XVIII, se generaliza el uso de la sombrilla. Mientras tanto los militares empezaron a utilizar la corbata que es de origen croata, siendo adoptada por los franceses con el nombre de “cravate”, que luego se popularizara.
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Encajes plisados colocados alrededor del cuello.
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El chal invade la moda a pesar que su uso es antiquísimo, se empieza a llevar anillos en todos los dedos de las manos. Cuenta la historia, que el conde de Artois, usaba en sus chaquetas pequeños relojes muy valiosos, a manera de botones.
1.7 EL TRAJE EN LA REVOLUCION FRANCESA.
En 1789 estalla la revolución francesa en contra de la monarquía y la desigualdad social y con ella la guerra en contra de la moda y el lujo de la corte. A ella se impone el traje revolucionario del parís republicano. Con este acontecimiento desaparecen los miriñaques, pelucas, incrustaciones de gemas, maquillaje, lunares postizos, zapatos de punta, encajes, etc.,La simpleza en el traje se mantiene hasta el siglo XIX. En gran Bretaña nace el pantalón largo que se fue modificando, desde muy amplio hasta como es hoy. Llegó el imperio de Napoleón I, que se esforzó por resucitar el lujo de la corte de Luis XIV. Por su influencia en Francia se retoma el concepto de higiene, ya que se divulgó que se bañaba frecuentemente, práctica que hasta esos días era inmoral. Luego se conoce el uso del jabón que fue recomendado por los médicos, por ser parte de elementales cuidados de la salud. Ya en la segunda mitad del siglo XIX, aparece la máquina de coser que facilita la confección y luego su industrialización. En el mundo moderno el pantaloncillo corto desparece y surge el pantalón largo, surge la americana, traje deportivo, calzado cómodo y cuello más blando.
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1.8 CRONOLOGIA DEL TRAJE Y ACONTECIMIENTOS PARALELOS A PARTIR DE 1863
-1863. – Invención de la máquina de coser. -1880. - Se crea el primer colegio femenino en Francia. -1881. - Charles Pointer, representante de la casa Redfern, funda una sucursal en París y -contribuye al lanzamiento del guardarropa básico femenino, de esa época. -1887. -Se aboga por la desaparición del corsé, pues provocaba muchos trastornos en la salud, ya que deformaba la anatomía e interrumpía la circulación, de hecho muchas mujeres se desmayaban durante sus labores. La industria del corsé se opuso a su desaparición, porque eran 20000 mujeres y 1000 hombres los que trabajaban en su elaboración. Posteriormente Paúl Poiret influye en la erradicación definitiva del corsé. -1888. -se funda la casa Callot, con 4 hermanas que se especializaban en la elaboración de lencería de hogar. En 1895,Marie Gerber la retoma, convirtiéndola en una verdadera casa de modas, caracterizándose por la utilización de texturas y materiales preciosos. -1890. -Jeanne Lanvin, se instala en un moderno departamento, confeccionando sombreros, utilizando a su hija Marie Blanche como modelo. En 1900 adquiere gran reconocimiento internacional. -1891. - Jeanne Paquin, gracias a la ayuda de su esposo, crea su propia casa, que rápidamente iguala la reputación de la casa Worth.
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La Belle Epoque se caracterizó por un estilo inspirado en el arte antiguo del Renacimiento del siglo XVIII. -1898. -Jaques Doucet hereda de su padre una boutique familiar especializada en lencería de casa. En 1900 se dio a conocer por mala utilización de ornamentos preciosos y bordados delicados, inspirados en el Renacimiento. -1896. - Paúl Poiret.-abre la casa de Sarah Bernnardt en L’ Aiglon, luego hizo una pasantía durante cuatro años en la casa Worth, donde estuvo encargado de la línea de menos lujo. En 1904 Poiret fundó su propia casa, caracterizada por su original decoración. En 1909 concibe una nueva silueta que revoluciona la moda, esta es la “imperio”,en la cual el talle empieza bajo el busto, al mismo tiempo le declara la guerra al corsé, que fue inconciliable con el Corte Imperio. En sus diseños la influencia fue oriental e introdujo en el ballet ruso la utilización del turbante en colores contrastantes. -1908. - Mariano Fortuny, artista de origen español, se instala en Venecia y empieza con el estudio de los textiles. Posteriormente fue reconocido por un traje que fue denominado “delphos”, por tener inspiración en el clásico vestido griego. El traje fue elaborado en seda finamente plisada, esta técnica fue imitada por mucho tiempo. -En 1909 consigue patentar los derechos de su creación y dio a conocer unos abrigos inspirados en el Renacimiento. -1912. -Madeleine Vionnet.-Abre su casa de modas, la misma que fue clausurada al empezar la primera guerra mundial, pero en 1920 se recupera rápidamente. Gabrielle Chanel, igualmente abre su casa de modas, pero también la cierra a causa de la guerra. -1913. - Paquin fue premiada con una mención de honor, por lanzar sus colecciones en desfiles, como verdaderos show.
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-1915. - se produjo un fenómeno social, en el que se cambian los roles, debido a que la mujer reemplazó en sus labores al hombre que fue a la guerra, por lo tanto esto generó una revolución en el traje, ya que el vestido femenino se convirtió en los enterizos y los pantalones. Las mujeres adoptaron oficios de albañilería, chóferes de autobuses, trenes, etc.,. Se empezó a confeccionar en tejido jersey y se simplificó la crinolina, denominándola combinación. -1916. - La casa Redfern recibió la orden de crear el uniforme de la cruz roja internacional. -1919. - Chanel abre su nueva casa de moda y propone un estilo diferente para la mujer, simplificando su guardarropa, sugiere que “la mujer pueda entrar sola en su vestido”, es decir sin la ayuda de nadie; Los broches debían ser sencillos y en sí que el traje sea sencillo de colocarse. Para el día diseñó trajes con bisutería que tenían mezcla de fantasía con joyas reales. Se realizó algunas peticiones durante 1919,1925 y 1932 para que la mujer utilice pantalones, pero no tuvieron éxito y solo se concedió este derecho a las mujeres que realizaban los oficios en las factorías. -1920. -Jean Patou, compitió fuertemente con Chanel y Lanvin, con trajes de estilo sobrio, en los que el beige y las figuras geométricas eran predominantes. Edward Molineux, de origen irlandés, organiza su casa de modas y al “París de los años locos” le sugiere el estilo británico de elegancia refinada. -1923. -Vionet regresa y se instala nuevamente con diseños en colores tenues y elegantes con una simplicidad inspirada en el drapeado clásico. Norman Hartnell, funda su casa de modas y luego se convierte en el costurero oficial de la corte de Inglaterra.
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-1924. -Ernest Beaux, crea para Chanel el N.5, uno de los más célebres perfumes del mundo. Jean Patou abre una boutique de trajes de baño y deportes, llegando a ser esta su especialidad. Susan Lenglen se da a conocer por el diseño de faldas largas, blancas y plisadas combinadas con el look de los cabellos largos y sueltos. Lucien Lelong abre su casa de costura en la Av. Matignon y muy pronto atrajo una gran clientela femenina que apreciaba su estilo. -1925. - El talle apretado fue remplazado por la cintura baja, los sombreros se usaron sobre el cabello recogido. Esta apariencia se tornó escandalosa y a las casas de moda les costó dificultad introducirla. -1928. -Elsa Schiaparelli se dio a conocer por el lanzamiento de ropa. -1929. - El gobierno americano para proteger la industria de la confección, decide elevar los impuestos sobre los trajes importados, como derechos de aduana. Posteriormente se crean las franquicias sobre las marcas europeas, ya que su producto tenía gran aceptación en América y se empezó a enviar los patrones de los vestidos para que sean confeccionados. -1931. -Mainbocher fue el primer norteamericano que abrió su casa de modas en París, además que editó la revista Vogue. -1932. -Nina Ricci organiza su casa de modas con la ayuda de su esposo y su hijo. Sus creaciones se caracterizaron por su sobriedad. -1934. -Alix Gzereckow, futura madame Gres,,funda su casa de modas. -1935. - Schiaparelli instala en 21 plazas, a las que se empezó a llamar “boutiques”,difundiendo, así su espíritu innovador de los años 30.Establece la línea de
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movimiento surrealista de la moda; Dalí y Cocteau, colaboraron en la elaboración de sus colecciones, tales como: El circo. -1937. - Una de las personalidades
más importantes de la alta costura, Cristóbal
Balenciaga, instala su casa de alta costura en París, durante la guerra civil en España. Jaques Fath, presenta públicamente su primera colección y Schiaparelli
lanza su
perfume Shoking. -1939. -En Londres, gracias a la iniciativa de Molineux, se organiza una sociedad de los diseñadores más representativos. -1940. - Charle James da a conocer sus diseños a través de figurines de moda. Funda su casa de alta costura en New York y comienza a trabajar para Elizabeth Arden. -1941. -Lucien Lelong logra un resurgimiento con la ayuda de Dante Gorin secretario público de La cámara Sindical de Alta Costura. -1942. -Jaques Fath toma gran renombre y se dedica ala confección en serie, luego en la casa Carven, se dedicó a diseñar para mujeres pequeñas. -1947. -Christian Dior con la ayuda Marcel Boussal, abre su casa y en febrero lanza su colección “New Look”, que cambiaría radicalmente la silueta femenina: la espalda se torna redonda, el busto abultado, el talle fino y las caderas bien remarcadas. Las faldas que diseñó eran amplias y plisadas, sujetas con cinturones, mientras que en los Estados Unidos, el New Look de Dior fue rechazado. El mismo año lanza su primer perfume, Miss Dior. -1948. -Robert Ricci lanza su perfume “L’air du temps”. -1949. - Pierre Balmain lanza su perfume Jolie Madame (Linda Dama) y en 1952 este es el tema de su colección. Ted Lapidus, comienza modestamente para una clientela privada.
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-1950. - André Courreges, termina sus estudios de ingeniería y aprende de su maestro Balenciaga, las técnicas de confección para alta costura. Molineux se retira el primero de enero y Jaques Griffe toma la sucesión. Hanae Mori organiza en Tokio un estudio especializado en trajes para el cine. -1951. - Pierre Cardin prepara su primera colección de alta costura, utilizando mantos de encajes, su influencia en la moda durará mucho tiempo. -1952. - Givenchy instala su casa en un local de estilo neogótico y trabajó con modelos célebres como Bettina. -1954. - Schiaparelli se retira y publica su autobiografía. La casa Worth fue vendida a la casa Paquin, en tanto que el clásico estilo inglés subsiste de esta época hasta los años 70’s. A la edad de 71 años regresa espectacularmente Coco Chanel, después de quince años de ausencia e intenta reconquistar su clientela, introduciendo un look innovador, que en principio fue criticado fuertemente por la prensa. El traje lo compone chaquetas de twed a cuadros con blusas de mangas largas y faldas que llegaban hasta la rodilla, combinado con bisutería de fantasía, perlas y joyas reales. -1957. -A la muerte de Dior, fue nombrado su sucesor Yves Saint Laurent, mientras que Guy Larroche instala su casa de moda. -1958. -Y.Slaurent, lanza su primera colección usando la línea trapezoide, que le concedería grandes logros. Cardin revoluciona la moda masculina con un espíritu innovador. -1959. - Emanuelle Khanh, antigua modelo de la casa Balenciaga, comienza a crear sus propios diseños, ella será una de las primeras en el pret-a-porter. Después de trabajar para Larroche y Valentino, crea su casa de modas en Roma.
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Jules Francoise Crahay, comienza como asistente de Nina Ricci en 1947, pero en 1957 lanza su primera colección bajo la influencia de Emanuelle Khahn. Michelle Rosier, una antigua periodista se lanza a la moda y logra colocarse entre los primeros del PAP, compitiendo con Christiane Bailly. Mary Quant, creadora de la minifalda, abre su primera boutique y llega a tener gran influencia sobre la moda. -1961. -Jean Louis Scherrer lanza su primera colección. -1962. -Jaqueline y Elie Jacobson abren su boutique junto al río Sena, llamándola Dorothe Bis y conquista una clientela joven. -1963. -Jean Cacharel se da a conocer por sus camisas de crepón. -1965. -Courreges presenta su colección inspirada en el New Look de Dior, pero con adaptaciones del modernismo, generaliza el uso de la minifalda y el pantalón en la mujer. Y. S. Laurent lanza su colección en jersey. -1967. - Serge Lepage retoma el local de la casa Raphael para instalar su casa de costura. -1968. -Castelbajac lanza su marca Compaignie du Ko, que llega a ser Ko and Co. Sonia Rikiel se convierte en la reina del tejido en los EEUU y luego decide abrir su propia boutique. -1969. -Madame Torrente Mett abrió una casa caracterizada por la confección artesanal. -1970. -Kenzo, primer diseñador japonés instalado en París. -1971. -Montana entra como asistente de Mc Douglas, luego desarrolla su pasión por el cuero y abre su boutique en 1979. Vivienne Westwood y su esposo abren una boutique que llegó a ser un punto de referencia para la juventud inglesa.
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-1973. - Issey Myake presenta su primera colección en el palacio del descubrimiento. -1984. - Thierry Mugler al festejar los diez años de su casa, lanza una colección de invierno de 365 modelos, a donde acuden más de 6000 personas. -1985. -Monsieur Jack Lang, ministro de cultura, llega a la asamblea parisiense con un extravagante traje de corbata, diseñado por Mugler. El talento de Azzadine Alaia es oficialmente reconocido, por realizar trajes de teatro y ópera.
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CAPÍTULO III 1. ALTA MODA
La alta moda está ligada al trabajo artesanal en todos sus oficios, tanto en los talleres como para bordadores, modistos, etc. Es la elaboración exhaustiva y minuciosa de trajes de lujo 100% a mano. Para su confección se requieren materiales preciosos y de alta calidad, como: Sedas, brocados, terciopelos, etc. Los estampados y textiles son hechos bajo el pedido del diseñador; insumos de confección también son de lujo, tales como: apliques y bordados finísimos en hilos de seda, metalizados o de oro y plata; Se incrusta pedrería y perlas; La bisutería y accesorios también son únicas. Las técnicas de confección demandan de mucha habilidad y sobre todo de perfección milimétrica, para lograr el acabado ideal en los trajes. La belleza de los vestidos debe ser tanto externa como por el revés. La técnica de confección más importante en alta costura es el draping o drapeado, que consiste en el modelado de la tela directamente sobre el cuerpo o el maniquí que suele tener las medidas del cliente. En esta técnica no se corta directamente la tela, sino que se realizan por lo menos 20 a 30 pruebas hasta que la caída de la tela sea perfecta. En la alta moda no solo el vestido es hecho a mano, sino también el calzado, que hasta hoy se han constituido en verdaderas joyas, debido a que llegan a tener incrustaciones de pedrería; los tocados, sombreros, carteras, guantes y bisutería son accesorios que merecen su respectiva especialización artesanal y que complementan el ajuar de alta costura. Los diseños de alta moda son únicos y exclusivos, máximo se reproducirá dos veces en muy pocas excepciones. Paola Jiménez
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En el mundo, específicamente en Europa, la alta moda como actividad económica representa el 6%. Su facturación directa después de impuestos, en 1994 fue de 5 mil millones de francos (mil millones de dólares. El 73%
de esto es gracias a la
exportación. Para el pret-a-porter de lujo le corresponde el 33%,para el PAP. masculino el 18% y los accesorios el 43% del mercado mundial. El precio de coste de un vestido de alta moda ha subido considerablemente, pues un traje de chaqueta podría costar de 80 000 a 100 000 francos (20 000 dólares más o menos); en el caso de un traje de noche, hasta 200 000 dólares. Debido a este incremento en los trajes de alta costura, actualmente son 1500 clientes en todo el mundo, mientras en 1947 fueron 15000 que correspondía al 90% del mercado. No solo debido al incremento, sino que la modernidad y los modos de vida han cambiado la apariencia de las personas. La alta costura tendría principalmente dos motivos de ser: un laboratorio de creación de nuevas maneras del ensamblaje de una prenda; y ser el despliegue de la creatividad, que puede tener diversas inspiraciones, pero en general se ha observado una influencia Retro, debido a la exhuberancia en los recursos utilizados. La Alta Moda es sinónima de perfección “ se adapta a todas las imperfecciones del cuerpo, disimulándolas, es el arte de montar un cuello, de regular una manga de un traje sastre, o un escote que disimulará un hombro caído o pondrá de relieve un busto de manera admirable5” La alta costura “ es un secreto murmurado de generación en generación”6
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REVISTA LABEL FRANCE, Entretelas de la alta costura, 1999. Yves Saint Laurent
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1.1 ORIGEN E HISTORIA Realmente la Alta Moda se remonta a la época de la corte de Luis XIV en Francia en el siglo XVIII, época en la que la suntuosidad de los trajes era el atractivo principal en la corte de Versalles. Existió en este tiempo una “ modelo viajera”, que iba vestida como un verdadero escaparate, la moda de París, la llamaron “la muñeca de la Rue de Saint Honoré”. La modista de la corte francesa, más reconocida, fue la joven Mlle. Bertin, quien se encargó de vestir a María Antonieta, inclusive a la duquesa rusa Marie Feodorovna. La alta moda, propia de París,
se ha mantenido, gracias a la hegemonía cultural
francesa. Oficialmente existe desde 1900,cuando se realiza la exposición Universal del Estilo Moderno “Art-Decó”.
1.2 CHARLES FREDERIC WORTH El primer diseñador masculino y creador oficial de la Alta Moda fue Charles Frederic Worth, famoso británico que abandona Londres para instalarse en París en 1846, como comerciante de tejidos. Sus primeros trajes confeccionados fueron para su esposa Marie. Convence a su patrón para elaborar vestidos con las telas que vendían, lo cual lo llevó a un gran éxito y en 1858 abre su casa de alta costura en la N.7 de la Rue de Paix. El origen legal de la alta costura se le debe a Worth, quien exhibe sus diseños, quien es el primero en exhibir sus diseños con modelos de carne y hueso, durante lo que por primera vez se denominó “desfile de modas”,donde nace también el concepto de “colección”. Las primeras clientas de Worth fueron: la princesa Metternich, la emperatriz Eugenia, Elizabeth de Caramán.
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Su hijo Gaston, crea la Cámara Sindical de la Alta Costura Parisina y los siguientes criterios: calendario de temporada para las colecciones; manejo de fichas técnicas. Los trajes de Worth fueron una inspiración de la época del Renacimiento, utilizando bordados, finos encajes, sobre posición de faldones, talles ceñidos y grandes capas hasta el piso. Se caracterizó por el uso del corsé, a pesar que en 1851 surge el primer intento de su desaparición. Esta prenda exigía una cintura de 55 cm. Las grandes casas de alta moda se fueron creando a partir de la segunda mitad del siglo XIX, (1890-1914), a la que se le denominó la Belle Epoque, la expresión surge después de la Primera Guerra Mundial como reacción de los que añoraban el pasado, también se la conoció como la Edad de Oro porque el lujo de la moda y estilo de vida se sobrepuso. A esta época le corresponde la emancipación femenina, fenómeno social que también se deja ver en los cambios que experimentó el vestido femenino, que hasta el momento solo constituía un ornamento lejos de la comodidad y de la funcionalidad. Desde los orígenes de la Alta Costura, se conoce al draping como la técnica principal del armado de un vestido, pues era la única manera conocida para dar forma a las creaciones y la más exacta. La Alta moda se va definiendo y fortificando durante las épocas determinantes de Francia y Europa tales como: la fastuosidad del segundo Imperio napoleónico; los grandes momentos de la República después de la Revolución Francesa en 1789,después del derrocamiento de Luis XVI; la Belle Epoque en 1914 con la Emancipación femenina y la Primera Guerra Mundial; los Locos Años 20; la Segunda Guerra Mundial en 1939. Otros hechos importantes en el desarrollo de la Alta moda constituyen: en 1909 la erradicación del corsé7, gracias a Paúl Poiret, que propuso la silueta imperio inconciliable con el corsé y el culot8; ya en 1915 las faldas ya dejan ver el tobillo. 7
Prenda interior que usaban las mujeres para ceñirse el cuerpo, luego se derivará el brazier
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En los inicios de la Alta Moda reconocida como tal y en el transcurso de la Belle Epoque, los diseñadores más reconocidos fueron: Worth 1846, Jeann Lanvin 1890,Jean Paquin 1891, Sarah Bernardt 1896, Doucet 1900, Paúl Poiret 1905,Mariano Fortuny 1909, Madeleine Vionnet 1912,Redfern 1916, Chanel 1919, Lucien Lelong 1924. 1.3 DISEÑADORES Y CASAS DE ALTA MODA MADELEINE VIONNET Se caracterizó por el diseño de trajes inspirados en el Renacimiento. Se da a conocer durante la Primera Guerra Mundial. Sus primeros modelos fueron trabajados sobre maniquíes de pequeña escala; Luego se dedicó a la confección en serie; en sus colecciones utilizó materiales aptos para la
libertad de movimientos, en su corte
elegante fue adquiriendo maestría incomparable Vionnet se le debe la invención del corte de la tela al sesgo. Nunca realizó bocetos ni dibujos previos a sus colecciones, solo diseñaba directamente sobre el maniquí. JEANNE LANVIN Debuta Como modista y comienza su carrera de costurera en 1919. Su primera modelo fue su hija Marie Blanche, conquista en los primeros años del siglo XX, a los más elegantes clientes de París. Preparó a costureras pobres para su casa de costura. Sus trajes tuvieron laboriosos bordados y pequeñas perlas, en general su estilo era folklórico. A su muerte, la casa modifica profundamente su estilo, al hacerse cargo de ella Jules Francois Crahay. LUCIEN LELONG Unos de los mayores representantes de la alta costura parisiense entre la primera y segunda guerra mundial. Tuvo el mérito de persuadir a las autoridades alemanas de la Segunda Guerra Mundial, para comerciar libremente inclusive para Berlín y Viena. 8
Prenda inferior femenina de distintas formas y tamaños que cubría y abultaba las caderas.
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Abre su boutique en 1924. Su inclinación fue hacia el clasicismo y trajes típicos de Europa Central, también tuvo un aire folklórico en sus diseños y proporcionó múltiples cambios a la silueta femenina, así como en la elaboración de abrigos que delineaban la figura. Utilizó grandes solapas y puños cubiertos de pieles de animales, así como de grandes broches y bordados bien elaborados; Confeccionó blusas de muselina plisada.
PAUL POIRET Fue primer modisto que lanzó su propio perfume; fundador de una influyente escuela de arte decorativo y una aportación decisiva a la ilustración de moda. Nace en 1879 y muere en 1944. Poiret trabajó como ayudante de un fabricante de paraguas y luego se formó en el mundo de la moda en las casas parisienses de Doucet y Worth. Para Worth hizo algunos vestidos sin corsé y que al principio fueron rechazados. Instala su casa de Alta Costura
en 1904 con un sentido muy original de
los
escaparates. Tuvo mucha influencia de la cultura oriental; Se preocupó de diseñar siluetas esbeltas destacando el talle y las caderas; Trabajó con plumajes, bordados, capas largas y turbantes. En 1909 crea la silueta imperio, donde el talle comienza debajo del busto y de esta manera le declara la guerra al corsé que provocaba molestias en la salud de las féminas. Luego el corsé lo reemplazó por una cinturilla interior. Su principal enemiga fue Chanel. A Poiret se le debe la invención de las faldas trabadas, la falda pantalón y los pijamas. Poiret resucitó los diseños de tipo bizantino y renacentista y vistió a sus audaces clientas con bombachos y enormes cinturones y enfundó sus cabezas en turbantes llenos de plumas. En 1910 presentó la falda recogida a un lado, fue una auténtica sensación entre las mujeres, que se quejaban de falta de libertad en movimientos. Las impresiones
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textiles fueron únicas, Raoul Dufy, artista de gran renombre participó en los estampados de sus creaciones. En 1911 lanzó su propia línea de perfumes, artículos de belleza y cosméticos, llamada Rosine en homenaje a una de sus hermanas. Además. Fundó una escuela de artes decorativas llamada Ecole Martine, esta escuela se cerró al estallar la primera guerra mundial. En 1912 introdujo las túnicas en forma de lámpara, tenían dobladillos reforzados con alambre que a veces se cubrían con pieles. Poiret siguió diseñando ropa de mujer en los años de la posguerra, pero ya nunca volvió a gozar de su anterior éxito; en los años veinte, sus ricos y exóticos diseños parecían ya algo anacrónico.
COCO CHANEL “ El modisto de Alta Costura es un hombre que tiene presente el futuro”, decía Gabrielle (Coco) Chanel. Nace en 1883 y muere en 1971. Chanel procedía de un medio pobre y no tuvo una formación propiamente dicha. Fue establecida en esto de la moda e introducida en sociedad por su adinerado amante inglés Boy Capel. Contribuyó en la libertad y elegancia del traje femenino. Empezó con la confección de hermosos sombreros y abre su casa de modas en París en 1909. En 1913 abre una boutique en Normandía, proponiendo trajes de chaqueta en jersey. Abrió su primera tienda de ropa en 1914, pero la primera guerra mundial arruinó el negocio. Chanel volvió a abrir en 1919, dándose cuenta de que en los años de posguerra las mujeres habían empezado a disfrutar de una mayor variedad de actividades laborales y que habían conseguido una gran independencia económica y social. Como respuesta a esta tendencia social, Chanel se hizo famosa por diseñar ropa llena de estilo, pero práctica, para mujeres activas. En 1920 ya se convierte en árbitro del buen gusto. Chanel fue una de las primeras defensoras de los baños de mar y de sol a comienzos del
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siglo veinte. Solo las mujeres de la clase trabajadora lucían un rostro bronceado, pero las mujeres de clase alta, tenían el privilegio de los sombreros y sombrillas, causa de la blancura de su piel, claro indicador de su posición social, entonces en 1924, Chanel diseñó trajes de baño de lana para los bailarines de los ballets rusos y que luego se generalizaran para hombres, mujeres y niños en la playa hasta comienzos de los años treinta, así por primera vez las mujeres podían nadar sin la preocupación de sus incómodas prendas interiores. Chanel llevó este enfoque práctico también a su ropa de vestir y con su gran rival Patou creó en 1925 lo que se conoció como la moda Garconne; esta consistía básicamente en prendas amplias y tubulares que caían desde los hombros y facilitaba una libertad de movimientos. Las prendas de Chanel estaban diseñadas para ser llevadas sin corsés y por tanto, para liberar a las mujeres, aunque muchas siguieron utilizando corsés y sujetador para conseguir la figura de moda, delgada y sin caderas (moda —chico-). Muchas de las prendas de Chanel procedían de ropa deportiva y masculina incluyendo, entre otras cosas, amplios pantalones, chaquetas de punto, blaziers y trencas, que por aquel entonces resultaba revolucionarias. También vistió a sus clientas con conjuntos de punto y faldas hasta las rodillas. Nunca antes las mujeres habían enseñado tan abiertamente la pierna. Inmortalizó los —vestiditos negros- y fue la primera couturier (modista) que promovió sin ningún tipo de limitación el uso de joyas para vestir, como collares de perlas artificiales y gruesas cadenas doradas. Tuvo diferencias con Poiret, porque censuró el hecho de desaparecer el corsé. Sus mayores creaciones han sido: el traje negro, el traje sastre en twed, la bisutería fastuosa en fantasía con mezcla de joyas reales . Cuando los Alemanes ocuparon Francia en 1940, Chanel cerró sus puertas y escapó a Suiza, no regresando de nuevo a su país hasta 1954, abriendo nuevamente su casa de
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modas; y las faldas cortadas justo por debajo de la rodilla, con chaquetas a juego de cordoncillo, ejercían un gran atractivo; igual que ocurriera con su moda Garconne casi treinta años antes. Desde su muerte en 1971, la casa Chanel ha seguido abierta bajo la dirección de varios diseñadores, sobre todo de Karl Lagerfeld, que se hizo cargo de ella en 1983, y continúa siendo una de las más célebres casas de moda de Paris. El legendario perfume Chanel No.5 presentado en 1921, sigue siendo uno de los perfumes que más se venden en todo el mundo. MARIANO FORTUNY Nace en 1871 en España y muere en 1949. Empieza con el estudio textil y luego con su aplicación en trajes de alta moda. Se instala en Venecia en 1908. Su principal inspiración estuvo en la antigua Grecia y el Renacimiento. Sus trajes presentaron finos drapeados y plises. En 1909 patenta su famoso traje “delphos” con características del clásico vestuario griego. En 1980 se realizó en Lyón una exposición de sus trajes drapeados que demostraron su inigualable imaginación.
JAQUES DOUCET En 1898 hereda la casa de modas de la familia y en 1900 ya se da a conocer con gran prestigio tanto como la casa Worth. Sus vestidos se caracterizan por la utilización de encajes muy finos y adornados con bellos bordados. Fue uno de los más grandes de la Belle Epoque, sus trajes demarcaron la silueta femenina con el corsé y el culot. Siempre utilizó materiales delicados en tonos pasteles y sus maniquíes tenían las medidas de sus clientes.
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CHARLES REDFERN Nace en 1853 en Inglaterra y muere en 1929. En 1885 se convierte en el modisto de la Princesa de Gales y crea su famoso traje de chaqueta femenino. En 1881 abrió una tienda dirigida por Charles Pointer. En 1916 diseñó el uniforme femenino para La Cruz roja Internacional. JEANNE PAQUIN Nace en 1869 y muere en 1939. Fue inicialmente modelo y luego diseñadora. Trabajó con Isidore Paquin, con quien contrajo matrimonio y en 1880 toma gran renombre su casa de modas, tanto que llega a ser la más importante de su época. Abrió sucursales de su firma en todo el mundo, ofreciendo sus diseños a personajes de la aristocracia y del espectáculo. En 1956 su casa se fusionó con la firma Worth. Criticó fuertemente la falda trabada y la falda pantalón de Poiret. Modificó el traje de chaqueta de la princesa de Gales, hecho por Redfern, introduciéndole pliegues y acortándola. Se retiró en 1919 y le sucede Madeleine Wallis. ALIX GRES Y LA CASA CALLOT Nace en 1903 y muere en 1927. En 1895 retoma la casa Callot que con sus hermanas habían formado. Inicialmente confeccionaban lencería doméstica. Posteriormente adopta el nombre de Madame Gerber. Sus vestidos eran drapeados sin costura en seda, tejida en dimensiones muy anchas exclusivamente para ella, por Rodier. CRISTÓBAL BALENCIAGA Nace en 1895 en España y muere en 1972. Ha sido considerado como el Maestro de la Alta Costura, por ser el creador y perfeccionista de innumerables técnicas de confección. Givenchy lo consideró como “ el arquitecto de la alta costura”. Fue el costurero más admirado entre los años 30’s y 70’s.
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Muchas veces se ha considerado a Balenciaga como el más grande de lodos los modistos. Su entrada en el mundo de la moda se ha convertido en algo legendario: cuando sólo contaba trece años estaba en la calle mirando la ropa de la marquesa de Casa Torres y se atrevió a preguntarle si podía hacerle un vestido. La marquesa se convertiría más tarde en una de sus mejores dientas, le presentaría al modisto parisiense Drecoll y le animaría a abrir su propia casa en San Sebastián en 1916, y se ganó la fama de ser el primer modisto de España siendo sastre cortador y modisto a la vez. Balenciaga aumentó en buena medida su inspiración en la herencia española: sus colecciones solían incluir siempre lazos negros, trenzados, volantes, frunces y bordados. En 1938, en plena guerra civil, Balenciaga abandonó España y abrió una casa de moda en París. A finales de los años treinta, tanto la moda en ropa de vestir como la de las telas para muebles conoció un renacimiento del estilo victoriano, y la primera colección de Balenciaga presentaba vestidos amplios y acampanados. Sin embargo, su influencia fue mayor en los años cincuenta: en 1952 se rebeló en contra el New Look de Dior presentando trajes suaves a medida que se hicieron muy famosos. Constaban de chaquetas de ajuste suelto con talle dentado, cuello recortado, golillas redondas superpuestas y mangas tres cuartos. Se llevaban con sombreros diminutos, como cajitas, que diseñó por vez primera en 1946. En contraste con la simplicidad de sus estilos de trajes de tarde, sus trajes de noche resultaban teatrales y escultóricos y estaban realizados en colores llamativos. Creó vestidos que se iban estrechando desde unas hombreras anchas hasta una falda muy estrecha, y un vestido Princesa que, por el contrario, descendía desde una parte superior estrecha hasta un borde ancho. Balenciaga dio primacía a los tejidos rígidos y pesados que convertía en prendas que podían sostenerse independientemente del cuerpo. En 1957 abandonó las prendas entalladas y lanzó una serie de vestidos saco.
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En 1968 se retiró, reconociendo que sus prendas de alta costura no podían mantenerse. La casa Balenciaga fue abierta de nuevo en los años setenta con nuevos propietarios y actualmente produce una serie de ropa y joyería siguiendo el espíritu del fundador y diseñadas por Michael Gomas, quien antes había trabajado con Patou.
NORMAN HARTNELL Nació en 1901 en Inglaterra y murió en 1979. Se convirtió en el modista de la corona británica, especialista en trajes de etiqueta y ceremonia.
CHARLES JAMES Nace en 1906 y muere en 1978, de origen americano. Se le debe el corte moderno y los complejos drapeados y también la utilización de los sentidos contrarios y grandes volúmenes en sus vestidos.
MAIN BOCHER Nace en los Estados Unidos en 1890 y muere en 1974. Uno de los grandes de la Alta costura que vistió a personajes de la monarquía. Se le reconoce también por lanzar los primeros sostenes largos y los abrigos de cuero.
ELSA SCHIAPARELLI Nace en Italia en 1890 y muere en 1973. Desde 1930, tras su divorcio empieza como diseñadora de ropa en punto y luego con accesorios de estilo extravagante que muy pronto es aceptada por las personalidades del espectáculo. Sus diseños tuvieron bordados de obras pictóricas famosas de grandes pintores. Lanzó el color rosa violento, al que le llamaron “rosa Shoking”.
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EDWARD MOLINEUX Nace en Irlanda en 1891 y muere en1974. Era conocido como “el capitán”. Abrió su tienda en 1919 en París. En los Años Locos fue el diseñador más recatado. Creó el abrigo tres cuartos y el pijama de tarde. Debido a la posguerra, cierra su tienda en 1950 y le cede a Jaques Griffe.
JAQUES FATH Nace en 1912 y muere en 1954. Creó el traje de chaqueta corto para la noche y vestidos de baile muy elegantes. Supo dibujar la silueta femenina utilizando la silueta ánfora con drapeados asimétricos, talles ajustados y faldas tableadas. Inclusive se ha dicho que su look logró ser más sexy que el que Dior creó para la mujer.
CARVEN Hereda la casa de costura de su familia y estudia bellas artes. Abre su propia casa en 1944. Su target y éxito fue el de mujeres pequeñas, ya que la mayoría de diseñadores se dedicó a las figuras esbeltas. En sus colecciones tuvo inspiración griega y egipcia.
PIERRE BALMAIN Nace en 1914 y muere en 1982. En 1945 abre su propia de alta costura y su clientela fueron personalidades de la aristocracia. Se caracterizó por el uso de drapeados y abrigos de pieles y grandes sombreros. En 1960 asume la marca Revlon y luego la casa Eric Mortensen.
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CHRISTIAN DIOR Nace en 1905 y muere en 1957. Inicialmente estudia la carrera de diplomacia, pero en 1935 se inicia como diseñador. Aprendió a dibujar de manera autodidacta y logró vender sus imágenes a las casas de moda y revistas. Funda su casa en 1946 en las proximidades de los campos Elíseos. Es el creador del New look: silueta de hombros suavemente redondeados y cintura estrecha. Su carrera fue corta y en menos de diez años introduce una silueta de fama indiscutible en todo el mundo. Fue el pionero en implantar licencias en todos los productos derivados de la moda. Comenzó entonces a prepararse de una manera formal en las casa parisienses de Piguet y Lelogn. En 1946, para dar un empuje a sus ventas, el fabricante de tejidos Marcel Boussac financió la fundación de la casa Dior. La primera colección de Dior se lanzó el 12 de Febrero de 1947. Ninguna muestra había creado tal impacto. Durante la segunda guerra mundial, la ropa de mujer había sido diseñada usando la mínima cantidad de tela y de tiempo para ahorrar los escasos recursos de que disponían entonces Inglaterra y América. La industria francesa de la moda se había derrumbado prácticamente: muchas casa habían cerrado durante la ocupación alemana y las demás producían una moda frívola para una clientela reducida y privilegiada. La tendencia general de la moda en la época de guerra era que la ropa se ajustará al cuerpo, con un cierto aire militar. La primera colección de Dior, llamada línea Corolle, era la antítesis de esa moda. Sus prendas tenían hombros estrechos, senos exagerados, talles delgados y encorsetados, caderas realzadas y faldas largas hasta los tobillos. Esta colección fue bautizada por la prensa como —New Look. Podía parecer anacrónico hacer volver a las mujeres a un estilo tan poco práctico y encorsetado, pero la extravagancia y romanticismo del New Look resultaban seductores tras los largos años de la contienda. Pronto aparecieron por doquier, en los escaparates
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de las principales tiendas, copias producidas en serie, muchas veces empleando algo menos de tejido. Dior sólo pudo disfrutar durante una década su posición de líder en el mundo de la alta costura. Presentó la línea Princesa en 1951, la línea H de cintura alta en 1954, las líneas Y y A en 1955 y, finalmente, el vestido camisa en 1957, año en que falleció. Desde entonces, el diseño de la casa Dior ha sido dirigido por Yves Saint Laurent (1957-60), Marc Bohan (1960-89), Gianfranco Ferré (1989), entre otros. La casa Dior fue comprada por el grupo financiero más grande del mundo, Louis Vuitton Moet Hennessy y su dirección artística está a cargo de Gianfranco Ferré.
PIERRE CARDIN (1922- ), modisto francés de origen italiano y precursor desde finales de los años cincuenta de una renovación de las formas tradicionales que terminaría dando lugar en la década siguiente a la aparición de la moda unisex. Nació en Sant’Andrea di Barbarina (Treviso, Italia) en el seno de una familia de agricultores, Pierre Cardin llegó a Francia en 1926. Comenzó a trabajar como aprendiz de sastre en Saint-Étienne a la edad de 14 años y en 1940 fue contratado en Vichy por el modisto Regoly. Más tarde se instaló en París, donde comenzó a trabajar en la casa Paquin, participando en la confección del vestuario de la película La bella y la bestia de Jean Cocteau. Después de una breve estancia con Schiaparelli, entró como primer modisto en Christian Dior, donde trabajó hasta 1949. A continuación abrió una casa especializada en vestuario para teatro, realizando el disfraz de Christian Dior para el baile Beaumont así como numerosos trajes para el baile Beistegui, celebrado en Venecia en 1951. Al mismo tiempo presentó su primera colección de alta costura, Paola Jiménez
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compuesta exclusivamente por trajes sastre y abrigos, obteniendo un gran éxito. En 1958 Pierre Cardin presentó su primera colección para hombre, hecho revolucionario para aquella época. A comienzos de los años sesenta Pierre Cardin pudo demostrar todas sus capacidades, promoviendo, por ejemplo, una línea muy depurada, fruto de un profundo estudio de los volúmenes, que adaptó a los requisitos del mundo moderno. Diseñó modelos femeninos sin talle y minitrajes-saco desprovistos de cuello y mangas y adornados con motivos geométricos o largas rayas degradadas que hacían juego con sombreros de formas extravagantes, a menudo en forma de cubo. Fomentó asimismo la moda unisex con sus conjuntos pantalón y presentó en 1966, junto con Paul Bril, una colección para hombre en la que la túnica, que sustituía a la chaqueta, permitía prescindir de la corbata. Infatigable investigador, Cardin soñaba con una auténtica democratización de la moda y supo adaptarse a los cambios de los años setenta manteniendo su estilo personal, que se caracterizaba por una concepción muy alejada de las inspiraciones barrocas o del glamour de los nuevos creadores. En 1959 presentó una colección de pret-à-porter femenino y al año siguiente su equivalente masculino. Entre sus perfumes se encuentran Cardin (1976) y Maxim’s (1985). Siempre al acecho de nuevos mercados, en 1979 presentó una colección en China y en 1993 en Vietnam. En 1992 se convirtió en el primer modisto admitido en la Academia de Bellas Artes francesa.9
9"Cardin, Pierre", Enciclopedia Microsoft Encarta 99. 1993-1998 Microsoft Corporación. Reservados todos los derechos.
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HUBERT DE GIVENCHY Nace en 1927. Abre su casa de alta moda en 1957 utilizando corsetería con un aire más ligero y moderno. Es considerado el aristócrata de la Alta Costura francesa. Trabajó para Jaques Fath, Lelong y Schiaparelli. Ciertamente no ha revolucionado la moda, pero ha sabido destacarse con su estilo sumamente elegante. después de Cristóbal Balenciaga se convirtió en el continuador de una tradición marcada por el clasicismo. su abuelo era administrador de la fábrica de los Gobelinos. En 1945 ingresó en la Escuela de Bellas Artes y comenzó a trabajar con Jacques Fath. A continuación, siguió su formación con Piguet, después con Lelong y finalmente con Schiaparelli, con quien permaneció durante 4 años. En 1951 se instaló en París, y al año siguiente presentó su primera colección con la modelo Bettina, cuyo nombre utilizó para bautizar una blusa realizada en shirting (un tejido económico). El trabajo con esta modelo le proporcionó una fama inmediata. A partir de 1954 abrió una boutique de prêt-à-porter de lujo. El estilo de Givenchy se caracteriza por las formas geométricas y un corte estructurado a nivel de los hombros que no resalta la cintura, todo ello adaptado a una clientela en la que primaban la elegancia y la comodidad. De Balenciaga, su maestro espiritual, tomó la idea del traje-saco recogido a la altura de la rodilla. Para su musa, la actriz Audrey Hepburn, creó un conjunto de traje estrecho negro y pequeño sombrero, que lució en la película Desayuno con diamantes (1961, Blake Edwards) y que lanzó a Givenchy a la fama en Estados Unidos. En 1968, después del cierre de la casa Balenciaga, se convirtió en el modisto de personalidades, como la duquesa de Windsor o las actrices Elizabeth Taylor y Lauren Bacall.
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Ignorando las extravagancias de los años setenta, Givenchy continuó presentando vestidos clásicos y sencillos, como el traje pantalón o el traje casulla, pero también suntuosos trajes de noche, en los que hacía gala de su vasta cultura artística multiplicando las referencias tanto a Mariano Fortuny como a Elsa Schiaparelli e inspirándose para sus estampados en motivos del siglo XVIII francés, telas indias o dibujos de Matisse y Dufy. Givenchy creó perfumes para mujer, como Interdit y De (1957), Givenchy III (1970), Ysatis (1968) y Amarige (1991), y para hombres, como Monsieur de Givenchy y Vetyver (1959). Gran coleccionista y especialista en el mueble Luis XV, trabajó asimismo como interiorista. En 1988 vendió su casa al grupo LVMH, ya propietario de su sociedad de perfumes.
CHRISTIAN LACROIX (1951- ), modisto francés cuyo estilo supone una nueva lectura llena de fantasía del pasado, que incorpora la estética del barroco. Nacido en Arlés, realizó sus estudios de historia del arte en Montpellier. A continuación se trasladó a París para matricularse en la Sorbona, donde realizó un trabajo sobre el vestido en la pintura francesa del siglo XVII, al tiempo que seguía los cursos de la escuela del Louvre. En paralelo comenzó a presentar sus primeros diseños de moda a Karl Lagerfeld, Marc Bohan y Angelo Tarlazzi, entrando a trabajar en Hermès en 1978. En 1980 trabajó como asistente de Guy Paulin y al año siguiente fue contratado como director artístico en Jean Patou para renovar la imagen de esta casa. En 1986 obtuvo el Premio Dedal de Oro y en 1987 se asoció con Jean-Jacques Picart para crear su propia casa de costura. Su moda llena de referencias a la historia del vestido, a la exuberancia
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mediterránea, e incluso oriental, y a los temas folclóricos, tiende a la opulencia fantástica, con un lujo mas cálido que ostentoso, resaltado por el empleo de tejidos suntuosos con bordados y encajes a menudo acompañados por vistosos objetos de bisutería. En 1989 lanzó una línea de complementos y al año siguiente el perfume C’est la vie! En 1991 presentó una línea de pret-à-porter seguida, en 1994, de la línea de difusión Bazar. Lacroix ha diseñado figurines para el teatro y la ópera, especialmente para la obra Carmen representada en 1989 en Nimes.
PACO RABANNE
Nació en 1934 en San Sebastián, España, al igual que Balenciaga. Su verdadero nombre es Francisco Rabaneda Cuervo. Emigró con su familia a Francia en 1939, al concluir la Guerra Civil española. Estudió Arquitectura en la École Nationale Supérieure de BeauxArts de París mientras diseñaba complementos para los modistos Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy y Christian Dior. En 1964 lanza sus primeras colecciones de alta costura. En 1960 inventa la cota de malla. Sus trajes se han elaborado en papel, metal, plástico y otros. Se le ha catalogado como un diseñador futurista. En todo el mundo posee 140 licencias. Es una de las figuras más destacadas de la industria de la moda internacional Sus investigaciones en el campo de los nuevos tejidos y técnicas de costura han conseguido armonizar la calidad de la confección clásica con el espíritu industrial moderno. En 1963 expuso en la Bienal de París sus primeros vestidos, hechos de plástico y plumas, como si fueran esculturas Pop Art. En 1966 fundó junto a otros artistas contemporáneos el Groupe Verseau, de tendencia antiesteticista, y en 1967 inauguró
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en París su propia casa de modas. Desde entonces ha obtenido numerosos galardones internacionales, entre los que destacan la Aguja de Oro (París, 1977) o el premio de perfumería Oscar (Nueva York, 1975). Sus sorprendentes creaciones, realizadas con tejidos de plástico, metal o papel unidos mediante soldaduras, vulcanizados y remaches, revolucionaron el mundo de la alta costura a mediados de la década de 1960. Desde entonces, Paco Rabanne ha mantenido un espíritu crítico y experimental, apoyado por su convicción de que la moda debe nutrirse de todas las facetas y técnicas de su época, al margen de los cambios estilísticos de cada temporada. GUY LAROCHE Abre su casa de moda en 1957. Su lema fue “ Adaptar la alta costura a las exigencias actuales haciendo ropa sencilla y chic”. Impone su estilo sin agresividad ni rigidez. Su primer diseño lo hizo cuando era niño, era una túnica de satén con un sencillo galón10 de oro, que su hermana vendió a una amiga de la familia, luego un kimono negro. Dijo: “que en el negro no cabe ningún defecto”De joven dejó la escuela y fue un autodidacta. A los 15 años vende sus diseños a Yves Saint Laurent y a los 17 años es contratado por la casa Dorothe Bis. Combinó su trabajo de alta costura con el pret-aporter. EMANUELLE HUNGARO Nacido en 1933,hijo de un emigrante italiano modesto sastre de la región francesa de Midi. Comenzó como cortador a los 22 años y ahora posee una casa de alta costura independiente con 90 costureras. Es amante de la ópera y dijo: “ La Alta costura es como la ópera, es un ritual, forma parte de las solemnidades, de la sofisticación, del
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Tejido fuerte y estrecho a manera de cinta.
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elitismo, del lujo y el refinamiento. La alta costura no se improvisa, está unida a una memoria, al artesanado y a la excelencia de un saber hacer”.
VALENTINO Nació en 1933 en Voghera (Pavía), Italia, realizó su aprendizaje en París, antes de instalarse en Roma. Su estilo es romántico y muy elegante, viste a personalidades del espectáculo y de las monarquías. Es uno de los más prestigiosos de su país y principal valedor del made in Italy, que ha conseguido asociar la moda al mundo de la cultura, el espectáculo y la vida social. Consiguió exhibir sus primeros diseños en París, de la mano de Jean Dessès y Guy Laroche. Al comienzo de la década de 1960 inauguró su primer taller en Roma, y dos años después, gracias al desfile del Palazzo Pitti, en Florencia, alcanzó el reconocimiento internacional. En aquel momento comenzó a emplear la V como motivo decorativo y logotipo de su marca. El estilo de Valentino, inspirado en el arte y la naturaleza, encuentra sus colores simbólicos en el blanco de los sueños y el rojo de la libertad creativa. En los años noventa se celebró en Roma y Nueva York la exposición Valentino: Treinta años de magia, donde se exhibieron más de trescientos modelos de su creación.11 JEAN LOUIS SCHERRER Nació en 1935. Aprendió de Dior desde 1955 hasta 1958 junto a Y. S. Laurent. En 1962 lanzó su firma. Su estilo es depurado, utiliza blanco y negro con elaborados bordados.
11"Valentino", Enciclopedia Microsoft Encarta 99. 1993-1998 Microsoft Corporación. Reservados todos los derechos.
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GIANFRANCO FERRÉ Nació en 1945 en Italia. En 1989 inicia su trabajó en la casa Dior. También tiene una línea de pret-a-porter. Por cinco ocasiones ha recibido el premio el Occhio de Oro, tan importante como el premio “ El Dedal francés”.
THIERRY MUGLER Nació en Estrasburgo en 1947. Se dedica a diseñar para Holywood a la que inunda de alegría y extravagancia, lentejuelas y corsés muy bien armados. Fue bailarín de la ópera del Rin. Sus modelos tienen características de gigantismo.
YVES SAINT LAURENT Nació en Argelia en 1936. Es considerado el Príncipe de la Alta Costura actual. Consiguió trabajar para Dior y luego se convierte en su sucesor. En 1958 lanza su primera colección de alta moda. En 1962 funda su propia casa asociada con Pierre Berge. En 1966 presenta su línea de pret-a-porter. En 1958 muestra una colección con líneas trapezoides que lo hace famoso; En 1968 da a conocer la Sahariana o traje de pantalón con chaqueta y gabán; lanza la blusa transparente; en 1977 el perfume Opium. Sigue el clasicismo absoluto. Es heredero de Chanel y Balenciaga. Se ha inspirado en pintores como: Warhol, Mondrian, Wesselman, Picasso y Van Gogh; amante de la ópera, diseña para algunas obras de teatro también. Mdisto francés, colaborador preferido de Christian Dior e inventor de un estilo que aúna la permanente adaptación a las exigencias de su época con el dominio de una cierta exuberancia. Considerado en todo el mundo como el paradigma de la alta
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costura francesa, ha diseñado asimismo vestuario para el cine y el teatro, y ha lanzado diversos perfumes de gran éxito comercial. Nacido en Orán (Argelia) en el seno de una familia acomodada, Yves Saint Laurent se instaló en París en 1953. En 1955 comenzó a trabajar como asistente diseñador en Dior, y en 1957, a la muerte de su fundador, fue nombrado director artístico de la casa. En 1958 presentó su primera colección con la línea trapecio (línea que a partir de los hombros y del busto se iba abriendo progresivamente, confiriendo a los trajes un aspecto casi aéreo sin menoscabo de la estructura), con la que obtuvo un verdadero éxito. Al mismo tiempo, comenzó a diseñar sus primeros trajes para el ballet de Roland Petit Cyrano de Bergerac. Al poco tiempo fue llamado al servicio militar. A su vuelta no encontró unas condiciones favorables para desarrollar su creatividad, por lo que se asoció con Pierre Bergé para crear su propia casa de moda. A partir de este momento se integró plenamente en la efervescencia creadora de los años sesenta. En 1966 presentó una colección que incluía minitrajes en punto muy cerrado con un estilo geométrico inspirado en los cuadros de Piet Mondrian, modelos Pop Art inspirados en Andy Warhol y modelos revolucionarios, como el smoking para mujer, el traje pantalón y el capote. Supo asimismo adaptarse a las nuevas tendencias y al desenfado de la época, proponiendo en su colección africana de 1968 conjuntos compuestos por sahariana y pantalón, dentro de un estilo de moda andrógina. A partir de los años setenta, presentó colecciones temáticas marcadas por diferentes referencias artísticas, como La España de Velásquez (1978), a las que sucedieron homenajes a pintores, a corrientes artísticas y a escritores. Sus colecciones de línea muy pura continuaron con un estilo casi intemporal, donde se podían ver trajes de chaqueta (en lana o cuero), a veces adornados con pieles, y trajes negros clásicos junto
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con trajes de noche de encaje bordado. Los colores clásicos (negro, azul marino, rojo) coexistían con otros más atrevidos, como el malva o el fucsia. Al mismo tiempo, continuó su actividad creadora para el mundo del teatro y del cine, como el vestuario que diseñó para Catherine Deneuve en Belle de Jour (1966), de Luis Buñuel, y en La sirena del Mississippi (1969), de François Truffaut. Bajo su marca lanzó varios perfumes, como Rive gauche e YSL pour homme (1971), Opium (1981), Kouros (1983) y Champagne (1993). El éxito profesional de Yves Saint Laurent, consagrado por varias retrospectivas internacionales, y especialmente por la titulada Yves Saint Laurent, 25 años de creación (1983), en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, puede considerarse igualmente un éxito financiero. LOUIS FERAUD Nació en 1921 en Arles. Además de diseñador es pintor y novelista. Su primera cliente fue Brigitte Bardot. En 1957 lanza su primera colección para la cual envió 2000 invitaciones y acudieron solo 100. Para su casa han trabajado Scherrer y Per Spock. Su casa de alta moda se caracteriza por la belleza de estampados y tejidos que concibe su equipo de diseñadores. KARL LAGERFELD Nació en 1938 en Francia y a los años inicia su carrera en la casa de modas de Pierre Balmain, después trabajó con Patou. Para Chloé trabajó durante 20 años; Es llamado para dirigir la Casa Chanel tres años posteriores a su muerte. Paralela a esta actividad crea su firma y otras marcas. modisto francés de origen alemán, creador de moda pret-à-porter y director artístico de la casa Chanel, para la que modernizó su imagen manteniendo su espíritu.
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En n el seno de una rica familia de industriales, Karl Lagerfeld llegó a París en 1952 para continuar sus estudios. A los 16 años obtuvo, ex aequo con Yves Saint Laurent, el primer premio del concurso del Secretariado Internacional de la Lana. Comenzó a trabajar como asistente de Pierre Balmain, en 1958 se incorporó como primer estilista en Jean Patou y a continuación trabajó como estilista independiente de pret-à-porter. Colaboró con diferentes marcas, como Krizia, Charles Jourdan y Mario Valentino, creó modelos para la casa Fendi de Roma, y entre 1964 y 1984 mantuvo una colaboración privilegiada con el fabricante de pret-à-porter de lujo Chloé. En 1983 fue contratado como director artístico de la casa Chanel para la colección de alta costura, el pret-à-porter y los complementos. Enfrentado al terrible reto de actualizar un estilo que permanecía dominado por la personalidad aplastante de la fundadora de la casa, supo, sin embargo, retomar los elementos (como el famoso traje de chaqueta), los contrastes (negro y blanco), la importancia de los complementos y la tendencia a los cortes rectos, al tiempo que dejaba volar la fantasía en los ornamentos y en las formas, conjugándolas con una inteligente interpretación de la tradición. Al margen de su actividad como estilista, en 1984 creó su propia empresa, y ese mismo año presentó su primera colección de prêt-à-porter bajo la marca KL. También concedió licencias para los complementos y, después de Chloé (1974), ha lanzado otros perfumes, como Lagerfeld, KL femme, KL homme y Photo. Además de coleccionista y dibujante de vestuario para cine, teatro y ballet, también ha desarrollado una importante actividad como fotógrafo de moda.12
12"Lagerfeld, Karl", Enciclopedia Microsoft Encarta 99. 1993-1998 Microsoft Corporación. Reservados todos los derechos.
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JEAN PAUL GAULTIER nació en la ciudad de Arcueil, Francia; en 1952 y fue educado en el Lycee d'Arcueil. Entre 1972 y 1975, Gaultier trabajó para el famoso modisto Pierre Cardin, para Esterel y para Patou. En 1978, estableció la firma Jean Paul Gaultier S.A. incorporó el estilo barato o kitsch al mundo de la moda. Él redefinió la tradicionalmente elegante moda Parisina, añadiéndole glamour a la moda de las calles y perfeccionando este estilo en las pasarelas. Sus inspiraciones son bastante eclécticas: De los mercados de pulgas a la cultura de la música Pop. Sus intereses son igualmente variados, y van de la alta costura de Paris hasta el diseño de trajes para la pantalla grande. (Gaultier fue seleccionado como diseñador de vestuario para la película Quinto Elemento.) Reconocido internacionalmente como un maestro artesano de la moda y un diseñador innovador, en 1987 Gaultier ganó el Premio Oscar de la Moda en Paris. "Con excepción del corsé, la ropa no tiene sexo. La toga romana, el sari y el kimono son una prueba de esta mezcla. Las estrellas del Rock de los 70's se atrevieron a usar camisas con faralados, dando paso al hermafrodismo. Yo trato de volver a los hombres más sensibles, más sensuales, más seductores, y a las mujeres más expresivas en su vestir, más atrevidas y decididas." Jean Paul Gaultier.13 JOHN GALLIANO Diseñador inglés recibido en Saint Martín Escuela de Arte de Londres. Tiene su marca propia desde 1984. hace 4 años diseñó para LWMH (Louis Vuitton y Henessy) primero para diseñar en la casa Givenchy durante un año y luego reemplazó a Gianfranco Ferré en la Casa Dior.
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http://www.estademoda.com/modistos.htm
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Su estilo es excéntrico y sofisticado, se lo llama El gurú de la moda de fin de siglo ante el auge del minimalismo y la moda grunge, que caracterizó a la década de los 90. Galliano impuso su estilo barroco y cargado de ornamentos, dirigido a una mujer glamorosa. Revaloriza la feminidad
por encima de cualquier tendencia. Las
colecciones de mayor repercusión estuvieron inspiradas en la Revolución Francesa y en el mundo del Avant Garde de los años 20 y 30. Para muchos Galliano fue el responsable de la modernización de la imagen de Dior, pero otros piensan lo contrario y lo difaman. 1.4 LA CASA PIERRE BALMAIN, IMAGEN Y ANÁLISIS 1.4.1 PIERRE BALMAIN (1914-1982), modisto francés, Nacido en Saint-Jean-de-Maurienne (Saboya), Pierre Balmain comenzó sus estudios de arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París. Atraído por la moda, presentó sus diseños a Lucien Lelong y Jeanne Lanvin, y en 1934 fue contratado como diseñador por Molyneux. Movilizado en 1939 y licenciado en 1941, volvió entonces con Lucien Lelong, con quien había comenzado a trabajar poco antes de declararse la II Guerra Mundial. Encargado del conjunto de las colecciones junto con Christian Dior, su primer éxito llegó con un vestido de tarde en crepé de china negro, al que bautizó con el nombre de Petit Profit. En 1945 Pierre Balmain abrió su propia casa de alta costura en París. Destacaron principalmente sus trajes de noche en crinolina con suntuosos bordados, a menudo inspirados en motivos del siglo XVIII, y sus modelos de calle. Preocupado siempre por la renovación, supo adaptarse a la moda geométrica de los años sesenta y
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posteriormente a la de los estampados, presentando a mediados de los años setenta un original mono de motorista en piel de avestruz. En 1949 abrió una tienda en Nueva York. En el extranjero personificó el nuevo estilo francés, dándose a conocer principalmente con los trajes que diseñó para las azafatas de los Juegos Olímpicos de 1968. En 1946 lanzó el perfume Elysée 64/83, en 1947 Vent vert y dos años más tarde Jolie Madame, con un éxito tal que, por extensión, dio nombre a todas sus colecciones. En 1960 cedió sus derechos de fabricación y distribución a la casa Revlon y bajo su nombre se comercializaron más tarde los perfumes Miss Balmain (1960), Monsieur Balmain (1964) e Ivoire (1979).
1.4.2 INFLUENCIA DE BALMAIN EN LA ALTA COSTURA Creador del estilo Jolie Madame, que, aunque impregnado de un cierto clasicismo, se inscribe en el movimiento del New look. Decidido defensor del movimiento a favor de la renovación del vestido en los años de la posguerra, supo, lo mismo que Christian Dior, proponer un estilo renovado de busto alto y talle estrecho que realzaba la silueta femenina. Fue uno de los primeros defensores de la democratización de la moda y en los años cincuenta propuso una primera línea de pret-à-porter femenina, a la que en 1976 siguió otra para hombre. Uno de sus mayores logros está en traer a escena recursos de los trajes clásicos y barrocos y los aplica a nuevas propuestas de diseño sin dejar de lado la imagen de la mujer bien proporcionada que nos recuerda el New look. Balmain también realza esta silueta femenina, sin perder su propio estilo y originalidad.
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1.4.3 OSCAR DE LA RENTA Y LA CASA BALMAIN Nació en Santo Domingo, (1932- ), hijo de padres españoles, y comenzó a estudiar pintura en la Academia de San Fernando de Madrid. Su padre, empresario de seguros, se negó a la muerte de su madre a pagarle los estudios artísticos. Para continuarlos, comenzó a ilustrar revistas de moda, hasta que la esposa del embajador estadounidense le ofreció realizar el vestido de puesta de largo de su hija. La fotografía de su diseño, publicada en 1956 en la portada de la revista Life, le abrió las puertas de la alta costura. Es una de las figuras más relevantes del diseño en la segunda mitad del siglo XX, gracias a sus constantes revisiones del concepto de lujo, sofisticación y elegancia clásicas. A continuación, ingresó en el taller madrileño de Cristóbal Balenciaga, en 1961 en el parisino de Lanvin-Castillo y en 1963 se trasladó definitivamente a Nueva York, donde trabajó primero para Elisabeth Arden y desde 1965 como asociado a Jane Derby. Más tarde, tras la muerte de la diseñadora, la casa tomó su nombre, y desde entonces inició una imponente expansión económica, primero en el seno de Richton International y desde 1973 en solitario. Unos años antes, en 1967, se había casado con Françoise de Langlade, editora de la revista Vogue, que también supuso un importante apoyo en su carrera. La elegancia de sus concepciones y su capacidad de adaptación a los tiempos han permitido a Óscar de la Renta crear uno de los principales imperios del mundo de la moda. Factura importantes ventas en más de ochenta líneas de diversos productos, como perfumería y cosméticos, joyería, decoración, lencería, óptica, calzado, complementos textiles, marroquinería, pret-à-porter masculino y femenino, y alta costura. A lo largo de su carrera ha recibido importantes premios, entre los que
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destacan dos Winnie (1967 y 1968), otorgados por la Coty American Fashion Critics, el Premio Tiberio de Oro (1969) y el Premio de la Fragance Foundation (1978). Su labor social en la República Dominicana se ha visto recompensada con los títulos de caballero de la Orden de San Pablo Duarte y Caballero comandante de la Orden de Cristóbal Colón.14 Oscar de la Renta es hoy uno de los modistas con mayor proyección internacional y quien mejor adaptó la moda parisina para las mujeres más elegantes de América.. Su idea distinguida y acertada en el vestir combina, como en los mejores, la idea de sencillez y fastuosidad, un clásico de vanguardia, estructurado, muy proporcionado. La casa Balmain cuenta con una alta costura muy de nuestro tiempo y más cerca de una realidad del vestir que otros muchos modistas. Es una firma que se reconoce entre otras muchas y que da a conocer la realidad de la alta costura actual.15
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Traje en crepé de lana adornado con lazos en la cintura. Vestido en terciopelo rojo con frunces en el talle y lazos de
14"De la Renta, Óscar", Enciclopedia Microsoft Encarta 99. 1993-1998 Microsoft Corporación. Reservados todos los derechos. 15
“Oscar de la Renta y la casa Balmain” Revista Hola.
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Vestido en faya negra
Vestido en gasa roja con brocado de oro.
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Vestido de noche de corte oriental, en gasa bordada con pedrería de cristal. Vestido en brocado dorado y negro.
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1.5 LA CASA DE ALTA MODA ANTESCENDENTES
En la actualidad hay 18 casas de Alta moda en Francia que ofrecen trabajo a 4500 personas, estas son: Balmain, Pierre Cardin, Carven, Chanel, Christian Dior, Louis Feraud, Givenchy, Lecoanet Henant, Christian Lacroix, Ted Lapidus, Guy Laroche, Hanae Mori, Paco Rabanne, Nina Ricci, Yves Saint Laurent, Jean Louis Scherrer, Torrente, Emanuelle Ungaro. Para la formación de un atelier de Alta Moda, así como de otros establecimientos comerciales, se requiere de un respaldo jurídico. En Francia especialmente, La Cámara Sindical de Alta Costura, rige el establecimiento de las mismas y poseen una lista de marcas que se sirven estos términos legales que se han definido, los más importantes en 1945 y 1992. El mínimo de trabajadores del atelier es de 15; Se debe presentar colecciones por cada temporada respectivamente con 35 diseños para el día y la noche.
1.5.1 ORGANIGRAMA DE LA CASA DE ALTA MODA
GRAND COURTIER Creador, diseñador o modisto
PRIMER-A OFICIAL Auxiliar del diseñador, único en tener acceso en el momento de la creación
PROBADOR
ARPETTES
COSTURERAS
Realiza pruebas antes
Aprendices/ auxiliares en
operarias
de la costura definitiva.
todas las áreas Paola Jiménez
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1.5.2 TIPOS DE TALLER Tailleur. – Donde se confeccionan los trajes del día. Flou. – Donde se confeccionan los trajes de noche Para la organización de un Atelier de Alta moda se debe tomar en cuenta tres aspectos fundamentales: La base creadora del diseñador y su imagen; La base técnica de la ejecución y la confección; La base financiera y administrativa.
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1.6 LA SILUETA DE ALTA MODA
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Los desfiles, la publicidad, las fotografías y otros, son recursos para promocionar los diseños y las tendencias de temporada. Aunque las figurinas o siluetas expresan también la moda, no se limitan a las proporciones reales y nos dejan la libertad de ilustrar de acuerdo al estilo propio. En la ilustración de alta moda y el resto de categorías, se ha procurado el dibujo estilizado de los modelos. Se acostumbra distribuir una cabeza de la silueta por once a lo largo de todo el cuerpo, con el fin de lograr una figura elegante. Esto no es una constante, en cuestión de estilo, se puede apreciar mucha variedad de proporciones. En ciertos dibujos la parte de los hombros es predominante en comparación con la parte inferior; otras figurinas se realzan con la exageración en el tamaño de la cabeza o de los pies; otras son robustas o muy delgadas. Lo importante es realmente conseguir un equilibrio estético en el dibujo y principalmente transmitir la idea fundamental del traje.
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1.6.1 TIPOS DE SILUETAS
ÁNFORA CON CINTURA ALTA
IMPERIO Con corte debajo del busto
TUBO Demarca totalmente la figura
“X” siempre demarca la cintura
CIGARRILLO Es rectangular
“T” resalta siempre los hombros
ÁNFORA CON CINTURA BAJA
TRAPECIO Parte baja es amplia
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TRAPECIO INVERTIDO
REDINGOTE Insinúa suavemente la figura
HUEVO O BARRIL
CUADRADO SOBRE SEMIROTONDA
TRAPECIO SOBRE TRAPECIO
CUADRADO SOBRE ROTONDA
TRAPECIO SOBRE TRAPECIO INVERTIDO
ROTONDA
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1.7 ELABORACIÓN DE UN TRAJE DE ALTA MODA La realización de un traje de alta moda, conlleva cientos de horas de trabajo, debido a que está realizado casi en un 100% a mano. El diseño de estos trajes es único e irrepetible, así como los materiales para su confección son de alta calidad y muy exclusivos también. Las telas o pedrerías son mandadas a hacer bajo pedido limitado, es decir solo lo necesario para el traje de alta costura. Todos los bordados, si es que los lleva, son manuales también y elaborados con precisión milimétrica. Mucha gente está involucrada en la confección
de un vestido de alta moda, pues existen operarios
específicos para cada operación. En subcapítulos siguientes hablaremos más detenidamente de los requisitos técnicos de su confección. Vale recalcar que en alta costura no solo se hacen vestidos de ceremonia y de noche, pues también se puede diseñar ejecutivo y de cóctel.
1.7.1 ETAPAS DE CONFECCIÓN DEL TRAJE DE ALTA MODA - Primera Etapa El diseñador crea el boceto que servirá de guía básica antes de realizar los “toiles” o prototipos de las prendas. Los toiles se confeccionan sobre lienzo o cualquier tela suave de algodón con la que se hará el draping o drapeado.; sobre el prototipo se irán haciendo trazos y colocando “balduques” o lazos, como también alfileres para indicar la construcción del vestido; se debe medir milimétricamente para procurar la caída perfecta de la tela. No todos los diseñadores hacen bocetos previos a la elaboración del draping, algunos van construyendo directamente sobre el maniquí. -Segunda Etapa Se procede al corte dela tela, previamente se hilvana por donde se va a cortar.
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-Tercera Etapa. Es el montado o armado de la prenda con las piezas sobrehiladas16. -Cuarta Etapa. Se realiza mínimo tres pruebas antes de coser con la puntada a mano definitiva
1.7.2 EL DRAPING
1.7.2.1 ANTECEDENTES El arte del draping ha subsistido desde inicios de las civilizaciones tan antiguas como la griega y la romana, hace 3000 AC. Se cubrían con tejidos anchos que envolvía sus cuerpos y se adaptaban a sus movimientos. Utilizaron infinidad de combinaciones en los trajes drapeados para hombres y mujeres. Con la evolución del traje, el draping siguió siendo el método de ensamblado de las prendas, aún cuando en la fastuosa época de los Luises en Versalles, los vestidos fueron considerados y hasta ahora verdaderas obras de arte, tanto por su perfecto armado como por los detalles de la confección.
1.7.2.2 TÉCNICAS DEL DRAPEADO
El Draping es el manejo de la tela en tres dimensiones con el objetivo de obtener el equilibrio entre el diseño, la tela y la figura de la persona. El diseñador o estudiante puede tomar el tejido plano y hacer que se acople a las curvas del cuerpo haciendo pequeños cortes con las tijeras en los filos de la tela hasta que no quede una sola arruga en la tela al formar el cuerpo.; El método del draping es el preferido para los 16
Puntadas en la orilla de una tela cortada para que no se deshilache
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diseñadores de Alta moda, debido a la perfección que se consigue en el armado de las prendas. Perfección se refiere al verdadero realce de la silueta de cada persona con recursos técnicos propios del drapeado, más no a tratar de colocar aspectos que no existen en un cuerpo. Los drapeados se hacen ciñendo la tela sobre el maniquí y si no tiene uno, se va moldeando sobre la persona. Al moldear el drapeado con pliegues que sujetará con alfileres. El drapeado se modelará a partir del hombro o de la cintura. Luego se marca líneas centrales con alfileres y se traza el patrón manteniendo los pliegues con alfileres. Se sacarán los alfileres en el momento del corte. Durante el proceso de la confección volverá a formar el drapeado colocando la tela sobre un forro o una gasa color carne ,u otro color, dependiendo del diseño. Luego se coserá los pliegues en su posición definitiva, sobre la gasa o forro con pequeñísimas puntadas. La técnica del drapeado exige un conocimiento perfecto de las telas y del hilo de las mismas tela para dar al traje la caída que se necesita, por ejemplo si se va a usar el tejido en el sentido de la urdimbre, al través o al sesgo. También es fundamental conocer las reacciones de las texturas, es decir saber qué hacer si se va a trabajar con seda, tafeta, algodón u otros tejidos. Los pliegues del Draping pueden ser horizontales, verticales, inclinados, curvos y mixtos, que generalmente se aplican en straplex. En Alta moda se maneja un maniquí con las medidas del cliente, sobre el cual se va a trabajar. Para elaborar el Draping básico se necesita el tejido de algodón para el prototipo, alfileres, hilo, agujas, tiza, tijeras, papel para traspasar el molde definido, cinta métrica, alguna cinta o cordón y reglas curvas de sastrería.
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1.7.2.3 TIPOS DE DRAPING Draping Básico.- Es cuando se trabaja los moldes básicos del cuerpo, es decir el corpiño, chaqueta, falda, vestido y pantalón, base. Sobre este tipo de Draping se puede rediseñar o proponer otras opciones y diseños. En esta técnica lo más importante es dar la forma exacta del cuerpo sin dejar una sola arruga o flojo en el armado del traje . Por lo general el Draping se ha realizado usando la tela al sesgo, pero esto no limita el uso de la tela al hilo o al través. Draping de Fantasía.- En esta técnica se utilizan infinidad de recursos y no existen parámetros para trabajarla. De esta forma se puede explotar muchísimo la creatividad del diseñador. Parte del Draping básico, pero se usan en mayor cantidad los pliegues, bordados, cintas, mentales, pedrería, cuero, esponjas, armazones, canutillos, perlas, etc, dependiendo del traje.
1.7.3 EL MANIQUÍ
Para la elaboración del Draping de alta costura es indispensable el uso de un maniquí siempre se manda a fabricar uno para cada persona. El maniquí puede ser plástico o de madera, preferentemente de un material liviano. Debe ser forrado con plumón o esponja y sobre esto se forra con otra tela. En el maniquí se van dibujando las líneas básicas del cuerpo, a manera de auxiliares que nos permitan ubicar la altura o la medida exacta de cada pieza. No es necesario trabajar sobre las dos mitades del cuerpo, sino solamente sobre una y luego sus piezas serán duplicadas y quedarán simétricamente iguales. A continuación observaremos la distribución de las líneas auxiliares del maniquí
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Banda de cuello
Línea de hombro
Línea de cuello
Separación de hombro brazo
Línea separación de brazo
Centro frente
Centro busto Línea de busto
Centro espalda
Alto de cadera
Panel del corte princesa
Corte princesa
Línea de cintura
Costura costado Largo de falda Panel del corte princesa
Línea de corte princesa
Parante
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1.7.3.1 MEDIDAS DE ALTA COSTURA
•
Contorno de busto
•
Contorno de busto bajo
•
Contorno de busto alto
•
Separación de busto
•
Alto de busto
•
Costado
•
Contorno de cintura
•
Contorno cadera
•
Contorno de cadera baja
•
Contorno de cadera alta
•
Alto de cadera
•
Ancho de pecho
•
Ancho de espalda
•
Largo de talle delantero
•
Largo de talle espalda
•
Largo centro frente
•
Largo centro espalda
•
Largo de cintura hacia abajo
•
Contorno de cuello
•
Largo de brazo
NOTA: Si es necesario, se deberán tomar más medidas, dependiendo del diseño.
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1.7.4
ELABORACIÓN DEL CORPIÑO BASE A TRAVÉS DEL DRAPING
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1. En primer lugar se debe colocar el liencillo o la tela de algodón, sobre una mitad delantera y la otra parte sobre la espalda, sin hacer ningún corte en el costado. Procurar que se use la línea centro frente y la línea centro espalda como referencia al ubicar la tela. Siempre hay que mantener un espacio de tela a los bordes, como tolerancia para poder manejar fácilmente la tela. 2.
Después de sujetar la tela con alfileres, hacer un corte para la abertura del brazo,
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3. Ir asentando la tela sobre el maniquí de manera de que no se formen arrugas, para poder conseguir que la tela se vaya adaptando a las líneas auxiliares. 4. Hacer cortes en los filos de la tela, para que podamos dar las curvas necesarias. Lo s cortes se hacen en el escote, en la sisa, en el hombro o para formar las pinzas.
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5 Luego ir cerrando pinzas para dar la forma del busto. Es indispensable el uso de una tiza o alfileres para señalar y sujetar. Se puede hacer un doblez o pinza en la sisa costado para dar comodidad en la formación de la espalda, pero también de puede estirar la tela en el costado sin formar este doblez.
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Después de sacar delicadamente el corpiño del maniquí sin dejar que se dañen los recogidos y las pinzas. Posteriormente se deberá calcar este corpiño sobre un papel para el patrón básico, sobre el que se rediseñará o se darán las respectivas costuras.
1.7.5
ELABORACIÓN DE LA FALDA BASE A TRAVÉS DEL DRAPING
1. Colocar sobre el maniquí una tela que tenga el largo de la falda más una ventaja inferior y superior, así como también la ½ del contorno de la cintura, con las respectivas ventajas. 2. hacer un corte en la parte de costado cintura, para poder formar la cadera. 3. Hacer cortes en la línea de cintura para dar forma a las pinzas tanto delanteras como en la espalda y sacar los excesos de tela.
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4. Sacar cuidadosamente la falda del maniquí y suavizar con reglas de sastrería las curvas de cintura. Luego calcar el molde sobre papel para tener el patrón básico de la falda.
1.7.6 TEJIDOS DE ALTA MODA Para la confección de un traje de Alta Moda es menester utilizar telas de excelente calidad, textura, apariencia inclusive la exclusividad debe estar presente. Esto hace que los textiles sean de alto costo, pero que su resultado sea único. Pueden ser elaboradas con fibras sintéticas o naturales, aunque las más apreciadas son éstas últimas. A continuación se nombran los tejidos más utilizados en ésta categoría de la moda: - Angora. – hecha en tejido de malla con pelo de conejo angora, regularmente viene en anchos de 120 130 cm y se usa en vestidos, chaquetas y abrigos. - Brocado. – Es una tela pesada y firme con motivos en alto relieve, puede ser hecha en fibras naturales y sintéticas. Viene en anchos de 90, 110 y 140 cm. - Bucle. – Es una tela de textura floja con hilos que forman rizos y que le dan aspecto irregular. Está hecha con lana, viscosa o poliéster. - Elastizada – Es hecha con látex que se saca de la goma de un árbol. - Cachemira. – 140 cm. Proviene del pelo de la cabra de cachemira y se la teje en malla mezclada con lana. Es muy cara. Se debe coser con cuidado porque las marcas de costura pueden ser muy visibles. - Crepe de China. – 90, 100 cm. Es una tela pesada hecha en seda natural o artificial. Su confección debe ser delicada, debido a que sede mucho y se deshila. Se usa en vestidos, blusas, pantalones.
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- Crepe de lana. – 140 cm. Hecha en lana con una respectiva torsión en los hilos para darle flexibilidad. Tiene caída pesada y en su revés puede ser satinado. Se debe planchar con protector. Se usa mucho en sastrería. - Georgette o crepe. – 100 a 110 cm. Es un tejido pesado y transparente hecho en seda o en sintético. Se usa en blusas y vestidos. - Crepe marroquí. – 90 cm. Es una tela espesa y con más relieve. Se puede fabricar en seda o fibras sintéticas. - Crepe satinado. – 90, 140 cm. Tiene dos caras, la una es texturizada y la otra es satinada. - Chantu. – 90, 130 cm. Tela de seda salvaje puede ser tejida en seda natural o sintética. Su apariencia es graneada. - Chetland. – 130, 140 cm. Tejido ingles de lana de oveja. De buena calidad. Se usa en sastrería. - Chintz. – es un algodón rasado, es de trama apretada y de terminación brillante. Se usa en vestidos. - Chiffón. – Tela transparente de trama abierta. Está hecha con fibras bien retorcidas. - Damasco. – 90 cm. Tela de motivos mates y satinados con el revés igual al derecho, pero invertido. De seda o sintética. - Encaje. 30, 180 cm. Es un tejido mecánico o manual, puede ser de algodón o sintético. Debe utilizarse sobre organiza u organdí por ser transparentes. Se usa en vestidos de noche, de novias o blusas. - Faya. – 90, 120 cm. Tela de seda o sintética acanalada. - Fular. – 90 cm. Tala de seda o sintética de trama de sarga. Suave y brillante - Flock. – hecha de fibras naturales o sintéticas, tiene fijados con adhesivo unos mechones cortos.
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- Guipiur. – 90 a 140 cm. Muselina de algodón de algodón, seda o sintética. Tiene la apariencia de encaje. -Jacquard. - Tiene una terminación en forma de dibujos que se invierten en el revés. - Japonesita. – 90 cm. Tela de seda muy ligera. Se usa generalmente en el forro de lencería. - Lamé. – 90, 115 cm. Tela de seda, lana o sintética con hilos metálicos. - Liberty. - 80, 140 cm. Tela estampada de lana o algodón de origen inglés. Se usa en faldas, blusas, vestidos y chales. - Lino. – 140 cm. Se hace de lino, pero también se mezcla con otras fibras. Es ligero, sólido y muy arrugable. - Linón o batista fina. – 90 cm. Tela de algodón, lino o sintéticas. Es delgada y transparente. Se usa en lencería. - Lurex. – 90 cm. Es de hilo metálico recubierto de poliéster, mezclado con otras fibras naturales o sintéticas. - Mohair o Mojer. – 140 cm. Tejido de malla de punto, hecho con pelo de cabra Mohair. Liviana, caliente y muy cara. Se puede mezclar con fibras naturales o sintéticas. - Moire o Maure. - 90, 110 cm. Tela de seda o sintética con acanalado inclinado con brillo tornasolado. - Muselina. – 110 cm. Tela transparente de seda, algodón o sintética. - Nylon puro. – Tela fuerte y liviana que toma bien las tinturas. - Oro líquido o laminado. – Es una tela sintética metalizada de superficie brillante. - Organdí. – 90, 140, 180 cm. Tela de algodón o seda, fina y transparente; es rígida, arrugable y de algunos espesores. - Organza. – 115 cm. Muselina de seda previamente tratada. También de varios espesores.
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- Paño de camello. – 140 cm. Tejido de lana mezclado con pelo de camello de color beige, caliente y ligero. Es bastante caro. - Paño fieltro. – 150 cm. Es un tejido de fibras naturales mezcladas, aglutinadas al calor. - Percal. –90, 130 cm Tela de algodón puro o mezclado con fibras sintéticas. El derecho tiene un acabado brillante. - Percalina. – 90 cm. Es un percal muy fino y se usa en lencería. - Piel de durazno. – 140 cm. Tela de algodón o sintética, parecida ala gamuza artificial, con el derecho peludo. - Piel sintética. – 150 cm. Piel acrílica con pelaje desigual, cuyo revés es un jersey. - Pongis. – 90 cm. Tela de seda fina y ligera, puede tener textura de seda o sarga. - Satín. – 90 cm. Tela de seda, algodón o sintética, muy brillante y suave. - Suedina o gamuza artificial. – Tejido de algodón o mezclado con fibras sintéticas, con el derecho parecido a la gamuza. - Seda natural o Surha. – 90 cm. Su origen es de la fibra que produce el gusano de seda. Es muy liviana y delgada. - Spandex o lycra. - Es una tela liviana hecha con fibras elastoméricas. - Tafetán. – 110, 140 cm. Tela de seda natural o sintética. Es tupida, tiesa y arrugable - Terciopelo. – 70, 90, 140 cm. – Tela de seda de algodón mezclada con fibras sintéticas o naturales. Por el derecho tiene un pelaje afeitado, suave al tacto. - Tussor. – 140 cm. Tela de seda salvaje que a veces se mezcla con fibras sintéticas. Es tiesa, ligera e irregular. - Twed. – 130, 240 cm. Es de lana cardada y tiene algunos colores en cuya superficie aparecen pelos blancos. Es sólido y tiene varios espesores. - Velo de algodón. – es una tela de algodón muy ligera y es común para la lencería.
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- Veneciana. – Se le dice a cualquier tela de lana de acabado brillante y trama apretada. - Viscosa. – hecha con pulpa de madera o restos de algodón. Se hacen vestidos.
1.7.7 CUIDADOS EN EL TRATAMIENTO DE LA SEDA, LANA Y SINTÉTICOS. SEDA Y TRANSPARENCIAS Pueden ser suaves o rígidas. Las suaves son: la batista, el chifón, seda china, Georgette; Las telas rígidas son: la organza, el velo y el organdí. Al coser telas transparentes, se debe tener cuidado con las puntadas, pues deben ser invisibles o puntada francesa con agujas N. 8 a 12; así misma la entretela será transparente no tejida fusionable o de la misma tela. Las transparencias y sedas de fibras naturales encogen y decoloran, mientras que las de fibra artificial no. Son telas que ceden y resbalan por eso es preciso hilvanar siempre para evitar que el patrón original pierda su forma; También se puede colocar una tela de algodón debajo de las sedas, para evitar que se deslice mientras se corta. Los alfileres deben ser delgados. Para coser se puede usar hilo de poliéster extra fino, de seda o algodón mercerizado. Los dobladillos pueden ser: enrollada a mano, con ribete de tul, al ras angosta 17con sobre pespunte. TELAS DE LANA La que tiene el pelo más corto, es la más fina y delicada. Es una tela versátil y se consiguen en variedad de pesos. Los lisos y los cruzados son los más comunes, Es absorbente, aunque también repele el agua. Es elástica y fácil de limpiar. Se debe evitar el sol, polillas, blanqueadores, y el planchado defectuoso. 17
Banda delgada para colocar en los ruedos.
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Al planchar se debe usar un paño suave y húmedo. No se debe deslizar la plancha, porque puede estirarla. Las costuras hay que planchar individualmente y no abiertas, pues puede dejar marca.
TELAS SINTÉTICAS Las telas sintéticas son duraderas, resistentes y antiarrugables, pero no son absorbentes. Siempre se debe hilvanar antes de cortar y coser, para evitar su deslizamiento y deformación. Hay que evitar la temperatura fuerte en el planchado, porque se pueden derretir o maltratar.
1.7.8 LAS PUNTADAS DE ALTA COSTURA - Punto de hilván. – Es provisional para preparar una costura, dobladillo o para cortar las piezas de la prenda. Debe ser fuerte y fácil de sacar. - Puntada normal. – es sencilla y se usa antes de hacer recogidos. Es la sucesión de puntos regulares. - Puntada reforzada. – es más sólida que la puntada normal y parece que fuese hecha a máquina, porque se regresa a hundir la aguja antes de la última puntada. - Puntada de sastre. – Se usa para marcar el sitio de una costura sobre varias telas sobre puestas. Se ejecuta como una puntada hacia atrás pero muy alargadas y flojas. Luego estirar las telas hasta igualar los hilos y cortar por entre las telas, así quedarán marcadas todas por igual listas para ser cosidas definitivamente. - Pespunte decorativo. – se parece a la puntada de máquina, se hace con una puntada hacia atrás, pero volviendo a clavar la aguja en el mismo hueco de la puntada anterior. - Puntada de sobrehilado o por encima. – Es una puntada sesgada y sirve para juntar dos telas por el borde.
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- Puntada de pata de cabra. – Es una puntada cruzada y se usa en los dobladillos. - La puntada de bastear en espiguillas. – Se usa para asegurar la tela y la entretela o para coser encajes sobre organza. Se hunde la aguja como en puntada normal, pero en la segunda se vuelve a introducir la aguja, tomando pocas fibras del tejido. - la puntada al ras o acostada. – Se hace de izquierda a derecha en forma oblicua, cogiendo la tela que dobla y la que recibe el doblez. - Puntada repisada. – Se emplea para sujetar los forros cuando no se debe dejar ver el hilo. La aguja se desliza por debajo del doblez y en la otra tela, tomando pocas fibras de esta. - Puntada invisible. – Se hace de derecha a izquierda entre dos telas. Se levanta el doblez y se inserta la aguja en la tela de debajo, tomando uno o dos hilos.
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1.7.9 LAS COSTURAS
- Costura simple. – también se llama abierta. Se cose a mano con puntada normal por el revés siguiendo el hilván. Antes sobrehíle las piezas para que no se deshilen. Luego planche con la costura abierta. - Costura inglesa o de zurrón. – Es una costura doble muy sólida y se usa en vestidos y lencería cuando se deshila mucho la tela. Se cose por el derecho con puntada normal y luego se corta el exceso de costura. Se debe planchar abierta la costura, entonces se cose por el revés muy delicadamente, así no hay rastro de una costura vista. - Costura repisada. – Es igual que la inglesa, pero finalmente se une por el interior a la prenda a manera de dobladillo. Luego de cada costura hay que planchar cuidadosamente después de terminarla. Abra los bordes con la plancha utilizando un hisopo húmedo. En la tela de lana las marcas de la plancha pueden quitarse raspando por el derecho con una aguja las fibras. Las costuras en terciopelo deben ser planchadas con un hisopo muy húmedo directamente bajo la plancha y haciendo resbalar el tejido por encima. Hay que cepillar el pelo del terciopelo inmediatamente.
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1.7.9.1 COLOCACIÓN DE CIERRES 1. La colocación
borde con borde.-
Haga desde arriba una abertura de la misma longitud de la cremallera. Doble los bordes de la abertura en el mismo sentido en que va a coser. Sujételos con un
hilván
y
planche.
Haga
unas
marquitas en el sitio en donde remata la cremallera. Por el derecho, los dos bordes de la tela deben juntarse y además ocultar el cierre. Hilvane a escasos mm de los dientes, luego fije la cremallera con una puntada reforzada, tomando sólo dos o tres hilos de la tela, por el derecho. Si utiliza hilo de un color exacto al de la tela. Mantenga los bordes de la cinta de la cremallera sobre los bordes de la abertura, mediante una puntada acostada, si no hay forro. En caso contrario usted la fijará sobre los bordes de la cinta. La colocación con pespunte.- Esta técnica deja visibles los dientes y, a veces, hasta parte de la tela. Coloque el cierre cerrado contra la abertura, por el revés. Cuando llegue a unos mm, del final del cierre, corte al sesgo a lado y lado, formando un triángulo. Dóblelo hacia el revés de manera que los bordes de la abertura dejen ver el ancho de la cremallera que usted desea. Hilvane y cosa . La costura debe ir en todo el rededor del cierre y sobre la base pisando el triángulo y formando a ese nivel dos ángulos rectos. La colocación Invisible.- Prevea bordes bastante anchos a lado y lado de la abertura, (2,5cm por lo menos). Por el derecho el borde izquierdo pisará el borde derecho
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ocultando totalmente el cierre, el cual se colocará un poco corrida hacia la izquierda con relación al ángulo de la costura. Planche el borde izquierdo de la costura, en la prolongación de la costura, para marcar el pliegue. Dele un tijeretazo horizontal al borde derecho, en la base de la abertura de manera que pueda hacer un plieguecito. Hilvánelo. Con alfileres sujete la cremallera sobre el plieguecito. El borde izquierdo debe cubrirla. Ponga los alfileres sujetando la cremallera sobre el borde izquierdo a una distancia de 1,5 cm, del pliegue. Hilvane el cierre por donde están los alfileres y luego retírelos. Cosa con una puntada larga, sobre el borde izquierdo. Termine en ángulo en la base de la abertura. Abra la cremallera e hilvánela. Doble el borde izquierdo sobre el borde derecho y coloque alfileres. Hilvane la cinta de la cremallera sobre el borde derecho y fíjelo con una puntada reforzada que va sobre los puntos de la costura de ensayo. Fije los bordes de la cinta, mediante una puntada acostada o por medio de una costura a máquina. Ciérrela. Doble el borde izquierdo sobre el derecho y póngale alfileres. Hilvane la cinta de la cremallera sobre el borde derecho y fíjela con una puntada reforzada. Fije los bordes de la cinta con una puntada acostada tomando sólo los bordes de la abertura por el revés cuando no hay forro.
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1.7.9.2 . OJALES BORDADOS Cortar todas las telas al tiempo. Sobrehilar
para
que
no
se
deshilachen. El ojal se filetea de derecha a izquierda y por el derecho. Usar un hilo común o grueso. Esconder el nudo entre las dos telas y saque la aguja por el derecho a pocos hilos de distancia de la abertura. Entre más se deshilache el tejido, más lejos del borde debe hundir la aguja, tire el hilo y meta la aguja por el revés, al lado del primer punto. Forme un bucle o lazada con el hilo. Volver a sacar la aguja por el derecho y pasar por entre la lazada. Tirar el hilo hacia arriba y forme un nudo sobre el borde de la abertura. Repetir esta operación hasta que haya bordado todo el ancho del ojal por los dos lados. Los nudos deben ser iguales y seguidos y las puntadas de igual dimensión. Para hacer un trabajo más fino, coloque un hilo en el borde de la abertura, sobre el cual se harán los nudos. Entonces el borde quedará reforzado y dará más relieve. Este hilo se llama de seda o milanesa. Los ojales de lencería y los ojales verticales hechos sobre bordes angostos, de camisas para hombre y blusas tienen extremidades simétricas, terminadas por una presilla de remate. Estas presillas se hacen con puntadas del doble de ancho de las puntadas del ojal, yendo de la base de una hilera de puntadas a la base de la otra hilera de puntadas. La extremidad de los ojales horizontales, situada al borde del vestido se redondea en forma ovoide, para reforzar el punto de apoyo de la tira del botón. La otra extremidad se remata con presilla.
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1.7.9.3 OJALES VIVIADOS Pasar un hilo por el derecho de la tela para marcar el lugar y el ancho del ojal. Por el revés, colocar un pedazo de entretela cubriendo el sitio donde quedará el ojal. Trace sobre la entretela un rectángulo. Trazar una línea horizontal por
medio de este último. Cortar una tira al sesgo, del ancho del ojal, más de 3 cm, y un ancho de 5 o 6 cm. Sujetar con alfileres, derecho con derecho. Ella formará el ribete. Coser el contorno del rectángulo, por el revés, con puntada pequeña. Corte el ojal por la línea horizontal en medio del rectángulo. Haga muescas en cada extremidad, formando una Y, sin pisar la costura. Estirar el ribete por el revés y planchar los bordes de la costura abriéndolos. Doblar el ribete del derecho para adentro por en medio de la abertura, dejando los bordes a ras. Planchar de nuevo marcando bien los dos dobleces. Hacer un hilván de lado a lado de la abertura y fije los dobleces con una puntada reforzada, realizada por el derecho en las líneas de la costura. Retirar los hilos del hilván y fije los pequeños triángulos de tela en cada extremo del ojal, sobre el ribete, con puntada reforzada a ras de la costura por el revés. Cortar el sobrante de tela a 1,5 cm de la costura. Cortar los ángulos al sesgo para evitar que se volteen. Poner la tela que dobla verticalmente y sujétela con dos alfileres colocados en este sitio formando una Y en cada extremidad. Córtela; volver a doblar los bordes cortados lo mismo que los dos pequeños triángulos de cada lado, y fíjelos sobre el ribete con una puntada de dobladillo. Paola Jiménez
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1.7.9.4. PRESILLAS, GANCHOS Y GAFETES Para realizar las presillas, existen dos maneras: la una es armando un cordón de tela muy delgado y luego colocándolo al filo de la prenda. Sujetar las presillas con pequeñas puntadas. Luego colocar un falso para cubrir las costuras.
Las presillas pueden ser
tejidas sobre alguna cantidad de hilos, según el grosor
requerido. Tejer la presilla que va unida directamente a la prenda, rematando en el otro extremo. Los broches van forrados con telas muy delicadas, como el chiffón u otra seda. Se coloca la tela al contorno del broche, anudando por detrás. Unir luego sobre la prenda ocultando el remate. 1.7.9.5 EL PLANCHADO DE LAS PRENDAS El buen planchado de una prenda garantiza mucho el acabado del diseño. Los implementos en el planchado constan de una mesa de planchar, una plancha pesada o de vapor, pero lo más recomendable es usar una tela de algodón húmeda para quitar las arrugas. En general todas las costuras se deben planchar después de hacerse, para abrirles los bordes, así se disminuyen los espesores. . En cualquier otro caso planchar las costuras abriendo los bordes, es decir, pegando los bordes a uno y otro lado de la línea de costura por el revés. Planche siguiendo la trama sin desviar mucho la plancha para no deformar el tejido. También las costuras hechas al sesgo se tienen que planchar siguiendo la trama, tratando
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de encoger los hilos de la trama planchándolos con un hisopo muy mojado. Esto es casi inútil con las fibras sintéticas no extensibles, Para distender la tela se debe deslizar la plancha tirando de la parte del tejido que se pretende distender. En los dobladillos no se debe aplastar el borde recogido para que no se marque por el derecho. El dobladillo solo aplastar sin deslizar la plancha para no estirarlo En las pinzas depende de la profundidad de la pinza si ésta tiene mucha profundidad y es larga, córtela en medio, hasta unos centímetros del final y abra los bordes con la plancha como una costura normal. Si la pinza es de profundidad mediana ábrala para formar un pliegue ligero sin cortarla. Si la pinza es corta, pliegue la tela a un lado u otro.
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1.7.10 DATALLES DE CONFECCIÓN DE TRAJES DE ALTA MODA 1.7.10.1 CONJUNTO DE FALDA Y CHAQUETA DE VALENTINO REF: V 001 DETALLE DE PRETINA Y CIERRE
En esta fotografía apreciamos la costura de la pretina, el cierre los ganchillos y el forro de la falda; la pretina va con alma en cinta de gros18, para dar fuerza a la cintura sin que se abulte demasiado, las puntadas son invisibles; el forro es de seda natural en el color del traje y en la parte de la pretina tiene un poco de recogido para dar holgura en la cintura; el cierre es metálico y muy delgado. En alta moda no debe usarse cierres de nylon porque se forman olas en la tela. Como se puede notar, no hay aletillas en la construcción del cierre, debido a que se debe evitar la mayor cantidad de telas y de grosor en las costuras. Los gafetes son metálicos y cuidadosamente cosidos “a mano” como todos los acabados.
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Gros cinta gruesa acanalada que sirve para fortalecer pretinas y bastas en los trajes de alta moda
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REF: V 002 DETALLE DE CHAQUETA EN SISA COSTADO
En esta fotografía apreciamos la costura del forro de chiffón. Todos los bordes de las telas están urleados a mano y cortados al ras. El ancho de las costuras en los costados de las prendas de alta moda siempre son de una pulgada y en las costuras normales es de 5/8 de pulgada, es decir 1.5 cm, esto para modificar la prenda en el futuro, si es necesario.
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REF: V 003 DETALLE DEL BORDADO EN LA SOLAPA DE LA CHAQUETA EN LA PARTE INTERNA INFERIOR
La chaqueta va forrada también en chiffón. La solapa va bordada por dentro, porque debe dar continuidad al bordado externo de la chaqueta. Van aplicadas lentejuelas y canutillos uno por uno. En el borde va pegado con puntadas pequeñísimas un sesgo muy delgado.
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1.7.10.2 VESTIDO CON STRAPLEX DRAPEADO EN COLOR NEGRO REF. V 004 DETALLE INTERNO DEL CORSÉ
En la parte externa, el straplex es drapeado con pliegues gruesos en seda negra. Debajo va un armazón o corsé hecho en una gasa de algodón en color piel.( siempre en este color). Los pliegues del straplex inevitablemente van sujetos a la gasa y en este caso no hay más forros porque hay que evitar la mayor cantidad de telas. Las costuras del corpiño van forradas con un ribete de una tela un poco más gruesa que la gasa. La cintura va reforzada con cinta gros. En el borde de la espalda van colocados delicadamente gafetes metálicos.
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1.7.10.3 TRAJE DE NOCHE EN SOBRE CAPAS DE CHIFFON METALIZADO DE SCHERRER REF. S 001 DETALLE DE URLE EN LOS FILOS DEL VESTIDO
En estas fotografías se aprecian los vuelos del vestido que está hecho en chiffón metalizado. Los bordes están urleados con un zig-zag muy pequeño hecho en máquina de coser. Ciertamente la alta costura se caracteriza por la confección 100% a mano, pero esto depende del tipo de vestido, hay costuras que necesariamente deben ir a máquina de coser para dar el efecto requerido.
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1.7.11 COMPLEMENTOS DE LA CONFECCIÓN DE LA ALTA MODA 1.7.11.1
HILOS
- Hilo de Seda.- Es muy fino y resistente y se usa con la seda y lana, también para hilvanar y en sastrería. - Hilo invisible. – Está hecho de nylon y se usa en tejidos sintéticos y transparentes. Al plancharlo, puede derretirse. - Hilo de algodón. – Es un hilo mercerizado y fuerte. -Hilo de algodón Suave. – es un hilo grueso que sirve para bordar y hacer decoraciones. - Algodón Perlé. – Es un hilo retorcido y brillante. - Hilo de hilvanar. – es de algodón y su retorcido es flojo, para que pueda ser arrancado fácilmente. - Hilo para ojales. – es fuerte y grueso, puede ser de seda o poliéster. - Hilo de algodón- poliéster. – sirve para cualquier tipo de tela, pero en especial para las sintéticas. - Hilo o cordón de seda floja. – tiene poca torsión y sirve para tejidos y bordados.
1.7.11.2.
CINTAS Y REFUERZOS
Estas sirven para reforzar las costuras de la prenda, evitando que se deformen. También se usa en la construcción de cinturas y en decoración. - Cinta curva de lana. – para dar terminación a las cinturas de las faldas. - Cinta recta de lana. – Sirve como entretela de las cinturas. - Cinta de algodón. – Se cose en el ruedo de las costuras para evitar que se estiren. - Cinta de sarga o de hilera. – Se usa para afirmar costuras. - Cinta de grosgrain. – es rígida y con canales sargados.
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- Cinta con borde de alambre. – para conservar la forma que se le da. - Cinta de satén. – puede ser satinada de un lado o de los dos. - Cinta de Jacquard. – con labores y se usa como adorno. - Cinta al bies. – Es ancha y sirve para ribetear ruedos. - Cinta entretejida con hilos metálicos. – Es sensible al calor y a la humedad, hay que planchar muy frío y no húmedo. - Cinta de Moiré. – Es decorativa y simula marcas de agua, a través de rodillos calientes. - Cinta de terciopelo. – Se debe coser en un solo sentido. - Malla de red fundible. – Se usa para hacer ruedos sin coser. - Malla de unir. – Es una red blanda que sirve para unir telas, viene sobre un papel que rechaza la grasa. - Refuerzo entretelado. – Está unido a una banda más ancha de entretela fundible. - Ribete de satén al bies. – cubre costuras y está al sesgo. - Ribete de costura. – Es tramado o de encaje. - Ballena plástica. – varillas plásticas para reforzar corsetería.
1.7.11.3 GUARNICIONES - Broderie. – Es una banda de algodón bordado calado. - Terminación de encaje con cuentas. – bandas de algodón de encaje con pequeñas perlas. - Terminación de encaje de tul. – Su fondo es de nylon. - Terminación de plumas o marabú. – suelen ser de avestruz. - Cordón de rayón. – Es brillante y se usa en los bordes o terminaciones. - Encaje de ganchillo. – Está hecha de hilo de algodón.
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- trencilla de seda. – Es liviana y sedosa, sirve para adornar terminaciones. - Trencilla picot o zigzag. – sirve de adorno y está hecho en poliéster o algodón. -Vivo listo para usar. – El adorno está unido a una banda que se introduce en la costura. - Lentejuelas. – apliques brillantes metalizados. - Cuentas de rocalla o mullos. – Son pequeñas pepitas que sirven en el bordado. - Canutillos. – son como las cuentas, pero alargados.
1.7.12 BORDADOS DE ALTA MODA 1.7.12.1 ANTECEDENTES
Del bordado existen vestigios de casi todas las civilizaciones más destacadas del mundo. Esto como reflejo de sus ideales y formas de pensamiento plasmados en sus tejidos, vestidos y tapices. Así por ejemplo uno de los vestigios más antiguos, proviene del Tihuanaco en el Perú. Utilizaron lana de alpaca, vicuña o algodón. Con los Incas se conoce el uso del plumaje pegado a redes o cáñamo. A finales del siglo pasado en Goa, India, se utilizaron a manera de lentejuelas alas de escarabajo teñidas de dorado, así como también el bordado de espejo o incrustaciones de vidrio plateado o mica. En los territorios del Círculo Polar Ártico se utiliza pelo de alce o perro, escamas y perlas sobre puestas en sus tejidos. En la China el bordado ha servido para establecer un código riguroso en el atuendo, distribuyendo en la prenda motivos de gran valor simbólico religioso y cotidiano.
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Pero realmente fue la Antigua Babilonia el centro de fabricación del más bello bordado, se cree también que este es su origen. Se sabe que este arte fue redescubierto por los indios americanos. El gusto por el bordado lujoso se extendió a la Grecia helenística e Italia. En una antigua leyenda griega ya se mencionaban los bordados como parte de un mensaje secreto bordado en el vestido de novia de la hermana de una reina prisionera. Los vestigios más antiguos se han hallado en tumbas egipcias: era un pequeño fragmento de tul bordado. En unos frescos se observa en los trajes de Ramsés III detalles bordados. Esto data de 1198 – 1168 AC. En la Antigua China se bordaron medallones en seda floja, los mismos que luego se llamaron auriclaves por ser bordados con hilos de oro. Antes de que se supiera como convertir el metal en hilos, se aplastaba el oro y la plata a manera de laminillas y se les perforó para fijarlas a la tela siguiendo un dibujo determinado. Ya en 1265 se estableció categorías para los bordadores según trabajaban con oro o plata. El aprendizaje requería de 6 años y tres más para trabajar de oficial. Para obtener la maestría se necesitaban 600 libras. El bordado fue lujoso aunque al principio en 1294, Felipe El Hermoso, ordenó que el bordado quedaba reservado solo para los príncipes de sangre, afortunadamente nadie le hizo caso, o hubiese desaparecido este oficio. Los burgueses no prescindieron de los suntuosos y costosísimos bordados tanto en la ropa, como en guantes, zapatos, medias, etc. En los inicios del Renacimiento, los bordados sobrecargaron los trajes de los cortesanos y de los burgueses ricos. En España se originaron las lentejuelas hechas en metales preciosos de origen arábigo y asiático. En esta época los centros de bordados más importantes se instalaron en
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Venecia, Florencia y Génova. A finales del siglo XV, la ropa interior adquirió gran importancia ya que empezaron a colocar bordados en ellas, los mismos que tenían inspiración italiana. El punto cortado es un invento italiano, denominado punto in aria (punto al aire.) En el reinado de Luis XIV Se marca la Edad de Oro del Bordado, tanto en los trajes de los personajes de la corte, como en la tapicería de decoración en Versalles. Se sobrecargaba de bordados en los vestidos, tanto que apenas podían ser portados y rayaban en la exageración, pero poco a poco fueron adquiriendo buen gusto. En 1760 aparece el telar de tambor para bordado. En el siglo XIX el furor de la ropa interior bordada incitaba a las damas de las monarquías europeas, al consumo de estas prendas. Desde finales del siglo pasado se han elaborado vestidos que representan verdaderas obras de arte, para la Alta Costura francesa, por sus bordados suntuosos con incrustaciones de perlas, lentejuelas y piedras preciosas. En la actualidad los bordadores a mano son muy contados, aunque se los requiere en la Alta moda y para la ropa interior del Pret-a-porter de lujo. Se ha reemplazado este oficio por las máquinas de bordar, pero la calidad del bordado a mano siempre será inigualable. 1.7.12.2 EL BORDADO EN LA ALTA MODA CONTEMPORÁNEA La casa Lessage es uno de los centros más importantes de los bordados de Alta Moda francesa y existe desde hace 130 años. En 1860 hubo un artesano de nombre Michonet y trabajó para Napoleón III y Eugenia. Desde finales del siglo XIX, desaparece el bordado con hilos de oro, salvo en muy pocas excepciones, pero se le sustituye con hilos de cobre y aluminio con un baño de brillo, posteriormente aparecen los hilos plásticos metalizados.
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El bordado se adaptó a los diseñadores, así como para Poiret, Hermanas Callot, Vionnet, Chanel. Con Lanvin el estilo de bordado fue en arabescos y de tipo hindú; Con Schiaparelli fue de estilo surrealista con colores vivaces y lentejuelas; Carven presentó en sus colecciones bordados con materiales indistintos; en 1952 Roger Vivier adornó sus diseños de calzado con bordados muy elaborados; en los años 80 Scherrer y Hanae Mori volvieron con el recurso del bordado en sus colecciones. Dos veces al año los bordadores presentan una colección en común. Más de un centenar de muestras, cada una representa más o menos 50 horas de trabajo.
1.7.12.2.1
VERMONT
Un gran bordador es Vermont y se especializa en bordados blancos para los trajes de novias que cierran los desfiles. Ha utilizado perlas, cristal de bohemia montadas en seda blanca con hilos de oro. } 1.7.12.2.2 FRANCOIS LESSAGE, EL BORDADOR DE ORO Es el más prodigioso bordador en Francia, le siguen sus pasos casi diez bordadores en el mundo y hace 50 años su competencia no llegaba a 40. Actualmente la Casa Lessage tiene cuarenta empleados, siendo que hace diez años fueron 120, esto debido a la crisis económica mundial, pero principalmente al cambio de estilo de vida que ha experimentado la humanidad, menos solemne que antes. Francois Lessage hereda la casa de bordado fundada en 1868 por su padre Michonet, Albert Lessage, que inicialmente trabajó para Worth, Napoleón III y Eugenia. Michonet contrajo matrimonio con Marie Louise Favot que había trabajado bordando para Vionnet. Posteriormente envía a su hijo Francois a los Estados Unidos donde instala una sucursal donde atiende a las estrellas de Hollywood.
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En 1949 Muere Albert Lessage y su hijo Francois queda a cargo de la casa de bordado, quien es el primero de estar al tanto de las últimas tendencias, también realiza sus últimas colecciones presentadas a los modistos dos veces al año.
1.7.12.3 TÉCNICAS DEL BORDADO
El arte del bordado a mano es un recurso más de la confección de Alta Costura. Es una labor muy minuciosa que requiere paciencia, delicadeza y sobre todo precisión. Los bordados se pueden aplicar en
vestidos, sombreros, zapatos, etc
Existen variadas técnicas, una de ellas es la utilización de un tambor de las dimensiones del bordado que esté bien pulido para que no rasgue la tela. Es importante cuidar revés del bordado, pues, debe ser tan perfecto como el derecho. Antes de unir un traje que va bordado, se va bordando cada pieza y luego se une el vestido, haciendo coincidir los motivos en las uniones de las costuras. La aguja es especialmente delgada y flexible. En el bordado de alta moda se utilizan hilos de fibra natural, artificial o metalizados, también se usa pedrería, canutillos, cintas , apliques, etc. 1.7.12.3.1 PRINCIPALES PUNTADAS - Punto al aire. – Consiste en el deshilado de la tela, a manera de calados y de esta manera surge el encaje.
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- Punto de guipur. – para dar un ligero relieve a la labor. Las hebras se extienden sobre un cartón con el patrón del dibujo y se cosen mediante punto invisible con hilo de seda. - Punto de pasada. – Es un punto oblicuo y cubre por encima y debajo de la tela. Hay que apretar y aproximar cada punto en el interior de los contornos y separarlos en el exterior para que vayan girando poco a poco. El relieve se obtiene cambiando de dirección. - Punto enristrado. – Se hace con hilos tendidos de manera oblicua o recta, poniendo muy poca tela por debajo a la que se le sujeta con pequeñas puntadas trasversales. - Punto cruz. – son puntadas inclinadas cruzadas y se conoce que ya fue utilizado por los indios mexicanos que les aprendieron a los españoles y estos a los árabes que lo heredaron de los turcos. - Punto de cadeneta. – este proviene de las estepas. - Bordado de aplicación. – Se sobre pone en la tela trozos de otra tela, encaje u otros bordados y se fijan con la técnica de puntada invisible o bordado básico. - El fijado de hilos metálicos o de seda, se realiza extendiéndolos sobre la tela y se los sujeta con puntadas invisibles de seda. A continuación presentamos gráficamente otras puntadas:
BODOQUES
BASTILLAS
BRIDAS A PUNTO DE FESTÓN
P. DE BOLONIA CRUZADO
CADENETA
CORDÓN
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P. CRUZ
P. DE LADO
DESHILADO
P. DE FESTÓN
PESPUNTE
HILVÁN
P. DE HOJA
B. INGLÉS
P. LANZADO A HILOS CONTADOS
LINEAL
LLANO
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LLENO
NUDO
PESPUNTE
RASO
RECORTADO A PUNTO DE FESTÓN
VAINICA
P. DE TALLO
P. DE ZURCIDO
ROSETÓN
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BORDADO CON CINTAS
1.7.13 ACCESORIOS DE ALTA MODA
1.7.13.1
BISUTERÍA DE ALTA MODA , ANTECEDENTES
Las joyas han existido desde que la humanidad decide establecer un código social, de ornamento y religioso, pero curiosamente siempre fue el hombre el más beneficiado por la belleza de las joyas pues aparece como símbolo de patriarcado, aunque no ha sido exclusivo del sexo masculino, las mujeres fueron tomando preferencia en su uso para complementar la indumentaria y su vanidad. Posteriormente fue tornándose en lujo y Paola Jiménez
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opulencia, pues los materiales pasaron a tener un valor material, debido a su escasa ubicación, aunque originalmente tuvo un valor simbólico y espiritual para las antiguas civilizaciones. A partir de mediados del siglo XV las joyas desempeñaron un papel aún más importante en la moda. Los trajes de terciopelo y de seda, tanto para hombre como para mujer, estaban bordados con perlas y pedrería. España, a principios del siglo XVI, se convirtió en un importante centro joyero, debido a la abundancia de metales preciosos y gemas procedentes de las colonias americanas. Las joyas más famosas de la época son la perla Peregrina y el gran diamante Estanque. En los siglos XVII y XVIII se pudieron realizar joyas de tipo más popular con materiales inferiores como resultado de las nuevas técnicas de producción industrial. Junto a tiaras de diamantes, anillos y broches de diseño naturalista, se realizaba una bisutería de estilo neoclásico, inspirada en piezas halladas en Pompeya; estilo gótico, renacentista y egipcio. Además de oro y piedras semipreciosas se utilizaban aleaciones, pasta para imitar gemas. En 1900, en París se destacan joyeros del movimiento Art Nouveau entre ellos destaca René Lalique, quien utilizó en sus creaciones plantas, pájaros e insectos. En sus obras utilizó tanto esmaltes, marfil, cristal y cuerno como piedras semipreciosas y preciosas. El estilo Art Nouveau fue introducido en Estados Unidos por Louis Comfort Tiffany, uno de los principales diseñadores de joyas. En España el modernismo favoreció el auge de la joyería, destacando, entre otros, L. Masriera y L. Escolar. Después de la I Guerra Mundial en 1918 la moda del pelo corto en la mujer supuso el fin de joyas como peines y otros accesorios para el pelo. En esta época se pusieron de moda las polveras, los relojes de pulsera y las tabaqueras con piedras preciosas y metales nobles pero ligeros, como el platino, el iridio y el paladio. En el Renacimiento y en el siglo XX las han sido
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diseñadas por pintores y escultores. La obra del pintor francés Georges Braque y la del escultor estadounidense Alexander Calder combinan la utilidad con la estética. Las joyas diseñadas por el español Salvador Dalí son extravagantes. En España destacan también, entre muchos otros, los diseños de Pablo Ruiz Picasso, de los escultores Pablo Gargallo y Miguel Berrocal, y, más recientemente, del pintor Guillermo Pérez Villalta. Los grandes joyeros, como Cartier o Van Cleef y Arpels, continúan diseñando motivos clásicos, flores o animales combinando con pedrería. En España destacan joyeros tradicionales como los Capdevila, y una generación más joven compuesta por artistas de gran proyección internacional como R. Puig, Chelo Sastre, Joaquín Berao y R. Fout. 1.7.13.2 GEMAS La belleza de las gemas depende en gran medida de sus propiedades ópticas. Las más importantes son el grado de refracción y el color. Otras propiedades incluyen: el fuego, la exhibición de colores prismáticos; el dicroísmo, habilidad de algunas piedras para mostrar dos colores distintos según la dirección con que se observan, y la transparencia. El diamante es muy apreciado por su fuego y brillo, el rubí y la esmeralda por la intensidad y belleza de sus colores, y el zafiro estrellado por el asterismo —propiedad que provoca la aparición de inclusiones con forma de estrella—, tanto como por su color.19
En general las gemas utilizadas en alta
bisutería son: diamante, rubí, zafiro, esmeralda, cuarzo, topacio, turquesa, turmalina, circón, jade, topacio, aguamarina, ópalo, amatista, jaspe, ojo de tigre, entre otros. En la bisutería de alta costura no siempre los materiales son preciosos, porque existen
19"Gemas", Enciclopedia Microsoft Encarta 99. 1993-1998 Microsoft Corporación. Reservados todos los derechos.
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también trabajos muy bien elaborados en imitaciones de piedras preciosas y otros materiales. 1.7.13.3 GEMAS DE IMITACIÓN Estas gemas pueden estar hechas con vidrio de pedernal, a veces se cubre con plata la parte de atrás para aumentar el brillo. Desde la II Guerra Mundial, los plásticos coloreados han reemplazado el vidrio. El plástico es más barato, se moldea con más facilidad y es más ligero. Durante el siglo XIX, las perlas artificiales se fabricaban soplando en granos huecos de vidrio y vertiendo en su interior una mezcla de amoniaco y de materia blanca extraída de las escamas de pescado. Un tipo mucho mejor de perla artificial, el abalorio indestructible, fue introducido poco después de 1900. Se hace de vidrio macizo con un agujero estrecho para que pase el hilo. En el exterior se aplica esencia de perla, consistente en escamas molidas de arenque, y se cubre con una laca transparente e incolora. La mejor imitación de diamante es el titanato de estroncio, fabricado con una técnica de fusión a la llama. Su índice de refracción es casi idéntico al del diamante. Muestra una dispersión mayor, y así tiene mayor brillo y fuego; sin embargo, se ralla con más facilidad. El rutilo, u oxido de titanio, es una imitación más dura. 1.7.13.4 GEMAS SINTÉTICAS Son materiales fabricados de forma artificial que duplican las gemas naturales en sus propiedades químicas, físicas y ópticas. Las gemas sintéticas se pueden distinguir de las naturales con un microscopio ya que son más perfectas y no contienen irregularidades.
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Los diamantes sintéticos fueron fabricados por primera vez en 1955. En este proceso, los compuestos carbonados se someten a presiones de 56 toneladas por centímetro cúbico y a 2760 °C de temperatura. Los diamantes así producidos sólo son apropiados para usos industriales. A finales de la década de 1960 se desarrolló un método para el ‘cultivo’ de los diamantes, calentando una pequeña muestra y sometiéndola a gas metano. El gas se descompone en átomos de carbono que se adhieren al cristal de diamante. La estructura de este diamante agrandado es la misma que la del natural. Se pueden producir piedras de alrededor de 1 quilate (200 mg), pero su precio es mucho mayor que el de los diamantes naturales.20 El murano proviene de la tradicional industria artística de soplar vidrio en la pequeña isla de Murano en la laguna Veneta en Italia. Con este cristal también se fabrican hermosas piezas de bisutería.
17.13.5 DISEÑADORES Y CASAS DE ALTA BISUTERÍA 1.7.13.5 .1
ROBERT GOOSSENS
Nace en Le Marais y es hijo de un humilde fundidor. En 1960 conoce a Chanel quien decoró sus colecciones con las creaciones de Goossens y que se ha destacado por un espíritu medieval bizantino, de hecho Coco Chanel lo llamó “El bárbaro Bizantino”. Se ha especializado en fundición, orfebrería, joyería y sus respectivas técnicas para lograr en cada joya el acabado adecuado. Para Chanel creó los símbolos de “el león-sol”, “La tierra-Luna”y las cruces bizantinas. Para Chanel fabricaba las joyas de materiales originales, mientras que a la pasarela iban las imitaciones mezcladas con fantasía y de esta manera lanza una línea de bisutería barata y accesible.
Después de la muerte de
Chanel, fue a diseñar para Yves Saint Laurent.
20"Gemas", Enciclopedia Microsoft Encarta 99. 1993-1998 Microsoft Corporación.
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1.7.13.5.2 LA CASA CARTIER
“Louis Francois Cartier, fue el fundador de la Casa en 1847, su firma se nutre de todo tipo de influencias, tanto etruscas como contemporáneas. Gracias a él, a principios de siglo,
la joyería se convierte
en un
elemento indispensable para la incipiente Alta Costura.
Cuando la moda se decanta especialmente por las joyas en forma de ramos y otros centros de flores, él imagina sublimes aderezos de estilo "guirnalda". Como reacción a la sobrecarga del estilo art nouveau21, hace desaparecer las monturas utilizando el platino para que no se vea eclipsada la opulencia de las gemas. desde 1898 es socio de su padre en la famosa firma, opta en 1909 por el talento del dibujante Charles Jacqueau, para renovar la línea. Mezclando amatistas y esmeraldas, colgantes chinos y motivos japoneses, dicho artista desecha los tonos pastel y yuxtapone azules y verdes para lanzar el estilo pavo real. En 1925 estalla el color en los deslumbrantes "tutti frutti" inspirados en los pintores Picasso y Matisse, antes de que el art déco imprima su huella en pulseras y collares de formas geométricas. Cabe destacar los lazos que Cartier establece con India y Persia gracias a los fabulosos pedidos de los maharajás de Jaipur. Objetos, piedras preciosas y dibujos que descubrimos con gran admiración”22
Reservados todos los derechos. Art Nouveau o Modernismo (arte), denominación que literalmente significa ‘arte nuevo’ y se utiliza para designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y diseño europeos durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX 21
22
REVISTA LABEL FRANCE. 1998 , Isabelle Spaak, periodista.
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1.7.13.5.3
LA CASA TIFFANY
La joyería Tiffany fue fundada en 1886 y fue instalada en la Quinta avenida de Nueva York . Louis Tiffany, hijo, en 1887 contribuyó a organizar la Sociedad de artistas americanos. Fue director de arte de los Tiffany Studios y presidente y director de arte de Tiffany and Company, La joyería Tiffany se ha caracterizado por la fabricación de lujosos cristales para lámparas, diseño interior y orfebrería. En 1974, Elsa Peretti empezó a diseñar en exclusiva para Tiffany. Ha obtenido sus mejores éxitos con fabulosas interpretaciones de manzanas, lágrimas, estrellas y formas caprichosas que han colgado del cuello de princesas y reinas. En 1999, Elsa celebró su vigésimo quinto aniversario como diseñadora exclusiva de Tiffany. A raíz de esta asociación, la diseñadora ha creado hermosas colecciones que hoy son legendarias. Muchas piezas interesantes pueden apreciarse en México en la boutique Tiffany de Masaryk 450, en Polanco.
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1.7.13.5.4
LA CASA BVLGARI
La firma de joyería italiana Bvlgari, ,fue creada hace un siglo por Sotirio Bvlgari, descendiente de joyeros y emigrante griego establecido en Roma que huyó de la guerra que enfrentaba a su país y el imperio Otomano. Paolo Bvlgari, de 61 años y biznieto del fundador, dirige hoy este imperio que
nació hace un siglo con dos tiendas en plena Via Condotti de Roma -la mejor galería de arte contemporáneo según Andy Warhol y que en la actualidad tiene unos cincuenta establecimientos en el mundo. Buena parte del prestigio y la fama de las joyas Bvlgari se debe a la industria cinematográfica de Hollywood, pues ya en los años veinte artistas como Grace Kelly. 23 1.7.13.6 EL CALZADO DE ALTA MODA, ANTECEDENTES No se podría establecer el origen del calzado, pero sí se compara como acontecimiento paralelo al desarrollo de la humanidad, pues el hombre inicialmente fue nómada y requería de protección para sus caminatas interminables. Por ejemplo los griegos utilizaron una sandalia de cuero y unas botas llamadas garbantinas, así como también las crépidas que eran unas sandalias de cuero cubiertas de hierro y que tapaban el pie parcialmente. 1.7.13.6.1 LAZZARO MASSARO En 1920 emigra a Italia y se instala como fabricante de zapatos. Es el creador de las famosas sandalias de Chanel. Uno de sus diseños más aceptados ha sido el zapato sin
23
[email protected] 1999-2001.
Paola Jiménez
118
talón sujeto con una tira flexible y fina. Creó una técnica que ha servido de inspiración para la mayoría de diseñadores de calzado. Levantó la suela interior para sostener la bóveda, plantar y sujetar al pie. La construcción disimula de forma admirable mediante una aparente finura. Otra de sus invenciones fue la punta cuadrada que hacía descansar a los dedos del pie. Este modelo se fue modificando, haciéndose más redondeado y estilizado, pero nunca alejándose de su diseño orinal. Basándose en el tacón Luis XV, de 6 cm. , Se rediseñó unos con el taco más largo o corto según el largo de la falda, afinándose y ensanchándose.
1.7.13.6.2 JOHN LOBB Lobb es una firma inglesa fundada en 1830 por un cojo, hijo de un campesino galés que emigró a Australia. Se estableció como zapatero en Melbourne y compitió con el calzado de mejor renombre de Hungría, donde se hacían los zapatos más estrechos y cómodos del mundo. Los zapatos Lobb son creaciones masculinas que solo se hacen realidad en doce meses, entre el pedido y la entrega. En realidad sus diseños no han cambiado mucho, pues siguen la tradición del clasicismo inglés.
1.7.13.6.3 CHRISTIAN LOUBOUTIN Es un creador de 29 años con una boutique en New York y otra en parís, su maestro fue Roger Vivier. Su inspiración está en la naturaleza, especialmente en los pájaros. Actualmente se dedica más a diseñar la silueta del calzado que su adorno o detalle. Se caracteriza por poner suelas rojas en todos los zapatos. Dice: “el calzado no es un accesorio, es un atributo”.
Paola Jiménez
119
CAPITULO IV
1. DESARROLLO DE ALTA MODA EN QUITO
1.1
INTRODUCCIÓN
Sabemos que la Alta costura es un proceso de confección de calidad al cien por ciento y que la proyección de imagen como marca exclusiva es requisito fundamental para su distribución. Para ello es importante recordar lo siguiente: •
El diseño de colecciones y/o propuestas de alta moda se realizan con base en un tema de inspiración definido con el que respaldemos la aplicación de recursos estilísticos. Es posible también diseñar a partir de las tendencias de temporada.
•
La ejecución de una o más propuestas de diseño se realizan a mano y con materiales exclusivos, así como también con confección sobre medida.
•
No se duplican los trajes de Alta costura pues perderían su exclusividad.
•
La Alta Moda está relacionada con una imagen de élite, que debe ser distribuida de forma adecuada y adaptada para el grupo social al que va dirigido (clase alta).
En Quito y en el resto del país pocos son los diseñadores o marcas que se manejan de esta manera, pues en general la mayoría de confeccionistas de trajes de noche o ceremonia, son personas que conocen de las técnicas de confección, pero que no aplican todos los procedimientos ya
mencionados, en la ejecución de alta moda.
Realmente se dedican a complacer los gustos limitados del cliente, que todavía se muestra convencional y poco vulnerable a otras propuestas de diseño.
Paola Jiménez
120
La elaboración de alta moda requiere de una fuerte inversión, pues no solo depende del talento del diseñador y de la exclusividad en diseño, sino también de contar con los recursos para ejecutarla y en esto interviene mucho la capacitación de la mano de obra, que debe ser especializada. Para montar una casa de alta moda en Quito es necesario tener el mercado abierto en base a la calidad del producto que se ofrezca. Posteriormente se puede introducir un estilo propio. Por eso en nuestro medio se torna difícil la aceptación de una imagen propia en cualquier categoría de la moda y más aún en lo que respecta en la Alta Costura, porque su lanzamiento va ligado con la exclusividad.
1.2 . DIFICULTADES PARA LA EJECUCIÓN DE ALTA MODA EN QUITO •
Dificultad en la aceptación de nuevas propuestas de diseño debido al temperamento del cliente.
•
Falta de mano de obra especializada.
•
Escasez de insumos de buena de alta calidad, tales como: telas, pedrería, etc.
1.2 FACILIDADES PARA LA EJECUCIÓN DE ALTA MODA EN QUITO •
Escasez de oferta especializada y calidad al cien por cien en los trajes de
noche y ceremonia. •
El grupo objetivo adquiere artículos importados novedosos, que pueden
ser reemplazados por producto nacional bien elaborado. •
El target no es un grupo social amplio, pero sí es significativo a la hora
de la compra pues posee el poder adquisitivo. •
Nuestro target está expuesto a las tendencias y cambios de la moda, que
su ritmo de vida lo permite, lo que nos deja la posibilidad de hacer nuevas propuestas. Paola Jiménez
121
1.3 DISEÑADORES ECUATORIANOS
En el país la alta costura es un arte que poco a poco se está dando a conocer, realmente no hay gran desarrollo de esta categoría y pocos son los diseñadores ecuatorianos que elaboran este tipo de prendas, sin embargo en el segmento de diseñadores ecuatorianos, citamos a los más representativos y aunque no todos están diseñando alta costura, nombramos también a los que diseñan pret-a-porter y que influyen en el desarrollo de la moda en nuestro medio y que han obtenido reconocimiento internacional.
1.4.1 PATRICIA KLEIN
Esta reconocida diseñadora de modas nació en Guayaquil, Ecuador. Estudió Arte y Diseño en Madrid y en Miami respectivamente.
Luego,
ingresó
a
la
firma
Korvez.
En 1980 se transformó en propietaria de una boutique y con ello entró de lleno al mundo de la alta costura a partir de entonces, Patricia se lanzó a conquistarson con armónicas sus creaciones desde las Mezclan, pasarelas. Sus colecciones y femeninas. con perfecto equilibrio, la belleza, la sensualidad, el color y la elegancia. Toda esta combinación define a sus exclusivos diseños
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122
1.4.2
MODAS CARMITA
Modas Carmita se inicia hace 40 años como una casa de alta moda, especializada en trajes de noche y de novia. Sus instalaciones se ubicaban en el centro histórico de Quito entre las calles Guayaquil y Olmedo, donde funcionó 25 años. Actualmente se encuentra ubicada en la Av. Amazonas donde ha estado funcionando los últimos 15 años. Consiguió éxito y renombre inmediatamente, su clientes eran personalidades importantes del gobierno y del ámbito económico del país. Su fundadora Doña Carmita de Suárez se dedicó inicialmente a confeccionar los trajes bajo pedido, todo elaborado a mano, posteriormente la demanda fue mayor y llegó a tener 70 costureas. Modas Carmita
es tradición, fue la primera diseñadora ecuatoriana en organizar
desfiles de modas para sus clientes. Nos cuenta que su éxito radicó en adaptarse a los gustos de sus clientes a las que asesoraba en cuestión de imagen. Realmente no son diseños originales, si no que se confeccionan trajes que el cliente solicita y en ciertas ocasiones se hacen rediseños. Con el paso del tiempo el consumo de estas prendas es menor y de hecho la mano se ha reducido en Modas Carmita, en la actualidad cuenta con cuatro costureras que confeccionan para la casa. Carmita de Suárez ha conseguido innumerables premios a nivel mundial y hace 10 años en México
obtuvo el reconocimiento como la diseñadora ecuatoriana más
renombrada. 1.4.3
ANA BAQUERO
Diseñadora quiteña, estudió en New York Se inicia en la alta costura como consumidora en París, Roma y Milán, posteriormente se dedica durante dos años a la elaboración de trajes de alta costura en Panamá.
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123
En la actualidad maneja la boutique Ylan Ylan de pret-a-porter femenino casual y de noche.
1.4.4 MILÚ ESPINOZA Nació en Riobamba Ecuador, a los 28 años de edad es una de las diseñadoras más destacadas del país y es reconocida como una de las creativas de modas más renombradas en Sudamérica. Siguió sus estudios en el Instituto Dismod y se especializó en Alta Costura en El Instituto de moda Arturo Tejada de Colombia. trabaja diseños casuales, clásicos, informales, para satisfacer la demanda de sus clientas. También elabora trajes de alta costura para eventos especiales y considera que la alta moda en Quito sí funciona, pero no con la cantidad que uno desea, debido a la realidad económica de nuestro país. Cuando Milú vende prepara sus catálogos de venta y los distribuye a sus clientas las mismas que cuando quieren la exclusividad pagan un poco más por los diseños. Comenta que sus trajes de alta costura pueden costar desde 400 hasta 2000 dólares según el diseño y su dificultad. Vende trajes más accesibles como de 150 a 300 dólares. No todos sus diseños son exclusivos, en general diseña pret-aporter. “El mercado local es todavía renuente a las nuevas propuestas de moda pero siempre hay gente que se identifica con tu estilo y que quiere ser diferente. Cuando uno quiere surgir nunca hay que dejar de hacer lo que mejor haces y lo que más te gusta, porque cuando lo haces bien sales adelante.”
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124
1.4.5
MÓNICA MARÍN
Mónica diseña en el taller de modas que comparte con su madre y hermana. Aunque estudió diseño para cine y televisión, se dedica a los vestidos de noche. Los diseños de Mónica Marín han llegado lejos. Epcot
Center, de Disney World INC, aprobó su propuesta para vestir a los guías del
pabellón de Ecuador. Mónica Marín está asombrada de su propio logro. Epcot Center, el parque temático de Disney World INC, en donde cada producto tiene que pasar por unas 30 pruebas de seguridad para ser aprobado, la competencia es máxima y la excelencia y calidad son las bases del servicio, aprobó sus diseños y además le pidió que los confeccione. La empresa de exportación de artesanías, Artisano, le había solicitado que presente un diseño que adapte el vestuario típico de la Costa del Ecuador a un estilo contemporáneo para vestir a los guías del recinto que la Corpei (Corporación de Promoción de Exportaciones) mantiene desde agosto en el Millenium Village de Epcot. Esta es la primera vez que Ecuador tiene una presencia tan importante en un parque temático internacional. En el pabellón ecuatoriano se venden sombreros de paja toquilla, artesanías de tagua y demás, pero lo que siempre preguntan los turistas es si pueden adquirir los cinturones tejidos del vestido de las guías y las cotonas (camisas típicas) de los jóvenes que atienden a los visitantes. "Hasta que no llegué a Epcot no tomé en cuenta la importancia del trabajo que había hecho, porque el coordinador del Millenium Village (una sección del parque que celebra la diversidad cultural) salió a recibirme y
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125
me dijo que estaban encantados con mis diseños y que en Disney no es fácil ser aprobado. Para mi currículum esto es una ventaja increíble", comenta Mónica. Acepté la propuesta porque me encanta hacer de todo, pero sinceramente nunca me ilusioné porque sé lo difícil que es Disney. Cuando me llamaron del parque para dejarme claras las bases del diseño ya sabían qué telas se usaban en los trajes típicos de Ecuador, tenían toda una investigación al respecto y me dijeron que no podía cambiar ningún material, solo modernizar un poco el vestuario", indica la diseñadora EN CUERPO Y ALMA. Diógenes Baldeón. 1.4.6 LIZ CÁRDENAS Diseñadora
ecuatoriana
reconocimiento
que
ha
logrado
gran
a nivel internacional con su estilo de
vanguardia. Lo de Liz Cárdenas es alta costura, con estilo propio, prometedor, y con proyección universal. Estas prendas, portadoras de un lenguaje claro y directo, hacen de la cotidianidad una fiesta, de lo rutinario una explosión, de la discreción un recuerdo. Están ahí y obligan a verlas, a acercarse y admirar, a emprender el sueño de la expresión y de la búsqueda desenfrenada por la identidad y el estilo propio. Liz explora las condiciones naturales de los materiales con los que trabaja, explotándolos. de una pródiga imaginación que va a nutrir un variado repertorio de piezas. Neutral es exactamente lo que no es la propuesta de Liz Cárdenas24
24
Htp/www.trama.com/liz cárdenas
Paola Jiménez
126
1.4.7 CARLOS MOLINA
Nació en Ecuador, pero se ha radicado 16 años en New York. Su primer trabajo fue en el sector administrativo de una compañía de zapatos y luego aprendió a diseñarlos. “ Trato de que a través de mis zapatos se realce
la
sensualidad de la mujer, siendo siempre mi objetivo principal la comodidad”.
Para él el calzado marca la
elegancia en le vestir femenino. Sus creaciones se venden en los almacenes más exclusivos de los Estados Unidos y hace un mes inauguró
la primera tienda que lleva su
nombre.
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127
CAPITULO V 1. DETERMINACIÓN DEL TARGET
1.1 INTRODUCCIÓN El análisis del grupo objetivo ha sido realizado a nivel exploratorio y de observación y no profundiza con un estudio de mercado exhaustivo debido a que la tesis propuesta es un compendio de Alta Moda y principalmente un lanzamiento de imagen.
1.2 UNIVERSO Y DESCRIPCIÓN DEL TARGET Previo al proceso estilístico de las colecciones de alta moda, se ha definido el grupo objetivo para el que se va a diseñar, el mismo que se ubica entre mujeres de clase social alta de 25 a 35 años de edad en la ciudad de Quito. Son personas que no escatiman cuando se trata de adquirir productos de calidad, y su gusto es refinado. Tienen un ritmo de vida agitado, debido a su estatus económico y social; gustan de un estilo de vida de élite, por eso conocen de las tendencias de temporada y de cultura general Por los diversos modos de vida que la capacidad adquisitiva les permite. Los estilos de este target son diversos, aunque predomina la sofisticación y el realce de los detalles refinados. Suelen adquirir los trajes de compromiso y de ceremonia en el extranjero.
1.3 VARIABLES DEL GRUPO OBJETIVO El desarrollo de alta moda está dirigida para este grupo social debido a su capacidad de adquisición e independencia económica. Para su selección se ha tomado en cuenta los siguientes factores:
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128
A. Lugar de Residencia La mayoría de este segmento de la población se ubican en sectores residenciales de la ciudad tales como: el del Quito Tenis Club, González Suárez, El Batán, Monteserrín, Bellavista, El Bosque, El Condado, entre otros. B. Empleo o cargo que desempeña Los cargos laborales que ejercen son de relevancia nacional o internacional y tienen gran influencia en los movimientos económicos de la sociedad, o por lo menos poseen cargos que les ofrecen ingresos económicos considerables. Por lo general son personalidades relacionadas con embajadas, consulados, petroleras, ganaderías, importadoras y concesionarios, etc. C. Lugares de entretenimiento que frecuentan Por lo general corresponden a restaurantes de comida internacional y bares de élite como: Thai an ( comida tailandesa y japonesa) Spaghetti ( comida italiana) Pavarotti ( comida italiana) El Rincón de Francia Costa Vasca ( comida española) Friday’s (bar restaurante) Vauzzá ( bar discoteca), etc. D. Boutiques y almacenes que frecuentan Escada ( marca internacional pret a porter y Alta moda) First Class ( ropa de noche importada, algunas marcas) Montana ( pret a porter y alta moda, algunas marcas) Modas Carmita ( ropa de novia, nacional)
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129
Tules y novias ( trajes de novia importados) La Época ( nacional e importada) Camelott ( nacional e importada), etc E. Nivel social y cultural El nivel cultural y social del grupo objetivo es alto y asisten a reuniones y espectáculos culturales como: obras de teatro, ballet, ópera, orquestas sinfónicas,etc.
1.4 DETERMINACIÓN DE LA MUESTRA Para la elaboración de las encuestas se tomó una muestra de 50 personas ubicadas indistintamente en barrios residenciales de la ciudad de Quito, que corresponde al 0.78% del grupo objetivo (6463 habitantes).25 Se garantiza un error del 15% con el 85% de confiabilidad.
Población de Quito 1 615 809 habitantes
Población Clase alta de Quito 7%
25
Mujeres clase alta de 25 a 35 años de edad en Quito 0.4% = 6463 habitantes
Mujeres clase alta de Quito3.3%
•
Tamaño de la muestra = n
•
Tamaño de la población = N
•
Probabilidad de que el evento no suceda = 50%
•
No probabilidad a que el evento no suceda = 50%
•
Error permitido = e
Datos estadísticos proporcionados por Market.
Paola Jiménez
130
•
Factor de corrección = (N-1)
Desarrollo:
n=
4* p *q * N. -e (N-1)+4* p *q
n=
4* (0.5)* (0.5)* 6463 15 (6462)+4 (0.5) (0.5)
n=
2* 3231.5 225 (6462) + 2 (0.5)
n=
6463 1453950 + 1
n=
0.0044
n = Se aproximó a 50 personas encuestadas
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131
1.4.1 ENCUESTAS DIRIGIDAS AL TARGET 1.4.1.1 OBJETIVO GENERAL
•
Determinar el criterio del cliente potencial con respecto al desarrollo de alta costura en Quito y conocer cuáles son sus gustos y preferencias.
1.4.1.2 OBJETIVOS ESPECÍFICOS
•
Determinar si conoce lo que es alta moda
•
Definir si conoce los precios de un traje de alta moda
•
Conocer si la alta moda tiene campo en Quito, según el cliente.
•
Precisar si el cliente potencial adquiriría un traje de alta moda.
•
Fijar las preferencias en estilo y colores de la cliente.
Paola Jiménez
132
1.4.2 FORMATO DE LA ENCUESTA UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL ESCUELA DE DISEÑO DE MODAS
NOMBRE...................................................................... EDAD.............................
1.¿ CONOCE UD. LO QUE ES ALTA MODA? 1. Sí 2. No 2. ¿SABE CUÁL ES EL PRECIO DE UN TRAJE DE ALTA MODA? 1. Sí 2. No 3. ¿CUÁNTO PAGARÍA UD POR UN TRAJE DE ALTA MODA? 1.
$ 0-1000
2.
$ 1001-2000
3.
$ 2001-3000
4.
$ 4000 en adelante
La Alta Costura es la confección 100 % a mano de diseños exclusivos en diseño e insumos. La calidad es máxima y su costo es elevado. Por esta razón esta categoría de la moda está dirigida a la clase social alta, ya que su capacidad de adquisición lo permite. De acuerdo a este planteamiento...
Paola Jiménez
133
4 ¿CREE QUE LA ALTA COSTURA TIENE CAMPO DE DESARROLLO EN QUITO? 1. Sí 2. No 5.
¿POR QUÉ
ALTA COSTURA SÍ TIENE CAMPO DE DESARROLLO EN
QUITO? 1 Porque casi no hay oferta especializada en Quito 2 Porque sí hay diseñadores con talento en el medio 3 Porque si hay calidad, sí se puede adquirir en el mercado local.
6. ¿ POR QUÉ LA ALTA COSTURA NO TIENE CAMPO DE DESARROLLO EN QUITO? 1 Porque en el medio no hay insumos apropiados. 2 Porque la gente está acostumbrada a comprar trajes importados. 3 Porque el consumidor no es nacionalista. 7. ¿QUÉ ESTILO DE TRAJES DE NOCHE PREFIERE? 1. EXÓTICOS 2. CONSERVADORES 3. SENCILLOS 4. ATREVIDOS 5. SOFISTICADOS 6. CLÁSICOS 6. ¿ QUE COLORES PREFIERE? 1.CLAROS 2. BRILLANTES
Paola Jiménez
134
3. OSCUROS 4. PASTELES 5. METALIZADOS 6. TIERRAS
1.4.2.1 FORMATO DE LA HOJA DE RESPUESTAS DE LA ENCUESTA
1
1
2
2
1
2
3
1
2
4
1
2
5
1
2
3
6
1
2
3
7
1
2
8
1
2
3
4
5
3
4
5
6
3
4
5
6
Nombre del encuestado Dirección Fecha
A.- La columna que va de 1 a 8 corresponde a las preguntas de la encuesta. B.- Las filas que se ubican junto a la columna de preguntas, corresponde a las opciones de respuestas que tiene cada pregunta. C.- En la parte inferior van los datos del encuestado.
Paola Jiménez
135
1.4.3
TABULACIÓN DE LAS ENCUESTAS
PREGUNTA 1. ¿ CONOCE UD. LO QUE ES ALTA MODA?
RESPUESTAS A PREGUNTA N.1 100% 80% 60% 40% 20% 0%
94%
6% 1=SÍ CON 47 PERSONAS
2=NO CON 3 PERSONAS
TOTAL DE ENCUESTADOS 50
PREGUNTA 2. ¿SABE CUÁL ES EL PRECIO DE UN TRAJE DE ALTA MODA?
RESPUESTAS A PREGUNTA N.2 100%
87%
50%
13%
0% 1=SÍ CON 41 PERSONAS
2=NO CON 6 PERSONAS
TOTAL DE RESPUESTAS:47 3 PERSONAS NO APLICAN
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136
PREGUNTA 3. ¿CUÁNTO PAGARÍA UD. POR UN TRAJE DE ALTA MODA?
RESPUESTAS A PREGUNTA 3 59%
16%
1= 0 A 1000 $ 2= 1001 A 2000 $ 3= 2001 A 3000 $ 4= 3001 $ en adelante 5= NINGÚN PRECIO
pe rs on as 3= 5 pe rs on as 4= 1 pe rs on a 5= 6 pe rs on as
2= 8
1= 29
12%
11% 2%
pe rs on as
70% 60% 50% 40% 30% 20% 10% 0%
TOTAL DE RESPUESTAS:49, 1 NO APLICA
La Alta Costura es la confección 100 % a mano de diseños exclusivos en diseño e insumos. La calidad es máxima y su costo es elevado. Por esta razón esta categoría de la moda está dirigida a la clase social alta, ya que su capacidad de adquisición lo permite. De acuerdo a este planteamiento... PREGUNTA 4 ¿CREE QUE LA ALTA COSTURA TIENE CAMPO DE DESARROLLO EN QUITO?
RESPUESTAS A PREGUNTA N.4 100% 80% 60% 40% 20% 0%
88%
12% 1=SÍ CON 44 PERSONAS
2=NO CON 6 PERSONAS
CANTIDAD DE RESPUESTAS 50
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137
PREGUNTA 5. ¿POR QUÉ ALTA COSTURA SÍ TIENE CAMPO DE DESARROLLO EN QUITO?
RESPUESTAS A PREGUNTA 5 35%
34%
34%
1 = Sí porque no hay mucha oferta especializada.
34% 33%
32%
32% 31% 1=15 personas
2=15 personas
2 = Sí porque hay talento en los diseñadores nacionales.
3=14 personas
TOTAL DE RESPUESTAS:44, 6 NO APLICAN
3 = Sí porque la gente busca calidad
PREGUNTA 6. ¿ POR QUÉ LA ALTA COSTURA NO TIENE CAMPO DE DESARROLLO EN QUITO?
RESPUESTAS A PREGUNTA 6 70% 60% 50% 40% 30% 20% 10% 0%
66%
17%
1= 1 persona
17%
2= 4 personas
3= 1 persona
TOTAL DE RESPUESTAS:6, 44 NO APLICAN
1= No porque no hay insumos de calidad en el mercado. 2= No porque la gente prefiere comprar ropa importada. 3= No porque el cliente local no es tan sofisticado.
Paola Jiménez
138
PREGUNTA 7. ¿QUÉ ESTILO DE TRAJES DE NOCHE PREFIERE?
RESPUESTAS A PREGUNTA
30%
26%
25%
18%
20% 15%
20%
18%
1= Exóticos 2= Conservadores
10%
8%
10%
3= Sencillos
5%
rs on
4= Atrevidos
pe 10
5= Sofisticados
6=
5= 13
4= 4
as
s so na pe r
pe rs
on as
on as pe rs
on as 3= 9
pe rs
2= 9
1= 5
pe rs
on as
0%
6= Clásicos
TOTAL DE RESPUESTAS: 50
PREGUNTA 8 ¿ QUE COLORES PREFIERE PARA TRAJES DE ALTA COSTURA?
RESPUESTAS A PREGUNTA 8 26%
30% 25% 20% 15% 10% 5% 0%
2= Brillantes
18% 12%
12%
3= Oscuros
4%
s on a
6= Metalizados
pe rs
6= 6
pe rs
on a
s
as 5= 2
4= 14
pe r
so n pe r
so n
s 3= 13
pe rs
on a
s 2= 6
on a
as
4= Pasteles
pe rs 1= 9
1= Claros
28%
7= Tierras
TOTAL DE RESPUESTAS:50
Paola Jiménez
139
1.4.4
RESULTADOS DE LAS ENCUESTAS
El grupo objetivo es un segmento de la población minoritario, pero es significativo para el desarrollo de la alta costura en Quito. No todo nuestro universo es apto para la adquisición de trajes de alta costura, pero en la mayoría sí ubicamos a personas que tienen un nivel de vida social muy elevado y que demandan de este tipo de producto. No existe una cultura de élite generalizada, es decir que el poder adquisitivo no es sinónimo de preferencias exclusivas y costosas con respecto a los trajes de noche y ceremonia. Un 94% de la muestra dice conocer lo que es alta costura y que en el medio no hay oferta especializada, pero que son clientes de las casas de moda más conocidas de la localidad, tales como: Modas Carmita, Tules y Novias, entre otras, o que en sus salidas al extranjero adquieren trajes de noche de pret-a-porter. Un 2% de la muestra ha adquirido prendas de alta costura exclusivas de las famosas casas de moda europeas. El 87% de la muestra conoce el precio de un traje de Alta costura, pero no todo el segmento lo pagaría. El 12% de la muestra no adquiriría trajes de alta costura, pues tienen otras prioridades, que no son afines a la moda. El 29% de la muestra estaría dispuesta a pagar trajes que cuesten hasta 1000 dólares. A nivel de calidad , diseño y exclusividad, la alta costura en Quito sí se puede trabajar, aunque no con tanto glamour como en Europa, donde el costo de un traje de alta moda es ilimitado, mientras que en nuestro país la realidad económica es otra y la alta costura se desarrolla de manera incipiente, así como los precios de este producto es relativo a la capacidad adquisitiva nacional. Un 16% de la muestra está dispuesta a pagar trajes desde 1000 a 2000 dólares, otro 11%
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140
Pagaría hasta los 3000 dólares, en trajes de novia especialmente, porque reconocen haber adquirido este tipo de vestidos en el extranjero y que si existiese oferta aquí en el país, sería una gran ventaja. El 6% de los encuestados opinan que la alta costura no tiene cabida en Quito porque el medio no se presta para la elegancia de la alta moda, se sienten satisfechos con los trajes importados que están confeccionados con insumos de alta calidad, aunque no siempre con exclusividad en diseño. En preferencias de estilos el 13% de los encuestados prefieren lo sofisticado ,un 10% lo clásico, y un 9% se inclinan a lo sencillo y conservador respectivamente. Lo exótico y atrevido queda en segundo plano, aunque no es mercado descartado. En colores prefieren los tonos claros y pasteles y otro grupo los grises y obscuros.
SUGERENCIAS DEL GRUPO OBJETIVO
•
Que se diseñen y elaboren estos trajes en la ciudad.
•
Que se hagan diseños exclusivos dirigidos al gusto particular del cliente.
•
Que se confeccionen trajes de buena calidad que justifiquen su precio.
•
Los diseñadores deben utilizar telas innovadoras.
•
Se debe lanzar al mercado los diseñadores de alta moda que diseñen para el mercado nacional y que no tengan siempre un estereotipo europeo.
•
Que se de a conocer lo que es la Alta Costura en el país.
Paola Jiménez
141
CAPÍTULO VI 1. PROCESO ESTILÍSTICO DE LAS COLECCIONES DE ALTA MODA
1.1 INTRODUCCIÓN Como parte del proceso estilístico está en primer lugar la determinación del target, que hemos convenido ubicarlo como capítulo anterior, por tratarse de un tema que amerita su respectivo desarrollo. Es importante conocer las características del potencial cliente para poder satisfacer su expectativas, sin embargo, este proceso estilístico, como trabajo de tesis, es más un lanzamiento de imagen y presenta nuevas propuestas de alta moda. Posteriormente se hará una validación de los diseños, analizando la aceptación del producto en nuestro medio, Quito, a través del desfile MODARTE 2000. 1.2 ETAPAS DEL PROCESO ESTILÍSTICO DE LAS COLECCIONES DE ALTA MODA. A. Determinación del target Mujeres de clase social alta de Quito de 25 a 35 años de edad. B. Selección del tema de inspiración
“La India, imágenes artísticas y culturales más representativas” C. Recolección de información teórica y gráfica Son todos los textos, gráficos, videos documentales y otros que contribuyan con la selección de recursos estilísticos para el desarrollo de los diseños. D. Análisis de la información gráfica a través del collage Se elabora un collage de inspiración que respalde todo el proceso. E. Elaboración de carta de colores y texturas Paola Jiménez
142
F. Carta explicativa de siluetas y tendencias utilizadas en las colecciones. G. Diseño de las colecciones H. Ejecución de el o los trajes
1.2 TEMA DE INSPIRACIÓN
“La India, imágenes artísticas y culturales más representativas” 1.3.1
UBICACIÓN GEOGRÁFICA
India, República Federal situada en el sur de Asia, que comprende, junto a Pakistán y Bangla Desh, el denominado subcontinente indio. La India es el séptimo país más extenso del mundo y el segundo más poblado después de China. Está formado por toda la península india y partes del continente asiático. Limita al norte con Afganistán, Tíbet, Nepal y Bután; al sur con el estrecho de Palk y el golfo de Mannar, que lo separa de Sri Lanka y el océano Índico; al oeste con el mar Arábigo y Pakistán; al este con Myanmar (Birmania), el golfo de Bengala y Bangla Desh. Oficialmente denominada República de la India, en hindi es Bharat Ganarajiyá. La India tiene una superficie de 3.287.263 km2. La capital de la India es Nueva Delhi y la mayor ciudad Bombay. La India se divide en cuatro grandes regiones: el Himalaya, las llanuras fluviales del norte, el Decán y los Ghates oriental y occidental. El sistema montañoso del Himalaya tiene de unos 160 a 320 km de ancho y se extiende unos 2.415 km a lo largo de los márgenes norte y este del subcontinente indio, que lo separa del resto de Asia. Es el sistema montañoso más alto, joven y uno de los más activos del mundo. Los picos más importantes que están del todo o en parte dentro de la India son: Kanchenjunga (8.598 m), el tercer pico más alto del mundo después del Everest y el K2,
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Nanga Parbat (8.126 m), Nanda Devi (7.817 m), Rakaposhi (7.788 m) y Kamet (7.756 m. La región de las llanuras del norte que es la más fértil y la más poblada de la India, Estas llanuras se extienden de oeste a este, desde la frontera con Pakistán hasta la de Bangla Desh, siguiendo hacia el este a la India noroccidental a través del estrecho pasillo de tierra cerca de Darjeeling. Las partes central y occidentales de las llanuras indias están regadas por el río Ganges y sus afluentes, que drenan la ladera sur del Himalaya, por lo que se conoce la región como llanura gangeática. Los estados nororientales están regados por el río Brahmaputra y sus afluentes, que nacen en las estribaciones norte del Himalaya. El Brahmaputra cruza hasta Bangla Desh al norte de los montes Khasi. El río Indo nace en el Tíbet, fluye hacia el oeste a través del estado de Jammu y Cachemira y cruza hasta Pakistán. En la frontera suroccidental con Pakistán las llanuras dan paso al gran desierto indio y a las marismas saladas conocidas como Rann de Kutch.
A causa de la
continentalidad, la insólita topografía y la posición geográfica de la India, sus condiciones climáticas están muy diversificadas, tanto en el sentido estacional como regional. La India tiene un clima tropical. De modo general, las estaciones de la India pueden clasificarse como lluviosas y secas Himalaya. La estación cálida, que comienza alrededor de mediados de marzo, es más sofocante durante mayo, cuando se pueden encontrar temperaturas tan extremas como 51,7 ºC. La temperatura promedio de la península es de unos 27,8 ºC. 1.3.2 POBLACIÓN Son diversos orígenes raciales y culturales de la población de la India, incluye a los habitantes de Pakistán, Bangla Desh, Nepal, Bután y Sri Lanka, así como otros más lejanos. Los orígenes exactos de la mayor parte de los pueblos indios son imposibles de determinar a causa de la gran variedad de razas y culturas que han invadido y han sido
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asimiladas en el subcontinente. Los más importantes grupos raciales son los caucásicos, los australoides y los mongoloides. La unidad monetaria básica es la rupia india.
1.3.3 IDIOMA En la India se hablan más de 1.600 idiomas o dialectos, comprendidos en 14 grandes grupos. La constitución estipula que el hindi que lo habla el 30 % de la población es el idioma oficial del país, mientras el inglés es un idioma asociado a los asuntos administrativos. A lo largo de la India se hablan numerosos idiomas. La constitución reconoce dieciocho de los más importantes, pero en el ámbito regional también se hablan otros menos importantes. El sánscrito, el antiguo idioma de las escrituras hindúes, es un idioma indoeuropeo relacionado con el griego y latín. Fue el medio para la formación del gran cuerpo de escritos religiosos y seculares que constituyen el núcleo de la literatura clásica india. Otro idioma también muy antiguo es el tamil, con una rica literatura y al contrario de lo que ocurre con el sánscrito, hoy aún es importante. El tamil es una lengua drávida, con una escritura completamente distinta a la del sánscrito y forma uno de los de los diferentes idiomas drávidas.
1.3.4 GOBIERNO La República de la India está gobernada de acuerdo con lo establecido en la Constitución adoptada en 1949. Incorpora distintas características de los sistemas constitucionales del Reino Unido, los Estados Unidos y otras democracias occidentales. De acuerdo con la Constitución, la India es una república democrática soberana de la Commonwealth En la actualidad existen 25 estados y 7 territorios unidos.
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1.3.5
BREVE RESEÑA HISTÓRICA
La India es una civilización eneolítica26 que data de los 3000 a 1800 AC. Nómadas que introdujeron el idioma sánscrito y crearon el sistema social de castas. Se anexan los persas y aparecieron la religión budista y jainista. -326 – 325 AC. Muere Alejandro Magno y sube Magadha oficializando el budismo. - Cae el Imperio Maurya antes del siglo VI y llegan las invasiones indo-griega se indoescitas. Hasta mediados del siglo VI dominaron los Hunos. - En el 606 resurge el reinado Hindú. - 998 conquista musulmana. - 1519 se funda el Imperio Mongol. - 1498 llega Vasco Da Gama y en 1700 fue desplazado por neerlandeses, franceses y británicos. - 1640 los británicos fundan Madrás y en 1757 expanden el centro de la Compañía Comercial Británica dominando la mayor parte del país. - 1833 se crea el Gobierno General de la India. -1877, la Reina Victoria fue coronada Emperatriz de la India. - 1906, se funda la Liga Musulmana ( Partido Nacionalista.) - 1919, Gandhi lidera el Partido Nacionalista con campañas de resistencia pasiva. - 1949, la Liga Musulmana exige un propio territorio independiente con el nombre de Pakistán. - En 1947, Gran Bretaña reconoce la independencia de la India y Pakistán como naciones independientes, después de haber participado con más de un millón de soldados en la Segunda Guerra mundial. Posteriormente se posesiona Nehrú. - 1957, se produce la guerra de Cachemira donde hubo problemas con Pakistán. 26
Período de transición entre la edad de piedra y la edad de los metales
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- 1962, hostilidades con la China. - 1966, sube el gobierno de Indira Gandhi y se produce una nueva guerra con Pakistán. - 1971, Pakistán Oriental pasa a posesión de la India con el nombre de Bangla Desh. - 1974, la India realizó su primera explosión nuclear. - 1975, se anexiona el Reino de Sikkim. - 1977, triunfa el partido político Janata, quedando como primer ministro M.Desai. - 1980, Indira Gandhi vuelve al gobierno y en 1984 fue asesinada por una fuerte oposición de una minoría Sikkim. Le sucede su hijo Rajiv Gandhi. - 1989, el gobierno Janata conforma un gobierno minoritario. - En 1991 se convoca a campaña electoral y durante el clima de inestabilidad Gandhi es asesinado por terroristas tamiles. Mientras que el congreso se impones y nombra a R. Rao como jefe de gobierno. - 1992, se incrementan disturbios entre hindúes y musulmanes dejando un gran saldo de mortandad. - 1996, el líder del Frente Unido, AD. Debe Gowda forma un gobierno con los partidos de centro izquierda y otros grupos regionales.
1.3.6 LITERATURA Su escritura antigua en sánscrito comprende los vedas; las epopeyas y la Literatura clásica; los Vedas desde el milenio III hasta el 600ac. donde se habla de sabiduría científica y que los Brahamanas y los Upanisads lo completan; Las epopeyas lo comprenden El Rama Yana y el Mahabarata, análogos a estos están Los Puranas y Tantras de enseñanza védica27. La literatura clásica incluye la prosa científica, cuentos,
27
Relativo a los Vedas
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proverbios, epopeyas y poemas. El contacto con la cultura occidental aceleró su independencia Literaria con respecto a su pasado. 1.3.7
ARTE
Sus primeras manifestaciones arquitectónicas son las ciudades de Mohenjo- Daro y Harappa durante el 2800 al 2500AC, este constituyó parte del arte Maurya, en el que se sustituyó a la piedra con el ladrillo. Un monumento representativo es la Stupa, en alto relieve donde se representó la vida de Buda. Nace la arquitectura rupestre
con dos tipos de edificaciones: el santuario y el
monasterio. Los capiteles fueron de influencia persa. En el siglo I surge el arte greco-búdico de Ghandara donde se representa imágenes de Buda. A partir de los siglos I, II, III hubo influencia greco-romana. Desde el siglo IV al VII fue la Edad de Oro con santuarios rupestres y templo al aire libre. Entre el siglo IX y el XII se acentúan formas brahmánicas. Posteriormente se introduce un arte indo-ario con influencia de elegancia en los templos. Con la invasión musulmana se cambia el estilo litúrgico, en mezquitas, sepulturas y se distingue el arte árabe por su decoración plástica. En el siglo XI la escultura de bronce sustituye a la de piedra. En el siglo XVIII se recarga la decoración en los templos y luego con el dominio europeo aparece el arte colonial.
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Radha y Krishna en un pabellón (c.
Esta cabeza de estuco de Buda, de
1760) es un ejemplo del estilo de la
Gandhara, antigua región de India
miniatura india predominante entre
y actualmente en su mayor parte en
los
Pakistán,
siglos
XVI
al
XIX.
La
muestra
claras
miniatura está llena de simbolismo
influencias griegas. El arte de
y el uso del espacio plano y el tipo
Gandhara estuvo influenciado por
de
claramente
su contacto con Grecia y otros
influenciados por el estilo de la
países occidentales después de que
miniatura
Esta
Alejandro Magno conquistara la
pieza, procedente de las colinas
India en el siglo IV a.C. Este
Punjab de India, representa la
contacto alentó el desarrollo de una
historia
escuela de escultura greco-budista
dibujo
están
persa
anterior.
tradicional
del
Krishna con su amante Radha.
dios
que llegó a su máximo esplendor en el siglo II.
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Siva Nataraja (diosa de la danza).
Desde el siglo II al VIII d.C. hubo
A menudo, durante la dinastía
una
Chola (siglos X al XIII), se
Gradualmente, la danza se fue
representó escultóricamente a la
disociando del drama y nacieron los
divinidad hindú Siva. Este bronce
distintos
(c. 1000) muestra a Siva bailando
reflejaban
dentro del círculo de fuego. En una
particulares de la región en la cual
mano sostiene una llama y en la
surgieron.
otra un tambor. Su pie se apoya
Todos
sobre el demonio de la ignorancia.
comparten los elementos básicos
diversificación de la danza
estilos
clásicos,
la
los
estilos
que
tradiciones
clásicos
del nritta (danza pura), el nritya (expresión) y el natya (elemento dramático.
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Palacio de los Vientos, India
Buda el iluminado. Reformador
indio.
situado en Jaipur, en el estado de
Llevó a cabo una elaboración de
Rajasthan, es del arte mogol, su
las doctrinas hindúes con objeto
arquitectura, caracterizada por el
de darles la universalidad que el
empleo de materiales autóctonos
sistema de castas había impedido.
de la India, como los mármoles
era hijo del rey de la tribu sakya,
blancos y la piedra roja. El arte
Suddhodana,
su
mogol vivió su época dorada
signos
durante los siglos XVII y XVIII,
premonitorios del alto destino que
el palacio de los Vientos fue
le estaba reservado.
construido durante este último.
nacimiento
religioso
y se
ya dieron
en
28
28
Información gráfica y texto tomados de la Enciclopedia Multimedia Encarta
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1.4 ELA BORACIÓN DEL COLLAGE
Para la elaboración del collage se han tomado imágenes representativas de la cultura india. En la izquierda superior está el Taj Mahal mausoleo construido en Agra en el siglo XVII por el Sha Jahan para guardar los restos de su esposa Mumtaz Mahal, muerta en 1631 al dar a luz ( obra de arte de estilo indo islámico); izquierda inferior, mujeres en fiestas tradicionales de la India; al centro superior estatuilla de bronce y un anciano nativo; a la derecha superior está una escultura en piedra de Gautama Buda (c. 563-c. 486 AC) inferior, están unos
fundador del budismo; Enseguida en su parte
frescos29 seleccionados de uno de los templos de estilo indo
islámico; en medio de los frescos se encuentra el río sagrado Ganges que corta en dos partes la ciudad de Benarés con un cauce de 1km. De ancho, a sus orillas se practica la cremación de cadáveres.
29 Método, o arte, de pintar con pigmentos de origen mineral resistentes a la cal y empapados de agua, sobre un muro con revoque de yeso, todavía mojado, o fresco.
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COLLAGE
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1.5 ELABORACIÓN DE CARTA DE COLORES Y TEXTURAS
Los paisajes cálidos de la India brindan intensidad en las gamas de color. Los más comunes son: naranja, rojo, amarillo, marrón, tonalidades de verde, azul y violetas. También se combina con el dorado de las estatuillas de bronce y el plateado de ciertos adornos y accesorios. Las colecciones de Alta Moda se unifican entre sí por la intensidad de los colores utilizados. El tema propone una gran variedad de texturas, tales como: arenosas, rugosas, suaves y lisas, encontradas en los textiles, tapices, pinturas y paisajes desérticos de la India.
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CARTA DE COLOR
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1.6 PANEL DE AMBIENTE
Para
la elaboración del panel de
ambiente, se agruparon todos los elementos y texturas comunes en el diseño de las colecciones de alta moda, tales como: bronce, pedrería, plumaje, sedas , transparencias, brocados, estampados , terciopelo.
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PANEL DE AMBIENTE
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1.7 TENDENCIAS DE MODA, INFLUENCIA, ESTILO Y SILUETAS APLICADAS EN LAS COLECCIONES DE ALTA MODA
Tendencias. – Se aplicó en el desarrollo de las colecciones el “Cross Over”, que es la
fusión de las características étnicas de varias culturas del mundo. Así por ejemplo: la arábica, española, apache, africana, hindú, oriental, entre otras. Los elementos decorativos de esta corriente son: bordados, tejidos, figuras geométricas multicolores, flecos, plumas, transparencias, cintas con diseños y texturas naturales. Los colores predominantes son: turquesa, naranja, gris, rojo, blanco, violeta. Influencia. – Se define como Ethno porque evoca aspectos folclóricos de una cultura,
en este caso de la cultura hindú, porque es el tema de inspiración. Estilo. – En este tema se desarrolló una aplicación de gusto personal, que se realza por
el toque exótico, natural, suelto y elegante. Es una inclinación hacia la ambigüedad, es decir la mezcla de las siluetas sencillas con texturas abundantes, así como en la utilización de pedrería, bordados, brocados sobre formas sencillas. Las transparencias y la calidad de la textura es un detalle importante en el diseño de los trajes. Hay una preferencia especial por los grandes diseñadores de Alta moda como: Dior con su “New Look” de prominentes caderas, busto y cintura fina; por Balmain con su elegancia exótica y por Lacroix, con su estilo barroco. Siluetas. – Se usa una figura fina y estilizada, lograda sobre siluetas hoja de hacha,
rotonda y acampanada. Se enfatizan los talles ajustados con corpiños, cintura fina, remarcadas las caderas y faldas holgadas.
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1.8. DISEÑO DE COLECCIONES DE ALTA MODA FEMENINA
A continuación se presentan las colecciones
de Alta moda Femenina que están
inspiradas en la India y sus imágenes culturales más representativas, así como también bajo la influencia “Cross Over”, que es la mezcla de recursos estilísticos de diversas etnias del mundo. El estilo es exótico. Existen elementos que unifican a cada colección, pero en general los recursos comunes en todas las propuestas son: los colores en gamas intensas, los brocados, el crepé de seda y las transparencias, el turbante, el uso de corpiños y talles bien marcados, la silueta hoja de hacha, brazaletes y colgantes.
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COLECCIÓN EN TERCIOPELO Y PLUMAS Esta colección presenta trajes amplios de faldas con caídas sesgadas y acampanadas con prenses y dobleces y sobre estas van otras capas o sobrefaldas. Unas en terciopelo y otras en shifón. Se usan grandes escotes delanteros y sobre estos van montados plumajes. Tiene accesorios grandes de collares y cinturones largos en color dorado.
CARTA DE COLOR Rojo-fucsia, naranja, violetas, azul, celeste, combinados con plata y dorado
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ESPALDA
VESTIDO DE TERCIOPELO ROJO . CHAQUETA ENTALLADA CON PLUMAS TERMINADA EN CHIFON DEL MISMO TONO. ADORNADOS CON LLAMATIVO CINTURON
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ESPALDA
ACAMPANADO VESTIDO DE TERCIOPELO FUCSIA. DRAPEADO EN LA CADERA. CAPA DE ORGANZA.
TERMINACIONES DE PLUMAS.
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ESPALDA
TRAJE EN LINEA “A” CON PRENSES DESDE LA CINTURA.
ACCESORIOS EN PEDRERIA CELESTE
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ESPALDA
TRAJE ENTALLADO DE
COLA EN SEMICAMPANA CON SOBRECAPA DE ORGANIZA AZUL
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ESPALDA
VESTIDO EN SEMIROTONDA CON SOBRE FALDA CRUZADA ADELANTE.
ESCOTE PROFUNDO TERMINADO CON PLUMAS VELO EN ORGANIZA VIOLETA
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COLECCIÓN DE SHIFÓN ESTAMPADO Y CREPÉ DE SEDA Esta colección se combina con dos tipos de texturas: la una es el shifón estampado con motivos florales en color dorado y tonos tierra; la otra es el crepé de seda con el que se combinan los vestidos, corpiños y faldas. Los velos y las capuchas están confeccionados con el shifón estampado y de los bordes, están colgadas las chaquiras. Las formas que se aplican son sesgadas, tanto en escotes como en las terminaciones de las faldas superiores, las mismas que están unidas con el shifón estampado para continuar el largo de los vestidos. En algunos trajes se usan tirantes y las faldas con sobrecapas.
CARTA DE COLOR Los tonos son tierra, tales como: terracota, amarillo, verde, contrastados con fucsia y azul en tonos encendidos.
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ESPALDA
TRAJE FUCSIA DE DOS PIEZAS TOP CRUZADO Y FALDA ASIMÉTRICA COMBINADA CON CHIFON ESTAMPADO VELO EN LA CABEZA
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ESPALDA
VESTIDO DE DOS PIEZAS. FALDA ENTALLADA CON SOBRECAPAS DE CHIFON CAPA AMPLIA
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ESPALDA
VESTIDO MARRÓN ENTUBADO . MANGAS BOMBACHAS DE CHIFÓN Y VELO CON TERMINACIONES DE CANUTILLOS
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ESPALDA
VESTIDO EN CREPE DE SEDA VERDE CON TERMINACIÓN EN CHIFON ESTAMPADO. CAPA EN CHIFÓN ADORNADA CON CANUTILLOS
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ESPALDA
VESTIDO AZUL CON SOBRE FALDAS EN CHIFON ESTAMPADO Y LLANO VELO CON CANUTILLOS
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COLECCIÓN DE CORPIÑOS DE PEDRERÍA Y TRANSPARENCIAS
Materiales: Se utiliza shifón y crepé de seda en sobrecapas para la elaboración de las faldas, los corpiños y tops son de randa y sobre estos va bordada pedrería de murano en colores contrastantes como: verde y azul; así mismo naranjas y blanco transparente. Se ha colgado de los corpiños unos flecos de hilo de seda con la opción de dejarlos sueltos o tejerlos en macramé. CARTA DE COLOR
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ESPALDA
FALDA DE CADERA EN COBRECAPAS DE CHIFÓN Y GEORGETE TOP BORDADO CON CRISTAL DE MURANO
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VESTIDO GEORGETE BORDADO CRISTAL MURANO
EN AZUL CON DE .
HILOS DE SEDA EN EL FRENTE
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ESPALDA
TRAJE DE DOS PIEZAS FALDA DE CADERA CON CRUCE AL FRENTE SOBRE FALDA POSTERIOR
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COLECCIÓN ABRIGOS Y VESTIDOS DE BROCADO
La colección está compuesta por: chaquetas largas y abrigos, también un conjunto de falda y chaqueta con manga kimona; un vestido corto kimono y cruzado al costado, un vestido mini con la parte posterior más larga. Los abrigos por dentro tienen forro en color contrastante al brocado. En los bordes los trajes tienen colgados unos canutillos. Para combinar en algunos trajes se usan enterizos de malla en lycra. CARTA DE COLOR
El brocado tiene el fondo beige y sobre este van motivos florales en colores: azul, verde botella, fucsia, rojo, café, dorado.
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ESPALDA
TRAJE DE DOS PIEZAS EN BROCADO ROJO CON DORADO. RUANA Y FALDA CON FORRO DE CONTRASTE
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ABRIGO LARGO CON MANGA RAGLÁN. POR DENTRO UNA MALLA ENTERIZA
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ABRICO EN BROCADO CAFÉ. MANGAS DE ORGANZA
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ESPALDA
VESTIDO DE COLA EN BROCADO AZUL DECORADO CON CANUTILLOS
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ESPALDA
VESTIDO EN MANGA KIMONA. CRUCE AL COSTADO
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COLECCIÓN DE TRAJES DE NOVIA
Estos vestidos llevan la combinación del crepé de seda blanco y brocados con diseños en flores doradas, para los velos se utiliza gasa blanca y dorada. La silueta es la “hoja de hacha”. Se usan escotes de bandeja con mangas raglán; en otros se usan tirantes con corpiños.
CARTA DE COLOR
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ESPALDA
VESTIDO DE NOVIA EN DOS PIEZAS. CORPIÑO CON MANGAS DE ORGANZA FALDA ENTUBADA CON BORDADOS EN FORMA DE ESPIRAL
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ESPALDA
TRAJE ESTILO IMPERIO . FALDA SOBRE FALDA BORDADOS Y VELO DORADO
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ESPALDA
TRAJE DE NOVIA EN BRETEL. FALDA SUPERPUESTA EN CREPÉ LLANO
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ESPALDA
VELO EN ORGANZA DORADA. BROCADO BLANCO CON DORADO. PARTIDO DELANTERO EN FONDO BLANCO
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ESPALDA
TRAJE DE DOS PIEZAS. FALDA CON TAPA DELANTERA Y POSTERIOR EN BROCADO. BLUSA CON MANGA LIGERAMENTE ACAMPANADA
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1.9 EJECUCIÓN DE PROPUESTA DE DISEÑO E-001
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PRESENTACIÓN DEL TRAJE DE ALTA MODA FEMENINA E-001 EN EL DESFILE DE MODAS DE LA UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL, SEPTIEMBRE/ 2000
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1.9.1
FICHA TÉCNICA DE DESCRIPCIÓN
Diseñadora: Paola Jiménez A. Referencia: E-001 Categoría: Alta Moda Femenina Tipo de prenda: traje de falda y corpiño con velo en la cabeza Tema de inspiración: La India Tendencia: Cross Over Influencia: Ethno Color: naranja Descripción: Traje de Alta Moda femenina para la noche con tres piezas: la falda ombliguera, de 4 capas sobrepuestas
alternando Georgette y chifón
transparente en color naranja, esta se sujeta en el muslo con una cinta cruzada. El brazier es de encaje bordado con pedrería de murano en colores naranja, transparente blanco y azul, está anudado en la espalda con un cordón y en la parte inferior se teje una pieza en macramé que termina en flecos; En la cabeza tiene un velo de chifón. Como accesorios lleva una gargantilla de murano y sandalias tejidas con hilo de seda.
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1.9.2 FICHA TÉCNICA DE INSUMOS
Diseñadora: Paola Jiménez A. Referencia: E-001 Categoría: Alta Moda Femenina Tipo de prenda: traje de falda y corpiño con velo Tema de inspiración: La India Tendencia: Cross Over Influencia: Ethno Color: naranja Tela Referencia
Color
Ancho
Proveedor
Cantidad
-Randa
-naranja
-1.50
-Casa Bolívar
-¼ m.
-Crepé
-2 m.
-Chifón
-2 m.
Hilo Referencia Color
Grosor Características Proveedor
Cantidad
-701 s
-81 naranja
-120
-mercerizado
-Cadena
-1 tubo (50 m.)
-005
-55 naranja
- 40
-seda natural
-Pasa
-4 madejas (30
-015 n
-TN1 transparente -120
-nylon
-Cadena
m.) -2 tubos (20 m.)
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Pedrería Referencia /color
Diámetro Descripción
Proveedor
Cantidad
-murano azul
-0.6 mm.
-Distribuidora
- 3 docenas
de Fantasía
- 8 docenas
-murano naranja -murano blanco
- prismática
- 5docenas
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1.9.3 FICHA TÉCNICA DE COSTOS
Diseñadora: Paola Jiménez A. Referencia: E-001 Categoría: Alta Moda Femenina Tipo de prenda: traje de falda y corpiño con velo Tema de inspiración: La India Tendencia: Cross Over Influencia: Ethno Color: naranja Costo tela: $ 120 Costo pedrería: $ 100 Costo de confección: $ 200 Gastos varios: $100 Costo total: $ 560
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1.9.4 FICHA TÉCNICA DE PROPUESTAS DE COLOR
Diseñadora: Paola Jiménez A. Referencia: E-001 Categoría: Alta Moda Femenina Tipo de prenda: traje de falda y corpiño con velo Tema de inspiración: La India
Color de la tela
Tendencia: Cross Over Color de la pedrería
Influencia: Ethno
COMBINACIONES
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1.9.5 ELABORACÓN DEL DRAPING DEL TRAJE E-001
1.9.5.1 PREPARACIÓN DEL MANIQUÍ
Se ubica con una tiza sobre el maniquí las líneas auxiliares de centro frente, mitad de hombro hacia abajo, pecho, busto, cintura, y cadera. Esto servirá de guía para la colocación de la tela del prototipo.
1.9.5.2 ELABORACIÓN DEL TOP
Se debe cubrir la mitad del frente y la mitad de la espalda siguiendo las líneas auxiliares con una misma tela sin abertura en el costado. Para ir formando la copa del busto, se pliega la tela a manera de pinza en la parte inferior del busto, haciendo vértice en el pezón. Hay que sujetar la tela sobre el maniquí con alfileres y evitar la mayor cantidad de arrugas en la tela, procurando que se forme perfectamente el talle. Se debe dibujar sobre el busto las líneas del diseño del brazier y de las piezas que van a formar la copa. Despegue la tela del maniquí.
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1.9.5.3 CORTE DE LAS PIEZAS
Después de despegar la tela, hay que recortar las piezas que van a formar el “TOP”, ubicando previamente unas marcas o piquetes que indiquen el centro del busto.
1.9.5.4 DEFINICIÓN DE COSTURAS DEL TOP
Al cortar las piezas que conformarán el TOP, hay que aplicar máximo un centímetro para ventaja de costura en todo el contorno de la pieza. Luego se deberá pasar la nueva pieza a un papel.
1.9.5.5 PRUEBA DEL BRAZIER
Hay que colocar la pieza armada sobre el busto para corregir y definir el brazier.
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1.9.5.6 ELABORACIÓN DE LA FALDA
Para la falda, se pondrá una tela sesgada desde la cintura hasta los tobillos dando la forma de la cadera derecha, dejando abierto en el costado izquierdo. Luego se redondeará la curva de la cintura, formando las pinzas necesarias en la parte posterior. En el frente suavizar la línea de cintura hasta llegar al ombligo. Sobre la tela también se trazarán las líneas aauxiliares para los cortes de las faldas sobrepuestas. 1.9.5.7.CORTE DE LAS SOBRECAPAS.
La falda queda conformada de cuatro capas, que van sujetándose en la cintura y partidas en el costado. La cuarta capa es interna y la más larga
1.9.5.8. DEFINICIÓN DE COSTURAS DE LAS CAPAS
Las capas deben tener ubicación de costuras en la parte posterior, para dar forma a la cadera, mientras que por delante no tiene pinzas. Se colocará ventaja de costura en la línea de cintura y en los costados. En el ruedo necesita una ventaja de 3 mm. Para quemar los bordes de las faldas, en lugar del dobladillo.
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CAPÍTULO VII 1. PROYECCIÓN DE IMAGEN
1.1 SEMIÓTICA DE LA MODA
Al igual que en todas las ramas académicas, científicas y artísticas, la semiótica tiene su campo en la moda ya que estudia los signos que sirven en la comunicación. De hecho la moda refleja muchos aspectos de una sociedad o un individuo a través de mensajes visuales, los mismos que pueden ser representados con diversos recursos como: el color, textura, silueta, accesorios, etc. Todos estos elementos de la moda se conjugan en determinado momento para convertirse en una secuencia de elementos que constituyen una unidad. La unidad denominada sintagma lleva la intención del mensaje. Vale recordar el esquema básico de la semiótica que está constituido por tres elementos principales: el emisor, que es de donde se origina y parte la comunicación; el mensaje que lleva su propio significado; el receptor, que es donde recae el mensaje. Este ciclo se invierte como consecuencia y respuesta del mensaje recibido. En el caso de la moda el diseñador, se convierte en el emisor, cuando hace una presentación de diseños o colecciones donde se expresan varias ideas con respecto a las tendencias de temporada, a su imagen propia o a las necesidades del cliente y así mismo el cliente responde con sus preferencias hacia el producto moda.
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1.2 EL MENSAJE
La característica fundamental del mensaje, radica en su definición, es decir en su intención u objetivo. Cuando la idea no se concreta, o no es clara, se corre el riesgo de caer en la ambigüedad, a menos que ese sea su objetivo. Por ello es importante depurar la idea evitando recursos que contaminen la original. La Axiología del diseño estudia los valores que componen el mensaje visual de la moda, es decir que analiza la significación de cada uno de los detalles, por ejemplo: el color blanco tiene generalmente una intención de pureza, limpieza y luz; el uso del velo, que cubre la cabeza y la cara, tiene una connotación de reservado o de esconder algo, etc. Pero esto no significa que los elementos tengan significados universales y que el diseño tenga que generalizarse para cualquier ámbito, por eso es necesario hacer un verdadero análisis de los recursos que componen un traje y para quien va dirigido.
1.3 EL PRODUCTO
Es el medio de expresión de un mensaje. A través de este se refleja la idea u objetivo del mismo. El diseño puede tener significados implícitos, es decir que no son muy visibles, pero que están contenidos en la prenda de una forma disimulada, así por ejemplo cuando se utiliza 100% algodón en la confección de ropa, aunque no sea muy explícito, esto connota
la preservación del medio ambiente, por tener la cualidad de
biodegradable. El diseño tiene dos tipos de significados: denotados y connotados. Los denotados expresan de una manera directa la función del diseño, por ejemplo: el uniforme de funcionarios militares; los connotados son significados
más específicos, porque
detallan códigos de información que son poco comprendidos por el consumidor general,
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por ejemplo: las diversas insignias que llevan los uniformes militares, como estrellas, galones u otras. En la elaboración del diseño se debe jerarquizar los elementos que lo componen, para evitar la saturación o carencia de recursos estilísticos. Para la comprensión del sintagma o de la unidad moda, se establece el siguiente esquema: trata de la armonización estética del diseño, es decir de la imagen global del mismo. Esta imagen general es conformada por figuras de construcción o sintaxis, porque van en forma ordenada de acuerdo a su importancia dentro del traje, por ejemplo: si analizamos el vestido 001 de Alta Moda femenina presentado en este proyecto, observamos que el principal recurso es el color ( naranja); le sigue en importancia la textura, con crepé de seda y bordados de pedrería; y en tercer lugar está la construcción del traje, muy simplificada. Como mensaje final del diseño 001, se comprende que es un vestido exótico con inspiración en la India. El producto finalmente tiene varias características como: funcionalidad, imagen, calidad, precio, etc., que dependerán de la intención del diseñador que puede estar ligada a un interés por dar a conocer su imagen, como por complacer a su grupo objetivo o por fusionar su imagen con la actividad comercial.
1.4 EL CLIENTE
Recepta los mensajes de la moda y está expuesto a las influencias del mercado o del diseñador. Es el consumidor vulnerable a las sugerencias de la moda, que se pueden imponer sutilmente dependiendo de su
aceptación. El receptor tiene indistintas
características de acuerdo a su entorno, las mismas que deben ser tomadas en cuenta para satisfacer sus necesidades a través del producto. En el caso de la Alta Moda, el temperamento general del grupo objetivo, provoca sofisticación y elegancia, factor que
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no debe olvidarse para el diseño del producto. El consumidor se convierte inmediatamente en emisor de sus respuestas ante las propuestas del diseñador.
1.5 EL DISEÑADOR
Es el emisor inicial del mensaje “propuestas de moda”, de él nace la intención y de hecho está a la expectativa de la respuesta del cliente. El diseñador debe tener la habilidad de prever las respuestas del consumidor, como armas de inducción, es decir que debe prevenir alternativas y de esta manera crear demanda. La actitud del diseñador ante el proceso de diseño depende de: su asimilación del medio en el que convive, convirtiéndose en un diseñador comercial; de su revelación ante el medio, contribuyendo con
el rompimiento de paradigmas y convirtiéndose en un
diseñador de imagen; y en la asimilación del medio, sin dejar de lado su evolución como creador.
1.6 LA IMAGEN COORDINADA
La imagen es una relación que existe entre el diseñador y el producto del diseño. La imagen no es solamente la apariencia física, pues tiene que ver con las cualidades intrínsecas del individuo que son reflejadas en todos los procesos estilísticos que realiza. Tiende a ser una respuesta común en todas las circunstancias del diseño. Refleja una coherencia entre la personalidad del diseñador con el estilo que refleja en sus creaciones. Se debe procurar una continuidad de estilo en lo que se diseña con el resto de elementos que conforman la imagen, tales como: la marca, el logotipo, el atelier, así como otros accesorios de la boutique. Todos estos elementos deben conjugarse cuando se hace un lanzamiento de imagen, sin que esto limite el proceso estilístico de las colecciones, es
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decir que se puede seguir el ritmo de las tendencias sin cambiar precisamente el estilo. Por ejemplo si se va a diseñar para la categoría de Alta moda, no sería coherente si la marca o el logotipo refleja moda casual o deportiva, lo lógico fuese desarrollarse con sofisticación o exclusividad.
1.7
ATELIER DEL PROYECTO DE ALTA MODA FEMENINA
El atelier es una tienda especializada y manejada con exclusividad, es un centro completo de diseño, confección y distribución de Alta Moda. El diseñador refleja su estilo en todos los detalles de la decoración del atelier, la ornamentación es una mezcla de recursos étnicos especialmente los arabescos con un estilo moderno, utilizando madera, bronce, estuco, vidrio, mosaico y brocados. Está compuesto de una boutique en la que su escaparate son las vidrieras externas bajo unos arcos con mosaico Desde afuera se observan los detalles de la decoración que es y adaptable al diseño de las colecciones. se conforma también de un salón de exhibiciones, donde la pasarela está al nivel del piso; en la parte posterior se encuentra el taller de confección y la sección administrativa. Para mayor comprensión
de la distribución se presenta un plano
estructural del atelier.
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1.7.1 PROYECTO ESTRUCTURAL DEL ATELIER El proyecto consta de 4 áreas principales: la boutique, la administración, el taller y el salón de actos; En la boutique ubicamos la sala de recibo junto al counter y la perfumería. En la parte posterior de la boutique se observan los exhibidores de los vestidos y más adelante los maniquís. Hacia la derecha posterior están los vestidores, el área de accesorios y la entrada a los baños; inmediatamente se ingresa a las oficinas de administración con baño y bodega; así mismo se ingresa al taller de confección, el mismo que tiene baños, bodegas, puerta trasera y un vestidor que conecta directamente al salón de eventos que tiene opción para adecuar una pasarela. Este salón tiene una puerta de acceso hacia la entrada principal del edificio, tal como la boutique.
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1.7.2 PERSPECTIVAS DE LA BOUTIQUE El diseño interior de esta boutique fue realizado para la Marca PJ. del Proyecto
atelier,
con
la
colaboración de Studio C. La idea principal de la decoración de este establecimiento es
resaltar el
producto de alta costura dentro de un ambiente sobrio y natural con una influencia medio-oriental y la aplicación de mosaicos internos y externos en los arcos de la puerta principal de la boutique.
Los materiales utilizados son: mármol en tono rosado para el piso; madera de bálsamo en las puertas de los vestidores y en los parantes de estanterías y mesas; El aluminio en color negro se utilizó en los colgadores de la ropa, los mismos que tienen terminaciones esféricas de bronce. Las repisas de exhibición del counter, la perfumería y de la mesa de recibo son de vidrio. Las paredes van pintadas con la técnica del paleteado en tono rosado y amarillo claro. Como parte complementaria de la decoración se usan alfombras con motivos geométricos en tonos tierra y afiches con las propuestas de las colecciones de la temporada. La marca se colocó en color negro sombreado en las vidrieras de la entrada principal. A continuación tenemos las perspectivas de la boutique, en donde el escaparate se ha conformado con la imagen interna que presta el local.
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q
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El atelier se ubica en la planta baja de este edificio construido en la calle Japón en la ciudad de Quito. La
entrada
a
la
boutique
presenta unos arcos revestidos de mosaico con claro estilo medio-oriental.
VISTA LATERAL DEL ESCAPARATE DE LA BOUTIQUE
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VISTA DESDE LA ENTRADA DE LA BOUTIQUE. DETALLE DEL RECIBIDOR, MANIQUÍS Y COLGADORES
VISTA LATERAL DEL ÁREA DE DESCANSO, COUNTER Y PERFUMERÍA
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PERSPECTIVA INTERNA, DETALLE DE LOS COLGADORES Y UBICACIÓN DE MANIQUÍS
VISTA DE LA PARTE POSTERIOR DE LA BOUTIQUE, DETALLE DE LOS VESIDORES, REPISAS Y ESPEJO
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PERSPECTIVA EN EL ÁREA DE LOS VESTIDORES, DETALLE REPISAS DE ACCESORIOSJUNTO AL ESPEJO
DE LAS
VISTA DESDE EL INTERIOR DE LA BOUTIQUE HACIA EL ACCESO PRINCIPAL
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1.8 DISEÑO DE COMPLEMENTOS DE BOUTIQUE.
1.8.1
MANIQUÍ
El maniquí está fabricado en aluminio de color bronce en el extremo superior y en la base, el armazón es en fibra de vidrio acolchado y forrado con brocado en color perla con motivos florales en alto relieve.
1.8.2 EMBALAJE
El primero es una funda de cartón forrado con brocado y en la parte superior está sujeto un cordón dorado. La segunda es una bolsa de vinil transparente con un cierre en todo el largo.
1.8.3
ARMADOR
Está fabricado en aluminio de color bronce, tiene doble función, sujeta el vestido en los hombros y en el inferior va otro sujetador para el complemento de la prenda.
1.8.4
MARQUILLAS Y ETIQUETA
La marquilla va sujeta en el cuello o en el costado interno del vestido y sus dimensiones son : 6 x1.5 cm. La etiqueta va colgada de la marquilla, en ella va la marca y al reverso está el código de la prenda, estilo. Talla y precio.
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1.9 LOGOTIPO Y MARCA
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CAPÍTULO VIII 1. ACEPTACIÓN DEL PRODUCTO
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1.1 ACEPTACIÓN DEL TRAJE E-001 EN EL DESFILE MODARTE 2000
La Escuela de Diseño de Modas de la Universidad Tecnológica Equinoccial realizó el desfile Modarte 2000 en el que fue presentado el vestido E-001 con inspiración “La India”. A continuación ponemos a su consideración los criterios con respecto al vestido y las sugerencias para el desfile, por parte de los empresarios y los medios de comunicación invitados. 1.
“ El traje naranja es muy bonito, pero se usaría más en películas. Pienso que la
sección de alta moda debería ser más espectacular, pues estamos en el 2000. En general el desfile estuvo bien, aunque se debe procurar atender más los detalles de confección”. María Eugenia Jaramillo ( Cordinadora general del Programa Compartiendo en TV.)
2. “El vestido de la India tiene cualidades de primera clase. El desfile estuvo bien, creo que los insumos de los vestidos deben ser de mejor calidad y que las medidas sobre las modelos se trabajen mejor.” Fabián Díaz ( Asesor Técnico de Hilos Cadena, Ecuador)
3.
“ El vestido naranja es exótico, creo que en nuestro medio debe diseñarse para el
mercado nacional de acuerdo a sus gustos” Rosa Cuaical( Ventas Indulana )
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4. “ El vestido de la India es una idea fuera de lo convencional me parece muy interesante. El desfile en general está bien, pero debe exigirse mas calidad en los acabados de las prendas, los insumos deben ser de primera calidad”. Fabio Salazar (Gerente de Hilos Cadena).
5. “El traje naranja es original, muy étnico, en lo personal no es mi estilo, pero creo que existe mercado para este tipo de diseños. En el país hay mucho potencial en diseño de modas”. Consuelo Ramadán (Gerente de tejidos Ramadán)
6. “ El vestido que tiene inspiración en la India es muy original y bien trabajado, pero en general el mercado para este producto es mínimo”. Miguel Hajj (Gerente Indulana)
7. “ El traje naranja es bien elaborado tiene lindos detalles, pero en conjunto no me parece apropiado para el mercado local. El desfile debe cuidar más los detalles de imagen de la modelo y actitud en la pasarela, accesorios, ropa interior, confección, etc.” Carla Rossi ( Productora del programa Compartiendo)
8. “El vestido es digno de películas de cine o eventos de belleza, es original. El desfile debe perfeccionarse pero va por buen camino”. Tatiana Gordillo (Quifatex)
1.1.1
CONCLUSIONES
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El vestido naranja tuvo mucha aceptación por parte de los empresarios, lo más gusta es el color y el estilo exótico aunque en general admiten que la moda en Quito no está preparada para usar este tipo de prendas, que pueden ser utilizados en concursos de belleza.
1.2 ACEPTACIÓN DEL TRAJE E-001 Y DE LAS COLECCIONES DE ALTA MODA, REALIZADA EN UN FOCUS GROUP.
Se realizó el 9 de junio del 2001 un focus group con personas correspondientes al target y se les presentó el traje naranja que salió en el desfile Modarte, así como también fotografías del mismo y las ilustraciones de las colecciones de alta moda femenina propuestas en la tesis. Se invitó a 15 mujeres de clase social alta entre 25 a 35 años de edad, de las cuales asistieron 10 y los criterios son los siguientes:
1. “ El vestido es muy creativo, original y bastante glamoroso, los vestidos de las colecciones tendrían mucha aceptación en el medio europeo” Sra. Ma. Dolores Eljuri, Propietaria de Tules y Novias.
2. “El vestido E-001 y el resto de la colección son exóticos y muy bien logrados, lamentablemente nuestro medio todavía no está preparado para aceptar este estilo” Sra. Tania Aguirre, gerencia American Airlines.
3. “ El vestido del
desfile es un diseño al estilo jet-set internacional, difícil de
comerciarlo en nuestro medio, pero no imposible”
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Dra. María Estela Guerrero.( abogada) 4. “ El vestido E-001 y el resto de trajes podrían figurar dentro de una colección de diseñadores reconocidos europeos, en lo personal no es mi estilo, pero es glamoroso” Sra. Lorena Luque
5. “ El vestido es hermoso, me encantó tranquilamente pasa como un Versace. Los otros vestido son como inspiraciones de épocas pasadas, yo sí me pondría” Verónica Noboa, modelo
6. “ Son diseños para cuerpos esculturales, me gusta mucho la originalidad, me imagino a las reinas de belleza con estos trajes” Teresa Hermida, importadora, a cargo de franquicia de lencería.
7. “ Son fantásticos, pero no sé si aquí se los pongan, pero en el extranjero creo que sí” Irma de Gallardo, Metafísica
8. “ Que lindo vestido, me encanta el concepto y la gama de colores de las colecciones, pero es difícil introducir alta costura en el mercado los materiales e insumos no son suficientes y hay que importarlos” Sra. Ana Baquero, diseñadora de modas
9. “ Creo que debes ir a concursar en el extranjero con este tipo de trajes, son dignos de los eventos de belleza para lograr introducirlos aquí tendrá que pasar mucho tiempo, pero vale la pena intentarlo” Ruth Cronin
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10. “ Pienso que hay mucha creatividad, sin embargo siempre hay que empezar adaptándose al medio para poder surgir, luego se puede poco a poco introducir nuestras creaciones” Carmita de Cabrera, propietaria de Modas Carmita.
1.2.2
CONCLUSIONES
El vestido E-001 de inspiración en la India gusta mucho sobre todo el color, así como del resto de trajes de las colecciones. Según los criterios recibidos en el focus group, los trajes son glamorosos como para el cine y el teatro internacional, pues en el país la sociedad tiene otro desarrollo económico y cultural. Pocas son las personas que estarían dispuestas a lucir los trajes que son muy exóticos. Existen sugerencias de ofrecer los trajes en los reinados de belleza porque tienen mucha creatividad. La gente opina que no se pierde nada en ofrecer este tipo de producto un poco más adaptado a los gustos de las clientes en Quito. En general la opiniones de las colecciones fueron las siguientes - Los vestidos tienen colores muy vistosos que gustan y los diseños son exóticos. - Son trajes que realzan los detalles suntuosos.. - El traje naranja es muy bien elaborado. - Los vestidos tienen un aire étnico. - Son originales. - Están fuera de lo común. - Los diseños sirven para el cine - Se pueden aplicar en eventos de belleza. - El mercado nacional es más convencional
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CAPÍTULO IX
1. CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES
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El Proyecto Atelier de Alta Moda Femenina, abarca muchos aspectos de estudio, que se han mencionado brevemente en esta tesis, para poder tener
un argumento que la
respalde como actividad económica. Se ha presentado sus orígenes y desarrollo a escala mundial, que evidentemente no se equipara con la economía nacional respecto a precios, pero en diseño tenemos mucho potencial y talento para ofrecer en el medio nacional. Todavía queda el largo camino para implementar un verdadero desarrollo de alta costura en Quito, pues sí se deben optimizar los procesos de diseño con calidad. Uno de los aspectos importantes de esto es la mano de obra especializada que es muy escasa y que debería desarrollarse a través de capacitación, esto es una inversión y riesgo que hay que tomar. En nuestro mercado, Quito, el diseño de Alta Moda Femenina está dirigido a la estilización de recursos que conformen una imagen clásica y conservadora, la originalidad del diseño depende de la habilidad del diseñador para ser práctico y creativo al mismo tiempo, dentro de los parámetros de aceptación ya mencionados. La creatividad para nuestro cliente está ligada con la armonización de complementos, detalles e insumos de primera categoría, más no le dan mucha importancia a las nuevas formas de construcción en los vestidos. El cliente tiende a ser tradicionalista, en general las tendencias que tienen vigencia en Quito, son “tendencias congeladas” de una temporada pasada del mercado internacional. Son tendencias que se generalizan durante mucho tiempo y se estancan, debido al clima, la geografía y consecuentemente del temperamento introvertido y conservador de la cliente.
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Esto no significa que dentro de la clase social alta, no exista un segmento más atrevido que se lance a probar las tendencias que son emitidas por los medios de comunicación y absorbidas de los contactos en el extranjero. Este cliente consume a lo mucho trajes de noche de pret-a-porter que normalmente son importados y que pueden ser reemplazados por trajes bien elaborados, al que se le anteponga un real proceso estilístico de Alta Moda, obviamente los precios tienen que ser relativos con la realidad económica y hasta cierto punto esto es un limitante con los insumos, pues si vamos a vender de forma accesible tampoco podemos invertir demasiado. En la práctica la alta costura en nuestro medio no es una tradición como en los países europeos, el glamour de estas prendas son consecuencia de un estilo de vida, de una cultura, de otra idiosincrasia. En el país a nivel general esta actividad es vista como la confección de calidad de sastrería o trajes de novia que sí tienen acabados a mano, pero que resultan una copia de las revistas de moda. La actitud pasiva del medio hace que nos adaptemos a una misma idea siempre, la gente es conforme y no necesita más. La idea es crear una necesidad; lo primero es la calidad , hacer lo que el cliente espera, presentar nuevas texturas, “sugerir hasta llevarlo a decidir lo que el necesita”. No hay afán en criticar y subestimar el mercado, pues es este al que hay que complacer. Ciertamente no sería fácil para un creativo de modas sentirse totalmente satisfecho pues la libertad en diseño es limitada, sin embargo el éxito está en la originalidad y utilidad que se le aplique a una prenda. Un punto a favor está en aprovechar la poca competencia que tiene el mercado, el éxito está en ofrecer nuevas propuestas de diseño, demanda, adaptándose a las tendencias nacionales, pero con cierto toque de estilización y novedad.
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Realmente esta tesis no pretende “limitar” un campo de estudio que en la práctica es muy extenso y que pueda conllevar toda una vida de carrera, pero sí tiene como fin incitar a una búsqueda de recursos, propuestas y mercado. Las principales sugerencias vienen de la necesidad de ser satisfechos, no solamente en Alta moda, sino en todas sus categorías, porque el cliente está ávido de atención personalizada y sobre todo de calidad. Se llega a la conclusión final de que sí se puede lanzar una propia imagen de Alta Moda en nuestro medio, hablando concretamente de Quito. Por el momento introducir en el mercado un estilo e imagen fuera de lo convencional, es limitado todavía se debe ser coherente con la realidad en nuestro país. El éxito en lanzar diseños para este grupo objetivo, dependerá también de la adaptación del propio estilo a las preferencias del mercado, al principio si se quiere capitalizar, la única manera es complaciendo, Luego está el reto de proyectarse sutilmente hasta ser aceptado. El grupo de estrato social alto en la ciudad de Quito, es reducido, pero goza de cualquier comodidad que su capacidad adquisitiva le
permite. Según nuestro consumidor,
mientras existan buenas ofertas creativas no muy fuera de la realidad y funcionales, no faltará mercado, además nuestro target está expuesto a las tendencias y cambios de la moda, que su ritmo de vida lo permite, lo que nos deja la posibilidad de hacer nuevas propuestas. Podemos argumentar los pro y los contra de la alta moda en Quito, pero la única respuesta a la pregunta de cómo surgir, está en arriesgar, porque a la hora de la verdad el único respaldo que el diseñador tiene es el talento, el capital y mucha audacia...
BIBLIOGRAFÍA
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Recreativa SA. Segunda Edición 1987.
OLEAS, Oscar, “ANÁLISIS Y DISEÑO LÓGICO”.
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ANEXOS
TABULACIÓN DE ENCUESTAS SONDEO DE ACEPTACIÓN DE LA ALTA COSTURA EN QUITO Y PREFERENCIAS EN ESTILO.
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