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Grandes DIRECTORES DE CINE Vol. 1

Contenidos Artículos Akira Kurosawa

1

Alan Parker

7

Alejandro Amenábar

9

Alejandro González Iñárritu

15

Alfonso Cuarón

18

Alfred Hitchcock

21

Ang Lee

32

Anthony Minghella

35

Barry Levinson

37

Bernardo Bertolucci

39

Brad Bird

41

Brian De Palma

44

Bryan Singer

47

Buster Keaton

51

Cantinflas

57

Cecil B. DeMille

65

Charles Chaplin

68

Christopher Nolan

83

Danny Boyle

88

Danny DeVito

91

Darren Aronofsky

94

David Fincher

97

David Lynch

100

David Mamet

109

David Wark Griffith

110

Eliseo Subiela

114

Emir Kusturica

115

Federico Fellini

119

Francis Ford Coppola

125

Frank Capra

139

Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo

144

Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes

146

Licencias de artículos Licencia

148

Akira Kurosawa

1

Akira Kurosawa Akira Kurosawa

Akira Kurosawa Nacimiento

Shinagawa, Tokio, Japón 23 de marzo de 1910

Fallecimiento

Setagaya, Tokio, Japón 6 de septiembre de 1998 (88 años) Familia

Cónyuge

Yôko Yaguchi (1921-1985) Premios

Premios Óscar

Mejor película de habla no inglesa 1951 Rashōmon 1975 Dersu Uzala Óscar Honorífico 1989 Premio a la Trayectoria Profesional

Premios BAFTA

Mejor director 1980 Kagemusha Mejor película de habla no inglesa 1986 Ran

Festival de Cannes Palma de Oro 1980 Kagemusha Otros premios

León de Oro - Festival de Venecia 1951 Rashōmon Ficha

[1]

en IMDb

Akira Kurosawa (Kyūjitai: 黒 澤 明, Shinjitai: 黒 沢 明 Kurosawa Akira?, 23 de marzo de 1910—6 de septiembre de 1998) fue uno de los más célebres directores de cine de Japón. Comenzó su carrera con Sugata Sanshiro (La leyenda del gran Judo), dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon[2] o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria.

Infancia y juventud Akira fue el séptimo hijo de Isamu y Shima Kurosawa. Nace el 23 de marzo en el distrito de Omori en Tokio. Shima Kurosawa, la madre, tenía cuarenta años cuando nació Akira, y su padre Isamu, cuarenta y cinco. Akira Kurosawa creció en una casa llena de parientes, ocupada por sus padres, uno de sus hermanos mayores y tres de sus hermanas. De los hermanos restantes, uno había fallecido antes de que naciera Akira, y otros dos (uno de los hermanos y una de las hermanas) ya se habían independizado.

Akira Kurosawa Su madre era una mujer abnegada a la que no le importaba sacrificarse por su marido y sus hijos. Procedía de una familia de comerciantes de Osaka. Su padre era el director de un instituto del ejército japonés, y la propia familia Kurosawa descendía de una línea de antiguos samuráis. Desde el punto de vista económico, su situación era superior a la media. Kurosawa era un admirador de la cultura occidental, tanto en los programas deportivos que organizaba, como en su afición al cine, que acababa de ser introducido en Japón en aquella época. Incluso cuando más adelante la cultura japonesa renegó de las películas occidentales, siguió pensando que constituían una experiencia educativa positiva. En la escuela primaria comenzó a dibujar bajo la tutela de un profesor que se interesó por su talento. Su hermano mayor, Heigo, tuvo también un profundo impacto en él: Heigo era muy inteligente, ganó varias competiciones académicas, pero tenía también lo que podría denominarse un "lado oscuro" o "cínico". En 1923, el gran terremoto de Kantō destruyó Tokio y mató a más de 100.000 personas. Heigo, de 17 años, y Akira, de 13, pasearon juntos entre la devastación. Los cadáveres de humanos y animales se apilaban en cualquier rincón. Cuando Akira intentó apartar la vista, su hermano Heigo le obligó a sostenerla. Kurosawa recordaría más tarde que esta experiencia le enseñó que mirar de frente a lo que lo aterraba, era el modo de vencer su propio miedo. Heigo pronto comenzó una carrera en los cines de Tokio como benshi, o narrador de películas mudas para el público japonés. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro, el trabajo de los benshi comenzó a desaparecer, lo que llevó a Heigo a intentar organizar una huelga que fracasó. Akira también estaba implicado en las luchas de sindicatos, escribiendo varios artículos para un periódico, al mismo tiempo que perfeccionaba su destreza como pintor. A pesar de estas actividades, que el mismo calificaría de "imprudentes" más adelante, nunca se consideró a sí mismo como un "comunista". Cuando Akira acababa de cumplir los 20 años, su hermano Heigo se suicidó, y cuatro meses más tarde murió el mayor de sus hermanos, dejando a Akira como el único hijo varón sobreviviente. La hermana inmediatamente mayor de Akira, a la que él llamaba "pequeña hermana mayor", también había muerto repentinamente cuando él sólo tenía diez años de edad.

El comienzo de su carrera En 1938 Kurosawa se enteró de la existencia de un programa de aprendices de director, en un gran estudio de cine, Tōhō. Fue contratado y trabajó como ayudante del director Kajiro Yamamoto. Después de su debut tras las cámaras con Sanshiro Sugata (La leyenda del gran judo), sus siguientes películas fueron cuidadosamente supervisadas por el belicista gobierno japonés, e incluyeron frecuentemente temas nacionalistas. Así por ejemplo, Ichiban utsukushika (La más bella) era una película de propaganda sobre unas mujeres trabajando en una fábrica militar. También la segunda parte de la saga de "el gran Judo" ha sido interpretada como una película explícitamente anti-estadounidense, por retratar al judo japonés como superior al boxeo estadounidense u occidental. En cambio, su primera película post-bélica, Waga seishum ni kuinashi (No añoro mi juventud) es crítica con el anterior régimen japonés, ya que trata sobre la mujer de un disidente izquierdista, arrestado por sus tendencias políticas. En Vivir (Ikiru), por ejemplo, Kurosawa critica fuertemente a los funcionarios públicos y sus políticas, así como la forma en que malgastan el tiempo. Kurosawa hizo muchas otras películas que trataban del Japón de su tiempo, en especial Yoidore tenshi (El ángel borracho) o Nora inu (El perro rabioso). Sin embargo, sería una película de género policial, Rashōmon la que le haría conocido internacionalmente, al ganar el León de Oro en el Festival de cine de Venecia en 1951.[3]

2

Akira Kurosawa

Kurosawa, director de cine Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de 1950, y que le había dado a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. También le gustaba usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era el empleo de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre). Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (literalmente, "El Emperador"), por su estilo dictatorial como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película. Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren. Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solucionarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto eran granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje. Kurosawa también pensaba que una música "acabada" no pegaba en el cine. Al elegir una pieza musical para acompañar a una escena, solía reducirla a un solo elemento (por ejemplo, sólo trompetas). Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más "acabada".

Influencias Un aspecto notable de las películas de Kurosawa es la amplitud de sus influencias artísticas. Algunas de sus películas son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Ran está basado en El rey Lear, y Trono de sangre en Macbeth, mientras que Warai yatsu hodo yoku nemuru, (Los canallas duermen en paz) tiene ciertos paralelismos con Hamlet, aunque no está claro que se base en ella. Kurosawa también dirigió adaptaciones de obras literarias rusas, incluyendo El Idiota de Fiodor Dostoievski o Donzoko (Los bajos fondos) una obra de Máximo Gorki. Ikiru (Vivir) trata hasta cierto punto las mismas cuestiones que el cuento, o novela corta, de León Tolstoi La muerte de Iván Ilich. Algunos de los hilos argumentales de Barbarroja pueden encontrarse en Humillados y Ofendidos de Fiodor Dostoievski. Tengoku to jigoku (El infierno del odio) toma ideas de la obra King's Ransom del escritor policíaco estadounidense Ed McBain, Yojimbo (El mercenario) guarda relaciones con La Cosecha Roja de Dashiell Hammett y también en los western.

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Akira Kurosawa El perro rabioso se inspira en las novelas de detectives del belga Georges Simenon. El germen de Los siete samuráis se encuentra en la tragedia clásica griega de Esquilo Los siete contra Tebas. El director estadounidense John Ford también tuvo una importante influencia en su obra. Aunque algunos críticos japoneses acusaron a Kurosawa de ser "demasiado occidental", también estaba profundamente influido por la cultura de su país, sobre todo por el teatro Kabuki y Noh, y del género Jidaigeki del cine japonés.

Su influencia Sus películas han tenido una gran influencia en el cine mundial, y todavía inspiran a muchos directores. Por ejemplo, se han hecho muchas versiones distintas de Los siete samuráis en diversos géneros cinematográficos o televisivos, como el western, la ciencia ficción el cine de artes marciales o el anime. Las revisiones más importantes de esta película, que mantienen la estructura narrativa básica, incluyen Los siete magníficos, dirigida por John Sturges en 1960, Beach of the War Gods de 1973, Battle Beyond the Stars de 1980 (cuyo título se tradujo al español como Los siete magníficos del espacio), Mundo Salvaje, dirigida por Lee Katzin en 1988, o Saat Hindustani de 1969, dirigida por Khwaja Ahmad Abbas y en la que debutó Amitabh Bachchan. Hay otras películas que se basan más libremente en el original de Kurosawa, incluyendo Los tres amigos o Bichos. Además, esta película también ha inspirado dos películas de Hollywood y numerosas novelas, entre ellas la quinta novela de la serie La Torre Oscura de Stephen King, titulada Los lobos de Calla. Igualmente, una escena de Conan el Bárbaro (concretamente aquélla en que el narrador de la historia carga con las armaduras de los guerreros muertos y las ofrece a Conan para la batalla final de la película) parece estar inspirada en aquella otra del clásico de Kurosawa, en que los campesinos rescatan las armaduras de samuráis muertos, para poder enfrentarse a la nueva amenaza que se cierne sobre ellos. Rashōmon también fue revisitada por Martin Ritt en su película de 1964 The Outrage, titulada en español Cuatro confesiones. Las películas de Kollywood (filmadas en tamil) Andha Naal (1954) y Virumaandi (2004), emplean también recursos narrativos similares a los que Kurosawa emplea en Rashōmon. Yojimbo (El mercenario), por su parte, es la base de la película de Sergio Leone Por un puñado de dólares, la protagonizada por Bruce Willis titulada Last Man Standing (El último hombre) o el drama urbano de Boaz Yakin, Fresh. Kakushi toride no san-akunin (La fortaleza escondida) es una influencia reconocida en las películas de la saga La Guerra de las Galaxias de George Lucas, en particular en los Episodios IV (A New Hope) y VI (Return of the Jedi), y sobre todo en los personajes de C3PO y R2D2. Lucas también empleó en su saga la técnica cinematográfica de transiciones empleada por Kurosawa. Rashōmon no sólo logró hacer conocido el cine japonés en todo el mundo, sino que dio nombre a un tipo de narrativa fragmentada e inconsistente, conocida como el efecto Rashōmon. Además está considerada la primera película judicial de la historia del cine.

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Akira Kurosawa

Filmografía • • • • • • • • • • • • • • • •

Sugata sanshiro, 1943. (La leyenda del gran Judo) Ichiban utsukushiku, 1944. (La más bella) Zoku sugata sanshiro, 1945. (La nueva leyenda del gran Judo) Tora-no-o fumu otokotachi, 1945. (Los hombres que caminan sobre la cola del tigre) Asu o tsukuru hitobito, 1946. (Los que construyen el porvenir) Waga seishum ni kuinashi, 1946. (No añoro mi juventud) Subarashiki nichiyobi, 1947. (Un domingo maravilloso) Yoidore tenshi, 1948. (El ángel ebrio) Shizukanara ketto, 1949. (Un duelo silencioso) Nora inu, 1949. (El perro rabioso) Shubun, 1950. (Escándalo) Rashōmon,[2] 1950 Hakuchi, 1951. (El idiota) Ikiru, 1952. (Vivir) Shichinin no samurai, 1954. (Los siete samuráis) Ikimona no kiroku, 1955. (Crónica de un ser vivo)

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Kimonosu-jo, 1957. (Trono de sangre) Donzoko, 1957. (Los bajos fondos) Kakushi toride no san-akunin, 1958. (La fortaleza escondida) Warai yatsu hodo yoku nemuru, 1960. (Los canallas duermen en paz) Yojimbo, 1961. (El mercenario) Tsubaki Sanjuro, 1962. (Sanjuro) Tengoku to jigoku, 1963. (El infierno del odio) Akahige, 1965. (Barbarroja / Bondad humana) Dodes ka-den, 1970. Dersu Uzala, 1975. (El cazador) Kagemusha, 1980. (La sombra del guerrero) Ran, 1985. (Caos) Los Sueños, de Akira Kurosawa, 1990. (Sueños) Hachi-gatsu no kyōshikyoku, 1991. (Rapsodia en Agosto) Madadayo, 1992. (Espera un poco / Todavía no)

Premios Óscar

5

Akira Kurosawa

6

Año

Categoría

Película

Resultado

1975 Óscar a la mejor película extranjera Dersu Uzala Ganador 1985 Óscar al mejor director 1990 Óscar Honorífico

Ran

Candidato Ganador

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000041 [2] "El 'efecto Rashomon'. Análisis filosófico para el centenario de Akira Kurosawa" de G. Mayos (UB). (http:/ / www. ub. es/ histofilosofia/ gmayos/ 0altres. htm) [3] Cousins, M. (2005) (en español). Historia del Cine. Barcelona, España: Ediciones Blume. pp. 514. ISBN 84-8076-562-3.

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Akira Kurosawa. Commons • Ficha de Akira Kurosawa en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000041) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000041) en Internet Movie Database. • "Akira Kurosawa para cinéfilos", Revista Japan Next Nº32 (http://www.japannext.com.ar/anteriores/ japannext_32.pdf) • El 'efecto Rashomon'. Análisis filosófico para el centenario de Akira Kurosawa" (http://www.ub.es/ histofilosofia/gmayos/0altres.htm) de G. Mayos (http://www.ub.edu/histofilosofia/gmayos/0index.html) (UB), Revista Convivium, nº 23, 2010. • "Akira Kurosawa cine en corto", video realizado por estudiantes de cine como tributo al maestro kurosawa (http:/ /www.youtube.com/watch?v=vvNHPw_Lc9c)

Alan Parker

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Alan Parker Alan Parker

Alan Parker, Varsovia (Polonia), 15 de octubre de 2005 Nacimiento

Islington, Londres, Inglaterra 14 de febrero de 1944 (68 años) Premios

Premios BAFTA

Mejor director 1978 Midnight Express 1991 The Commitments

Festival de Cannes

Gran Premio del Jurado 1985 Birdy

Sir Alan William Parker, CBE (nacido el 14 de febrero de 1944) es un director y productor de cine, escritor y actor inglés. Se ha encontrado activo tanto en la industria del cine del Reino Unido como en la de Hollywood y fue uno de los fundadores del Director's Guild de Gran Bretaña.

Biografía Nació en el seno de una familia de clase obrera. Su madre, Elsie Ellen, era modista y su padre, William Leslie Parker, un pintor de casas.[1] Asistió a la escuela secundaria fundada en Islington por Dame Alice Owens. En los años de la década de 1960 dejó los estudios. Fue contratado en agencias de publicidad como redactor. Pronto se encargó de dirigir la filmación de los anuncios. Sus trabajos más famosos y duraderos en esa época surgieron cuando trabajaba para la agencia Collett, Dickenson y Pearce de Londres. Por ejemplo, el anuncio para la casa de vermuts Cinzano, protagonizado por Leonard Rossiter y Joan Collins y exhibido en el Reino Unido. Sus comienzos en el cine coinciden con su encuentro con el productor David Puttnam, quien produjo en 1971 la película Melody, uno de cuyos guionistas era Parker. En lo sucesivo, Puttnam produciría varios films de Parker, incluyendo el Expreso de Medianoche (1978), que supuso su despegue como director, y que es una película ambientado en una cárcel turca, que le granjeó el elogio de la crítica y que fue elegido aspirante a varios premios Óscar de la academia de Hollywood, entre ellos los de «Mejor Director» y «Mejor Película». Más tarde, Parker volvería a ser nombrado aspirante al premio a Mejor Director por Mississippi Burning (1988). También ha dirigido algunos musicales, tales como Bugsy Malone (1976), Fama (1980), Pink Floyd The Wall (1982), The Commitments (1991) y, en 1996, Evita. Fue nombrado Caballero del Imperio Británico en la ceremonia correspondiente al año 2002. También recibió en 2005 un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes por la Universidad de Sunderland, cuyo rector es David Puttnam. Parker es un seguidor del club de fútbol Arsenal.[2]

Alan Parker

Filmografía • 1976: Bugsy Malone, el nieto de Al Capone: su primera película. Fue nominada a ocho premios de la Academia Británica de cine, de los cuales recibió cinco.Es una película musical sobre gángsters que son niños. No hay balas, sino pistolas de crema. Intérpretes: Scott Baio, Jodie Foster, Florrie Dugger, John Cassisi, Martin Lev, Patrick Dempsey, Paul Murphy, Andrew Paul. • 1978: El expreso de medianoche obtuvo dos Oscar, de las 6 nominaciones, y seis Globos de Oro. Después de trasladarse a Los Ángeles (California), le presentaron a un joven y desconocido guionista, llamado Oliver Stone. Con Expreso de medianoche, Parker se dio cuenta del poder que tiene una película para conmover al público. • 1980: Fama: consiguió dos Oscar de las seis nominaciones, y seis Globos de Oro. Dio lugar a una serie TV de gran éxito. • 1981: Después del amor: Le resultó difícil por que le evocaba la ruptura de su propio matrimonio. • 1982: Pink Floyd, The Wall: a Alan Parker, el aspecto visual de la película le interesó mucho más que el mensaje. • 1984: Birdy, que recibió el premio especial del Festival de Cannes. Con Matthew Modine y Nicolas Cage (dos actores hasta entonces desconocidos). • 1987: El corazón del ángel. Con Mickey Rourke y Robert De Niro. Fue clasificada como película X inicialmente en EE. UU., que obligó a recortar algunas escenas. Es una extraordinaria mezcla de cine negro y santería. • 1988: Mississippi Burning, con Gene Hackman y William Dafoe. Siete nominaciones a los Oscar. Recibió tres premios de la academia británica. Interesante película sobre el racismo. • 1990: Bienvenido al paraíso, con Dennis Quaid. Alan Parker insistió con el tema de esta película porque le parecía que no había dicho todo lo que quería sobre el racismo. • 1991: The Commitments: recibió el premio al mejor director en el festival de Tokio. Recibió cuatro premios de la Academia Británica. • 1994: El balneario de Battle Creek: escrita y dirigida por Alan Parker. Interpretada por Anthony Hopkins, Bridget Fonda, Matthew Broderick y John Cusack. Según comentó, la hizo porque le apetecía hacer una película divertida. • 1996: Evita: adaptación del musical de Andrew Lloyd Webber. Escrita, dirigida y producida por Alan Parker, quien quería hacer una ópera teatral. Protagonizada por Madonna y Antonio Banderas. Ganó tres Globos de Oro (uno de ellos, para Madonna) y el Oscar a la mejor canción original (You must love me, añadida para la película). Fue nominada a otras cuatro estatuillas. Aunque rodada en buena parte en exteriores, y por tal sin las limitaciones del teatro, siguió al pie de la letra las canciones, sin diálogos adicionales. La música se grabó antes del rodaje, y los actores debían hacer sus papeles siguiendo el playback. • 1999: Las cenizas de Ángela: con Emily Watson y Robert Carlile. Pasó de la grandiosidad de Evita a la sencillez de esta película. Pero no fue menos difícil, porque en ésta tenía que trabajar con niños. Según el propio director, «trataba de hacer cosas diferentes, porque la variación mantiene fresca la creatividad». • 2003: La vida de David Gale, con Kevin Spacey y Kate Winslet. Un alegato contra la pena capital, fue un fracaso en taquilla. Los críticos tampoco estuvieron satisfechos con este ejercicio fílmico.

Referencias [1] Alan Parker Biography (1944-) (http:/ / www. filmreference. com/ film/ 32/ Alan-Parker. html) [2] dolby.com. « Dolby - Interview with Sir Alan Parker – Bugsy Malone, Evita, Fame (http:/ / www. dolby. com/ consumer/ motion_picture/ interviews_8. html)» (HTML). Consultado el 31 de marzo de 2010.

Enlaces externos • Ficha de Alan Parker en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000570) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000570) en Internet Movie Database.

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Alejandro Amenábar

9

Alejandro Amenábar Alejandro Amenábar Nombre real

Alejandro Fernando Amenábar Cantos

Nacimiento

Santiago, Chile 31 de marzo de 1972 (40 años)

Nacionalidad Ocupación

Director Guionista Premios

Premios Óscar Mejor película de habla no inglesa 2004 Mar adentro Ficha

[1]

en IMDb

Alejandro Fernando Amenábar Cantos, más conocido como Alejandro Amenábar (Santiago, Chile, 31 de marzo de 1972), es un compositor, guionista y director de cine chileno-español.[2] La totalidad de su carrera cinematográfica se ha desarrollado en España. Ha ganado nueve premios Goya y un Óscar. Ha escrito los guiones de sus cinco películas y ha compuesto casi todas sus bandas sonoras.

Biografía Infancia y juventud Es hijo del chileno Hugo Ricardo Amenábar y la española Josefina Cantos. En la actualidad, mantiene la doble nacionalidad, chilena y española.[2] Su padre trabajaba como técnico en la General Electric, mientras que su madre, Josefina, se dedicaba al hogar y al cuidado de sus hijos. Alejandro es el pequeño de dos hermanos varones; el mayor, Ricardo, nació el 4 de diciembre de 1969. Su madre había sido invitada por su hermana mayor, quien había trasladado su residencia a la capital chilena, y ahí fue donde conoció a Hugo, con quien un tiempo después contrajo matrimonio. En agosto de 1973, dos semanas antes del golpe de estado de Augusto Pinochet, Alejandro, con solo un año de vida, y su familia emigraron a España y se instalaron en Madrid.[2] A su llegada a la capital se instalaron en una caravana de cámping, pero cuando Alejandro tuvo seis años cambiaron su residencia a una urbanización en las afueras de la localidad de Paracuellos del Jarama (Madrid).

Estudios Alejandro comenzó sus estudios en el colegio de los Padres Escolapios de Getafe. En segundo de BUP trasladó sus estudios al Instituto Alameda de Osuna, en la zona noreste de Madrid. En un principio este instituto no era el que se correspondía a la zona donde residía Alejandro; sin embargo, sus padres muy preocupados por su educación decidieron matricularle en dicho centro puesto que era conocido como uno de los mejores[cita requerida]. Es bien reconocida su faceta como estudiante. Pese a su edad, ni Alejandro ni su hermano eran grandes consumidores de televisión. Sus padres ponían mucho cuidado en esto y su tiempo libre lo dedicaba sobre todo al cine en pantalla grande, al que acudió desde los quince años de edad. Además del cine, su otra pasión era escribir relatos y leer historias juveniles. Según su madre, Alejandro tenía la capacidad de absorber todo lo que leía. De su faceta como compositor se puede decir que desde pequeño compuso melodías con el teclado y la guitarra con la misma fluidez que al escribir historias.

Alejandro Amenábar Antes de su ingreso en la facultad, trabajó como reponedor en un almacén y como jardinero hasta que pudo comprarse una cámara de vídeo doméstico. No concebía iniciar sus estudios universitarios de imagen sin haber tocado antes una cámara. Por eso, cuando entró en la Facultad de Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid y vio la poca práctica que tenían los alumnos con las cámaras decidió emprender su aprendizaje en solitario. Lo positivo de su paso por la universidad fue el encuentro con gente que, más adelante, se convertirían en personas muy importantes a lo largo de su carrera (es el caso de Sergio Rozas y Carlos Montero, a través del cual conoció a Eduardo Noriega). Allí conoció también a Mateo Gil, amigo y compañero, con el que realizó un pacto en el que siempre contarían el uno con el otro a la hora de realizar todos sus proyectos.

Carrera cinematográfica Entre 1991 y 1995 realizó 4 cortometrajes que de un modo muy significativo influirán en sus primeros largometrajes. La cabeza (corto), Himenóptero (corto) y Luna tienen sus hermanos mayores en Tesis, Mar adentro y Abre los ojos. Aprende música de un modo autodidacta para poder musicalizar sus cortometrajes. En 1993 trabajó estrechamente con Guillermo Fernández Groizard y realizó la música y premezclas de "Al lado del Atlas", cortometraje de alumnos de Metrópolis c.e., de hecho parece ser que regaló su primera composición para el tema principal de Tesis al mencionado cortometraje. El hecho de conocer a José Luis Cuerda fue un momento decisivo en su biografía. Un compañero de José Luis Cuerda le entregó el corto de Himenóptero, para que éste le diera su opinión. A partir de entonces, Cuerda se interesa por el guion de la futura película Tesis (1995), y se convirtió en su productor de ésta y de las dos siguientes. "Tesis" es un thriller ambientado en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Consiguió llamar la atención de la crítica en el Festival de Cine de Berlín y obtuvo 7 Goyas, incluidos el de Mejor Película y Mejor Director Novel. En 1997 realizó Abre los ojos, una película de ciencia ficción e intriga psicológica que se hizo con un notable éxito de crítica en festivales internacionales como los de Berlín o Tokio. Impresionado por la película, Tom Cruise adquirió los derechos de adaptación y produjo y protagonizó un remake, Vanilla Sky. Su tercer largometraje fue Los otros, protagonizado por Nicole Kidman. Consiguió un gran éxito de crítica y público a nivel internacional, especialmente en España, donde fue la película más vista del año, y también en los Estados Unidos, donde se mantuvo durante varias semanas entre las más vistas. Se estrenó en la sección oficial del Festival de Venecia de 2001, consiguió ocho premios Goya, incluidos el de Mejor Película y Mejor Director, y fue candidata al Premio de la Academia de Cine Europeo a la mejor película. En 2004 presentó Mar adentro, un relato de la vida real del tetrapléjico Ramón Sampedro (interpretado por Javier Bardem), donde abordaba temas como la eutanasia, el aborto o "el derecho a una vida digna". La película ganó 14 goyas, incluidos el de mejor película y mejor director, y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 2004. En 2008 preparó su siguiente película, inicialmente titulada Mists of Time y que finalmente se llamó Ágora. Tiene por estrellas protagonistas, entre otros, a Rachel Weisz y a Max Minghella y se estrenó el 9 de octubre de 2009. Con un presupuesto de 50 millones de euros es la película española más cara de la historia. Amenábar es también el compositor de la banda sonora de sus películas, así como de otras como La lengua de las mariposas y Nadie conoce a nadie.

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Alejandro Amenábar

Vida personal Amenábar ha sido siempre muy discreto y celoso de su intimidad. En 2004, cuando se estrenaba Mar adentro, se produjo su salida del armario. Los diarios y publicaciones españoles se hicieron eco de ello; el director, a propósito de su aparición en las portadas de las revistas gays Zero y Shangay, declaró en una entrevista: «Yo no quiero que nadie entre en mi intimidad. Pero ni puedo ni quiero negarme a una entrevista en cualquier revista y tampoco quiero negarme a dar la cara por los gays, creo que contribuye a normalizar la situación y además no quiero entrar en el juego ambiguo del sí pero no. Es tan fácil como decir que eres gay y ya está».[3]

Valoración Aunque es un autor de gran popularidad, Amenábar no ha escapado de las críticas más duras. El crítico Jordi Costa lo considera el epítome de un modelo cinematográfico basado en el simulacro del talento, la competencia técnica y la asfixia de lo dionisíaco.[4][5][6]

Influencias El cine de Alejandro Amenábar muestra la influencia de diversas fuentes literarias y cinematográficas, como el propio autor ha reconocido en alguna ocasión. Ha declarado su admiración por los grandes cineastas que han cultivado más y mejor géneros como el thriller, el suspense, la intriga o la ciencia-ficción, entre otros, admira a Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Jacques Tourneur, Stanley Kubrick o Roman Polanski. • La inspiración de su largometraje Los otros se puede rastrear con facilidad en Otra vuelta de tuerca, el relato de Henry James;[7] • De Tesis, thriller con el que debutó, se ha dicho que tiene un claro antecedente en El fotógrafo del pánico del director británico Michael Powell;[8] • En Abre los ojos se reflejan elementos argumentales y narrativos de Plan diabólico, de John Frankenheimer, o de la obra maestra de Orson Welles, Ciudadano Kane, así como de la novela de Philip K. Dick, Ubik, escrita 30 años antes [cita requerida].

Filmografía Como director • • • • • • • • •

1991 - La Cabeza (cortometraje) 1992 - La extraña obsesión del Doctor Morbius (cortometraje) 1992 - Himenóptero (cortometraje) 1994 - Luna (cortometraje) 1996 - Tesis 1997 - Abre los ojos 2001 - Los otros 2004 - Mar adentro 2009 - Ágora

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Alejandro Amenábar

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Como guionista • • • • • • • • •

1991 - La Cabeza (cortometraje) 1992 - La extraña obsesión del Doctor Morbius (cortometraje) 1992 - Himenóptero (cortometraje) 1994 - Luna (cortometraje) 1996 - Tesis 1997 - Abre los ojos 2001 - Los otros 2004 - Mar adentro 2009 - Ágora

Como productor • 2004 - Mar adentro • 2010 - El mal ajeno

Como compositor • • • • • • • • •

1991 - La extraña obsesión del Doctor Morbius (cortometraje) 1992 - Himenóptero (cortometraje) 1994 - Luna (cortometraje) 1996 - Tesis 1997 - Abre los ojos 1999 - La lengua de las mariposas 1999 - Nadie conoce a Nadie 2001 - Los otros 2004 - Mar adentro

Como actor • • • • • •

1991 - La Cabeza 1992 - La extraña obsesión del Doctor Morbius 1992 - Himenóptero 1994 - Luna 1997 - Abre los ojos (cameo) 2009 - Spanish Movie (cameo)

Premios Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

2005 Mejor película de habla no inglesa Mar adentro Ganador

Premios Globo de Oro Año

Categoría

Película

Resultado

2005 Mejor película en lengua no inglesa Mar adentro Ganador

Premios BAFTA

Alejandro Amenábar

13 Año

Categoría

Película Resultado

2001 Mejor guion original Los otros Nominado

Premios Goya Año

Categoría

Película

Resultado

2009 Mejor película

Ágora

Candidata

2009 Mejor director

Ágora

Candidata

2009 Mejor guion original

Ágora

Ganador

2004 Mejor película

Mar adentro

Ganador

2004 Mejor director

Mar adentro

Ganador

2004 Mejor guion original

Mar adentro

Ganador

2004 Mejor música original Mar adentro

Ganador

2001 Mejor película

Los otros

Ganador

2001 Mejor director

Los otros

Ganador

2001 Mejor guion original

Los otros

Ganador

2001 Mejor música original Los otros

Candidato

1999 Mejor música original La lengua de las mariposas Candidato 1998 Mejor película

Abre los ojos

Candidato

1998 Mejor director

Abre los ojos

Candidato

1998 Mejor guion original

Abre los ojos

Candidato

1996 Mejor película

Tesis

Ganador

1996 Mejor director novel

Tesis

Ganador

1996 Mejor guion original

Tesis

Ganador

Premios del cine europeo Categoría

Película

Mejor película europea

Resultado Nominada

Mejor director europeo Mar adentro Ganador

Premios Independent Spirit Año

Categoría

Resultado

2004 Mejor película extranjera Ganador

Otros premios • En 2011 recibe una Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid. • En 1994 su tercer corto Luna recibe el Premio Luis García Berlanga al mejor guion y premio a la mejor banda sonora de la AICA. • En 1992 Himenóptero consigue el Premio al mejor corto en los festivales cinematográficos de Elche y Carabanchel. • En 1991 recibe el Premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA) por su primer cortometraje La cabeza.

Alejandro Amenábar

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Colaboradores habituales Actores

Tesis Abre los Ojos Los otros Mar adentro Ágora

Joserra Cadiñanos

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Fele Martínez

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Eduardo Noriega

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Walter Prieto

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Escritores Mateo Gil

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Productores José Luis Cuerda Fernando Bovaira

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Directores de fotografía Hans Burman

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Javier Aguirresarobe Montadores María Elena Sáinz de Rozas Nacho Ruiz Capillas

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Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0024622 [2] « Biografía de Alejandro Amenábar (http:/ / www. biografiasyvidas. com/ biografia/ a/ amenabar. htm)» (HTM). www.biografiayvidas.com (2012). [3] Sempere, Antonio (2004) (en español). Amenábar, Amenábar (http:/ / books. google. es/ books?id=F8myJlWw1QAC& lpg=PA46& dq=alejandro amenabar gay& pg=PA46#v=onepage& q& f=false). Editorial Club Universitario. pp. 46. ISBN 9788484543800. . [4] Costa, Jordi y Darío Adanti (2009). Mis problemas con Amenábar. Barcelona: Glénat España. ISBN 9788483579732. [5] ABC (6 de octubre de 2009). « El crítico Jordi Costa critica duramente a Alejandro Amenábar en su última obra (http:/ / www. abc. es/ 20091006/ cultura-cine/ critico-jordi-costa-critica-200910062226. html)» (HTML). www.abc.es. Consultado el 20 de mayo de 2012. [6] Brito, Sara (10 de octubre de 2009). « Amenábar, enemigo número uno del cine (http:/ / www. publico. es/ culturas/ 259311/ amenabar-enemigo-numero-uno-del-cine/ version-imprimible)». www.publico.es. Consultado el 20 de mayo de 2012. [7] García, Lorena (s/f). « Amenábar, joven talento (http:/ / www. lanacion. com. ar/ 341578-amenabar-joven-talento)». www.lanacion.com.ar. Consultado el 19 de junio de 2008. [8] « El fotógrafo del pánico (http:/ / www. decine21. com/ Peliculas/ El-fotografo-del-panico-3303)». www.decine21.com (2012). Consultado el 19 de junio de 2008.

Enlaces externos • Ficha de Alejandro Amenábar en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0024622) y en español (http:// www.imdb.es/name/nm0024622) en Internet Movie Database. • Página oficial (http://www.amenabar.com) • Biografía, filmografía y Fotos en Biosstars (http://www.biosstars-mx.com/a/alejandro_amenabar.html) • Monográfico sobre Amenábar en la revista Babab (http://www.babab.com/no28/amenabar.php) • “La pantalla especular: Una lectura metatextual del cine de Alejandro Amenábar.” (http://www.sjuannavarro. com/files/amenabarmetatextualidad.pdf) Artículo de Santiago Juan-Navarro en Letras Peninsulares 16.1 (2003): 371-84. •

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Alejandro González Iñárritu

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Alejandro González Iñárritu Para otros usos de este término véase Alejandro González (desambiguación). Alejandro González Iñárritu

Alejandro González Iñárritu en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2006. Nombre real

Alejandro González Iñárritu

Nacimiento

Ciudad de México (México, D. F.) 15 de septiembre de 1963 (48 años) Premios

Premios BAFTA

Mejor película de habla no inglesa 2001 Amores Perros

Festival de Cannes

Mejor director 2006 Babel

Alejandro González Iñárritu es un director de cine mexicano, nacido el 15 de agosto de 1963. Es el primer director mexicano en ser nominado por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood y por la Director's Guild of America (DGA) como Mejor Director. Ganador del premio como Mejor Director en la edición 2006 del Festival Internacional de Cine de Cannes, como lo hiciera unas décadas antes el director mexicano Emilio «el Indio» Fernández. Sus cuatro películas: Amores Perros (2000), 21 Gramos (2003), Babel (2006) y Biutiful (2010), han sido aclamadas por la crítica a nivel mundial, incluyendo diez nominaciones al Óscar.

Primeros años Nacido en la Ciudad de México, sus padres fueron Héctor González Gama y Luz María Iñárritu. Creció en la colonia Narvarte, un barrio de clase media cerca del centro de la Ciudad de México. Su padre fue un rico banquero pero cuando Alejandro tenía 5 o 6 años se declaró en bancarrota y lo perdió todo. Alejandro dice que su padre fue su inspiración porque se hizo cargo de su familia “con la virtud de un guerrero”. Su padre comenzó su propio negocio, comprando frutas y verduras en la Central de Abasto para venderlas en restaurantes. A pesar de enfrentar algunas dificultades económicas, Alejandro tuvo una infancia feliz. De adolescente, primero a los 17 y después a los 19 años, cruzó el Atlántico en un barco carguero donde trabajó limpiando pisos y engrasando máquinas. La segunda vez, se quedó en Europa y África por un año sobreviviendo con sólo 1,000 dólares. Atribuye a estas experiencias físicas e intelectuales como la mayor influencia en su trabajo. También considera que la lectura de escritores existencialistas clásicos durante este período de su adolescencia influyó posteriormente de gran manera en su posterior trabajo fílmico. Estudió la carrera de Comunicación en la Universidad Iberoamericana mientras, de forma simultánea, comenzaba su carrera como locutor de radio en 1984 en la estación mexicana de radio WFM. En 1986 llegó a ser el director de esta estación de rock y música ecléctica, llegando a ser, durante 5 años, la estación de radio número uno en la Ciudad de México dirigida a audiencias jóvenes. De 1987 a 1989 compuso seis temas para seis películas mexicanas. Se llama a sÍ mismo “un músico frustrado” y la música ha tenido más influencia en él que las películas. Estudio teatro con el Director Ludwik Margules, muy bien conocido en el medio. Poco después estudio dirección de actores en Maine y

Alejandro González Iñárritu Los Ángeles bajo las órdenes de Judith Weston. En los años noventa creó Z Films con Raúl Olvera con la finalidad de empezar a escribir, producir y dirigir películas, cortos, audiovisuales, anuncios y programas de televisión. En 1995 Z Films llegó a ser una de las más grandes y fuertes productoras de cine en México creada por 7 jóvenes directores en ese entonces quienes, después llegaron a dirigir películas.

Camino a la fama Alejandro escribió, produjo y dirigió un capítulo para la serie de Televisión llamada “Detrás del Dinero” que fue transmitido a nivel nacional estelarizado por el actor y cantante español Miguel Bosé. Conoció a Guillermo Arriaga y después de tres años y 36 borradores, con el escritor, termino con tres historias que se convirtieron en una película: Amores perros (2000) presentando a Gael García Bernal en su primer papel protagónico en cine. Esta valiente Mirada a la parte más vulnerable de la vida en México le ganó una nominación al Oscar como Mejor Película Extranjera así como un premio en los BAFTA como “Mejor Película en idioma extranjero”, el Premio de la semana de la Crítica del Festival de Cannes 2000 y el Young Critics Award. Ha sido la película más premiada de ese año con 60 premios en festivales alrededor del mundo. González Iñárritu realizó un corto (Powder Keg) para la primera campaña en Internet que realizo la BMW titulada The Hire. Otros cortos fueron realizados por Ang Lee, Wong Kar Wai, Guy Ritchie y John Frankenheimer. La campaña fue premiada con el Grand Prix en el Festival de Cannes de publicidad. Mas tarde Iñárritu dirigió un segmento de la película independiente 11'09"01 September 11 (2002), un colectivo de la influencia del 9-11 en el mundo, junto con Claude Lelouch, Shohei Imamura, Ken Loach, Mira Nair, Amos Gitai y Sean Penn. La película se estreno en el Festival de Venecia en el 2002.

Rumbo a Hollywood Después de Amores perros, González Iñárritu dirigió su segunda película en los Estados Unidos titulada 21 gramos. Otra vez escrita por Guillermo Arriaga basada en una idea de ambos, protagonizada por Benicio del Toro, Naomi Watts y Sean Penn. En los Oscares del 2004 Del Toro y Watts recibieron nominaciones por sus actuaciones. Su proyecto Babel se conformó de cuatro historias situadas en Marruecos, México, Estados Unidos y Japón, con cuatro diferentes marcos. La película fue estelarizada por Brad Pitt y Cate Blanchett pero presentando todo un elenco de no-actores y nuevos actores tales como Adriana Barraza y Rinko Kikuchi. Fue presentada en el Festival de Cannes 2006 dónde González Iñárritu ganó el premio a Mejor Director (Prix de la mise en scene). Babel fue estrenada en el 2006 y recibió 7 nominaciones a los Oscares en la Edición 79 de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Se presentó en el Festival de Cannes 2006. Gustavo Santaolalla ganó ese año por su trabajo en Babel en la categoría de Mejor Música Original. Babel ganó como Mejor Película en la categoría de Drama en los Globos de Oro en Enero 15 del 2006. En el 2006, Arriaga y González Iñárritu tuvieron un rompimiento cuando Arriaga comenzó una campaña personal expresando que los escritores no solamente deberían tener crédito de Guionistas (como el lo tenia ) sino también crédito como autor de la película junto con el Director, González Iñárritu reiteró que alguien que nunca había puesto un pie en el set o haya creado o dirigido una imagen de la película pueda reclamar una autoría de un medio puramente audiovisual. Ya que la relación había terminado mucho antes de que se filmara Babel, el comportamiento de Arriaga terminó en su no invitación de parte de los productores a la premier de la película en el Festival de Cannes, fuentes de la industria aseguran que no volverán otra vez a trabajar juntos. En 2007 Iñárritu realizó el corto ANNA, el cuál fue estrenado en el Festival de Cine de Cannes 2007 como parte de la película “Cada Quien su Cine” (Chacun son cinéma). Fue parte de la celebración del 60 Aniversario de este Festival de Cine conformado por una serie de 33 cortos realizados por los más renombrados Directores del mundo tales como Roman Polanski, Abbas Kierostami, Los Hermanos Cohen, Theo Angelopoulos, David Cronenberg, Los Hermanos Dardenne, Manoel de Oliveria, Hou Hsiao Hsien, Aki Kaurismaki, Takeshi Kitano, David Lynch, Nanni

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Alejandro González Iñárritu Moretti, Gus Van Sant, Lars Von Trier, Wim Wenders, Zhang Yimou. En 2008 produjo la película “Rudo y Cursi”, una comedia-drama dirigida por Carlos Cuarón en donde Gael García Bernal y Diego Luna hacen el papel de hermanos y jugadores profesionales de futbol. En 2010 Iñárritu dirigió “Write the Future”, un comercial de futbol para la firma Nike con motivo del Mundial de Fútbol de 2010, protagonizado por jugadores tales como Didier Drogba, Wayne Rooney, Theo Walcott, Franck Ribéry, Ronaldinho, Cristiano Ronaldo, Fabio Cannavaro, Andrés Iniesta, Gerard Piqué, Cesc Fàbregas, Landon Donovan, Tim Howard, el jugador de tenis Roger Federer, el jugador de Basketbol Kobe Bryant, y el famoso personaje Homero Simpson, su colaborador de muchos años Gael García Bernal , entre otros. El comercial ganó el Grand Prix de la categoria Film en el Festival de Cannes de Publicidad en su edición 2011. Su última película Biutiful estelarizada por Javier Bardem fue premiada en Cannes en Mayo 17 del 2010 con el premio a Mejor Actor, premio compartido con Elio Germano por “La Nostra Vita”. Es su primera película en Español desde “Amores Perros” y ha sido seleccionada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de México para competir en la 83 Entrega de los Oscares. Ha sido nominada para los Globos de Oro en la categoría de Mejor Película Extranjera. Es una película altamente aclamada y de la que muchos dicen es su mejor trabajo hasta el momento.

Vida personal Vive en Los Ángeles, California con su esposa María Eladia Hagerman de González y sus dos hijos María Eladia y Eliseo

Filmografía • • • • • •

Detrás del dinero (1991) Amores perros (2000) 11'09"01 - September 11 (2002) 21 gramos (2003) Babel (2006) Biutiful (2010)

Enlaces externos • Alejandro González Iñarritu en Biosstars International [1] • Información de la película Amores Perros [2] • [3] Información de la película "Biutiful"

Referencias [1] http:/ / www. biosstars-mx. com/ a/ alejandro_gonzalez_inarritu. html [2] http:/ / movies. filmax. com/ amoresperros/ [3] http:/ / moviehola. blogspot. com/ 2010/ 03/ compleja-postproduccion-del-biutiful-de. html

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Alfonso Cuarón

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Alfonso Cuarón Alfonso Cuarón

Nombre real

Alfonso Cuarón Orozco

Nacimiento

Distrito Federal,  México 28 de noviembre de 1961 Familia

Cónyuge

Mariana Elizondo (1980 - 1993) Annalisa Bugliani (2001 - 2007) Premios

Premios Ariel Mejor Argumento Original 1992 - Sólo con tu pareja Ficha

[1]

en IMDb

Alfonso Cuarón Orozco (nacido en Ciudad de México, México, el 28 de noviembre de 1961) es un guionista, productor y director de cine mexicano. Es hermano de Carlos Cuarón y estuvo casado con la crítica de cine italiana Annalisa Bugliani. Se le considera uno de los cineastas mexicanos más prometedores de su generación, junto a otros como Guillermo del Toro o Alejandro González Iñárritu quienes también han conseguido trascendencia internacional en los últimos años. Cuarón comenzó dirigiendo una película independiente en su país natal pero el reconocimiento internacional le llegó con producciones norteamericanas como La princesita (basada en la obra de Frances Hodgson Burnett) y su cuarto largometraje, Y tu mamá también. Posteriormente dirigió proyectos de grandes presupuestos y bien recibidos por la crítica como Harry Potter y el prisionero de Azkaban y Children of Men.

Biografía Inicios Creció en una casa grande situada cerca de los Estudios Churubusco en la capital mexicana. Empezó a filmar a los 12 años cuando le regalaron su primera cámara. Durante sus estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos conoció a la futura madre de su hijo Jonás, al director Carlos Marcovich y al fotógrafo Emmanuel Lubezki. En el CUEC realizó un cortometraje llamado "Vengeance is mine"; la creencia popular dice que fue expulsado de ésta escuela debido a que el cortometraje estaba en inglés, cosa que resulta falsa. Cuarón no fue expulsado de la institución, sino que él decidió dejarla debido a que no recibió la autorización para que pudiera comercializar su cortometraje.

Alfonso Cuarón

Carrera en México Después de dejar la escuela, trabajó como empleado conserje en el Museo Nacional de Arte y luego como asistente de dirección en Nocaut (de José Luis García Agraz), entre otros filmes. Dirigió algunos episodios de la serie de suspenso de Televisa La Hora Marcada (fue en esta época cuando conoció a Guillermo del Toro). Guillermo se acercó a Cuarón y le dijo "Tu te robaste la historia de Stephen King", Cuarón contestó "Sí", a lo que Del Toro agregó "¿Y porqué si la historia de King era tan formidable, tu episodio apesta?"... Fue así como se hicieron amigos. Junto con su hermano Carlos escribió el guion para una película; pero el Instituto Mexicano del Cine (IMCINE) con fondos limitados le ofreció dirigir la película Sólo con tu pareja, ya que carecía de director. La película resultó un éxito y llamó la atención de productores de Hollywood que lo invitaron a trabajar en Estados Unidos.

Carrera en Estados Unidos En Hollywood solo dirigió algunos programas de televisión hasta que firmó un contrato con la Warner Brothers para dirigir Addicted to Love ("Adictos al amor") con Meg Ryan y Matthew Broderick. Al leer el guion de La princesita (A little princess) prefirió dirigir esta película a la que le habrían ofrecido. La película no fue un éxito taquillero pero fue nominada para varios Oscares. Después la 20th Century Fox le ofreció dirigir Great Expectations, el clásico de Charles Dickens. De vuelta en México, se asoció con el millonario hombre de negocios Jorge Vergara para crear Producciones Anhelo donde han producido varias cintas como Crónicas del director ecuatoriano Sebastián Cordero y estelarizada por Damián Alcázar y John Leguizamo, El Asesinato de Richard Nixon del director Niels Muller y protagonizada por el brillante Sean Penn además de producir Y tu mamá también, que se convertiría en una de las películas más exitosas del cine mexicano y una de las más notorias en el extranjero. En el 2004, la Warner Brothers le ofreció dirigir la tercera cinta sobre la serie de libros Harry Potter. La cinta llamada Harry Potter y el prisionero de Azkaban (película) es actualmente la cinta más taquillera de este director. Cuarón fue sugerido por la misma Rowling para el trabajo de director ya que a ella le fascinó su película La Princesita, adaptación de uno de sus libros favoritos, que también produjo Warner Brothers. Cuarón estaba algo inseguro sobre dirigir la película, pero al leer el guion se convenció. Nunca había leído los libros hasta que dirigió la película. Rowling asegura que Cuarón dirigió la película tan acertadamente que hasta le dieron escalofríos ver la manera en la que se conectó con la historia, ya que agregó sin tener información privilegiada - pistas a futuros libros[cita requerida]. Cuarón aseguró que los dos años que trabajó en Harry Potter fueron los más bellos de su vida[cita requerida]. No limitó el dejar un sello mexicano en la película. Durante la escena en la tienda de dulces Honeydukes podemos ver cientos de calaveritas de azúcar que Cuarón ordenó traer de México especialmente para la filmación. También podemos escuchar a Dumbledore tararear una canción mexicana al dejar a Harry y Hermione después de liberar a Sirius Black. En el patio de entrada del castillo hay una fuente con águilas devorando serpientes. Tras su incursión en el mundo de Harry Potter, dirigió Hijos de los hombres, un thriller distópico situado en un futuro cercano. En el mismo año, se encargó de la producción de El laberinto del fauno, que si bien no era hablada en inglés, logró grandes reconocimientos en todo el mundo, obteniendo el oscar por mejor fotografía, mejor dirección de arte y mejor maquillaje; el BAFTA a mejor película de habla no inglesa, y mejor maquillaje. Durante el festival de Cannes 2007, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñarritú, firmaron con Universal Pictures una excelente negociación donde Universal financiará las primeras 5 películas de CHA CHA CHA films, productora conformada por este trío de cineastas, este apoyo es por más de 100 millones de dólares. Las primeras cinco películas de Cha Cha Cha Films, se realizarán tanto en español como en inglés; la primera de la saga es la ópera prima de Carlos Cuarón titulada Rudo y cursi, dicha cinta es estelarizada por Diego Luna, Gael García Bernal y la participación del actor argentino Guillermo Francella. Más tarde, Cuarón hará, junto con Guillermo Del Toro, un remake de la película "Las brujas", basada en la novela original de Roald Dahl. Cuaron es un candidato para dirigir la quinta entrega de la saga de Piratas del Caribe.

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Alfonso Cuarón

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Filmografía Director • • • • • • • •

Gravity (2012) Hijos de los hombres (2006) Paris, je t'aime (2005) (segmento "Parc Monceau") Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) Y tu mamá también (2001) Grandes esperanzas (1998) (1998) La princesita (1995) Sólo con tu pareja (1991)

Producción • • • •

The Umbrella Academy (2010) Rudo y Cursi (Cha Cha Cha Films)(2008) El laberinto del fauno (2006) The Assassination of Richard Nixon (2004 con Producciones Anhelo)

• • • • •

Crónicas (2004 con Producciones Anhelo) Juego de niños (2002) Y tu mamá también (2001 con Producciones Anhelo) El espinazo del diablo (2001) (productor asociado, con Producciones Anhelo) Me la debes (2001) (corto, productor ejecutivo, con Producciones Anhelo)

Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

2006 Mejor guion adaptado Children of Men

Candidato

2006 Mejor montaje

Children of Men

Candidato

2002 Mejor guion original

Y tu mamá también Candidato

Premios BAFTA Año

Categoría

Película

Resultado

2002 Mejor película de habla no inglesa Y tu mamá también Candidato 2002 Mejor guion original

Y tu mamá también Candidato

Alfonso Cuarón

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Enlaces externos • • • •

Alfonso Cuaron en Biosstars International [2] Ensayo de Fernanda Solórzano sobre Hijos de los hombres, publicado en Letras Libres [3] Sitio de El Prisionero de Azkaban [4] Curiosidades y excentricidades del director [5]

Referencias [1] [2] [3] [4] [5]

http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0190859 http:/ / www. biosstars-mx. com/ a/ alfonso_cuaron. html http:/ / www. letraslibres. com/ index. php?art=11698 http:/ / www. harrypotterla. com/ peliculapa. html http:/ / www. harrypotterla. com/ alfonsocuaron. html

Alfred Hitchcock Alfred Hitchcock

Nombre real

Alfred Joseph Hitchcock

Nacimiento

Leytonstone, Londres, Inglaterra, Reino Unido 13 de agosto de 1899

Fallecimiento

Bel-Air, Los Ángeles, Estados Unidos de América 29 de abril de 1980 (80 años)

Apodo(s)

Hitch, El maestro del suspense

Ocupación

Director de cine Familia

Cónyuge

Alma Reville (1926-1980) Premios

Premios Óscar Óscar Honorífico 1971 Premio a la Trayectoria Profesional Globos de Oro Premio Cecil B. DeMille 1972 Premio a la Trayectoria Profesional Ficha

[1]

en IMDb

Sir Alfred Joseph Hitchcock (Leytonstone, Londres, 13 de agosto de 1899 - Bel Air, Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue un director de cine británico.

Alfred Hitchcock

Biografía Primeros años Fue criado en una familia de clase media. Sus padres, William (1862 - 1914) y Emma (1863 - 1942), eran tenderos de una estricta educación católica y sus hermanos (William y Eileen) eran mayores que él. Su estricta educación, unida a su aspecto algo grueso, hizo que el pequeño Alfred fuera un niño tímido y apocado, elementos de su personalidad que lo acompañarían durante toda su vida. Hitchcock fue enviado al Saint Ignatius College, Londres, pero debido a la muerte de su padre tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en la Compañía telegráfica Henley. Hitchcock siempre fue un ávido admirador de Charles Dickens y Edgar Allan Poe y un amante del cine, especialmente tras haber visto "El nacimiento de una nación" de David Wark Griffith.

Entrada en el mundo del cine En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas de su marido. El 7 de julio de 1928 nació su hija Patricia, que participaría como actriz en Extraños en un tren y en Psicosis. En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un largometraje apareció poco después, ya que dirigió en Múnich, en 1925, su primera película completamente acabada: El jardín de la alegría, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después, el realizador londinense dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra: Blackmail, en 1929. Durante el rodaje, recibió la visita sorpresiva de Isabel Bowes-Lyon, duquesa de York, quien sería la madre de la actual monarca. Con pocos trabajos, Hitchcock se convirtió en el icono genial de una industria bastante discreta como era la británica. Películas como ¡Asesinato! (Murder!, 1930), El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1934) y especialmente 39 escalones (The 39 Steps, 1935) lo convirtieron en todo un emblema internacional del nuevo cine británico. Anecdóticamente, era famoso por su costumbre de gastar bromas pesadas, especialmente con los actores.

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Alfred Hitchcock

Hollywood llama a Hitchcock El 22 de agosto de 1937 visitó con su familia Nueva York para entrevistarse con David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, quien lo contrató el 14 de julio de 1938. Las condiciones del productor convencieron a Hitchcock y se trasladó junto a su familia a Estados Unidos en 1939. El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela de Daphne du Maurier Rebeca (1940). Este melodrama gótico explora los miedos de una ilusionada y joven esposa (Joan Fontaine), que se traslada a Gran Bretaña y debe luchar con un marido distante (Sir Laurence Olivier), un ama de llaves demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la fallecida primera esposa de su marido: la bella y misteriosa Rebeca. El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. Pero John Ford se llevó ese año el premio al mejor director por Las uvas de la ira, arrebatándoselo al británico, que jamás ganaría una estatuilla, salvo el premio en memoria de Irving Thalberg, de Alfred Hitchcock en 1956. carácter honorífico. Aparte de esto, empezaron a surgir los primeros problemas entre Selznick y Hitchcock. Y es que el director británico no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del productor. La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign Correspondent también fue nominada a mejor película. El film fue rodado en el primer año de la Segunda Guerra Mundial y estaba inspirada en los rápidos cambios que experimentaba Europa en esos momentos, descritos por el corresponsal de un diario norteamericano, Joel McCrea. El film mezcló decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real. Conforme a la censura del Código de Producción de Hollywood, la película evitó referencias directas a Alemania y a los alemanes.[2] A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo. Estas breves apariciones se convirtieron en la firma particular que Hitchcock introducía en todas su películas. Paulatinamente, fue situando dichas apariciones cada vez más próximas al inicio de la película, porque, tal como le contó a François Truffaut, el público sabía que dicha aparición se produciría y esto causaba un efecto de distracción con respecto al desarrollo del film. Posteriormente llegaría Sospecha (1941), protagonizada por Cary Grant, con quien mantuvo una gran amistad. Alfred Hitchcock siempre procuraba escoger para sus películas actores y actrices ya conocidos por alguna faceta, ya fuera la de la sensualidad, la simpatía o la seducción, pensando que así el papel quedaba más fácilmente definido desde el principio. Otro de sus grandes actores fetiche sería James Stewart, con quien coincidió por primera vez en La soga en 1948. El 26 de septiembre de 1942 murió en Londres su madre a la edad de 79 años. Además, al año siguiente, falleció también su hermano William. Preocupado por su obesidad mórbida (pesaba 135 kilos), llegó a perder 40 kilos en pocos meses. En 1944 creó su propia productora junto con Sidney Berstein: la Transatlantic Pictures. Ese mismo año, comenzó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera rubia "hitchcockiana", por la que sentía fascinación. Rodó Encadenados (1946), protagonizada con Cary Grant. Según el propio Hitchcock refirió en una entrevista, prefería protagonistas rubias porque las consideraba más misteriosas.

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Alfred Hitchcock

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Junto con Ingrid Bergman y Gregory Peck rueda Spellbound (conocida como Recuerda en España, Cuéntame tu vida en Argentina), una película sobre el psicoanálisis, cuyo detalle más importante es la colaboración de Salvador Dalí, que diseñó y elaboró los decorados de la escena del sueño.

De Ingrid Bergman a Grace Kelly En 1948, Bergman deja de actuar con Hitchcock para trabajar con el también director Roberto Rossellini. Eso fue un gran golpe para Hitchcock, pero no tardó en recobrar su confianza conociendo a la que convertiría en su nueva musa, Grace Kelly, a la que dirigió en La ventana indiscreta (1954), coprotagonizada por James Stewart, Crimen perfecto (1954), con Ray Milland, y Atrapa a un ladrón (1955), con Cary Grant. Según el director, la película de su cosecha que más apreciaba era Falso culpable (conocida también como El hombre equivocado) (1957), protagonizada por Henry Fonda y Vera Miles. Surgió un nuevo proyecto televisivo. Alfred Hitchcock Presents, una serie en la cual presentaba él mismo unas historias cortas en la línea de sus películas. No obstante, la boda de su "musa" con el príncipe Rainiero III de Mónaco y su retirada del cine, hicieron que su salud empeorase momentáneamente.

Hitchcock, el maestro del suspense En 1958 recibió varios premios: el Globo de Oro a la mejor serie de televisión y la Concha de Plata en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por "Vértigo (De entre los muertos)" (1958) protagonizada por James Stewart y Kim Novak. Por desgracia, ese mismo año le diagnosticaron un cáncer a su mujer, lo que le afectó profundamente. En 1959 rodó North by Northwest (Con la muerte en los talones), protagonizada por Cary Grant y Eva Marie Saint. La imagen de Cary Grant huyendo de una avioneta por los campos es ya una imagen inolvidable para los cinéfilos. Es considerada una de sus mejores películas.

Escena de la película "Corresponsal extranjero" (1940).

En 1960 dirigió Psicosis, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh. Fue uno de los mayores éxitos de su carrera. La película contiene una de las escenas más impactantes de la historia del séptimo arte: el asesinato de su protagonista, Janet Leigh, en la ducha, a mitad de la película. En 1963 filmó Los pájaros, protagonizada por Tippi Hedren y Rod Taylor. Su protagonista se convirtió en la nueva musa rubia, con la que mantuvo una actitud muy posesiva y junto con la que más tarde rodaría Marnie la ladrona (1964, protagonizada junto a Sean Connery). Es en este film, en su relación con Tippi Hedren en que se revela un rasgo de la personalidad posesiva y manipuladora de Hitchcock; estableció casi siempre presiones maliciosas y una posesividad fuerte, presiones que había ejercido sobre otras actrices que eran de su agrado, como Grace Kelly. Entre 1966 y 1969 las críticas se volvieron en su contra. Cortina rasgada, con Paul Newman y Julie Andrews, y Topaz, con Frederick Stafford y Claude Jade, no tuvieron apenas éxito. Se decía que se esperaba un cambio de estilo. El propio Hitchcock lo buscaba, como prueban las imágenes encontradas en Frenesí (1972), protagonizada por Jon Finch, donde encontramos técnicas cinematográficas, desnudos y secuencias de una actualidad sorprendente. Pero el proyecto resultaba tan revolucionario como arriesgado y eso podía suponer la caída definitiva de Hitchcock como director. Así que los estudios Universal Pictures le denegaron el proyecto.

Alfred Hitchcock

25 En 1968 recibió un Óscar Honorífico, el premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera, en la ceremonia de los Premios de la Academia. Aunque nunca recibió un Óscar competitivo, siempre se le ha considerado como el maestro del suspense. En 1972 confesó a Luis Buñuel, en una cena que celebraba George Cukor en su casa en honor a él por haber recibido un Oscar por su película El discreto encanto de la burguesía, ser un gran admirador suyo, recibiéndole con los brazos extendidos y diciendo "el mejor y más modesto de todos nosotros".

Recibió un homenaje en Nueva York por la Sociedad Cinematográfica del Lincoln Center, acudiendo con Grace Kelly a la ceremonia. Cuatro años más tarde, J. Russel Taylor publicaba la primera biografía autorizada de Alfred Hitchcock. Alfred Hitchcock.

En 1976 dirigió La trama, protagonizada por Karen Black y Bruce Dern. En 1979, el American Film Institute le otorgó el premio a la labor de toda una vida. Ese mismo año, la reina Isabel II del Reino Unido le concedió el título de Sir. Un año más tarde, el 29 de abril de 1980, falleció en su casa de Los Ángeles a los 80 años de edad. En la actualidad son muchos los directores que reconocen la influencia que ha ejercido sobre sus obras el legado de Alfred Hitchcock.

Filmografía En cine • 1922 - Number 13 (Número 13), inacabada y recientemente encontrada • 1925 - The Pleasure Garden (El jardín de la alegría) • 1926 - The Mountain Eagle (El águila de la montaña) • 1927 - The Lodger: A Story of the London Fog (El enemigo de las rubias / El inquilino) • 1927 - The Ring (El ring) • 1927 - Downhill • 1927 - Easy Virtue (Dudosa virtud) • 1928 - Champagne • 1928 - The Farmer's Wife (La esposa del granjero) • 1929 - The Manxman • 1929 - Blackmail (Chantaje / La muchacha de Londres) • 1930 - Elstree Calling (Elstree llama) • 1930 - Juno and the Paycock

Hitchcock en el rodaje de Family Plot en (1975).

• 1930 - Murder! (Asesinato) • 1931 - Mary • 1931 - Rich and Strange (Ricos y extraños / Lo mejor es lo malo conocido) • 1931 - The Skin Game (Juego sucio)

Alfred Hitchcock • • • • • • • • • • • • • • •

1932 - Number Seventeen (Número diecisiete) 1933 - Waltzes from Vienna (Valses de Viena) 1934 - The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado), versión británica de 1934 1935 - The 39 Steps (39 escalones) 1936 - Sabotage (Sabotaje), basada en la novela de Joseph Conrad "El agente secreto" (no confundir con su siguiente película, Secret Agent, ni con la de 1942 titulada Saboteur) 1936 - Secret Agent (Agente secreto / El agente secreto), no confundir con la novela de Conrad "El agente secreto" (filmada por Hitchcock en 1936 con el título de Sabotage) 1937 - Young and Innocent (Inocencia y juventud) 1938 - The Lady Vanishes (Alarma en el expreso / La dama desaparece) 1939 - Jamaica Inn (La posada de Jamaica / La posada maldita) 1940 - Rebecca (Rebeca / Rebeca, una mujer inolvidable) 1940 - Foreign Correspondent (Enviado especial / Corresponsal extranjero) 1941 - Mr. and Mrs. Smith (Matrimonio original / Su amado enemigo) 1941 - Suspicion (Sospecha /La sospecha) 1942 - Saboteur (Sabotaje / Saboteador), no confundir con su película de 1936 titulada Sabotage 1943 - Shadow of a Doubt (La sombra de una duda)

• 1944 - Bon Voyage (Buen viaje), cortometraje en francés de propaganda durante la 2ª Guerra Mundial • 1944 - Aventure malgache (Aventura malgache), cortometraje en francés de propaganda durante la 2ª Guerra Mundial • 1944 - Lifeboat (Náufragos / 8 a la deriva) • 1945 - Spellbound (Recuerda / Cuéntame tu vida) • 1946 - Notorious (Encadenados / Tuyo es mi corazón) • 1947 - The Paradine Case (El proceso Paradine / Agonía de amor) • 1948 - Rope (La soga / Festín diabólico) • 1949 - Under Capricorn (Bajo el signo de Capricornio, Atormentada) • 1950 - Stage Fright (Pánico en la escena) • 1951 - Strangers on a Train (Extraños en un tren / Pacto siniestro) • 1953 - I Confess (Yo confieso / Mi secreto me condena / Mi pecado me condena) • 1954 - Dial M for a Murder (Crimen perfecto / Con M de muerte / La llamada fatal / Llamada fatal (crimen perfecto)) • 1954 - Rear Window (La ventana indiscreta) • 1955 - To Catch a Thief (Atrapa a un ladrón / Para atrapar al ladrón) • 1955 - The Trouble with Harry (Pero... ¿quién mató a Harry? / El tercer tiro) • 1956 - The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado / En manos del destino), remake en la etapa estadounidense de su película de 1934 • 1956 - The Wrong Man (Falso culpable / El hombre equivocado) • 1958 - Vertigo (Vértigo / De entre los muertos) • 1959 - North by Northwest (Con la muerte en los talones / Intriga internacional) • 1960 - Psicosis • 1963 - The Birds (Los pájaros) • 1964 - Marnie (Marnie la ladrona / Marnie) • 1966 - Torn Curtain (Cortina rasgada) • 1969 - Topaz • 1972 - Frenzy (Frenesí) • 1976 - Family Plot (La trama / Trama macabra)

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Alfred Hitchcock Como guionista • • • • • • •

1922 - Always Tell Your Wife 1923 - De mujer a mujer (Woman to Woman) 1923 - La sombra blanca (The White Shadow) 1924 - The Passionate Adventure 1925 - The Prude's fall 1925 - The Blackguard 1928 - Champagne

Como productor • • • • • • •

1941 - Sospecha 1946 - Encadenados 1947 - El proceso Paradine 1948 - La soga 1949 - Atormentada 1950 - Pánico en la escena 1951 - Extraños en un tren

• • • • • • • • • • • • • • • • •

1952 - Yo confieso 1954 - Crimen perfecto 1954 - La ventana indiscreta 1955 - Atrapa a un ladrón 1955 - Pero, ¿quién mató a Harry? 1956 - El hombre que sabía demasiado 1956 - Falso culpable 1958 - De entre los muertos (Vértigo) 1959 - North by Northwest 1960 - Psicosis 1963 - Los pájaros 1964 - Marnie la ladrona 1966 - Cortina rasgada 1969 - Topaz 1972 - Frenesí 1976 - La trama 1978 - 39 escalones (remake de la etapa 1978, director: Don Sharp)

En televisión Como productor • • • •

1955-1958 - "Alfred Hitchcock Presents" ("Alfred Hitchcock presenta") 1957-1958 - "Suspicion" 1962 - "Alcoa Premiere" 1964 - "The Alfred Hitchcock Hour" ("La hora de Alfred Hitchcock")

Como director Algunos capítulos sueltos de: "Alfred Hitchcock presenta" y "La hora de Alfred Hitchcock"

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Alfred Hitchcock Alfred Hitchcock Presents • • • • • • • • • • • • • • • •

Revenge (1955) Breakdown (1955) The Case of Mr. Pelham (1955) Back for Christmas (1956) Wet Saturday (1956) Mr. Blanchard's Secret (1956) One More Mile to Go (1957) The Perfect Crime (1957) Lamb to the Slaughter (1958) Dip in the Pool (1958) Poison (1958) Banquo's Chair (1958) Arthur (1959) The Crystal Trench (1959) Mrs. Bixby and the Colonel's Coat (1960) The Horse Player (1961)

• Bang! You're Dead (1961) The Alfred Hitchcock Hour • I Saw the Whole Thing (1962) Suspicion • Four O'Clock (1957) Startime • Incident at a Corner (1960) Alfred Hitchcock TV • Alfred Hitchcock Presenta (1955) • • • • • • • • • • • • • •

Venganza (Revenge) 1955. Dirección: Alfred Hitchcock. Angustia (Breakdown) 1955. Dirección: Alfred Hitchcock. El caso del Señor Pelham (The case of Mr. Pelham) 1955. Dirección: Alfred Hitchcock. Regreso por navidad (Back for Christmas) 1956. Dirección: Alfred Hitchcock. Sábado lluvioso (Wet saturday) 1956. Dirección: Alfred Hitchcock. El secreto del Señor Blanchard (Mr. Blanchard's secret) 1956. Dirección: Alfred Hitchcock. Una milla para llegar (One more mile to go) 1957. Dirección: Alfred Hitchcock. El crimen perfecto (The perfect crime) 1957. Dirección: Alfred Hitchcock. Cordero para cenar (Lamb to the slaughter) 1958. Dirección: Alfred Hitchcock. Un chapuzón en el mar (A dip in the pool) 1958. Dirección: Alfred Hitchcock. Veneno (Poison) 1958. Dirección: Alfred Hitchcock. La silla del asesino (Banquo's chair) 1959. Dirección: Alfred Hitchcock. Arthur (Arthur) 1959. Dirección: Alfred Hitchcock. El ataúd de cristal (The crystal trench) 1959. Dirección: Alfred Hitchcock.

• La Señora Bixby y el abrigo del Coronel (Mrs. Bixby and the Colonel's coat) 1960. Dirección: Alfred Hitchcock. • El jugador (The horseplayer) 1960. Dirección: Alfred Hitchcock.

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Alfred Hitchcock • ¡Bang! estás muerto (Bang! you're dead) 1961. Dirección: Alfred Hitchcock. • Sospecha (Suspicion) (1957) • Las cuatro en punto (Four o'clock) 1957. Dirección: Alfred Hitchcock. • Startime (Ford / Lincoln Mercury Startime 1960) (Vado / Mercurio de Lincoln Startime 1960) • Incidente en una esquina (Incident at a corner) 1960. Dirección: Alfred Hitchcock. • La hora de Alfred Hitchcock (1962) • Yo lo vi todo (I saw the whole thing) 1962. Dirección: Alfred Hitchcock. • El nuevo Alfred Hitchcock presenta (1985) • En total 76 episodios, presentado por Alfred Hitchcock a base de grabaciones que hizo Hitchcock en vida, todos en color incluso las presentaciones (se colorearon).

Colaboradores frecuentes • Actriz principal: • Ingrid Bergman • Joan Fontaine • Tippi Hedren • Grace Kelly • Vera Miles • Actor principal: • Cary Grant • James Stewart • Otros actores principales no tan frecuentes: • • • • • • • •

Joseph Cotten John Forsythe Farley Granger Charles Laughton Peter Lorre Gregory Peck Montgomery Clift Paul Newman

• Otros actores: • • • • • • • • • • •

Laurence Olivier Sara Allgood Leo G. Carroll Madeleine Carroll Hume Cronyn John Gielgud Robert Cummings Malcolm Keen Jessie Royce Landis Ivor Novello Anny Ondra

• John Williams • Equipo de filmación:

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Alfred Hitchcock • • • • • •

Saul Bass - Diseñador de títulos principales Robert Burks - Cinematografo Edith Head - DIseñador de vestuario Bernard Herrmann - Música George Tomasini - Editor Albert Whitlock - Pintor

• Guionistas: • • • • • • •

Charles Bennett Joan Harrison John Michael Hayes Ben Hecht Ernest Lehman Alma Reville Samuel A. Taylor

Bibliografías en español • • • • • • • • • •

El Cine según Hitchock François Truffaut. Alianza Editorial. ISBN 84-206-3856-0. Alfred Hitchcock José María Carreño. Editorial JC. ISBN 84-85741-03-X. Alfred Hitchcock Bruno Villien. Edición de Cinema Club Collection. ISBN 84-85741-57-9. Alfred Hitchcock José Luis Castro de Paz. Editorial Cátedra. ISBN 84-376-1848-7. Alfred Hitchcock. Filmografía completa Paul Duncan. Editorial Taschen. ISBN 3-8228-2245-0. Alfred Hitchcock. La cara oculta del genio Donald Spoto. Editorial JC. ISBN 84-89564-25-6." Alfred Hitchcock. El armario secreto de Hitchcock.Boris izaguirre editorial espasa. Alfred Hitchcock. El poder de la imagen Enrique Alberich. Publicaciones Fabregat S.A. ISBN 2-425-33305-3. Revista Fotogramas La huella de Vértigo. Diego Moldes. Ediciones JC Clementine, Madrid, 2004. Ensayo de cine sobre la influencia del film Vértigo de Alfred Hitchcock. 208 pp. ISBN 84-89564-39-8. • AA.VV.:El universo de Alfred Hitchcock. Coordinado por Guillermo Balmori. Notorius Ediciones, Madrid, diciembre de 2006. ISBN 88493470142. • Hitchcock: imágenes entre líneas. Elisa María Martínez Martínez. Biblioteca Javier Coy d'estudis Nord-americans. Universitat de València. 2011. ISBN 978-94-370-8105-2.

Premios Oscar

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Alfred Hitchcock

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Año

Categoría

Película

Resultado

1968 Premio en Memoria de Irving Thalberg

Ganador

1960 Mejor Director

Psicosis

Candidato

1954 Mejor Director

La ventana indiscreta Candidato

1945 Mejor Director

Spellbound

Candidato

1944 Mejor Director

Náufragos

Candidato

1940 Mejor Director

Rebeca

Candidato

1971: recibió en premio en reconocimiento a toda su carrera profesional como director de cine de La Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (British Academy of Film and Television Arts, BAFTA). Equivalente a los Oscar en el Reino Unido.

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000033 [2] Patrick McGilligan, pg.244

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Alfred Hitchcock. Commons

•

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Alfred Hitchcock. Wikiquote

• Ficha de Alfred Hitchcock en inglés (http://www.imdb.com/name/nm33) y en español (http://www.imdb.es/ name/nm33) en Internet Movie Database. • Alfred Hitchcock (http://www.allmovie.com/artist/94487) en Allmovie • Alfred Hitchcock (http://tcmdb.com/participant/participant.jsp?participantId=87065) en la base de datos TCM Movie (en inglés). • HITCHCOCK-FAN El Maestro del Suspense (en castellano) (http://hitchcock-fan.webs.com/) • Alfred Hitchcock, biografía, filmografía, televisión, cameos, macguffin, Hitchcock limited, imágenes, premios (http://hitchcock.comuf.com/) • El álbum de Alfred Hitchcock (http://www.gerard-bertrand.net/index_hitchcock.html) • Classic Movies (1939 - 1969): Alfred Hitchcock (http://www.thegoldenyears.org/hitch.html) • Muestra de storyboards y bocetos de sus filmes (http://lentecreativo.webs.com/hitchcockproyectando.htm) • Colección de Hitchcock en EyeGate (http://www.eyegate.com/Hitchcock) • Alfred Hitchcock en Biografías y vidas (http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/) • Alfred Hitchcock en Filmaffinity (http://www.filmaffinity.com/es/search.php?stext=Alfred+Hitchcock& stype=all)

Ang Lee

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Ang Lee Ang Lee

Ang Lee en 2007 Nombre real

Ang Lee (chino: 李 安, pinyin: Lǐ Ān)

Nacimiento

Pingtun, Taiwán 23 de octubre de 1954 (57 años) Familia

Cónyuge

Jane Lin (1983–)

Hijo/s

Haan Lee (n.1984) Mason Lee (n.1990) Premios

Premios Óscar

Mejor director 2005 Brokeback Mountain Mejor película de habla no inglesa 2000 El tigre y el dragón

Globos de Oro

Mejor director 1996 Sense and Sensibility 2006 Brokeback Mountain Mejor película en lengua no inglesa 2001 El tigre y el dragón

Premios BAFTA Mejor película 1995 Sense and Sensibility Mejor película de habla no inglesa 2000 El tigre y el dragón Mejor director 2000 El tigre y el dragón 2005 Brokeback Mountain Otros premios

Oso de oro - Festival de Cine de Berlín 1993 The Wedding Banquet 1996 Sense and Sensibility León de Oro - Festival de Cine de Venecia 2005 Brokeback Mountain 2007 Lust, Caution Ficha

[1]

en IMDb

Ang Lee (chino: 李 安, pinyin: Lǐ Ān) (Pingtun, Taiwán, 23 de octubre de 1954) es un director de cine chino de Hollywood nacido y crecido en Taiwán pero educado en Estados Unidos.

Ang Lee Muchas de sus películas han enfocado las interacciones entre la modernidad y la tradición. Sus obras también tienden a tener un tono de comedia ligera que marca una ruptura con el realismo trágico que caracteriza el cine de Taiwan tras el fin del período de ley marcial en los años 1990. Fue el primero en introducir temas homosexuales en el cine asiático y también fue pionero en las películas de artes marciales/exotismo oriental de gran presupuesto de Hollywood. Ha estudiado teatro en la universidad de Illinois e hizo su máster en la escuela de arte Tisch de la Universidad de Nueva York, dónde en 1984 realizó una película titulada Fine Line como tesis. Fue compañero de clase de Spike Lee. En 1992 se da a conocer internacionalmente en un film sobre un anciano que no sabe/puede adaptarse a la vida occidental moderna (Manos que empujan), y obtiene la etiqueta de "prometedor". Al año siguiente, presenta una película que afianza su carrera y le revela como uno de los máximos exponentes de su generación dentro del cine taiwanés: la co-produción El banquete de bodas, en la que revela una frescura inusual y un talento aún por calibrar. Su siguiente producción va a consagrarle a nivel mundial: Comer, beber, amar (1994), le proporciona uno de sus mayores éxitos personales, logrando que su universo cinematográfico trascienda el film de cintas coétaneas que fracasaban en mayor o menor medida en su intento por conjugar las culturas oriental-occidental dentro de historias intimistas y familiares donde se da la consabida ruptura-dominación por la tradición (Cometé una taza de té de Wayne Wang, 1988, es un buen ejemplo). En 2001 fue profesor visitante en la universidad de Dartmouth y allí estrenó Wo hu cang long, un auténtico fenómeno a nivel mundial que se convirtió casi desde su estreno en un clásico moderno instantáneo. Por Brokeback Mountain ganó el León de Oro del Festival de Venecia del 2005. Repitió éxito en el mismo festival, dos años después, con una obra totalmente distinta, que aborda la historia de su país: Lujuria y traición. Por todo ello, Ang Lee es un cineasta poco corriente en el panorama actual, una persona que si hubiese trabajado en el cine de los años 60 o 70, sería reconocido como puntal junto a los Visconti, Bergman, Fellini, Pasolini, Fassbinder y demás grandes.

Filmografía • • • • • • • • • • • •

The Hire (BMW Short Movie) - Chosen (2002) Manos pujantes (1992) El banquete de bodas (1993) Comer, beber, amar (1994) Sense and Sensibility (1995) La tormenta de hielo (1997) Cabalga con el diablo (1999) Tigre y dragón (2000) Hulk (2003) Brokeback Mountain (2005) Deseo, peligro (2007) Taking woodstock (2009)

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Ang Lee

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Premios Premios Óscar: Año

Categoría

Película

Resultado

1993 Mejor película de habla no inglesa El banquete de boda Candidato 1994 Mejor película de habla no inglesa Comer, beber, amar

Candidato

2000 Mejor película de habla no inglesa Tigre y dragón

Ganador

2000 Mejor director

Tigre y dragón

Candidato

2005 Mejor director

Brokeback Mountain Ganador

Premios Globo de Oro: Año

Categoría

Película

Resultado

1995 Mejor director Sense and Sensibility Candidato 2000 Mejor director Tigre y dragón

Ganador

2006 Mejor director Brokeback Mountain Ganador

Premios BAFTA: Año

Categoría

Película

Resultado

1995 Mejor director Sense and Sensibility Nominado 2000 Mejor director Tigre y dragón

Ganador

2005 Mejor director Brokeback Mountain Ganador

Enlaces externos • Ficha de Ang Lee en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • Conferencia de prensa de Ang Lee en el Festival de Cine de Venecia [3] (en inglés)

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000487 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000487 [3] http:/ / www. guestinvenice. tv/ view/ 55/ ang-lee-press-conference-lust-caution/

Anthony Minghella

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Anthony Minghella Anthony Minghella Nombre real

Anthony Minghella

Nacimiento

Ryde, Isla de Wight, Inglaterra 6 de enero de 1954

Fallecimiento

Londres, Inglaterra 18 de marzo de 2008 (54 años) Familia

Cónyuge

Carolyn Choa Premios

Premios Óscar

Mejor director 1996 The English Patient

Premios BAFTA Mejor guion original 1991 Truly Madly Deeply Mejor guion adaptado 1996 The English Patient Ficha

[1]

en IMDb

Anthony Minghella, CBE (6 de enero de 1954 — 18 de marzo de 2008) fue un director y guionista del Reino Unido. Nacido en la Isla de Wight de padre italiano y madre Escocesa, se graduó en la Universidad de Hull. Ganó el Premio Óscar al mejor director por su trabajo en la película El paciente inglés. En los años 1980 trabajó para la televisión en series británicas tanto para la BBC como para la ITV. Fue en 1990 cuando empezó a trabajar en el mundo del cine. Ese año filmó la película Truly, Madly, Deeply que fue su primer gran éxito de taquilla. Este fue el primer trabajo de Minghella como director, y le dio la oportunidad de aprender para posteriores proyectos más ambiciosos. Minghella estaba casado con la coreógrafa Carolyn Choa y tenía un hijo y una hija, Max y Hanna. Max, nacido en 1985, es actor y uno de los protagonistas de la película de Alejandro Amenábar, Ágora, donde da vida a Davo. Hanna fue ayudante de producción de su padre en El talento de Mr. Ripley. Fue el presidente del British Film Institute hasta su fallecimiento. Falleció a primeras horas del martes 18 de marzo de 2008 por una serie de complicaciones médicas surgidas tras su paso por el quirófano durante el tratamiento de un cáncer de amígdalas y cuello. Su hermano, Dominic Minghella, es también un conocido guionista.

Anthony Minghella

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Filmografía seleccionada • • • • • • • • • • •

Inspector Morse (1987, 1989, 1990) (TV) (guionista) El narrador de cuentos (1987) (TV) (guionista) Living with Dinosaurs (1989) (TV) (guionista) Truly, Madly, Deeply (1990) Mr Wonderful (1993) El paciente inglés (1996) El talento de Mr. Ripley (1999) Cold Mountain (2003) Breaking and Entering también llamada Violación de Domicilio (2006) The No. 1 Ladies Detective Agency (2008) MIchael Clayton (2008)

Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

1999 Óscar al mejor guion adaptado El talento de Mr. Ripley Candidato 1997 Óscar a la mejor dirección

El paciente inglés

Ganador

BAFTA Año

Categoría

Película

Resultado

2003 Mejor Director

Cold Mountain

Candidato

2003 Mejor Guion Adaptado

Cold Mountain

Candidato

1997 Mejor Película

El paciente inglés

Ganador

1997 Mejor Director

El paciente inglés

Candidato

1997 Mejor Guion Adaptado El paciente inglés

Ganador

1992 Mejor Guion Original

Truly, Madly, Deeply Ganador

• 2003 Premios "National Board of Review" - Mejor guion adaptado por Cold Mountain (2003) • 1999 Premios "National Board of Review" - Mejor director por El talento de Mr. Ripley (1999) • 1997 Premio de la "Broadcast Film Critics Association" - Mejor director y mejor guion por El paciente inglés (1996) • 1997 Premio de la "Directors Guild of America" a la mejor dirección por El paciente inglés (1996)

Anthony Minghella

Enlaces externos • Ficha en Noche de Cine.com [2] (In Spanish)

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0005237 [2] http:/ / www. nochedecine. com/ index. asp?t=0& f=005154& BU=2

Barry Levinson Barry Levinson (Baltimore, Maryland), 6 de abril de 1942), es un guionista, director, actor y productor estadounidense de cine y televisión.

Biografía Tras crecer en Baltimore, estudió en la American University en Washington, D.C. antes de trasladarse a Los Ángeles donde trabajó como actor y escritor. Sus primeros trabajos como escritor fueron para programas de televisión como The Marty Feldman Comedy Machine, The Lohman and Barkley Show, The Tim Conway Show y The Carol Burnett Show. Levinson contrajo matrimonio con la escritora Valerie Curtin en 1975. Se divorciaron siete años después. Luego se casó con Dianna Rhodes a quien conoció en Baltimore mientras filmaba Diner. Barry Levinson, 2009 Luego de tener éxito como guionista (Silent Movie (1976), High Anxiety (1977), ...And Justice for All (1979), comenzó su carrera como director con Diner (1982), con la cual obtuvo una nominación para el Óscar al mejor guion original. Diner la primera de una serie de películas ambientadas en el Baltimore de la juventud de Levinson. Las otras películas de esta serie fueron Tin Men (1987), protagonizada por Richard Dreyfuss y Danny DeVito, y la saga Avalon (con la actuación de Elijah Wood en una de sus primeras interpretaciones), y la más reciente Liberty Heights (1999). Las cuatro películas fueron escritas y dirigidas por Barry Levinson; en las últimas dos participó como productor.

Su mayor éxito, en el aspecto crítico y financiero, fue Rain Man (1988) con Dustin Hoffman y Tom Cruise. La película ganó cuatro premios Óscar incluyendo el mejor director por Levinson. Dirigió nuevamente a Dustin Hoffman en La cortina de humo (Wag the Dog) (1997), comedia política. Además trabajó como escritor no acreditado en la comedia de Dustin Hoffman Tootsie (1982). Barry se unió al productor Mark Johnson para formar la compañía Baltimore Pictures, hasta que el duo se separó en 1994.

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Barry Levinson

Obras Otras películas importantes de su carrera fueron: • The Natural (1984) • Good Morning, Vietnam (1987) con Robin Williams • Bugsy (1991) con Warren Beatty. Además de producir varias de sus películas, también trabajó como productor o productor ejecutivo para películas como: • Sphere (1998, protagonizada por Dustin Hoffman, Sharon Stone y Samuel Jackson) • La tormenta perfecta (dirigida por Wolfgang Petersen, 2000), *Analyze That (2002, protagonizada por Robert De Niro y Billy Crystal), • Possession (2002), basada en la novela de A. S. Byatt). Tiene además una productora de televisión con Tom Fontana (The Levinson/Fontana Company) y trabajó como productor ejecutivo para varias series, incluyendo Homicide: Life on the Street (que fue emitida por NBC entre 1993 y 1999) y el drama de HBO Oz. Levinson publicó su primera novela, Sixty-Six (ISBN 0-7679-1533-X), el 2003. Como la mayoría de sus películas, es semi-autobiográfica y está ambientada en Baltimore de los años 60.

Enlaces externos • Página oficial [1] • Ficha de Barry Levinson en inglés [2] y en español [3] en Internet Movie Database. • Barry Levinson Biography (1942-) [4]

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. levinson. com http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001469 http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001469 http:/ / www. filmreference. com/ film/ 82/ Barry-Levinson. html

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Bernardo Bertolucci

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Bernardo Bertolucci Bernardo Bertolucci Nombre real

Bernardo Bertolucci

Nacimiento

Parma, Italia 16 de marzo de 1941

Ocupación

Director

Año de debut

1962 Familia

Cónyuge

Adriana Asti Clare Peploe (1990-) Premios

Premios Óscar Mejor director 1987 El último emperador Mejor guion adaptado 1987 El último emperador Globos de Oro Mejor director 1988 El último emperador Mejor guion 1988 The Last Emperor Premios César Mejor película extranjera 1987 El último emperador Ficha

[1]

en IMDb

Bernardo Bertolucci (nacido en Parma, Italia, 16 de marzo de 1941) es un director de cine italiano. Su película El último emperador (The Last Emperor) ganó nueve premios Óscar en 1988. También dirigió Novecento y El último tango en París.

Biografía Su padre, Attilio, era poeta. Bernardo estudió en la Universidad de Roma, donde se ganó una cierta fama como poeta. Se inició en el mundo del cine realizando cortometrajes en 16 mm con su hermano Giuseppe. En 1961 hizo de ayudante de dirección en Accattone, primer largometraje de Pier Paolo Pasolini. Un año después se estrenaba como director con La commare secca. En 1972 su película Il conformista fue candidata a los Óscar por el mejor guion adaptado. Dos años después él mismo era nominado para el Óscar a la mejor dirección, en esta ocasión para Ultimo tango a Parigi (El último tango en París). En 1976 dirige Novecento una superproducción sobre la historia de Italia con la colaboración de actores de la talla de Robert de Niro y Gerard Depardieu. Su obra más premiada en los Estados Unidos fue El último emperador (The Last Emperor), que ganó nueve estatuillas en 1988, además de otros premios internacionales. El trabajo con Pasolini es una influencia que ha marcado toda su obra posterior, junto con la obra de otros directores como Godard, Kurosawa o los neorrealistas. El suyo es un cine de autor. Sus principales características son un esmerado uso de la cámara y del montaje, y el trabajo de la fotografía con finalidades simbólicas.

Bernardo Bertolucci

Estilo La mayoría de sus películas transcurren en escenarios aparentemente intrascendentes —grises, si se quiere— para el espectador occidental estándar, con la importante excepción de un grupo de películas ambientadas en lugares más exóticos como en El último emperador, The Sheltering Sky y Pequeño Buda (Little Buddha). Pero es destacable el hecho que la contextualización de la acción en escenarios europeos rehúye el recurso a los tópicos. El lugar de la acción parece, pues, un tanto accesorio a su devenir, insistiendo en las importantes excepciones antes mencionadas. Podríamos decir que las narraciones de Bertolucci parten de la cotidianidad para descubrir el surgimiento de la historia.

Filmografía (como director) • • • • • •

1959 — Il teleférico (cortometraje en 16 mm) 1960 — Morte di un maiale (cortometraje en 16 mm) 1962 — La commare secca 1964 — Prima della rivoluzione 1967 — La vía del petróleo (documental para TV) 1966 — Il canale (cortometraje documental)

• • • • •

1968 — Amore e Rabbia (episodio «Agonía») 1968 — Partner (Il sosia) 1970 — La estrategia de la araña (La strategia del ragno) 1970 — El conformista (The conformist / Il Conformista) 1971 — La salute è malata (I poveri muoiono prima) / La salud está enferma (Los pobres mueren antes): documental 1971 — 12 de diciembre (documental) 1972 — El último tango en París (Ultimo tango a Parigi / Last tango in Paris) 1976 — Novecento 1977 — Silenzio e complicità 1979 — La luna 1981 — La tragedia di un uomo ridicolo 1984 — L'addio a Enrico Berlinguer (documental) 1987 — El último emperador (The Last Emperor / L'ultimo imperatore) 1990 — The Sheltering Sky (El cielo protector / Refugio para el amor / Il tè nel deserto) 1993 — El pequeño buda (Little Buddha / Piccolo Buddha) 1996 — Belleza robada (Io ballo da sola) 1998 — Besieged (L'assedio) 1989 — 12 registi por 12 città (fragmento «Bologna») 2002 — Ten Minutes Older: The Cello (episodio «Histoire d' eaux») 2003 — Soñadores (The Dreamers / I sognatori)

• • • • • • • • • • • • • • •

Premios Premios Óscar

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Bernardo Bertolucci

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Categoría

Película

Mejor Guion Adaptado El conformista

Resultado Nominado

Mejor Director

El último tango en París Nominado

Mejor Director

El último emperador

Ganador

Mejor Guion Adaptado El último emperador

Ganador

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000934

Brad Bird Brad Bird

Nombre completo Branden Bird Nacimiento

Nacionalidad

24 de septiembre de 1957 (54 anos) Kalispell, Montana  Estadounidense

Área

Animador Guionista Realizador

Educación

Instituto de las Artes de California Premios

• • •

Globo de Oro a la mejor película animada, 2008 Óscar a la mejor película de animación, 2007 Óscar a la mejor película de animación, 2004

Branden Bird (24 de septiembre de 1957 Kalispell, Montana) es un director de animación, guionista y realizador de cine estadounidense, conocido sobre todo por crear la película Ratatouille, también por Los increíbles y por dirigir El gigante de hierro.

Brad Bird

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Primeros años Bird empezó su primera película animada a la temprana edad de 11 años y la acabó a los 13. El film acaparó la atención de los estudios Walt Disney donde, a la edad de 14 años, Bird fue apadrinado por el legendario animador Milt Kahl, uno de los Nine Old Men (nombre que recibían los más veteranos animadores del estudio). Bird se graduó de CalArts cuando conoció al que sería el futuro cofundador de la Pixar y director de sus propias películas, John Lasseter. Finalmente consiguió un trabajo en la Disney, pero lo abandonaría tras trabajar en El zorro y el sabueso en 1981. Bird fue contratado en 1989 por Klasky-Csupo y ayudó a desarrollar Los Simpson a partir de las historias de un minuto del Show de Tracey Ullman y a transformarlas en la serie de media hora de duración que finalmente sería. Allí trabajaría durante algunos años más como consultor ejecutivo. Posteriormente trabajó en otras series animadas, incluyendo El crítico, El rey de la colina, "family Dog", antes de ser contratado por Warner Bros. para dirigir la película animada El gigante de hierro. Aunque la película recibió halagos de la crítica, no fue tan bien recibida en taquilla, debido a la nula promoción de la propia Warner. Bird fue finalmente contratado por su viejo amigo John Lasseter para dirigir Los increíbles. Bird es también el creador (guionista, director y co-productor) del episodio Family Dog de Cuentos asombrosos de Steven Spielberg. Además, co-escribió el guion para la película de acción real Nuestros maravillosos aliados, también producida por Spielberg. En 2005, Bird ganó el Óscar en la categoría a la Mejor Película de Animación por Los increíbles. En 2007, Bird ganó el Óscar en la categoría a la Mejor Película de Animación por Ratatouille. En 2011, durante la ceremonia de los premios Annie, Bird recibió el premio Winsor McCay como agradecimiento a su carrera en el mundo de la animación.[1]

Filmografía Año

Titulo

Papel

Notas

1980 Animalympics

Animador

1981 El zorro y el sabueso

Productor de animación

1982 The Plague Dogs

Animador

1987 Family Dog

Director y guionista

1987 Milagro en la calle 8

Guionista

1990 Do the Bartman

Director

1999 El gigante de hierro

Director y Guionista

2004 Los increíbles

Edna Mode (voz)

2005 Jack-Jack Attack

Director, guionista y actor de voz Director

2005 Assassination Vacation

Charles Guiteau y Emma Goldman (voces) Actor

2007 Ratatouille

Ambrister Maron (voz)

Director, guionista y actor de voz

2011 Mission: Impossible – Ghost Protocol

Director

2012 1906

Director

Brad Bird

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Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

2007 Óscar a la mejor película de animación Ratatouille

Ganador

2007 Óscar al mejor guion original

Candidato

Ratatouille

2004 Óscar a la mejor película de animación Los increíbles Ganador 2004 Óscar al mejor guion original

Los increíbles Candidato

Globos de Oro Año

Categoría

Persona

Resultado

2008 Globo de Oro a la mejor película animada Ratatouille Ganador

Referencias [1] Lussier, Germain (7 de febrero de 2011). « VOTD: Brad Bird’s Annie Award Acceptance Speech and Winner’s List (http:/ / www. slashfilm. com/ votd-brad-birds-annie-award-acceptance-speech-winners-list/ )» (en inglés). /Film. Consultado el 7 de febrero de 2011.

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Brad Bird. Commons

Brian De Palma

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Brian De Palma Brian De Palma

De Palma, Venecia 2007. Nombre real

Brian Russell De Palma

Nacimiento

Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos 11 de septiembre de 1940 (71 años)

Ocupación

Director de cine y guionista

Año de debut

1960 Familia

Cónyuge

Nancy Allen (1979-1983) Gale Anne Hurd (1991-1993) Darnell Gregorio-De Palma (1995-1997) Premios

Otros premios Mejor director - Oso de plata 1969 Greetings León de Plata a la mejor dirección - Festival de Cine de Venecia 2007 Redacted Ficha

[1]

en IMDb

Brian Russell De Palma (n. Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos, 11 de septiembre de 1940) es un director de cine y guionista estadounidense.

Biografía Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newark, Nueva Jersey. Hijo de un cirujano, desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la "National Science Fair Competition" (Concurso Nacional de Ciencias). Mientras estudiaba la carrera de Física, descubrió su pasión por el séptimo arte, interesándose especialmente por el trabajo de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard. De 1962 a 1964 estudió Arte dramático en el Sarah Lawrence College de Nueva York y dirigió varios cortometrajes.

Brian De Palma

Éxitos y fracasos Tras siete producciones independientes, en la que destaca su primera mirada hacia la guerra y en especial a la guerra en Vietnam Greetings (1968) con un joven Robert De Niro, salta a la fama con la película Sisters (1973) y usa por primera vez el estilo voyeurista que después será, junto con las pantallas divididas, una característica en su estilo. El éxito de esta película le llevaría a hacer un cine donde el thriller de marcada influencia Hitchcockiana sería su estandarte, aunque serían dos obras de género fantástico, Phantom of the Paradise (1974) y sobre todo el descomunal éxito de la primera adaptación de una novela de Stephen King, Carrie (1976), los que le situarían como uno de los más interesantes autores del nuevo cine de Hollywood que despuntó en los 70. Como curiosidad señalar que George Lucas y él, grandes amigos entonces, hicieron un casting conjunto para Carrie y Star Wars. También ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película. Ya en los 80 encadenaría éxitos y fracasos a partes iguales. Siempre que volvía al thriller al estilo Hitchcock triunfaba (Dressed to Kill y Body Double) pero sus inquietudes le llevaron a aceptar el encargo de rodar una nueva versión del clásico Scarface (1932) con Al Pacino como gran estrella. A pesar de haber sido una de las películas más taquilleras (recaudó 65 millones de dólares) y que hoy en día es un clásico de culto, en su época fue destrozada por la crítica y supuso un enorme fracaso comercial que hizo que Pacino sólo rodase una única película desde ahí hasta 1989. Tras rodar, incomprensiblemente, una comedia absurda donde la personalidad del director no se deja ver por ninguna parte, Chicos listos, llega al cenit de su carrera con otro trabajo de encargo, The Untouchables. Pionera en la adaptación de series televisivas a la gran pantalla, tanto la crítica como el público la respaldaron. En la cinta se reúne un magnífico plantel de actores donde se ven a unos despuntantes Kevin Costner y Andy García, y a unos espléndidos Sean Connery, quien ganaría el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su rol en la cinta, y Robert De Niro deslumbrante en el papel de Al Capone. Mencionar que Al Capone fue la inspiración del tandem Howard Hawks/Howard Hughes para el antihéroe Tony Camonte en la Scarface original, con lo que De Palma habría contado en apenas 6 años dos veces la historia del mismo personaje. Tras este sensacional éxito De Palma vuelve los ojos a su vieja obsesión sobre Vietnam aprovechando la estela de premios de Platoon (1986). En esta ocasión rememora una noticia que le marcó en su juventud, la violación de una joven vietnamita a manos de unos soldados estadounidenses. La cinta, a pesar de sus buenas intenciones se hundió en la taquilla y fue ignorada a pesar (o quizás por culpa de) contar con el emergente Michael J. Fox como protagonista. Decir que esta historia la retomaría años después en Redacted (2007) pero enmarcándola en la Guerra del Golfo. Su mayor fracaso fue sin embargo su siguiente película, La hoguera de las vanidades (1990), destrozada y denostada a partes iguales, el intento de sacarle de la condición de "artesano" para ser un autor acabó como si hubiese sido un espejismo, aunque todavía haría una última intentona con la notable Carlito's Way (1993), donde reúne a Al Pacino y a Sean Penn en un intenso duelo actoral que sigue la estela de Scarface. Al igual que esta en su momento pasó desapercibida para posteriormente convertirse en un clásico del cine. En la filmografía pendular de De Palma no podía faltar otra nueva adaptación por encargo de una serie de TV. Misión: Imposible (1996) es un vehículo para lucimiento de su productor y protagonista Tom Cruise. No se sabe si por las constantes peleas entre estrella y director el trabajo de De Palma fue eficaz pero sin chispa, lo cual desgraciadamente se ha convertido desde entonces en moneda común en su cine. A pesar de esto se saldó con una taquilla arrolladora que dio al neoyorquino vida tras las pobres recepciones de sus últimas películas. Snake Eyes (1998) y Mission to Mars (2000) intentaron ser, igual que la anterior, vehículos de lucimiento de Nicolas Cage la primera y de intento de consolidar la posición de los emergentes Gary Sinise, Don Cheadle, Connie Nielsen y Jerry O'Connell, y afianzar el estatus de Tim Robbins, pero en ambos casos las cifras no fueron lo suficiente como para llamar la atención a pesar de ser películas esforzadas, aunque no notables.

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Brian De Palma Después de Mission to Mars, y tras una serie de problemas con la industria estadounidense, se traslada a Francia, donde reside, y encuentra una serie de productores, con los que consigue filmar Femme Fatale (2002). Esta película, a pesar de recibir críticas negativas, es considerada por críticos de renombre como Roger Ebert como una excelente película. Unos años más tarde, se reencuentra con el productor Art Linson (productor de The Untouchables y Corazones de hierro) y regresa a los Estados Unidos para dirigir The Black Dahlia (2006), también con pobres resultados. Tras este último fracaso vuelve a sus orígenes, al cine de pequeño formato, a la obsesión sobre la guerra y a la ruptura visual a la que acostumbró al público con Redacted (2007), pero como todas las películas bélicas ambientadas en el conflicto del golfo, esta también pasó desapercibida. Ahora se dice que está trabajando en la continuación del punto más álgido de su carrera, Los intocables, contándonos la ascensión de Capone, pero ahora mismo y tras casi 5 años ya aún no se ha dado el pistoletazo de salida para comenzar la filmación.

Filmografía • 2012: The Untouchables: Capone Rising • 2007: Redacted (Redactado) • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

2006: The Black Dahlia (La Dalia Negra) 2002: Femme Fatale 2000: Mission to Mars (Misión a Marte) 1998: Snake eyes (Ojos de Serpiente) 1996: Mission: Impossible (Misión: Imposible) 1993: Carlito's Way (Atrapado por su pasado / Carlito's Way) 1992: Rasing Caín (Demente / En nombre de Caín) 1990: The Bonfire of the Vanities (La hoguera de las vanidades) 1989: Casualties of War (Pecados De Guerra / Corazones de hierro) 1987: The Untouchables (Los intocables / Los intocables de Elliot Ness) 1986: Wise guys ( Chicos listos / Estos Si Son Amigos) 1984: Body Double (Doble de cuerpo / Doble cuerpo) 1983: Scarface ( Caracortada / El precio del poder) 1981: Blow out (El Sonido De La Muerte / Estallido Mortal / Impacto) 1980: Dressed to Kill (Vestida para matar) 1980: Home Movies (Una familia de locos) 1978: Fury (La furia) 1976: Carrie (Carrie: Extraño Presentimiento) 1976: Obsession (Magnifica Obsesión / Obsesión/ Fascinación) 1974: Phantom of the Paradise (El fantasma del paraíso) 1973: Sisters (Siamesas Mortales / Hermanas) 1972: Get to know yor rabbit 1970: Hi, Mom! (Blue Manhattan / Hola, mamá) 1970: Dionysus 1969: The wedding party 1968: Greetings (Saludos) 1968: Murder a la mod

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Brian De Palma

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Enlaces externos • Ficha de Brian De Palma en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • El criticón [3]

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000361 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000361 [3] http:/ / www. alohacriticon. com/ elcriticon/ article2242. html

Bryan Singer Bryan Singer

Bryan Singer en la WonderCon (febrero de 2006) Nacimiento

Nueva York, Estados Unidos 17 de septiembre de 1965 (46 años) Premios

Premios BAFTA Mejor película 1995 The Usual Suspects Ficha

[1]

en IMDb

Bryan Singer (n. Nueva York, 17 de septiembre de 1965) es un director de cine y productor estadounidense, de origen judío, popular entre los aficionados a la ciencia ficción por sus trabajos en películas como X-Men o Superman returns.

Biografía Bryan Singer es originario de la ciudad de Nueva York, creció en una casa hogar judía en Nueva Jersey, Estados Unidos. Asistió a la escuela secundaria West Windsor-Plainsboro y realizó sus estudios de Dirección Cinematográfica en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y, más adelante, en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad del Sur de California en Los Ángeles. Singer fue criado en un hogar judío y ha declarado abiertamente su homosexualidad[2] . Asimismo ha manifestado que el haber crecido como parte de una minoría le influyó en el desarrollo de su película X-Men. Su compañía productora lleva el nombre de Bad Hat Harry Productions, y realiza trabajos para la televisión, el cine, DVD y videojuegos. Su nombre está tomado de una frase de su película favorita "Tiburón": "That's some bad hat, Harry", se puede oír en el clip de los créditos de la compañía.

Bryan Singer

Trabajos Lion's Den Tras graduarse, Singer dirigió un corto llamado Lion's Den. En este trabajo Singer hizo amistad con el actor Ethan Hawke a quien conocía de su niñez en Nueva Jersey y al editor John Ottman.

Public Access Después de proyectarse el corto Lion's Den, Singer se acercó a una productora japonesa de películas de bajo presupuesto y junto con Christopher McQuarrie, su amigo de la secundaria, escribió el guion para 'Public Access, cuyo argumento se desarrolla en un idílico pueblito. Ottman trabajó como editor y compuso la música para la cinta. Durante el Festival Sundace de 1993 la película fue co-ganadora del Gran Premio del Jurado.

The Usual Suspects Mientras asistían al Festival Sundace de 1993, Singer y McQuarrie empezaron a discutir una idea que McQuarrie tenía para una historia donde "cinco criminales se conocen en una rueda de identificación". La película, Los sospechosos de siempre/Sospechosos habituales (The Usual Suspects), ganó numerosos premios incluyendo el premio BAFTA de 1995 a la mejor película y el Premio Saturno para el mejor actor en una película de aventuras y suspense. McQuarrie ganó también el premio de la Academia como mejor guion original y el premio BAFTA por mejor guion. El compositor y editor John Ottman ganó el premio BAFTA por mejor edición y el premio Saturno a la mejor banda sonora. Kevin Spacey ganó el premio de la Academia como mejor actor de reparto.

Apt Pupil En 1998, Singer dirigió la película Apt Pupil (en España Verano de corrupción), basada en la novela de Stephen King del mismo nombre. El guion fue adaptado por uno de sus amigos Brandon Boyce. Esta película cuenta la historia de un joven muchacho que desarrolla una mórbida fascinación por un criminal de Guerra Nazi. Esta cinta recoge también una de las experiencias de la niñez de Singer, cuando él y sus amigos formaron brevemente un Club Nazi. Singer ha declarado posteriormente que ese club fue creado debido a la gran atracción que ejercía en ellos la Segunda Guerra Mundial y que de ninguna manera el grupo era antisemita.

X-Men Inicialmente Singer se acercó a la 20th Century Fox para dirigir 'X-Men, después de haber dirigido The Usual Suspects, pero debido a que no era un fan de los comics y desconocía a los personajes rechazó la oferta. Sin embargo, su amigo Tom DeSanto, gran fan de estos y socio de la compañía productora Bad Hat Harry Productions lo persuadió para que reconsiderara la oferta. Singer, tras leer los cómics y familiarizarse con los personajes, aceptó firmar con la Fox. Singer rechazó todos los guiones creados a lo largo de una década para producciones que nunca llegaron a realizarse. Finalmente, y junto a DeSanto, crearon el boceto del nuevo guion en una semana, que luego desarrolló con David Hayter, quien anteriormente había sido su chófer. Con esta cinta Singer ganó el Saturn Award como mejor director del 2000.

Confessions of a Dangerous Mind A inicios del 2001, Singer planeó dirigir Confessions of a Dangerous Mind, guion escrito por Charlie Kaufman, basada en la novela del mismo nombre escrita por Chuck Barris y protagonizada por Johnny Depp. Sin embargo, la producción se detuvo debido a problemas financieros por lo que Singer abandonó el proyecto. Más adelante este filme fue retomado por Miramax Films quien encargo la dirección a George Clooney y tenía a Sam Rockwell en el papel estelar. Más tarde Singer manifestó que estaba gratamente impresiosanado por el trabajo de Clooney.

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Bryan Singer

X2 En junio de 2002 se dio inicio a la filmación de la segunda parte de los hombres Xs en Canadá con Singer nuevamente como director, pero esta vez contando con David Hayter, Dan Harris y Mike Dougherty como guionistas. En el 2004, X2 fue nominada por los Hugo Awards como mejor película dramática pero perdió frente al Señor de los anillos: El retorno del Rey dirigida por Peter Jackson.

Star Trek: Nemesis En el 2002 Patrick Stewart se enteró que Singer había sido un ferviente fan de la serie y arreglo una visita al set de Star Trek: Nemesis y apareció casi al final de la película como un oficial Starfleet en el puente de mando de la nave the Enterprise.

House El 16 de noviembre de 2004 una nueva serie dramática relacionada con ambiente médico, salió al aire por la cadena Fox con el nombre de House M.D.. En esta serie Singer es el productor ejecutivo pero también dirigió el piloto y el tercer episodio, incluso tuvo una breve aparición en el duodécimo capítulo donde actúa como él mismo. Actualmente, House es una de las series más populares en Estados Unidos, se emite a través de la cadena FOX y tiene una media de 13 millones de espectadores por episodio. En España puede verse a través del canal FOX y en abierto a través de Cuatro. La tercera temporada se estrenó en USA el 5 de septiembre de 2006. "House" ha ganado varios premios importantes: dos Emmys de la televisión. El primero a Hugh Laurie (actor que interpreta a House) como mejor actor de serie dramática, y el segundo para el creador de la serie, David Shore, al mejor guion por el capítulo de la primera temporada titulado "Tres Historias". Además, Hugh Laurie ha conseguido el Globo de Oro al mejor actor en serie de drama en 2006.

King Kong Casi como una broma, Singer fue llamado a Nueva Zelanda para dirigir algunas de la últimas tomas del remake de King Kong, pues el director de la película Peter Jackson se encontraba extremadamente exhausto y necesitaba dormir por lo que pidió su ayuda. Sin embargo se le aseguró a los ejecutivos de Universal que ya todo estaba listo. Parte de este procedimiento se muestra en el diario de producción de King Kong de Peter Jackson. Luego se desmintió su participación formal en la realización del filme.

Superman Returns A mediados del 2004, Singer estuvo en negociaciones para dirigir la tercera parte de X-Men para la Fox. Casi al mismo tiempo se le ofreció la posibilidad de dirigir la nueva película de Superman, Superman Returns. El 19 de julio la revista Variety informó de que Singer había firmado con Warner Bros para dirigir la nueva película de Superman, lo que condujo a que la Fox diera por terminado su contrato con la compañía productora de Singer, Bad Hat Harry Productions. La película Superman Returns fue filmada en Australia durante 2005. Se estrenó comercialmente en cines en junio de 2006, y en Argentina y otras partes del mundo en julio de ese mismo año. Si bien el estudio estimó una recaudación mayor a la de la película Spiderman, también una adaptación de comics, no fue realmente así, y la película recaudó en Estados Unidos solo 200 millones de dólares, y en el mercado internacional un monto similar. El director no esperaba conseguir esta recaudación porque consideraba que Superman es un héroe norteamericano, aun así recaudó 200 millones de dólares en el resto del mundo. Este monto no se acercó a lo que el estudio esperaba ya que el coste de la película, y esto según el propio director, había ascendido a 200 millones de dólares. Por esta razón al director se le redujo el presupuesto para una próxima entrega en tan solo 170 millones, y bajo la premisa de incluir más acción en la siguiente película. Aún no hay detalles de una secuela, pero sí fue descartado como director de una próxima entrega.

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Bryan Singer

Battlestar Galactica A finales del 2001, los planes de Singer era los de ayudar a DeSanto en la producción de la nueva serie televisiva Battlestar Galactica para el Studio USA (hoy NBC Universal Television Studio) y la cadena Fox. Singer tenía el compromiso de dirigir la miniserie que serviría como piloto de una potencial serie. Es así que, en una entrevista para la revista Variety de febrero de 2001, comentó que se sentía muy seguro de que la marca Galactica era un gigante dormido, "Galactica era una serie que había visto la primera vez que salió al aire, desde el piloto hasta el último capítulo. La esencia de esta marca sería muy fuerte en un ambiente donde existe un gran déficit de programas de ciencia ficción". Sin embargo la producción se retrasó también debido a los ataques del 11 de septiembre, lo que llevo a Singer a abandonar el proyecto puesto que ya estaba comprometido para dirigir la secuela de X-men. La cadena Fox, entonces perdió el interés y el Studio USA llevó el proyecto al canal de ciencia ficción Sci Fi Channel y a diferentes equipos de producción, que dio como resultado la nueva miniserie Battlestar Galactica en 2003 y la serie de televisión en 2004. Finalmente en verano de 2009 se anunció que Bryan había retomado su proyecto original y adaptaría la serie a la gran pantalla.[3]

Filmografía • Public Access (1993) • • • • • •

Los sospechosos de siempre / Sospechosos habituales (The Usual Suspects, 1995) Verano de corrupción (Apt Pupil, 1998) X-Men (2000) X-Men 2 (2003) Superman returns (2006) Valkyrie (2008)

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001741 [2] Stephen Applebaum. « Interview: Bryan Singer (http:/ / www. bbc. co. uk/ films/ 2003/ 04/ 25/ bryan_singer_x_men_2_interview. shtml)». BBC. Consultado el 26-09-2007. [3] Variety (2009). « Singer to direct "Battlestar" movie (http:/ / www. variety. com/ article/ VR1118007275. html?categoryid=1236& cs=1& query=bryan+ singer)» (en ingles). Consultado el 17 de agosto de 2009.

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Buster Keaton

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Buster Keaton Buster Keaton

Nombre real

Joseph Frank Keaton VI

Nacimiento

Piqua, Kansas, Estados Unidos 4 de octubre de 1895

Fallecimiento

Woodland Hills, California, Estados Unidos 1 de febrero de 1966 (70 años)

Ocupación

Actor Familia

Cónyuge

Natalie Talmadge (1921-1932) Mae Scriven (1933-1936) Eleanor Keaton (1940-1966) Premios

Premios Óscar

Óscar honorífico (1960)

[http://The International Buster Keaton Society

[1]

Página web oficial] Ficha

[2]

en IMDb

Joseph Francis "Buster" Keaton (Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor, guionista y director estadounidense de cine mudo cómico. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "Cara de piedra". En España fue conocido artísticamente como Pamplinas. Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vodevil. Su padrino fue Harry Houdini, quien lo bautizó "Buster" (el destructor) tras verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años. Como curiosidad cabe añadir que no está relacionado con Diane Keaton [3] ni con Michael Keaton (cuyo verdadero apellido es Douglas, pero se lo cambió para no ser confundido con el hijo de Kirk Douglas).

Primeros años Fue criado en el mundo del vodevil, actuando junto a sus padres (presentados como "Los Tres Keatons") desde la edad de tres años. Sus padres pertenecían a la Mohawk Medicine Company, igual que Houdini, y casualmente se encontraban en Kansas cuando Buster nació. Su padre había sido periodista en el Oeste, y junto a Myra, su mujer, realizaba un número acrobático. El espectáculo debía de ser bastante impresionante, ya que Keaton hijo era lanzado desde un lado a otro del escenario y pisoteado. El sketch se llamaba El estropajo humano y sus padres fueron interrogados por las autoridades en varias ocasiones para comprobar que Buster no salía dañado.

Buster Keaton

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El cine En el momento en que su carrera en el teatro comenzaba a florecer, Keaton comenzó a interesarse por la entonces naciente industria del cine. Decidió probar su suerte en el mundo de las películas y se unió a la unidad de cineastas de Fatty Arbuckle. El talento natural de Keaton para la comedia física llamó la atención de Arbuckle, quien pronto le puso a coprotagonizar sus películas. Buster rechazó una oferta del Winter Garden Theatre, que le ofrecía 250 dólares a la semana, para trabajar en películas por 40 dólares cada una. Keaton y Arbuckle se hicieron entonces amigos inseparables. Su primera película fue El Carnicero (The Butcher Boy, 1917), y a partir de ahí, Keaton se empezaría a interesar cada vez más por los aspectos técnicos del cine. Según él mismo, para averiguar cómo funcionaba una cámara de cine, la destrozó en mil pedazos, y comenzó a interesarse por tipos de película, objetivos, proyección y otros aspectos de la cinematografía. Tras cinco películas más con Fatty, se trasladaron con todo el equipo a California, y fue allí donde conoció a una de las famosas hermanas Talmadge, Natalia, con quien se casaría poco tiempo después. Volvió a casarse otras dos veces, con Mae Scribbens en el año 1933 y con Eleanor Harris en 1940.

Los largometrajes En el año 1918, fue llamado a filas para la Primera Guerra Mundial, y estuvo siete meses en Francia haciendo espectáculos para las tropas. Allí fue cuando, debido a una infección en los oídos, se quedó prácticamente sordo para el resto de su vida. Cuando volvió a Estados Unidos, Fatty estaba preparando su primer largometraje y Joseph Schenck le ofreció su productora para realizar sus propias películas como protagonista. En aquella época fue cuando Fatty dejó prácticamente de hacer cine entre otras cosas por el escándalo que se produjo, en el año 1921, cuando fue acusado de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe.

Buster Keaton en el Ejército.

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El éxito Entre los años 1920 y 1923, Keaton rodó un largometraje, Pasión y boda de Pamplinas (The Saphead), y 19 cortos. Cuando cambió de productor, rodó, entre los años 1923 y 1928, otros 10 largometrajes. En esa época tuvo control absoluto de todas sus películas, aunque él personalmente no poseía ninguna acción de la productora. Sus rodajes eran muy caros, pues podía pedir una antigua locomotora o un transatlántico. Después no volvió a controlar el aspecto creativo de sus propias películas.

Cartel de una película de Buster Keaton, 1920.

Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo catapultaron a la fama, incluyendo Una semana, La mudanza, La casa eléctrica y El gran espectáculo. Alcanzó la cima de su creatividad durante los años 1920. Su éxito inicial le convirtió en uno de los comediantes más famosos del mundo. Su popularidad fue opacada solamente por el arrollador éxito de Harold Lloyd y Charlie Chaplin, aunque mantuvo una relación cordial con ambos al igual que con algunos de los actores más famosos de la época, como Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino.

Cara de piedra Fue en esta época cuando modeló su personaje, un joven tragicómico, que se enfrenta a las desgracias con una absoluta inexpresividad, que hizo que le bautizaran como "cara de piedra". Para darle expresión a su personaje, utilizaba las acrobacias, para las que se negaba a usar dobles o especialistas. Todas las proezas que realizó en El maquinista de la general, o en El héroe de río, son suyas. En El rostro pálido, llegó a saltar desde una altura de 24 metros, y en la película El moderno Sherlock Holmes, se rompió el cuello en una escena de riesgo.

Buster Keaton

Sus mejores películas Sus películas más famosas y populares de esta primera época, son las consideradas como las mejores de toda su carrera, e incluyen Las tres edades (1923), La ley de la hospitalidad (1923), El navegante (1924), El héroe del río (1928), El maquinista de la General (1927), El moderno Sherlock Holmes (1924) o Las siete ocasiones (1925).

El maquinista de la General En una ocasión, le dijeron a Keaton que ésta película reflejaba mejor la Guerra de Secesión de Estados Unidos que Lo que el viento se llevó, a lo que él respondió que "mientras unos recurren a las novelas para encontrar argumentos, otros recurren a la Historia". Estaba basada en un hecho "real" autobiográfico del novelista William Pittenger, que trataba sobre el secuestro de un tren confederado por parte de soldados de la Unión. Lo que hizo Keaton fue cambiar el punto de vista, ya que el protagonista es un soldado sureño, es decir, los "malos" para el gran público de Hollywood. A lo largo de toda la película, no da la sensación de ser un vehículo para los gags, como pasa en muchos películas de la época, sino que todo está perfectamente ensamblado. Fue rodada en los bosques de Oregón, y al poner en marcha las locomotoras con leña, provocaron un incendio forestal durante el rodaje. Fue todo un hito en efectos especiales la escena en que la locomotora cae desde un puente por un barranco. La película resulta una reivindicación de lo que es capaz de hacer un hombre solo, Buster Keaton en El maquinista de la General, pequeño, y en apariencia débil, por recuperar las dos cosas que más 1926. desea en este mundo, su locomotora, y la mujer a la que ama. El maquinista de la General es considerada hoy día como una obra maestra, pero en el momento de su estreno resultó un fracaso comercial.

El olvido La unidad de producción de Keaton fue adquirida por MGM en 1928, una decisión de negocios que Keaton lamentaría siempre. Le obligaron a realizar una serie de películas junto a Jimmy Durante, que tuvieron éxito, pero que él despreciaba por considerarlas de muy baja calidad. Tras ser forzado a entrar en el sistema de estudio, al cual nunca se adaptó, Keaton cayó en el alcoholismo. Su carrera se derrumbó en unos pocos años y pasó gran parte de la década de 1930 oculto, trabajando como escritor de gags para varias películas de MGM, particularmente aquellas de los Hermanos Marx -incluyendo Una noche en la ópera (1935) y Una tarde en el circo (1939)- y varias películas de Red Skelton.

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Últimos años Las películas El crepúsculo de los dioses (1950), de Billy Wilder, con un pequeñísimo papel en el que hacía de antigua gloria del cine, y Candilejas, (1952), de Chaplin, hicieron que el gran público volviera a fijarse otra vez en él. Posteriormente, se dedicó a hacer anuncios de televisión y espectáculos en directo que hicieron que la gente se interesara en sus antiguas películas, en su mayoría obras maestras, que fueron prácticamente ignoradas cuando se estrenaron. Su última aparición en público, fue, en el año 1965, en el Festival de Venecia, cuando presentó la que sería su última película, Film, de Samuel Beckett, dirigida por Alan Schneider. En esta ocasión, por primera vez en su vida, protagonizó un drama. Fue ovacionado por el público. Cinco meses después, a los 70 años, fallecía en su casa de Los Ángeles. Tumba de Buster Keaton.

Otra presentación memorable en una película es con Cantinflas en la película "La vuelta al mundo en 80 días", en donde hace el papel del jefe del tren (en claro homenaje a su recordada película).

Filmografía • Pasión y boda de Pamplinas (The saphead) (1920) Largometraje • Una semana (One Week) (1920) • Convicto 13 (Convict 13) (1920) • El espantapájaros (Scarecrow) (1920) • La vecina de Pamplinas (Neighbors) (1920) • El gran espectáculo (The Playhouse) (1921) • La barca (The Boat) (1921) • La casa encantada (The haunted house) (1921) • Pamplinas nació en día 13 (Hard luck) (1921) • El guardaespaldas (The high sign) (1921) • El chivo (The Goat) (1921) • La mudanza (Cops) (1922) • Las relaciones con mi mujer (My wife's relations) (1922) • El herrero (The Blacksmith) (1922) • El polo norte (The frozen north) (1922) • El rostro pálido (The paleface) (1922) • Sueños imposibles (Day dreams) (1922) • La casa eléctrica (The Electric House) (1922) • El aeronauta (The Balloonatic) (1923) • Nido de amor (The love nest) (1923) • Las tres edades (The Three Ages) (1923) • La ley de la hospitalidad (Our Hospitality) (1923) • • • •

El navegante (The Navigator) (1924) El moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr.) (1924) El rey de los cowboys (Go West) (1925) Siete ocasiones (Seven Chances) (1925)

Cartel de El rey de los cowboys, 1925.

Buster Keaton • • • • • • • • • • • • •

El maquinista de la General (The General) (1926) El boxeador, El último round (Battling Butler) (1926) El colegial (College) (1927) El héroe del río (Steamboat Bill Jr.) (1928) El cameraman (The Cameraman) (1928) El comparsa (Spite marriage) (1929) The Railrodder, también conocida como The Railroader, dirigida por Gerald Potterton en 1965. Acompaña a El maquinista de la General en una versión reciente realizada en Blu-Ray. Sunset Boulevard (1950) Hace una breve aparición como él mismo. Candilejas (Limelight) (1952) La vuelta al mundo en ochenta días ( 1956) Once upon a Time Episodio 78 de La (Dimensión Desconocida) ( 1961) Golfus de Roma (Dir. Richard Lester) ( 1966) Guerra a la italiana (Dir. Luigi Scattini) ( 1966)

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Buster Keaton. Commons • Ficha de Buster Keaton en inglés [4] y en español [2] en Internet Movie Database. • Filmografía de Buster Keaton I en YouTube [5] • Filmografía de Buster Keaton II en YouTube [6]

Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6]

http:/ / www. busterkeaton. com http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000036 http:/ / genealogy. wikia. com/ wiki/ Lemuel_West_Keaton_(1866-1941) http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000036 http:/ / www. youtube. com/ watch?v=Jwa0RSEF2J8 http:/ / www. youtube. com/ watch?v=y5A7bBYE7fk& feature=related

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Mario Moreno -Cantinflas-. Nombre real

Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes

Nacimiento

Ciudad de México, 12 de agosto de 1911

Fallecimiento

Ciudad de México,  México 20 de abril de 1993 (81 años)

Apodo(s)

"Cantinflas" "El Mimo de la Gabardina"

Ocupación

Actor y comediante

Años activo/a

1937 - 1982

 México

Familia Cónyuge

Valentina Ivanova Zuvareff (1936-1966) Premios

Globos de Oro Mejor actor - Comedia o musical 1957 La vuelta al mundo en ochenta días Ficha

[1]

en IMDb

Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes (Ciudad de México, México, 12 de agosto de 1911 – Ibídem, 20 de abril de 1993), mejor conocido como Cantinflas, fue un actor y comediante mexicano, ganador del Globo de Oro en 1957. Ganó una enorme popularidad con la interpretación de su personaje Cantinflas, un hombre salido de los barrios pobres que se originó del típico pelado. El personaje se asoció con parte de la identidad nacional de México y le permitió a Moreno establecer una larga y exitosa carrera cinematográfica que incluyó una participación en Hollywood. Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de "peladito", lo tomó del comediante Manuel Medel.[2] Mario Moreno ha sido referido como el "Charlie Chaplin de México". Mientras que algunas de sus películas fueron dobladas al inglés para las audiencias angloparlantes y su trabajo fue bien recibido entre la gente de Francia, el juego de palabras que usaba en español no se traducía bien a otras lenguas, por lo que tuvo un estruendoso éxito en Latinoamérica, en España y en Guinea Ecuatorial,[3] donde todavía tiene muchos admiradores. Como pionero del cine mexicano, Mario Moreno ayudó a su crecimiento en la Época de oro. Además de ser un líder en los negocios, también llegó a involucrarse en la política de México. Aunque fue conservador, su reputación como portavoz de los desprotegidos le dio a sus acciones autenticidad y se convirtió en alguien importante en la lucha contra el charrismo sindical, que es la práctica del gobierno de un solo partido, para manejar y controlar los

Cantinflas sindicatos. Su personaje, cuya identidad se mezcló con la de sí mismo, ha sido analizada desde la década de los cincuenta por numerosos críticos de los medios de comunicación, filósofos, antropólogos y lingüistas.

Biografía Fue el sexto de doce hijos del matrimonio de Pedro Moreno Esquivel, un humilde cartero, y María de la Soledad Reyes Guízar. Cuatro de ellos murieron debido a malos partos. Ocho sobrevivieron, José "Pepe", Rafael, Mario, Gabriel, Eduardo, Esperanza, Julio y Roberto. Mario Fortino Alfonso nació en el barrio de Santa María la Ribera en la Ciudad de México, y creció en el barrio bravo de Tepito. Después de un intento fallido de entrar a los Estados Unidos por California, se convirtió en boxeador para ganarse la vida. Su personalidad cómica lo llevó a las carpas de los circos y de ahí pasó al teatro y al cine. En los escenarios populares compartió créditos con el socio artístico de sus primeros años, Manuel Medel, con el que además filmó tres películas entre 1937 y 1939. A principios de 1928 se alistó en el Ejército Mexicano como soldado de infantería con estudios de mecanógrafo. El 23 de mayo de ese mismo año, su padre envió una carta solicitando su baja, comprobando que su hijo tenía 16 años y no 21 como lo había señalado. Mario Moreno había falseado información para alistarse en el ejército. Se casó con Valentina Ivanova, originaria de Moscú, el 27 de octubre de 1934 y permaneció con ella hasta la muerte de la misma en 1966. En 1961 Moreno e Ivanova adoptaron un niño y fue llamado Mario Arturo Moreno Ivanova. Moreno sirvió como presidente de la ANDA (Asociación Nacional de Actores) y fue el primer secretario general del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC). Después de retirarse, Mario Moreno dedicó su vida a ayudar a los demás a través de la caridad y de organizaciones humanitarias, sobre todo las que se dedicaban a ayudar a los niños.

Fallecimiento Murió a causa de cáncer de pulmón el 20 de abril de 1993, miles de personas se reunieron en un día lluvioso para su funeral. La ceremonia fue un evento nacional que duró tres días. Sus cenizas yacen en la cripta familiar de la familia Moreno Reyes, en el Panteón Español de la Ciudad de México. Fue homenajeado por muchos jefes de Estado y por el Congreso de los Estados Unidos, que mantuvo un minuto de silencio por él. Después de su muerte, comenzó una batalla legal entre su hijo y legítimo heredero,[cita requerida] Mario Moreno Ivanova, y el sobrino del actor, Eduardo Moreno, sobre el control de 34 películas hechas por Cantinflas. El sobrino sostenía que su tío le había dado permiso escrito para tomar los derechos de las películas cuando estaba en su lecho de muerte. Moreno Ivanova argumenta que es el heredero directo de Cantinflas y por lo tanto los derechos le pertenecen. Eduardo Moreno ganó la demanda en dos ocasiones, pero finalmente triunfó Moreno Ivanova, luego de dos apelaciones. Al mismo tiempo, otra demanda surgió entre Columbia Pictures y Mario Ivanova sobre el control de esas películas. Columbia dice que compró los derechos de las películas hace cuatro décadas, en una corte que notó varios errores en los documentos. Moreno Ivanova quería que los derechos quedaran en su poder y, más generalmente, en el poder de México, como tesoro nacional. El 2 de junio del 2001, luego de 8 años de batalla, finalmente Columbia se quedó con los derechos de las 34 películas disputadas.[4]

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Centenario En agosto de 2011 se cumplio el centenario de su nacimiento, lo que se celebro con una serie de eventos y festejos en México y Latinoamérica. El Gobierno del Distrito Federal elaboró una exposición en Paseo de la Reforma en honor al Centenario de su natalicio. El director Alejandro Gómez Monteverde llevará a la pantalla grande una película biográfica sobre Cantinflas, cuyo guion estará a cargo del mismo Alejandro Gómez Monteverde, Gabriela Tagliavini y José Portillo. El filme será rodado en México, principalmente en español, la película se planea estrenar al mismo tiempo que se celebre el que sería el cumpleaños número 100 de Cantinflas, el 12 de agosto de 2011. El encargado de interpretar a Cantinflas será el actor español Óscar Jaenada.[5] Los productores son: Ben Silverman, Jay Weisleder, Adolfo Franco y Vidal Cantu Garza.

Origen del nombre De joven, realizaba una variedad de actos en carpas rodantes, y fue en ellas donde recibió el apodo de Cantinflas; sin embargo, el origen del nombre se pierde en la leyenda. Según un obituario, es un nombre sin significado alguno, que fue inventado a fin de evitar que sus padres se enteraran que trabajaba en el negocio del espectáculo, al que consideraban una ocupación vergonzosa. En otra versión, el ensayista mexicano Carlos Monsiváis cita el legendario origen del discurso del personaje: De acuerdo a una leyenda con la que él está de acuerdo, el joven Mario Moreno, intimidado por el pánico escénico, una vez en la carpa Ofelia olvidó su monólogo original. Comenzó a decir lo primero que le viene a la mente en una completa emancipación de palabras y frases y lo que sale es una brillante incoherencia. Los asistentes lo atacan con la sintaxis y él se da cuenta: el destino ha puesto en sus manos la característica distintiva, el estilo que es la manipulación del caos. Semanas después, se inventa el nombre que marcará la invención. Alguien, molesto por las frases sin sentido grita: «Cuánto inflas» o «en la cantina inflas», la contracción se crea y se convierte en la prueba del bautismo que el personaje necesita. Carlos Monsiváis

Carrera en el mundo del espectáculo Antes de comenzar su vida profesional, exploró un número de posibles carreras como la medicina el boxeo e incluso torero profesional antes de unirse al mundo del espectáculo como bailarín. Para 1930, ya se había unido al circuito de carpas de la Ciudad de México, turnándose entre las carpas Ofelia, Sotelo de Azcapotzalco, y finalmente la carpa Valentina, donde conoció a su futura esposa. Al principio trató de imitar a Al Jolson pintándose la cara con pintura negra, pero después se separó para formar su propia identidad como un habitante de un barrio pobre con pantalones holgados, una soga como cinto y un bigote muy particular. En las carpas bailaba, realizaba acrobacias y otros varios oficios.

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Carrera cinematográfica A mediados de la década de 1930, Cantinflas conoció al productor ruso Jacques Gelman y posteriormente se asoció con él para formar su propia compañía productora cinematográfica. Gelman, producía, dirigía y distribuía, mientras Cantinflas actuaba.

Estrella con el nombre de Cantinflas en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Cantinflas hizo su debut en 1936 en la película No te engañes corazón pero la película recibió poca atención. En 1939 estableció Posa Films, produciendo películas cortas que le permitieron desarrollar el personaje de Cantinflas, pero fue en 1940 cuando finalmente se convirtió en una estrella después de rodar Ahí está el detalle. La frase que le dio su nombre a la película se convirtió en su principal frase por el resto de su carrera. La película fue un éxito en Latinoamérica y fue reconocido por la revista Somos como una de las 10 más grandes producciones de México.

En 1941, hizo primero el papel de un oficial de policía en la película El gendarme desconocido. Para entonces ya se había distinguido bastante del típico "peladito" de la década de 1920 y su personaje pasaba cómodamente de ser el hombre marginado de clase baja a poderoso servidor público. La naturaleza política de la retórica del cantinflismo facilitó esta fluidez. Volvería a tomar el papel del agente 777 y sería homenajeado por las fuerzas policíacas en toda América Latina por su imagen positiva de la aplicación de la ley. Ni sangre ni arena, una película satírica acerca del toreo en 1941, rompió niveles de taquilla de películas mexicanas en varios países de América. En 1942 se unió con Miguel M. Delgado y Jaime Salvador para producir una serie de parodias, incluyendo una de El circo de Chaplin. Las décadas de 1940 y 1950 fueron las mejores para Cantinflas. En 1946 dejó de trabajar con las compañías mexicanas y firmó contratos con Columbia Pictures. Para entonces, su popularidad era tal, que pudo prestar su prestigio a la causa de los trabajadores mexicanos, representando a la Asociación Nacional de Actores en conversaciones con el presidente Manuel Ávila Camacho. Sin embargo las pláticas no dieron buenos resultados y como resultado de un escándalo, decidió retractarse y regresar al teatro. El 30 de agosto de 1953, Cantinflas inició la presentación de su obra teatral Yo Colón en el Teatro de los Insurgentes, el mismo teatro que se había visto envuelto en una controversia sobre un mural de Diego Rivera que incorporaba imágenes de Cantinflas y de la Virgen de Guadalupe. Los críticos, incluyendo ciertos grupos conservadores y el arzobispo Luis María Martínez, tildaron la obra como "blasfemia" y eventualmente fue pintada sin la imagen de la Virgen. Yo Colón colocaba a Cantinflas en el personaje de Cristóbal Colón quien, mientras continuaba "descubriendo América" hacía observaciones cómicas, históricas y contemporáneas desde diferentes perspectivas. Las bromas cambiaban cada noche y Moreno continuó empleando su juego de palabras y doble sentido para atacar a los políticos. En 1956, La Vuelta al Mundo en 80 Días, el debut estadounidense de Cantinflas, lo hizo ganar una nominación al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor de musical o comedia, que finalmente ganó; en esta cinta actúa junto al actor inglés David Niven. La revista Variety dijo en 1956 que su calidad chaplinesca contribuyó al éxito de la película. Esta película recaudó la cantidad de $42 millones de dólares en taquilla. Mientras que Niven fue el principal actor en los países de habla inglesa, Cantinflas lo fue en el resto de los países. Como resultado de la película, Cantinflas se convirtió en el actor mejor pagado del mundo. La segunda película estadounidense de Cantinflas, Pepe, intentó replicar el éxito de la primera. La película incluyó apariciones relámpago o cameos, de Frank Sinatra, Judy Garland, y otras estrellas. Su humor, profundamente

Cantinflas arraigado en la lengua española, no se pudo traducir bien para las audiencias estadounidenses y la película fue una notable decepción taquillera. A pesar de eso, recibió otra nominación al Globo de Oro por su actuación. En 1992, durante una entrevista estadounidense, Mario Moreno confesó que el principal impedimento para su éxito en los Estados Unidos era la barrera de la lengua. Después de regresar a México, Cantinflas creó su propia compañía, Cantinflas Films, y continuó haciendo películas hasta su última, que fue El Barrendero, realizada en 1981. Como Charlie Chaplin, Cantinflas era un satírico social. Hacía el papel de el peladito, un don nadie, con esperanzas de tener éxito. Con admiración mutua, Cantiflas fue influido por las primeras películas de Chaplin así como por su ideología. El Circo era una "sombra" del cine mudo de Chaplin. El Circo y Si yo fuera diputado tenían muchas cosas en común con la película de 1940, El Gran Dictador. Las películas de Cantinflas, hasta la fecha le siguen generando ganancias a Columbia Pictures. En el 2000, Columbia informó un aproximado de $4.000.000,00 de dólares generado por las ganancias de la distribución en otros países.

Impacto Entre las cosas que lo hicieron querido por el público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas; sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje, pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó cantinfleada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras cantinflas y cantinflada en su diccionario en 1992. En el campo de las artes visuales, artistas de la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo del hombre mexicano. La banda de punk estadounidense Mindless Self Indulgence grabó una canción sobre Cantinflas llamada Whipstickagostop. El estilo de Cantinflas y el contenido de sus películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influido los muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante las décadas de 1960 y 1970 en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos civiles de los mexicano-estadounidenses. Su uso de los estilos y temas sociales es visto como un precursor del teatro Chicano. En la década de 1970 apareció una serie de dibujos animados llamado El Show de Cantinflas protagonizada por una caricatura animada. El show estaba dirigido a los niños y tenía un propósito educativo. El personaje animado era llamado "Amigo" y se concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el origen del fútbol hasta el origen de la Línea internacional de cambio de fecha. Aunque Cantinflas nunca logró en Estados Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su vida por parte de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas. El premio Mario Moreno Cantinflas es entregado anualmente a los actores que "representan a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario Cantinflas" y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más necesitados. En el 2002, el estadounidense-salvadoreño (aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas son distribuidos en Estados Unidos por Laguna Films.

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Respuesta crítica Cantinflas a veces es visto como el personaje Groucho Marx, el que con sus habilidades lingüísticas ataca a los ricos, los poderosos, la policía e incluso al gobierno. El historiador y autor de Cantinflas y el Caos de la Modernidad Mexicana escribe: "Cantinflas simboliza el peladito que triunfa sobre los poderosos usando sus trucos" y presenta a Cantinflas como la imagen misma del México de la transición." Gregorio Luke, director ejecutivo del Museo de Arte Latinoamericano dijo: "entender a Cantinflas es entender lo que ha pasado en México en todo el siglo pasado." Por su parte, Monsiváis interpreta sus representaciones en términos de la importancia de la palabra hablada en el contexto del "analfabetismo reinante" de México (70% en 1930). Particularmente en la película El Analfabeto, "Cantinflas es el iletrado que toma control del lenguaje como puede." El periodista Salvador Novo interpreta el papel de los personajes de Moreno totalmente en términos de cantinflismo: "En condensarlos: en entregar a la saludable carcajada del pueblo la esencia demagógica de su vacuo confusionismo, estriba el mérito y se asegura la gloria de este hijo cazurro de la ciudad ladina y burlona de México, que es Cantinflas." En su biografía de la comicidad, el estudiante de cultura mexicana Jeffrey M. Pilcher, ve a Cantinflas como una metáfora del "caos de la modernidad mexicana", una realidad que estaba fuera del alcance para la mayoría de los mexicanos. "Su lenguaje enredoso expresaba elocuentemente las contradicciones de la modernidad como 'el momento palpitante de todo lo que quiere ser y no puede'. De igual forma 'las jerarquías sociales, los patrones del lenguaje, las identidades étnicas, y las formas masculinas de comportamiento, todos cayeron ante su humor caótico para ser reformuladas en nuevas formas revolucionarias."

Filmografía y personajes Películas en color • • • • • • • • • • • • • • • •

Cantinflas y sus amigos (1981), Cantinflas (Voz) (serie de animación en color) El barrendero (1981) — Napoleón Pérez García, barrendero (última película) El patrullero 777 (1977) — Diógenes Bravo, policía El ministro y yo (1975) — Mateo Melgarejo, burócrata y evangelista Conserje en condominio (1973) — Úrsulo, conserje Cantinflas Show (1972), Cantinflas (Voz) (serie de animación en color) Don Quijote cabalga de nuevo (1972) — Sancho Panza (coproducción con España) El profe (1970) — Sócrates García, profesor Un Quijote sin mancha (1969) — Justo Leal y Aventado, abogado Por mis pistolas (1968) — Fidencio Barrenillo, boticario Su Excelencia (1966) — López o Lopitos, diplomático (canciller y embajador) El señor Doctor (1965) — doctor Salvador Medina (Chava de cariño), médico El padrecito (1964) — padre Sebastián o Sebas, sacerdote El extra (1962) — Rogaciano El analfabeto (1960) — Inocencio Prieto y Calvo Pepe (1960) — Pepe (Hablada en inglés, coproducción con los Estados Unidos)

• Sube y baja (El ascensorista) (1958) — Cantinflas • La vuelta al mundo en ochenta días (1956) — Paspartout (Hablada en inglés, producción estadounidense) • El bolero de Raquel (1956) — Cantinflas, bolero

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Películas en blanco y negro • • • • • • • • • • • • • • • •

Entrega inmediata (1963) — Feliciano Calloso, cartero y Agente Secreto Ama a tu prójimo (1958) — Luis Abajo el telón (1954) — Cantinflas, limpiaventanas Caballero a la medida (1953) — Cantinflas, modelo de trajes ambulante El señor fotógrafo (1952) — Cantinflas, fotógrafo Lluvia de estrellas (1951) — participación Si Yo fuera diputado... (1951) — Cantinflas, peluquero El bombero atómico (1950) — El bombero atómico, el 777, bombero y policía El Siete Machos (1950) — Margarito/El Siete Machos Puerta, joven (El portero) (1949) — Cantinflas, portero El mago (1948) — Cantinflas El supersabio (1948) — Cantinflas, asistente del científico ¡A volar joven! (1947) — Cantinflas, piloto Soy un prófugo (1946) — Cantinflas Un día con el diablo (1945) — el voceador, soldado Gran Hotel (1944) — Cantinflas, Bell Boy

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Romeo y Julieta (1943) — ruletero/Abelardo del Monte-Romeo Montesco El circo (1942) — el zapatero Los tres mosqueteros (1942) — Cantinflas/D'Artagnan Carnaval en el trópico (Fiesta en Veracruz) (1941) — participación involuntaria El gendarme desconocido (1941) — Cantinflas, el 777 Ni sangre ni arena (1941) — El Chato & Manuel Márquez "Manolete" Ahí está el detalle (1940) — Cantinflas/"Leonardo del Paso" Cantinflas y su prima (La prima de Cantinflas) (1940) — Cantinflas (cortometraje) Cantinflas ruletero (1940) — Baldomero (cortometraje publicitario) Cantinflas boxeador (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario) Cantinflas en los censos (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario) Jengibre contra dinamita (1939) — Bala Fría (cortometraje publicitario) Siempre listo en las tinieblas (1939) — Chencho Albondigón (cortometraje publicitario) El signo de la muerte (1938) — Cantinflas Águila o sol (Cara o cruz) (1937) — Polito Sol ¡Así es mi tierra! (1937) — El Tejón No te engañes corazón (1936) — "Canti"

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Premios Globos de Oro Año

Categoría

Película

Resultado

1957 Globo de Oro al mejor actor - Comedia o musical La vuelta al mundo en ochenta días Ganador

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0134594 [2] Cantinflas: 1911-1993: Actor, Comedian - Mexico's Answer To Charlie Chaplin (http:/ / biography. jrank. org/ pages/ 3808/ Cantinflas-1911-1993-Actor-Comedian-Mexico-s-Answer-Charlie-Chaplin. html) [3] (http:/ / cursos. insp. mx/ INSP20/ blogESP/ wp-content/ uploads/ 2010/ 11/ Entrevista-a-Epifanio-Bula-Malest-GUINEA-ECUATORIAL. pdf) [4] Fallo de la corte estadounidense (http:/ / www. ca9. uscourts. gov/ coa/ memdispo. nsf/ 0/ c5504f8da687fc8888256f4300022bfb/ $FILE/ 02-56222. pdf) [5] Preparan filme biográfico sobre Cantinflas (http:/ / www. quien. com/ espectaculos/ 2010/ 04/ 15/ el-espanol-oscar-jaenada-dara-vida-a-cantinflas)

Bibliografía • Moreno, Mario Cantinflas: Su Excelencia. México, D. F.: Gráficas Menhir, 1969. • Cómicos del cine mexicano. México, Mina Editores. Edmundo Pérez Medina

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cantinflas. Commons

• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Cantinflas. Wikiquote • Ficha de Cantinflas en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0134594) y en español (http://www.imdb.es/ name/nm0134594) en Internet Movie Database. • Tributo a Mario Moreno Cantinflas (http://www.yomarnathalia.com/MMC/) • BBC Mundo: Un siglo, diez historias: Mario Moreno "Cantinflas" (http://www.bbc.co.uk/spanish/ seriemilenio06.htm) • Portadas de las 50 Filmicas (http://listas.20minutos.es/?do=show&id=105005) • Cantinflas web fan (http://cantinflas.net) • Cantinflear, cantinfleo, cantinflada (http://knol.google.com/k/fernando-antonio-ruano-faxas/ qué-significa-cantinflear-y-cantinfleo/19j6x763f3uf8/157#) • Centenario de Cantinflas por Jaime Perales Contreras, en revista Literal (http://literalmagazine.blogspot.com/ 2011/03/centenario-de-cantinflas.html)

Cecil B. DeMille

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Cecil B. DeMille Cecil B. DeMille

Cecil B. DeMille. Nombre real

Cecil Blount DeMille

Nacimiento

Ashfield, Massachusetts, Estados Unidos 12 de agosto de 1881

Fallecimiento

Hollywood, California, Estados Unidos 21 de enero de 1959 (77 años)

Años activo/a

1913 - 1959 Familia

Cónyuge

Constance Adams (1902 – 1959)

Hijo/s

Cecilia DeMille Katherine DeMille Premios

Premios Óscar

Mejor película 1952 The Greatest Show on Earth

Globos de Oro

Mejor director 1953 The Greatest Show on Earth

Festival de Cannes Palma de Oro 1939 Union Pacific Ficha

[1]

en IMDb

Cecil Blount DeMille (12 de agosto de 1881 – 21 de enero de 1959) fue uno de los directores de cine de más éxito durante la primera mitad del siglo XX.

Cecil B. DeMille

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Biografía Nació en Ashfield, Massachusetts. Sus padres, Henry Churchill DeMille (1853–1893), episcopaliano, y Matilda Beatrice Samuel (1853–1923), judía de ascendencia alemana, se dedicaban a escribir obras de teatro. Henry murió cuando Cecil tenía 12 años y su madre comenzó a mantener el hogar, tras abrir un colegio para señoritas y una compañía de teatro. Demasiado joven para enrolarse en el ejército y participar en la guerra de Estados Unidos contra España, siguió a su hermano William a Nueva York, para estudiar en la Academia de Artes Dramáticas, e hizo su debut teatral en 1900. Fue durante 20 años actor y manager de la compañía de su madre. En 1913 junto a Jesse L. Lasky y Samuel Goldwyn, fundaron la Lasky (Paramount), y al año siguiente, produjeron The Squaw Man, su primera película de Hollywood. Produjo y dirigió 70 películas y estuvo muy ligado a muchas más. La mayoría de sus películas son comedias con dejes sexuales, ya que siempre sostuvo que los norteamericanos eran curiosos sólo con el sexo y el dinero. Su hija adoptada Katherine DeMille se casó con el talentoso actor Anthony Quinn en contra de sus deseos y nunca le prestó ningún apoyo. Su hija biológica se llamó Cecilia. También es muy conocido por sus producciones de filmes épicos y bíblicos, como Rey de reyes (King of Kings), Los diez mandamientos (The Ten Commandments) (1923).[2]

Filmografía •

Los diez mandamientos (1956)

•

Till I Come Back to You (1918)

•

The Greatest Show on Earth (1952)

•

We Can't Have Everything (1918)

•

Sansón y Dalila (1949)

•

Old Wives for New (1918)

•

California's Golden Beginning (1948)

•

The Whispering Chorus (1918)

•

Unconquered (1947)

•

The Devil-Stone (1917)

•

The Story of Dr. Wassell (1944)

•

Nan of Music Mountain (1917)

•

Reap the Wild Wind (1942)

•

The Woman God Forgot (1917)

•

North West Mounted Police (1940)

•

The Little American (1917)

•

Unión Pacífico (1939)

•

A Romance of the Redwoods (1917)

•

The Buccaneer (1938)

•

Lost and Won (1917)

•

The Plainsman (1936)

•

Joan the Woman (1917)

•

Las cruzadas (1935)

•

The Dream Girl (1916)

•

Cleopatra (1934)

•

Maria Rosa (1916)

•

Four Frightened People (1934)

•

The Heart of Nora Flynn (1916)

•

This Day and Age (1933)

•

The Trail of the Lonesome Pine (1916)

•

The Sign of the Cross (1932)

•

The Golden Chance (1915)

•

The Squaw Man (1931)

•

Temptation (1915)

•

Madam Satan (1930)

•

The Cheat (1915)

•

Dynamite (1929)

•

Chimmie Fadden Out West (1915)

•

The Godless Girl (1929)

•

Carmen (1915)

•

Walking Back (1928)

•

Kindling (1915)

•

The King of Kings (1927)

•

Chimmie Fadden (1915)

•

The Volga Boatman (1926)

•

The Arab (1915)

•

The Road to Yesterday (1925)

•

The Wild Goose Chase (1915)

•

The Golden Bed (1925)

•

The Captive (1915)

•

Feet of Clay (1924)

•

The Unafraid (1915)

•

Triumph (1924)

•

The Warrens of Virginia (1915)

•

The Ten Commandments (1923)

•

After Five (1915)

•

Adam's Rib (1923)

•

The Girl of the Golden West (1915)

Cecil B. DeMille

67

•

Manslaughter (1922)

•

The Ghost Breaker (1914)

•

Saturday Night (1922)

•

Rose of the Rancho (1914)

•

Fool's Paradise (1921)

•

The Man from Home (1914)

•

The Affairs of Anatol (1921)

•

What's His Name (1914)

•

Forbidden Fruit (1921)

•

The Virginian (1914)

•

Something to Think About (1920)

•

The Call of the North (1914)

•

Why Change Your Wife? (1920)

•

The Man on the Box (1914) (co-director)

•

Male and Female (1919)

•

The Only Son (1914)

•

For Better, for Worse (1919)

•

The Master Mind (1914)

•

Don't Change Your Husband (1919)

•

Brewster's Millions (1914)

•

The Squaw Man (1918)

•

The Squaw Man (1914)

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001124 [2] « Cecil B. DeMille (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ internacional/ informe/ oficial/ 2008/ alertaba/ riesgo/ supondrian/ lluvias/ intensas/ Brasil/ elpepuint/ 20110115elpepuint_13/ Tes)». Internet Movie Database.

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Cecil B. DeMille. Commons

• Ficha de Cecil B. DeMille en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0001124) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0001124) en Internet Movie Database. • Cecil B. DeMille en IBDb - Internet Broadway Database (http://www.ibdb.com/person.php?id=4709) (en inglés) • Cecil B. De Mille (http://www.epdlp.com/director.php?id=751) en EPdLP.com • Grandes Directores: Cecil B. De Mille (http://www.telepolis.com/cgi-bin/web/DISTRITODOCVIEW?url=/ 1595/doc/directores/directores.htm)

Charles Chaplin

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Charles Chaplin Charles Chaplin

Nombre real

Charles Spencer Chaplin

Nacimiento

Londres, Inglaterra, Reino Unido 16 de abril de 1889

Fallecimiento

Vevey, Vaud Suiza 25 de diciembre de 1977 (88 años)

Apodo(s)

Charlie Chaplin Carlos Chaplin Carlitos Chaplin Charlot

Ocupación

Actor, compositor, productor, guionista, director, escritor

Años activo/a

1895 - 1976 Familia

Pareja

Mildred Harris (1918 - 1921) Lita Grey (1924 - 1927) Paulette Goddard (1936 - 1942) Oona O'Neill (1943 - 1977)

Hijo/s

Con Mildred Harris: Norman Chaplin Con Lita Grey: Charles Chaplin Sydney Earl Chaplin Con Oona O'Neill: Geraldine Chaplin Michael Chaplin Josephine Chaplin Victoria Chaplin Eugene Anthony Chaplin Jane Chaplin Anette Chaplin Christopher Chaplin Premios

Premios Óscar Óscar Honorífico 1928: El circo 1972: Trayectoria profesional Mejor banda sonora 1972: Candilejas

Charles Chaplin

69 Otros premios Círculo de Críticos de Cine de Nueva York (1940): Mejor actor Premios Jussi (1974): Mejor cineasta extranjero Página web oficial

[1]

Ficha

[2]

en IMDb

Sir Charles Spencer Chaplin, KBE (Londres, 16 de abril de 1889 – Vevey, 25 de diciembre de 1977) fue un actor cómico, compositor, productor, director y escritor británico. Adquirió popularidad gracias a Firma de Charles Chaplin su personaje Charlot en múltiples películas del período mudo.[3] A partir de entonces, es considerado un símbolo del humorismo y el cine mudo.[4] Para el final de la Primera Guerra Mundial, era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial. Sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del music-hall. Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países. Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película Ganándose el pan,[5] y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellos Todo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Sin embargo, las películas más destacadas de Chaplin fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1935) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, para 1916 también se encargó de la producción, y desde 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.[6] A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Oscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue distinguido con la Orden del Imperio Británico en 1975[7][8] y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, luego de una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York y La condesa de Hong Kong, sus últimos trabajos más sobresalientes.[9] Falleció el Día de Navidad de 1977.[10] Chaplin estuvo en pareja en cuatro ocasiones –con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill–, y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

Charles Chaplin

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Biografía Primeros años Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889, supuestamente en East Street, en Walworth, Londres.[11] Sin embargo, una carta descubierta en 2011 alegaba que había nacido en una roulotte de Black Patch Park, un campamento gitano de Smethwick, cerca de Birmingham.[12] Sus dos padres fueron artistas de music-hall. Su padre, Charles Spencer Chaplin Sr., fue actor y cantante; mientras que su madre, Hannah Chaplin, era conocida en el espectáculo bajo el seudónimo de Lily Harley.[13] Ambos se separaron antes de que Charles cumpliera tres años. Un censo de 1891 demostró que Harley vivía en Barlow Street con sus dos hijos –Charles tenía un medio hermano, Sydney John Hawkes (1885-1965)–. Cuando era niño, Chaplin vivió de forma alternada en varias direcciones, especialmente en los alrededores de Kennington Road, en Lambeth, incluyendo la 3 de Pownall Terrace, la calle Chester y el número 39 de la calle Methley. La madre de su abuela paterna provenía de la familia Smith de Romanichals,[14] hecho del que Chaplin se sentía muy orgulloso[15] y definió en su autobiografía como «los cimientos del aparador familiar».[16]

Charles Chaplin en su juventud.

Charles Chaplin Sr. era alcohólico y frecuentaba poco a sus hijos, aunque ellos vivieron brevemente con él y su amante, Louise, en el 287 de Kennington Road,[17][18] debido a que su madre había sido internada en el asilo de Cane Hill en Coulsdon a causa de sus serios problemas psiquiátricos. Su padre murió en 1901 de cirrosis cuando contaba con 37 años y su hijo Charles, con 12.[19] De acuerdo con un censo de 1901, Chaplin residía en el número 94 de Ferndale Road, en Lambeth, como integrante de un grupo de jóvenes bailarines, «Los ocho muchachos de Lancashire»,[20] dirigido por William Jackson.[21] Una enfermedad de la laringe terminó con la carrera de la madre de Chaplin.[22] Debido a una de sus internaciones como consecuencia de sus problemas mentales –sufría depresión nerviosa– y un cuadro de desnutrición, sus hijos fueron ingresados durante varias semanas en el Asilo de Lambeth en el sur de Londres y luego, a la Escuela Hanwell para Huérfanos y Niños Pobres desde junio de 1896 a enero de 1898.[23] En 1903, Chaplin compuso el personaje de Billy en la pieza teatral Sherlock Holmes, escrita por William Gillette y protagonizada por el actor inglés HA Saintsbury. Con este grupo, ofreció espectáculos en diferentes music-halls de Londres y el interior de Inglaterra.[24] Cuando Sherlock Holmes fue reemplazado por Clarice, Chaplin se mantuvo en el papel de Billy hasta que la producción terminó el 2 de diciembre. Durante las actuaciones, Gillete guiaba a Chaplin en su manera sobria de actuar. Chaplin se desempeñó en diversas profesiones –mandadero, soplador de vidrio, vendedor callejero– hasta que fue contratado por la compañía Frohman para cumplir algunos papeles menores hasta mediados de la década en giras alrededor del interior de Inglaterra y su capital.[24] Mientras tanto, su madre fue hospitalizada de nuevo a causa de una nueva depresión nerviosa. Al término de su contrato con Frohman, actuó en cafés, circos y espectáculos de music-hall de forma exitosa.[24]

Charles Chaplin

Primeros años en Estados Unidos El ingreso de Chaplin a la compañía de mimos de Fred Karno en 1907 constituyó un acontecimiento fundamental en su formación artística. Debutó con un papel cómico en la obra El partido de fútbol.[24] Su primera gira por Estados Unidos con la compañía Karno ocurrió entre 1910-12; en 1909, había actuado en los principales teatros de variedades de París. Para finales de 1912, ya habían recorrido Canadá, Nueva York, Chicago, Fall River, Filadelfia, etc.[24] En la compañía también participó Arthur Stanley Jefferson, conocido posteriormente como Stan Laurel. Él y Chaplin compartían una habitación en una pensión. A finales de 1913, las actuaciones de Chaplin habían sido vistas por Mack Sennett, Mabel Normand, Minta Durfee y Roscoe «Fatty» Arbuckle. Sennett, que lo había descubierto en un teatro de Nueva York en un papel de borracho, lo contrató para sus estudios Keystone como reemplazo de Ford Sterling[25] a razón de 150 USD trimensuales y 175 USD los otros nueve restantes.[24] Chaplin tuvo Chaplin cerca de 1910. muchas dificultades para adaptarse a las demandas de una película de acción. Luego de haber terminado de filmar Ganándose el pan, Sennett sintió que había cometido un error muy costoso.[26] Muchos historiadores coinciden en que Normand fue quien lo convenció de que le diera otra oportunidad.[27] Chaplin rápidamente se convirtió en un éxito y fue la estrella más popular de Keystone.[28] Normand dirigió a Chaplin en algunas ocasiones y también escribió los libretos de algunas de sus primeras películas.[29] A Chaplin no le agradaba ser dirigido por una mujer, y en muchas ocasiones tenían desacuerdos.[29] Sin embargo, se convirtieron en amigos, a pesar de que poco después Chaplin abandonó Keystone.

El vagabundo El personaje del vagabundo, también conocido como Charlot o Carlitos en Hispanoamérica, fue presentado durante la época del cine mudo en una comedia de Keystone titulada Carreras sofocantes (estrenada el 7 de febrero de 1914). Sin embargo, Chaplin había diseñado el atuendo del personaje para una película producida unos días antes pero estrenada poco después que la otra, el 9 de febrero de 1914, titulada Extraños dilemas de Mabel. Chaplin recordó en su autobiografía: No tenía idea sobre qué maquillaje ponerme. No me gustaba mi personaje como reportero (en Carlitos periodista). Sin embargo en el camino al guardarropa pensé en usar pantalones bombachudos, grandes zapatos, un bastón y un sombrero hongo. Quería que todo fuera contradictorio: los pantalones holgados, el saco estrecho, el sombrero pequeño y los zapatos anchos. Estaba indeciso entre parecer joven o mayor, pero recordando que Sennett quería que pareciera una persona de mucha más edad, agregué un pequeño bigote que, pensé, agregaría más edad sin ocultar mi expresión. No tenía ninguna idea del personaje pero tan pronto estuve preparado, el maquillaje y las ropas me hicieron sentir el personaje, comencé a conocerlo y cuando llegué al escenario ya había nacido por completo.[30] Charlot es un vagabundo con modos refinados, ropa y la dignidad de un caballero. Chester Conklin contribuyó con el pequeño frac y Ford Sterling con los zapatos. Lo único que pertenecía a Chaplin era el bastón de caña, ya que el bombín también era de Roscoe Arbuckle.[31] Chaplin, con su personaje, rápidamente se convirtió en la estrella más exitosa de la compañía de Sennet. El vagabundo fue conocido como Charlot en Francia, Italia, España, Andorra, Portugal, Grecia, Rumania y Turquía, como Carlitos en Brasil y Argentina y Der Vagabund en Alemania. Chaplin continuó interpretando al vagabundo en una decena de cortos y más tarde, en diversos largometrajes. Sin embargo, también intervino en cameo como un

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«Keystone Kop» –policías incompetentes que intervinieron en una serie de filmes de la década de 1920– en A Thief Catcher, filmada entre el 5 y el 26 de enero de 1914.[32] La película se creía desaparecida y, por lo tanto, la actuación de Chaplin ahí era desconocida, hasta que una copia fue descubierta en 2010 durante una venta de antigüedades en Míchigan.[33] El vagabundo estuvo profundamente identificado con la época del cine mudo. Cuando en la década de 1920 comenzaron las producciones sonoras, Chaplin se negó a encarar a su personaje hablado. De hecho, en Luces de la ciudad (1931), no aparece ningún diálogo. Chaplin abandonó su personaje en la película Tiempos modernos (estrenada el 5 de febrero de 1936), que finaliza con el vagabundo caminando por una carretera sin fin hacia el horizonte, de la mano de Paulette Goddard. La película fue prácticamente muda, aunque en una escena se lo pudo escuchar cantar a Chaplin durante unos minutos.[34] La fórmula de Chaplin al momento de filmar consistía en gestos exagerados y otros métodos de comedia física. Usualmente, el vagabundo responde a sus enemigos con patadas o ladrillazos, es decir, hace uso de una gran agresividad, por lo cual los críticos advirtieron que sus travesuras limitan la vulgaridad a pesar de que a los espectadores les agradó el personaje. En 1915, Chaplin –reconocido en las principales ciudades europeas y América– firmó un nuevo contrato con Essanay por un año bajo un suelo de 1 250 USD semanales.[24] Con aquella compañía, filmó 14 películas en las cuales desarrolló mucho más sus habilidades cinematográficas, en producciones consideradas más ambiciosas. Frecuentemente, compartían cartel con Chaplin actores como Edna Purviance que encarnaba por lo general, ingenuas, o los villanos Leo Blanco y Bud Jamison.[24] La popularidad de Chaplin continuó en aumento hacia el final de la Primera Guerra Mundial. En sus películas, hacía referencia a los problemas e injusticias de la sociedad de su tiempo; entre ellos, las dificultades, constantes luchas y humillaciones de los inmigrantes desamparados y los problemas laborales.[35]

Con la Mutual Film Corporation En 1916, la Mutual Film Corporation le pagó a Chaplin 670.000 USD para producir una docena de comedias de dos rollos con condiciones excepcionales. Se produjeron doce películas durante un período de 18 meses, por las cuales recibió 150 000 USD.[24] Entre esas películas, se hallan Charlot, músico ambulante, Charlot prestamista, Charlot bombero, Charlot en la Calle de la Paz y Charlot en la tienda. Durante la filmación de Charlot en la tienda, Estados Unidos entró a participar en la Primera Guerra Mundial.[24] Edna Purviance continuó siendo la protagonista femenina, pero Chaplin incluyó además a Eric Campbell, Henry Bergman y Albert Austin. Chaplin consideró su período con la Mutual Corporation como «el más feliz de su carrera». Chaplin asumió la dirección de sus películas a partir de 1918. Sin embargo, un año antes, cuando había finalizado su contrato con la Mutual, se rehusó a continuar trabajando con ésta y firmó un Chaplin caracterizado como Charlot. nuevo contrato con la First National para producir ocho películas de dos rollos por 1 075 000 USD.[24] Para 1923, Chaplin ya tenía sus propios estudios en Hollywood y, por lo tanto, ello le permitió trabajar a un ritmo más relajado y centrarse más en la calidad de sus producciones.[23] Para la First National, realizó en 1918 Vida de perro y Armas al hombro.[24]

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Fundación de la United Artists En 1919, el grupo constituido por Chaplin, Mary Pickford, Mac Adoo, D. W. Griffith y Douglas Fairbanks, fundó la compañía distribuidora de filmes United Artists, en un intento por escapar del creciente poder de los demás distribuidores y financiadores. Esta compañía, junto con el control total de su producción cinematográfica a través de su estudio, aseguró la independencia de Chaplin como cineasta. Sirvió en el consejo de la UA hasta la década de 1950, cuando vendió el 75% de sus acciones a un grupo dirigido por Arthur Krim.[24] Las películas de Chaplin comenzaban a ser largometrajes, salvo por un breve cameo en Una mujer de París (1923).[36] la cual fue seguida por las comedias La quimera del oro (1925) y El circo (1928). La quimera del oro es considerada la séptima mejor película del siglo XX,[23] dentro de 100 seleccionadas y sucedida por Tiempos modernos (1936).[37] Su única obra dramática fue La opinión pública, estrenada en octubre de 1923.[24] Luego de la llegada del cine sonoro, Chaplin se siguió centrando en el cine mudo, incluyendo efectos de sonido y música con melodías basadas en canciones populares o compuestas por él.[38] El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936) fueron esencialmente mudas. Luces de la ciudad fue elogiada por su mezcla de comedia y sentimentalismo.[39] Luego del estreno de la misma, Chaplin viajó durante 15 meses a Londres, Berlín, París, Viena y Bruselas.[24] Tiempos modernos fue la primera película en la que se escuchó la voz de Chaplin, pero muchos la consideran muda de todas formas. Los preparativos de este filme se iniciaron a fines de 1932 y se comenzó a filmar en octubre de 1934, con Paulette Goddard como protagonista. En el mismo, Chaplin hace alegoría al maquinismo de la era industrial, el trabajador-robot, la producción en serie y la diferencia de clases sociales.[23] Dos escenas de la película Chaplin y Jackie Coogan en El chico (1921). Luego de continúan siendo recordadas en la actualidad: una, cuando el su estreno, Chaplin partió a Europa, visitando Londres, vagabundo queda atrapado dentro de los engranajes de una París y Berlín. máquina y cuando, al final, camina por una carretera sin fin hacia el horizonte tomado de la mano de Paulette Goddard. Tiempos modernos significó la última aparición del vagabundo y fue considerada la quinta mejor película del siglo XX.[37] La canción más conocida que compuso, «Smile», para Tiempos modernos, fue interpretada luego por Nat King Cole. «This is my song», de la última película de Chaplin, La condesa de Hong Kong, fue un éxito número uno en varios idiomas a finales de 1960 (sobre todo la versión de Petula Clark y otra descubierta en 1990 de Judith Durham de The Seekers registrada en 1967). El tema de Candilejas fue un éxito en la década de 1950 bajo el título «Eternally». Chaplin también escribió partituras para sus películas mudas, cuando se relanzaban con sonido, especialmente El chico,[40] con Jackie Coogan en su primera versión, que fue nuevamente estrenada en 1971.

Charles Chaplin

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El gran dictador La primera película hablada de Chaplin, El gran dictador (1940), significó un acto de desafío contra el nazismo. Fue filmada y lanzada un año antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial. Chaplin interpretó el personaje de Adenoid Hynkel, el dictador de Tomainia, inspirado en el dictador alemán Adolf Hitler, que era en la vida real cuatro días más joven que Chaplin y tenía un bigote similar. La película también presentó al comediante Jack Oakie como Benzino Napaloni, el dictador de Bacteria, una parodia al dictador italiano Benito Mussolini.[41]

Charles Chaplin en El gran dictador (1940).

Paulette Goddard también intervino. La película fue vista como un acto de valentía en el entorno político de la época, tanto por su ridiculización al nazismo como por su representación de judíos perseguidos por el régimen. También intervino el personaje de un barbero judío, similar al vagabundo, que también sufrió la persecución. Al final, el barbero pronuncia un discurso denunciando a la dictadura, la codicia, el odio y la intolerancia, pronunciándose a favor de la libertad y la fraternidad humana:[42] Lo lamento, pero yo no quiero ser un emperador, ése no es mi negocio, no quiero gobernar o conquistar a alguien. Me gustaría ayudar a todos si fuera posible: a los judíos y a los gentiles, a los negros y a los blancos. Todos deberíamos querer ayudarnos, así son los seres humanos. Queremos vivir con la felicidad del otro, no con su angustia. No queremos odiarnos y despreciarnos. En este mundo hay sitio para todos, y la tierra es rica y puede proveer a todos. El camino de la vida podría ser libre y hermoso...» Fragmento de El gran dictador (1940), interpretado por el personaje del barbero[43] La película fue nominada en cinco rubros para los premios de la Academia.[44] Fue prohibida, incluso, en España y se estrenó 36 años después, en 1976, cuando ya había fallecido Francisco Franco.[43]

Problemas políticos Chaplin se negó a apoyar el esfuerzo realizado por el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, como lo había realizado en la contienda anterior, cuando promocionó bonos de guerra para la Primera Guerra Mundial junto a su colega Douglas Fairbanks.[45] Su comedia de humor negro Monsieur Verdoux, de 1947, mostró una seria crítica al capitalismo.[46] Un rey en Nueva York, una de sus últimas producciones, satirizó la persecución política basado en el exilio que había tenido que realizar años antes.[47] En 1937, una campaña en contra del cómico lo imputó de haber Charles Chaplin con Mahatma Gandhi. plagiado en Tiempos modernos a René Clair en su película Para nosotros la libertad. Sobre Chaplin, Clair expresó: «Ese es un hombre que domina la historia del cine». En 1938, fue presionado para que no filmara El gran dictador y, con motivo de su estreno en 1940 Joseph Goebbels, ministro de propaganda de Adolf Hitler, comentó: «Chaplin es un pequeño judío despreciable».[23] En 1942, los periódicos lo acusaron de comunista, y al año siguiente Joan Barry tuvo una hija y denunció al actor de no querer reconocer la paternidad de la misma. En 1944, el proceso iniciado por Barry se resolvió a favor de Chaplin.[24]

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Aunque tuvo relevante éxito en Estados Unidos, país en el que residió desde 1914 a 1953, siempre mantuvo una ideología política nacionalista.[48] Fue acusado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses por supuestas actividades «antiamericanas». J. Edgar Hoover había aportado archivos secretos sobre él al FBI.[49] Por un lado, debido a sus ideas progresistas, exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas como Tiempos modernos o El gran dictador, provocó que se buscara cualquier excusa para ingresarlo en la cárcel.[50] De hecho, en 1947 la Comisión de Actividades Antiestadounidenses acusó a 79 figuras del cine Charles Chaplin con Winston Churchill en 1929. americano, motivo por el cual comenzó el proceso contra los «Diez de Hollywood» que rehusaron comparecer ante la comisión mccarthysta. En 1949, la Corte de Apelaciones de Washington rechazó los recursos presentados por los «Diez de Hollywood», quienes son condenados a un año de prisión para 1950 e inscriptos en las listas negras.[24] También fue acusado de no cumplir la Ley Mann (que prohíbe el traslado de individuos a otros estados con el objetivo de prostituirlos) cuando llevó a su novia Joan Barry de Nueva York a Los Ángeles.[51] Por participar de un acto de solidaridad con Rusia en San Francisco e intervenir en un acto de arte ruso en Nueva York, fue criticado y definido como comunista.[24] Su película Monsieur Verdoux (1947) fue otra excusa para justificar esta persecución, ya que ésta establecía un paralelismo entre los crímenes del protagonista y los de las grandes potencias en período de guerras.[23] Paralelamente, una violenta conferencia tiene lugar en Nueva York, donde Chaplin fue agredido verbalmente por más de 100 periodistas. En 1952, se trasladó a Reino Unido para el estreno de Candilejas, y Hoover al enterarse del hecho, negoció con el Servicio de Inmigración y Naturalización para prohibir el reingreso de Chaplin al país.[52]

Exilio Mirada de cerca, la vida parece una tragedia; vista de lejos, parece una comedia. Nunca te olvides de sonreír, porque el día en que no sonrías será un día perdido. La vida es una obra de teatro que no permite ensayos. Por eso, canta, ríe, baila, llora y vive cada momento, antes de que baje el telón y la obra termine sin aplausos. Hay que tener fe en uno mismo. Aún cuando estaba en el orfanato o recorría las calles buscando qué comer, me consideraba el actor más grande del mundo. La vida es maravillosa...si no se le tiene miedo. Sin haber conocido la miseria, es imposible valorar el lujo. Más que maquinaria necesitamos humanidad, y más que inteligencia, amabilidad y cortesía. Fui perseguido y desterrado, pero mi único credo político siempre fue la libertad. [53]

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En 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas comenzó a presionar a la fiscalía para que se deportara a Chaplin,[54] «cuya vida en Hollywood contribuye a destruir la fibra moral de América» —como se dijo—. A pesar de que fue llamado a testificar en varias ocasiones, él nunca se presentó y fue acusado por una asociación reaccionaria por escribirle una carta al pintor Pablo Picasso, también comunista, en referencia al «Caso Eisler».[23] Un senador estadounidense dijo que «el comportamiento de Chaplin se aproximaba peligrosamente a la traición». El 17 de septiembre de 1952, el Fiscal General de Estados Unidos dio instrucciones para retener al actor y a parte de su familia cuando viajaban en el RMS Queen Elizabeth para asistir al estreno de Candilejas en Europa y de esa forma, debatir si debía ser expulsado o no.[23] Allí lo denunciaron de «pertenecer al Partido Comunista,[55] así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido». Finalmente, adquirió una mansión en Corsier-sur, Vevey, en Suiza, donde residió desde 1953 hasta su muerte.[56] Su esposa, Oona, viajó a Estados Unidos para rematar los bienes de su esposo y, con motivo de su 64º cumpleaños, Chaplin se trasladó a Ginebra y le hizo entrega al cónsul norteamericano de su permiso de retorno a Estados Unidos,

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con lo cual demostró su intención de no querer volver a ingresar en ese país, a pesar de que luego arribó para recibir un premio por su trayectoria en 1972.[24]

Compositor Chaplin redactó variadas partituras y canciones para sus películas, a pesar de que no fue reconocido por llevar a cabo ese trabajo. El tema «Sonrisa», que compuso para Tiempos modernos, fue muy popular en Reino Unido cuando fue interpretado por Nat King Cole en 1954, y por Celine Dion durante los obituarios en la 83º entrega de los premios Óscar de 2010, celebrada al año siguiente en Estados Unidos.[57][58] Sus canciones, incluso, fueron cantadas por prestigiosos músicos como Michael Jackson o el mexicano José José.[59] En la década de 1960, Petula Clark interpretó «Esta es mi canción», la cual había sido escrita para Una condesa de Hong Kong.[60] En 1972 obtuvo un premio Óscar como «Mejor música original» por Candilejas, el cual compartió con Raymon Rasch y Larry Russell.[61] Su sobrino, Spencer Dryden, fue baterista del Salón de la Fama del Rock.[62]

Últimos años Entre mayo y julio de 1956, en Inglaterra, dirigió la filmación de Un rey en Nueva York. Durante el rodaje fue nombrado miembro de la British Film Academy de Londres. Para esa película, produjo, diseñó los guiones, actuó y dirigió. En 1958, comenzó a escribir su autobiografía y la Cinemateca de Bruselas pidió a 150 historiadores de todo el mundo una lista de los mejores filmes de la historia del cine: Chaplin resultó ser el director más votado por La quimera del oro.[24] En 1962, fue nombrado Doctor Honoris Causa de la Universidad de Oxford, en Inglaterra.[63] En 1964, anunció la aparición de sus memorias y en 1965, comenzó a dirigir Una condesa de Hong Kong, con Sophia Loren y Marlon Brando, estrenada en 1966.[64] En 1969, con motivo de su 80º cumpleaños, tres historiadores de su obra (Maurice Bessy, Pierre Leprohon y Marcel Martin) le otorgaron una carta abierta, en la que le pidieron que reeditara sus filmes Charles Chaplin en 1965. permitiendo así que sus películas fueran conocidas por las nuevas generaciones, petición que realizaría en los [24] años siguientes. En 1972, regresó a Estados Unidos y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le rindió un homenaje y le otorgó el premio Óscar Honorífico durante una celebración llevada a cabo en el Pavillion Dorothy Chandler del Music Center de Los Ángeles el 16 de abril de aquel año, día en que cumplía 83 años.[23] Aplaudido de pie durante dos minutos, cuando recibió el galardón, comentó: «Las palabras parecen tan insignificantes, tan inútiles. Sólo puedo decir que... gracias por el honor de ser invitado aquí, y... ¡oh!, son gente maravillosa y dulce, gracias».[65] Entre 1969 y 1976, Chaplin utilizó composiciones musicales y partituras usadas en sus películas, para reeditarlas en otras como La clase ociosa (1971), Día de paga (1972), Un día de placer (1973) o Charlot al sol (1974). También colaboró para El circo (1969) y The Kid (1971). En 1974 se celebró en distintas partes del mundo su octogésimo quinto cumpleaños y se repuso en Buenos Aires, Tiempos modernos.[24] En febrero de 1975 se difundió la noticia de su nuevo filme: La rareza, que trata sobre la historia de una mujer sudamericana dotada de alas y capaz de volar.[66]

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El 2 de marzo de 1975, Isabel II del Reino Unido lo nombró Sir otorgándole la Orden del Imperio Británico. Chaplin, ya debilitado, recibió la distinción en silla de ruedas debido a que no podía moverse con demasiada facilidad.[67][8] En 1976, se repusieron algunas de sus películas poco recordadas y se montaron ciclos sobre su extensa filmografía. Su último trabajo fue Una mujer de París, que se concretó en 1976.[24]

Fallecimiento La salud del anciano actor comenzó a disminuir desde mediados de la década de 1960, cuando finalizó la filmación de Una condesa de Hong Kong. Además de los cuadros de asma que padecía,[68] se le diagnosticó demencia senil —posiblemente relacionada con los problemas mentales de su madre—. La reconocida actriz Lillian Gish admitió que no fue capaz de reconocerla cuando llegó a Estados Unidos en 1972. Para 1977, ya no era capaz de hablar ni moverse, aunque solía pasear en silla de ruedas acompañado de su esposa por las calles de Vevey hasta el lago. En septiembre de 1977, presenció un espectáculo circense y, al finalizar, los payasos le otorgaron sus narices rojas en calidad de homenaje. Fue su última aparición pública. Hacia finales de año, los medios públicos informaron sobre el debilitamiento físico de Chaplin.[69] Falleció en la Navidad de 1977 a los 88 años en su residencia Manoir de Ban, en Consier-sur-Vevey, Suiza, mientras dormía, a las 4 h (hora de Suiza).[70] Tumba de Charles Chaplin en Suiza. Luego de una ceremonia íntima, fue inhumado en el cementerio del cantón de Vaud. Casualmente, su hija recordó en varias entrevistas que a su padre jamás le había agradado la Navidad porque le recordaba la extrema pobreza que había pasado en su niñez.[65] El 1 de marzo de 1978, su cadáver fue robado por un pequeño grupo de mecánicos polacos con el objetivo de extorsionar a su familia. Sin embargo, su plan fracasó, los ladrones fueron capturados y sus restos fueron recuperados once semanas después, el 17 de mayo, cerca del lago Lemán.[71] Su cuerpo fue nuevamente sepultado, pero esta vez bajo 1,8 metros de hormigón para evitar otros asaltos. En 1981, el Consejo de Administración de Londres erigió una estatua de tamaño natural de Chaplin en Walworth, donde pasó sus primeros años de vida.[24]

Vida privada En 1918, contrajo matrimonio con la joven actriz Mildred Harris, de quien expresó: «Ella era joven y bonita. Pero mis emociones eran muy encontradas. Sin estar enamorado quería que nuestro matrimonio fuera un éxito. No lo fue». En 1919, la pareja tuvo a su primer hijo, Norman, que sólo vivió tres días. Luego la pareja se separó —se divorciaron en 1920— y la salud mental de la madre de Chaplin se agravó nuevamente. En 1921, ella llegaría a Estados Unidos para pasar sus últimos años de vida junto a su hijo.[23] En 1924, se casó con Lita Grey; para 1926, había tenidos dos hijos, a los cuales nombró Charles y Sydney (este último en honor a su hermano, que moriría el día del 76º cumpleaños de Chaplin). Por su parte, Lita Grey, le pidió el divorcio y la justicia incautó su vivienda y su estudio de cine.[72] Finalmente, en 1927, la indemnizó con un millón de dólares.

Charles Chaplin En agosto de 1928 murió su madre a los 63 años, hecho del que comentó: «Pasó muchos años en manicomios. Pero en sus últimos siete, vio a sus hijos triunfantes. Eso hizo que recobrara en parte su salud». Sobre su matrimonio con la actriz Paulette Goddard en 1936, comentó: «Cuando la conocí "a fondo" vi que era una muchacha alegre y divertida. Yo me sentía desesperadamente solo, esperaba encontrar en algún lado un lindo "rayito de sol".»[23] En 1941, se divorció de Paulette Goddard y en 1943 volvió a casarse, esta vez con Oona O'Neill, hija del dramaturgo Eugene O'Neill. Ella tenía 18 años y él 54; para 1946 ya habían tenido dos hijos, Geraldine y Michael John. Dos años antes, sus dos hijos —del matrimonio con Lita Grey— habían sido llamados al ejército estadounidense y destinados a combatir en Alemania. En 1948, la Asociación Francesa de la Crítica Cinematográfica se dirigió a la Fundación Nobel de Suecia y lo propuso como candidato al premio Nobel de la Paz, lo que generó diversas polémicas. A lo largo de su vida, se lo involucró románticamente con muchas actrices de su época como Hetty Kelly, Edna Purviance, Mildred Harris, Pola Negri, Marion Davies, Lita Grey, Merna Kennedy, Georgia Hale, Louise Brooks, Paulette Goddard, Joan Barry, y finalmente con Oona O'Neill.[73][74] [75][23]

Legado Premios y reconocimientos Chaplin fue nombrado Sir en 1975 a la edad de 85 años por la reina Isabel II.[7] El honor había sido propuesto en 1931 y en 1956, pero fue vetado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, que expresó su preocupación por los supuestos puntos de vista políticos de Chaplin y su decisión de casarse en dos oportunidades con jóvenes de apenas 16 años. Esto, quizás, dañaría la reputación del sistema de honores británicos y la relación con Estados Unidos.[76][8] Entre otros honores, Chaplin recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970.[77] Una estatua del cómico fue realizada por John Doubleday para estar en el Leicester Square en Londres. Fue presentada por Sir Ralph Richardson en 1981.[78] Una estatua de bronce de Chaplin se halla en Waterville Kerry.[79] Chaplin recibió tres premios de la Academia a lo largo de su vida: uno como Mejor Banda Sonora y otros dos de carácter honorífico. Sin embargo, durante sus años como cineasta, Chaplin no recibió ningún premio por sus películas, a pesar de que Luces de la ciudad y Tiempos modernos son consideradas unas de las mejores películas del siglo XX.

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Valoración e influencia Hasta la actualidad, es considerado una de las figuras del espectáculo más representativas del cine mudo como así también un ícono del humorismo. Entre 1917 a 1918 el actor Billy West hizo una veintena de películas imitando al personaje de Chaplin.[80] Cuatro años después de su muerte, la astrónoma ucraniana Lyudmila Karachkina, descubridora de 131 asteroides, nombró a uno de ellos Chaplin 3623 en honor al actor.[81] También ha sido caracterizado en diversas series de dibujos animados y, en 1985, fue honrado con su imagen en sellos de correo en Reino Unido. La crítica expresó que había alcanzado «un nivel de expresión dramática que nunca fue superado».[24] Además de que se comercializaron distintos productos con la imagen de Chaplin, la IBM diseñó en la década de 1980 comerciales con un imitador del cómico.[82] En 1992, Richard Attenborough coordinó un filme sobre su biografía titulado Chaplin, el cual recibió un premio BAFTA.[83] El director John Woo, por su parte, dirigió la película Hua ji shi dai (1981), en la que parodió a El Estatua de Chaplin en Londres. circo. En 2001 el comediante británico Eddie Izzard interpretó al actor en el filme The Cat's Meow, basada en la muerte aún sin resolver del productor Tomas H. Ince durante un partido de fútbol, en el cual Chaplin era un invitado.[84] El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era seguidor de sus películas y en su filme Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del vagabundo. Una de las hijas del fallecido actor, Josephine Chaplin también trabajó en la película.[85] El diario Página/12, de Argentina, analizando su obra, publicó: «Casi sin excepción, Chaplin ha encontrado en las contradicciones de su siglo el más apasionado material dramático y, sin duda, este hecho le valió la oposición de la crítica que no aceptaba este criterio de "inmediatez temática" que lo ha hecho transitar valientemente por caminos vinculados a la sátira política».[24] En 1999, el American Film Institute lo definió como «el décimo actor más célebre de todos los tiempos».[86] En 2008, el escritor Martin Sieff en su libro Chaplin: una vida, redactó: «Chaplin no era solo un grande, era gigantesco». George Bernard Shaw lo llamó «El único genio de la industria del cine.»[87] También se le destacó al actor que haya realizado humor durante la Primera y Segunda Guerra Mundial, la Gran Depresión y el período dictatorial de Adolf Hitler, ya que dio entretenimiento a una gran cantidad de personas que sufrían las privaciones propias de la guerra y la pérdida de sus familiares.[88]

Caricatura del actor junto al gato Félix (1923).

En 2005, su sombrero y su bastón fueron subastados por la casa de remates Bonhams por 300.000 USD y al conmemorarse el 122º aniversario de su natalicio la compañía tecnológica Google lanzó un doodle con video para conmemorarlo.[89][90][91]

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Charles Chaplin [76] Reynolds, Paul (21 de julio de 2002). « Chaplin knighthood blocked (http:/ / www. webcitation. org/ 5uKhsCfWm)» (en inglés). BBC News. Archivado del original (http:/ / news. bbc. co. uk/ 1/ hi/ uk/ 2141391. stm) el 18 de noviembre de 2010. . Consultado el 15 de diciembre de 2011. [77] (Williams, 2006, p. 311) [78] (Haining, 1982, p. 201) [79] « Charlie Chaplin Comedy Film Festival (http:/ / www. chaplinfilmfestival. com/ )» (en inglés). [80] (Louvish, 2005, p. 109) [81] « 10 cosas que no sabías de Charles Chaplin a 120 años de su nacimiento (http:/ / cinebitacora. com/ 10-cosas-que-no-sabias-de-charles-chaplin-a-120-anos-de-su-nacimiento. html)». cine bitácora (2009). Consultado el 15 de junio de 2011. [82] « IBM Commercial with “Charlie Chaplin” and Fatty Arbuckle for iPad (http:/ / www. retroist. com/ 2010/ 07/ 06/ ibm-commercial-with-charlie-chaplin/ )» Retroist.com. Consultado el 17 de febrero de 2011. [83] « Ficha de Chaplin (1992) en IMDb (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0103939/ )» IMDb.com. Consultado el 17 de febrero de 2011. [84] « Eddie Izzard Interview - The Cat's Meow (http:/ / movies. about. com/ library/ weekly/ aa041202b. htm)» Consultado el 17 de febrero de 2011. [85] (Rohdie, 1995, p. 208) [86] « AFI's 100 Years...100 Stars (http:/ / www. afi. com/ 100Years/ stars. aspx)» (en inglés). Estados Unidos: Afi.com. Consultado el 7 de enero de 2011. [87] Walsh, John (2009). « The Big Question: Does Charlie Chaplin merit a museum in his honour, and what is his legacy? (http:/ / www. independent. co. uk/ news/ people/ news/ the-big-question-does-charlie-chaplin-merit-a-museum-in-his-honour-and-what-is-his-legacy-1826871. html)» (en inglés). Londres: The Independent. Consultado el 7 de enero de 2011. [88] Martin Sieff. « Washington Times - Books (http:/ / washingtontimes. com/ news/ 2008/ dec/ 21/ his-gift-of-comedy-for-a-weary-world/ )» (21 de diciembre de 2008). Consultado el 17 de febrero de 2011. [89] « El sombrero y el bastón de Chaplin tienen nuevo dueño (http:/ / www. lanacion. com. ar/ nota. asp?nota_id=757097)». Argentina: diario La Nación (17 de noviembre de 2005). Consultado el 7 de junio de 2011. [90] Revista Generacción (15 de abril de 2011). « Google rinde homenaje a Charles Chaplin en doodle (http:/ / www. generaccion. com/ noticia/ 99431/ google-rinde-homenaje-charles-chaplin-doodle)» Consultado el 9 de mayo de 2011. [91] Qué.es. « Doodle de Google para Charlie Chaplin: Se celebra el 122 cumpleaños del cómico con un vídeo que recrea el cine mudo (http:/ / www. que. es/ tecnologia/ 201104151218-doodle-google-compania-celebra-cumpleanos-cont. html)» (15 de abril de 2011). Consultado el 15 de junio de 2011.

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82

Charles Chaplin

83

• Szabó, Ladislao (2006). Liberduplex. ed. Hitler no murió en el búnker. España. ISBN 84-96129-85-3.

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Charles Chaplin. Commons

•

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Charles Chaplin. Wikiquote

• Ficha de Charles Chaplin en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000122) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000122) en Internet Movie Database. • « Página oficial de Charles Chaplin (http://www.charliechaplin.com/) (en inglés)» • Charles Chaplin en Facebook (https://www.facebook.com/pages/Charlie-Chaplin-Official/ 158643990861177) • Biografía de Charles Chaplin en YouTube: Parte 1 (http://www.youtube.com/watch?v=9rPWnoph6qQ) Parte 2 (http://www.youtube.com/watch?v=5F2Mz8qXanQ) Parte 3 (http://www.youtube.com/watch?v=0Rfta5XMK-I) Parte 4 (http://www.youtube.com/watch?v=MQguPKoXjq4) Parte 5 (http://www.youtube.com/watch?v=VJI7nZH8Bts) Parte 6 (http://www.youtube.com/watch?v=_vunU5RifKU) Parte 7 (http://www.youtube.com/watch?v=iPoYhX3J7GM) Parte 8 (http://www.youtube.com/watch?v=hne8TzYHo8w) Parte 9 (http://www.youtube.com/watch?v=dY3BKDIGQLk) Parte 10 (http://www.youtube.com/watch?v=j3GjB1S3OwA)

Christopher Nolan Christopher Nolan

Nombre real Christopher Jonathan James Nolan (en la izquierda de la foto) Nacimiento

Londres, Inglaterra 30 de julio de 1970 (42 años) Familia

Cónyuge

Emma Thomas (1997-) Ficha

[1]

en IMDb

Christopher Nolan (nacido el 30 de julio de 1970) es un director de cine, guionista y productor de nacionalidad inglesa. En sus películas se tratan con frecuencia temas de la psicología, como la memoria en Memento o los sueños en Inception. Se dice de este ambicioso director que «no tiene ninguna película mala» reconocido por su trabajo en su primer largometraje Following.

[cita requerida]

ya que desde sus inicios fue

Christopher Nolan Nolan saltó a la fama con su segundo largometraje Memento, basado en un relato corto escrito por su propio hermano, Jonathan Nolan, que luego adaptarían juntos a un guion convencional para rodar la película y por el cual fueron candidatos Óscar en la categoría de mejor guion original.

Biografía Hijo de padre inglés y de madre estadounidense, Nolan nació en Londres, donde empezó a realizar películas a la edad de siete años usando la cámara Súper 8 de su padre y sus juguetes como personajes. Fue educado en Haileybury College, una escuela independiente en Hertfordshire, Inglaterra, y luego estudió literatura inglesa en la University College de Londres, mientras tanto realizó varios cortometrajes en una escuela de cine. Su corto Tarantella fue proyectado en Image Union, una exhibición de cine independiente en PBS, en 1989. Otro de sus cortos, Larceny, fue proyectado durante el Cambridge Film Festival en 1996. Otro de sus más notables cortos fue Doodlebug, protagonizado por el actor Jeremy Theobald, quien luego también aparecería en Following, el primer largometraje de Chistopher. La primera experiencia de Nolan como director fue en la cinta Following[2] de 1998, en la cual se describe a un escritor obsesionado con el seguimiento a otras personas, destaca el hecho de hacer este film durante varios fines de semana mientras aún cursaba sus estudios universitarios y el hecho de que muchos de sus compañeros hagan apariciones en la película Acto seguido vendría la aclamada Memento del año 2000, una cinta en la cual Nolan experimenta con el hilo narrador de la historia fragmentandola y alterando el habitual modo de contar las películas valiéndose de Flashbacks y otros recursos fílmicos. Memento fue hecha a partir de un escrito de su hermano menor Jonathan Nolan y lo puso en boca de todos en el circuito Hollywoodense Después de ello llegaría Insomnia (2002) donde dirige al aclamado Al Pacino, quien comparte cartel junto a Robin Williams y Hilary Swank. La buena recepción de esta fue la que a la postre le permitió negociar con la Warner Bros el re-boot del clásico héroe de tiras cómicas Batman, después de que la franquicia hubiese quedado muy maltrecha tras los fallidos intentos de Joel Schummacher a finales de los 90. Batman Begins, The Dark Knight y The Dark Knight Rises constituyen las tres películas que Nolan ha hecho sobre el personaje de DC Comics. La primera sitúa al protagonista, interpretado por Christian Bale, en lo que será su papel como guardián de Gotham City. En la segunda parte se introduce su prueba de fuego al enfrentarse a Joker, con la magnifica actuación de Heath Ledger. La tercera parte, The Dark Knight Rises, introduce un nuevo enemigo: Bane, quien amenaza a Gotham City de manera implacable. Esta última entrega pondrá fin a la relación Nolan como director del héroe de Gotham. La gran aceptación de sus películas sobre Batman viene por que toma referencias del personaje visto en las historias de DC Comics. [3] Entre Batman Begins y The Dark Knight, en el año 2007, Christopher y Jonathan escribieron el guion de The prestige, adaptando la obra original de Christopher Priest, una película ambientada a principios del Siglo XX, que cuenta la historia de dos magos rivales que buscan la destrucción del otro a cualquier precio. Actuaron Hugh Jackman y Christian Bale, nuevamente con la participación de Michael Caine. En 2010 estrenó Inception, una película que trata el tema de los sueños de un modo más profundo y serio que otras películas relacionadas. En esta ocasión trabajó con Leonardo DiCaprio, y le valió su primera nominación por una película en los Premios Oscar. Se casó con la productora Emma Thomas en 1997. Tienen cuatro hijos juntos y residen en Los Ángeles, California. En su penúltima película (The Dark Knight) innovó el uso de las cámaras de alta definición IMAX para las escenas de acción (sin precedentes conocidos pues son habituales como planos fijos en documentales). Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Nolan fue clasificado cuarto en la lista y ganó aproximadamente 71,5 millones de dólares.[4]

84

Christopher Nolan

85

En 2012 dirige la última entrega como director de la franquicia de Batman, en la que vuelven Christian Bale, Michael Caine, Morgan Freeman y Gary Oldman a sus respectivos papeles, y se incluyen nuevos rostros como Joseph Gordon-Levitt (John Blake), Anne Hathaway (Selina Kyle), Tom Hardy (Bane) y Marion Cotillard (Miranda Tate).

Filmografía Cortometrajes • Doodlebug (1997)

Largometrajes Título

Funciones Año Duración

Óscar

Globos de Oro

BAFTA

Premios AFI

Following Dirección 1998 70' Guion Fotografía Montaje

6.000

Memento Dirección Guion

2000 117'

Insomnia Director

2002 118'

Batman Begins

Dirección Guion

2005 140'

Nominado: 1

The Prestige

Director Productor Guion

2007 130'

Nominado: 2

The Dark Director Knight Productor Guion

2008 152'

Ganador: Ganador: 2 1 Nominado: 8

Inception Director Productor Guion

2010 140'

Ganador: Nominado: Ganador: 4 4 3 Nominado: Nominado: 8 9

The Dark Director Knight Productor Rises Guion

2012 165'

Man of Steel

2013

Productor Guion

Sundance Presupuesto

Nominado: Nominado: Nominado: Ganador: 2 1 1 1 Nominado: 2

Ganador: Ganador: 1 1 Nominado: 9

[5]

Beneficio

48.482

20.665

39.723.096

12.847.702

113.714.830

16.543.156

150.000.000 372.710.015

54.990.508

40.000.000

20.321.971

Ganador: 9.000.000 1 Nominado: 1 46.000.000

Nominado: 3

Taquilla mundial

109.676.311

185.000.000 1.001.921.825 366.057.003

160.000.000 815.519.920

250.000.000

201.635.956

Christopher Nolan

86

Colaboradores recurrentes Actores

Batman Begins (2005)

The Prestige (2006)

Christian Bale

✘

✘

✘

Michael Caine

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✘

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✘

✘

Jeremy Theobald

Doodlebug (1997)

✘

Following (1999)

Memento (2000)

Insomnia (2002)

✘

Mark Boone Junior

The Dark Inception Knight (2010) (2008)

✘

✘ ✘

✘

Cillian Murphy

✘

✘

Colin McFarlane

✘

✘

Larry Holden

The Dark Knight Rises (2012)

✘

✘

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Morgan Freeman

✘

Ken Watanabe

✘

Gary Oldman

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✘

✘ ✘

✘

✘

Tom Hardy

✘

✘

Joseph Gordon-Levitt

✘

✘

Marion Cotillard

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✘

Liam Neeson

✘

✘

Productores Emma Thomas

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Jordan Golberg Charles Roven

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Charles J.D. Schlissel

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Michael E. Uslan

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Aaron Ryder

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William Tyrer

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Benjamin Melniker

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Guionistas Jonathan Nolan

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David S. Goyer

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Directores de fotografía Wally Pfister

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Christopher Nolan

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Músicos David Julyan

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Hans Zimmer

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James Newton Howard

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Montadores Dody Dorn

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Lee Smith

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Premios Óscar Año

Categoría

2011 Mejor Película

Película Resultado Inception Nominado

2011 Mejor Guion Original Inception Nominado 2002 Mejor Guion Original Memento Nominado

Premios Globo de Oro Año

Categoría

Película Resultado

2011 Mejor Director Inception Nominado 2011 Mejor Guion

Inception Nominado

2002 Mejor Guion

Memento Nominado

Notas [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0634240 [2] http:/ / www. cuevana. tv/ peliculas/ 2275/ following/ [3] acerca de los comics que influyeron en las películas de Batman (http:/ / juan-rodriguez-millan. suite101. net/ los-comics-que-influyeron-en-el-batman-de-christopher-nolan-a24578|Blog) [4] Newcomb, Peter. « Hollywood’s Top 40 (http:/ / www. vanityfair. com/ hollywood/ features/ 2011/ 03/ hollywood-top-earners-201103?currentPage=3)», Vanity Fair, marzo de 2011. Consultado el 3/3/12. [5] Según Box Office Mojo, la productora obtiene el 55% de los beneficios obtenidos a nivel mundial.

Enlaces externos • Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Christopher Nolan. Wikiquote • Ficha de Christopher Nolan en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0634240) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0634240) en Internet Movie Database. • Ficha de Christopher Nolan (http://boxofficemojo.com/people/chart/?view=Director&id=christophernolan. htm) en Box Office Mojo

Christopher Nolan

88

Referencias

Danny Boyle Danny Boyle

Nacimiento

Mánchester (Inglaterra),  Reino Unido 20 de octubre de 1956 (55 años)

Ocupación

Director Premios

Premios Óscar

Mejor director 2008 Slumdog Millionaire

Globos de Oro

Mejor director 2009 Slumdog Millionaire

Premios BAFTA Mejor director 2008 Slumdog Millionaire Ficha

[1]

en IMDb

Danny Boyle (nacido el 20 de octubre de 1956 en Mánchester (Inglaterra)) es un director y productor de cine británico, hijo de emigrantes irlandeses católicos. Dirigió los filmes Shallow Grave (1994), Trainspotting (1996), A Life Less Ordinary (1997), La playa (2000), 28 días después (2002), Millones (2004), Sunshine (2007) y Slumdog Millionaire (2008), y 127 horas (2010). Slumdog Millionaire le valió una estatuilla al mejor director en la 81ª entrega de los Premios Óscar.

Biografía Estudió en el Thornleigh Salesian College y en la Universidad de Gales, Bangor. Boyle obtuvo reconocimiento en el Reino Unido por haber dirigido unas producciones para la televisión británica que incluían el Inspector Morse y Mr. Wroe’s Virgins. Se le asocia por trabajar con el escritor John Hodge el productor Andrew Macdonald, y el actor Ewan McGregor. Tras obtener atención internacional por la película Trainspotting esperó ganar un contrato de producción con algún estudio importante de Estados Unidos, pero la única oferta realizada fue para el cuarto filme de Alien. Usando financiamiento británico Boyle y Hodge realizaron A Life Less Ordinary, pero debido a que no había mucho presupuesto no tuvo estrellas importantes ni locaciones atractivas, lo cual se tradujo en un fiasco de taquilla. Fue Ewan McGregor quien aconsejó a Boyle el adaptar la novela de culto The Beach, pero luego descubrió que el estudio quería una estrella más costosa y contrató a Leonardo Di Caprio sin consultar a Boyle, quien ya le había

Danny Boyle prometido el protagónico a McGregor. Los medios británicos y los tabloides armaron un circo de esta situación antes de que Boyle le pudiese explicar a McGregor lo que había sucedido y desde ese entonces no han trabajado juntos. Boyle colaboró con el autor de The Beach Alex Garland en la adaptación de 28 Days Later. Su versatilidad se demuestra en el filme familiar Millions. Boyle dirigió dos filmes para televisión para la BBC en 2001 Vacuuming Completely Nude In Paradise y Strumpet. También dirigió el corto Alien Love Triangle protagonizado por Kenneth Branagh que se suponía sería parte de un largometraje con otros dos cortos incluidos en él, pero el proyecto fue cancelado debido a que los cortos fueron convertidos en largometrajes. Se trataba de Mimic protagonizada por Mira Sorvino e Imposter protagonizada por Gary Sinise. Sus últimos trabajos han sido Sunshine un filme de ciencia ficción protagonizado por su estrella de 28 Days Later Cillian Murphy, Slumdog Millionaire un gran éxito de publico y crítica en todo el mundo, y 127 horas. Slumdog Millionaire fue la gran triunfadora en la gala de los premios Óscar 2007 al llevarse ocho estatuillas, incluyendo las de mejor película y mejor director Sus películas se caracterizan por tratar de temas serios y relacionados con la naturaleza humana. Su trabajo engloba una ingeniosa y poco convencional comedia. Utiliza el humor negro. Su creatividad en la fotografía logra crear ambientes de gran realismo. Cinco películas que han inspirado a Boyle en su carrera de director de cine son: Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica, Wallace and Grommit -- the Wrong Trousers de Nick Park, Au Revoir Les Enfants de Louis Malle, y Eureka de Nick Roeg.[2] En el año 2012 fue el encargado de dirigir la ceremonia de inauguración de los XXX Juegos Olímpicos que tuvo lugar en Londres.

Filmografía • • • • • • • • • • • • • • • • •

127 horas (2010) Slumdog Millionaire (2008) (ganador del Globo de Oro y Óscar por mejor director y mejor película) David Alan Grier's Chocolate News (2008) (TV) (en rodaje) 28 Weeks Later (2007) (productor ejecutivo) Sunshine (2007) Millions (2004) 28 Days Later (2002) Alien love triangle (2002) Vacuuming Completely Nude in Paradise (2001) (TV) Strumpet (2001) (TV) La playa (2000/I) A Life Less Ordinary (1997) Trainspotting (1996) Shallow Grave (1994) Screenplay (1er episodio, 1993) Mr. Wroe's Virgins (1993) (mini) TV mini-serie Inspector Morse (2 episodios, 1990-1992)

• Cherubim and Seraphim (1992) TV episodio • Masonic Mysteries (1990) TV episodio • For the Greater Good (1991) (TV) • The Nightwatch (1989) (TV) • The Hen House (1989) (TV) • Monkeys (1989) (TV) • The Venus de Milo Instead (1987) (TV)

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Danny Boyle

90

• Scout (1987) (TV)

Premios Premios Óscar: Año

Categoría

Película

Resultado

2008 Mejor director

Slumdog Millionaire Ganador

2010 Mejor película

127 horas

Candidato

2010 Mejor guion adaptado 127 horas

Candidato

1996 Mejor guion adaptado Trainspotting

Candidato

Premios Globos de Oro: Año

Categoría

Película

Resultado

2008 Mejor director Slumdog Millionaire Ganador

Premios BAFTA: Año

Categoría

Película

Resultado

2008 Mejor director Slumdog Millionaire Ganador

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000965 [2] (http:/ / www. rottentomatoes. com/ m/ slumdog_millionaire/ news/ 1790033/ five_favourite_films_with_golden_globe-winner_danny_boyle/ )

Enlaces externos • Danny Boyle - Entrevista en DeCine21 (http://www.decine21.com/Entrevistas/Danny-Boyle-12022009. asp?Id=327)

Danny DeVito

91

Danny DeVito Danny DeVito

Nombre real Daniel Michael DeVito Jr. Nacimiento

Neptune, Nueva Jersey, Estados Unidos 17 de noviembre de 1944 (67 años) Características físicas

Estatura

1.52 m (5 pies 0 pulg) Familia

Cónyuge

Rhea Perlman Ficha

[1]

en IMDb

Daniel Michael DeVito Jr. (17 de noviembre de 1944; Neptune, Nueva Jersey), mejor conocido como Danny DeVito, es un actor, director y productor estadounidense. Premiado con los premios Globo de Oro y Emmy por su participación en la comedia de situación Taxi. Destacado por su trabajo en los filmes Twins, La guerra de los Rose, Hoffa, Erin Brockovich y Man on the Moon entre otras.

Biografía DeVito es un actor de muy baja estatura -tan sólo mide 1,52 m- con una apariencia muy reconocible y con un humor muy punzante que llega fácilmente al público. Es muy conocido en su país por ser Louie De Palma en la serie Taxi (1980), a pesar de haber actuado en películas como Alguien voló sobre el nido del cuco o La fuerza del cariño. Su participación en las comedias Los gemelos golpean dos veces, La guerra de los Rose y Batman Regresa lo hicieron mundialmente famoso y lo encasillaron en ese género. DeVito luchó contra esta etiqueta haciendo interpretaciones muy respetadas en películas como L.A. Confidential, Heist y The Big Kahuna. En 1999, produjo y co-protagonizó Man on the Moon, una película protagonizada por Jim Carrey ambientada en la inusual vida del cómico estadounidense Andy Kaufman. Actuó en Batman Regresa, Mars Attacks! y Big Fish -las tres dirigidas por Tim Burton-, además de Erin Brockvovich. En 1996 interpretó a un verdadero mal ejemplo de padre en la película Matilda, donde aparece como Harry Wormwood, un chabacano y deshonesto estafador que trabaja en un taller vendiendo autos que construye con refacciones robadas y en mal estado, y que por esa única razón, los autos que vende, nunca funcionan bien. Actualmente, hace el papel de Frank Reynolds en la serie It's Always Sunny in Philadelphia.

Danny DeVito

92

Vida personal Está casado con la también actriz Rhea Perlman desde 1982, a la que conoció en la serie Taxi y con la que volvió a compartir protagonismo en Matilda.

Filmografía Película

Año

Papel

Hurry Up, Or I'll Be 30

1973 Petey

One Flew Over the Cuckoo's Nest

1975 Martini

Goin' South

1978 Hog, Moon's Old Gang

Going Ape!

1981 Lazlo

Terms of Endearment

1983 Vernon Dahlart

Tras el Corazón Verde

1984 Ralph

The Ratings Game

Vic De Salvo

Johnny Dangerously

Burr

The Jewel of the Nile

1985 Ralph

Wise Guys

1986 Harry Valentini

Ruthless People

Sam Stone

My Little Pony: The Movie

The Grundle King

Throw Momma from the Train

1987 Owen Lift

Tin Men

Notas

voz director

Ernest Tilley

Los gemelos golpean dos veces

1988 Vincent Benedict

La guerra de los Rose

1989 Gavin D'Amato

Other People's Money

1991 Larry Garfield

Batman Returns

1992 El Pingüino

Hoffa

Bobby Ciaro

Jack the Bear

1993 John Leary

Reality Bites

1994 N/A

Junior

Larry Arbogast

Pulp Fiction

N/A

Renaissance Man

Bill Rago

Get Shorty

1995 Martin Weir

Mars Attacks!

1996 Rude Gambler

director

productor y director

productor

productor ejecutivo

Matilda

Harry Wormwood,

director, productor y narrador

Space Jam

Mr. Swackhammer

voz

Legítima defensa

1997 Deck Shifflet

Gattaca

N/A

productor

Hércules

Philoctetes

voz

L.A. Confidential

Sid Hudgens

Living Out Loud

1998

Danny DeVito

93 The Big Kahuna

1999 Phil Cooper

Man On The Moon

George Shapiro

The Virgin Suicides

Dr. Hornicker

productor

Drowning Mona

2000 Wyatt Rash

Erin Brockovich

N/A

productor

How High

N/A

productor

Screwed

Grover Cleaver

Heist

2001 Bergman

What's the Worst That Could Happen?

Max Fairbanks

Austin Powers in Goldmember

2002 Mini-Me

Death to Smoochy

cameo

Burke Bennet

Big Fish

director

2003 Amos Calloway

Camp

N/A

productor

Dúplex

N/A

director y narrador

Christmas in Love

2004 Brad LaGuardia

Garden State

N/A

Be Cool

productor

2005 Martin Weir

Marilyn Hotchkiss' Ballroom Dancing and Charm School Relative Strangers

Booth 2006 Frank Menure

Even Money

Walter

The Oh in Ohio

Wayne

Deck the Halls

Buddy Hall

The Good Night

2007 Mel

Reno 911!: Miami

The Mayor

Just Add Water

Merl

Nobel Son

Gastner

No Place Like Home

2008 Cathkart

Lorax. En busca de la trúfula perdida

2012 Voz Lorax

Premios Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

2000 Mejor película Erin Brockovich Candidato

Premios Globo de Oro

productor

Doblador

Danny DeVito

94

Año

Categoría

Película

Resultado

2000 Mejor película - Drama

Erin Brockovich

Candidato

1987 Mejor actor - Comedia o musical

Tira a mamá del tren

Candidato

1986 Mejor actor - Comedia o musical

Por favor, maten a mi mujer Candidato

1980 Mejor actor de reparto de serie, miniserie o telefilme Taxi

Ganador

Premios del Sindicato de Actores Año

Categoría

Película

Resultado

1997 Mejor reparto L. A. Confidential Candidato

Enlaces externos • Ficha de Danny DeVito en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database.

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000362 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000362

Darren Aronofsky Darren Aronofsky

Darren Aronofsky en 2011. Nacimiento

Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos 12 de febrero de 1969 (43 años) Familia

Hijo/s

Henry Chance Aronofsky

Darren Aronofsky es un director de cine estadounidense nacido el 12 de febrero de 1969 en Brooklyn, Nueva York. Hijo de Abraham y Charlotte Aronofsky, dos profesores de origen hebreo, descendientes de polacos.

Darren Aronofsky

95

Carrera cinematográfica El debut de Aronofsky como director de largometrajes se remonta al año 1998, fecha en la que se estrenó la película Pi. Esta cinta narra la vida de un brillante matemático (Max) que está obsesionado con la idea de que, pese al aparente caos que rige el universo, existe un sistema numérico capaz de prever y controlar todo cuanto sucede en él. Centrándose para ello en el estudio del mercado bursátil, Max cada vez se acercará más a desentrañar el misterio que se oculta tras esa fórmula matemática que aparentemente controla todo, y que le lleva inexorablemente al número Pi. Ansiosos por hacerse con el increíble descubrimiento que Max está a punto de revelar, una agresiva firma de Wall Street y una secta judía le acosarán para hacerse con tan preciado botín. Cabe destacar que la fotografía de este thriller matemático fue en blanco y negro, y que el compositor de la banda sonora de la misma fue su gran amigo Clint Mansell, colaborador habitual de Aronofsky en el resto de sus películas. El filme apenas costó 60.000 dólares, por lo que el mérito de la película es aún mayor. La cinta logró un gran éxito de crítica y público, y obtuvo varios galardones, entre los cuales destaca el del Festival de Sundance, que reconoció a Aronofsky como Mejor Director en 1998. La película que siguió a Pi, fue Réquiem por un sueño (Requiem for a dream), estrenada en el año 2000. Basada en la novela de Hubert Selby Jr (quien también desempeña las labores de guionista), la película se centra en el mundo de las drogas (y otras adicciones) y en las devastadoras consecuencias que tienen estas en un grupo de personas. Este segundo trabajo del director neoyorquino fue aclamado mundialmente por crítica y público y se convirtió instantáneamente en un clásico de culto. Su enorme poder visual, unido a una banda sonora hipnótica (obra también de Clint Mansell, cuyo tema Lux Aeterna ha sido remezclado y utilizado en decenas de tráilers cinematográficos posteriores) y a unas interpretaciones sobresalientes (Ellen Burstyn estuvo nominada al Oscar y al Globo de Oro a la mejor actriz por su trabajo en este filme) dieron como resultado este exitoso segundo trabajo de realizador de Brooklyn. La película se hizo con numerosos premios, entre ellos la Espiga de Oro del Festival de Valladolid. La siguiente película de Aronofsky no vería la luz hasta más de un lustro después, en el año 2006, fecha del estreno de The fountain (La Fuente de la Vida). Con un presupuesto pequeño después de tener problemas con el estudio y actores que decidieron retirarse tales como Brad Pitt y Cate Blanchett, y se contó actores de la talla de Hugh Jackman, Rachel Weisz y Ellen Burstyn (de nuevo), Aronofsky nos muestra 3 historias donde Jackman y Weisz interpretan diferentes papeles, un científico de tiempos actuales con su esposa enferma, un conquistador y su reina, y un viajero espacial que tiene alucinaciones con la esposa que perdió. Es una perfecta historia sobre el amor y la muerte[cita requerida].

Darren (izq.) en febrero de 2011.

La película pasó con más pena que gloria por la taquilla mundial, y esta vez no pudo contentar completamente a todo el mundo. El filme produjo una enorme división de opiniones tanto en la crítica especializada como en el público, yendo desde los que la criticaron duramente, hasta los que la encumbraron como una de las grandes obras cinematográficas de los últimos tiempos. En cualquier caso, cabe reseñar la nominación de Clint Mansell (de nuevo a cargo de la banda sonora) a los Globos de Oro por su partitura, o la de Darren Aronofsky al León de Oro en el Festival de Venecia, entre otras. En el año 2008 presentó El luchador, su cuarto largometraje que obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia. La película está protagonizada por Mickey Rourke y Marisa Tomei, y narra la vida Randy Robinson, un antiguo campeón de lucha libre que se encuentra en el ocaso de su vida profesional. La crítica consideró la película de

Darren Aronofsky

96

Aronofsky la mejor del festival y una de las mejores del director. Su último trabajo, Black Swan (Cisne negro), se estrenó en Estados Unidos el 1 de diciembre de 2010. La película, considerada un thriller psicológico, cuenta con la participación como protagonista de Natalie Portman (papel que le valió un Oscar como Mejor Actriz) interpretando a Nina, una bailarina de ballet de una compañía en Nueva York. La habilidad de Aronofsky logra captar en el film todo el perfil obsesivo y exigente que ronda el mundo de la danza como disciplina consiguiendo atrapar al espectador. Aparte de realizar estos largos, Darren Aronofsky también es el autor de cortos como Supermarket Sweep (1991), Fortune Cookie (1991) y Protozoa (1993).

Filmografía como director • • • • • •

Supermarket Sweep Protozoa (1992) Pi: El orden del caos (1998) Réquiem por un sueño (2000) La fuente de la vida (2006) El luchador (2008)

• Black Swan (2010)

Premios Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

2011 Mejor Director Black Swan Candidato

Globos de Oro Año

Categoría

Película

Resultado

2011 Mejor Director Black Swan Candidato

Premios BAFTA Año

Categoría

Película

Resultado

2011 Mejor Director Black Swan Candidato

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Darren Aronofsky. Commons • Ficha de Darren Aronofsky en inglés [1] y en español [2] en Internet Movie Database. • Página web oficial [3]

Darren Aronofsky

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Referencias [1] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0004716 [2] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0004716 [3] http:/ / www. darrenaronofsky. com/ DA. html

David Fincher David Fincher

Nombre real

David Leo Fincher

Nacimiento

Denver, Colorado, Estados Unidos 28 de agosto de 1962 Premios

Globos de Oro

Mejor director 2011 The Social Network

Premios BAFTA Mejor director 2010 The Social Network Ficha

[1]

en IMDb

David Fincher (Denver, Colorado, 28 de agosto de 1962) es un director de cine, publicidad y videos musicales estadounidense, conocido por películas como Se7en, The Game, Fight Club, Zodiac, El curioso caso de Benjamin Button, The social network y The Girl With The Dragon Tattoo. Fue galardonado en 2011 con el premio Globo de Oro al mejor director.

Biografía Fincher nació en la ciudad de Denver, en el estado de Colorado (Estados Unidos), hijo de Jack Fincher, un jefe de oficina y escritor para la revista Life. Se crio en el condado de Marin, California, y se trasladó a Ashland, Oregón, en su adolescencia, donde se graduó en la escuela secundaria. Fincher se estrenó en Industrial Light and Magic, la compañía de George Lucas, realizando efectos visuales de películas como Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi (1983). Después se pasó a los anuncios y los videos musicales. Cofundador de la productora Propaganda Films, Fincher debutó en la dirección con Alien³ (1992). Regresó entonces a los videos musicales y creó Dangerous: The Short Films (1993), Aerosmith: Big Ones You Can Look (1994) y The Best of Sting: Fields of Gold 1984-1994 (1994) antes de que el proyecto Se7en cayera en sus manos. Después de The Game (1997), vino Fight Club (1999), sobre un esquizofrénico que funda un club masculino de lucha. A continuación dirigió La habitación del pánico (2002), una película estilizada sobre tres intrusos que invaden un hogar, y Zodiac (2007), sobre el asesino del mismo nombre que actúo en los años setenta.

David Fincher Fue nominado por la Academia a la mejor dirección por su película El curioso caso de Benjamin Button. A pesar de eso, muchos críticos pensaron que fue más un proyecto de encargo y no una película adecuada para alguien que se había destacado en los últimos años por sus filmes que exploraban el lado oscuro y las obsesiones de la sociedad contemporánea.[cita requerida] Tras este melodrama, dirigió The social network (2010), cinta acerca de los orígenes de Facebook. La película le valió hasta el momento las mejores críticas de su carrera y se convirtió en una gran favorita para los Óscar de ese año.[cita requerida] En 2011 Fincher estrenó la adaptacion americana de la novela de Stieg Larsson The Girl With The Dragon Tattoo, con equipo similar al de The social network.

Filmografía • • • • • • •

Alien³ (1992) Se7en (1995) The Game (1997) Fight Club (1999) La habitación del pánico (2002) Zodiac (2007) El curioso caso de Benjamin Button (2008)

• La red social (2010) • The Girl with the Dragon Tattoo (2011)

Videografía • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

"Shame," The Motels (1985) "All The Love," The Outfield (1986) "Everytime You Cry," The Outfield (1986) "One Simple Thing," The Stabilizers (1986) "She Comes On," Wire Train (1987) "Endless Nights," Eddie Money (1987) "Downtown Train," Patty Smyth (1987) "Johnny B," The Hooters (1987) "Storybook Story," Mark Knopfler (1987) "No Surrender," The Outfield (1987) "Don't Tell Me The Time," Martha Davis (1987) "Heart of Gold," Johnny Hates Jazz (1988) "Englishman in New York," Sting (1988) "Shattered Dreams" (segunda versión), Johnny Hates Jazz (1988) "Get Rhythm," Ry Cooder (1988) "Roll With It," Steve Winwood (1988) "The Way That You Love Me" (primera versión), Paula Abdul (1988) "Holding On," Steve Winwood (1988) "Bamboleo" (segunda versión), Gipsy Kings (1989) "Straight Up," Paula Abdul (1989) "Real Love," Jody Watley (1989) "She's A Mystery To Me," Roy Orbison (1989) "Forever Your Girl" Paula Abdul (1989)

• "Express Yourself," Madonna (1989) • "The End Of The Innocence," Don Henley (1989)

98

David Fincher • • • • • • • • • • • • •

99

"Cold Hearted," Paula Abdul (1989) "Oh Father," Madonna (1989) "Janie's Got A Gun," Aerosmith (1989) "Vogue," Madonna (1990) "Cradle of Love," Billy Idol (1990) "L.A. Woman," Billy Idol (1990) "Freedom '90," George Michael (1990) "Bad Girl," Madonna (1993) "Who Is It?" (segunda versión), Michael Jackson (1993) "Love Is Strong," The Rolling Stones (1994) "6th Avenue Heartache," The Wallflowers (1996) "Judith," A Perfect Circle (2000) "Only," Nine Inch Nails

Premios Premios Óscar: Año

Categoría

Película

Resultado

2008 Mejor director El curioso caso de Benjamin Button Candidato 2010 Mejor director The social network

Candidato

Año

Resultado

Premios BAFTA: Categoría

Película

2008 Mejor director El curioso caso de Benjamin Button Candidato 2010 Mejor director The social network

Ganador

Año

Resultado

Premios Globo de Oro: Categoría

Película

2008 Mejor director El curioso caso de Benjamin Button Candidato 2010 Mejor director The social network

Ganador

Enlaces externos • • • • •

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre David Fincher. Wikiquote Ficha de David Fincher en inglés [2] y en español [3] en Internet Movie Database. Fincher Fanatic Blog [4] Entrevista exclusiva a David Fincher [5] Entrevista de la Agencia Efe a David Fincher publicada por El Confidencial [6]

David Fincher

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Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6]

http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000399 http:/ / www. imdb. com/ name/ nm000399 http:/ / www. imdb. es/ name/ nm000399 http:/ / fincherfanatic. blogspot. com/ http:/ / www. cinebing. com/ 2010/ 10/ david-ficher-exclusiva-social-network-entrevista/ http:/ / www. elconfidencial. com/ cache/ 2009/ 01/ 21/ 94_david_fincher_mayoria_negocio_comida_rapida. html

David Lynch David Lynch

David Lynch en Cannes (2001) Nombre real

David Keith Lynch

Nacimiento

Missoula (Montana), Estados Unidos 20 de enero de 1946 (66 años) Familia

Cónyuge

Peggy Lynch (1967-1974) Mary Fisk (1977-1987) Mary Sweeney (2006-2006) Premios

Festival de Cannes

Palma de Oro 1990 Wild at Heart Mejor director 2001 Mulholland Drive

Premios César

Mejor película extranjera 1982 The Elephant Man 2002 Mulholland Drive

[http://DavidLynch.com

[1]

Página web oficial] Ficha

[2]

en IMDb

David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946), conocido como David Lynch, es un director de cine, productor de música electrónica y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño de mobiliario. Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio web, de

David Lynch pago. Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks: Fire walk with me o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway. Reconocido admirador de Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, Lynch ha conseguido destacarse como uno de los pocos directores actuales con un estilo auténticamente personal y constituye un referente ineludible en el cine contemporáneo. Su último film, que le ocupó varios años de rodaje usando exclusivamente técnicas digitales, se tituló INLAND EMPIRE (en mayúsculas) y su estreno se produjo en 2006.

Biografía y obra Niñez y juventud Lynch podría considerarse el arquetipo del muchacho americano de clase media. Su padre, Donald, fue un científico adscrito al Ministerio de Agricultura norteamericano, y su madre, Sunny, era profesora de lengua. La familia vivió en distintos lugares, entre el noroeste del país y Carolina del Norte. Lynch fue boy scout y a los 15 años participó como acomodador en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy. Pronto experimentó impulsos artísticos y asistió al Corcoran School of Art en Washington, D.C. mientras terminaba sus estudios secundarios en Alexandria, Virginia. Después se apuntó al School of the Museum of Fine Arts de Boston durante un año, antes de partir rumbo a Europa en compañía de su amigo y colega artístico Jack Fisk. Sus planes eran estudiar con el pintor del expresionismo austríaco Oskar Kokoschka (quien resultaría uno de sus principales referentes artísticos) durante tres años. Sin embargo, Lynch regresó a los Estados Unidos al cabo de sólo 15 días.

Filadelfia y sus primeros largometrajes En 1966, Lynch se instala en la ciudad Filadelfia, Pensilvania, asistiendo al Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA). Allí se dedicó en principio a la confección de complejos mosaicos a base de figuras geométricas, a los que él llamó Industrial Symphonies. Por aquel tiempo, tuvo sus primeros devaneos cinematográficos. Su primer corto recibió el título de Six Men Getting Sick ("Seis hombres vomitando") (1966). Él lo describió como "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet. A partir de 1970, Lynch se centró exclusivamente en el arte cinematográfico. Consiguió un premio de 5.000 dólares del American Film Institute por The Grandmother, ("La abuela") sobre un pobre chico de la calle que se las ingenia para conseguir una abuela a partir de una semilla. Esta película de 30 minutos de duración muestra ya muchos de los patrones característicos en su cine de madurez, incluyendo un sonido perturbador y envolvente y una potente imaginería enfocada a los deseos y al inconsciente reprimido, todo ello lejos de los métodos tradicionales de narrar.

Eraserhead En 1971, Lynch se trasladó a Los Ángeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory. Fue allí donde empezó a trabajar en su primer largometraje, Eraserhead, aprovechando una ayuda de 10.000 dólares concedida por dicha institución. Este dinero no alcanzó para terminar el film y por este motivo la película no se remataría hasta el año 1977. Lynch tuvo que pedir dinero a amigos y familiares, incluyendo a su amigo de la infancia Jack Fisk, diseñador de producción y marido de la actriz Sissy Spacek, e incluso se dedicó a vender periódicos para financiarla.

101

David Lynch Eraserhead es una película enigmática y sombría, plena de guiños surrealistas y elementos desasosegantes. Por tal motivo fue rodada apropiadamente en blanco y negro. Cuenta la historia de un joven tranquilo (papel que interpreta Jack Nance) que vive en una especie de área industrial y cuya novia da a luz a una rara bestezuela que no para de gemir. Lynch se refiere a la película como “mi historia de Filadelfia”, aludiendo al hecho de que refleja muy bien todas las crudas experiencias que vivió en esa ciudad en su etapa de estudiante, experiencias que le marcaron profundamente. Sobre la película, la crítica ha afirmado que sugiere o intenta sugerir los miedos y ansiedades del propio cineasta acerca de la paternidad, personificados en el grotesco aspecto del bebé, que se ha convertido en uno de los íconos del cine fantástico de todas las épocas. El director ha rehuido en más de una ocasión explicar cómo fue elaborada la criatura, pero la leyenda cuenta que fue construida a partir de un feto de vaca embalsamado. Debido a sus extravagantes contenidos, al principio se pensó que Eraserhead no podría ser exhibida comercialmente, sin embargo, gracias al esfuerzo del distribuidor Ben Barenholtz, se convirtió pronto en un clásico, típico en salas especializadas en proyecciones de medianoche, fuera de las grandes audiencias. La crítica más avanzada la alabó inmediatamente como obra maestra, lo que colocó al director a la cabeza de la vanguardia cinematográfica. El gran director Stanley Kubrick afirmó con admiración que era una de sus películas favoritas de toda la historia del cine. El éxito provocó que el equipo de actores y técnicos (entre ellos el cámara Frederick Elmes, el técnico de sonido Alan Splet, y el actor Jack Nance) siguieran trabajando con Lynch en años posteriores.

El hombre elefante y Dune Eraserhead atrajó la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980 The Elephant Man (El hombre elefante), un biopic sobre la figura de Joseph Merrick, un hombre de clase baja con tremendas malformaciones físicas. Esta película, rodada igualmente en blanco y negro, fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Óscar, incluyendo el de mejor director y mejor guion adaptado para Lynch. Del mismo modo demostró la viabilidad comercial de sus propuestas. Posteriormente, el cineasta aceptó dirigir una superproducción que adaptaba la novela de ciencia-ficción Dune, del escritor Frank Herbert, para el productor italiano Dino De Laurentiis, con la condición de que la productora se comprometiera a financiar un segundo proyecto sobre el cual Lynch mantendría control creativo total. Aunque el productor esperaba que Dune (1984) supondría algo así como la nueva Guerra de las galaxias, la película resultó un gran fiasco comercial, siendo además vapuleada por la crítica. Se calculó que ingresaría 45 millones de dólares que al final se quedaron en sólo 27,4. Para compensar pérdidas, el estudio elaboró una versión alargada para la televisión que desvirtuaba el montaje del director y que Lynch desautorizó inmediatamente.

Blue Velvet La segunda película de Lynch producida por De Laurentiis fue Blue Velvet (Terciopelo azul, 1986), la historia de un joven universitario (representado por el actor que protagonizara Dune, Kyle MacLachlan) que descubre el lado oscuro de una pequeña ciudad, al investigar la procedencia de una oreja cortada que había encontrado casualmente en el transcurso de un paseo campestre. La película muestra actuaciones memorables de Isabella Rossellini, en el papel de una cantante atormentada, y de Dennis Hopper en el de un criminal psicópata, líder de una banda de matones de medio pelo. Blue Velvet obtuvo un gran éxito de crítica y proporcionó a Lynch su segunda nominación al Óscar al mejor director. La película presenta algunos lugares comunes en su cine: una cuidadísima puesta en escena, ciertos episodios y conductas inexplicables, mujeres ultrajadas, los malsanos entresijos de una pequeña comunidad, y la utilización poco convencional de canciones antiguas. Blue velvet, de Bobby Vinton e In dreams de Roy Orbison suenan en este film extrañas y perturbadoras. Esta fue la primera ocasión en que Lynch trabajaba con el compositor Angelo Badalamenti, quien contribuiría en todas sus películas posteriores.

102

David Lynch El director Woody Allen, cuya cinta Hannah y sus hermanas fue nominada como mejor película, afirmó que Blue Velvet era el mejor filme del año. La película, que es comúnmente considerada como una de las obras maestras del cine contemporáneo, ha llegado a convertirse en un icono de la cultura popular.

Twin Peaks, Wild at Heart Al no obtener financiación para posteriores guiones, a finales de los 80 Lynch optó por colaborar con el productor televisivo Mark Frost en la serie televisiva Twin Peaks, acerca de una pequeña localidad de Washington donde ocurren extraños sucesos. La historia se centraba en las investigaciones realizadas por el agente especial del FBI Dale Cooper (de nuevo Kyle MacLachlan) en torno a la muerte de una conocida estudiante de secundaria llamada Laura Palmer, una investigación que iba revelando los escabrosos secretos de muchos ciudadanos aparentemente respetables. El cineasta dirigió seis episodios en total, incluyendo los dos primeros, y escribió o co-escribió algunos más, e incluso apareció como actor en algunos de ellos. La serie se estrenó en la cadena ABC Network el 8 de abril de 1990 y poco a poco fue revelándose como todo un fenómeno cultural. Ningún otro proyecto de Lynch ha obtenido semejante aceptación. La serie fue vendida a infinidad de países, y algunos de sus latiguillos ingresaron en la cultura popular. Se hicieron parodias de la misma en el show Saturday Night Live y en la serie de animación Los Simpson. Lynch apareció en la portada de la revista Time en gran medida debido al gran éxito cosechado con Twin Peaks. El director encarnó el papel del vociferante y medio sordo jefe del agente Cooper, Gordon Cole. Pese a todo, Lynch chocó con los responsables de la cadena por distintos motivos, en especial por la posibilidad de revelar o no la identidad del asesino de Laura Palmer. La cadena insistía en desenmascararlo ya en la segunda temporada, pero Lynch quería guardarlo en secreto hasta el final. Lynch pronto se desencantó de la serie y como resultado muchos miembros del reparto declararon sentirse “abandonados”. Fue en aquel tiempo cuando Lynch empezó a colaborar con la editora, productora y su compañera en la vida real, Mary Sweeney, que había trabajado como asistente para él en Blue Velvet. Esta colaboración se prolongaría a lo largo de once proyectos. De su relación nació un hijo. Su siguiente largometraje fue una adaptación de la novela de Barry Gifford, Wild at Heart (Corazón salvaje), una alucinante, sensual y atropellada “road movie” protagonizada por los actores Nicolas Cage y Laura Dern. La producción obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1990, pero no contó con la aprobación de la crítica ni el respaldo del gran público. Se dice que algunos espectadores abandonaban la sala en las exhibiciones de prueba. Twin Peaks acabó sufriendo serios reveses de audiencia y fue retirada en 1991. Mientras tanto Lynch escribió una precuela sobre los últimos siete días en la vida del personaje de Laura Palmer, que dio lugar al largometraje Twin Peaks: El fuego camina conmigo (1992), un desastre de taquilla que acarreó al director las peores críticas de su carrera.

Industrial Symphonies, On the air, American Chronicles y Hotel Room El eslabón perdido entre Twin Peaks y Wild at Heart, es el espectáculo musical Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted, una nueva colaboración con Angelo Badalamenti en la que canta Julee Cruise y actúan varios actores de Twin Peaks, así como Nicolas Cage y Laura Dern. Lynch confesó que la obra reflejaba de alguna forma una relación sentimental rota. El director produjo en 1990 un vídeo de 50 minutos sobre la obra. Durante este periodo Lynch volvió a colaborar con Mark Frost en la serie de humor On the Air para la ABC, sobre los orígenes de la televisión. En EE.UU. sólo se emitieron tres episodios. Esta colaboración se prolongó en la serie documental American Chronicles. Su siguiente proyecto fue una miniserie de escasa importancia para la cadena HBO titulada Hotel Room, la cual narraba los acontecimientos que se enmarcaban en una misma habitación de hotel a lo largo de varias décadas.

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David Lynch

Lost Highway y The Straight Story En 1997 Lynch volvió a la palestra con el complejo film de argumento no lineal Lost Highway (Carretera perdida), el cual poseía muchos elementos de cine negro. Fue coescrito con Barry Gifford y protagonizado por los actores Bill Pullman y Patricia Arquette. La película fracasó comercialmente, pero recibió críticas contrapuestas. No obstante, gracias en parte a la banda sonora en que aparecían cantantes y grupos como Marilyn Manson, Rammstein, Nine Inch Nails y The Smashing Pumpkins, Lynch obtuvo una nueva audiencia por parte de espectadores de la llamada Generación X. En 1999, sorprendió muy positivamente a sus fans y a la crítica con una película producida por la compañía Disney: The Straight Story (Una historia verdadera), que era, al menos aparentemente, una sencilla película sin pretensión alguna contando una historia real acerca de un hombre de pueblo (incorporado por el viejo actor Richard Farnsworth) que emprende un largo viaje de estado en estado, a bordo de un cortacésped, con el único fin de hacer las paces con su hermano enfermo. La película recibió muy buenas críticas y proporcionó a su autor nuevas audiencias.

Mulholland Drive, Dumb Land, Rabbits y Darkened Room Ese mismo año Lynch tentó una vez más a la cadena ABC con la idea de un drama para la televisión. La cadena dio el visto bueno y se grabó el episodio piloto, de dos horas de duración. Pero controversias sobre el contenido y la duración de la serie la aparcaron definitivamente. Con la aportación de 7 millones de dólares por parte de la productora francesa Studio Canal, el director convirtió ese episodio piloto en un largometraje. Mulholland Drive es una historia extraña que trata de ahondar en la vertiente oscura de Hollywood, la “fábrica de sueños”. Está protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring y el actor Justin Theroux. En lo comercial, la película funcionó relativamente bien en todo el mundo, mereciendo además reseñas positivas, lo que supuso a su director el premio al mejor director en el Festival de Cannes del año 2001 (este premio lo compartió con Joel Coen por El hombre que nunca estuvo allí) y otro premio al mejor director otorgado por la New York Film Critics Association. En 2002, Lynch desarrolló una serie de cortos para Internet titulada Dumb Land. Los ochos episodios de que constaba, intencionadamente muy duros de contenido e interpretación, aparecieron posteriormente en formato DVD. Lynch dedicó a sus incondicionales ese mismo año una comedia de situación a través de su página web. La serie se tituló Rabbits ("Conejos") y constó de ocho episodios plenos de surrealismo que se desarrollaban en un cuarto habitado por extrañas personas con cabeza de roedor. Posteriormente, el director rodó en vídeo digital el corto Darkened Room, a imitación del exitoso cine de terror japonés de los últimos años.

INLAND EMPIRE En el Festival de Cannes correspondiente a 2005, el cineasta anunció que durante un año había estado rodando en Polonia, por medio de técnicas digitales, su último film. La película, titulada INLAND EMPIRE (en mayúsculas) supone casi un compendio del cine de este director audaz e inquietante desde sus comienzos. La historia, retorcida y con tintes pesadillescos, desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas (especialmente de la atribulada Laura Dern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales unidos a las numerosas escenas cómico-grotescas que contiene producen un gran impacto visual. El reparto de la película incluye actores habituales de Lynch como la ya mencionada Laura Dern, Harry Dean Stanton, y la protagonista de Mulholland Drive Naomi Watts, con un cameo de Justin Theroux (supuestamente uno de los actores disfrazados de conejos en la serie del mismo nombre), además de la actuación estelar del británico Jeremy Irons, y la participación de la méxico-americana Laura Harring al final del filme. Lynch describió la película como "un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”. Se estrenó en diciembre de 2006, habiendo suscitado hasta el momento entre los críticos, como en ocasión de los más recientes largometrajes del director, multitud de comentarios y opiniones enfrentadas.

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David Lynch

Galardones Lynch ha ganado dos veces el Premio César francés a la mejor película extranjera, y en 2002 fue presidente del jurado del Festival de Cannes, donde había ganado la Palma de Oro en 1990. En 2002 fue asimismo galardonado por el gobierno francés con la Legión de Honor. El 6 de septiembre de 2006 recibió el León de Oro en el Festival de Venecia por sus contribuciones al Séptimo Arte. En este mismo festival presentó su último film, INLAND EMPIRE. Ha recibido cuatro nominaciones a los Oscars: Mejor director por El hombre elefante (1980), Terciopelo azul (1986) y Mulholland Drive (2001), y mejor guion adaptado por El hombre elefante (1980).

Colaboradores habituales Lynch emplea a menudo a los mismos actores y al mismo equipo técnico y artístico en sus producciones: • 12 Producciones: Angelo Badalamenti: música de los largometrajes Blue Velvet, Twin Peaks, Wild at Heart, On the Air, Lost Highway y Mulholland Drive. También escribió la música de Industrial Symphony No. 1, Twin Peaks: Fire Walk With Me, Hotel Room, The Straight Story, Darkened Room y Rabbits. • 10 Producciones: Mary Sweeney, su habitual editora y productora. Escribió el guion de The Straight Story. Trabajó igualmente en: Blue Velvet (1986), Wild at Heart (1990), Twin Peaks serie de TV, Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992), Hotel Room, serie de TV (1993), Lost Highway (1997), Mulholland Drive (2001), INLAND EMPIRE (2006) y co-produjo Nadja (1994) con Lynch. • 7 Producciones: Jack Nance: en Eraserhead, Dune, Blue Velvet, The Cowboy and the Frenchman, Twin Peaks, Wild at Heart y Lost Highway • 6 Producciones: Harry Dean Stanton: The Cowboy and the Frenchman, Wild at Heart, Twin Peaks: Fire Walk With Me, Hotel Room, The Straight Story e INLAND EMPIRE. • 5 Producciones: Scott Coffey: Wild at Heart, Lost Highway, Mulholland Drive, Rabbits e INLAND EMPIRE. Freddie Jones: The Elephant Man, Dune, Wild at Heart, Hotel Room y On the Air. • 4 Producciones: Michael J. Anderson: Twin Peaks, Industrial Symphony No. 1, Twin Peaks: Fire Walk With Me y Mulholland Drive. Eric DaRe: Twin Peaks, Wild at Heart (casting), Twin Peaks: Fire Walk With Me y Lost Highway (departamento artístico). Laura Dern: Blue Velvet, Wild at Heart, Industrial Symphony No. 1 e INLAND EMPIRE. Bellina Logan: Wild at Heart, Twin Peaks, On the Air e INLAND EMPIRE. Kyle MacLachlan: Dune, Blue Velvet, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me. Grace Zabriskie: Twin Peaks, Wild at Heart, Twin Peaks: Fire Walk With Me e INLAND EMPIRE. • 3 Producciones: Frances Bay: Blue Velvet, Twin Peaks y Wild at Heart. Catherine E. Coulson: The Amputee, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me. Miguel Ferrer: Twin Peaks, Twin Peaks: Fire Walk With Me y On the Air. Laura Harring: Mulholland Drive, Rabbits e INLAND EMPIRE.

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David Lynch Sheryl Lee: Twin Peaks, Wild at Heart y Twin Peaks: Fire Walk With Me. Everett McGill: Dune, Twin Peaks y The Straight Story. Frank Silva: Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me, y trabajó como encargado de vestuario en Wild at Heart. Charlotte Stewart: Eraserhead, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me. Naomi Watts: Mulholland Drive, Rabbits e INLAND EMPIRE. Alicia Witt: Dune, Twin Peaks y Hotel Room. • 2 Producciones: Jeanne Bates: Eraserhead y Mulholland Drive. Nicolas Cage: Wild at Heart e Industrial Symphony No. 1. Brad Dourif: Dune y Blue Velvet. Sherilyn Fenn: en Twin Peaks y Wild at Heart. Crispin Glover: Wild at Heart y Hotel Room. Lynch estaba interesado en producir el debut como director de Glover, What is it?. Diane Ladd: Wild at Heart e INLAND EMPIRE. Dean Stockwell: Dune y Blue Velvet. Justin Theroux: Mulholland Drive e INLAND EMPIRE. Además, Mädchen Amick, Dana Ashbrook, Phoebe Augustine, Eric DaRe, Heather Graham, Gary Hershberger, Peggy Lipton, James Marshall, Walter Olkewicz, Al Strobel, Lenny Von Dohlen y Ray Wise aparecen en Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me. Músicos que han aparecido en sus films: Sting en Dune, Chris Isaak en Twin Peaks: Fire Walk With Me, David Bowie en Twin Peaks: Fire Walk With Me, Julee Cruise en Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me, John Lurie en Wild at Heart, Marilyn Manson, Twiggy Ramirez y Henry Rollins en Lost Highway y Billy Ray Cyrus en Mullholland Drive. El propio Lynch se reservó pequeños papeles en The Amputee, Dune, Twin Peaks y Twin Peaks: Fire Walk With Me. También hizo cameos de voz en INLAND EMPIRE y Nadja, y aparecía en una escena suprimida de Lost Highway.

Influencias Lynch ha declarado a menudo admirar profundamente a los cineastas Stanley Kubrick y Federico Fellini, al escritor Franz Kafka y al pintor Francis Bacon. Sostiene que muchas de las películas de Kubrick se encuentran entre sus preferidas, y que las obras de Kafka y Bacon lo subyugan por su fuerza visual y su conmovedora sensibilidad. Igualmente ha citado al pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka como fuente de inspiración. Lynch se siente desde siempre hechizado por la película The Wizard of Oz ("El mago de Oz"), aunque no con el culto típico norteamericano y a menudo ha hecho clara referencia a la misma en cintas como Wild at Heart, donde crea una gran polémica al parodiarla. Una influencia temprana en él fue el libro The Art Spirit del artista y profesor norteamericano Robert Henri, del cual afirmó que le ayudó a decidir el curso que tomaría su trabajo plástico. Como Henri, Lynch se trasladó del campo a un entorno urbano para desarrollar su carrera artística. Henri era un pintor realista urbano, que adoptaba la vida en la ciudad como materia principal de su trabajo, lo que imitó Lynch en sus orígenes. Y si la obra de Henri sirvió de puente entre la Norteamérica agrícola del siglo XIX y la urbana del XX, las cintas de Lynch entremezclan la nostalgia feliz de los años 50 con la extrañeza existencial de los 80 y 90. Tienen gran peso sobre su obra igualmente los cineastas Luis Buñuel, Werner Herzog y Roman Polanski, alguno de los cuales ha reconocido también al propio Lynch como referente.

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David Lynch En lo personal, Lynch ha mantenido relaciones sentimentales con la actriz Isabella Rossellini (a raíz del rodaje de Terciopelo azul), y ha estado casado tres veces: con Peggy Lentz (1967-1974; una hija, Jennifer Chambers Lynch, 1968, ahora directora cinematográfica). Con Mary Fisk (1977-1987) (un hijo, nacido en 1982, Austin Jack Lynch). Y con la editora y productora de sus películas Mary Sweeney (2006; un hijo nacido en 1992, Riley Lynch).

Filmografía • • • • • • • • • • •

Six Figures Getting Sick (cortometraje) (1966) The Alphabet (cortometraje) (1968) The Grandmother (cortometraje) (1970) The Amputee (cortometraje) (1974) Eraserhead (Cabeza borradora) (1977) El hombre elefante (The Elephant Man) (1980) Dune (1984) Terciopelo azul (Blue velvet) (1986) The Cowboy and the Frenchman (cortometraje) (1988) Corazón salvaje (Wild at heart) (1990) Sinfonía Industrial (1990)

• • • • • • • • • • • • • • • • •

Twin Peaks (serie de televisión) (1990-1991) Twin Peaks (película europea) (1990) Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992) Hotel Room (serie de televisión) (1993) Premonitions Following an Evil Deed (cortometraje) (1996) Lost Highway (Carretera perdida) (1997) The Straight Story (Una historia verdadera ó Una historia sencilla) (1999) Mulholland Drive (2001) The Short Films of David Lynch (recopilación de cortometrajes) (2002) Darkend Room (2002) Rabbits (serie de Internet) (2002) Dumbland (serie de Internet) (2002) INLAND EMPIRE (Imperio) (2006) More Things That Happened (2007) Absurda (cortometraje) (2007) Lady Blue Shanghai (cortometraje) (2010) I Touch A Red Button Man (cortometraje) (2011)

Premios Oscar

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David Lynch

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Año

Categoría

Película

Resultado

2001 Mejor dirección

Mulholland Drive

Nominado

1986 Mejor dirección

Blue Velvet

Nominado

1980 Mejor dirección El hombre elefante Nominado Mejor guion adaptado

Globos de Oro Año

Categoría

Película

Resultado

2001 Mejor dirección Mulholland Drive Mejor guion

Nominado

1986 Mejor guion

Nominado

Blue Velvet

1980 Mejor dirección El hombre elefante Nominado

Otras actividades A parte del cine, David Lynch ha desarrollado su creatividad en el campo de la pintura. En España su obra pictórica pudo verse con la exposición Action-reaction, que recorrió en 2009 ciudades como Zaragoza y Granada. Lynch también ha colaborado en el mundo de la música con la creación de videoclips, entre los que destacan Dangerous de Michael Jackson (1992), Longing de Yoshiki (1995), Rammstein de Rammstein (1996) y Shot in the Black of the Head de Moby (2009) entre otros.

Enlaces externos • • • • •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre David LynchCommons. Ficha de David Lynch en inglés [3] y en español [2] en Internet Movie Database. DavidLynch.com [1] Universo David Lynch [4] Los 10 Magníficos: monográfico sobre David Lynch en TCM [5]

Referencias [1] [2] [3] [4] [5]

http:/ / www. davidlynch. com/ http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000186 http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000186 http:/ / www. davidlynch. es/ http:/ / www. canaltcm. com/ los10magnificos/ ver/ los10magnificos-david-lynch

David Mamet

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David Mamet David Mamet

David Mamet en la premiere de Redbelt Nacimiento

30 de noviembre de 1947 Chicago, Illinois, Estados Unidos

Ocupación

novelista, ensayista, dramaturgo, poeta, guionista y director de cine

Nacionalidad estadounidense Período

Siglo XX

Género

novela, ensayo, poesía, Teatro y cine

David Mamet (Chicago, Illinois, 30 de noviembre de 1947) es un novelista, ensayista, autor teatral, dramaturgo, guionista y director de cine estadounidense. En el campo teatral, ha obtenido el Premio Pulitzer; en el cinematográfico, ha sido dos veces candidato al Oscar. Como escritor cinematográfico, es autor de los guiones de algunas de las películas más conocidas de las décadas de los 80 y 90. Su última película es Redbelt, inspirada en el mundo MMA, Mixed Martial Arts (artes marciales mixtas), uno de los fenómenos actuales en USA. Han colaborado numerosos cinturones negros, como Randy Couture y John Machado, como consejeros para las escenas de combate.

Filmografía • • • •

1981: El cartero siempre llama dos veces (The postman always rings twice). Guion 1982: Veredicto final (The verdict). Guion 1986: ¿Qué pasó anoche? (About last night...). Guion 1987

• Casa de juegos (House of games). Guion y dirección • Los intocables de Elliot Ness (The untouchables). Guion • 1988: Las cosas cambian (Things change). Guion y dirección • 1989: • Nunca fuimos ángeles (We're no angels). Guion • El monstruo (The monster). Guion y dirección • 1991: Homicidio (Homicide). Guion y dirección • 1992 • Glengarry Glen Ross: éxito a cualquier precio (Glengarry Glen Ross). Guion • Hoffa: un pulso al poder (Hoffa). Guion

David Mamet

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• 1994 • Oleanna (Oleanna). Guion y dirección • Vania en la calle 42 (Vanya on 42nd street). Guion • 1996: American buffalo. Guion • 1997

• • • •

• El desafío (The edge). Guion • La trama (The spanish prisoner). Guion y dirección • La cortina de humo (Wag the dog). Guion 1998: Ronin. Guion 1999: El caso Winslow (The Winslow boy). Guion y dirección 2000: Cuéntame tu historia (State and main). Guion y dirección 2001

• El último golpe (Heist). Guion y dirección • Hannibal. Guion • 2008: Cinturon rojo (Redbelt). Guion y dirección • 2010: Anna Frank. Guion y dirección

David Wark Griffith David Wark Griffith

David Wark Griffith Nombre real

David Wark Griffith

Nacimiento

LaGrange, Kentucky, Estados Unidos de América 22 de enero de 1875

Fallecimiento

Hollywood, California, Estados Unidos de América 23 de julio de 1948 (73 años) Ficha

[1]

en IMDb

David Wark Griffith (La Grange, en la zona rural de Kentucky, 22 de enero de 1875 – Hollywood, 21 de julio de 1948) fue un director cinematográfico estadounidense y considerado el creador del modelo americano de representación cinematográfica (o montaje invisible), por lo que fue llamado «El padre del cine moderno».

David Wark Griffith

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Biografía De ascendencia irlandesa, se educó bajo las influencias dominantes en el Sur de los Estados Unidos de aquella época, con toda la carga de racismo que esto conllevaba, y que le influyeron poderosamente en su carrera. Hay que destacar de este prolífico director que realizó más de 500 filmes y colaboró en la creación de muchos otros. De joven quiso ser escritor, pero ya en 1897 se hizo actor aficionado, llegando a ser profesional tres años más tarde. Dada la época y la popularidad del incipiente cinematógrafo, sobre todo entre los actores norteamericanos. Estudió en varias escuelas locales, después trabajó como actor de reparto y en compañías ambulantes, hasta hacerse actor de cine en 1908, cuando comenzó a trabajar para la AM&B (American Mutoscope & Biograph). En esta misma compañía llegó a ser director en Nueva York y en California, convirtiéndose en productor independiente en 1913. Las películas que dirigió entre 1908 y 1913 para la compañía AM&B le dieron una notable seguridad en su oficio. Con El nacimiento de una nación, en 1915, logró un éxito excepcional, dando al espectáculo cinematográfico sabor auténtico y original. Otro de sus grandes filmes fue Intolerancia, 1916, filme muy ambicioso para su tiempo y que resultó ser uno de los más caros de la historia del cine, aunque también uno de los más influyentes en futuros directores. En 1919, junto con Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford, los artistas más cotizados del cine del momento, fundó la United Artists, para producir películas de larga duración al margen del control de los productores y financieros no creativos del cine. Griffith siguió realizando películas con su sello especial hasta el advenimiento del cine sonoro, es decir, hasta el fin del cine mudo. Sólo realizó dos películas sonoras: Abraham Lincoln, 1930, y The Struggle, 1931. El cine sonoro significó su fin como director.

«El padre del cine moderno» Estudios tempranos de la historia del cine mostrarían a Griffith como «El padre del cine moderno», partiendo de un artículo escrito por él mismo en un periódico poco después de su salida de AM&B en 1913. En éste afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, tales como el primer plano; o el flashback. Los primeros historiadores de cine, sin tener acceso a muchos de los filmes producidos antes de 1913, declararon a Griffith como el "padre del cine". Estudios recientes y el descubrimiento de varios filmes (Brighton Conference), demostraron que, aunque una amplia variedad de realizadores trabajaban en explorar nuevas técnicas narrativas y estéticas para el cine en Francia, Italia y Estados Unidos, ninguno sistematizó los diversos descubrimientos en un lenguaje cinematográfico. Edwin Porter, por nombrar a uno de ellos, hace muestra de algunas técnicas narrativas en The life of an american fireman (1903) así como el desarrollo de nuevas técnicas de edición en The great train robbery (1903), pero sus descubrimientos no tienen continuidad más allá de su aplicación técnica.

Fotograma del film Intolerancia, de D. W. Griffith.

La importancia de Griffith como realizador fue su capacidad de utilizar y combinar aquellas técnicas. Tildar a Griffith como «El padre del cine moderno» es por esto, aplicable a la figura de este creador. Su imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras lo hacen el director de cine más importante de esa época.

David Wark Griffith

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Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico: • El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época. Precisamente, este eco hizo que el cine llamase la atención del público ya acostumbrado a los inventos que captaban la imagen en movimiento como el Kinetoscopio u otros similares. • El discurso de Méliès. Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico. • El discurso de Griffith. Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica, dando así nacimiento al relato cinematográfico. Al discurso de los Lumiere y de Méliès se los engloba como Modo de representación primitivo. No es algo exclusivo de estos primeros cineastas sino de todos los que realizaban cine en aquella época. En contraposición, se encuentra el discurso de Griffith y el de la mayoría de los que siguieron. Se les engloba bajo la etiqueta de Modo de representación institucional. Segun el teórico Ángel Faretta Griffith crea tres conceptos o elementos que son a la vez heurísticos y estéticos —siendo también polémicos—. Digamos que Griffith tiene como tarea fundamental, ab initio, la de desviar o separarse del modelo fotográfico-teatral heredado de la ya acuñada modernidad, tarea que fue impensable para el tándem constituido por Lumière y Meliès quienes (a pesar de aquellos que aún intentan diferenciarlos desde un punto de vista teñido de eurocentrismo nostálgico) prosiguieron, in toto, con la tarea de la continuidad fotográfico-teatral, preocupándose tan sólo en «polemizar» instrumentalmente con el modo de realidad o verosímil con el cual trabajarían. Teniendo esto presente, Griffith trasforma radicalmente el espacio fotográfico-teatral como modelo o paradigma del distribucionismo burgués creando, tres elementos heurísticos que son a la vez, y sin solución de continuidad, elementos formales y estéticos. Ellos son: el fuera de campo, el principio de simetría y el eje vertical. [2]

Griffith además fue el descubridor de muchas estrellas de la naciente industria fílmica norteamericana, entre las que se encuentran: las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Mae Marsh, Blanche Sweet, Mack Sennett (cómico canadiense imitador de Max Linder), y sobre todo Mary Pickford, quien pronto se convertiría en «la novia de América».

Filmografía De las más de 500 películas que rodó, podemos destacar: • • • • • • • • • • • • •

1914 — Dulce hogar. 1914 — Judith de Bethulia. 1914 — La batalla de los sexos. 1914 — La conciencia vengadora. 1914 — La evasión. 1915 — El nacimiento de una nación. 1916 — Intolerancia. 1918 — Corazones de mundo. 1918 — El gran amor. 1918 — Lo más grande en la vida. 1919 — Días rojos. 1919 — Lirios rotos. 1919 — El mayor problema.

• 1919 — Pobre amor. • 1919 — Sobre las ruinas del mundo. • 1919 — Un mundo aparte.

David Wark Griffith • • • • • • • • • • • • • • • • •

1920 — Flor de amor. 1920 — Las dos tormentas. 1920 — The Idol Dancer. 1921 — La calle de los sueños. 1922 — Las dos huérfanas 1922 — Una noche misteriosa. 1923 — Flor que renace. 1924 — América. 1924 — La aurora de la dicha. 1925 — Crimen y castigo. 1925 — Sally, la hija del circo. 1926 — Las tristezas de satán. 1928 — La batalla de los sexos. 1928 — Su mayor victoria. 1929 — La melodía del amor. 1930 — Abraham Lincoln. 1931 — The Struggle.

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000428 [2] (en español) (Decisionismo. Fuera de campo. Principio de simetría. Eje vertical).

Enlaces externos • Ficha de David Wark Griffith en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000428) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000428) en Internet Movie Database. • D. W. Griffith, padre de la cinematografía (http://www.libreopinion.com/reducto/revista/pri2003/griffith. htm) • http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/Memorias/clasicoscm/ griffith/griffith.htm • http://www.artehistoria.com/historia/personajes/6967.htm • http://www.mundocine.net/David-Wark-Griffith-biografia-858.html • http://wvwv.essortment.com/davidwarkgriff_oio.htm

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Eliseo Subiela

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Eliseo Subiela Eliseo Subiela Nombre real

Eliseo Subiela

Nacimiento

Buenos Aires, Argentina 27 de diciembre de 1944 (67 años) Premios

Premios Cóndor de Plata Mejor director 1993 El lado oscuro del corazón 1991 Últimas imágenes del naufragio 1988 Hombre mirando al sudeste Ficha

[1]

en IMDb

Eliseo Subiela (n. Buenos Aires, Argentina; 27 de diciembre de 1944) es un director de cine argentino. Su llegada al cine se produce en el film "la conquista del paraiso" (1980), aunque ya antes había rodado "argentina, mayo del 1969, los caminos de la liberación" , que nunca se estrenó, es un prestigioso director de cine argentino reconocido por películas tales como "El lado oscuro del corazón", "No te mueras sin decirme a dónde vas" y "Hombre mirando al Sudeste", entre otras. Comenzó a filmar a los 17 años, cuando realizó su primer cortometraje titulado "Un largo silencio" (1963). Fue nombrado “Chevalier dans l´ordre des Arts et des Lettres de la Republique Française" (1990) y Miembro Honorario de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España (1995). En 2005 obtuvo la Beca de la Guggenheim Foundation. Es una de los grandes exponentes de cine argentino.

Guionista/Director • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Paisajes devorados (2012) Rehén de ilusiones (2010) No mires para abajo (2008) El Resultado del Amor (2007) Lifting de corazón (2005) Larga distancia (2005) (mini) TV Series Ángel (2002) (TV) El Destino de Angélica, (2002) (TV) Relaciones carnales (2002) (TV) El lado oscuro del corazón 2, (2001) Las Aventuras de Dios / The Adventures of God (2000) Pequeños milagros / Little Miracles (1997) Despabílate amor / Wake Up Love (1996) No te mueras sin decirme a dónde vas / Don't Die Without Telling Me Where You're Going (1995) El lado oscuro del corazón / The Dark Side of the Heart (1992) Últimas imágenes del naufragio / Last Images of the Shipwreck (1989) Hombre mirando al sudeste / Man Facing Southeast (1986) La Conquista del paraíso / The Conquest of Paradise (1981) Argentina, mayo de 1969: Los caminos de la liberación (1969) Sobre todas estas estrellas (1965) Un Largo silencio/The Long Silence (1963)

Eliseo Subiela

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Referencias • Sitio oficial de Eliseo Subiela [2] • Poemas de Mario Benedetti y Oliverio Girondo, El lado oscuro del corazón, 1992 [3].

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0002728 [2] http:/ / www. eliseosubiela. com [3] http:/ / dormirajamais. org/ espanol/

Emir Kusturica Emir Kusturica

Nacimiento

Sarajevo,  Yugoslavia 24 de noviembre de 1954 (57 años)

Año de debut

1978 Familia

Cónyuge

Maja Kusturica

Hijo/s

Stribor y Dunja

[1]

Premios Premios Óscar

Oscar a la Mejor Película Extranjera Nominado: 1985 Papá está en viaje de negocios

Festival de Cannes Palma de Oro 1985 Papá está en viaje de negocios 1995 Underground Mejor Director 1989 Tiempo de gitanos Premios César

César a la Mejor Película de la Unión Europea 2005 La vida es un milagro Ficha

[2]

en IMDb

Emir Kusturica (en serbio: Емир Кустурица, Émir Kústuritsa) es un director de cine y músico serbio nacido el 24 de noviembre de 1954 en Sarajevo en la República Socialista Federal de Yugoslavia (hoy Bosnia Herzegovina). Con una impresionante serie de largometrajes internacionalmente aclamados, Kusturica se convirtió en uno de los más creativos directores de cine durante las décadas del '80 y del '90. Kusturica, nacido bosnio y musulmán, se ha

Emir Kusturica declarado públicamente serbio (su padre era un serbio convertido al islam) y se convirtió al cristianismo ortodoxo en 2005. Es además uno de los directores más polémicos del mundo a consecuencia de sus puntos de vista pro-serbios durante las Guerras yugoslavas y su apoyo público a Slobodan Milošević[1]

Vida y obra Luego de finalizar en 1979 sus estudios en la distinguida Academia de Artes Interpretativas (FAMU) de Praga (donde rodó la película Guernica, por la que en 1978 recibió su primer premio en el Festival de Cine de Karlovy Vary), Kusturica comenzó a dirigir para la Televisión Yugoslava. Tuvo un auspicioso debut en el cine con ¿Te acuerdas de Dolly Bell? (Sjecas li se, Dolly Bell) de 1981, film con el cual ganó ese año el premio León de Oro en el Festival de cine de Venecia. Con Papá está en viaje de negocios (Otac na službenom putu) de 1985, ganó la Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes, cinco premios yugoslavos, y fue nominado a los premios Oscar por la categoría "mejor película en lengua extranjera". Tanto '¿Te acuerdas de Dolly Bell? como Papá está en viaje de negocios fueron realizadas con la colaboración de Abdulah Sidran, un importante escritor y poeta bosnio contemporáneo quien escribió el guion para ambas películas con muchos elementos autobiográficos. En 1989 Kusturica fue aún más aclamado por la película Tiempo de gitanos (Dom za vesanje), una profunda pero mágica mirada dentro de la cultura gitana y la explotación de sus jóvenes. Kusturica prosiguió realizando grandes películas de renombre dentro de la siguiente década, incluyendo su debut en Estados Unidos, con la comedia de humor absurdo, El Sueño de Arizona ("Arizona dreams") (1993), y volvió a ganar la Palma de Oro en 1995 con la épica comedia negra "Underground". Como curiosidad hay que señalar que Emir Kusturica es uno de los pocos directores que ha conseguido ganar dos Palmas de Oro del Festival de Cannes. "Underground", escrita por Dušan Kovačević y cofinanciada por el canal estatal yugoslavo, causó cierta controversia. La película detalla la historia de Yugoslavia desde el inicio de la Segunda Guerra Mundial hasta la Guerra de los Balcanes, iniciada en la década de los noventa. Mientras algunos críticos señalaban que se trataba de una propaganda que mostraba el conflicto desde un punto de vista pro-Serbio, otros señalaban que su irónica caracterización de las etnias de los Balcanes iba en detrimento de todas ellas. En 1998 Kusturica ganó el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de cine de Venecia por "Gato negro, gato blanco" ("Crna mačka, beli mačor"), una desaforada comedia farsesca ambientada en un campamento gitano en las riberas del Danubio. En 2001 dirige "Super 8 Stories", un típico documental "en el camino" sobre la gira y vida de los músicos de Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra. Este film ofrece una hilarante visión detrás de las bambalinas y rebosa de material sobre intimidades, pequeños matices a ser "leídos entre líneas" y detalles de los "pequeños placeres" de sus protagonistas, . En 2004 Kusturica y su film "La vida es un milagro" (Život je čudo), concerniente a la guerra civil yugoslava, recibieron el Premio de la Educación Nacional (Prix de l' Education Nationale) de Francia. "La vida es un milagro" será utilizado, como una herramienta educativa a nivel nacional, en conjunto con un CD-ROM instructivo destinado a incitar el análisis y el debate entre estudiantes. Emir Kusturica ganó en el año 2005 el Premio Europeo de Arquitectura Phillipe Rotthier por su proyecto de ciudadela étnica "Drvengrad" ("pueblo de madera") ubicado sobre el monte Zlatibor en Serbia. El premio es dado cada tres años por la "Fundación para la Arquitectura" ("Fondation pour l'architecture") de Bruselas, Bélgica y es una de las más prestigiosas distinciones belgas y europeas en el campo de la arquitectura. En el Festival de cine de Cannes de 2005 ofició de Presidente del Jurado. En 2008 realizó Maradona by Kusturica, documental dedicado al futbolista Diego Armando Maradona.

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Emir Kusturica

Actuación Emir Kusturica debuta en el año 1995 como actor en Underground donde aparece como un comprador de armas durante unos segundos. Kusturica actúa por segunda vez en el año 2000, en la película La viuda de Saint-Pierre del director Patrice Leconte , interpretando el papel de "Neel Auguste". En el año 2002 aparece nuevamente en la película El buen ladrón (película), del director Neil Jordan interpretando el papel de "Vladimir", un guitarrista y especialista en seguridad. En el año 2009 interpreta a "Sergei Gregoriev", un coronel de la KGB en la película francesa L'affaire Farewell del director Christian Carion.

Lista de actuaciones • • • • •

2009 - " El caso Farwell" : Sergey Grigoriev. 2008 - Maradona by Kusturica: Él mismo. 2006 - There is no direction: Él mismo. 2006 - Viaggio Segreto : Harold. 2005 - Mister K: Él Mismo.

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2004 - Pas assez de volume : Él mismo. 2003 - The good thief: Vladimir. 2003 - Strawberries at the supermarket (Jagoda u supermarketu): El General. 2001 - Super 8 Stories : Él mismo. 2000 - The widow of Saint-Pierre : Neel Auguste. 1995 - Underground : Militar serbio de la guerra civil. 1993 - Arizona Dream : Cliente del bar en Nueva York. 1989 - Time of the Gypsies : Cliente del bar de Milan en la versión extendida. 1982 - 13 july : Oficial Italiano. 1978 - The brides are coming : El repartidor.

Músico De 1986 a 1988, Kusturica formó parte de la banda de rock Zabranjeno Pušenje (en inglés: No smoking; en español: No fumadores) —oriunda de Sarajevo, República Socialista de Bosnia y Herzegovina— tocando el Bajo. Sin embargo, Kusturica no jugaba un rol de gran importancia en la banda, esto cambió con el nombre de la banda, en en año 1999 Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra graban Unza unza time, producido por Universal Music Group. Unza unza time cuenta con un videoclip dirigido por el mismo Kusturica. En Marzo del año 2005 Emir Kusturica & The No Somking Orchesta graban su primer DVD "Life is a Miracle in Buenos Aires", registrando un recital dado en Buenos Aires, Argentina. El CD y DVD fue publicado[3] el 26 de Septiembre del mismo año . El músico y compositor Goran Bregović ha compuesto música para muchas de las películas de Kusturica, incluyendo Dom za vesanje; Arizona Dream, con Iggy Pop; y Underground.

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Emir Kusturica

Filmografía • • • • • • • • • • • •

Maradona by Kusturica, 2008, documental Prométeme (Zavet), 2007 La vida es un milagro (Život je čudo), 2004 Super 8 Stories, 2001, documental Gato negro, gato blanco (Crna mačka, beli mačor), 1998 Underground, 1995 El sueño de Arizona (Arizona dream), 1993 Tiempo de gitanos (Dom za vešanje), 1988 Papá está en viaje de negocios (Otac na službenom putu), 1985 ¿Te acuerdas de Dolly Bell? (Sjećaš li se, Dolly Bell), 1981 The Brides are coming, 1978 Guernica, 1978, corto

Bibliografía • Irodanova, Dina: Emir Kusturica. London. British Film Institute 2002. • ¿Dónde estoy en esta historia? (Memorias), Ed. Península, Madrid, 2012.

Distinciones • Guernica, Primer premio del Festival de cine de los estudiantes en Karlovy Vary, (1978) • ¿Te acuerdas de Dolly Bell?, León de Oro en el Festival de cine de Venecia, (1981) • Papá está en viaje de negocios, Palma de Oro Festival de cine de Cannes, premio FIPRESCI, nominado a "mejor película en lengua extranjera" Oscar, (1985) • Tiempo de gitanos, Premio al mejor director en el Festival de cine de Cannes, (1989) • Sueños de Arizona, Oso de Plata Festival de cine de Berlín, (1993) • Underground, Palma de Oro Festival de cine de Cannes, (1995) • Gato negro, gato blanco, León de Plata en la Mostra de Venecia, 1999 • Drvengrad ("pueblo de madera"), Premio Europeo de Arquitectura Phillipe Rotthier, (2005) • Premios César 2005 a la Mejor película de la Unión Europea por La vida es un milagro (Život je čudo).

Enlaces externos • • • • • •

Biografía y fotos de Emir Kusturica [4] Ficha de Emir Kusturica en inglés [5] y en español [6] en Internet Movie Database. The most complete and up-to-date website about Emir Kusturica : kustu.com [7] (en inglés) No Smoking Orchestra Official site [8] (en inglés) Artículo sobre Kusturica y Underground [9] Videoclip de Unza unza time [10]

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Emir Kusturica

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Referencias [1] Entrevista a Emir Kusturica en La Vanguardia (http:/ / www. versvs. net/ anotacion-33) [2] http:/ / www. imdb. es/ name/ nmhttp:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001437/ [3] Live is a miracle in Buenos Aires en Amazon (http:/ / www. amazon. co. uk/ exec/ obidos/ ASIN/ B000ACZV0C/ kustucom-21/ ) [4] http:/ / www. biosstars-mx. com/ e/ Emir_Kusturica. html [5] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001437 [6] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001437 [7] http:/ / www. kustu. com/ [8] http:/ / www. thenosmokingorchestra. com/ [9] http:/ / blogs. elpais. com/ aguas-internacionales/ 2011/ 05/ post-serbia-con-forceps. html [10] http:/ / www. youtube. com/ watch?v=dpO93jR4kL4

Federico Fellini Federico Fellini

Federico Fellini. Nacimiento

Italia, Rímini 20 de enero de 1920

Fallecimiento

 Italia, Roma 31 de octubre de 1993, 73 años

Años activo/a

1945 - 1992 Familia

Cónyuge

Giulietta Masina (1943–1993)

Hijo/s

Pier Federico Premios

Premios Óscar

Mejor película de habla no inglesa 1954 La Strada 1957 Le notti di Cabiria 1963 8½ 1973 Amarcord Óscar Honorífico 1993 Premio a la Trayectoria Profesional

Festival de Cannes Palma de Oro 1960 La Dolce Vita Ficha

[1]

en IMDb

Federico Fellini (Rímini, 20 de enero de 1920 – Roma, 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano.

Federico Fellini

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Es universalmente considerado como uno de los principales protagonistas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro premios Óscar por mejor película extranjera, en 1993 fue galardonado con un Óscar honorífico por su carrera. Durante casi cuatro décadas –desde El jeque blanco en 1952 hasta La voz de la luna en 1990– y dos docenas de películas Fellini realizó un retrato de una pequeña multitud de personajes memorables. Decía de sí mismo que era "un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo". Su obra es ampliamente considerada como única e inolvidable, llena tanto de asperezas como de sátira, y veladas de melancolía. "El único realista de verdad es el visionario". Federico Fellini.

Biografía Infancia y juventud Federico Fellini nació en Rímini de una familia de clase media: su madre, Ida Barbiani, de origen romano, era ama de casa; su padre, Urbano, un representante de licor, dulces y comestibles, nacido en Gambettola, un pueblo al oeste de Rímini. Federico estudió en el Liceo Classico «Giulio Cesare»[2] donde descubrió su talento para el dibujo; sentía admiración por el dibujante estadounidense Winsor McCay, creador del personaje de cómic "Little Nemo". En su infancia, el joven Federico muestra un vivo interés por las películas de Chaplin y los cómics humorísticos estadounidenses, llegando a afirmar en 1966 Es evidente que la lectura intensa de esas historias, en una edad en que las reacciones emotivas son tan inmediatas y frecuentes, condicionó mi gusto por la aventura, lo fantástico, lo grotesco y lo cómico. En este sentido es posible encontrar una relación profunda entre mis obras y los cómics norteamericanos. De sus estilizaciones caricaturescas, de sus paisajes, de los personajes siluetados contra el horizonte, me han quedado imágenes felizmente "chocantes", imágenes que de vez en cuando vuelven a aflorar y cuyo recuerdo inconsciente ha condicionado el elemento figurativo y las tramas de mis películas.[3]

Inicios profesionales Antes de terminar la escuela secundaria clásica, Fellini consigue unas colaboraciones con periódicos y revistas como dibujante; la más importante fue la colaboración con el periódico Il 420, que editaba Nerbini. Hacia 1937-38, con 17 o 18 años, Nerbini le contratará como corrector de las pruebas de imprenta de estas revistas, pasando el joven 7 u 8 meses en Florencia. También ejercerá de guionista de la serie Flash Gordon, con dibujos de George Toppi, cuando el gobierno fascista prohíbe la importación de cómics estadounidenses y los autores italianos han de continuarlas para no defraudar a sus lectores.[3] A principio de 1939 se traslada a Roma, bajo el pretexto de asistir a la universidad de Derecho, pero con la intención de convertirse en periodista. A los pocos meses de su llegada a Roma, Fellini debuta en abril de 1939 en la principal revista satírica italiana, Marc'Aurelio, dirigida por Vito de Bellis. Tras el éxito en Marc'Aurelio, Fellini recibe muchas ofertas de trabajo y sustanciosas cantidades de dinero. Durante estos primeros años escribió secuencias cómicas para actores conocidos como Aldo Fabrizi y Erminio Macario en Imputato, alzatevi! y Lo vedi come sei... lo vedi come sei? en 1939. Fellini también produjo varios dibujos (principalmente en lápiz sobre papel), a menudo retratos cómicos y caricatura política siendo así como el joven Fellini conoció el cine: su primer éxito fue como dibujante publicitario para películas. Avanguardista durante el Fascismo, sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematográfica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini.

Federico Fellini

Fellini y la radio En 1941 empieza a colaborar con el Ente Italiano Audizioni Radiofoniche (EIAR), viviendo una breve pero feliz fase como escritor en la radio. La etapa de Fellini en la radio marca el debut del maestro en el mundo del espectáculo y el inicio de la relación afectiva y artística con Giulietta Masina. En los últimos años firmó un noventa guiones de Fellini, incluyendo las presentaciones de los programas de música, revistas, radio, a la famosa serie Cico y Pallina. La serie se emitió entre 1942 y 1943, contaba la historia de una joven pareja. En julio de 1943, Giulia presenta a Federico a sus padres, y la pareja contrajo matrimonio en octubre de ese mismo año. El 22 de marzo de 1954, Giulia y Federico tuvieron un hijo, Pier Federico, que fallece tan sólo doce días después de su nacimiento.

La fase neorrealista Fellini de joven. A principios de los años cuarenta, Fellini conoce a Tullio Pinelli, un dramaturgo, y fundan una asociación profesional. Fellini y Pinelli son los encargados de redactar el texto que dará a conocer a Aldo Fabrizi. En 1944, tras la caída del fascismo en una Roma apenas liberada de las tropas armadas, abrió una tienda de retratos y caricaturas, The Funny Face Shop. El 1945 se produce el primer encuentro de Fellini con Roberto Rossellini y comenzó su contribución a la película más emblemática del cine italiano de posguerra: Roma città aperta (Roma ciudad abierta). Fellini también escribió guiones para otros directores reconocidos como Alberto Lattuada (Sin piedad, El molino del Po), Pietro Germi (En nombre de la ley, La ciudad se defiende) y Luigi Comencini.

Después de colaborar en los guiones de otros films de Rossellini: Paisà (Camarada, 1946) y L´amore (El amor, 1948); y debutar en la dirección junto a Alberto Lattuada con Luces de variedades en 1950, su primera película en solitario como realizador fue Lo sceicco bianco (El jeque blanco, 1951) protagonizada por el cómico Alberto Sordi y escrita por Michelangelo Antonioni y Ennio Flaiano. Durante el rodaje de esta comedia entre satírica y burlesca con ecos del omnipresente neorrealismo de la época, Fellini conoció a Nino Rota, el músico que lo seguiría por el resto de su carrera.[4]

La resonancia internacional La actriz Giulietta Masina con quien Fellini se había casado en 1943, se convirtió en su musa absoluta y en el personaje físico y sobre todo emocional que fascinó al público de medio mundo en títulos dorados del cine italiano como Almas sin conciencia, Las noches de Cabiria, La Strada, Giulietta de los espíritus o Ginger y Fred. Otro actor que aparece constantemente en sus filmes es Marcello Mastroianni, quien estudiaba interpretación en la misma escuela que Massina, y que fue gran amigo del director. De hecho, Mastroianni aparece en algunas de sus películas más importantes, siempre interpretando el papel principal (entre ellas La Dolce Vita y Ocho y medio). Fellini trabajó también con actores como Anita Ekberg, a quien lanzó a la fama, Sandra Milo, los ya citados Sordi y Fabrizi, Anouk Aimée, Claudia Cardinale, Richard Basehart, Sylva Koscina, Freddie Jones o Roberto Benigni. Los guionistas con los que siempre trabajó (Bernardo Zapponni por ejemplo), lograron encontrar el modo de aunar diálogos y estructuras a la plasticidad, expresividad y enorme personalidad cinematográfica de Fellini (presente en la narrativa, encuadres, temáticas sobre lo onírico, el patetismo, la crueldad, la felicidad, la desolación, lo diferente, lo

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Federico Fellini extravagante, la provocación, el humor, la farándula, lo mediterráneo...), y todo ello llega a desbordar rabiosamente la gran mayoría de sus películas.

La madurez Su época de madurez está marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado coincidiendo con dos acontecimientos clave: al final de la supremacía de los grandes estudios estadounidenses y europeos, y el relevo generacional tan rupturista como radical que se produce en los primeros años 70 en medio mundo, a lo que se une el auge de la televisión como motor del ocio diario de la gran mayoría del público, acompañada de la fabricación de un nuevo invento que cambia el concepto de la industria del cine predominante hasta entonces: el vídeo doméstico. También ahora, la superación del cine de estructura clásica perjudica la carrera del cineasta ya que, paradójicamente, es ahora cuando el maestro italiano se vuelve —al menos aparentemente— más convencional en sus propuestas y su cine "pasa de moda" en aras de las nuevas corrientes del cine del viejo continente (el thriller de Jean Pierre Melville, el clasicismo filosófico de François Truffaut, el compromiso político de Pier Paolo Pasolini, las innovaciones estéticas y formales de Bernardo Bertolucci, el lirismo poético y metafísico de Andréi Tarkovski, el auge de los nuevos y jóvenes creadores (Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders, Carlos Saura, Ken Russell, Vilgot Sjöman, Hristo Popov). Sin embargo es en este momento cuando Fellini se vuelca en hacer obras más pequeñas y personales, con menor presupuesto pero de encomiable envergadura artística, ya que esta crisis profesional no resta valía a los proyectos que va rodando y estrenando: I clowns (Los clowns, 1970); Roma, (1972); Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta, 1979) o E la nave va (Y la nave va, 1983).

Filmografía Hay tres momentos en la filmografía de este director: Sus inicios, en constante coqueteo con la corriente neorrealista predominante en el cine italiano de los 40 y 50, y en aras de encontrar un estilo propio que le definiera como creador (de El jeque blanco a Almas sin conciencia pasando por la estupenda Los inútiles (I vitelloni, 1953); la fama internacional y conquista de las taquillas de todo el mundo, Óscar incluidos (La strada, Las noches de Cabiria, La dolce vita, Julieta de los espíritus, El Satiricón, Casanova y Amarcord); y la época de madurez, marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado.

Como director • • • • • • • • • • • • • •

Luci del varietà (Luces de variedades) (1950) Lo sceicco bianco (El jeque blanco) (1951) I vitelloni (Los inútiles) (1953) L'amore in città (Amor en la ciudad) (1953) La strada (1954) Il bidone (Almas sin conciencia/El cuentero) (1955) Le notti di Cabiria (Las noches de Cabiria) (1957) La Dolce Vita (íd.) (1960) Boccaccio '70 (1962) Otto e mezzo (8 ½) (1963) Giulietta degli spiriti (Giulietta de los espíritus / Julieta de los espíritus) (1965) Tre passi nel delirio (Historias extraordinarias) (1968) Block-notes di un regista (1969) — TV Satyricon (Fellini Satyricon) (1969)

• I clowns (1971) • Roma (Roma de Fellini) (1972)

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Federico Fellini • • • • • • • •

Amarcord (1973) Casanova (1976) Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta) (1978) La città delle donne (La ciudad de las mujeres) (1980) E la nave va (Y la nave va) (1983) Ginger e Fred (Ginger y Fred) (1986) Intervista (Entrevista) (1987) La voce della luna (La voz de la luna) (1990)

Como guionista • • • • • • •

Lo vedi come sei... Lo vedi come sei? de Mario Mattoli (1939) Imputato alzatevi! de Mario Mattoli (1939) Il pirata sono io! de Mario Mattoli (1940) I cavalieri del deserto de Gino Talamo y Osvaldo Valenti (1940) Avanti, c'è posto de Mario Bonnard (1942) Quarta pagina de Nicola Manzari (1942) Campo de' fiori de Mario Bonnard (1943)

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Apparizione de Jean de Limur (1943) L'ultima carrozzella de Mario Mattoli (1943) Tutta la città canta de Riccardo Freda (1945) Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) de Roberto Rossellini (1945) Chi l'ha visto? de Goffredo Alessandrini (1945) Camarada (Paisà) de Roberto Rossellini (1946) Il passatore de Duilio Coletti (1947) Il delitto di Giovanni Episcopo de Alberto Lattuada (1947) Senza pietà (Sin piedad) de Alberto Lattuada (1948) El molino del Po (Il mulino del Po) de Alberto Lattuada (1948) El amor (L'amore) de Roberto Rossellini (1948) En nombre de la ley (In nome della legge) de Pietro Germi (1949) Il cammino della speranza de Pietro Germi (1950) Luces de variedades (Luci del varietà) (1950) Francisco, juglar de Dios (Francesco, giullare di Dio) de Roberto Rossellini (1950) La città si difende de Pietro Germi (1951) Cameriera bella presenza offresi... de Giorgio Pastina (1951) Il brigante di tacca del Lupo de Pietro Germi (1952) El jeque blanco (Lo sceicco bianco) (1951) Europa '51 de Roberto Rossellini (1951) Los inútiles (I vitelloni) (1953) L'amore in città (1953) — episodio Un'agenzia matrimoniale La strada (1954) Alma sin conciencia (Il bidone) (1955) Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria) (1957) Fortunella de Eduardo De Filippo (1958) La dolce vita (1960) Boccaccio '70 (1962) — episodio Le tentazioni del dottor Antonio

• Fellini 8 ½ (8 e ½) (1963) • Julietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti) (1965)

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Federico Fellini • • • • • • • • • • • • • •

Tre passi nel delirio (1968) — episodio Toby Dammit Block-notes di un regista (1969) — TV Noches en la ciudad (Sweet Charity) de Bob Fosse (1969) Satyricon (Fellini Satyricon) (1969) I Clowns (1971) Roma de Fellini (Roma) (1972) Amarcord (1973) Casanova (1976) Prueba de orquesta (Prova d'orchestra) (1978) La ciudad de las mujeres (La città delle donne) (1980) Y la nave va (E la nave va) (1983) Ginger y Fred (Ginger e Fred) (1986) Entrevista (Intervista) (1987) La voz de la luna (La voce della luna) (1990)

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000019 [2] Liceo Classico Giulio Cesare. « Historia (http:/ / www. liceocesarevalgimigli. it/ pagina. asp?id_rubrica=137& codice_categoria=9768& id_categoria=79& id_contenuto=)». [3] Declaraciones de Federico Fellini en 1966, recogidas por Bertieri, Claudio en Los comics humorísticos "a la italiana" para la Historia de los Comics, volumen II, fascículo 14, Editorial Toutain, Barcelona, 1982, pp. 365 a 372. [4] Tullio Kezich, Su la Dolce Vita con Federico Fellini, Venezia, Marsilio, 1996.

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Federico Fellini. Commons

• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Federico Fellini. Wikiquote • Ficha de Federico Fellini en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000019) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000019) en Internet Movie Database. • El circo de Federico Fellini (http://www.homines.com/cine/circo_fellini/index.htm) (en español) • Ficha de Federico Fellini en El Poder de la Palabra (http://www.epdlp.com/director.php?id=770) • Federico Fellini y los Óscar. (http://www.miradas.net/0204/estudios/2004/03_oscars/articulo2.html)

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Francis Ford Coppola

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Francis Ford Coppola Francis Ford Coppola

Nacimiento

Detroit, Míchigan, Estados Unidos 7 de abril de 1939 (73 años)

Ocupación

Director Productor Guionista

Año de debut

1963 Familia

Cónyuge

Eleanor Jessie Neil (1963-presente)

Hijo/s

Gian-Carlo Coppola (1963–1986) Roman Coppola (n. 1965) Sofia Coppola (n. 1971) Premios

Premios Óscar

Mejor director 1974 El padrino II Mejor película 1972 El padrino 1974 El padrino II Mejor guion adaptado 1972 El padrino 1974 El padrino II Mejor guion original 1970 Patton

Globos de Oro

Mejor director 1973 El padrino 1980 Apocalypse Now Mejor película - Drama 1973 El padrino Mejor película - Comedia o musical 1974 American Graffiti Mejor banda sonora 1980 Apocalypse Now Mejor guion 1973 El padrino

Premios BAFTA

Mejor director 1979 Apocalypse Now

Francis Ford Coppola

126 Festival de Cannes Palma de Oro 1974 The Conversation 1979 Apocalypse Now Ficha

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en IMDb

Francis Ford Coppola (nacido en Detroit, el 7 de abril de 1939) es un guionista, productor y director de cine estadounidense, cinco veces ganador del premio Óscar. Hijo del compositor y director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Pennino Coppola, ingresó en la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años más tarde se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Su carrera inició en 1963 con la dirección de Dementia 13, de la cual también realizó el guion. Desde eso ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan producciones como La conversación (1974), la bélica Apocalypse Now (1979) o la adaptación al cine de la novela de Bram Stoker Drácula (1992). Sin embargo sus obras más reconocidas y ovacionadas son El padrino y El padrino II, ambas adaptaciones del Best-seller homónimo del novelista italoamericano Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor película y Mejor guion adaptado (que compartió con Puzo por co-escribirlo), mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía estadounidense (la única secuela en ganar un Óscar), con la que recibió un premio de la Academia por Mejor director. Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse Now una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood. Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor, destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas, THX-1138 y American Graffiti, y otras como Kagemusha, Kinsey o Sleepy Hollow. Fuera de las luces del séptimo arte se desempeña como viticultor, hotelero y publicista. Es padre del director de películas y videos musicales Roman Coppola y de la actriz, directora, productora y guionista ganadora del Óscar Sofia Coppola, así como tío del actor Nicholas Kim Coppola, conocido como Nicolas Cage, y hermano de la actriz Talia Shire.

Infancia y juventud Nació en Detroit, Míchigan como Francis Coppola (El segundo nombre, Ford, se lo puso en homenaje al director norteamericano John Ford). Hijo de Carmine Coppola (director de orquesta y flautista), y de Italia Coppola, (actriz que trabajó en su juventud en Italia). Es hermano de Talia Shire Coppola, padre de Sofia Coppola y tío de Nicolas Cage. A los nueve años cayó gravemente enfermo a causa de la poliomielitis, que le tuvo postrado en la cama cerca de un año en estado casi paralítico. Durante ese tiempo su única distracción fueron las marionetas y las películas familiares en «Súper 8».[2][3] En 1957, decidido a convertirse en artista, ingresó a la Universidad Hofstra con 18 años de edad y se inscribió en la carrera de en Artes Dramáticas, donde llamó la atención por un montaje que realizó de Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire, de Tennesse Williams). Allí conoció a varios colaboradores, entre ellos Ronald Colby y Robert Spiotta, quienes ayudarían en la producción de El padrino, y también a los actores James Caan y Lainie Kazan, con quienes entablaría amistades duraderas.[4] En 1960 obtuvo el título de Artes Teatrales y ese mismo año se graduó en la UCLA, cuyo plan de estudios no le agradó, pero le facilitó sus primeros contactos en la industria en la que pensó hacer fortuna y gloria.[5]

Francis Ford Coppola

Años 1960 A principios de la década de los sesenta empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son nudies (películas eróticas) de bajo presupuesto, pero esto no le importó. En este período completó los filmes Tonight for Sure y The Bellboy and the Playgirls, mediometrajes con desnudos y en los que demostró escaso interés. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven talentoso con potencial para ser instruido en el medio cinematográfico, y seguidamente establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal.[6] Dementia 13 Su primera película acreditada fue Dementia 13, un largometraje de terror de bajo presupuesto hecho para Corman en 1963 y rodado en el transcurso de nueve días en Irlanda. Pero ese mismo año ya había participado en la realización, sin aparecer en los créditos, de otro filme para el mismo director y productor, denominado The Terror. Se sabe que Coppola montaba y colaboraba en muchos filmes de su mentor Corman mientras estudiaba en la universidad. No obstante, a Corman no le agradó el resultado final de la película y contrató a otro equipo dirigido por Jack Hill para que finalizase el rodaje, rompiendo definitivamente su relación con Coppola.[7][8][9] You're a Big Boy Now No fue hasta 1966 cuando Coppola dirigiría su primer título destacable, You're a Big Boy Now, entre otras cosas porque por primera vez incluía en él temas e inquietudes que le eran propios, tales como la búsqueda de independencia vital y el retrato de la juventud como uno de los tesoros malgastados de la sociedad. Filmado como su proyecto de fin de carrera, obtuvo por él matrícula de honor. Parcialmente autobiográfico, de irrisorio presupuesto, hoy en día es un filme muy desconocido y pendiente de revisión por el gran público.[10][11] El valle del arco iris A Coppola le ofrecieron dirigir un filme basado en la obra musical de Broadway El valle del arco iris, protagonizada por Petula Clark (en su primer filme americano) y el veterano Fred Astaire, y producida por Jack Warner, quien quedó desconcertado al ver el aspecto hippie de Coppola en aquella época. Adecuando material obsoleto a una época donde los musicales no eran populares, Coppola logró hacer de El valle del arco iris un filme meritorio y su trabajo con Petula Clark contribuyó a que la actriz fuera elegida por primera vez como candidata para el Globo de Oro como mejor actriz. Hoy día es una película olvidada, incluso por su autor, y en su momento fue acogida con indiferencia.[12][13] The Rain People Después de este encargo, Coppola decidió regresar con otro filme personal en el que poder demostrar que además de ser un buen director de estudio, con la capacidad de aceptar proyectos ajenos, era al mismo tiempo un autor con muchas cosas que contar y un estilo propio. Producto de ello es uno de sus filmes más personales, aunque también más desconocidos por el gran público: el drama The Rain People, que en 1969 le haría ganar la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. En 1969 funda su propia compañía productora, American Zoetrope, de la que era presidente ejecutivo y George Lucas vicepresidente.[14] Cerraba así una prometedora primera década.

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Francis Ford Coppola

Años 1970 En 1971, Coppola ganó un Óscar al mejor guion original junto con Edmund H. Northon por el filme Patton. Su participación en este prestigioso y exitoso título era sólo el preludio de su década dorada, en la que se convertiría, progresivamente, en el director más influyente del mundo, el más exitoso, en un productor poderoso y de gran ambición.[15] El padrino Durante 1971 y 1972 se vio embarcado en el proyecto que le cambiaría la vida. Reacio en un principio a encargarse de la adaptación del best-seller homónimo publicado hacía pocas fechas por el escritor Mario Puzo, Coppola vería cómo su vida cambiaba una vez que el infernal rodaje, de tan sólo 52 días, terminaba y veía a su película convertirse en la más taquillera de todos los tiempos y en ganadora de tres premios Óscar importantísimos, y a sí mismo en un creador capaz de llevar a cabo los más ambiciosos proyectos imaginables.[16][17] Con el estudio disconforme con el reparto (especialmente por la presencia en él de la estrella Marlon Brando y del debutante Al Pacino) Coppola tuvo que pelear enconadamente con los ejecutivos de la Paramount para que le respetasen sus decisiones y para no ser sustituido a la semana de rodaje por un director más violento, pues creían que él no sería capaz de dotar al filme de la intensidad con la que esperaban atraer a millones de espectadores a las salas.[18] Coppola les demostró, con la secuencia de la ejecución del gánster Sollozo y de su guardaespaldas el capitán McCluskey, a cargo de Michael Corleone, que tanto Pacino como él mismo eran los idóneos para protagonizar y dirigir la película respectivamente. Asimismo, Marlon Brando, en su colosal creación del Don, demostraba, una vez más, su grandioso talento para la caracterización extrema, que a partir de ese momento fue el paradigma del mafioso, que muchos de ellos intentarían imitar en su vida profesional. Coppola, que coescribió la adaptación mano a mano con Puzo, en un principio se tomó el proyecto como un encargo profesional, pero poco a poco fue impregnando la historia con su propia experiencia ítalo-americana, dotando a la historia de una verosimilitud y una credibilidad pocas veces vista en esta clase de relatos negros. La soberbia fotografía del purista Gordon Willis y el diseño de producción del habitual en Coppola, a partir de entonces, Dean Tavoularis, terminaron por darle al primer filme de El padrino esa aura de clasicismo inolvidable que durante más de treinta años sigue enamorando a los cinéfilos. Pero la ambición y el talento de Coppola no conocían límites en aquel entonces y, decidido a convertirse en el más grande, estrenó dos obras maestras en 1974. Dos años después de El padrino y convertido en multimillonario, filmaría La conversación y la segunda parte de la historia de Michael Corleone en El padrino, parte II. En la plenitud de su éxito y de su confianza en sí mismo, en marzo cosecharía seis premios de la academia de Hollywood por El padrino, parte II (convirtiéndose en la primera secuela que se alzaba con el Óscar a la mejor película) y en mayo la Palma de oro por La conversación.[19][20] Esta cinta, protagonizada por Gene Hackman en uno de sus más aclamados trabajos, era un soberbio estudio del sonido dirigido por Walter Murch, por el que ganaría el Óscar al mejor montaje de sonido (no en vano Hackman encarna a un profesional de las escuchas telefónicas), para un relato sombrío y lento, de gran densidad psicológica, basada en los silencios y en la reflexión más que en una dinámica más habitual en el género de la intriga. Considerada por muchos una de las obras magnas de su realizador, La conversación ha envejecido tan bien como los dos primeros padrinos. Por su parte, El padrino, parte II, con un presupuesto que doblaba el de su predecesora, lograba la gran hazaña de superar a un título mítico. Adentrándose en la tragedia (de raíz shakesperiana y homérica) de Michael Corleone, con la presencia, una vez más, de John Cazale, Robert Duvall, Talia Shire, Diane Keaton, y las incorporaciones de otros gigantes de su oficio como Lee Strasberg, Robert De Niro o Michael V. Gazzo; El padrino, parte II se estructuraba en dos líneas temporales que se trenzaban de manera primorosa. Por una parte, nos narra cómo Vito Corleone huyó de Sicilia a Norteamérica y se convirtió en un rey de la mafia de Nueva York. Por otro, nos retrata la lucha de Michael Corleone por proteger a su familia de los poderosos adversarios que acosan a los Corleone. Coppola consiguió sus tercer, cuarto y quinto Óscar aquel año por aquella obra maestra.

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Francis Ford Coppola Endiosado, encumbrado y rico, Coppola aún tuvo tiempo para escribir la adaptación de 1974 de El gran Gatsby y para producirle a su amigo George Lucas su segunda película, el gran éxito y mito generacional American Graffiti. Pero Coppola aún no había superado a su gurú, Orson Welles, y estaba dispuesto a intentarlo con la adaptación de Heart of Darkness. Heart of Darkness (Apocalypse Now) La primera película del joven Orson Welles tenía que haber sido la adaptación de la famosa novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas, pero ese proyecto fue abandonado por su elevado costo. Casi cuarenta años después, no existía mayor aliciente para Coppola (como luego lo fue el proyecto de Drácula) que realizar el proyecto que su gran mito en el cine no había podido hacer. Inicialmente, Coppola quería ofrecer la película, que él había coescrito con John Milius, a su gran amigo George Lucas. Dándose cuenta de que él mismo era el único con la ambición para llevarla a buen puerto, comenzó el rodaje el 1 de marzo de 1976, sin saber que hasta el 21 de mayo de 1977 no daría el último «corten» y hasta 1979 no la estrenaría, con el título Apocalypse Now. La cinta únicamente toma como referencia del relato original a sus dos principales personajes, a un ambiente de salvajismo primigenio y al viaje psicológico y espiritual que Willard emprende en pos de Kurtz. Pero, una vez más, Coppola demostró su talento para extraer de un texto materiales insospechados cuando dotó a su filme de una épica militarista y densamente onírica. Pero casi desde el principio la desgracia se alió con el rodaje, y las tragedias y los desastres se sumaron uno tras otro. El protagonista Martin Sheen sufrió un infarto que a punto estuvo de acabar con su vida, aunque pudo regresar en sorprendente buena forma al rodaje. Un huracán destruyó gran parte de los decorados. Marlon Brando mortificó a Coppola con exigencias excesivas de dinero y planes de rodaje a su gusto. El presupuesto del filme se disparó rápidamente. El gobierno de Filipinas se llevaba los helicópteros que Coppola utilizaba para las escenas de batalla sin previo aviso, pues estaban en guerra. Pero Coppola supo mantenerse a flote y, en la cuerda floja, utilizó la pesadillesca experiencia para aportar al rodaje un tono y una tensión nunca antes experimentados en una sala de cine. Con un tratamiento del sonido, obra de Walter Murch, y una fotografía, obra de Vittorio Storaro, en verdad memorables, Coppola firmaba una de las obras de arte más importantes de las postrimerías del siglo XX. Endeudado y casi enloquecido por el rodaje, pudo recuperar lo invertido gracias a la fama y la taquilla que inmediatamente acompañaron a su estreno. No en vano, en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje, fue presentada y ganó la Palma de oro. Es célebre la rueda de prensa en la que Coppola dijo la famosa frase: «Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam». Muchos años después de aquella película, en 1991, vería la luz el excelente documental en torno a la rodaje y a la locura de aquella mítica película, Heart of Darkness, en la que los «supervivientes», especialmente Eleanor Coppola, hablan de sus experiencias en la jungla filipina.

Años 1980 Después de una década febril y esplendorosa, Coppola vería como sus sueños, uno a uno, especialmente el de mantener un estudio en San Francisco (los Zoetrope), ajeno a la industria de Hollywood, le llevaba a la bancarrota, con los bancos reclamándole miles de millones de dólares y la entrega de su casa y su patrimonio, y con la obligación de regresar a la realización de proyectos de encargo, después de acariciar la posibilidad de no tener que volver a hacerlo. One from the Heart En 1982 y convencido de que nada podía pararle, dirige el musical, creado a la vieja usanza, One from the Heart, que con un coste superior a los veinte millones de dólares, y una taquilla cercana a la décima parte de esa cifra, supondría su gran desastre como productor y dueño de unos estudios que de la noche a la mañana se verían desmantelados. Obra de gran mérito pero lastrada por encajarse en una época en la que a nadie le interesaban obras de esa índole,

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Francis Ford Coppola One from the Heart supone el «Titanic» personal de Coppola y la razón de su periplo vital por los años ochenta. Hammett En 1982 tiene que terminar el filme que le había encargado a Wim Wenders, Hammett, porque él sólo había terminado el 30% de la película.[21] Wenders realizó un cortometraje titulado Reverse Angle, en el que documentó sus disputas con Coppola durante el rodaje de Hammett. The Outsiders y Rumble Fish Coppola realiza al año siguiente dos filmes y al siguiente, 1984, otro más, una superproducción de encargo. Los dos primeros, The Outsiders y Rumble Fish, se hallan entre sus obras más personales, arriesgadas y mejores. Ambos significan el descubrimiento de una cantera de actores, (Tom Cruise, C. Thomas Howell, Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estévez, Diane Lane, su sobrino Nicolas Cage, Chris Penn y Mickey Rourke) que triunfará en el cine norteamericano de las siguientes décadas y ambas son relatos de jóvenes rebeldes que viven la vida a su manera, con ideas románticas y desesperadas. De especial relevancia es la segunda de ellas, inspirada en Sed de mal en su tratamiento del blanco y negro y con el tema recurrente del paso del tiempo (esencial en la obra del cineasta). Cotton Club Pero el fracaso de ambas películas lo obliga a aceptar el encargo de dirigir la ambiciosa The Cotton Club cuando ésta llevaba una semana de rodaje, convencido por el productor de El padrino, Robert Evans. Protagonizada por la estrella Richard Gere, Coppola logró colocar a su musa, la jovencísima Diane Lane, como compañera del protagonista. Coppola dirigió esta mezcla de musical y película de gánsters con destreza y buen gusto, y la crítica alabó el esfuerzo aunque parte de ella la recibió con tibieza y el público le dio la espalda. Su gran costo, superior incluso al de One from the Heart, y sus escasos resultados en la taquilla, terminaron por otorgar a Coppola una fama de derrochador y de director maldito. Su carrera parecía así herida de muerte. Peggy Sue Got Married En 1986 accedió a realizar un encargo más pequeño aunque muy personal, la exitosa Peggy Sue Got Married, en la que reincidía en su estudio, aquí atemperado, del paso del tiempo y en una visión romántica e ingenua de la narración audiovisual. Ese año, sin embargo, le golpeaba cruelmente la muerte de su primogénito Gio Coppola, en un accidente de moto acuática, mientras rodaba su filme Jardines de piedra. Al año siguiente filmó un episodio televisivo, «Rip Van Winckle», parte de la serie llamada Faerie Tale Theatre. Tucker Intentando sobreponerse al desastre de su vida familiar y profesional, seguiría trabajando, aún con muchas dificultades. Lucas, devolviéndole el favor de American Graffiti y ahora que él era rico y su amigo Coppola era un hombre arruinado, accedió a producirle la muy personal, emotiva y brillante Tucker, protagonizada por Jeff Bridges y que se convirtió en una de las películas más emblemáticas de su autor, quien a través de un visionario del mundo del automóvil conseguía contar su propia historia de éxitos y fracasos. Esta fue la primera película en varios años en la que Coppola firmaba como Francis Ford, y no como Francis Coppola a secas, según algunos dando a entender que los filmes en los que firmaba de ésta segunda forma no eran más que meros filmes de encargo. Tucker representa un explícito alter-ego del propio F. F. Coppola, tal como lo es Michael Corleone y, de un modo más perturbador, el Willard de Apocalypse Now. El visionario diseñador y constructor de coches revolucionarios viene a contar la propia historia de Coppola, pues ambos se enfrentan a las grandes compañías para intentar construir sus propios sueños.

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Francis Ford Coppola Life without Zoe Al año siguiente, y dando por finalizada su terrible década, participó en el filme coral, junto con sus amigos Woody Allen y Martin Scorsese, New York Stories, para el que dirigió el segmento Life without Zoe, que la crítica no dudó en calificar como el peor de los tres.

Años 1990 El padrino III Decidido a salir de una vez por todas de su monstruosa crisis económica, Coppola accedió finalmente a realizar un filme más sobre la familia Corleone a cambio de un sueldo astronómico y de una tasa fija de intereses. Así, en 1990 se estrenó la conclusión de su colosal trilogía sobre Michael Corleone, con El padrino, parte III. Alejada de la épica y la energía de sus predecesoras, esta «coda», cómo el mismo gusta llamarla, es un relato crepuscular que no fue del agrado de muchos que esperaban una nueva aventura grandiosa de un todopoderoso Michael venciendo una vez más a sus enemigos. De hecho, la cinta cosechó numerosas críticas negativas, pese a un notable éxito de público que le permitió a Coppola cuadrar sus cuentas bancarias. En ésta ocasión, Michael es un anciano incapaz de sostener una lucha titánica y siniestra con el Vaticano, y ha de claudicar en favor del hijo bastardo de su hermano Sonny, Vincent (interpretado por Andy García, que resultó nominado al Óscar), para garantizar la supervivencia de su familia. Coppola utilizó esta película, además, para exorcizar demonios personales, y no ha intentado ocultarlo. En un principio el papel de la hija de Michael iba a estar interpretado por la actriz Winona Ryder, quien abandonó a las pocas semanas el rodaje sin dar explicaciones, lo que obligó a Coppola a conceder el importante personaje de Mary a su propia hija, la entonces debutante Sofia Coppola, quien recibió un auténtico varapalo de los críticos por ésta interpretación. Pero su padre la defiende, y la puso ahí pues con ella en pantalla pudo exorcizar (dado que Michael Corleone es un alter-ego suyo) la muerte de su hijo Gio y superar por fin también la tragedia. De esta forma, esta arriesgada y poco valorada película significó una superación vital para Coppola en muchos sentidos. La película obtuvo siete nominaciones y ni un solo premio, en favor de otra película considerada inferior por la crítica, Bailando con lobos de Kevin Costner. Esto certificó que, si bien Hollywood estaba dispuesto a admitir que el talento de Coppola no se había evaporado, no estaba dispuesto a hacerle regresar por la puerta grande ni a devolverle los privilegios de los que gozó en los años 70. Drácula Enseguida comenzó los trabajos para una adaptación de Drácula que él no escribió. Es sabido que Orson Welles siempre quiso adaptarla y por eso, entre otras razones, Coppola se esforzó tanto en ella. Con un reparto destacado (Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves) y una gran producción (aunque no demasiado grande para Hollywood), Coppola emprendió una aventura en la que intentó recuperar el aroma del cine primigenio hecho con maquetas, sombras y efectos rudimentarios. Aprovechó así la cercanía del centenario del cine y la casi coincidencia de la publicación de la novela y la invención del cine, para homenajear (véase la secuencia del cinematógrafo) con un tratamiento cercano, salvando las distancias, a lo que hubieran hecho con ese material los maestros del cine mudo y primeros años del sonoro, filmando con una cámara Pathé y su mecanismo de manivela. Siendo la más fiel de las adaptaciones de la famosa novela, es también un ejemplo de infidelidad literaria por la relación amorosa entre el conde y Mina, no presente en la novela, pero que en ningún momento deslegitima la adaptación, sino que la enriquece con un nuevo punto de vista que da fuerza a la decisión del conde, no explicada en la novela, de viajar a Inglaterra, que perfectamente podría haber estado incluida en el relato original. Algunos personajes, como Lucy Westenra, que a menudo en las adaptaciones cinematográficas era fusionado con el de Mina, eran aquí tratados con especial detalle. Otros que casi nunca han aparecido en las películas sobre el conde, como el doctor Seward, el tejano Quincy Morris o el aristócrata Arthur Holmwood, eran así mismo dotados de una presencia

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Francis Ford Coppola mucho mayor y más interesante. Son muy elocuentes ciertos atuendos y apliques de Drácula, como un kimono rojo de larga cola y una peluca kabuki. En la película, el vestuario diseñado por Eiko Ishioka es el decorado. Una de las tres novias de Drácula está interpretada por Mónica Bellucci y la formidable banda sonora es obra del autor polaco Wojciech Kilar. La película contiene referencias al cine de Pabst, Murnau, Jean Cocteau y Abel Gance, y múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con rudimentarios instrumentos), pero difícil ejecución: sombras que van a su bola, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, escenas marcha atrás y continuos desafíos a las leyes de la Física en la naturaleza de las cosas, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el magnífico fotógrafo Michael Ballhaus en colaboración con el hijo de Coppola (Roman Coppola, director de efectos visuales y ayudante de dirección) y Gary Gutiérrez, supervisor de efectos visuales. A pesar de la citada controversia sobre la fidelidad/infidelidad al libro y sobre el tratamiento visual de la obra, tan alejada de todo lo conocido anteriormente, y en especial alejada de la típica imagen del vampiro creada por Béla Lugosi o Christopher Lee, Bram Stoker's Dracula fue uno de los mayores éxitos económicos de Coppola, con cuyos beneficios se compró el castillo de Inglenook y un extenso territorio dedicado a los viñedos, y logró tres premios Óscar: vestuario, maquillaje y efectos sonoros.[22][23] Jack Recuperado por fin de su crisis económica y vital, el siguiente proyecto de Coppola sería Jack, protagonizada por Robin Williams y que narra la vida de un niño que envejece cuatro veces más rápido de lo normal, por lo que tiene 10 años de edad, en un cuerpo de un hombre de 40 años. Jack Powell persuade a sus padres (Diane Lane y Brian Kerwin) de que lo dejen ir a la escuela por recomendación de su tutor, el Sr. Woodruff (Bill Cosby). El resto de la película trata con los fracasos y exitos como estudiante en la escuela primaria hasta el final de sus días en la secundaria. Jack también tenía a Jennifer Lopez, Fran Drescher y Michael McKean como personajes secundarios. A pesar de ser un exito moderado en las taquillas, la película fue rechazada por los críticos, quienes no estaban a gusto con el abrupto contraste entre la comedia y el melodrama. También fue comparada infavorablemente con Big, protagonizada por Tom Hanks, cuyo rol protagónico era similar al de Williams. La mayoría de los críticos sintió que el guion estaba pésimamente escrito, no era gracioso y que el material dramático era inverosímil e inconvincente. Otros críticos sintieron que Coppola era demasiado bueno para realizar este tipo de películas. A pesar de ser ridiculizado por el filme, Coppola lo ha defendido, declarando que no está avergonzado de haberlo realizado. Coppola ha tenido una amistad con Williams por muchos años y siempre ha querido hacer una película con él como actor. Cuando Williams leyó el libreto de Jack, dijo que lo aceptaría solo si Coppola aceptaba ser el director de la película.

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The Rainmaker Al año siguiente y firmando el guion por primera vez en siete años, filmó uno de sus filmes más emotivos con la adaptación de John Grisham The Rainmaker (conocido en castellano como Legitima defensa, o El poder de la Justicia,[24]) protagonizada por Matt Damon, Claire Danes, Danny DeVito, Danny Glover y Jon Voight. Un drama judicial sobrio y emotivo con el que Coppola cierra los noventa.

Siglo XXI Apocalypse Now Redux En 2001 presentó en el Festival de Cannes un nuevo montaje de su Apocalypse Now, que lleva a cabo con sus colaboradores Vittorio Storaro y Walter Murch, y al que titula Apocalypse Now Redux, en la que añadió cerca de media hora de metraje inédito y que en su momento no le agradó. La nueva película entusiasmó a un sector de la crítica, que considera este montaje incluso superior al primero. Otros sectores fueron más fríos con esta propuesta.[25] Youth Without Youth

Retrato de Coppola durante el festival de Cannes, 2001.

Después de casi diez años sin estrenar una nueva película, Coppola volvió con el melodrama Youth Without Youth, protagonizado por Tim Roth, Alexandra Maria Lara y Bruno Ganz, entre otros. Un filme de bajo presupuesto y rodado en Rumania con equipo europeo con el que Coppola se reinventa artísticamente después de diez años inactivo.

Francis Ford Coppola Tetro En 2008 preparó en Argentina un nuevo filme, Tetro, relatando la inmigración italiana que pobló Buenos Aires en los inicios del siglo XX, hablada en inglés, con la anunciada participación de Vincent Gallo, Maribel Verdú, Alden Ehrenreich, Klaus Maria Brandauer, Carmen Maura, Rodrigo De la Serna, Leticia Brédice, Mike Amigorena, Sofía Gala, Érica Rivas, Silvia Pérez, Norma Pons y Adriana Mastrángelo.[26]

Trabajo como productor Prácticamente desde sus inicios como cineasta, F.F. Coppola ha desarrollado una encomiable y a veces fascinante carrera como productor, no solo de sus propias películas o las de sus hijos y amigos, sino de proyectos muy dispares a los que ha prestado su apoyo para que pudieran hacerse realidad. Participó en las dos primeras películas de su amigo íntimo George Lucas, THX-1138 y American Graffiti, asumiendo parte de las pérdidas de la primera y financiando la propia distribución de la segunda cuando ésta no encontraba distribuidores (luego sería un grandioso éxito económico). A continuación se aseguró de que el proyecto de Black Stallion, y su secuela, llegaran a hacerse. Así mismo, una de las películas más emblemáticas de Kurosawa, Kagemusha, existe gracias a su intervención como productor. Contrastando con su progresiva pérdida de poder y control de sus películas como director, su labor como productor se ha ido afianzando a lo largo de las décadas, hasta unos productivos, prolíficos y exitosos años 90 en los que ha sabido compaginar Edificio de Zoetrope-transamerica, en San Francisco. proyectos ambiciosos (Kinsey, El Buen Pastor) con meras cintas comerciales (Sleepy Hollow, Jeepers Creepers, Don Juan de Marco, Mary Shelley's Frankenstein).

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Otros trabajos • Vinos. En recientes años, se ha dedicado también a otros negocios, como la elaboración de vinos en el Valle de Napa de California, con su bodega Niebaum-Coppola. • Pasta. También produce una línea de especial de pastas y salsas: Mammarella. • Hoteles. Ha abierto hoteles en Guatemala, Belice, y recientemente en Buenos Aires, en el barrio de Palermo. • Revista. En 1997, Coppola fundó Zoetrope All-Story, una revista literaria que publica historias cortas. La revista ha publicado relatos de ficción de T. C. Boyle y Amy Bloom, y ensayos de David Mamet, Steven Spielberg y Salman Rushdie. Desde su fundación, la revista ha crecido en reputación para llegar a ser uno de las más importantes especializadas en la ficción literaria. Coppola sirve como editor fundador y publicista de todo tipo de historias.[27]

Escalera en la bodega de Coppola.

Familia Sus hijos lo han seguido en su carrera cinematográfica. Sofia Coppola, pese a las malas críticas iniciales cosechadas por su interpretación en El padrino III, ha alcanzado una gran reputación como directora y guionista con los filmes Las vírgenes suicidas, Lost in Translation y María Antonieta. Otro hijo, Roman Coppola, también ha realizado algunos filmes. Además de sus hijos, su hermana Talia Shire, actriz de la saga Calle de Palermo, barrio donde Coppola instaló su nuevo hotel de Rocky y de El padrino, su padre, Carmine Coppola, boutique. fue un renombrado compositor y músico y escribió las melodías de muchos de sus filmes; y sus sobrinos Nicolas Cage, famoso actor de grandes producciones hollywoodienses, y Jason Schwartzman (hijo de Talia), también actor pero ha basado su carrera en el cine independiente.

Filmografía

Francis Ford Coppola

Año

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Título

Contribución

Notas

1962 Tonight for Sure

Director/Guion

Primera película

1962 The Bellboy and the Playgirls

Director/Guion

1963 Dementia 13

Director/Guion

1963 The Terror

Director/Productor

1966 You're a Big Boy Now

Director/Guionista

Nominada-Palma de Oro Nominada-Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical Nominada-Mejor Guion original - Comedia

1968 Finian's Rainbow

Director

Nominada-Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical

1969 The Rain People

Director/Guion

Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián

1970 Patton

Guion

Óscar al mejor guion original

1971 THX 1138

Productor

1972 El padrino

Director/Guion

Óscar a la mejor película Óscar al mejor guion adaptado David de Donatello a la mejor película extranjera Premio del Sindicato de Directores a la mejor dirección Globo de Oro a la mejor película dramática Globo de Oro al mejor director Globo de oro al mejor guion Premios WGA al mejor guion adaptado Nominado-Óscar al mejor director

1973 American Graffiti

Productor

Nominada-Óscar a la mejor película Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical

1974 La conversación

Director/Productor/Guion

Palma de Oro Premio del Jurado Ecuménico del Festival de Cannes- Mención especial Nominada-Óscar al mejor guion original Nominada-BAFTA al mejor director Nominada-BAFTA al mejor guion original Nominada-Premio del Sindicato de Directores al mejor guion de un largometraje Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática Nominada-Globo de Oro al mejor director Nominada-Globo de Oro al mejor guion Nominada-Premios WGA al mejor drama adaptado Nominada-Óscar a la mejor película

1974 El padrino II

Director/Productor/Guion

Óscar a la mejor película Óscar al mejor director Óscar al mejor guion adaptado Premios del Sindicato de Directores a la mejor dirección de un largometraje Premios WGA al mejor drama adapatado Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática Nominada-Globo de Oro al mejor director Nominada-Globo de Oro al mejor guion

Primer largometraje.

Francis Ford Coppola

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1979 Apocalypse Now

Director/Productor/Guion/Música Palma de Oro Globo de Oro al mejor director BAFTA al mejor director David de Donatello a la mejor película extranjera Nominada-Óscar a la mejor película Nominada-Óscar al mejor director Nominada-Óscar al mejor guion adaptado Nominada-BAFTA a la mejor película Nominada-Premio a la mejor película extranjera del Gran Festival de Cine Brasileño (2002) Nominada-César a la mejor película extranjera Nominada-Premios del Sindicato de Directores a la mejor dirección de un largometraje Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática Nominada-Premios Grammy a la mejor banda sonora Nominada-Premios WGA al mejor drama adaptado

1982 One from the Heart

Director/Guion

1983 The Outsiders

Director

Nominada-San Jorge de Oro del Festival Internacional de Cine de Moscú Nominada-Premios Young Artist a la mejor película

Director/Productor/Guion

Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián

1984 Cotton Club

Director/Guion

Nominada-Globo de Oro al mejor director Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática

1986 Peggy Sue Got Married

Director

Nominada-Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical Nominada-Saturn a la mejor película de ciencia ficción

1987 Gardens of Stone

Director/Productor

Nominada-San Jorge de Oro del Festival Internacional de Cine de Moscú

1988 Tucker: The Man and his Dream

Director

1989 Historias de Nueva York

Codirector/Coautor del guion

1990 El padrino III

Director/Productor/Guion

Premio Fotograma de Plata a la mejor película extranjera Nominada-Óscar a la mejor película Nominada-Óscar al mejor director Nominada-Premios del Sindicato de Directores a la mejor dirección Nominada-Globo de Oro a la mejor película dramática Nominada-Globo de Oro al mejor director Nominada-Globo de Oro al mejor guion

1992 Drácula de Bram Stoker

Director/Productor/Guion

Saturn a la mejor dirección Saturn a la mejor película de terror Premio Fotograma de Plata a la mejor película extranjera Nominada-Premio Hugo a la mejor representación dramática

1993 The Junky's Christmas

Director

Cortometraje

1994 Frankenstein de Mary Shelley

Productor

Nominada-Saturn a la mejor película de terror

1996 Jack

Director/Productor

Nominada-Premios Young Artist a la mejor película - Comedia o musical

1997 The Rainmaker

Director/Guion

1999 Las vírgenes suicidas

Productor

Sleepy Hollow

Productor

La ley de la calle

2001 CQ

Productor

2006 Marie Antoinette

Productor

2007 Youth Without Youth

Director/Productor/Guion

Francis Ford Coppola

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2009 Tetro

Director/Productor/Guion

2010 Somewhere

Productor

2011 On the Road

Productor ejecutivo

2011 Twixt

Director/Productor/Guion

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Francis Ford Coppola

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Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Francis Ford CoppolaCommons. • Bibliografía de la biblioteca de la Universidad de California Berkeley (http://www.lib.berkeley.edu/MRC/ CoppolaBib.html) (en inglés) • Ficha de Francis Ford Coppola en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000338) y en español (http:// www.imdb.es/name/nm0000338) en Internet Movie Database. • Página web de la bodega Niebaum-Coppola (http://www.niebaum-coppola.com/site.php) (en inglés)

Frank Capra Frank Capra Nombre real

Francesco Rosario Capra

Nacimiento

Bisacquino, Sicilia, Italia 18 de mayo de 1897

Fallecimiento

La Quinta, California, Estados Unidos de América 3 de septiembre de 1991 (94 años) Familia

Cónyuge

Helen Howell (1923-1927) Lou Capra (1932-1984) Premios

Premios Óscar Mejor película 1934 It Happened One Night 1938 You Can't Take It with You Mejor director 1934 It Happened One Night 1936 Mr. Deeds Goes to Town 1938 You Can't Take It with You Globos de Oro Mejor director 1947 It's a Wonderful Life Ficha

[1]

en IMDb

Frank Capra (Bisacquino, Sicilia, Italia, 18 de mayo de 1897 - La Quinta, California, Estados Unidos, 3 de septiembre de 1991) fue un director de cine estadounidense de origen italiano ganador de tres premios Óscar. Es autor de algunas películas muy populares de la década de los 30 y 40 como los clásicos ¡Qué bello es vivir! o Mr. Smith Goes to Washington, entre otras.

Frank Capra

Primeros años Nacido con el nombre de Francesco Rosario Capra en Sicilia, Capra emigró a los Estados Unidos a la edad de seis años (1903) con su padre Salvatore, su madre Rosaria Nicolosi y sus hermanos Giuseppa, Giuseppe y Antonia. En California se reúnen con Benedetto Capra, (el hermano mayor) y se asientan en Los Angeles, California, donde Frank Capra cursó estudios en el Instituto Tecnológico de California (conocido entonces como el Throop Institute) obteniendo el grado de ingeniero químico. El 18 de octubre de 1918, se enrola, tras su graduación, en el ejército americano como profesor, siendo licenciado el 13 de diciembre de 1920 al contraer la gripe española. Ese año obtiene la ciudadanía estadounidense.

Carrera Al igual que otros directores de los años 30 y 40, Capra comenzó su carrera en el cine mudo, destacando como director y guionista de comedias protagonizadas por Harry Langdon y sus chicos. En 1930 Capra fue a trabajar para Mack Sennett y se trasladó a la Columbia Pictures donde colaboró estrechamente con el guionista Robert Riskin (marido de Fay Wray) y el cámara Joseph Walker. En 1940, Sidney Buchman substituye a Riskin.

Época dorada Tras los Premios de la Academia (Óscar) a mejor director y mejor película por It Happened One Night, en 1934, que también ganó los galardones para el mejor actor y actriz (Clark Gable y Claudette Colbert), Capra dirigió una serie de películas para Columbia de corte espiritual y humanitario. La más conocido es Mr. Deeds Goes to Town, las originales Lost Horizon, You Can't Take It with You y Mr. Smith Goes to Washington. Estuvo durante diez años sin dirigir otras comedias hasta la clásica Arsenic and Old Lace. Entre los actores que obtuvieron su éxito gracias a Capra están Barbara Stanwyck, James Stewart, Gary Cooper y Jean Arthur. Las películas de Capra disfrutaron de un importante éxito en los premios de la academia. It Happened One Night fue la primera película que ganó los cinco Óscar más importantes (a la mejor película, al mejor director, al mejor actor, a la mejor actriz y al mejor guion adaptado). En 1936, Capra gana su segundo Óscar a la mejor dirección por Mr. Deeds Goes to Town y en 1938 gana el tercero por You Can't Take It with You con el que ganó también el Óscar a la mejor película.

Documentalista de guerra Entre 1942 y 1948, produjo el film State of the Union, y dirigió o co-dirigió ocho documentales de guerra incluyendo Prelude to War (1942), The Nazis Strike (1942), The Battle of Britain (1943), Divide and Conquer (1943), Know Your Enemy Japan (1945), Tunisian Victory (1945) y Two Down and One to Go (1945). Su serie documental Why We Fight, que también ganó el premio de la Academia, es considerado una obra maestra de la propaganda de guerra. Capra se encaró a la tarea de convencer a un país para entrar en guerra, motivar a las tropas y obtener la alianza de la URSS, entre otras cuestiones de crucial importancia.

¡Qué bello es vivir! ¡Qué bello es vivir! (1946) es quizás la película más conocida de Capra. A pesar de no ser muy bien considerada por algunos sectores, fue nominada para cinco Óscar, incluidos el de mejor director y mejor fotografía. La película ha renacido gracias a la televisión, donde se ha convertido en un clásico de las Navidades en muchos países. Al expirar el copyright de la película, esta pasó a ser de dominio público y las emisoras de televisión creyeron que podían emitirla sin pagar royalties. Con este nuevo medio de comunicación, ¡Qué bello es vivir! ha quedado como una tradición navideña más. A pesar de que el copyright del film había expirado, estaba todavía protegido en virtud de haber sido realizado basándose en otro material que sí estaba protegido, como el guion, la música, etc. la impugnación de la Corte

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Frank Capra Suprema de los Estados Unidos impidió su reemisión y en la actualidad solo puede verse en unas pocas cadenas, como la americana NBC. El American Film Institute la considera como uno de las mejores películas de la historia, estando en la undécima posición de la AFI's 100 Years... 100 Movies una lista de los mejores films americanos[cita requerida].

Último film La última película de Capra fue Pocketful of Miracles, de 1961, con Glenn Ford y Bette Davis. Capra habría querido hacer una película de ciencia ficción más adelante, pero no consiguió que éste superara la etapa de pre-producción. Algunos de los últimos trabajos del director consistieron en la producción de series científicas para la televisión. En 1982 fue homenajeado por el American Film Institute por su obra.

Muerte y legado Frank Capra murió en La Quinta (California) de un ataque al corazón mientras dormía, a la edad de 94 años. Fue enterrado en el cementerio de Coachella, California. Su hijo, Frank Capra, Jr. - uno de los tres hijos frutos del matrimonio con su segunda esposa, Lou Capra - es presidente de Screen Gems, en Wilmington, Carolina del Norte. El nieto de Frank Capra es Frank Capra III.

La biografía escrita de Capra En 1971, Capra publicó su autobiografía, The Name Above the Title. Sin entrar en detalles, ofrece un autorretrato de obligada lectura para la comprensión de esta figura del cine. Capra fue también el sujeto de una biografía escrita en 1991 por Joseph McBride titulada Frank Capra: The Catastrophe of Success. McBride corrige muchas de las impresiones dejadas por Capra en su autobiografía.

Filmografía • • • • • • • • • • • • • • • • • •

1922: Fultah Fisher´s Boarding House (Cortometraje) (La pensión de Fultah Fischer). 1926: The Strong Man (El hombre cañón). 1927: Long Pants (Sus primeros pantalones). 1927: For the Love of Mike (Los tres papás). 1928: That Certain Thing (Como se corta el jamón). 1928: So This Is Love (Abandonada). 1928: The Matinee Idol (El teatro de Minnie). 1928: The Way of the Strong. 1928: Say It with Sables. 1928: The Power of the Press (El poder de una lágrima). 1928: Submarine (Submarino). 1928: The Burglar. 1929: The Younger Generation (La nueva generación). 1929: The Donovan Affair (La sortija que mata). 1929: Flight (Águilas). 1930: Ladies of Leisure (Mujeres ligeras). 1930: Rain or Shine (Pasa el cielo). 1931: Dirigible.

• 1931: The Miracle Woman (La mujer milagrosa). • 1931: Platinum Blonde (La jaula de oro). • 1932: Forbidden (Amor prohibido).

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Frank Capra • • • • • • • • • • • • • • • • •

1932: American Madness (La locura del dólar). 1933: The Bitter Tea of General Yen (La amargura del general Yen). 1933: Lady for a Day (Dama por un día). 1934: Broadway Bill (Estrictamente confidencial). 1934: It Happened One Night (Lo que sucedió aquella noche, Sucedió una noche) 1935: Opera Hat. 1936: Mr. Deeds Goes to Town (El secreto de vivir). 1937: Lost Horizon (Horizontes perdidos). 1938: You Can't Take It With You (Vive como quieras, Tómalo o déjalo). 1939: Mr. Smith Goes to Washington (Caballero sin espada, El señor Smith va al Senado). 1941: Meet John Doe (Juan Nadie, Y la cabalgata pasa). 1944: Arsenic and Old Lace (Arsénico y encaje antiguo, Arsénico por compasión). 1944: Tunisian Victory. 1945: Know Your Enemy: Japan. 1945: Your Job In Germany. 1945: Two Down And One To Go. 1946: Qué bello es vivir.

• • • • •

1948: El estado de la Unión (State of the Union). 1950: Riding High (Así lo quiso la suerte). 1951: Here Comes the Groom (Aquí viene el novio). 1959: A Hole in the Head (Millonario de ilusiones, Un hombre sin suerte). 1961: Pocketful of Miracles (Milagro por un día, Un gángster para un milagro).

Serie documental “Why We Fight” 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7.

1943: Prelude To War. 1943: The Nazis Strike. 1943: Divide And Conquer. 1943: The Battle Of Britain. 1943: The Battle Of Rusia. 1944: The Battle Of China. 1945: War Comes To America.

Bibliografía • Bibliografía sobre Frank Capra [2] (en inglés) • Análisis de películas, libros, biografías, etc. [3] (en inglés)

Enlaces externos • • • • • •

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Frank Capra. Wikiquote Ficha de Frank Capra en inglés [4] y en español [1] en Internet Movie Database. Frank Capra [5] en Internet Broadway Database (en inglés) La trilogía del pañuelo "Películas que nos han hecho llorar" [6] Sobre los documentales militares de Capra [7] (en inglés) Revisión en profundidad de Qué bello es vivir [8]

• Qué bello es vivir [9] • Frank Capra Online [10] • Classic Movies (1939 - 1969): Frank Capra [11]

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Frank Capra

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Fuentes y contribuyentes del artículo

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Archivo:AlfonsoCuaron 20050923.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:AlfonsoCuaron_20050923.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 2.0  Contribuyentes: Alphax, B3t, Bagui, Howcheng, Ihiminen, Thelmadatter, 1 ediciones anónimas Archivo:Hitchcock, Alfred 02.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Hitchcock,_Alfred_02.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Studio publicity still. Original uploader was Connormah at en.wikipedia Archivo:Flag of the United States.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Flag_of_the_United_States.svg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Dbenbenn, Zscout370, Jacobolus, Indolences, Technion. 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